A N G E L O A C C A R D I , W I L F R E D L A N G , P I E T R O S C A M P I N I

VIALE SANT’ANTONIO 59/61, 211OO VARESE (VA) ITALY, +39 O332 32O99O, INFO@PUNTOSULLARTE.ITPUNTO SULL' ARTE

C U R AT O DA : S O F I A M A C C H I , DA N I E L A C R O C I S I LV U N I E G I U L I A S TA B I L I N I

T E S T I : DA N I E L A C R O C I S I LV U N I E LU C I A N A S C H I R O L I - T R A D U Z I O N I : B E AT R I C E B E R G A M A S C O

P R O G E T T O G R A F I C O : M AT T E O P I U R I - S TA M PA : A R T E S TA M PA S R L

R I - F L E S S O U R B A N O O 1 O T T O B R E - 1 O N O V E M B R E 2 O 1 2

6

7

La CITTA’, espressione ultima del continuo

contrasto tra progresso e imbarbarimento, si

RI-FLETTE nelle opere di molti artisti (tra cui Wilfred

LANG, Angelo ACCARDI e Pietro SCAMPINI)

che attraverso la loro rappresentazione ne

raggiungono le tensioni interne e fanno ri-emergere

i valori residui (fortunatamente ancora importanti)

dell’individuo.

RI-FLESSE sono anche le immagini degli stereotipi

della metropoli: grattacieli, ponti, strade, ma anche

quelle degli incubi (il traffico, le navi-mastodonti,

la frenetica corsa dei pedoni) che appaiono nel

“dritto” - la percezione visiva - e nel “rovescio”

- le emozioni e le angosce che ci provocano -

raccontate ed enfatizzate dagli artisti.

Una realtà/non realtà che solo attraverso il colore

e la pennellata, il chiaro e lo scuro, può diventare

malleabile, può FLETTERE passando dalla fredda

rigidità dell’acciaio e del cemento al mondo di

sensazioni tattili che ci avvolgono nell’ambiente

URBANO ogni volta che interagiamo con esso. E

diventare così ri-produzione di un universo ben più

ampio, quello verso cui fanno capo le grandi navi

The CITY, ultimate expression of the endless

contrast between progress and barbarization,

is RE-FLECTED within the works by many

artists (among which Wilfred LANG, Angelo

ACCARDI and Pietro SCAMPINI) who, trough their

representations, reach its inner tensions letting the

individual’s residual values re-emerge.

Also the images of the stereotypes of the metropolis

are RE-FLECTED: skyscrapers, bridges, roads,

as well as the ones of the nightmares (traffic,

the mastodon-ships, the frenzied running of the

pedestrians) which appear both in the “straight”

-the visual perception- and in the “reverse” -the

deriving emotions and anguishes- narrated and

emphasized by the artists.

A reality/non reality which, only through the colour

and the brush-stroke, the bright and the dark,

can become malleable; can FLEX, turning from

the cold rigidity of iron and cement to the world of

tactile sensations which envelops us any time we

interact with the URBAN landscape.

Thus becoming re-production of a wider universe,

to which the big ships by ACCARDI refer, towards

RI-FLESSO URBANO

8

di ACCARDI, verso cui veleggiano le piccole derive

di WILFRED o corrono con passo veloce e sempre

uguale gli uomini di SCAMPINI. Ciò che scopriamo

nelle città di ACCARDI non deve meravigliare:

quelli che “ferma” sulla tela sono sempre fatti

incomprensibili, ma quando li osserviamo,

sentiamo di essere parte attiva di eventi in cui ci

vediamo RI-FLESSI. Sono nostri il volto, il rumore di

un passo. Siamo noi gli automi del “modernismo”

in marcia continua verso il nulla.

Una continua ambiguità, come quella che

propone WILFRED LANG, artista nato a Shanghai,

ma attivo a New York. La sua visione dell’ambiente

urbano si compone di figure reali e astratte, troppo

raffinate, eteree e fatte di materia luminosa per

essere reali, troppo riconoscibili per essere astratte.

Da questa ripetuta ambivalenza scaturisce il suo

personale racconto dell’estremo paesaggio che è

la città contemporanea. Metropoli come luogo in

cui l’uomo, moderno samurai, si misura con sfide

impossibili che non concedono riposo.

ANGELO ACCARDI, di origine salernitana, è

egualmente un pittore inquieto che si abbandona

which the little drifts by WILFRED sail or the men by

SCAMPINI head with unvaried and fast steps.

We must not be surprised by what is found within

the cities by ACCARDI, the ones “fixed” upon

the canvas are always indecipherable facts, but

when we observe them, we feel like being part

of events which RE-FLECT us. A face, the sound

of a pace belong to us. We are the automatons

of “modernism”, constantly marching towards

nothing. A continuous ambiguity, as the one

proposed by WILFRED LANG, artist born in

Shanghai, but active in New York. His interpretation

of the urban landscape is filled with real and

abstract figures, too refined, ethereal and made

of luminous matter to be real, too recognizable to

be abstract. From this repeated ambivalence his

personal tale of the extreme landscape, that is the

contemporary city, arises.

Metropolis intended as the place where man, as

a modern samurai, faces impossible challenges

which do not accord any relief.

ANGELO ACCARDI, from Salerno, is as well an

unquiet painter, who indulges himself in RE-

9

a ri-flessioni sul valore del simbolo come elemento

di raccordo tra la dimensione reale e le verità

nascoste di un mondo parallelo in cui si svela e

si decifra. Ritmicamente marciano verso il nulla

le esili figure che PIETRO SCAMPINI crea verso

la fine degli anni Settanta e che evocano l’Africa,

un mondo dove l’essere in movimento vuol dire

cercare di raggiungere un luogo (migliore) dove porre

fine alle sofferenze. E’ un’umanità in cammino alla

ricerca di un mondo più giusto, ma molto, ancora

molto lontano. Wilfred LANG, Angelo ACCARDI

e Pietro SCAMPINI sono, dunque, tre personalità

artistiche che con visioni differenti, in luoghi differenti

e in tempi differenti rivolgono lo sguardo verso la

contemporaneità urbana, le sue contraddizioni, la

sua negazione. Ed essendosi visti RI-FLESSI nelle

loro incertezze, ci mostrano le nostre.

FLECTIONS upon the value of the symbol as an

element of connection between real dimension and

the hidden truths of a parallel world where it can be

unveiled and deciphered.

Rhythmically the slight figures by PIETRO

SCAMPINI march towards nothing; created at the

end of the 7O’s, they recall Africa, a place where

movement means the effort of reaching a (better)

place free from sufferings.

A walking humanity researching a fairer world,

which is still out of reach.

Wilfred LANG, Angelo ACCARDI and Pietro

SCAMPINI are, therefore, three artistic personalities

who through different visions, in different places

and times, have redirected their glances towards

urban contemporaneity, its contradictions, its

denial. After having seen themselves RE-FLECTED

upon their uncertainties, they show us ours.

DANIELA CROCI SILVUNI

PARTICOLARE MISPLACED VARESETecnica mista su tela, 1OO x 15O cm - 2O12

A N G E L O A C C A R D I

12

Angelo Accardi è un artista dalla personalità molto

interessante e complessa com’è sempre quella di

chi vive l’esistenza alla continua ricerca di nuove

sensazioni, di chi non si accontenta di come

appaiano le cose, ma va alla scoperta dei valori

simbolici nascosti, origine della verità.

Nato a Sapri in provincia di Salerno nel 1964

inizia il suo percorso di artista mostrando una

predisposizione alla rappresentazione della

“figura” raccontata con forte espressività. Una

successiva breve esperienza all’Accademia

di Belle Arti di Napoli fa entrare Accardi in una

profonda crisi d’identità artistica che durerà alcuni

anni e che lo porterà ad una produzione di matrice

astratta.

Questo periodo di riflessione gli permette però di

formulare quei pensieri e quella visione pittorica

che caratterizza ora la sua opera: il simbolo

diventa la chiave che apre le porte della realtà

nascosta, che conduce nella dimensione in

cui si svelano i significati profondi, nascosti,

inconfessabili. Il simbolo usa forme riconoscibili

per raccontare quel mondo parallelo nel quale

l’uomo vive a volte senza averne coscienza.

Angelo Accardi is an artist with an interesting and

complex personality, peculiar of those people

who keep looking for new sensations, go beyond

appearance, hunting for hidden symbolical values,

origin of truth.

Born in Sapri (near Salerno) in 1964, he began

his artistic path showing a tendency towards the

representation of “figure”, narrated with strong

expressiveness.

After a short period attending the Academy of Fine

Arts in Naples, he faced a deep crisis related to his

artistic identity, which lasted some years leading

him to abstract production.

This period of inner reflection allowed him to

formulate the thoughts and pictorial vision

characterizing his present activity: the symbol

became the key to the doors of hidden reality,

which leads to the dimension where profound,

sealed, unavowable meanings reveal themselves.

To tell about the parallel world where man lives,

sometimes without being aware of it, the symbol

uses recognizable forms.

Through this mild and disturbing ambiguity, a

dualism between appearance and meaning,

A N G E L O A C C A R D I

13

E’ con questa sottile ed inquietante ambiguità,

con un dualismo tra apparenza e significato, che

Accardi ci conduce all’interno di opere dove tutto si

muove: dai contorni indefinibili di ogni particolare,

alla velocità rappresentata da scie luminose,

alla gestualità pittorica evidente e nervosa. E’

un palcoscenico urbano nel quale avvengono

fatti incomprensibili, dove aerei decollano,

atterrano, sorvolano, apparendo contenitori

d’umanità trasportata come bestiame. Non

vediamo passeggeri ma intuiamo che nell’enorme

pancia del velivolo si ammassano uomini inermi,

ubbidienti.

Sconcerto, inquietudine, annullamento dell’identità,

come provoca l’immensa prua di nave che

solca una strada metropolitana tra grattacieli che

perdono così ogni maestosità e significato.

Aerei e navi appaiono come strumenti nelle mani

di entità sconosciute che gettano ombre in grado

di cancellare ogni individualità e di esercitare un

controllo sopra un’umanità intrappolata ormai

incapace di ribellarsi, perché impietrita da paura

e ansia.

Sono proprio gli aerei e le navi, unici elementi

Accardi leads us inside pieces of art where

everything moves: from the vague outlines of any

detail, to the trails of light representing speed, to the

evident and nervous drawing gestural.

It is an urban stage where incomprehensible facts

happen, where airplanes take off, land, fly over,

appearing like containers of a humanity carried

like livestock. We can’t see the passengers, but we

perceive that defenceless and obedient human

beings are hoarded inside the enormous airplane.

Disconcertment, worry, loss of identity, as

provoked by the immense bow of a ship plowing

a metropolitan street among skyscrapers, thus

deprived of any majesty and significance.

Airplanes and ships appear as instruments in the

hands of unknown entities, casting shadows which

eliminate any kind of individuality and controlling a

trapped humanity unable to rebel, petrified by fear

and anxiety.

Indeed the airplanes and ships, as the only

elements of dissimilarity and presences “out of

context”, compared to the metropolitan conformity,

generate reflections through this incongruence.

Observing Accardis’ pieces of art, questions turn

14

di difformità, le uniche presenze “fuori-luogo”

rispetto alla conformità metropolitana, a generare

riflessioni con la loro incongruenza. Le domande,

di fronte alle opere di Accardi, si concretizzano

spesso nello sconcerto: è ciò che accade quando

scorgiamo struzzi dai colori improbabili come

il verde, il turchese o il rosso che, spropositati

nelle dimensioni, camminano per le vie di una

città spaesati e, al tempo stesso, fieri padroni di

un territorio a loro innaturale, ancora una volta

“fuori-luogo”. Qualcuno di loro urla ma le grida

risuonano in un mondo sordo e muto, abitato da

uomini senza consapevolezza né coscienza.

Insegne, graffi, parole incise, colature di

colore come sudore e fatica, rappresentano

un’umanità senza volto, senza identità, automi

del “modernismo” in marcia continua verso il

nulla. Forse solo lo struzzo con l’immenso corpo,

le splendide piume, il piccolo cervello, il grande

occhio visibile, può impersonare la realtà umana. Ed

è così ancora più significativa la denuncia del disagio

attraverso immagini sconcertanti che obbligano alla

riflessione, proprio perché “fuori-luogo”.

into disconcertment: as it happens when we notice

ostriches coloured in green, turquoise or red which,

out of all proportion, bewildered stroll the streets of

a city, being at the same time proud owners of an

unnatural land, still “out of context”.

Some of them howl, but their cries resound within a

deaf and mute world, inhabited by unaware and

unconscious human beings.

Signs, scratches, carved words, colours

pouring like sweat and effort, represent a kind of

humanity without face and identity, automaton

of “modernism”, constantly marching towards

nothing.

Perhaps only the ostrich with its huge body,

amazing feathers, little brain, the big evident eye,

can embody human reality.

Thus, through disturbing images - since “out

of context” - which stimulate reflection, the

condemnation of discomfort becomes more

significant.

DANIELA CROCI SILVUNI

15

ANGELO

16

CITY OF ANGELSTecnica mista su tela, 8O x 12O cm - 2O12

17

CITY OF ANGELSTecnica mista su tela, 8O x 12O cm - 2O12

18

MISPLACEDTecnica mista su tela, 1OO x 15O cm - 2OO9

19

MISPLACEDTecnica mista su tela, 14O x 2OO cm - 2O1O

2O

MISPLACEDTecnica mista su tela, 1OO x 15O cm - 2O12

21

MISPLACED VARESETecnica mista su tela, 12O x 14O cm - 2O12

NEW YORKOlio su tela, 1OO x 1OO cm - 2O11

W I L F R E D L A N G

24

Perfetta combinazione tra cultura orientale ed

occidentale, lo stile di Wilfred Lang (che non

ama essere identificato con il suo cognome)

rappresenta un’originale transizione tra realisimo

ed astrattismo. Nato a Shanghai in una famiglia

di artisti di origine olandese, Wilfred inizia attorno

ai 7 anni a lavorare con l’acquarello. La sua

maturazione è fortemente influenzata dall’arte

cinese. Ma già a 18 anni - quando entra al Fine Art

College di Shangai - sposta il suo interesse verso

quella moderna. Nulla nell’opera di Wilfred, che

ora vive a New York dopo un periodo alle Hawaii,

appare scontato. Un raffinato melting pot di

ispirazioni e di tecniche che non è certo semplice

da interpretare - diventando quindi enigmatico e

stimolante - anche se i soggetti scelti sono spesso

riconoscibili. Ecco perché un’immagine di New

York e del ponte di Brooklyn ci giunge, attraverso

la sua declinazione, nuova e ben più complessa

della percezione reale. E’ la conferma che di arte

non si deve parlare ma si deve fare esperienza.

Esattamente quella che Wilfred ci conduce a fare,

che ci proietta in un universo non realistico, ma

carico di forte astrazione concettuale. Entrando in

As a perfect combination between Oriental and

Occidental cultures, the style by Wilfred Lang

(who doesn’t like to be identified through his

surname) is a perfect transition between realism

and abstractionism. Born in Shanghai in a family

of Dutch artists, at the age of seven Wilfred began

to apply to watercolor. However, when he turned

eighteen-and entered the Fine Art College of

Shanghai- he moved his interest towards modern

art. Nothing can be foreseen within the pieces of art

by Wilfred -who is living in New York, after a period

at Hawaii-.

A polished melting-pot of inspirations and

techniques, hard to decipher - therefore enigmatic

and stimulating- , even if the chosen subjects are

often easily recognizable.

This is why, thanks to the interpretation given by

the artist, a familiar image of New York and the

Brooklyn’s Bridge is perceived in a new and more

complex way. It is the demonstration that art should

be experienced, rather than reported.

This is the experience Wilfred is offering us, a path

leading to an unrealistic universe, soaked with

conceptual abstraction.

W I L F R E D L A N G

25

questa dimensione abbiamo la netta sensazione

che prima dell’immagine ci sono un sentire,

un pensiero, un’emozione che la determinano.

Siamo dunque chiamati ad iniziare un percorso

all’interno di linee, forme, luci e colori che, prima

di definire un soggetto, sono testimoni di gesti,

di energie dinamiche, di saperi e di culture.

Realtà ed astrazione si fondono per dare forma

all’esperienza vitale. L’ambiente metropolitano,

estremo paesaggio urbano, appare come l’unico

luogo in cui sia possibile vivere e dove ogni

singolo individuo possa misurarsi con le sfide

dell’esistenza per trovare risposte e soluzioni.

Come moderni romantici, non possiamo fare a

meno di subirne il fascino e, al tempo stesso,

temerne la forza. Un magnetismo potente fatto

di luci, effetti e colpi di pennello piatti e nervosi.

E poi uno squarcio colorato, imprevedibile, che

ci stupisce e ci affascina. Non contemplazione,

ma continua dinamicità d’osservazione, davanti

alle opere di Wilfred: non esiste luogo in cui

lasciare riposare lo sguardo perché, senza

tregua, rimbalza da un punto all’altro della tela e

oltre la tela stessa che non costituisce uno spazio

Entering this dimension, we clearly identify the

way of feeling, the thought, the emotion lying

underneath and determining the image.

We are urged to start a voyage among lines,

shapes, lights and colors which express gestures,

dynamical energies, knowledge and cultures,

before defining the subject.

Reality and abstraction merge to shape living

experience. The metropolitan context, an extreme

urban landscape, is shown as the only place

to live, a place where any individual could face

the challenges of existence to find answers and

solutions.

Like modern Romantics, we can nothing but

undergo its appeal and at the same time fear its

force. A powerful magnetism made of lights, effects

and plain and nervous brush-strokes.

Then suddenly an unpredictable tinged tear

appears, surprising and fascinating us. Wilfred’s

works of art never deal with contemplation, but with

a constantly dynamic observation: there is no spot

available to rest the eyes because, ceaselessly,

they keep on running upon the canvas, going

beyond the canvas itself, which is not intended

26

definito, ma uno degli infiniti punti di vista possibili.

E’, quella di Wilfred, pittura d’azione dove i gesti

raccontano, facendoli emergere dall’inconscio

come scrittura automatica. Grattacieli, ponti,

barche che acquistano valore simbolico più che

realistico. Simboli di sproporzione tra la dimensione

umana e il paesaggio metropolitano che risulta

evidentissima nelle piccole vele che punteggiano

la baia, unico riferimento ad una natura originaria

nella quale si riflette la potente massa di New York.

Solo le barche e il vento, senza ogni vincolo ed

ostacolo, possono liberare emozioni e sguardi

ed affermare che nulla è come appare. E la

superiorità del piccolo rimane l’enigma. Barche

e vento che possono godere della bellezza della

follia partorita dalla mente umana che ha osato -

come evidenzia il paesaggio urbano catturato da

Wilfred - una creatività che va oltre l’immaginabile,

l’astratto, la creazione stessa.

as a defined space, but as one of the countless

possible point of views.

The one by Wilfred is a painting of action, made

of gestures which narrate, emerging from the

subconscious like they were produced by

automatic writing. Skyscrapers, bridges, boats,

filled with a symbolical value rather than a realistic

one.

Symbols of the disproportion between human

dimension and the metropolitan landscape, fully

expressed by the little sails dotting the bay, only

reference to an original nature into which New York

mirrors itself.

Only the boats and the wind, without bonds or

obstacles, can free their emotions and glances,

stating than anything is like it appears. Thus the

superiority of the little ones remains an unsolved

enigma. The boats and the wind can enjoy the

beauty born from human madness, which dared

- as underlined by the urban context presented by

Wilfred - to urge its creativity beyond imaginable,

abstract, creativity itself.

DANIELA CROCI SILVUNI

27

WILFRED

28

M A N C A A N N O

29

NEW YORKOlio su tela , 6O x 12O cm - 2O1O

M A N C A A N N O

3O

NEW YORKOlio su tela , 9O x 12O cm - 2O11

31

NEW YORKOlio su tela , 1OO x 1OO cm - 2O11

32

NEW YORKOlio su tela , 1OO x 1OO cm - 2O11

33

DUBAIOlio su tela , 1OO x 1OO cm - 2O11

OMBREFerro, 52 x 78 x 3 cm - 2O12

P I E T R O S C A M P I N I

36

Nate verso la fine degli Anni Settanta, le Ombre

sono una delle prime espressioni artistiche di Pietro

Scampini. Esili figure che richiamano - senza

“ombra” di dubbio - l’Africa e il camminare che

è l’unico modo di mobilità di quelle popolazioni.

Le figure ritagliate nella materia da Scampini

sembrano essere costantemente in movimento,

alla ricerca di un luogo esente da problemi e

sofferenze, di un vero punto di arrivo.

Ma la sintesi che l’artista fa di queste immaginarie

figure, in cui il cammino resta l’unico gesto

percepibile, racconta come il momento di sosta -

fine ultimo di questa ricerca - sia ancora lontano,

forse inesistente. E ciò conferma come Scampini,

in quella età della sua storia artistica, condividesse

le difficoltà di quegli anni in cui era forte la

convinzione che il mondo stesse andando verso la

distruzione di ogni certezza.

Le sue Ombre bidimensionali diventano dunque

proiezioni di un’umanità che trova nella materia

lo strumento per parlare di anima ed essenza

dell’essere, per rappresentare l’impalpabile.

E’ così che la bidimensionalità, spesso, si pone

come naturale mediazione tra materiale ed

Born at the end of the 7O’s, “Shadows” is one of

the first artistic expressions by Pietro Scampini.

Slight figures recalling - without a “shade” of doubt

- Africa and the gesture of walking, the only way

these populations use to move.

The figures cut into matter by Scampini seem to be

in constant movement, looking for a place without

problems and sufferings, a true starting point.

However, the synthesis made by the artist of these

imaginary figures, whose only perceivable gesture

is walking, makes us realize that the moment for

rest -last purpose of this research- is still distant,

maybe non-existent. Thus demonstrating how

Scampini, during this specific period of his artistic

pattern, shared the difficulties of the historical

context, characterized by the strong belief that the

world was going to face the loss of any certainty.

His bidimensional Shadows become projections

of a humanity who uses matter to represent the

essence of being and the impalpable. This is how

bidimensionality becomes the natural mediation

between material and immaterial.

Pietro Scampini is able to enter the audience’s

imaginary, by cutting into iron these synthetic

P I E T R O S C A M P I N I

37

immateriale. Pietro Scampini, ritagliando nel ferro

forme antropomorfe estremamente sintetiche, che

nulla concedono al racconto realistico, riesce ad

entrare nell’immaginario di chi le osserva. E’ così

che si materializzano visioni di luoghi solo pensati

e suoni ritmati che moltitudini di uomini scalzi

hanno fatto risuonare su suoli lontani ed assolati,

faticosi. E’ l’eterna migrazione, il cammino che

l’uomo, ogni essere, ha dovuto percorrere dal

momento della sua comparsa sulla terra. Piedi

fatti per camminare, gambe per fare passi lunghi

e sicuri, occhi per guardare lontano, là dove

l’orizzonte incontra il cielo: sembrano le parole di

una nenia che risuona nella savana, ma anche una

canzone che accompagna uomini e donne che

inutilmente si spostano sull’asfalto metropolitano,

testimonianza di un destino comune.

Le Ombre che Scampini sintetizza si muovono in

gruppi più o meno folti, ma non sono mai sole. E

se ciò può essere tranquillizzante in un mondo in

cui la solitudine fa molta paura, è anche indicativo

di una difficoltà evidente dell’uomo nel riconoscersi

come individuo. Gruppi di Ombre, di uomini, che

trovano un’ambientazione perfetta nella mostra

anthropomorphous figures, which never grant

space to the realistic narration.

A way to shape imaginary places and rhythmical

sounds made resound by multitudes of human

beings upon far, sunny and hard lands.

It is the eternal migration, the path any individual,

any creature, had to cover since its appearance

upon earth. Feet made to walk, legs able to pace

safely, eyes addressing far away, where the

horizon meets the sky: words resembling the lyrics

of a lullaby, echoing through the savanna, or a

song accompanying men and women pointlessly

moving on the metropolitan asphalt, evidence of a

mutual destiny.

The Shadows by Scampini always move within

large groups, not by themselves. Whether this

might be reassuring within a world which can’t

bear solitude, it is also indicative of the difficulty

of behaving as individuals. Groups of Shadows,

of human beings, perfectly located within the

exhibition organized by “Punto sull’Arte”, especially

for the association with the pieces of art by Wilfred

and Accardi. An ideal chance for offering inner

reflections and understanding - through the works

38

che la galleria varesina “Punto sull’arte” ha creato

accostandole alle visioni urbane di due pittori

come Wilfred e Accardi. Un’occasione ideale

per offrire riflessioni esistenziali e comprendere

- attraverso le opere di tre differenti artisti - quale

destino l’uomo stia riservandosi o, quanto meno,

quale realtà stia vivendo.

Sorprende, inoltre, come Scampini riesca ad

affrontare tematiche cosi profonde ed inquietanti

senza ricorrere ad un linguaggio fortemente

espressionistico, troppo spesso fatto di tinte

violente. L’artista di Castronno (nato a Cardano al

Campo nel 195O) lo fa invece con la lievità della

linea che, con assoluta naturalezza, si piega,

si lancia, si spezza in composizioni dinamiche,

poetiche, ironiche e, al tempo stesso, tragiche.

Quella poesia che ci salva quando l’animo

ha bisogno di librarsi oltre la realtà. Quel gusto

per il sorriso e per l’ironia che spesso ci salva,

che ci permette di andare oltre certe situazioni

complesse. Quella tragedia che ci costringe con

inaspettata energia al cambiamento e che, per

questo, ci salva.

by three different artists - which kind of destiny are

we reserving for ourselves or, at least, which kind of

reality are we living in.

Moreover, it is surprising how Scampini could face

such profound and disturbing themes without

resorting to an expressionistic language, often

characterized by violent colours. The artist from

Castronno (born in Cardano al Campo in 195O)

chose instead the levity inside the line which,

naturally, curves, rushes, breaks into dynamic,

poetic, ironic and, at the same time, tragic

compositions.

The Poetry which rescues us when our soul needs

to go beyond reality.

The whim for smiles and irony, which allows us to

pass through complex situations.

The Tragedy, which desperately urges us towards

change, therefore saving us.

DANIELA CROCI SILVUNI

39

Le ombre di Pietro Scampini sono essenzialmente

antropomorfe. Si tratta di una figurazione a

modulazione lineare che si avvale di un segno che

cadenza in modo ritmico l’incedere, il progredire,

l’affrettarsi, il correre dell’individuo.

L’esperienza delle “ombre”, sviluppatasi negli

anni 1977-’79, sta a significare un momento

importante all’interno di una ricerca che prevedeva

il decadimento dell’immagine corporea per una

scultura basata prevalentemente sui volumi, sui

rapporti tra massa e spazio, tra ombra e luce, tra

dentro e fuori.

Se le “ombre”, nate come tutte le opere da appunti

grafici su foglietti sparsi, si materializzavano in

strutture di ferro, le altre opere scultoree di Scampini

avrebbero scelto il marmo, il gesso, il legno.

Le “ombre” hanno dunque una loro originalità

precisa e unica: segnano un’attenzione per un

oggetto - in questo caso l’uomo - che si muove,

che si rapporta con lo spazio circostante, con lo

spazio della carta prima e con l’ambiente poi,

dove l’opera in ferro viene a collocarsi.

In queste opere in ferro, ciò che sorprende è il

continuum della linea, quasi che fosse ancora la

The shadows by Pietro Scampini are essentially

anthropomorphous. It is a representation

linearly modulated, availing itself of a sign which

rhythmically marks the marching, proceeding,

hurrying, running of the individual.

The “shadows”’ experience, developed between

1977-’79, is a turning point of a research tended

towards the decline of physical image in favour of

a sculpture based upon volumes, the relationships

between matter and space, shade and light, in

and out.

While the “shadows” born from sketches upon

scattered papers like the other pieces of art,

turned into iron structures, the other sculptures

by Scampini would have picked marble, plaster,

wood.

Therefore, the “shadows” own a precise and

unique originality: they focus attention upon a

distinct object - in this case human being- who

moves, interacts with the surrounding space, with

the paper first and then with the context where the

iron piece of art is placed.

The surprising detail of these iron works is the

continuum of the line, as if the piece of art were

O M B R E

4O

matita a tracciare l’opera: c’è un punto di partenza

dal quale l’idea si espande in modo naturale e

progressivo, senza soste e ripensamenti.

Una velocità di segno che diventa movimento,

vitalità di ritmo, tensione.

Una scelta questa del linearismo che rende

leggero il materiale pesante, che dà alla visione

una scioltezza di atti e di situazioni.

Ed è il linguaggio elementare a permettere una

maggiore compenetrazione tra opera e spazio

perché lo spazio entra nella scultura, facendola

diventare ancora più leggera e mobilissima.

Una scelta spaziale che ha subito le suggestioni

di un Calder, di un Fontana, di una sorta di

dinamismo plastico, mai comunque massiccio

e pesante: dall’essenzialità e dalla purezza delle

forme, dall’estro e dalla leggera ironia esce una

sorprendente vitalità non priva di effetto poetico.

traced by the pencil; there is a starting point,

from which the idea spreads in a natural and

progressive way, without rests or afterthoughts.

A speed of tracing which becomes movement,

rhythmical vitality, tension.

Through this kind of linearism, the heavy material is

softened and the whole vision is fit up with a fluency

of acts and situations.

An elementary language which allows a deeper

permeation between the piece of art and the

surrounding space since the latter enters the

sculpture, rendering it even lighter and more

movable.

A spatial choice influenced by Calder, Fontana, a

sort of plastic dynamism, never hard and heavy:

from the essential and pure forms, creativity and

mild irony, an astonishing vitality comes out, not

without a poetical effect.

LUCIANA SCHIROLI

41

PIETRO

42

OMBREFerro, 7O x 23 x 3 cm - 2O12

43

OMBREFerro, 81 x 35 x 3 cm - 2O12

44

45

PARTICOLARE OMBREFerro, 52 x 78 x 3 cm - 2O12

Punto sull’arte è una Galleria d’Arte che intende

offrire al pubblico un’ampia programmazione

incentrata sulla produzione artistica multiforme che

si muove tra il moderno e il contemporaneo. Un

punto d’incontro capace di ampliare e sostenere

la produzione culturale nel territorio. Uno spazio

espositivo che invita ad ammirare sia le opere di

artisti esperti ed affermati che i lavori delle nuove

promesse a livello nazionale ed internazionale.

Il luogo per scoprire l’incanto della realtà che ci

circonda e per alimentare il fuoco della passione

per l’arte. Perché l’Arte è Emozione.

Punto sull’Arte is an art gallery which aims to offer

to the public a wide program focused on the

diverse artistic production that moves between the

modern and contemporary.

A meeting place that can expand and sustain

cultural production in the territory. An exhibition

space that invites us to admire the works of

both new and established artists at national and

international level.

The place to discover the charm of the reality that

surrounds us and to feed the fire of passion for art.

Because Art is Emotion.