Commissaire-priseur habilité

Vente Cataloguée Street Art/ Art contemporain

30. Juin 2018

à 12h Téléphone durant les expositions

01 53 34 55 01

Expositions publiques :

Salle des Ventes ROSSINI

Salle des Ventes ROSSINI

7 rue Rossini 75009 Paris

(face à la sortie de l’hôtel Drouot)

Liste non contractuelle

1 . ACHARD Michel, La mort de l'art. Impression sur toile, cachet de l'artiste en bas à droite. 30 x 45cm

40 €/50 €

2 . ALAUX Laurence, née en 1965, Point rouge peinture sur toile, monogrammée en bas à droite, 80x80 cm.

800 €/1 200 €

3 . ALAUX Laurence, née en 1965, Regards peinture sur toile, monogrammée en bas à droite, 100x100 cm.

800 €/1 200 €

4 . AMEIL David, né en 1979 Welcome to California, technique mixte et collage sur toile (tr, signée en bas à droite, 90x90 cm.

900 €/1 200 €

5 . AVANITIDIS Nicos, né en 1943 Captivité n°5070, 10 janvier 2016, Acrylique sur papier, signé en bas à gauche, 21x28,5cm.

150 €/200 €

6 . AVANITIDIS Nicos, né en 1943 Cellule N°7445, 19 juillet 2007 Acrylique sur papier canson, signé et daté en bas à gauche, 42x59,5cm.

200 €/300 €

7 . BACON, d'après, Pope Innocent X, offset en couleurs, inscription apocryphe en bas à droite, 66x50,5 cm.

100 €/150 €

8 . Banksy Box Set Impression sur papier et morceau de béton, Edition non signée et illimitée, Print and chunk of concrete. 25,52 x 25,52cm.

1 000 €/1 500 €

8B. BATISTA Helder, né en 1964 Born in USA (Indian nation), Acrylique sur palette. 70 cm x 72 cm ; Poids 5 kg

800 €/1 000 €

9 . BILLY GEE, né en 1978. Old dino balloon, Acrylique et huile sur toile 120 x 50cm Street cultures got his attention. His decision to join the graffiti and skateboard communities lead him to different awards and personal satisfaction and growth in both cultures. He studied Graphic Arts and Realistic Design in order to grow the vision he has of Art. His figurative fury and talent have helped him participate in many exhibitions, presenting his work in the Benaki Museum, Technopolis, Onassis Cultural Centre Athens and in several other art galleries. He artistically decorates spaces, shop displays, sets, hotels and street spots. ?ember of the Chamber of Fine Arts in Greece.

1 500 €/1 800 €

10 . BILLY GEE, né en 1978. Popeye balloon, Acrylique et huile sur toile. 60 x 100cm. Street cultures got his attention. His decision to join the graffiti and skateboard communities lead him to different awards and personal satisfaction and growth in both cultures. He studied Graphic Arts and Realistic Design in order to grow the vision he has of Art. His figurative fury and talent have helped him participate in many exhibitions, presenting his work in the Benaki Museum, Technopolis, Onassis Cultural Centre Athens and in several other art galleries. He artistically decorates spaces, shop displays, sets, hotels and street spots. ?ember of the Chamber of Fine Arts in Greece.

1 600 €/1 800 €

11 . CACAO ROCKS, né en 1985 Serenata, 2018. Technique mixte sur toile. 40 x 30cm Cacao Rocks est né à Athènes en Grèce en 1985. Il a grandi près du port de Le Pirée, élevé par une mère française et un père grec. À l'âge de 12 ans, il déménagé à l'île de Corfou où il passe son adolescence. En 1999, le hip hop, la culture du skateboard et les environs de l'île l'ont influencé et l'a conduit à découvrir sa passion dans les arts. C'était l'année où il a commencé expérimenter avec des graffitis. Dans la même période, un concours de graffiti a eu lieu par Greenpeace à Corfou, à laquelle il a participé et a remporté le premier prix. À partir de ce En 2003, il s'est consacré à cette forme d'art et a créé de nombreux morceaux de graffiti et lettrage en utilisant des bombes aérosols. En 2004, il est retourné à l'étude Littérature française à l'école de philosophie d'Athènes. En raison du fait qu'il avait pour s'engager à ses études, il a décidé de faire une pause dans les arts spatiaux publics et sculptures construites en polyuréthane, laine, bois et objets trouvés. Après un voyage Interrail en Europe qui lui a donné l'envie de continuer comme un artiste, inspiré dans une grande échelle par la scène européenne, il a commencé à faire de la rue art encore. En raison du manque de ressources, ses matériaux étaient cette fois différent. Il a utilisé des bandes de canard et trouvé des objets dans les rues pour former installations et sculptures. En 2009, le magazine grec FREE l'a mentionné comme la nouvelle star de l'art grec. Pendant ce temps, il a commencé à expérimenter avec l'art vidéo. En plus de cela, un de ses projets a été récompensé en 2011 dans le film national festival Shoot It avec une bourse d'études dans Focus School of Art, vidéo et photographie gagner le premier prix. Se trouvant dans une période très productive, il a commencé peindre partout dans la ville ayant des bombes aérosol utilisées à nouveau comme un média. Tout en il a créé un blog dans lequel il publie un dessin tous les jours afin de faire un calendrier de l'année entière.

400 €/500 €

11B. CACAO ROCKS, né en 1985 La lune, 2018. Technique mixte sur toile. 30 x 30cm. Cacao Rocks est né à Athènes en Grèce en 1985. Il a grandi près du port de Le Pirée, élevé par une mère française et un père grec. À l'âge de 12 ans, il déménagé à l'île de Corfou où il passe son adolescence. En 1999, le hip hop, la culture du skateboard et les environs de l'île l'ont influencé et l'a conduit à découvrir sa passion dans les arts. C'était l'année où il a commencé expérimenter avec des graffitis. Dans la même période, un concours de graffiti a eu lieu par Greenpeace à Corfou, à laquelle il a participé et a remporté le premier prix. À partir de ce En 2003, il s'est consacré à cette forme d'art et a créé de nombreux morceaux de graffiti et lettrage en utilisant des bombes aérosols. En 2004, il est retourné à l'étude Littérature française à l'école de philosophie d'Athènes. En raison du fait qu'il avait pour s'engager à ses études, il a décidé de faire une pause dans les arts spatiaux publics et sculptures construites en polyuréthane, laine, bois et objets trouvés. Après un voyage Interrail en Europe qui lui a donné l'envie de continuer comme un artiste, inspiré dans une grande échelle par la scène européenne, il a commencé à faire de la rue art encore. En raison du manque de ressources, ses matériaux étaient cette fois différent. Il a utilisé des bandes de canard et trouvé des objets dans les rues pour former installations et sculptures. En 2009, le magazine grec FREE l'a mentionné comme la nouvelle star de l'art grec. Pendant ce temps, il a commencé à expérimenter avec l'art vidéo. En plus de cela, un de ses projets a été récompensé en 2011 dans le film national festival Shoot It avec une bourse d'études dans Focus School of Art, vidéo et photographie gagner le premier prix. Se trouvant dans une période très productive, il a commencé peindre partout dans la ville ayant des bombes aérosol utilisées à nouveau comme un média. Tout en il a créé un blog dans lequel il publie un dessin tous les jours afin de faire un calendrier de l'année entière.

300 €/400 €

12 . CHARALAMBOS Psihakis , né en 1938. Sans titre. Huile sur panneau signé en bas à droite. 44x60cm.

500 €/600 €

13 . CHARALAMBOS Psihakis, né en 1938 Sans titre. Peinture sur carton signé en bas à gauche. 87x110cm.

800 €/1 200 €

14 . CHEMIAKIN Michel, né en 1943, Personnages, lithographie en couleurs (petites rousseurs), signature apocryphe en bas à droite, 50x44 cm.

100 €/200 €

15 . COCHRAN James dit Jimmy C, né en 1973 Release 2017, Aerosol sur toile, signée titrée et datée au dos. 116 x 89cm.

1 800 €/2 000 €

16 . COSMOS, né en 1969 Purple rain,2018 Technique mixte sur toile 116 x 69cm Cosmos, de son vrai nom Stéphane Pillon est né en 1969. Il vit à Bondy et travaille aux Lilas (93.) Cosmos fait parti des pionniers des tagueurs à Paris du milieu des années 80 ; la belle époque de Bando Boxer, les TCG (The Crime Gang), Sheek Kaze Dozer, et James et Meo. En 2006, il croise à nouveau le chemin de JonOne, artiste-graffeur américain. Il collabore avec lui en tant qu'assistant. Il travaille également avec d'autres artistes contemporains comme Hervé Di Rosa. Cosmos commence à peindre sur toile en 2010, ses techniques sont l'encre et l'acrylique. Ses graffitis sur toile sont un prolongement de son travail dans la rue. Ses accumulations de tags sont un leitmotiv. Un travail abstrait de jetés de peinture inspirés par Pollock. C'est selon lui une énergie intérieure qui doit faire ressentir énormément de positivité pour celui ou celle qui regarde sa peinture.

1 200 €/1 400 €

17 . D. DOKOS, né en 1984, ESSO, 2015 Technique mixte sur bois. 48.5 x 33.5cm. Dimitris Ntokos est né en 1984, à Athènes, où il vit et travaille jusqu'à nos jours. Il a étudié le design graphique à AKTO, ainsi que le design architectural, qu'il a exercé pendant dix ans. Il est autodidacte et son travail peut être rencontré dans les rues d'Athènes, car il était artiste de rue. Depuis 2011, il présente son travail dans diverses expositions Dans le travail de Ntokos, le scarabée semble être un motif répétitif, souvent entouré d'idéogrammes élaborés, que l'artiste lui-même caractérise comme des journaux de ses pensées. Le scarabée, symbole entièrement lié à la mythologie égyptienne, est parfois utilisé comme cadre, d'où émergent des cartes, des portraits et des narrations, tandis qu'à d'autres moments il est utilisé comme squelette sur lequel des compositions plus abstraites mais toujours symétriques et détaillées sont faits. Le scarabée est un symbole caractéristique du travail de Ntokos; Commençant comme un point insignifiant, il est progressivement embelli grâce à la technique de l'artiste. La forme du scarabée acquiert une forme plus sophistiquée, car il est souvent présenté dans des cadres en bois sculpté, dans lequel on s'attendrait à voir des portraits humains ou le reflet d'eux-mêmes dans un miroir d'or-encadré. L'artiste invite peut-être le spectateur à se dépasser à travers l'observation de ce qui se trouve dans le cadre (un sujet qqui aurait pu être le reflet du spectateur lui-même), confirmant la signification du scarabée dans la mythologie égyptienne: l'idée d'une profonde transformation de soi, de la croissance personnelle, de la fertilité et finalement de l'idée de la création. Dans un premier temps, le spectateur est impressionné par la technique multicouche et les thèmes imaginaires qui caractérisent le travail de Ntokos. Ensuite, le public se rend aux illusions qui sont créées par la combinaison de différentes formes géométriques, des modèles et des couleurs vives. Une forte esthétique urbaine et surréaliste reste un élément clé dans les créations de Ntokos, même lorsque ses œuvres sont exposées dans des espaces non affectés par les rythmes trépidants et les bruits de la ville. Ses œuvres sont adaptées aux cadres, qu'il fonde dans les marchés aux puces, alors qu'il incorpore souvent dans son travail des déchets et des vieux métaux trouvés dans la rue, qu'il «sauve» en quelque sorte, en y ajoutant une valeur fonctionnelle.

900 €/1 000 €

18 . D. DOKOS, né en 1984, Key, 2014 Acrylique et feuille d'or sur bois. 38 x 28cm. Dimitris Ntokos est né en 1984, à Athènes, où il vit et travaille jusqu'à nos jours. Il a étudié le design graphique à AKTO, ainsi que le design architectural, qu'il a exercé pendant dix ans. Il est autodidacte et son travail peut être rencontré dans les rues d'Athènes, car il était artiste de rue. Depuis 2011, il présente son travail dans diverses expositions Dans le travail de Ntokos, le scarabée semble être un motif répétitif, souvent entouré d'idéogrammes élaborés, que l'artiste lui-même caractérise comme des journaux de ses pensées. Le scarabée, symbole entièrement lié à la mythologie égyptienne, est parfois utilisé comme cadre, d'où émergent des cartes, des portraits et des narrations, tandis qu'à d'autres moments il est utilisé comme squelette sur lequel des compositions plus abstraites mais toujours symétriques et détaillées sont faits. Le scarabée est un symbole caractéristique du travail de Ntokos; Commençant comme un point insignifiant, il est progressivement embelli grâce à la technique de l'artiste. La forme du scarabée acquiert une forme plus sophistiquée, car il est souvent présenté dans des cadres en bois sculpté, dans lequel on s'attendrait à voir des portraits humains ou le reflet d'eux-mêmes dans un miroir d'or-encadré. L'artiste invite peut-être le spectateur à se dépasser à travers l'observation de ce qui se trouve dans le cadre (un sujet qqui aurait pu être le reflet du spectateur lui-même), confirmant la signification du scarabée dans la mythologie égyptienne: l'idée d'une profonde transformation de soi, de la croissance personnelle, de la fertilité et finalement de l'idée de la création. Dans un premier temps, le spectateur est impressionné par la technique multicouche et les thèmes imaginaires qui caractérisent le travail de Ntokos. Ensuite, le public se rend aux illusions qui sont créées par la combinaison de différentes formes géométriques, des modèles et des couleurs vives. Une forte esthétique urbaine et surréaliste reste un élément clé dans les créations de Ntokos, même lorsque ses œuvres sont exposées dans des espaces non affectés par les rythmes trépidants et les bruits de la ville. Ses œuvres sont adaptées aux cadres, qu'il fonde dans les marchés aux puces, alors qu'il incorpore souvent dans son travail des déchets et des vieux métaux trouvés dans la rue, qu'il «sauve» en quelque sorte, en y ajoutant une valeur fonctionnelle.

700 €/800 €

19 . D. DOKOS, né en 1984, Lust Power, 2016 acrylique, gouache et feuille d'or sur panneau. 50 x 40cm. Dimitris Ntokos est né en 1984, à Athènes, où il vit et travaille jusqu'à nos jours. Il a étudié le design graphique à AKTO, ainsi que le design architectural, qu'il a exercé pendant dix ans. Il est autodidacte et son travail peut être rencontré dans les rues d'Athènes, car il était artiste de rue. Depuis 2011, il présente son travail dans diverses expositions Dans le travail de Ntokos, le scarabée semble être un motif répétitif, souvent entouré d'idéogrammes élaborés, que l'artiste lui-même caractérise comme des journaux de ses pensées. Le scarabée, symbole entièrement lié à la mythologie égyptienne, est parfois utilisé comme cadre, d'où émergent des cartes, des portraits et des narrations, tandis qu'à d'autres moments il est utilisé comme squelette sur lequel des compositions plus abstraites mais toujours symétriques et détaillées sont faits. Le scarabée est un symbole caractéristique du travail de Ntokos; Commençant comme un point insignifiant, il est progressivement embelli grâce à la technique de l'artiste. La forme du scarabée acquiert une forme plus sophistiquée, car il est souvent présenté dans des cadres en bois sculpté, dans lequel on s'attendrait à voir des portraits humains ou le reflet d'eux-mêmes dans un miroir d'or-encadré. L'artiste invite peut-être le spectateur à se dépasser à travers l'observation de ce qui se trouve dans le cadre (un sujet qqui aurait pu être le reflet du spectateur lui-même), confirmant la signification du scarabée dans la mythologie égyptienne: l'idée d'une profonde transformation de soi, de la croissance personnelle, de la fertilité et finalement de l'idée de la création. Dans un premier temps, le spectateur est impressionné par la technique multicouche et les thèmes imaginaires qui caractérisent le travail de Ntokos. Ensuite, le public se rend aux illusions qui sont créées par la combinaison de différentes formes géométriques, des modèles et des couleurs vives. Une forte esthétique urbaine et surréaliste reste un élément clé dans les créations de Ntokos, même lorsque ses œuvres sont exposées dans des espaces non affectés par les rythmes trépidants et les bruits de la ville. Ses œuvres sont adaptées aux cadres, qu'il fonde dans les marchés aux puces, alors qu'il incorpore souvent dans son travail des déchets et des vieux métaux trouvés dans la rue, qu'il «sauve» en quelque sorte, en y ajoutant une valeur fonctionnelle.

900 €/1 000 €

20 . D. DOKOS, né en 1984, This is a True Story, 2016. 18 lithographies (vendues à l'unité). Dimitris Ntokos est né en 1984, à Athènes, où il vit et travaille jusqu'à nos jours. Il a étudié le design graphique à AKTO, ainsi que le design architectural, qu'il a exercé pendant dix ans. Il est autodidacte et son travail peut être rencontré dans les rues d'Athènes, car il était artiste de rue. Depuis 2011, il présente son travail dans diverses expositions Dans le travail de Ntokos, le scarabée semble être un motif répétitif, souvent entouré d'idéogrammes élaborés, que l'artiste lui-même caractérise comme des journaux de ses pensées. Le scarabée, symbole entièrement lié à la mythologie égyptienne, est parfois utilisé comme cadre, d'où émergent des cartes, des portraits et des narrations, tandis qu'à d'autres moments il est utilisé comme squelette sur lequel des compositions plus abstraites mais toujours symétriques et détaillées sont faits. Le scarabée est un symbole caractéristique du travail de Ntokos; Commençant comme un point insignifiant, il est progressivement embelli grâce à la technique de l'artiste. La forme du scarabée acquiert une forme plus sophistiquée, car il est souvent présenté dans des cadres en bois sculpté, dans lequel on s'attendrait à voir des portraits humains ou le reflet d'eux-mêmes dans un miroir d'or-encadré. L'artiste invite peut-être le spectateur à se dépasser à travers l'observation de ce qui se trouve dans le cadre (un sujet qqui aurait pu être le reflet du spectateur lui-même), confirmant la signification du scarabée dans la mythologie égyptienne: l'idée d'une profonde transformation de soi, de la croissance personnelle, de la fertilité et finalement de l'idée de la création. Dans un premier temps, le spectateur est impressionné par la technique multicouche et les thèmes imaginaires qui caractérisent le travail de Ntokos. Ensuite, le public se rend aux illusions qui sont créées par la combinaison de différentes formes géométriques, des modèles et des couleurs vives. Une forte esthétique urbaine et surréaliste reste un élément clé dans les créations de Ntokos, même lorsque ses œuvres sont exposées dans des espaces non affectés par les rythmes trépidants et les bruits de la ville. Ses œuvres sont adaptées aux cadres, qu'il fonde dans les marchés aux puces, alors qu'il incorpore souvent dans son travail des déchets et des vieux métaux trouvés dans la rue, qu'il «sauve» en quelque sorte, en y ajoutant une valeur fonctionnelle.

70 €/100 €

21 . D. DOKOS, né en 1984, Untitled, 2016 Acrylique, gouache et feuille d'or sur panneau. 44.5 x 35.5cm. Dimitris Ntokos est né en 1984, à Athènes, où il vit et travaille jusqu'à nos jours. Il a étudié le design graphique à AKTO, ainsi que le design architectural, qu'il a exercé pendant dix ans. Il est autodidacte et son travail peut être rencontré dans les rues d'Athènes, car il était artiste de rue. Depuis 2011, il présente son travail dans diverses expositions Dans le travail de Ntokos, le scarabée semble être un motif répétitif, souvent entouré d'idéogrammes élaborés, que l'artiste lui-même caractérise comme des journaux de ses pensées. Le scarabée, symbole entièrement lié à la mythologie égyptienne, est parfois utilisé comme cadre, d'où émergent des cartes, des portraits et des narrations, tandis qu'à d'autres moments il est utilisé comme squelette sur lequel des compositions plus abstraites mais toujours symétriques et détaillées sont faits. Le scarabée est un symbole caractéristique du travail de Ntokos; Commençant comme un point insignifiant, il est progressivement embelli grâce à la technique de l'artiste. La forme du scarabée acquiert une forme plus sophistiquée, car il est souvent présenté dans des cadres en bois sculpté, dans lequel on s'attendrait à voir des portraits humains ou le reflet d'eux-mêmes dans un miroir d'or-encadré. L'artiste invite peut-être le spectateur à se dépasser à travers l'observation de ce qui se trouve dans le cadre (un sujet qqui aurait pu être le reflet du spectateur lui-même), confirmant la signification du scarabée dans la mythologie égyptienne: l'idée d'une profonde transformation de soi, de la croissance personnelle, de la fertilité et finalement de l'idée de la création. Dans un premier temps, le spectateur est impressionné par la technique multicouche et les thèmes imaginaires qui caractérisent le travail de Ntokos. Ensuite, le public se rend aux illusions qui sont créées par la combinaison de différentes formes géométriques, des modèles et des couleurs vives. Une forte esthétique urbaine et surréaliste reste un élément clé dans les créations de Ntokos, même lorsque ses œuvres sont exposées dans des espaces non affectés par les rythmes trépidants et les bruits de la ville. Ses œuvres sont adaptées aux cadres, qu'il fonde dans les marchés aux puces, alors qu'il incorpore souvent dans son travail des déchets et des vieux métaux trouvés dans la rue, qu'il «sauve» en quelque sorte, en y ajoutant une valeur fonctionnelle.

900 €/1 000 €

22 . D. DOKOS, né en 1984, Untitled, 2018. Gouache sur contreplaqué. Dimitris Ntokos est né en 1984, à Athènes, où il vit et travaille jusqu'à nos jours. Il a étudié le design graphique à AKTO, ainsi que le design architectural, qu'il a exercé pendant dix ans. Il est autodidacte et son travail peut être rencontré dans les rues d'Athènes, car il était artiste de rue. Depuis 2011, il présente son travail dans diverses expositions Dans le travail de Ntokos, le scarabée semble être un motif répétitif, souvent entouré d'idéogrammes élaborés, que l'artiste lui-même caractérise comme des journaux de ses pensées. Le scarabée, symbole entièrement lié à la mythologie égyptienne, est parfois utilisé comme cadre, d'où émergent des cartes, des portraits et des narrations, tandis qu'à d'autres moments il est utilisé comme squelette sur lequel des compositions plus abstraites mais toujours symétriques et détaillées sont faits. Le scarabée est un symbole caractéristique du travail de Ntokos; Commençant comme un point insignifiant, il est progressivement embelli grâce à la technique de l'artiste. La forme du scarabée acquiert une forme plus sophistiquée, car il est souvent présenté dans des cadres en bois sculpté, dans lequel on s'attendrait à voir des portraits humains ou le reflet d'eux-mêmes dans un miroir d'or-encadré. L'artiste invite peut-être le spectateur à se dépasser à travers l'observation de ce qui se trouve dans le cadre (un sujet qqui aurait pu être le reflet du spectateur lui-même), confirmant la signification du scarabée dans la mythologie égyptienne: l'idée d'une profonde transformation de soi, de la croissance personnelle, de la fertilité et finalement de l'idée de la création. Dans un premier temps, le spectateur est impressionné par la technique multicouche et les thèmes imaginaires qui caractérisent le travail de Ntokos. Ensuite, le public se rend aux illusions qui sont créées par la combinaison de différentes formes géométriques, des modèles et des couleurs vives. Une forte esthétique urbaine et surréaliste reste un élément clé dans les créations de Ntokos, même lorsque ses œuvres sont exposées dans des espaces non affectés par les rythmes trépidants et les bruits de la ville. Ses œuvres sont adaptées aux cadres, qu'il fonde dans les marchés aux puces, alors qu'il incorpore souvent dans son travail des déchets et des vieux métaux trouvés dans la rue, qu'il «sauve» en quelque sorte, en y ajoutant une valeur fonctionnelle.

250 €/300 €

23 . DE PECKER Hilde , né en 1961 Composition abstraite. Huile sur toile, signée et datée 2016 au dos. 100 x 135cm.

1 200 €/1 300 €

24 . DENNING Guy, né en 1965 Download 2909, 2015, Fusain et pastel sur papier craft, signé et daté en bas à droite. 100 X 100cm.

1 000 €/1 500 €

25 . DUBEAU Frederic, né en 1956 Composition abstraite, Acrylique sur papier, signé en bas à droite. Dim. : 76 x 57 cm

150 €/200 €

26 . ECOLE MODERNE, Le Nourrain 2018 Sculpture en acier soudé. Pièce unique. 40x46cm environ.

250 €/350 €

27 . Enzo OTO, né en 1985 Casale, 2017 Acrylique, feutre et enduis sur caisson de bois, signé au dos 152 x 77.5cm

1 000 €/1 500 €

28 . FÉRIAL, née en 1965 Polaroid urban 162/2014 ST CEZAIRE exemplaire 1/8 Digigraphie numérique rehaussée avec pigments, pastel et encre sur papier Hahnemuhle Museum Etching 350G signé, daté, titré et numéroté en bas à droite. 50 x 100cm.

600 €/800 €

29 . FIGUEROA Cesar, né en 1984. Tropicalia, Acrylique sur toile. 110 x 130cm.

1 800 €/2 000 €

30 . FREDDISH, né en 1971 Chien, 2018 Sculpture en fer. 34 x 53cm Né en 1971, Freddish est un artiste complètement autodidacte qui à mûrit son art au travers de multiples voyages sur les 5 continents. Précurseur du street art en France, il est remarqué dès le milieu des années 80 par ses nombreuses performances et participe activement à la valorisation de ce mouvement. Il multiplie les collaborations avec divers « posse » de graffeurs tel que IZB. Son goût pour la création a été nourrit par de nombreuses rencontres. En effet Freddish a été l'assistant plusieurs années de Niki de St. Phalle et Jean Tinguely qui lui ont permis de rencontrer des artistes comme Arman, Soto, César et bien d'autre du mouvement « nouveaux réalistes », il rencontre aussi des artistes d'autres mouvements comme Gilles Aillaud, Arroyo, Cardenas, keith haring ... Freddish décide de se consacrer entièrement à « son » art et commence par créer un collectif d'artistes la « galerie la rue » et les premières installations sauvages et sculptures de rue voient le jour, il réalise aussi de nombreux décors pour le mouvement street art à la grande hall de la Villette et pour des spectacles hip hop en dance et scène de rap (l'Olympia, la Cigale, ...) Il développe alors une véritable exigence dans son travail et affirme peu à peu son propre langage. Il ne s'interdit plus aucune technique et passe aisément de la peinture à la sculpture. Les portes des galeries s'ouvrent et il est désormais invité à exposer au sein de diverses institutions et musées sur le continent mais aussi à l'étranger. En 2006, Freddish est l'un des premiers artistes de l'art urbain présenté au salon d'automne à Paris. Depuis 2011, ses œuvres sont sélectionnées dans les cotations de Drouot et d'Artprice. Installé à Bordeaux depuis plusieurs années, Freddish, développe de nouveaux projets passant de la peinture à la sculpture

550 €/600 €

31 . FREDDISH, né en 1971 Héroines, Acrylique et poska sur toile. 100 x 100cm. Né en 1971, Freddish est un artiste complètement autodidacte qui à mûrit son art au travers de multiples voyages sur les 5 continents. Précurseur du street art en France, il est remarqué dès le milieu des années 80 par ses nombreuses performances et participe activement à la valorisation de ce mouvement. Il multiplie les collaborations avec divers « posse » de graffeurs tel que IZB. Son goût pour la création a été nourrit par de nombreuses rencontres. En effet Freddish a été l'assistant plusieurs années de Niki de St. Phalle et Jean Tinguely qui lui ont permis de rencontrer des artistes comme Arman, Soto, César et bien d'autre du mouvement « nouveaux réalistes », il rencontre aussi des artistes d'autres mouvements comme Gilles Aillaud, Arroyo, Cardenas, keith haring ... Freddish décide de se consacrer entièrement à « son » art et commence par créer un collectif d'artistes la « galerie la rue » et les premières installations sauvages et sculptures de rue voient le jour, il réalise aussi de nombreux décors pour le mouvement street art à la grande hall de la Villette et pour des spectacles hip hop en dance et scène de rap (l'Olympia, la Cigale, ...) Il développe alors une véritable exigence dans son travail et affirme peu à peu son propre langage. Il ne s'interdit plus aucune technique et passe aisément de la peinture à la sculpture. Les portes des galeries s'ouvrent et il est désormais invité à exposer au sein de diverses institutions et musées sur le continent mais aussi à l'étranger. En 2006, Freddish est l'un des premiers artistes de l'art urbain présenté au salon d'automne à Paris. Depuis 2011, ses œuvres sont sélectionnées dans les cotations de Drouot et d'Artprice. Installé à Bordeaux depuis plusieurs années, Freddish, développe de nouveaux projets passant de la peinture à la sculpture

1 600 €/1 800 €

32 . FREDDISH, né en 1971 Pieuvre land. Acrylique sur toile. 150 x 100cm Né en 1971, Freddish est un artiste complètement autodidacte qui à mûrit son art au travers de multiples voyages sur les 5 continents. Précurseur du street art en France, il est remarqué dès le milieu des années 80 par ses nombreuses performances et participe activement à la valorisation de ce mouvement. Il multiplie les collaborations avec divers « posse » de graffeurs tel que IZB. Son goût pour la création a été nourrit par de nombreuses rencontres. En effet Freddish a été l'assistant plusieurs années de Niki de St. Phalle et Jean Tinguely qui lui ont permis de rencontrer des artistes comme Arman, Soto, César et bien d'autre du mouvement « nouveaux réalistes », il rencontre aussi des artistes d'autres mouvements comme Gilles Aillaud, Arroyo, Cardenas, keith haring ... Freddish décide de se consacrer entièrement à « son » art et commence par créer un collectif d'artistes la « galerie la rue » et les premières installations sauvages et sculptures de rue voient le jour, il réalise aussi de nombreux décors pour le mouvement street art à la grande hall de la Villette et pour des spectacles hip hop en dance et scène de rap (l'Olympia, la Cigale, ...) Il développe alors une véritable exigence dans son travail et affirme peu à peu son propre langage. Il ne s'interdit plus aucune technique et passe aisément de la peinture à la sculpture. Les portes des galeries s'ouvrent et il est désormais invité à exposer au sein de diverses institutions et musées sur le continent mais aussi à l'étranger. En 2006, Freddish est l'un des premiers artistes de l'art urbain présenté au salon d'automne à Paris. Depuis 2011, ses œuvres sont sélectionnées dans les cotations de Drouot et d'Artprice. Installé à Bordeaux depuis plusieurs années, Freddish, développe de nouveaux projets passant de la peinture à la sculpture

2 100 €/2 500 €

33 . FREDDISH, né en 1971, Lapin, 2018 Sculpture en fer. 60 x 45cm Né en 1971, Freddish est un artiste complètement autodidacte qui à mûrit son art au travers de multiples voyages sur les 5 continents. Précurseur du street art en France, il est remarqué dès le milieu des années 80 par ses nombreuses performances et participe activement à la valorisation de ce mouvement. Il multiplie les collaborations avec divers « posse » de graffeurs tel que IZB. Son goût pour la création a été nourrit par de nombreuses rencontres. En effet Freddish a été l'assistant plusieurs années de Niki de St. Phalle et Jean Tinguely qui lui ont permis de rencontrer des artistes comme Arman, Soto, César et bien d'autre du mouvement « nouveaux réalistes », il rencontre aussi des artistes d'autres mouvements comme Gilles Aillaud, Arroyo, Cardenas, keith haring ... Freddish décide de se consacrer entièrement à « son » art et commence par créer un collectif d'artistes la « galerie la rue » et les premières installations sauvages et sculptures de rue voient le jour, il réalise aussi de nombreux décors pour le mouvement street art à la grande hall de la Villette et pour des spectacles hip hop en dance et scène de rap (l'Olympia, la Cigale, ...) Il développe alors une véritable exigence dans son travail et affirme peu à peu son propre langage. Il ne s'interdit plus aucune technique et passe aisément de la peinture à la sculpture. Les portes des galeries s'ouvrent et il est désormais invité à exposer au sein de diverses institutions et musées sur le continent mais aussi à l'étranger. En 2006, Freddish est l'un des premiers artistes de l'art urbain présenté au salon d'automne à Paris. Depuis 2011, ses œuvres sont sélectionnées dans les cotations de Drouot et d'Artprice. Installé à Bordeaux depuis plusieurs années, Freddish, développe de nouveaux projets passant de la peinture à la sculpture

800 €/1 000 €

34 . FREDDISH, né en 1971, Lapin, 2018 Sculpture en fer. 60 x 45cm Né en 1971, Freddish est un artiste complètement autodidacte qui à mûrit son art au travers de multiples voyages sur les 5 continents. Précurseur du street art en France, il est remarqué dès le milieu des années 80 par ses nombreuses performances et participe activement à la valorisation de ce mouvement. Il multiplie les collaborations avec divers « posse » de graffeurs tel que IZB. Son goût pour la création a été nourrit par de nombreuses rencontres. En effet Freddish a été l'assistant plusieurs années de Niki de St. Phalle et Jean Tinguely qui lui ont permis de rencontrer des artistes comme Arman, Soto, César et bien d'autre du mouvement « nouveaux réalistes », il rencontre aussi des artistes d'autres mouvements comme Gilles Aillaud, Arroyo, Cardenas, keith haring ... Freddish décide de se consacrer entièrement à « son » art et commence par créer un collectif d'artistes la « galerie la rue » et les premières installations sauvages et sculptures de rue voient le jour, il réalise aussi de nombreux décors pour le mouvement street art à la grande hall de la Villette et pour des spectacles hip hop en dance et scène de rap (l'Olympia, la Cigale, ...) Il développe alors une véritable exigence dans son travail et affirme peu à peu son propre langage. Il ne s'interdit plus aucune technique et passe aisément de la peinture à la sculpture. Les portes des galeries s'ouvrent et il est désormais invité à exposer au sein de diverses institutions et musées sur le continent mais aussi à l'étranger. En 2006, Freddish est l'un des premiers artistes de l'art urbain présenté au salon d'automne à Paris. Depuis 2011, ses œuvres sont sélectionnées dans les cotations de Drouot et d'Artprice. Installé à Bordeaux depuis plusieurs années, Freddish, développe de nouveaux projets passant de la peinture à la sculpture

800 €/1 000 €

35 . FREDDISH, né en 1971, Mega city. Acrylique et posca sur toile 81 x 65cm Né en 1971, Freddish est un artiste complètement autodidacte qui à mûrit son art au travers de multiples voyages sur les 5 continents. Précurseur du street art en France, il est remarqué dès le milieu des années 80 par ses nombreuses performances et participe activement à la valorisation de ce mouvement. Il multiplie les collaborations avec divers « posse » de graffeurs tel que IZB. Son goût pour la création a été nourrit par de nombreuses rencontres. En effet Freddish a été l'assistant plusieurs années de Niki de St. Phalle et Jean Tinguely qui lui ont permis de rencontrer des artistes comme Arman, Soto, César et bien d'autre du mouvement « nouveaux réalistes », il rencontre aussi des artistes d'autres mouvements comme Gilles Aillaud, Arroyo, Cardenas, keith haring ... Freddish décide de se consacrer entièrement à « son » art et commence par créer un collectif d'artistes la « galerie la rue » et les premières installations sauvages et sculptures de rue voient le jour, il réalise aussi de nombreux décors pour le mouvement street art à la grande hall de la Villette et pour des spectacles hip hop en dance et scène de rap (l'Olympia, la Cigale, ...) Il développe alors une véritable exigence dans son travail et affirme peu à peu son propre langage. Il ne s'interdit plus aucune technique et passe aisément de la peinture à la sculpture. Les portes des galeries s'ouvrent et il est désormais invité à exposer au sein de diverses institutions et musées sur le continent mais aussi à l'étranger. En 2006, Freddish est l'un des premiers artistes de l'art urbain présenté au salon d'automne à Paris. Depuis 2011, ses œuvres sont sélectionnées dans les cotations de Drouot et d'Artprice. Installé à Bordeaux depuis plusieurs années, Freddish, développe de nouveaux projets passant de la peinture à la sculpture

1 100 €/1 300 €

36 . FREDDISH, né en 1971, Mixe paradozica juge Acrylique et posca sur toile 100 x 73cm Né en 1971, Freddish est un artiste complètement autodidacte qui à mûrit son art au travers de multiples voyages sur les 5 continents. Précurseur du street art en France, il est remarqué dès le milieu des années 80 par ses nombreuses performances et participe activement à la valorisation de ce mouvement. Il multiplie les collaborations avec divers « posse » de graffeurs tel que IZB. Son goût pour la création a été nourrit par de nombreuses rencontres. En effet Freddish a été l'assistant plusieurs années de Niki de St. Phalle et Jean Tinguely qui lui ont permis de rencontrer des artistes comme Arman, Soto, César et bien d'autre du mouvement « nouveaux réalistes », il rencontre aussi des artistes d'autres mouvements comme Gilles Aillaud, Arroyo, Cardenas, keith haring ... Freddish décide de se consacrer entièrement à « son » art et commence par créer un collectif d'artistes la « galerie la rue » et les premières installations sauvages et sculptures de rue voient le jour, il réalise aussi de nombreux décors pour le mouvement street art à la grande hall de la Villette et pour des spectacles hip hop en dance et scène de rap (l'Olympia, la Cigale, ...) Il développe alors une véritable exigence dans son travail et affirme peu à peu son propre langage. Il ne s'interdit plus aucune technique et passe aisément de la peinture à la sculpture. Les portes des galeries s'ouvrent et il est désormais invité à exposer au sein de diverses institutions et musées sur le continent mais aussi à l'étranger. En 2006, Freddish est l'un des premiers artistes de l'art urbain présenté au salon d'automne à Paris. Depuis 2011, ses œuvres sont sélectionnées dans les cotations de Drouot et d'Artprice. Installé à Bordeaux depuis plusieurs années, Freddish, développe de nouveaux projets passant de la peinture à la sculpture

1 100 €/1 300 €

37 . FREDDISH, né en 1971, Parodiziac crying africa. Acrylique et posca sur toile 81 x 60cm Né en 1971, Freddish est un artiste complètement autodidacte qui à mûrit son art au travers de multiples voyages sur les 5 continents. Précurseur du street art en France, il est remarqué dès le milieu des années 80 par ses nombreuses performances et participe activement à la valorisation de ce mouvement. Il multiplie les collaborations avec divers « posse » de graffeurs tel que IZB. Son goût pour la création a été nourrit par de nombreuses rencontres. En effet Freddish a été l'assistant plusieurs années de Niki de St. Phalle et Jean Tinguely qui lui ont permis de rencontrer des artistes comme Arman, Soto, César et bien d'autre du mouvement « nouveaux réalistes », il rencontre aussi des artistes d'autres mouvements comme Gilles Aillaud, Arroyo, Cardenas, keith haring ... Freddish décide de se consacrer entièrement à « son » art et commence par créer un collectif d'artistes la « galerie la rue » et les premières installations sauvages et sculptures de rue voient le jour, il réalise aussi de nombreux décors pour le mouvement street art à la grande hall de la Villette et pour des spectacles hip hop en dance et scène de rap (l'Olympia, la Cigale, ...) Il développe alors une véritable exigence dans son travail et affirme peu à peu son propre langage. Il ne s'interdit plus aucune technique et passe aisément de la peinture à la sculpture. Les portes des galeries s'ouvrent et il est désormais invité à exposer au sein de diverses institutions et musées sur le continent mais aussi à l'étranger. En 2006, Freddish est l'un des premiers artistes de l'art urbain présenté au salon d'automne à Paris. Depuis 2011, ses œuvres sont sélectionnées dans les cotations de Drouot et d'Artprice. Installé à Bordeaux depuis plusieurs années, Freddish, développe de nouveaux projets passant de la peinture à la sculpture

1 100 €/1 300 €

38 . FREDDISH, né en 1971, Parodiziac hypno Acrylique et posca sur toile 100 x 73cm Né en 1971, Freddish est un artiste complètement autodidacte qui à mûrit son art au travers de multiples voyages sur les 5 continents. Précurseur du street art en France, il est remarqué dès le milieu des années 80 par ses nombreuses performances et participe activement à la valorisation de ce mouvement. Il multiplie les collaborations avec divers « posse » de graffeurs tel que IZB. Son goût pour la création a été nourrit par de nombreuses rencontres. En effet Freddish a été l'assistant plusieurs années de Niki de St. Phalle et Jean Tinguely qui lui ont permis de rencontrer des artistes comme Arman, Soto, César et bien d'autre du mouvement « nouveaux réalistes », il rencontre aussi des artistes d'autres mouvements comme Gilles Aillaud, Arroyo, Cardenas, keith haring ... Freddish décide de se consacrer entièrement à « son » art et commence par créer un collectif d'artistes la « galerie la rue » et les premières installations sauvages et sculptures de rue voient le jour, il réalise aussi de nombreux décors pour le mouvement street art à la grande hall de la Villette et pour des spectacles hip hop en dance et scène de rap (l'Olympia, la Cigale, ...) Il développe alors une véritable exigence dans son travail et affirme peu à peu son propre langage. Il ne s'interdit plus aucune technique et passe aisément de la peinture à la sculpture. Les portes des galeries s'ouvrent et il est désormais invité à exposer au sein de diverses institutions et musées sur le continent mais aussi à l'étranger. En 2006, Freddish est l'un des premiers artistes de l'art urbain présenté au salon d'automne à Paris. Depuis 2011, ses œuvres sont sélectionnées dans les cotations de Drouot et d'Artprice. Installé à Bordeaux depuis plusieurs années, Freddish, développe de nouveaux projets passant de la peinture à la sculpture

1 400 €/1 500 €

39 . FREDDISH, né en 1971, Technique mixtes sur couverture de magasine. 20 x 30 et 30 x 40cm Vendues séparément lors de notre vernissage. Né en 1971, Freddish est un artiste complètement autodidacte qui à mûrit son art au travers de multiples voyages sur les 5 continents. Précurseur du street art en France, il est remarqué dès le milieu des années 80 par ses nombreuses performances et participe activement à la valorisation de ce mouvement. Il multiplie les collaborations avec divers « posse » de graffeurs tel que IZB. Son goût pour la création a été nourrit par de nombreuses rencontres. En effet Freddish a été l'assistant plusieurs années de Niki de St. Phalle et Jean Tinguely qui lui ont permis de rencontrer des artistes comme Arman, Soto, César et bien d'autre du mouvement « nouveaux réalistes », il rencontre aussi des artistes d'autres mouvements comme Gilles Aillaud, Arroyo, Cardenas, keith haring ... Freddish décide de se consacrer entièrement à « son » art et commence par créer un collectif d'artistes la « galerie la rue » et les premières installations sauvages et sculptures de rue voient le jour, il réalise aussi de nombreux décors pour le mouvement street art à la grande hall de la Villette et pour des spectacles hip hop en dance et scène de rap (l'Olympia, la Cigale, ...) Il développe alors une véritable exigence dans son travail et affirme peu à peu son propre langage. Il ne s'interdit plus aucune technique et passe aisément de la peinture à la sculpture. Les portes des galeries s'ouvrent et il est désormais invité à exposer au sein de diverses institutions et musées sur le continent mais aussi à l'étranger. En 2006, Freddish est l'un des premiers artistes de l'art urbain présenté au salon d'automne à Paris. Depuis 2011, ses œuvres sont sélectionnées dans les cotations de Drouot et d'Artprice. Installé à Bordeaux depuis plusieurs années, Freddish, développe de nouveaux projets passant de la peinture à la sculpture

200 €/300 €

40 . GAN Stephen et David SIMS VISIONAIRE 40 ROSES Edition originale limitée et numérotée 2688/3000. Dans son emboîtage, encore sous blister. 39 x 28.5 cm.

80 €/120 €

41 . GAN Stephen et la Maison HERMÈS VISIONAIRE 32 WHERE? Ensemble de tirages photographiques réunis dans une pochette de cuir gold. Édition limitée numérotée 262/3500. 18,5 x 12 cm. Dans son sac de protection et sa boîte cartonnée de la Maison Hermès.

600 €/800 €

42 . GAN Stephen et LEVI'S VISIONAIRE 31 BLUE Edition originale limitée et numérotée 5473/6000. Coffret complet dans sa housse simulant une veste en jean. 43 x 30 cm.

200 €/300 €

43 . GAN Stephen et Philippe STARCK VISIONAIRE 28 BIBLE Edition originale limitée et numérotée 3288/6000. Dans son coffret en plastique moulé. 42 x 29 cm.

150 €/250 €

44 . GAN Stephen VISIONAIRE 16 CALENDAR 1996. Edition originale limitée et numérotée 1019/2000. Dans son emboîtage en plexiglass arqué. 14 x 31 cm.

100 €/200 €

45 . GAN Stephen VISIONAIRE 25 VISIONARY Édition originale limitée et numérotée 4863/5000, avec son CD. Dans son emboîtage en rhodoïd. 33 x 33 cm.

80 €/120 €

46 . GAN Stephen VISIONAIRE 27 MOVEMENT Edition originale limitée et numérotée 2489/6000. Un volume à reliure en hologramme. 31.5 x 24.7 cm.

150 €/250 €

47 . GAN Stephen VISIONAIRE 27 MOVEMENT Edition originale limitée et numérotée 3687/6000. Un volume à reliure en hologramme. 31.5 x 24.7 cm.

150 €/250 €

48 . GAN Stephen et GAP. VISIONAIRE 41 WORLD Visionnaire Publishing, New York. Edition originale limitée et numérotée 2776/4000. Un volume à reliure de velours milleret orangé dans son sac de même décor. 26 x 38.5 cm.

300 €/400 €

49 . GAN Stephen et la Maison HERMES VISIONAIRE 26 FANTASY. Edition originale limitée et numérotée 4615/6000. Dans son coffret circulaire avec son lou de la Maison Hermès. Diam. : 33 cm.

300 €/400 €

50 . GAN Stephen et Mario TESTINO VISIONAIRE 35 MAN Edition originale limitée et numérotée. Encore sous blister. 31 x 25 cm.

80 €/120 €

51 . GAN Stephen et Philippe STARCK VISIONAIRE 28 BIBLE Edition originale limitée et numérotée 2519/6000. Dans son coffret en plastique moulé. 42 x 29 cm.

150 €/250 €

52 . GAN Stephen VISIONAIRE 36 POWER. Edition originale limitée et numérotée 2113/65000. Dans son coffret de polymère violet. 27.5 x 27.5 cm.

100 €/150 €

53 . GAN Stephen, Tom FORD pour GUCCI VISIONAIRE 24 LIGHT Edition originale limitée et numérotée 2723/3300. Coffret complet éclairant, avec son emboîtage. 6 x 38 x 14 cm.

300 €/400 €

54 . Giulnara FATULLAEVA, dite G-Artpaint, né en 1990 Femme nue Huile sur toile. 100 x 81cm

800 €/1 200 €

55 . HASHEM, née en 1973, Golorak,2016 Diptyque, acrylique sur toile. 100 x 50 et 25.5 x 50cm. Artiste autodidacte de la région parisienne nee en 1973 , mes productions s'inspirent des comics américains, de la bande dessinée plus traditionnelle, des jeux vidéo et de la culture Geek en général. Le monde du Graffiti et du StreetArt ainsi que la pop culture sont également une grande source d'inspiration. J'aime m'essayer à différents styles et différents supports dans mon travail.

900 €/1 000 €

56 . HASHEM, née en 1973, May the force be with you, 2017. Pochoir et bombe aérosol sur palette. 100 x 64.5cm. Artiste autodidacte de la région parisienne nee en 1973 , mes productions s'inspirent des comics américains, de la bande dessinée plus traditionnelle, des jeux vidéo et de la culture Geek en général. Le monde du Graffiti et du StreetArt ainsi que la pop culture sont également une grande source d'inspiration. J'aime m'essayer à différents styles et différents supports dans mon travail.

900 €/1 000 €

57 . HASHEM, née en 1973, Skulls of icons, Quadriptyque, posca encre et feutre sur papier Canson. 29.7 x 42cm chaque Artiste autodidacte de la région parisienne nee en 1973 , mes productions s'inspirent des comics américains, de la bande dessinée plus traditionnelle, des jeux vidéo et de la culture Geek en général. Le monde du Graffiti et du StreetArt ainsi que la pop culture sont également une grande source d'inspiration. J'aime m'essayer à différents styles et différents supports dans mon travail.

650 €/800 €

58 . HASHEM, née en 1973, Spidergraf, 2015. Posca et bombe aérosol sur toile. 46 x 37cm. Artiste autodidacte de la région parisienne nee en 1973 , mes productions s'inspirent des comics américains, de la bande dessinée plus traditionnelle, des jeux vidéo et de la culture Geek en général. Le monde du Graffiti et du StreetArt ainsi que la pop culture sont également une grande source d'inspiration. J'aime m'essayer à différents styles et différents supports dans mon travail.

250 €/300 €

59 . IN4ART, né en 1983 Sans titre, Technique mixte sur toile. 60 x 80cm. ink4rt, Grenoblois d'origine, je commence le graffiti vers la fin des années 90. Dans un premier temps et sous divers pseudonymes, le lettrage s'exprime d'avantage que le dessin à la bombe… les prémices du « writting »… écrire son nom, sur un cahier, une porte, un mur, à l'école, au travail, dans la rue… encore, encore et toujours… Mon style évolue au fil des ans et au milieu des années 2000 je me consacre au numérique. Ink'art voit le jour. Plus tard je troquerais le « a » pour un « 4 », souvenir de cette période digitale: ink4rt. Bien que les illustrations numériques occupent la majorité de mon temps durant cette période, j'ai toujours un crayon ou un marqueur à portée de main pour dessiner ou tagger. Il y a quelques années c'est vers le lettering que je me tourne et très vite, c'est la calligraphie qui va s'imposer à moi. Ses origines, ses techniques et les multiples outils que l'on peut employer m'ont séduit. Sa diversité et la créativité qu'elle impose en font un art qui est une réelle émulation pour l'esprit. Etant quelqu'un qui aime beaucoup apprendre, la calligraphie nécessite un vrai apprentissage, artistique mais aussi historique. Bien que mes calligraphies semblent d'inspirations orientales ou hébraïques, elles sont aussi étroitement liées aux alphabets asiatiques et gothiques. Autodidacte, mes traits en sont inspirées et tendent à s'exprimer avec les flux qu'ils génèrent en « dansant », de la même manière que les lettres peuvent le faire au travers des mots. Mes toiles ont d'abord été entièrement réalisées à la plume. Maintenant, c'est au pinceau que je me plait le plus à laisser libre court à mon imagination. L'envie d'espace et de grands volumes m'emmène à laisser mes courbes se balader sur les murs. Les lieux désaffectés, les friches industrielles sont aujourd'hui des lieux que j'affectionne particulièrement. Le papier, la toile ou le mur ? Le choix ne serait pas simple… Précision et technique se travail sur les petits formats, papier le plus souvent. La toile demande de la créativité, son grain donne un réel plaisir à la travailler. Le mur, sa texture est souvent plus aléatoire et parfois les pinceaux ne l'aiment pas beaucoup ! Il offre cependant le volume pour s'exprimer pleinement. Il donne une vraie sensation de liberté, encore plus lorsqu'il se trouve en extérieur. Si je regarde mes peintures dans leur globalité, ces trois supports se nourrissent les uns des autres et permettent de s'exprimer de manières différentes, d'avoir accès à un panel d'outils élargit et de travailler la calligraphie dans toute sa diversité.

400 €/500 €

60 . IN4ART, né en 1983. Golden letters, Spray sur toile. 100 x 100cm. ink4rt, Grenoblois d'origine, je commence le graffiti vers la fin des années 90. Dans un premier temps et sous divers pseudonymes, le lettrage s'exprime d'avantage que le dessin à la bombe… les prémices du « writting »… écrire son nom, sur un cahier, une porte, un mur, à l'école, au travail, dans la rue… encore, encore et toujours… Mon style évolue au fil des ans et au milieu des années 2000 je me consacre au numérique. Ink'art voit le jour. Plus tard je troquerais le « a » pour un « 4 », souvenir de cette période digitale: ink4rt. Bien que les illustrations numériques occupent la majorité de mon temps durant cette période, j'ai toujours un crayon ou un marqueur à portée de main pour dessiner ou tagger. Il y a quelques années c'est vers le lettering que je me tourne et très vite, c'est la calligraphie qui va s'imposer à moi. Ses origines, ses techniques et les multiples outils que l'on peut employer m'ont séduit. Sa diversité et la créativité qu'elle impose en font un art qui est une réelle émulation pour l'esprit. Etant quelqu'un qui aime beaucoup apprendre, la calligraphie nécessite un vrai apprentissage, artistique mais aussi historique. Bien que mes calligraphies semblent d'inspirations orientales ou hébraïques, elles sont aussi étroitement liées aux alphabets asiatiques et gothiques. Autodidacte, mes traits en sont inspirées et tendent à s'exprimer avec les flux qu'ils génèrent en « dansant », de la même manière que les lettres peuvent le faire au travers des mots. Mes toiles ont d'abord été entièrement réalisées à la plume. Maintenant, c'est au pinceau que je me plait le plus à laisser libre court à mon imagination. L'envie d'espace et de grands volumes m'emmène à laisser mes courbes se balader sur les murs. Les lieux désaffectés, les friches industrielles sont aujourd'hui des lieux que j'affectionne particulièrement. Le papier, la toile ou le mur ? Le choix ne serait pas simple… Précision et technique se travail sur les petits formats, papier le plus souvent. La toile demande de la créativité, son grain donne un réel plaisir à la travailler. Le mur, sa texture est souvent plus aléatoire et parfois les pinceaux ne l'aiment pas beaucoup ! Il offre cependant le volume pour s'exprimer pleinement. Il donne une vraie sensation de liberté, encore plus lorsqu'il se trouve en extérieur. Si je regarde mes peintures dans leur globalité, ces trois supports se nourrissent les uns des autres et permettent de s'exprimer de manières différentes, d'avoir accès à un panel d'outils élargit et de travailler la calligraphie dans toute sa diversité.

700 €/800 €

61 . IN4ART, né en 1983. Si pour toi je brille dans la flamme de l'amour, 2018 Technique mixte sur toile. 100 x 80cm. ink4rt, Grenoblois d'origine, je commence le graffiti vers la fin des années 90. Dans un premier temps et sous divers pseudonymes, le lettrage s'exprime d'avantage que le dessin à la bombe… les prémices du « writting »… écrire son nom, sur un cahier, une porte, un mur, à l'école, au travail, dans la rue… encore, encore et toujours… Mon style évolue au fil des ans et au milieu des années 2000 je me consacre au numérique. Ink'art voit le jour. Plus tard je troquerais le « a » pour un « 4 », souvenir de cette période digitale: ink4rt. Bien que les illustrations numériques occupent la majorité de mon temps durant cette période, j'ai toujours un crayon ou un marqueur à portée de main pour dessiner ou tagger. Il y a quelques années c'est vers le lettering que je me tourne et très vite, c'est la calligraphie qui va s'imposer à moi. Ses origines, ses techniques et les multiples outils que l'on peut employer m'ont séduit. Sa diversité et la créativité qu'elle impose en font un art qui est une réelle émulation pour l'esprit. Etant quelqu'un qui aime beaucoup apprendre, la calligraphie nécessite un vrai apprentissage, artistique mais aussi historique. Bien que mes calligraphies semblent d'inspirations orientales ou hébraïques, elles sont aussi étroitement liées aux alphabets asiatiques et gothiques. Autodidacte, mes traits en sont inspirées et tendent à s'exprimer avec les flux qu'ils génèrent en « dansant », de la même manière que les lettres peuvent le faire au travers des mots. Mes toiles ont d'abord été entièrement réalisées à la plume. Maintenant, c'est au pinceau que je me plait le plus à laisser libre court à mon imagination. L'envie d'espace et de grands volumes m'emmène à laisser mes courbes se balader sur les murs. Les lieux désaffectés, les friches industrielles sont aujourd'hui des lieux que j'affectionne particulièrement. Le papier, la toile ou le mur ? Le choix ne serait pas simple… Précision et technique se travail sur les petits formats, papier le plus souvent. La toile demande de la créativité, son grain donne un réel plaisir à la travailler. Le mur, sa texture est souvent plus aléatoire et parfois les pinceaux ne l'aiment pas beaucoup ! Il offre cependant le volume pour s'exprimer pleinement. Il donne une vraie sensation de liberté, encore plus lorsqu'il se trouve en extérieur. Si je regarde mes peintures dans leur globalité, ces trois supports se nourrissent les uns des autres et permettent de s'exprimer de manières différentes, d'avoir accès à un panel d'outils élargit et de travailler la calligraphie dans toute sa diversité.

700 €/800 €

62 . JANA UND JS. Les photographes. Trois pochoirs sur bois, signé en bas à droite, signé et daté au dos. 26 x 67cm

500 €/600 €

63 . JEROME F L'étincelle huile sur toile, signée en bas à droite 198x121 cm étiquette de galerie Show & Tell, San Francisco sur le châssis

150 €/200 €

64 . JOJO LE PETIT PRINCE, né en 1984. Chute libre, 2018 Acrylique et gouache sur toile. 100 x 100cm Jojo, jeune peintre de la région parisienne, pose un regard sur le monde qui l'entoure, qui nous entoure. Ce ne sont pas ses monstres qui nous feront peur mais peut être les messages qu'ils portent. Derrière un univers coloré et bouillonnant, ses tableaux ne jugent pas. Teintés de colère, ils montrent. C'est un voyage onirique qui nous est proposé. Le monde graphique et psychédélique de Jojo nous questionne. La douce mélancolie qui traverse son oeuvre peut toucher le plus grand nombre. Notre imaginaire est imprégné sur la toile. On peut retrouver, diffuse dans l'Oeuvre, une recherche sur nos conceptions de la liberté et de l'emprisonnement, intrinsèquement liées. L'artiste nous livre ses pistes de réponses. On perçoit aussi sa propension, et par la même, la notre, à être acteur de notre emprisonnement, physique ou spirituel, obstacle à la liberté. Une liberté difficile à atteindre et surtout à définir.

600 €/800 €

65 . JOJO LE PETIT PRINCE, né en 1984. Course, 2018 Acrylique et gouache sur toile. 100 x 100cm Jojo, jeune peintre de la région parisienne, pose un regard sur le monde qui l'entoure, qui nous entoure. Ce ne sont pas ses monstres qui nous feront peur mais peut être les messages qu'ils portent. Derrière un univers coloré et bouillonnant, ses tableaux ne jugent pas. Teintés de colère, ils montrent. C'est un voyage onirique qui nous est proposé. Le monde graphique et psychédélique de Jojo nous questionne. La douce mélancolie qui traverse son oeuvre peut toucher le plus grand nombre. Notre imaginaire est imprégné sur la toile. On peut retrouver, diffuse dans l'Oeuvre, une recherche sur nos conceptions de la liberté et de l'emprisonnement, intrinsèquement liées. L'artiste nous livre ses pistes de réponses. On perçoit aussi sa propension, et par la même, la notre, à être acteur de notre emprisonnement, physique ou spirituel, obstacle à la liberté. Une liberté difficile à atteindre et surtout à définir.

600 €/800 €

66 . JONONE, John Andrew PERELLO dit, né en 1963, Rouge et noir, 2014, sérigraphie en couleurs, n°31/50, signée et datée en bas à droite, 65x49 cm.

500 €/800 €

67 . JONONE, John Andrew PERELLO dit, né en 1963, Sans titre orange, 2010, offset en couleurs, signée et datée en bas à droite, 22x18 cm.

200 €/300 €

68 . JORGE ORTIZ, né en 1973 Pentagramaonirico IV Huile sur toile. 130 x 97cm Jorge Ortiz Ortiz, artista plástico y diseñador gráfico. Nacido en la ciudad de Santiago de Cuba, CUBA, en 1973. Proveniente de una familia de artistas plásticos, le invade desde muy joven su vocación pictórica, por la influencia de su padre. De él recibe sus primeras clases, para luego comenzar a estudiar Bellas Artes en su país natal, alcanzando la licenciatura en 1994 en la Escuela Nacional de Artes de San Alejandro, en La Habana. Desde su llegada a Castellón de La Plana en 1997, ciudad en la que fija su residencia, Ortiz ha participado en numerosas exposiciones colectivas y ha realizado un gran número de muestras personales, obteniendo siempre un gran éxito y recibiendo muy buenas críticas, siendo su obra galardonada en diversas ocasiones. Ortiz compagina su labor pictórica con el diseño gráfico. Jorge Ortiz Ortiz, plasticien et graphiste. Né dans la ville de Santiago de Cuba, CUBA, en 1973. Issu d'une famille d'artistes plasticiens, sa vocation picturale l'envahit dès son plus jeune âge, sous l'influence de son père. De là, il a reçu ses premiers cours, pour ensuite commencer à étudier les beaux-arts dans son pays natal, atteignant le diplôme en 1994 à l'École nationale des Arts de San Alejandro, à La Havane. Depuis son arrivée à Castellón de La Plana en 1997, la ville dans laquelle il a élu domicile, Ortiz a participé à de nombreuses expositions collectives et a fait un grand nombre d'échantillons personnels, obtenant toujours un grand succès et recevant de très bonnes critiques, son travail étant attribué à plusieurs reprises. Ortiz combine son travail pictural avec le graphisme.

1 500 €/1 800 €

69 . KACERE John1920-1999, Loretta, offset en couleurs, n°1/200, signée en bas à droite, timbre à sec en bas à droite : 1977 Cercle Fine Art Corp, 50,5x43 cm.

100 €/200 €

70 . KASABIAN Serge (dit Sergey KASABOV), né en 1951 Composition abstraite. Huile sur toile, signé et daté au dos. 200 x 150 cm.

400 €/600 €

71 . KNIGHT Robert (1921-1987) Darling Technique mixte, signé et daté au dos. 149 x 198 cm.

1 000 €/1 500 €

72 . KOHN Robert, né en 1944. Serpentina. Technique mixte sur panneau, signée en bas à droite. 58 x 98 cm.

200 €/300 €

73 . LILLY LUCIOL, née en 1982 Close to the sea Oeuvre mixmédia composée de fleurs de papier collée de fils brodés et pochoirs 30 x 40cm Dès le début de ses créations en 2011, ses questionnements ont porté sur l'identité, l'image de soi en tant que femme, le corps, la spiritualité. C'est pour cela que lors de ses premières recherches créatives, elle a créé une diversité de corps et de visages féminins. Le choix de s'approprier la rue n'est pas anodin non plus, car celalui permet de décupler l'impact de son message d'ouverture, de le mettre à portée de chacun. Lilyluciole utilise comme technique le collage papier, la photographie et le stencil. Cependant, elle souhaite développer d'autres médiums artistiques telles que la vidéo, l'installation. Le monde de Lilyluciole nous fait voyager dans un univers visuel envoutant à travers Paris, Montréal, New York, Berlin et d'autres villes. Le charme, la sensualité et la force des muses qu'elle multiplie à l'infinie magnifient les murs par ses couleurs,sa lumière et les formes organiques qui s'en dégagent. Elle nous emmène toujours plus loin dans de nouvelles découvertes.

200 €/300 €

74 . LILLY LUCIOL, née en 1982 Sae 1, oeuvre mixmédia qui est composée de fleurs de papier collée de fils brodés et pochoirs. 60 x 80cm Dès le début de ses créations en 2011, ses questionnements ont porté sur l'identité, l'image de soi en tant que femme, le corps, la spiritualité. C'est pour cela que lors de ses premières recherches créatives, elle a créé une diversité de corps et de visages féminins. Le choix de s'approprier la rue n'est pas anodin non plus, car celalui permet de décupler l'impact de son message d'ouverture, de le mettre à portée de chacun. Lilyluciole utilise comme technique le collage papier, la photographie et le stencil. Cependant, elle souhaite développer d'autres médiums artistiques telles que la vidéo, l'installation. Le monde de Lilyluciole nous fait voyager dans un univers visuel envoutant à travers Paris, Montréal, New York, Berlin et d'autres villes. Le charme, la sensualité et la force des muses qu'elle multiplie à l'infinie magnifient les murs par ses couleurs,sa lumière et les formes organiques qui s'en dégagent. Elle nous emmène toujours plus loin dans de nouvelles découvertes.

450 €/600 €

75 . LILLY LUCIOL, née en 1982 Sae 2, oeuvre mixmédia qui est composée de fleurs de papier collée de fils brodés et pochoirs. 60 x 80cm Dès le début de ses créations en 2011, ses questionnements ont porté sur l'identité, l'image de soi en tant que femme, le corps, la spiritualité. C'est pour cela que lors de ses premières recherches créatives, elle a créé une diversité de corps et de visages féminins. Le choix de s'approprier la rue n'est pas anodin non plus, car celalui permet de décupler l'impact de son message d'ouverture, de le mettre à portée de chacun. Lilyluciole utilise comme technique le collage papier, la photographie et le stencil. Cependant, elle souhaite développer d'autres médiums artistiques telles que la vidéo, l'installation. Le monde de Lilyluciole nous fait voyager dans un univers visuel envoutant à travers Paris, Montréal, New York, Berlin et d'autres villes. Le charme, la sensualité et la force des muses qu'elle multiplie à l'infinie magnifient les murs par ses couleurs,sa lumière et les formes organiques qui s'en dégagent. Elle nous emmène toujours plus loin dans de nouvelles découvertes.

450 €/600 €

76 . LIONEL, né en 1949, Sans titre noir et bleu, carborundum en couleurs, n°50/50, signée en bas à droite, 110x75 cm.

100 €/150 €

77 . LORRAIN CAT, née en 1949 Abstraction orange. Huile sur toile. 90x90cm.

350 €/500 €

78 . LOUHOP OP, née en 1980 Bye bye, 2016. Techniques mixtes sur toile. 120 x 60cm Née à Paris en 1980, Lou Hopop découvre une véritable addiction à la peinture en 2014, après avoir passée des années à « s'éclater juste pour le fun » sur différents supports que lui offraient la brocante, l'univers dans lequel elle évoluait depuis 10 ans. C'est par un besoin compulsif de peindre survenu il y a 2 ans, suivi d'une belle rencontre jugée comme un signe, qu'elle décide de se consacrer à la peinture, et croise immédiatement la route de Ben du Lavo//Matik qui l'invite à exposer ses premières œuvres qui furent d'entrée agréablement accueillies. La peinture de Lou Hopop, c'est du Mmmmh !! du Rrrhaaa !! du Grrrrrr !! bref de l'émotion haute en couleurs ; une quête permanente de l'intensité sous toutes ses formes à travers ses ladies ou ses sales gosses sur un fond Punk-Rock et une touche de popop'Hopop !!

600 €/800 €

79 . LOUHOP OP, née en 1980 Le trac des traqués,2016. Techniques mixtes sur toile. 45 x 61cm. Née à Paris en 1980, Lou Hopop découvre une véritable addiction à la peinture en 2014, après avoir passée des années à « s'éclater juste pour le fun » sur différents supports que lui offraient la brocante, l'univers dans lequel elle évoluait depuis 10 ans. C'est par un besoin compulsif de peindre survenu il y a 2 ans, suivi d'une belle rencontre jugée comme un signe, qu'elle décide de se consacrer à la peinture, et croise immédiatement la route de Ben du Lavo//Matik qui l'invite à exposer ses premières œuvres qui furent d'entrée agréablement accueillies. La peinture de Lou Hopop, c'est du Mmmmh !! du Rrrhaaa !! du Grrrrrr !! bref de l'émotion haute en couleurs ; une quête permanente de l'intensité sous toutes ses formes à travers ses ladies ou ses sales gosses sur un fond Punk-Rock et une touche de popop'Hopop !!

350 €/500 €

79B. MDEE BLEND Thomas, Peinture, acrylique et aérosol sur toile. 80 x 80cm.

300 €/500 €

80 . M LEA, né en 1951 Blue Way Huile sur toile. 80 x 80 cm.

400 €/500 €

81 . M LEA, né en 1951 Van Gogh Tribute Huile sur toile. 92 x 73 cm.

500 €/600 €

82 . MISS TIC, née en 1956, Trop heureuse pour être peureuse, 2008, sérigraphie en couleurs, n°53/99, signée en bas à droite, 62x46 cm.

250 €/300 €

83 . MORENO Alexis , né en 1979 Big eyes, 2018 Poska sur toile. 50 x 50cm Titulaire d'un Master en design produit, il entreprend une collaboration avec l'artiste Hilton McConnico, ainsi que quelques réalisations et créations comme : une lampe BERGER en éditions d'arts, une collection de bagagerie et accessoires pour la marque VUARNET, une version contemporaine du mythique rocking-chair sur la base d'une étude sur l'amour en déséquilibre ainsi qu'un concept astucieux de lampe de chevet. Il collaborera aussi avec l'artiste décorateur Stéphane Plassier et, pour une courte durée,avec la société Le Mouton Noir en tant que designer produit. Durant cette période il garde le contact avec Hilton McConnico qui deviendra par la suite son ami. Et c'est avec lui qu'il va développer son attirance pour la peinture dans laquelle il s'investit de plus en plus.

200 €/300 €

84 . MORENO Alexis, né en 1979 Sans titre, 2017 Acrylique sur papier plume. 65 x 50cm Titulaire d'un Master en design produit, il entreprend une collaboration avec l'artiste Hilton McConnico, ainsi que quelques réalisations et créations comme : une lampe BERGER en éditions d'arts, une collection de bagagerie et accessoires pour la marque VUARNET, une version contemporaine du mythique rocking-chair sur la base d'une étude sur l'amour en déséquilibre ainsi qu'un concept astucieux de lampe de chevet. Il collaborera aussi avec l'artiste décorateur Stéphane Plassier et, pour une courte durée,avec la société Le Mouton Noir en tant que designer produit. Durant cette période il garde le contact avec Hilton McConnico qui deviendra par la suite son ami. Et c'est avec lui qu'il va développer son attirance pour la peinture dans laquelle il s'investit de plus en plus.

400 €/500 €

85 . MORENO Alexis, né en 1979 Sans titre, 2017. Acrylique sur papier plume. 64 x 50cm Titulaire d'un Master en design produit, il entreprend une collaboration avec l'artiste Hilton McConnico, ainsi que quelques réalisations et créations comme : une lampe BERGER en éditions d'arts, une collection de bagagerie et accessoires pour la marque VUARNET, une version contemporaine du mythique rocking-chair sur la base d'une étude sur l'amour en déséquilibre ainsi qu'un concept astucieux de lampe de chevet. Il collaborera aussi avec l'artiste décorateur Stéphane Plassier et, pour une courte durée,avec la société Le Mouton Noir en tant que designer produit. Durant cette période il garde le contact avec Hilton McConnico qui deviendra par la suite son ami. Et c'est avec lui qu'il va développer son attirance pour la peinture dans laquelle il s'investit de plus en plus.

400 €/500 €

86 . MORO-LIN Julien, né en 1978, Burning flag USA, 2007, drapeau peint et partiellement brûlé, non signé (?), 95x95 cm.

1 500 €/2 000 €

87 . MORO-LIN Julien, né en 1978, World Trade Center, 2008, triptyque à l'acrylique sur toile (accident au panneau du centre), signé, titré et daté au dos de chaque, 80x180 cm (80x60 cm chaque).

600 €/1 000 €

88 . MOSKO Tête de Lion, 2017 technique mixte sur planches

1 000 €/1 500 €

89 . MR CHAT, né en 1977 Un chat sur le bateau - Trois Rivières, 2017 Acrylique sur papier, signé en bas à gauche. 50x65cm. Un certificat de la galerie Brugier-Rigail en date du 17 Janvier 2018 sera remis à l'acquéreur.

1 000 €/1 500 €

90 . N_GRAMS, né en 1980 Angle of incidence, 2016. Sculpture, technique mixte. 8.5 x 8 x 15cm N_Grams est un artiste visuel basé à Athènes travaillant sur une grande variété de techniques médiatiques et artistiques, y compris les croquis, la peinture murale, les interventions / installations publiques, l'art de la rue, les collages et le graphisme. N_Grams a commencé avec le graffiti en 1993, quand le graffiti en Grèce était à un stade très précoce. Le street art, de temps en temps, est son principal champ créatif (mais pas le seul) où ses idées deviennent réalité. Toujours attiré par les rues, la communication directe et les possibilités illimitées que l'espace public peut offrir à un créateur, il se crée des œuvres d'art publiques, imparables et conscientes. Son but principal en tant qu'artiste est la créativité et l'évolution continues. Au cours des dernières années, il a expérimenté plusieurs matériaux dont les journaux, la structure et les matériaux de construction, les tissus, les sprays, le bois et la liste de matériaux toujours renouvelée.

200 €/300 €

91 . N_GRAMS, né en 1980 Craked Flask. Sculpture, technique mixte. 24 x 23 x 35cm. N_Grams est un artiste visuel basé à Athènes travaillant sur une grande variété de techniques médiatiques et artistiques, y compris les croquis, la peinture murale, les interventions / installations publiques, l'art de la rue, les collages et le graphisme. N_Grams a commencé avec le graffiti en 1993, quand le graffiti en Grèce était à un stade très précoce. Le street art, de temps en temps, est son principal champ créatif (mais pas le seul) où ses idées deviennent réalité. Toujours attiré par les rues, la communication directe et les possibilités illimitées que l'espace public peut offrir à un créateur, il se crée des œuvres d'art publiques, imparables et conscientes. Son but principal en tant qu'artiste est la créativité et l'évolution continues. Au cours des dernières années, il a expérimenté plusieurs matériaux dont les journaux, la structure et les matériaux de construction, les tissus, les sprays, le bois et la liste de matériaux toujours renouvelée.

800 €/1 000 €

92 . N_GRAMS, né en 1980 Half spray can Sculpture bloc de plâtre. 19.5 x 29.5 x 5.8cm N_Grams est un artiste visuel basé à Athènes travaillant sur une grande variété de techniques médiatiques et artistiques, y compris les croquis, la peinture murale, les interventions / installations publiques, l'art de la rue, les collages et le graphisme. N_Grams a commencé avec le graffiti en 1993, quand le graffiti en Grèce était à un stade très précoce. Le street art, de temps en temps, est son principal champ créatif (mais pas le seul) où ses idées deviennent réalité. Toujours attiré par les rues, la communication directe et les possibilités illimitées que l'espace public peut offrir à un créateur, il se crée des œuvres d'art publiques, imparables et conscientes. Son but principal en tant qu'artiste est la créativité et l'évolution continues. Au cours des dernières années, il a expérimenté plusieurs matériaux dont les journaux, la structure et les matériaux de construction, les tissus, les sprays, le bois et la liste de matériaux toujours renouvelée.

300 €/500 €

93 . N_GRAMS, né en 1980 Half spray can Sculpture bloc de plâtre. 19.5 x 29.5 x 5.8cm N_Grams est un artiste visuel basé à Athènes travaillant sur une grande variété de techniques médiatiques et artistiques, y compris les croquis, la peinture murale, les interventions / installations publiques, l'art de la rue, les collages et le graphisme. N_Grams a commencé avec le graffiti en 1993, quand le graffiti en Grèce était à un stade très précoce. Le street art, de temps en temps, est son principal champ créatif (mais pas le seul) où ses idées deviennent réalité. Toujours attiré par les rues, la communication directe et les possibilités illimitées que l'espace public peut offrir à un créateur, il se crée des œuvres d'art publiques, imparables et conscientes. Son but principal en tant qu'artiste est la créativité et l'évolution continues. Au cours des dernières années, il a expérimenté plusieurs matériaux dont les journaux, la structure et les matériaux de construction, les tissus, les sprays, le bois et la liste de matériaux toujours renouvelée.

300 €/500 €

94 . N_GRAMS, né en 1980 Horizontal melted spray can, 2017 Sculpture, technique mixte. 23 x 23 x 5cm N_Grams est un artiste visuel basé à Athènes travaillant sur une grande variété de techniques médiatiques et artistiques, y compris les croquis, la peinture murale, les interventions / installations publiques, l'art de la rue, les collages et le graphisme. N_Grams a commencé avec le graffiti en 1993, quand le graffiti en Grèce était à un stade très précoce. Le street art, de temps en temps, est son principal champ créatif (mais pas le seul) où ses idées deviennent réalité. Toujours attiré par les rues, la communication directe et les possibilités illimitées que l'espace public peut offrir à un créateur, il se crée des œuvres d'art publiques, imparables et conscientes. Son but principal en tant qu'artiste est la créativité et l'évolution continues. Au cours des dernières années, il a expérimenté plusieurs matériaux dont les journaux, la structure et les matériaux de construction, les tissus, les sprays, le bois et la liste de matériaux toujours renouvelée.

160 €/200 €

95 . N_GRAMS, né en 1980 Melted grey spray can, 2017. Sculpture, technique mixte. 12 x 12 x 13cm N_Grams est un artiste visuel basé à Athènes travaillant sur une grande variété de techniques médiatiques et artistiques, y compris les croquis, la peinture murale, les interventions / installations publiques, l'art de la rue, les collages et le graphisme. N_Grams a commencé avec le graffiti en 1993, quand le graffiti en Grèce était à un stade très précoce. Le street art, de temps en temps, est son principal champ créatif (mais pas le seul) où ses idées deviennent réalité. Toujours attiré par les rues, la communication directe et les possibilités illimitées que l'espace public peut offrir à un créateur, il se crée des œuvres d'art publiques, imparables et conscientes. Son but principal en tant qu'artiste est la créativité et l'évolution continues. Au cours des dernières années, il a expérimenté plusieurs matériaux dont les journaux, la structure et les matériaux de construction, les tissus, les sprays, le bois et la liste de matériaux toujours renouvelée.

100 €/120 €

96 . N_GRAMS, né en 1980 Melted turquoise spray can Sculpture, technique mixte. 8.5 x 8 x 15cm N_Grams est un artiste visuel basé à Athènes travaillant sur une grande variété de techniques médiatiques et artistiques, y compris les croquis, la peinture murale, les interventions / installations publiques, l'art de la rue, les collages et le graphisme. N_Grams a commencé avec le graffiti en 1993, quand le graffiti en Grèce était à un stade très précoce. Le street art, de temps en temps, est son principal champ créatif (mais pas le seul) où ses idées deviennent réalité. Toujours attiré par les rues, la communication directe et les possibilités illimitées que l'espace public peut offrir à un créateur, il se crée des œuvres d'art publiques, imparables et conscientes. Son but principal en tant qu'artiste est la créativité et l'évolution continues. Au cours des dernières années, il a expérimenté plusieurs matériaux dont les journaux, la structure et les matériaux de construction, les tissus, les sprays, le bois et la liste de matériaux toujours renouvelée.

100 €/120 €

97 . NOARNITO Noar, né en 1973 L'attente, 06/17. Technique mixte sur panneau. 117 x 52 cm.

600 €/1 000 €

98 . NOARNITO Noar, né en 1973 Photographe, dec 2017 Technique mixte sur panneau signé en bas à gauche, titré signé et daté au dos. 85 x 41 cm.

300 €/500 €

99 . NOARNITO Noar, né en 1973. Jump, 4/18, La Rochelle. Diptyque, peinture sur pavé de la rochelle.

200 €/400 €

100 . NOBODY, né en 1989, La Joconde , 2017, technique mixte sur toile, signée en bas à droite, signée et datée au dos, 100x80 cm.

500 €/1 000 €

101 . NOBODY, né en 1989, Sweet Love, 2017, technique mixte sur toile, signée et datée au dos, 61x46 cm.

300 €/500 €

102 . OBEY - FAIREY Shepard, né en 1970, Imperial Glory, 2013, sérigraphie en couleurs, monogramme et date en bas à droite, 86,5x57 cm.

100 €/150 €

103 . OBEY - FAIREY Shepard, né en 1970, Power, 2015, sérigraphie en couleurs, monogramme et date en bas à droite, 86,5x57 cm.

100 €/150 €

104 . OBEY - FAIREY Shepard, né en 1970, Rise above, 2016, sérigraphie en couleurs (restaurations en haut à gauche dans la marge), monogramme et date en bas à droite, 55,5x42,5 cm.

100 €/150 €

105 . PAPADANTONAKIS Bartholomé, né en 1931 Losanges Peintures sur toile signé en bas à droite. Petits accidents. 107 x 120cm

900 €/1 200 €

106 . POLLOK J., d'après, Number 26A, Black and White, impression offset en couleurs, porte une inscription apocryphe en bas à droite, 84x42 cm.

150 €/250 €

107 . REZINE, né en 1979 In action série orkadr N3, 2018 Tableau sculpture, techniques mixtes 105 x 55 x 50cm. Artiste pluridisciplinaire issu du mouvement graffiti, RézIne débute par le tag au début des années 90 et développe un style complexe exécutant d'un trait son pseudo. Il s'intéresse aux différentes formes d'écritures et plus particulièrement captivé par la calligraphie arabe pour ses finitions et l'allongement de ses lettres. Son style calligraphique se caractérise par son dynamisme et approche hybride, fusionnant calligraphie traditionnelle et moderne, ainsi que des influences orientales et occidentales. Après avoir réaliser une formation calligraphique en 2001 avec le célébre calligraphe irakien Hassan Massoudy, il est séduit tout particulièrement par la calligraphie du tunisien Nja Mahdaoui pour ses compositions calligraphiques abstraites et sa recherche conceptuelle. RézIne combine ainsi dans son travail calligraphie, graffiti en 3D, ainsi que des éléments technologiques et architecturaux qui aspirent à l'idée de “mutation”, sollicitant le spectateur à s'immerger dans une vision parallèle de sa conscience et son rapport au monde.Il s'inspire des concepts surréalistes dans le sens où une chose en compose une autre, et également futuriste en traitant les idées de la transformation de la nature et de l'homme dans un environnement scientifique et technologique, influencée par la consommation démesurée et la manipulation médiatique. Ces éléments s'organisent pour donner une dimension évolutive à la lecture de l'image, selon le point de vue du spectateur. Une lettre peut être composée d'immeubles où évoluent des personnages qui eux-même peuvent composer un visage.De la multiplicité de ses supports traditionnels (papier, toile, installation, fresque murale) jusqu'à la représentation omniprésente du mouvement dans son travail, on ressent son envie de dépasser les limites physiques imposées par ces supports pour accéder à un autre espace de création.

1 500 €/2 000 €

108 . REZINE, né en 1979 In action série orkadr N5, 2018 Tableau sculpture, techniques mixtes 105 x 55 x 50cm. Artiste pluridisciplinaire issu du mouvement graffiti, RézIne débute par le tag au début des années 90 et développe un style complexe exécutant d'un trait son pseudo. Il s'intéresse aux différentes formes d'écritures et plus particulièrement captivé par la calligraphie arabe pour ses finitions et l'allongement de ses lettres. Son style calligraphique se caractérise par son dynamisme et approche hybride, fusionnant calligraphie traditionnelle et moderne, ainsi que des influences orientales et occidentales. Après avoir réaliser une formation calligraphique en 2001 avec le célébre calligraphe irakien Hassan Massoudy, il est séduit tout particulièrement par la calligraphie du tunisien Nja Mahdaoui pour ses compositions calligraphiques abstraites et sa recherche conceptuelle. RézIne combine ainsi dans son travail calligraphie, graffiti en 3D, ainsi que des éléments technologiques et architecturaux qui aspirent à l'idée de “mutation”, sollicitant le spectateur à s'immerger dans une vision parallèle de sa conscience et son rapport au monde.Il s'inspire des concepts surréalistes dans le sens où une chose en compose une autre, et également futuriste en traitant les idées de la transformation de la nature et de l'homme dans un environnement scientifique et technologique, influencée par la consommation démesurée et la manipulation médiatique. Ces éléments s'organisent pour donner une dimension évolutive à la lecture de l'image, selon le point de vue du spectateur. Une lettre peut être composée d'immeubles où évoluent des personnages qui eux-même peuvent composer un visage.De la multiplicité de ses supports traditionnels (papier, toile, installation, fresque murale) jusqu'à la représentation omniprésente du mouvement dans son travail, on ressent son envie de dépasser les limites physiques imposées par ces supports pour accéder à un autre espace de création.

1 500 €/2 000 €

109 . REZINE, né en 1979 Kaligraffiti, 2010 Spray et acrylique vernis sur toile. 110 x 187cm Artiste pluridisciplinaire issu du mouvement graffiti, RézIne débute par le tag au début des années 90 et développe un style complexe exécutant d'un trait son pseudo. Il s'intéresse aux différentes formes d'écritures et plus particulièrement captivé par la calligraphie arabe pour ses finitions et l'allongement de ses lettres. Son style calligraphique se caractérise par son dynamisme et approche hybride, fusionnant calligraphie traditionnelle et moderne, ainsi que des influences orientales et occidentales. Après avoir réaliser une formation calligraphique en 2001 avec le célébre calligraphe irakien Hassan Massoudy, il est séduit tout particulièrement par la calligraphie du tunisien Nja Mahdaoui pour ses compositions calligraphiques abstraites et sa recherche conceptuelle. RézIne combine ainsi dans son travail calligraphie, graffiti en 3D, ainsi que des éléments technologiques et architecturaux qui aspirent à l'idée de “mutation”, sollicitant le spectateur à s'immerger dans une vision parallèle de sa conscience et son rapport au monde.Il s'inspire des concepts surréalistes dans le sens où une chose en compose une autre, et également futuriste en traitant les idées de la transformation de la nature et de l'homme dans un environnement scientifique et technologique, influencée par la consommation démesurée et la manipulation médiatique. Ces éléments s'organisent pour donner une dimension évolutive à la lecture de l'image, selon le point de vue du spectateur. Une lettre peut être composée d'immeubles où évoluent des personnages qui eux-même peuvent composer un visage.De la multiplicité de ses supports traditionnels (papier, toile, installation, fresque murale) jusqu'à la représentation omniprésente du mouvement dans son travail, on ressent son envie de dépasser les limites physiques imposées par ces supports pour accéder à un autre espace de création.

2 200 €/2 500 €

110 . RICHARDSON Ray, né en 1964. The middle weight 2017, Huile sur toile. 35x70cm. Un certificat de l'artiste sera délivré à l'acquéreur.

2 000 €/3 000 €

111 . SAINTE FAUST, né en 1949 Gothic Iowa, 2017 Technique mixte sur toile. 50 x 50cm. Vit et travaille à Paris - France Homme de publicité, né en France et vivant à Paris, Sainte Fauste se situe aujourd'hui délibérément dans l'Art Urbain avec une approche très originale. Il utilise l'art du contraste en reprenant des icones dans leur art ou leur histoire avec un style de graffiti. Il s'approprie les images et les réinterprète pour que le passé entre dans le présent. « Nous sommes sans cesse rappelés par notre histoire, nos femmes et hommes célèbres, mais également par des œuvres d'art majeures,… qui ont marqués leur époque et restent présents dans la mémoire collective ». Il met en scène dans un contexte urbain ou la gestuelle et les mots prennent toute leur importance. Il traduit la participation créative en mêlant les graphismes et les styles d'écriture comme si plusieurs personnes étaient intervenues sur l'œuvre en y apportant leur écho. Dans ses tableaux il traduit l'univers de ses icônes avec l'idée suivante : « Nos icones continuent de vieillir avec nous ». Ces icones ont une histoire et une image quoi que l'on fasse. Elles restent présentes dans notre vie et notre quotidien. Comment interagissent-elles encore de nos jours sur notre analyse, notre pensée, nos valeurs, nos comportements, etc. …. Comment vivent-elles aujourd'hui avec nous. Que pourraient-elles penser de notre société, de nos moeurs, de nos actions, … et comment nous les intégrons dans notre quotidien.

650 €/800 €

112 . SAINTE FAUST, né en 1949 J.F.K Project. Technique mixte sur toile. 80 x 80cm. Vit et travaille à Paris - France Homme de publicité, né en France et vivant à Paris, Sainte Fauste se situe aujourd'hui délibérément dans l'Art Urbain avec une approche très originale. Il utilise l'art du contraste en reprenant des icones dans leur art ou leur histoire avec un style de graffiti. Il s'approprie les images et les réinterprète pour que le passé entre dans le présent. « Nous sommes sans cesse rappelés par notre histoire, nos femmes et hommes célèbres, mais également par des œuvres d'art majeures,… qui ont marqués leur époque et restent présents dans la mémoire collective ». Il met en scène dans un contexte urbain ou la gestuelle et les mots prennent toute leur importance. Il traduit la participation créative en mêlant les graphismes et les styles d'écriture comme si plusieurs personnes étaient intervenues sur l'œuvre en y apportant leur écho. Dans ses tableaux il traduit l'univers de ses icônes avec l'idée suivante : « Nos icones continuent de vieillir avec nous ». Ces icones ont une histoire et une image quoi que l'on fasse. Elles restent présentes dans notre vie et notre quotidien. Comment interagissent-elles encore de nos jours sur notre analyse, notre pensée, nos valeurs, nos comportements, etc. …. Comment vivent-elles aujourd'hui avec nous. Que pourraient-elles penser de notre société, de nos moeurs, de nos actions, … et comment nous les intégrons dans notre quotidien.

1 000 €/1 200 €

113 . SAINTE FAUST, né en 1949 Stardust, 2017 Technique mixte sur toile. 80 x 80cm. Vit et travaille à Paris - France Homme de publicité, né en France et vivant à Paris, Sainte Fauste se situe aujourd'hui délibérément dans l'Art Urbain avec une approche très originale. Il utilise l'art du contraste en reprenant des icones dans leur art ou leur histoire avec un style de graffiti. Il s'approprie les images et les réinterprète pour que le passé entre dans le présent. « Nous sommes sans cesse rappelés par notre histoire, nos femmes et hommes célèbres, mais également par des œuvres d'art majeures,… qui ont marqués leur époque et restent présents dans la mémoire collective ». Il met en scène dans un contexte urbain ou la gestuelle et les mots prennent toute leur importance. Il traduit la participation créative en mêlant les graphismes et les styles d'écriture comme si plusieurs personnes étaient intervenues sur l'œuvre en y apportant leur écho. Dans ses tableaux il traduit l'univers de ses icônes avec l'idée suivante : « Nos icones continuent de vieillir avec nous ». Ces icones ont une histoire et une image quoi que l'on fasse. Elles restent présentes dans notre vie et notre quotidien. Comment interagissent-elles encore de nos jours sur notre analyse, notre pensée, nos valeurs, nos comportements, etc. …. Comment vivent-elles aujourd'hui avec nous. Que pourraient-elles penser de notre société, de nos moeurs, de nos actions, … et comment nous les intégrons dans notre quotidien.

1 000 €/1 200 €

114 . SAINTE-FAUST, né en 1949 Dollars roriginal, 2018 Acrylique sur billet de banque. Vit et travaille à Paris - France Homme de publicité, né en France et vivant à Paris, Sainte Fauste se situe aujourd'hui délibérément dans l'Art Urbain avec une approche très originale. Il utilise l'art du contraste en reprenant des icones dans leur art ou leur histoire avec un style de graffiti. Il s'approprie les images et les réinterprète pour que le passé entre dans le présent. « Nous sommes sans cesse rappelés par notre histoire, nos femmes et hommes célèbres, mais également par des œuvres d'art majeures,… qui ont marqués leur époque et restent présents dans la mémoire collective ». Il met en scène dans un contexte urbain ou la gestuelle et les mots prennent toute leur importance. Il traduit la participation créative en mêlant les graphismes et les styles d'écriture comme si plusieurs personnes étaient intervenues sur l'œuvre en y apportant leur écho. Dans ses tableaux il traduit l'univers de ses icônes avec l'idée suivante : « Nos icones continuent de vieillir avec nous ». Ces icones ont une histoire et une image quoi que l'on fasse. Elles restent présentes dans notre vie et notre quotidien. Comment interagissent-elles encore de nos jours sur notre analyse, notre pensée, nos valeurs, nos comportements, etc. …. Comment vivent-elles aujourd'hui avec nous. Que pourraient-elles penser de notre société, de nos moeurs, de nos actions, … et comment nous les intégrons dans notre quotidien.

150 €/200 €

115 . SAINTE-FAUST, né en 1949 Dollars roriginal, 2018 Acrylique sur billet de banque. Vit et travaille à Paris - France Homme de publicité, né en France et vivant à Paris, Sainte Fauste se situe aujourd'hui délibérément dans l'Art Urbain avec une approche très originale. Il utilise l'art du contraste en reprenant des icones dans leur art ou leur histoire avec un style de graffiti. Il s'approprie les images et les réinterprète pour que le passé entre dans le présent. « Nous sommes sans cesse rappelés par notre histoire, nos femmes et hommes célèbres, mais également par des œuvres d'art majeures,… qui ont marqués leur époque et restent présents dans la mémoire collective ». Il met en scène dans un contexte urbain ou la gestuelle et les mots prennent toute leur importance. Il traduit la participation créative en mêlant les graphismes et les styles d'écriture comme si plusieurs personnes étaient intervenues sur l'œuvre en y apportant leur écho. Dans ses tableaux il traduit l'univers de ses icônes avec l'idée suivante : « Nos icones continuent de vieillir avec nous ». Ces icones ont une histoire et une image quoi que l'on fasse. Elles restent présentes dans notre vie et notre quotidien. Comment interagissent-elles encore de nos jours sur notre analyse, notre pensée, nos valeurs, nos comportements, etc. …. Comment vivent-elles aujourd'hui avec nous. Que pourraient-elles penser de notre société, de nos moeurs, de nos actions, … et comment nous les intégrons dans notre quotidien.

150 €/200 €

116 . SAINTE-FAUST, né en 1949 Dollars roriginal, 2018 Acrylique sur billet de banque. Vit et travaille à Paris - France Homme de publicité, né en France et vivant à Paris, Sainte Fauste se situe aujourd'hui délibérément dans l'Art Urbain avec une approche très originale. Il utilise l'art du contraste en reprenant des icones dans leur art ou leur histoire avec un style de graffiti. Il s'approprie les images et les réinterprète pour que le passé entre dans le présent. « Nous sommes sans cesse rappelés par notre histoire, nos femmes et hommes célèbres, mais également par des œuvres d'art majeures,… qui ont marqués leur époque et restent présents dans la mémoire collective ». Il met en scène dans un contexte urbain ou la gestuelle et les mots prennent toute leur importance. Il traduit la participation créative en mêlant les graphismes et les styles d'écriture comme si plusieurs personnes étaient intervenues sur l'œuvre en y apportant leur écho. Dans ses tableaux il traduit l'univers de ses icônes avec l'idée suivante : « Nos icones continuent de vieillir avec nous ». Ces icones ont une histoire et une image quoi que l'on fasse. Elles restent présentes dans notre vie et notre quotidien. Comment interagissent-elles encore de nos jours sur notre analyse, notre pensée, nos valeurs, nos comportements, etc. …. Comment vivent-elles aujourd'hui avec nous. Que pourraient-elles penser de notre société, de nos moeurs, de nos actions, … et comment nous les intégrons dans notre quotidien.

150 €/200 €

117 . SAINTE-FAUST, né en 1949 Dollars roriginal, 2018 Acrylique sur billet de banque. Vit et travaille à Paris - France Homme de publicité, né en France et vivant à Paris, Sainte Fauste se situe aujourd'hui délibérément dans l'Art Urbain avec une approche très originale. Il utilise l'art du contraste en reprenant des icones dans leur art ou leur histoire avec un style de graffiti. Il s'approprie les images et les réinterprète pour que le passé entre dans le présent. « Nous sommes sans cesse rappelés par notre histoire, nos femmes et hommes célèbres, mais également par des œuvres d'art majeures,… qui ont marqués leur époque et restent présents dans la mémoire collective ». Il met en scène dans un contexte urbain ou la gestuelle et les mots prennent toute leur importance. Il traduit la participation créative en mêlant les graphismes et les styles d'écriture comme si plusieurs personnes étaient intervenues sur l'œuvre en y apportant leur écho. Dans ses tableaux il traduit l'univers de ses icônes avec l'idée suivante : « Nos icones continuent de vieillir avec nous ». Ces icones ont une histoire et une image quoi que l'on fasse. Elles restent présentes dans notre vie et notre quotidien. Comment interagissent-elles encore de nos jours sur notre analyse, notre pensée, nos valeurs, nos comportements, etc. …. Comment vivent-elles aujourd'hui avec nous. Que pourraient-elles penser de notre société, de nos moeurs, de nos actions, … et comment nous les intégrons dans notre quotidien.

150 €/200 €

118 . SCHWARZ Robert, né en 1950 Nu devant l'Origine du Monde de Gustave COURBET à Orsay, 5 mai 2015 Photographie. 28x28cm à vue.

200 €/250 €

119 . SGARRA Robert, né en 1959 Puzzle - Felix Technique mixte sur aluminium 89 x 66 cm

800 €/1 500 €

120 . SHURE, né en 1980 Sans titre, 2017 Technique mixte sur toile. 197 x 95cm Shure est un graffeur et peintre de 38 ans. Membre du CSX, il est l'un des fondateurs du VMS. Depuis 20 ans, il pratique le graffiti en France et en Europe et a participé à de nombreuses expositions. Ses travaux les plus récents posent un certain regard sur les phénomènes d'urbanisation massive. En jouant avec les codes d'une architecture étouffante, presque organique, il combine formes géométriques, accumulations et assemblages d'éléments afin de proposer une vision de la ville en mouvement. Il y explore l'énergie urbaine à l'œuvre et ses aspects oppressants, livrant ainsi, par le biais d'une abstraction assumée, son approche d'une cartographie expressive et agitée.

1 500 €/2 000 €

121 . SHURE, né en 1980 Sans titre, 2017 Technique mixte sur toile. 50 x 70cm Shure est un graffeur et peintre de 38 ans. Membre du CSX, il est l'un des fondateurs du VMS. Depuis 20 ans, il pratique le graffiti en France et en Europe et a participé à de nombreuses expositions. Ses travaux les plus récents posent un certain regard sur les phénomènes d'urbanisation massive. En jouant avec les codes d'une architecture étouffante, presque organique, il combine formes géométriques, accumulations et assemblages d'éléments afin de proposer une vision de la ville en mouvement. Il y explore l'énergie urbaine à l'œuvre et ses aspects oppressants, livrant ainsi, par le biais d'une abstraction assumée, son approche d'une cartographie expressive et agitée.

1 000 €/1 200 €

122 . SHURE, né en 1980 Sans titre, 2017 Technique mixte sur toile. 50 x 70cm Shure est un graffeur et peintre de 38 ans. Membre du CSX, il est l'un des fondateurs du VMS. Depuis 20 ans, il pratique le graffiti en France et en Europe et a participé à de nombreuses expositions. Ses travaux les plus récents posent un certain regard sur les phénomènes d'urbanisation massive. En jouant avec les codes d'une architecture étouffante, presque organique, il combine formes géométriques, accumulations et assemblages d'éléments afin de proposer une vision de la ville en mouvement. Il y explore l'énergie urbaine à l'œuvre et ses aspects oppressants, livrant ainsi, par le biais d'une abstraction assumée, son approche d'une cartographie expressive et agitée.

1 000 €/1 200 €

123 . SNEK Le Melancolik, Technique mixte sur toile, signée en haut à droite, titrée, signée datée 99 et numérotée 33 au dos. 82 x 65cm

400 €/700 €

124 . SNEK Sans titre. Technique mixte sur toile, signée en haut à gauche, signée et numérotée 32 au dos. 82 x 65cm

400 €/700 €

125 . SOREL Guillaume, né en 1965, Barbarie, 1991 Plume et encre de Chine et gouache sur papier (petites rousseurs), signé et daté en bas à droite, 30x50 cm.

500 €/600 €

126 . STEDING Konny , née en1963 Dream,2016 Peinture sur toile, signée et datée au dos 130x216cm.

3 000 €/6 000 €

127 . STERVINOU Michael (né en 1982) Paris, émoi, 2017 technique mixte sur toile signée en bas à droite, titrée, contresignée et datée au dos 100 x 81 cm

400 €/800 €

128 . STERVINOU Michael (né en 1982) Sommeil paradoxal, janvier 2018 technique mixte sur toile signée, titrée contresignée et datée au dos 130 x 97 cm

700 €/1 000 €

129 . TABURCHI Jérémy, né en 1974, Fly me to the Moon, 2012, acrylique sous plexiglas, signé en bas à gauche, signé, titré et daté au dos, 20x20 cm.

150 €/250 €

130 . TAILLANDIER Yvon, né en 1926 Visages en marche, 2010 technique mixte sur carton ondulé, signé et daté au milieu Mouillures. 70x159 cm.

600 €/800 €

130B. TALARD Timothée Né en 1983, sans titre, encre de Chine sur papier, signé au dos, 99x70cm. Timothée Talard entre à l’Ecole Nationale Supérieure des Beaux Arts de Paris en 2003 dont il sort diplômé en 2009. Au cours de ses études, il part étudier pendant 1 an à la Universität der kunst de Berlin. En 2010, il intervient en tant que professeur d'art plastique auprès de la Protection Judiciaire de la Jeunesse de Paris pour la réinsertion des jeunes en difficulté. Le travail de Timothée Talard s’inspire des populations considérées comme marginales, des styles et choix de vie alternatifs comme les cultures "underground" ainsi que les représentants des nouvelles cultures "street". Ses peintures et aquarelles se concentrent sur la force du sujet représenté seul dans l’espace vide du tableau sur fond noir ou blanc. Le sujet lui n’apparaît pas entièrement, il se devine grâce à l’agencement de formes; lorsque le fond est noir le sujet change même d’apparence en fonction de la lumière et de l’angle de vue. Précurseur parmi ses contemporains, ce jeune artiste français est devenu en 2010 la Muse de la marquuuue de prêt-à-porter agnès b qui cherche dans sa créativité l’image de la femme et de l’homme de demain.Source: Artsper.

500 €/600 €

131 . TAO artwork, né en 1984 DJ Flamingo, Bombe aérosol sur cassettes audio assemblées, signées. 70 x 100cm.

700 €/800 €

132 . TAO artwork, né en 1984 Paul's Boutique, Bombe aérosol, marqueur acrylique sur cassettes audio assemblées, signées 50 x 50cm

300 €/400 €

133 . WD DRAWING, né en Monkey business, 2011. Huile sur toile. 70 x 72cm. WD (Wild Drawing) est né et a grandi à Bali en Indonésie, et a des diplômes en Fine Arts et arts appliqués. Il a commencé comme artiste de rue en 2000 et à partir de ce moment il passe le plus clair de son temps à travailler dans la rue, même s'il ne s'est jamais arrêté travaillant dans son studio. WD a réalisé des expositions personnelles et a participé au groupe spectacles ou graffiti / festivals d'art de rue en Asie, en Europe et en Amérique. De plus plus son travail a été présenté dans des livres pour Street Art par Thames & Hudson, Éditions Alternatives ou Lonely Planet, entre autres. Son arrière-plan culturel Est-Ouest est combiné d'une manière unique qui fait son style si reconnaissable. Il se concentre sur les peintures murales à grande échelle qui ont réalisé avec une brosse à rouleau et peinture en aérosol. WD essaie toujours d'interagir avec l'endroit où il travaille, en incorporant divers éléments de celui-ci dans son travail, de sorte qu'il y ait une harmonie entre la peinture murale et l'endroit où elle a été créée. Son travail qui est de technique réaliste, souvent anamorphique, est influencé par les bandes dessinées, les romans graphiques et l'art fantastique tout en il s'inspire principalement des phénomènes sociaux, du style de vie, de l'art ou de la nature. Ce qu'il aime du Street Art, c'est la liberté d'expression, la communication avec les gens et le fait que Street Art est librement accessible par tous ceux qui viennent à travers elle sans limitations sociales, économiques, culturelles ou autres. D'ailleurs à travers son l'art a la chance de parler de la grande question de la réappropriation du public Espace. Ces faits l'emportent sur la nature éphémère de son art. Après tout, s'il était intéressé à faire des œuvres qui résistent à l'épreuve du temps, il ferait des peintures sur toile seulement. Actuellement, WD vit et travaille à Athènes, en Grèce

1 500 €/2 000 €

134 . WD DRAWING, né en Sapience, 2017. Acrylique sur toile. 100 x 80cm. WD (Wild Drawing) est né et a grandi à Bali en Indonésie, et a des diplômes en Fine Arts et arts appliqués. Il a commencé comme artiste de rue en 2000 et à partir de ce moment il passe le plus clair de son temps à travailler dans la rue, même s'il ne s'est jamais arrêté travaillant dans son studio. WD a réalisé des expositions personnelles et a participé au groupe spectacles ou graffiti / festivals d'art de rue en Asie, en Europe et en Amérique. De plus plus son travail a été présenté dans des livres pour Street Art par Thames & Hudson, Éditions Alternatives ou Lonely Planet, entre autres. Son arrière-plan culturel Est-Ouest est combiné d'une manière unique qui fait son style si reconnaissable. Il se concentre sur les peintures murales à grande échelle qui ont réalisé avec une brosse à rouleau et peinture en aérosol. WD essaie toujours d'interagir avec l'endroit où il travaille, en incorporant divers éléments de celui-ci dans son travail, de sorte qu'il y ait une harmonie entre la peinture murale et l'endroit où elle a été créée. Son travail qui est de technique réaliste, souvent anamorphique, est influencé par les bandes dessinées, les romans graphiques et l'art fantastique tout en il s'inspire principalement des phénomènes sociaux, du style de vie, de l'art ou de la nature. Ce qu'il aime du Street Art, c'est la liberté d'expression, la communication avec les gens et le fait que Street Art est librement accessible par tous ceux qui viennent à travers elle sans limitations sociales, économiques, culturelles ou autres. D'ailleurs à travers son l'art a la chance de parler de la grande question de la réappropriation du public Espace. Ces faits l'emportent sur la nature éphémère de son art. Après tout, s'il était intéressé à faire des œuvres qui résistent à l'épreuve du temps, il ferait des peintures sur toile seulement. Actuellement, WD vit et travaille à Athènes, en Grèce

1 600 €/2 000 €

135 . WILFRID, né en 1967 L'amour court les rues. Quadriptyque, bombe aérosol et posca sur toile. Signées et numérotées au dos. 24 x 30 cm chaque.

400 €/700 €

136 . WILFRID, né en 1967 L'amour court les rues. Technique mixte sur un plan de paris. Sous verre 40 x 50cm

150 €/200 €

137 . WOJTYLA Jonathan, né en 1980 Fantaisies colorées Composition abstraite Technique mixte sur tissu. Dim. : 83 x 150 cm.

200 €/300 €

138 . WOJTYLA Jonathan, né en 1980 Cerf-volant coloré Technique mixte sur tissu. Dim : 58 x 150 cm

150 €/200 €

139 . YORKER Sans titre, Technique mixte sur carton. 19 x 64cm. Accident.

150 €/200 €

140 . ZED, David ZELLER dit, né en 1976, Pas vu pas pris, sculpture en métal découpé et plié, patiné en rouge et noir (petits accidents à la patine), non signé, titré sur la base, Ht.: 56 cm.

600 €/900 €

141 . ZEVACO Patrick, né en 1963 Le songeur prisonnier de ses rêves Technique mixte encre et acrylique sur toile. 93 x 57cm (hors cadre) Originaire du Sud Ouest de la France, Patrick Zévaco grandit dans une fratrie de sept. Enfant il développe déja son intéret pour l'art, crayon à la main. Son esprit curieux le mène jusqu'en Inde où son oeuvre va connaitre une nouvelle source d'inspiration. Découvrant les toiles teintées d'une sensibilité forte, d'artistes tels que Yue Minjun et Yan Pei-Ming entre autres, son art devient plus que jamais un moyen d'exprimer ses émotions. Ses toile sont une dimension cathartique, pour l'artiste, mais aussi pour son public. Le portrait omniprésent dans son travail, érige l'homme et les sentiments qui le traversent au rang de question fondamentale. A travers ces visages, vivants et réalistes, on décèle une dimension universelle : celle de l'intemporalité des éomtions et des sentiments.

1 300 €/1 500 €

142 . ZEVACO Patrick, né en 1963 Le Songeur Encre essentiel, vernis à l'huile sur toile. Sous verre anti UV. 73 x 73cm hors cadre. Originaire du Sud Ouest de la France, Patrick Zévaco grandit dans une fratrie de sept. Enfant il développe déja son intéret pour l'art, crayon à la main. Son esprit curieux le mène jusqu'en Inde où son oeuvre va connaitre une nouvelle source d'inspiration. Découvrant les toiles teintées d'une sensibilité forte, d'artistes tels que Yue Minjun et Yan Pei-Ming entre autres, son art devient plus que jamais un moyen d'exprimer ses émotions. Ses toile sont une dimension cathartique, pour l'artiste, mais aussi pour son public. Le portrait omniprésent dans son travail, érige l'homme et les sentiments qui le traversent au rang de question fondamentale. A travers ces visages, vivants et réalistes, on décèle une dimension universelle : celle de l'intemporalité des éomtions et des sentiments.

2 300 €/2 500 €

143 . ZEVACO Patrick, né en 1963 Renaissance, 2018 Œuf en polyuréthane, encre et acrylique vernis. 41 x 31cm. 4Kg environ. L'oeuf que la marque Artyopart a confié à l'artiste Zevaco est une pièce unique, peinte à la main et imaginée individuellement pour y retranscrire un univers propre à l'artiste. Ce nouveau suport, Zevaco s'adapte et fait transparaitre des sentiments de sagesse, de combat à travers le thème du cri et de la renaissance, en prolongement de son travail sur toile. Originaire du Sud Ouest de la France, Patrick Zévaco grandit dans une fratrie de sept. Enfant il développe déja son intéret pour l'art, crayon à la main. Son esprit curieux le mène jusqu'en Inde où son oeuvre va connaitre une nouvelle source d'inspiration. Découvrant les toiles teintées d'une sensibilité forte, d'artistes tels que Yue Minjun et Yan Pei-Ming entre autres, son art devient plus que jamais un moyen d'exprimer ses émotions. Ses toile sont une dimension cathartique, pour l'artiste, mais aussi pour son public. Le portrait omniprésent dans son travail, érige l'homme et les sentiments qui le traversent au rang de question fondamentale. A travers ces visages, vivants et réalistes, on décèle une dimension universelle : celle de l'intemporalité des éomtions et des sentiments.

1 400 €/1 500 €