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Editorial 5 .9Editorial 5 .9El final de una era editorial. Fortalezas y convicciones renovadas

Por / by Iván Sanchezblas

aad • méxico

Otro fin de año y el final de un ciclo, una era. Para nosotros el 2012 fue un periodo en que perdimos la guía de nuestros sueños para renovar fortalezas y convicciones con las que seguir nuestro trayecto. De lo aprendido en casi diez años de labor edi-

torial, concretamos un medio especializado el cual cumple su edición número 60 en el 2013 y sin embargo; queda mucho por hacer. Nuestro registro del arte contemporáneo durante esta década es testimonio fiel de la adaptación que nuestra sociedad y sus sistemas cul-turales hicieron para entender la realidad del arte local y su relación con el circuito global.

Los cambios siempre crean oportunidades, y con las herramientas de pensamiento adecua-das; estamos convencidos que los administradores de la cultura en este sexenio que empie-za, consolidarán a la misma según el rol y trascendencia que el país necesita en relación a su identidad y fortaleza institucional. La cultura, en su manifestación como arte contem-poráneo, es un motor de desarrollo social y económico; es un vehículo de actualización del pensamiento y una herramienta crítica que nos vincula de manera estética con el mundo. El arte nos hace humanos cuando activa la sensibilidad y hace necesario al espíritu, cuando nos regresa la capacidad de replantearnos, una y otra vez, el cómo nos relacionamos con el mundo a través de la imagen.

Por eso es necesaria una revista de arte; porque a través de un medio especializado convo-camos a nuestros lectores a estar alertas y despertar su sensibilidad, a estar abiertos a una experiencia que los conmueva. Cuando hicimos la revisión de nuestros contenidos de este año, el Panorama que resultó fue el de una vitalidad en la oferta expositiva la cual quisimos compartir y así activar la memoria de las emociones visuales. Exposiciones y ferias de cor-te internacional, artistas consagrados y emergentes, opiniones y ensayos dirigidos a crear una visión de la ruta a tomar en materia de gestión del arte y políticas culturales. Innume-rables recomendaciones, tanto en la Ciudad de México como en los estados o el corredor cultural de la frontera norte. Una tarea que se renueva edición tras edición, un camino que hemos decidido construir, recorrer y ampliar.

Agradecemos en este fin de año la presencia y confianza de nuestros cómplices culturales galerías; museos, centros culturales, empresas, artistas y escritores quienes comprendie-ron que un medio es un vehículo además de una herramienta en la difusión y promoción del arte; no su comercializador. Para vender arte primero hay que comunicarlo, compartirlo, sea a través de una exposición, una obra que se adquiere o una imagen impresa o electróni-ca; sólo después de que el espectador tiene esta experiencia se atreve a hacer del arte una experiencia cotidiana. De ahí que en nuestro espacio editorial demos especial cobertura a las ferias de arte que suceden en nuestra región. Recordamos bien cómo es que la inicia-tiva de Zélika García (Zona MACO) cumplió una necesidad hace diez años y permitió crear

una identidad del arte contemporáneo en México para definir y posicionar su arte a nivel internacional. Con esta referencia damos especial atención en este número a dos ferias que estamos seguros entrarán en competencia para satisfacer el mercado del arte local; Affor-dable Art Fair (Ciudad de México) y Texas Contemporary (Houston), iniciativas respaldadas por grupos con gran experiencia en el ramo.

Pero un mercado no está sano si su infraestructura expositiva no complementa y atiende al público espectador. En AAD México estamos convencidos que una gestión profesional en el arte genera las condiciones tanto para producir discursos curatoriales y exposiciones como para importarlos. En este sentido, la entrevista realizada a David Cohen, Presidente del Patronato de la Fundación Olga y Rufino Tamayo, nos revela un modelo de participación entre instituciones gubernamentales e iniciativa privada. Del mismo modo sucede en la ciu-dad de Tijuana con iniciativas como Cardinal 5 de Olga Margarita Dávila o Entijuanarte de Julio Rodriguez; quienes con sus equipos de trabajo (profesionales del arte) activan a sus sociedades estimulándolas con el hecho artístico. Esa es nuestra satisfacción al terminar un año bien trabajado.

Que la portada de esta edición sirva como mensaje a nuestros lectores de que la esclavitud mental nunca opacará el brillo del espíritu libre y crítico. Que nuestros artistas invitados (Ana Mercedes Hoyos, Eduardo Terrazas, Josefina Temin, Óscar Cueto, Gabriel Mendoza) sean prueba de la vitalidad de nuestro ecosistema artístico, que nuestro contenido siga siendo una referencia y que la labor realizada para ustedes a lo largo de nuestra historia sea bien recibida para el año próximo. Esos son los deseos de esta publicación. Felices fiestas.

The end of an editorial era. Renewed strengths and convictions

Another new year and the end of a cycle, an era. For us, 2012 was a period when we lost the guide of our dreams to find new strengths and convictions with which to continue our

journey. From what has been learned in almost ten years of editorial work, we conclude with a specialized media which celebrates its 60th edition in 2013 and yet, a lot remains to be done. Our record of contemporary art during this decade is a faithful testimony of the adaptation our society and its cultural systems made to understand the reality of local art and its relationship to the global circuit.

Let the cover of this issue to serve as a message to our readers: that mental slavery will never dim the brightness of free and critical spirit. That our content be proof of the vitality of the artistic ecosystem we inhabit; and that work done for ou throughout our history remains a reference and be well received in the next year. These are the desires of this publication. Happy holidays.

Arte al día México publicación bimestral. Editor responsable: Iván Gregory Antony Sanchezblas Sánchez. No. Certificado de Reserva otorgado por el Instituto nacional del Derecho de Autor: 04-2010-040710354000-101. No. Certificado de licitud y contenido: 14810, expedido por la Comisión Calificadora de Publicaciones y Revistas Ilustradas el 11 de mayo de 2010. Domicilio: Álvaro Obregón 189 - Mezanine, Col. Roma, cp. 06700, México, D.F. Tel. 2876 2854. DISTRIBUCIÓN: Arte al día México A. Obregón 189, col. Roma, DF. IMPRESIÓN: Servicios editoriales ESTAMPA Artes gráficas Priv. de Dr. Márquez 53, Col Doctores. México, D.F.

MÉXICOArte al DíaPág. 4 IMPERDIBLES

Pág. 5 BREVES INTERNACIONALES

Pág. 6 - 7 ENFOQUE Cd. de MéxicoAffordable Art Fair

Pág. 8 ENFOQUE HoustonTexas Contemporary Art Fair

Pág. 8 GESTIÓN EN LAS ARTES Entrevista a David Cohen. Presidente del Patronato del Museo Tamayo Arte Contemporáneo por Iván Sanchezzblas

Pág. 12 - 13 SUGERENCIAS D.F.

Pág. 14 - 15 SUGERENCIAS ESTADOS

Pág. 16 - 17 CORREDOR NORTE

Pág. 28 REPORTE ESPECIAL Panorama 2012. Revisión y anáisis de contenidos

Pag. 20 - 21 Ana Mercedes HOYOSLa tradición vuelta contemporáneapor Mireille Torres

Pág. 22 - 23 Eduardo TERRAZAS El arte existe para sabernos parte del mundo por Eduardo Egea

Pág. 24 - 25 Josefina TEMIN Un arte que asombra por Héctor Gómez

Fundador José Costa-Peuser

Director Iván Sanchezblas • director@artealdia.mx

Marketing cultural Sofía Llorente • marketing@artealdia.mx

Asistente de Dirección Marielle Huttich • info@artealdia.mx

Editor asociadoEduardo Egea •editorial@artealdia.mx

Webmaster Jacqueline Benitez •webmaster@artealdia.mx

Representante MONTERREY Domitila Castañeda • artealdiamty@gmail.com

Representante OAXACA Gabriel Mendoza • artealdiaoax@gmail.com

Diseño Martín Sánchez Álvarez

Distribución: Roberto Romero

Pág. 26 - 27 Óscar CUETOEntre el texto y el dibujo por Rafael Barajas

Pág. 28 - 29 Gabriel MENDOZAPintar el extravío de la inocenciapor Fernando Gálvez de Aguinaga

Pág. 30 ENFOQUE TijuanaEntijuanarte2012 por Nayeli Macías

Pág. 33 GESTIÓN EN LAS ARTESTijuana Innovadora y Cardinal 5 por Eduardo Egea

Pág. 29 / 30 CRÍTICA, OPINIÓN Y ENSAYO Puntos para mejorar la administración del arte desde el Gobierno Federal por Rafael Pérez y Pérez

Portada y contraportada (detalle)Sin título, 2011. Dibujo acrílico sobre lino

200 x 150 cm.© Ana Mercedes Hoyos

Actualiza tu manera de pensar el arte

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Fundación/Colección JumexGuy de CointetTempo rubatoHasta 24 de febrero 2013

Tempo rubato reúne obra gráfica, performances, puestas en escena, así como documentos diversos que se relacionan con la vida y obra del artista francés Guy Cointet.

La muestra, curada por Magalí Arriola, abarca desde sus prime-ros libros y dibujos codificados hasta sus posteriores monólogos y producciones teatrales para las cuales se inspiró en distintos acontecimientos de la historia contemporánea y en los medios masivos de comunicación y la cultura popular.

Museo TamayoColectivaEl mañana ya estuvo aquíHasta 3 de febrero de 2013

La exposición examina el giro historiográfico en el arte contem-poráneo a través de las obras de artistas que abordan de manera retrospectiva las visiones del futuro de la modernidad

El título de la exposición se refiere al recurso de la para doja de la predestinación, frecuente en los relatos de ciencia ficción que tratan sobre viajes en el tiempo.

Dicha paradoja implica el viaje de un personaje del futuro al pa-sado, donde a menudo efectúa cambios irreversibles que inciden sobre el futuro desde donde originalmente viajó, resultando en su desaparición. Así, el mañana retorna aquí como una presencia fantasmal del pasado que ya no está más a nuestro alcance.

MUAC Carlos Cruz-DiezEl color en el espacio y en el tiempoHasta 24 de febrero 2013

Esta es la primera retrospectiva del artista franco–venezolano Carlos Cruz-Diez. La exposición presenta una selección de 120 obras realizadas desde 1940 hasta el presente que acercan al público a la producción de un artista central para el arte del si-glo XX, gracias a sus contribuciones teóricas y plásticas sobre la percepción del color. Cruz-Diez fundamenta su propuesta en el color, concebido como una realidad autónoma que se modifica en el tiempo y en el espacio real, sin ayuda de la forma y aún, sin necesidad de soporte. A su juicio, el color no es un pigmento ad-herido a una superficie sólida sino una situación resultante tanto de la proyección de la luz sobre los objetos, como del modo en que dicha luz es procesada por el ojo humano.

I M P E R D I B L E S

Museo Universitario del ChopoCarmen LloretDibujo, pintura y animación Hasta 16 de enero 2013

Museo del Palacio de Bellas ArtesBrian NissenPrimeros 25 añosHasta 25 de noviembre

120 obras de Brian Nissen se muestran como un panorama de su creación, con especial in-terés en sus primeras décadas de trabajo. La muestra cuenta con su complemento, un libro que hace un recorrido mucho más amplio por la vida y obra del artista inglés (Londres, 1939), quien, sin embargo, vive en México desde 1963, donde concretó una visión artística que lo convertió en uno de los personajes fundamentales del movimiento de “La ruptura”

Museo de Arte Carrillo GilJuan Manuel EchavarríaVideos, 1999-2004 Hasta 30 de diciembre

Museo de la Ciudad de MéxicoDemián Flores Los desastres colateralesHasta 2 de diciembre

Esta es una paráfrasis visual de la monumental obra de Francisco de Goya “Los De-sastres de la guerra”. Los 82 grabados que la componen son imágenes en torno al tema de la violencia que parten de la dramatización gestual de los personajes de Goya, aspecto que no sólo rinden homenaje al gran artista, sino que se usan para responder de manera personal y artística a la situa-ción actual de intimidación que vivimos.

Museo Nacionalde arte Obras del Museo de OrsayEl placer y el ordenHasta 20 de enero 2013

Museo Nacional de San CarlosGottfried HelnweinFe, esperanza y caridadHasta marzo 2013

Fe, esperanza y caridad es una muestra de 56 óleos de gran formato que permitenapreciar trabajo de Gottfried Helnwein, fotógrafo y artísta plástico de origen austriaco. Su obra tien-de un lazo con la misión social que este recinto explora y cuyo interés esencial es incluir a la deteriorada comunidad aleda-ña al museo con este proyecto, en un afán de sensibilización  mediante impactantes imáge-nes que proyectan en sí mis-mas una misión social.

Carlos Cruz-Diez. Cromosaturación (1964/2004). Imagen cortesía de la Fundación Cruz-Diez al Museum of Fine Arts, Houston.

Iglú, 1977 Guy de Cointet y Robert Wilhitr Técnica mixta Dimensiones variables

Cortesía del artista y Marian Goodman Gallery de Nueva York y París y del Museo Tamayo Arte Contemporáneo

Insurgentes Sur 3000 Centro Cultural Universitariowww.muac.unam.mx

Vía Morelos #272 Col. Santa María Tulpetlac Ecatepec Estado de México www.lacoleccionjumex.org

Gandhi  s/n, Bosque de Chapultepec I www.museotamayo.org

Dr. Enrique Martínez 10 Col. Santa María la Riberawww.chopo.unam.mx

Artista plástica multidiscipli-naria y realizadora de anima-ción. Su objetivo fundamental es la investigación teórica y la expresión plástica del mo-vimiento. Ha sido catedrática de UPV de las materias de Movimiento y Animación, ha dirigido tesis doctorales, numerosos trabajos de Inves-tigación y proyectos a nivel nacional e internacional.

Av. Hidalgo 1, Centro Históricowww.palacio.bellasartes.gob.mx

Av. Revolución 1608Col. San Angelwww.museodeartecarrillogil.com

En 1996 y después de años dedicados a la literatura, Juan Manuel Echavarría comenzó a trabajar a partir de la imagen. Ese año produjo su primera serie de fotografías “Retratos”, un conjunto muy metafórico sobre la cotidianidad en la cual Colombia convivía con la violencia de la guerrilla y el narcotráfico desde hace más de cincuenta años.

Pino Suárez 30, Centro Históricowww.cultura.df.gob.mx

Tacuba 8, Centro Historicowww.munal.mx

Se reúne aquí una selección de más de 60 piezas que, a partir de dos núcleos representan la apropiación de las esferas pública y privada a finales del siglo XIX. La exposición apunta a un periodo de conformación de un modo de vida moderno en las urbes, particularmente en París, así como al impacto que este modo de vida tuvo en los individuos. Incluye obras de Cézanne, Toulouse-Lautrec, Monet, Edouard Manet, Renoir, Millet, Rodin, entre otros

Puente de Alvarado 50www.mnsancarlos.com

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B r e v e s I n t e r n a c i o n a l e sLa subasta de arte latinoamericano de otoño en Sotheby’s Nueva York, el 19 y 20 de noviembre

de 2012 mostró toda una gama de obra pictórica y escultórica de los artistas más importantes de la región, que data de la época colonial y del siglo XIX hasta el período moderno y contemporá-neo. Las siguientes fueron las obras más destacadas que se pudieron ver en la sede principal de York Avenue en Nueva York.

Obra surrealistaLos artistas surrealistas latinoamericanos tienen una contundente representación en esta subasta, con obras destacadas como Nada de Matta (est. US$1.5/2 millones, arriba e ilustración de la portada del catálogo de la subasta), proveniente de una colección privada de Nueva York. Ejecutada en 1943 durante las semanas más oscuras de la Segunda Guerra Mundial, Nada es una pintura que irrumpió marcando un punto de par-tida desde la crudeza de los colores vivos y los espa-cios bidimensionales en la serie de Matta inspirad en México. La singularidad de esta obra está en su señalamiento no solo de una nueva dirección en la obra de Matta, sino del cambio de conciencia que eventualmente se dispersaría ampliamente. Nada se ha expuesto en numerosos e importantes museos del mundo entero, incluyendo el Museum of Contemporary Art de Chicago, el Miami Art Museum y el Museo de Arte Contemporáneo MARCO de Monterrey. Otras obras importantes de Matta que se ofrecerán en la subasta incluyen Syllable of Spring (est. US$300/400,000) y Les Vitamerdres de L’Space (est. US$200/300,000).

MexicoMañana Luminosa de Dr. Atl (Gerardo Murillo) con estimado de US$1.5/2 millones, es uno de los paisajes más espectaculares que jamás haya realizado un pintor mexicano. Ejecutada en 1942, esta es la pieza más grande que se haya subastado de Dr. Atl con 631/3 x 122 pulgadas. A El Señor del Veneno (est. US$150/250,000) de David Alfaro Siqueiros, se le conoce ampliamente como la obra maestra del período temprano del artista. Esta estilizada obra figurativa muestra por primera vez los temas sociales que ocuparían la obra de Siqueiros por el resto de su carrera. Esta pintura provie-ne del Aaron Family Trust como apoyo al Texas-Mexico Cultural Project.

Francisco Toledo, el más importante artista mexicano con vida, tiene dos obras en esta subasta, ambas provenientes de la misma distinguida colección privada. La singular Onagro (Wild Ass) (est. US$400/600,000) de 1976, fue una adquisición directa del artista, y Gatos con Pesadillas (est. US$500/700,000) es un óleo con arena sobre lienzo, de 1975, que le da cierta carácter terrenal y real a la obra.

* Los estimados no incluyen el premium del comprador.

Latin American Art at Sotheby’s www.sothebys.com

“Nuestra subasta de noviembre de 2012 se enfoca en vender obra de las voces más influyentes de la

escena del arte contemporáneo latinoamericano de los últimos 60 años. La aproximación curatorial para el desarrollo de la subasta muestra la profundidad y sofisticación de la producción artística de la región, al presentar artistas de relevancia histórica que tradicio-nalmente han estado sub-representados en el merca-do de las subastas”. Henry Allsopp, Director Mundial, América Latina

FRANCIS ALYS, Sin título (Instalación de dos obras, en colaboración con Emilio Rivera), 1996, US$300,000 - 500,000. Este lote tiene raíces en el Proyecto de pintura de señales de Alÿs, realiza-do entre 1993 y 1997. Inspirado en la cotidiana publicidad callejera que podía verse por todas partes en Ciudad de México, Alÿs contrató a pintores comerciales de señales para que trabajaran con él en este innovador proyecto artístico. Este lote forma parte del grupo de Paisajes urbanos, que consiste en vistas panorámicas de edificios y otros símbolos de urbanización contemporánea.

Después de haber iniciado sus actividades hace ocho años en San Antonio, una de las galerías más importantes del

escenario texano, Ruiz-Healy Art, inauguró este pasado 7 de Noviembre la extensión de sus espacios en la ciudad de Nueva York con la exposición, Abundancia Refinada, consistente la pro-ducción reciente de uno de los más relevantes renovadores de la pintura actual en México, Pedro Diego de Alvarado, quien tan solo una semana después de esta apertura, presenta en el prestigiado Antiguo Colegio de San Ildefonso una amplia muestra retrospec-tiva. Patricia Ruiz-Healy, es la líder de esta galería, es miembro del comité del Museo del Barrio en esta ciudad y es candidata al grado doctoral

En otra importante noticia provenien-te del continente asiático, la galería

Alfredo Ginocchio participó como invi-tado especial en la onceava edición de la KIAF’12, (Korea International Art Fair). Este evento llevado a cabo del 13 al 17 de diciembre en Seúl, Córea del Sur, contó

con la participación de cinco artistas representados en exclusiva por esta galería: Hugo Lugo, Luis Selem, Claudio Gallina, Bruno Widmann y Ofill Echevarria. La particular relevancia de esta invita-ción, reside en que la edición 2012 de la que es considerada la feria de arte más importante de Córea, fue dedicada a la región de Latinoamérica, siendo la destacada galería Alfredo Ginocchio la única galería representante de México.

Francis Alÿs, Untitled, (Installation of two works, in colla-boration with Emilio Rivera), 1996$300,000 - 500,000

Katy Alexander, Fernando Botero, Patricia Ruiz-Healy. Fotografía Patrick McMullen Co. ©

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Es un momento emocionante para el mundo del arte en Texas. Austin ha experimentado un gran crecimiento in-dependiente y los artistas locales han ido ganando fuerza

y respeto. San Antonio continúa siendo un factor de unión entre la comunidad texana y sus instituciones, mientras todos espera-mos emocionados la llegada de la nueva directora ejecutiva de Artpace, Amada Cruz. En medio de todos estos cambios, Hous-ton continúa experimentando el crecimiento de sus instituciones y colecciones. A la velocidad con la que se ha desarrollado, esta ciudad será en unos cuantos años uno de los mas importantes centros de arte contemporáneo.

Además de la impresionante red de recursos, instituciones y espacios para arte contemporáneo, Houston ha emprendido la Feria de Arte Contemporáneo de Texas. Llevada a cabo en el gran centro de convenciones que se encuentra en el corazón de la ciu-dad, Texas Contemporary se encuentra en su segundo año y no

Por / By Leslie Moody Castro

Una feria de arte para lo que será uno de los centros de arte contemporáneo más importantes en el circuito global

Enfoque / Ferias de arte Houston / Texas

notaba un gran trabajo detras de estas. Un puñado de galerias representaba a Denver, Nueva Orleans, Nueva York, y Seattle, y dos galerias internacionales fueron arrojadas a la mezcla. Aun-que hubiera sido agradable contar con la representacion de otras ciudades y estados del pais, e incluso algunas con presencia in-ternacional, el trabajo Tejano era reconocible, tenia un gran nivel de calidad y en general representaban al estado de la estrella so-litaria bastante bien.

Sobre todo, Texas Contemporary se encuentra en un buen lugar. Ciertamente no es ZONA MACO o Armory, pero para su segunda edicion anual, se encuentra en un muy buen lugar como para al-canzar los niveles que tiene y convertirse en una feria de arte fuer-te que sera un gran jugador en el suroeste. De esta edicion en ade-lante, la feria solo puede crecer, hacerse mas fuerte y continuar expandiendo sus asociaciones y representaciones de galerias.

Estas asociaciones tambien permitieron a las instituciones tener presencia en la feria, y cada una de ellas tenia un pequeño stand promocional que abarcaba todo el perimetro de la feria, propor-cionando informacion sobre todo lo que pasaba alrededor del Mercado de arte de Houston, y alcanzando una audiencia que de otra forma no hubiera sido posible alcanzar. Ademas, los organi-zadores de la feria se asociaron con instituciones mas grandes como el Contemporary Art Museum, el Blaffer Museum, y el Museum of Fine Arts Houston para presentar un frente mutuo de apoyo. La fiesta de inauguración, por ejemplo, tenia esperado reunir especificamente 20,000 dolares para apoyar la politica de admision libre en el Museum of Fine Art.

En el centro de la feria, y dispersados a traves de esta, habia ins-talaciones especificas que solidificaban Texas Contemporary y se concentraban en el arte mismo. Hablando de temas controversia-les como la raza y la clase, etnicidad y la historia de Estados Uni-dos, como la mitica y cinetica instalacion del artista Jules Buck Jones de la galeria DUTTON, cuyo trabajo estaba bien producido e instalado y era muy provocador. Tambien encontramos la pieza Well Division de Travis Somerville que proporcionaba un doloroso y sarcastico recordatorio del movimiento de los derechos civiles, jugando con su puesta en la feria para hacer la raza y la clase algo transparente, mientras tambien jugaba con los tipicos estereo-tipos de la cultura de Norte America. Ballroom Marfa nos dio momentos de reflexión con un trabajo de Agnes Denes titulado Pyramids of Conscience, cuatro piramides a larga escala que se encontraban a la mitad del pasillo principal de la feria, llenas de agua contaminada y aceite, que actuaban como un enorme espe-jo que reflejaba el mundo que pasaba a su lado.

Los organizadores de la feria escogieron a 70 galerias para que participaran en la edición de este año. Aunque cada stand estaba lleno de obras de arte, era una cantidad manejable que no conver-tian la experiencia en algo insoportable ni tampoco se sentia va-cio. La mayoria de las galerias eran de Texas, representando una variedad de ciudades desde Austin a Dallas, y Houston mismo, se

muestra ninguna señal de debilitamiento. Respaldada por la firma artMRK y por el equipo de Max Fishko y Jeffrey Wainhouse, la feria ofrece en todos sus aspectos los más altos niveles de calidad. Fis-hko y Wainhouse están secundados por una lista de ventas y de experiencia en las ferias de arte, y se nota, con dos pesos pesados del mundo de las ferias de arte contemporaneo, Texas Contempo-rary entra al mercado comercial con una impresionante lista de galerias, visitantes y arte que esta entre el mejor del país.

Habia una emoción latente a lo largo de la feria, un aire de excita-miento entre la comunidad durante todo el fin de semana.

Entre muchos de sus aciertos, el equipo de Fishko y de Wainhouse se asocio con instituciones de la ciudad y destaco las muchisimas colaboracion que se hicieron detras de escena en el mercado del arte.

Jacob Yanes. Philomela, 2012

Robert Cottingham. ART, 1992

It’s an exciting time for the Texas art world. Austin has experienced its fair share of growth as inde-

pendent and grass roots artist run spaces continue to gather strength and respect. San Antonio contin-ues to bridge the gap between its community and institutions while we all wait excitedly for the arrival of Artpace’s newest Executive Director Amada Cruz. Through all of this transition, Houston continued to move along growing their institutions, collections. At the rate of its growth the city will be one of the top centers for contemporary art in just a few years.

To add to its impressive resume of contemporary art venues, institutions, and sources, Houston has em-braced the Texas Contemporary Art Fair. Held at a large convention center in the heart of downtown, the Texas Contemporary has entered its second year and shows no sign of slowing down.

Backed by the firm artMRKT Productions, or the team of Max Fishko and Jeffrey Wainhouse, the fair offers the highest level of quality across the board. Fishko and Wainhouse have a roster of sales and art fair ex-perience under their belt and it shows, as two heavy hitters in the world of contemporary art fairs, Texas Contemporary has entered the commercial market with an impressive roster of galleries, visitors, and art that is among the best in the country.

An art fair for what will be one of the most important centers of

contemporary art in the global circuit

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Por / By Iván Sanchezblas

Una alternativa sensorial Affordable Art Fair llega a México

Enfoque / Ferias de arte Cd. de México / México

Izquierda Galería Mira (San Miguel de Allende) Centro Galería Irma valerio (Zacatecas). Imágenes cortesía AAF

Arriba Vista general del segundo piso; área de publicaciones. Abajo Artistas, galeristas y público intercambiando ideas. Imágenes cortesía AAF

Galería Bálsamo (DF). Imagen cortesía AAF Galería Traeger & Pinto (DF). Imagen cortesía AAF

La AAF surge en México en un momento en el que nuestro mercado se encuentra dividido entre el arte de proyección internacional (heredero de la experimentación del siglo XX) y el incesante florecimiento de manifestaciones objetuales que se debaten entre su carácter

decorativo, posibilidades utilitarias y de democracia educativa. En su primera edición; de algo es-tamos seguros, su perfil llena un hueco no sólo en el calendario ferial; sino en las necesidades de artistas, coleccionistas, promotores e instituciones mexicanas quienes por sobre todo, necesitan de un sistema de visibilidad y comercialización profesional y constante.

Cuando Affordable AF inicia su historia en Londres en 1999, lo hace consciente del nicho de com-pradores de arte que buscan un encuentro con las obras sin la pretensión de los grandes colec-cionistas, privados e institucionales: poseer el objeto y el estatus, poseer la identidad que brinda el arte contemporáneo. Alejada de esta esfera, la AAF es un espacio que promueve la idea de que todos podemos adquirir una obra en un tono mas bien emocional. Su primer sede en Expo Reforma recuerda la historia recorrida por la hoy establecida internacionalmente Feria Zona MACO, conso-lidada después de diez años como la ventana al arte contemporáneo más importante en América Latina. Lejos de esta comparación se espera, en todo caso, un crecimiento paulatino de la AAF; pues la expansión del arte en el público espectador es proporcional a su consumo. Pero cómo podemos medir el impacto de este escenario comercial para el arte en México.

No obstante la falta aire acondicionado, la afluencia fue constante aunque el comentario constante respecto a la sede fue “solo se puede visitar en fin de semana, y muchas personas de lomas y polan-co no les gusta ir al centro. Mucha gente evita esta zona de la ciudad por el tráfico.” La pregunta es obvia, ¿sería mejor en la colonia Condesa o en Santa Fe donde están los compradores? La respuesta se verá en el siguiente año

Aspecto fundamental de un evento comercial es su difusión; y al respecto el comentario más fre-cuente fue que hizo falta publicidad tanto en espacios públicos como en medios; señalando con recelo lo parecida de la campaña de la feria con el de una afamada tienda departamental.

Este aspecto es complementario y definitorio del perfil del público asistente porque al final del evento; ¿cómo se califica la calidad general de su poder adquisitivo? La respuesta según esta-dísticas es que en esta convocatoria el poder adquisitivo fue bajo (el promedio esperado era de $40,000 pesos pero este fue debajo de $3,000 pesos) e inundado de compradores de artículos decorativos. Mucha gente y pocos con intención de comprar arte. La recomendación aquí es dar un giro contundente a la convocatoria y enfocarse al nicho de arquitectos, decoradores, inte-rioristas y profesionistas de las artes quienes aumentarían la probabilidad de ventas (justo en esa misma semana coincidieron dos eventos importantes para el ramo de la arquitectura y la decoración: EXPO CIAC en el Centro Banamex y DESIGN WEEK en Polanco; ambos con mucha audiencia y éxito).

Paralelamente surge un aspecto fundamental para trabajar durante la evolución de la feria: sus co-leccionistas.

Si bien el concepto de Affordable Art Fair es la venta de obra de arte a un costo accesible, cabe men-cionar que mucha gente llegaba con la idea de regatear los precios hasta un 50%. Esta errónea idea habla de la inmadurez de un mercado el cual necesita del constante encuentro con la compra de arte para convertirse, poco a poco, en un público coleccionista. Para ello habrá que ajustar el discurso y perfil del evento para cultivar su consumo; uno que hasta ahora sucede a través de la toma de fotografías cuya intención no es la valoración estética sino el registro de una experiencia turística.

Insistimos aquí en el carácter profesional que una feria debe promover en el consumo de su público; pues sólo así se creará una consciencia de apreciación artística y no de espectáculo de fin de semana.

En siguientes ediciones se sugiere hacer una invitación especial a empresarios y profesionistas del interior de la República, potenciales coleccionistas quienes reconocerán en un mercado internacio-nal, las propuestas de sus propias localidades. Tal fue la intención de invitar al Instituto Veracruzano de Cultura como promotor de una actualidad regional en relación y competencia con otros discurso contemporáneos. La organización de eventos paralelos con las galerías así como inauguraciones de exposiciones, fiestas con patrocinadores y otros mecanismos serán la mejor estrategia para una mayor difusión e involucramiento de la industria artística.

mente nos afectan a los habitantes de esta ciudad. Involucrar a las autoridades de la ciudad así como a sus instituciones (turismo, cultura, economía, desarrollo social).

Impactar cada vez más para que año con año haya más in-teresados en participar. Tiene que haber una gran resonancia y hacer un mayor esfuerzo de promoción de la feria.

De ahí que AAD México se hicie-ra partícipe de esta intención con un Programa Educativo el cual tuvo la intención de com-plementar la visión del público para instruirlo como compra-dor de arte. Las posibilidades son inmensas: pensar en una mezcla de días considerando desfiles, bicicletas y otros eventos que desafortunada-

En comparación con otras ferias Affordable Art Fair en México tiene aún mucho camino que recorrer. Esperamos que su honestidad y objetivos fortalezcan nuestro ecosistema del arte renovando el escenario de la comer-cialización del arte en México perfecta para el segmento de mercado que se ha venido desarrollando desde hace más o menos una década.

Concluimos con esta idea: el arte “accesible” no demerita en su “calidad”.

Felicitamos a las galerías, marcas, publi-caciones e instituciones por creer en esta propuesta esperando que en su siguiente edición su presencia eleve y consolide este complemento en el escenario comercial del arte contemporáneo en nuestro país.

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AAF arrives in Mexico at a time when our art market is divided between the in-ternational art (heir to the experimentation of the twentieth century) and the

incessant demonstrations of objectual art torn between their decorative, utilitarian and educational possibilities. In its first edition we are sure of something, its profile not only will fill the gap in the fairs calendar, but on the needs of artists, collectors, promoters and Mexican institutions who above all, need a marketing system and a constant professional visibility.

Compared to other fairs Affordable Art Fair Mexico still has a long way to go. We hope its honesty strengths our ecosystem objectives renovating the state of the art marketing in Mexico that has been developing for about a decade.

A sensitive alternative Affordable Art fair arrives to Mexico

Como medio asociado de la feria, AAD México, a lo largo de tres días dio voz al arte contemporáneo a través de directores de museos, editores, gestores culturales, maestros de taller y artistas; quienes compartieron sus puntos de vista sobre tres ejes que involucran al espectador en todo momento.

En el primer día, el tema “Creación de públicos para el arte contemporá-neo” buscó dar al espectador el lugar primordial que tiene en el consumo del arte; un reconocimiento de parte de los especialistas que empodera al público afirmando: ¡Nosotros, los espectadores, somos al final para quienes está dirigido el arte!. Participaron en esta jornada Ruben Marshal, Director de la revista Fahrenheit así como especialistas en servicios educa-tivos del Museo del Antiguo Colegio de San Ildefonso.

Para el segundo día se busca establecer un puente entre la obra de arte y su compra con dos estrategias diferentes. Al inicio del día se propuso una conversación con Rafael pérez y Pérez sobre la experiencia de buscar y comprar obra de arte como una actividad que refina el gusto y lo satisface al coleccionar. Por la tarde se presentaron la visión y ética artística que ejercen dos representantes del arte contemporáneo en Guatemala, Elmar Rojas y Pepo Toledo, contrapuntos indispensables en tendencias y estilos actuales.

Finalmente, el tercer día dio preferencia al público joven que busca satis-facer su inquietud de formación artística fuera de la Ciudad de México con una plática realizada por la Mtra. Karina Álvarez, representante del Institu-to Allende en San Miguel de Allende, Guanajuato. Por otra parte se propu-so profundizar en la técnica de la gráfica como una especialización en el terreno de las artes visuales contemporáneas a través de la participación de Felipe Cortes, maestro impresor del Taller Archivo Gráfico en la Ciudad de México.

Con este programa inauguramos nuestra participación como un agente activo del mercado del arte en México esperando la siguiente edición de la feria con propuestas y retos intelectuales desde la experiencia de quienes trabajan día a día con el arte

Programa educativo AAF- AAD México

Disfrutar el arte contemporáneo desde la experiencia de quienes trabajan con él

Galería Traeger & Pinto (DF). Imagen cortesía AAF Galería terreno Baldío (DF). Eduardo Egea ©Galería Aldama Fine Art (DF)

Ruben Marshall Director de la Revista Fahrenheit

Rafael Pérez y PérezSubdiirector del Museo de la SHCP

Karina Álvarez Instituto Allende

Elmar Rojas Artista de Guatemala

Pepo Toledo Artista de Guatemala

Felipe Cortes Taller Archivo Gráfico

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AAD es un medio especializado convencido de la necesaria relación entre los espacios ins-titucionales de exhibición de arte y las empresas de iniciativa privada. El binomio de esta relación resulta, la mayoría de las veces, en un modelo de gestión, administración y proyec-

ción de estos espacios bajo la tutela de los procesos aplicados en las IP; enfoque que entiende al arte como una manifestación humana que en su identidad de producto cultural (obra), satisface una necesidad social y estética; además de dar inicio a una cadena productiva y de consumo específico.

A partir de la reinauguración del Museo Tamayo el pasado agosto AAD México entró en contacto con David Cohen, actual Presidente del Patronato de la Fundación Olga y Rufino Tamayo correspondiente al Museo Tamayo arte Contemporáneo, con quien para esta edición tuvimos la oportunidad de consultar respecto a este tema desde su experiencia y visión empresarial.

Por / By Iván Sanchezblas

Sustentabilidad en los museosEntrevista con David Cohen Presidente del Patronato de la

Fundación Olga y Rufino Tamayo

Gestión en las artes Cd. de México / México

DC: Aquí es importante mencionar que la fundación se estableció en 1989 como apoyo y sustento para el museo. Es una fundación reconocida al 100% por el INBA cuya función es apoyar al progra-ma museístico, al mantenimiento, a la adquisición de obras, para el crecimiento de la sede. La colaboración sucede desde ambas par-tes con un fin común: promocionar el museo como uno de los más importantes a nivel internacional y crecer su público. Para ello ne-cesitamos exposiciones con contenido de primer nivel que sean un diálogo lleno de cuestionamientos; y eso es lo que paralelamente, el patronato con la dirección del museo trabajan todo el año para que suceda.

Nosotros como patronato somos un soporte muy importante para que el museo tenga esa continuidad, tenemos que apoyarnos en ese conocimiento administrativo para que sea sustentable. Eso es lo mas importante; y es en lo que tengo una visión empresarial. No podemos generar un elefante blanco, si crecimos en metros cuadrados se tiene que ver de qué manera recaudaremos los fondos para seguir operando. Hace más o menos cuatro años creamos el comité de adquisiciones a través de la fundación el cual busca fondos y donativos para que nosotros, con la propuesta que nos haga el departamento curatorial del museo, se haga la votación para que una obra pueda ingresar a la colección.

IS: En el modelo de trabajo del patronato con relación a las actividades del museo, sorprende la claridad con la que manejan el marketing cultural así como la relación de iniciativa privada en conjunto con el gobierno. ¿Cómo describirías esta relación y cuales serían los beneficios y las dificultades de negociar entre institución publica y privada a través del marketing cultural?

DC: A fin de cuentas tienes un producto y éste tiene que ser el mejor, tiene que estar posicionado como el mejor dentro de su mercado y así es el funcionamiento del museo porque como lo comente con anterioridad; el objetivo es de este uno de los museos más importantes a nivel internacional. En la IP, además de creer en la oferta cultural brindada; ésta debe ser cuantificada porque no se dona sin razón de se. La IP busca resultados; los que tú digas: el donativo que haces genera esta cantidad de audiencia en el museo o vamos a tener este enriquecimiento cultural, etc. Esta no es una tarea fácil, porque tienes que demostrar con hechos lo que estás diciendo y eso mismo pasa con las instituciones; nos piden ver que el museo funcione en óptimas condiciones y que las exposiciones estén a la altura a la que nos comprometimos tenerlas.

IS: Si tomamos en cuenta el escenario nacional, tenemos cantidad de bienales y museos que llevan el nombre de pintores o artistas que son parte de la historia del arte de México; sin embargo, el Museo Tamayo destaca porque tiene un modelo de gestión empresarial que le permite negociar con las exi-gencias de un mercado internacional. Viendo la realidad nacional y con tu experiencia ¿qué sugerencia o recomendación como director del patronato, como gente que colecciona arte contemporáneo le harías a estos museos estatales?

DC: Primero que nada tiene que existir un interés por parte de la IP en estas instituciones o en estos museos a nivel nacional. Si existe el interés, lo más importante es acercarte a las instituciones y ver como están realizadas y estructuradas para así de qué manera, desde la IP, podemos ayudarles a for-talecer el patrimonio cultural que manejan. No hay una fórmula porque uno tiene que ver como está constituida la institución y en base a esto, como empresario o como coleccionista o como ciudadano, decidir apoyarlo. Sólo entonces empieza una plática y se ve cómo puede lograr esto.

IS: Si hubiera una inquietud de cualquier Estado de la República ¿podrían entrar en contacto con el Museo Tamayo y su Fundación para así tener una experiencia de intercambio de conocimiento?

DC: Por supuesto, los invito a contribuir con nosotros; la puerta está abierta. Nos pueden contactar a través de la fundación o a través directamente del museo. Invito también a los lectores a hacerse socios del museo con membresías muy accesibles, una contribución que nosotros como ciudadanos podemos hacer a nuestras instituciones. Invito a los demás museos o a la gente que tenga dudas para ejercer el mismo modelo de conversión que nosotros tuvimos pues con gusto estoy aquí para respon-derles y poder multiplicar este exitoso resultado.

David Cohen: Llevo al frente de la de la presidencia dos años. Soy em-presario, licenciado en administración de empresas, y básicamente en el patronato me hicieron la invitación a participar porque soy co-leccionista de arte contemporáneo y porque siempre he estado muy involucrado en el arte, he estado rodeado de él, voy a todas las ferias, participo en diferentes patronatos a niveles internacionales y gracias a eso; y a mi trayectoria como coleccionista, me hacen la invitación. Eso fue hace cuatro año y a los dos años posteriores; por motivos perso-nales del presidente anterior, quien decide dejar el puesto, se hace una votación y me eligen a para ser el presidente del patronato.

Iván Sanchezblas: Cuando llegas al momento de esta presidencia ya habías recorrido los funciona-mientos al interior del patronato, sus funcionamientos...

DC.- En realidad he sido fanático del Museo Tamayo desde que recuerdo; siempre lo he conocido como espectador y como ciudadano y sólo más adelante como coleccionista. Efectivamente, con dos años previos dentro del patronato tuve el mapeo completo de cómo está la fundación, cómo el museo, qué proyectos están por realizarse, cuáles pendientes, cuales ya realizados, etc. Aprovecho de este pano-rama general una experiencia que me dice qué es la fundación y el museo para ahora poder tomar las riendas como presidente del patronato. En ambos momentos, tanto como patrono como presidente del patronato, estuvimos en platicas con las autoridades para hacer un proyecto de ampliación y remodela-ción, en este caso con el INBA y con el CONACULTA.

Como patrono me tocó estar dentro de esas negociaciones y ver si podíamos hacer esta alianza entre sector privado y sector publico para lograr este proyecto. Cuando tomo la presidencia los logros más importantes son echar a andar la remodelación y ampliación; esto gracias a que todos los patronos contábamos ya con la iniciativa y estábamos por contar con los recursos. El objetivo: regresar a nuestro país de tanto como nos ha dado. Pero para ello era necesario tener nuestros objetivos perfectamente alineados a las instituciones gubernamentales; que en este caso involucran al INBA y CONACULTA, por una parte. Por otra, también era necesario un soporte desde la Dirección del museo. Justo a los dos me-ses de cuando me eligen como presidente del patronato se hace la invitación a la Mtra. Carmen Cuenca, nuestra directora actual. Como fundación tuvimos una retroalimentación con el INBA sobre la nece-sidad de tener a alguien que realmente tuviera la capacidad para atender una obra de esta magnitud

IS: Entiendo que tu responsabilidad es el diseño y la ejecución del proyecto.

DC: Sí, incluidos el 100% de los convenios ante el INBA, CONACULTA, los convenios con el patronato. Me toca gestionar la administración completa y absoluta del proyecto; la recaudación de los fondos de las diferentes instituciones así como de la iniciativa privada; además de administrar la obra completa. Fue un record terminar la construcción en diez meses y en doce abrir el museo. Reconozco mi expe-riencia como empresario en la administración de los recursos y en la planificación de los mismos, en el cronograma de tiempos; cuando manejas los recursos lo tienes que hacer con mucha responsabilidad y dentro del presupuesto debe haber transparencia. IS: ¿Cuál es tu relación con Carmen a nivel de la oferta artística del museo y cómo entras en conversa-ción con los criterios para manejar y aumentar la colección del mismo?

David Cohen. Fotografía Eduardo Egea ©

11www. aad.mx

te invita a

Atlixco #1, Col. Condesa, México, D. F. C.P. 06140 t. 5211- 8674 y 5211- 8671

“ENTRE LIENZOS Y BARRO”

Rocío Barbará / Alicia Sánchez Mejorada

/xespaciodearte /@xespaciodearte

abierta al públicodel 8 al 23 de noviembre del 2012

de 11 a 18 hrs.

www.xespaciodearte

.com

12 www. aad.mx

SUG E R E N C I AS D. F.Centro Nacional de las ArtesAlberto Castro LeñeroDominioHasta 16 de Noviembre

Anonymous GalleryKostas Seremetis Human KindHasta 10 de noviembre

En la exhibición Human Kind, la imagen común de Felix el gato es reinventada y reconstruida no solo en su forma, sino tam-bién con detalles surrealistas y descripciones reinterpretadas del personaje. Kostas adapta la elegancia y el estilo de Felix y le agrega la iconografía poderosa usada por el Partido de la Pan-tera Negra, un símbolo de au-todefensa y revolución. Kostas inconscientemente pinta sin ningún lenguaje personal mas que el significado de imágenes populares. Esta ambiciosa obra personifica la exploración del significado y la reconstrucción.

Zacatecas 173 Col. Roma www.anonymousgallery.com

CCM ContemporáneoEnrique WalbeyUna Vía Interna Hasta 30 de noviembre

Dicha muestra consta de más

de veinte piezas de resina poli-tratada que pretenden mostrar el vínculo creado entre la escul-tura y la arquitectura.

Entre los materiales y la per-cepción, entre la obra y el es-pectador; esta propuesta nos transmitirá a través de cada una de las piezas los senti-mientos y las vías internas del ser humano. Esta magna obra convoca al público a una experiencia del cuerpo enten-diédolo como un testimonio de erotismo, drama, decadencia y expresión desde la carne.

Galería ArronizOmar BarquetObra recienteHasta enero 2013

En su producción ha desarro-llado una investigación que propone diversas posibilidades de percepción e interrelación entre espacio, tiempo, paisa-je, sonido y memoria. Estos conceptos funcionan como una base flexible donde se ar-ticulan distintos proyectos que le permiten al artista explorar procesos y medios de repre-sentación. Ha desarrollado una serie de obra abstracta, tanto en gráfica y pintura, que reinterpreta una selección de composiciones de música pro-gramática que evocan paisajes sublimes y dramáticos.

Galería BálsamoDaniel MontalvoSinergia SingularHasta 15 de noviembre

Una exposición magnífica con un estilo definido por la natu-raleza y capacidad del acero inoxidable y el aluminio de abrir el diálogo entre texturas e identidades complementa-rias con otros materiales reci-clados. Al metal se hermana estéticamente el vidrio y los espejos como elementos de un lenguaje al cual la luz LED y los elementos orgánicos se incor-poran para incidir en el espacio de la galería.

Galería Desiré Saint PhalleJean- Marie PerdrixOjalá lalalaHasta 12 de enero 2013

La obra de Jean-Marie Perdrix halla sus orígenes en las condi-ciones sociales y materiales de producción de los países que él atraviesa (Rusia, Burkina Faso, México, Europa del Este, etc.)

Para su exploración antropo-mórfica y política recurre al hierro colado, bronce, plástico, elastómero y tubos de neón; en formas determinadas por el proceso de fabricación. El resultado: una estética más bien rugosa, en la que el detalle trivial convive con el encaje que dibuja el bronce colado.

Proyecto ParaleloBaldessariJohn Baldessari Hasta 15 de diciembre

Arte Tal CualFritzia Irizar Naturaleza de Imitación Hasta 6 de diciembre

La obra se articula en dos pro-cesos, el primero convoca a personas de comunidades ta-rahumaras de Chihuahua, Mé-xico que actualmente viven en pobreza extrema. Al donar su cabello, registro biológico de su condición de salud actual, el fin es crear un diamante artificial, realizado bajo un procedimien-to de extracción de moléculas de carbono presentes en el cabello humano.

El diamante es entonces la documentación del proceso y los resultados del proceso de fabricación del mismo, que se presentarán en exhibición.

Esta exposición se construye con cuadros alargados inspi-rados en la forma en cómo se podría desarrollar un juego de dominó, que puede crecer en cualquier dirección siguiendo ejes verticales y horizontales y que, dada su forma aleatoria, el orden es variable y puede adaptarse a diferentes espacios.

Asimismo, presentará una instalación audiovisual relacionada con las obras cuya base es la fotografía digitalizada, impresa en bastidores entelados e intervenidos con pintura automotiva, acrí-lico u óleo. Anteriormente a esta obra, el maestro Castro Leñero trabajó una serie de cuadros compuestos por dos rectángulos del mismo tamaño que conforman un cuadrado.

Cada parte del cuadro estaba resuelto de forma diferente, sin em-bargo, lo que el artista quería es que se sintiera una energía que unía la obra, como un sólo cuadro..

La primera exposición individual de John Baldessari en la ciudad de México. En torno a una selección de obras recientes sobre pa-pel, la exposición se presenta como una lectura sobre los temas y los procesos con los que el artista ha construido una de las trayectorias fundamentales dentro del panorama de la his-toria del arte contemporáneo.

El trabajo de este artista ha es-tado siempre vinculado a la fo-tografía y consecuentemente a los métodos de multiplicación de la imagen. La imagen fotográfica lo liberó de las limitaciones compositivas propias de la pintura tradicional y le permitió ma-nipularla al extremo a través de superposiciones extrañas, frag-mentaciones abruptas e inesperados ocultamientos que resultan en alegorías y narrativas dislocadas. En esta obra la utilización del montaje demuestra que el sentido no procede orgánicamente del objeto, sino que se crea o se construye en la relación que se establece entre partes aparentemente aisladas.

Galeria Alfredo GinocchioCésar RangelAnimal de otra certezaHasta 30 de noviembre

A partir del tema del cuerpo humano en el agua y sus implica-ciones psicosomáticas, míticas y poéticas, César Rangel reúne dibujo, fotografía y escultura en esta exhibición. “Nado para ser pájaro, serpiente, risa de vértebras, vaivén idéntico al sonido que nombra de un golpe: hueco, nadador y agua” explica el artista. En su obra, el nado surge como gesto  poseedor de una facultad especial para nombrar la totalidad. Esta virtud holística sirve también como metáfora de lo eterno: de un extremo a otro de la alberca, el cuerpo suspendido afirma que la vida es  —en princi-pio y sin juicios— un continuo devenir, un proceso y una forma de sucederse.

Arquímedes 175, Polancowww.ginocchiogaleria.com

Sin título 3, Cesar Rangel, grafito sobre tela, 52x120 cm. 2012.

Colima # 326-A Col. Romawww.artetalcual.com

Leandro Valle #20 C. Históricowww.ccmc.org.mx

Plz Río de Janeiro 53 Col. Roma www.arroniz-arte.com

Isabel la Católica No. 30 1er Piso; Centro Histórico www.balsamo galeria

Colima 25A, Colonia Roma www.desiresaintphalle.com

Río Churubusco 79 esq. Calz. de Tlalpan, Col. Country Clubwww.cenart.gob.mx

Alfonso Reyes 58, Colonia Condesawww.paralelomx.wordpress.com

13www. aad.mx

Museo Universitario de Arte ContemporáneoTeresa MargollesLa PromesaHasta 6 de enero

La Promesa se inscribe den-tro de un largo proyecto de investigación que la artista inició en Ciudad Juárez. Con la llegada de las maquiladoras esta ciudad generó grandes expectativas en miles de mi-grantes. En los últimos años, la crisis económica, el narco-tráfico y violencia han formado el testimonio de una Promesa inconclusa a través de miles de casas deshabitadas, aban-donadas y vandalizadas que desdibujan el paisaje de una ciudad que anuncia la derrota de un proyecto de país.

Galería Maresa ArevaloHéctor De AndaHipótesis de la ConversaciónHasta 18 de diciembre

Una selección de obras de reciente creación, en las que el artista trabajó sobre lo “no dicho”, aquellos pensamientos, ideas y sueños que se quedan en nuestro inconsciente, cons-truidos y armados en nuestra mente sin permitirles ser ex-teriorizados. Cada pieza con-firma la presencia de signos y símbolos idealizados, más por intuición que con intención. Sin duda una forma de permanen-cia de la memoria, de permitir que el pensamiento encuentre una salida a la realidad.

Polyforum Cultural SiqueirosAnibál CatalánOktubre Hasta 25 de noviembre

En colaboración con Yautepec Gallery, el  Polyforum Siquei-ros  presenta  el trabajo más reciente en  donde es evidente la influencia de los artistas de la vanguardia Rusa (en especial Kazimir Malevich y El Lissitzky).

La exposición  refleja la cre-ciente integración de procesos digitales en objetos y sus re-peticiones; obras bidimensio-nales sobre papel, polaroids y páneles de madera, hasta las esculturas de la serie.

Galería Talento Arte / Guijarro de PabloCarlos Garcia de la NuezEl Jardín Hasta 22 de noviembre

“El Jardín”, según el artista , es un lugar donde las cosas cre-cen y se cosechan, estructuras y formas orgánicas de la natu-raleza como trompas, pistilos, semillas, arboles y vegetales.

Perteneciente al grupo llamado 4 x 4; ahora Carlos es reco-nocido como una artista que logro una ruptura importante en la pintura generacional de Cuba al final de esa década. Gracias a esta exhibición la ci-neasta y productora Margarita Hernández, realizara un mini-documental sobre el artista y su trabajo.

Museo TamayoPierre HuygheEl día del ojoHasta 2 de diciembre

La obra de Pierre Huyghe (Francia, 1962) relaciona varios acontecimientos coincidentes que el artista ha tenido con México. Huyghe vincula intere-ses en la naturaleza, la cultura y los rituales con historicismo, fantasía y olvido para entrete-jer lazos destacando aquello que es invisible pero que existe, Una visión particular sobre la minería, las excavaciones, los viajes y las travesías, así como la adaptación a un contexto específico.

Luis Adelantado MéxicoDiego BianchiLa Isla de los Links Hasta 30 de noviembre

El modelo internet llevado a todas las cosas, una hipervin-culación totalitaria de la que no escapa nada; como si todo fuera un sistema nervioso central que además implica la existencia de un centro rector, donde todo se procesa, un eje, una centralidad. Decir que todo conecta con todo, es lo mismo que nada, es lo mismo que de-cir que nada conecta con nada.Hay cosas sueltas en el mundo, hay “planetas”, islas donde los sistemas de conexión están en tensión. Lugares con nociones propias, donde las cosas del mundo tienen libre albedrío y oportunidades distintas.

PEDRO DIEGOALVARADO

RUIZ-HEALY ARTNew York, NY - San Antonio, TX

Forma y metáforaUna selección de obra, 1983-2012

NOVIEMBRE 2012 hasta MARZO 2013

Insurgentes Sur 3000 Centro Cultural Universitariowww.muac.unam.mx

Cordillera de los Andes 315Lomas de Chapultepecwww.maresaarevalo.com

Anatole France No.82 Polancowww.talentoarte.com

Laguna de Términos 260 Col. Anáhuacwww.luisadelantadomexico.com

Insurgentes Sur 701 Col. Napoleswww.polyforumsiqueiros.com

Paseo de la Reforma S/N Col. Bosque de Chapultepec www.museotamayo.org

14 www. aad.mx14

S U G E R E N C I A S E s t a d o sCoahuilaMuseo ArocenaColectivaMujeres detras de la lenteHasta enero 2013

Mujeres detrás de la lente. 100 años de creación fotográfica en México, 1910-2010 nos propone conocer la historia de la fotogra-fía desde otra óptica: la femenina. Un justo recordatorio sobre esa mitad del mundo que a través de su cámara expresó las preocu-paciones e inquietudes de un siglo. La muestra se acompaña de un catálogo con un tiraje de 3,000 ejemplares de distribución gratuita financiado en coproducción por las tres sedes y la Funda-ción BBVA Bancomer. Igualmente, la investigación de la curadora Emma Cecilia García se publicará bajo el auspicio de la Dirección General de Publicaciones – CONACULTA.

Calle Cepeda 354 Sur Centro Históricowww.museoarocena.com

TijuanaCentro Cultural TijuanaVarios artistasLa línea de Francisco Toledo. Una gráfica para OaxacaHasta 30 de noviembre

Con una selección de más de 116 obras esta exposición contiene obra gráfica del mismo maestro Toledo y de su propia colección que incluye obras de grandes maestros como Picasso, Joan Miró, Chillida, Tamayo, Durero y Goya, entre otros. Entre la gráfica de Toledo hay piezas como papa-lotes, radiografías y joyería.Una de las características a des-tacar de esta exposición es la diversidad de materiales sobre los que se han trabajado técnicas diversas como aguafuerte, litogra-fía, punta seca, gouche sobre papel, xilografía, linóleo, serigrafía y cerámica; y de las cuales se hace un recorrido histórico con una línea que va desde una obra de Durero de 1495 hasta la más re-ciente creada por el maestro Toledo en mayo pasado.En esta ocasión Francisco Toledo expondrá al lado de Rufino Ta-mayo, Rodolfo Nieto, María Izquierdo, Julio Ruelas, David Alfaro Siqueiros, Leopoldo Méndez, Vicente Rojo, Rosario Cabrera, Ga-briel Orozco, Guillermo Olguín, Demián Flores.

Paseo de los Héroes 9350Col. Zona Urbana Ríowww.cecut.gob.mx

OaxacaMuseo de los pintores oaxaqueñosMauricio Limon Con todo el respeto que usted se mereceHasta el 18 de noviembre

El algodón de azúcar, un producto favorito de la población infan-til que se ofrece en ferias y circos, fue retomado y transformado por Mauricio Limón quien sorprendió al público oaxaqueño con el esplendor y dulzura de su performance “Degradación sobre traje. Con todo el respeto que usted se merece”,  realizada en el marco del II Festival de Artes Visuales Puntos de Encuentro.El mensaje que transmite a través de esta visión es “la efimeri-dad, lo imperdurable, como ocurre con múltiples cosas que nos rodean”, el algodón de azúcar permite obtener efectos visuales hermosos por el contraste de colores y hace alusión al sentimien-to que produce comer el producto, comentó la curadora Margari-ta Rodríguez, quien junto con Laura Sáenz curó la exposición que quedó montada tras el performance de Limón.

www.museodelospintores.blogspot.mxIndependencia #607 Esquina Garcia Vigil, Centro, Oaxaca

SinaloaMuseo de Arte de SinaloaColectivaBlockbusterHasta 13 de febrero 2013

Blockbuster es una muestra de videoarte y cine curada por Jens Hofmann y producida por CIAC A.C. Reúne en cinco programas, un diálogo entre diversos videoartistas y cineastas contemporá-neos.

Blockbuster investiga de que manera una serie de importantes artistas contemporaneos que trabajan con el cine y el video han sido afectados, ademas de reorientar su propio trabajo, por as-pectos especificos que yacen en la labor de los grandes directo-res de cine del siglo XX con artistas como Abraham Cruz Villegas, Pierre Huyghe, Orson Welles, etc.

Rafael Buelna esq. Ruperto L Paliza S/N Centro, Culiacan Sinaloawww.masin.com.mx

San Luis PotosiMuseo de Arte Contemporaneo de San Luis PotosiColectivaArte contemporáneo de jóvenes creadores presenta: InvasiónHasta 2 de diciembre

Invasión, primera de tres muestras que tienen como objetivo el estímulo y la promoción de jóvenes creadores, bajo la premisa “si lo contemporáneo es un reflejo del tiempo y lugar donde se vive, sigue de ello la necesidad de documentar las expresiones y procesos de una comunidad que se autodefine en sus prácticas artísticas”. Este ciclo enfatiza los valores de la contemporaneidad: la diversidad, la re-evaluación de las prácticas expositivas, el peso conceptual de la obra, la consideración de los procesos creativos, la crítica institucional, la negociación intermedial, la utilización de materiales no convencionales y la reflexión en torno a la natura-leza del objeto artístico. Los artistas contemporáneos que parti-cipan en esta primera exposición son: Andrés Ordaz, Joel Castro, Miguel Ángel Rivera, Karla Téllez, Iván Sánchez, Juan Pablo Mene-ses, Iván Juárez, Elisa Urías y Martha Franco.

Morelos #235, Zona Centrowww.macsanluispotosi.com

LAURA COHEN El año pasado en Marimabad (detalle), 1997. Plata sobre gelatina, negativo polaroid tipo55

90 cm x 180. Imagen cortesia del museo.

Imagen cortesia del museo de arte de

Sinaloa.

War Paranoia, Joel Castro, Multimedia, 2006 2:00 min.(Video still)

Performance “degra-dación sobre traje”, 2012. Cortesia del artista.

JaliscoGaleria VerticeIsmael GuardadoTransición visualHasta 15 de diciembre

Gilles Deleuze encontraba que “el hecho pictórico es la forma deformada”. Encontrar ese camino implica un enorme esfuerzo creativo. Al menos eso es lo que resulta visible en la obra de Is-mael guardado. Sus cuadros tienen el don del lirismo visual, que abre un espacio y lo concreta con pinceladas finísimas, caligrafía que otorga destellos y volúmenes.

Menina Fresco 100 x 80 cms

Lerdo de Tejada No. 2418 Col. Lafayettewww.verticegaleria.com

real. Virtuoso de las técnicas, Ismael puede pintar al óleo o al fresco con la seguridad de un maestro que ha cultivado su arte a lo largo de sus años de magnífica trayectoria.

“Deformar” es encontrar otras formas cuyo origen está en lo

15www. aad.mx

S U G E R E N C I A S E s t a d o sJalisco Museo de arte de ZapopanJosé Ignacion Solórzano (JIS)Descargas moneras con ínfulas retrospectivasHasta enero 2013

Esta muestra celebra 30 años de carrera artística de José Ignacion Solórzano mejor conocido como JIS; el es-pectador encontrará dibujos, ready-mades, fotos, am-pliaciones, cerámica y una amplia gama de objetos que forman parte del gabinete de curiosidades del artista. A partir de su trabajo como dibujante o monero, JIS (Guadalajara, 1963) ha cruzado las fronteras del cartón humorístico usando el papel, la tinta china y un sentido del humor único como insumos principales, para filosofar sobre la vida cotidiana, haciendo es-pecial énfasis en los problemas de la pareja. “Me he quedado en una especie de zona ambigua donde para los monos no soy tan chistoso y para las galerías sigo siendo un monero”.

Andador 20 de noviembre 166, Centro Históricowww.portal.zapopan.gob.mx/maz

MonterreyTecnológico de Monterrey Colectiva Abstracción y Geometría. Colección FEMSA Hasta 14 de diciembre

La Colección FEMSA, uno de los acervos privados más represen-tativos del arte moderno y contemporáneo latinoamericano, pre-senta la exposición “Abstracción y Geometría. Colección FEMSA”, muestra que incluye las obras de 14 artistas latinoamericanos en un recorrido de múltiples lecturas, sorprendentes lenguajes y singulares propuestas estéticas a través de colores, tonalidades y texturas únicas.“Hay varias teorías acerca de la abstracción; la que implica simplificar, depurar y expresar la esencia es la que nos interesa, y que el público podrá apreciar a través de una serie de piezas creadas por Ary Brizzi, Enrique Careaga, Manuel Espinosa, Águeda Lozano, Gerardo Rueda, Kazuya Sakai y Carlos Silva, por mencionar algunos de los artistas latinoamericanos representa-dos en esta exposición”, detalló durante la inauguración la Dra. Margarita Fernández, catedrática y curadora de la exposición.

Biblioteca del Campus del Tec de Monterrey, Ave. Eugenio Garza Sada 2501 Sur Col. Tecnológicowww.coleccionfemsa.com

OaxacaTransversoHugo GallegosClasificación taxonómica del turistaHasta 13 de diciembre

El proyecto de Hugo Gallegos retoma una parte de ese vicio cien-tífico que deviene de una labor de emprendimiento explorador decimonónico y una realidad actual que se enmarca en el turis-mo como actividad remunerativa para los países políticamente llamados “en vías de desarrollo”. Desde el punto de vista del estudio antropológico, Gallegos emprende a la inversa el sentido de la observación en el caso de Oaxaca, un territorio construido bajo preceptos tradicionales, históricos y culturales que recaen en una actividad turística muy importante, pero más allá de ese intercambio social de conocimiento y curiosidad ante la tradición, la cultura y el folclor, existe un juego de relaciones complejo que tiene que ver con los actores de este intercambio.

Obra de Kazuya Sakai, “Atmósfera/gyory ligeti”, 1979. Colección FEMSA.

Vista de la galería con la exposición de Hugo Gallegos, cortesía de Transverso México.

Obviaremos las narices, imagen cortesia del museo de las artes de Zapopan.

Independencia 1310Centro Históricowww.transversoartemexicoguate.blogspot.mx

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C O R R E D O R N O R T ESan Diego, CaliforniaThe San Diego Museum of ArtMarianela de la HozHeaven and EarthHasta 24 de febrero 2013

Marianela de la Hoz nació en La Ciudad de México y ha vivido en San Diego por los últimos 10 años. La técnica detallada de su pintura tiene influencias del surrealismo y se enfoca en el arte representacional. Heaven and Earth, the Determined Freedom of an Undetermined Life consiste en un altar con 11 pinturas indivi-duales. Las imágenes aluden a narrativas bíblicas bien conocidas, especialmente la historia de Eva.

1450 El Prado, Balboa Parkwww.sdmart.org

Miami, FloridaMiami Art museumColectivaNew Work Miami 2013Desde 21 de noviembre

Este año el Miami Art Museum se complace en presentar New Work Miami 2013, la segunda celebración de New Work Miami 2010 que fue muy exitosa.

Como la edición inaugural esta exhibición esta concebida como un homenaje a la comunidad de artistas de Miami. Incluirá varios Proyectos y programas especiales.

101 W. Flagler St. www.miamiartmuseum.org

El Paso, TexasEl Paso Museum of ArtManuel CarrilloEasy Companions: Animals and ChildrenHasta 27 de enero 2013

Easy Companions nos muestra un tema recurrente en el arte de Manuel Carrillo, uno de los fotógrafos más importantes de la vida en México en siglo XX. Las obras, que muestran niños convivien-do con la naturaleza ha sido seleccionadas como fotografía de gran importancia por El Paso Museum of Art. Carrillo tiene va-rias influencias en su trabajo pero Paul Strand es probablemente el más cercano a él, partiendo del interés de ambos artistas en mostrar la vida cotidiana, aunque también se puede ver una afi-nidad con su compatriota Manuel Álvarez Bravo. Esta exposición da muestra de la sensible apreciación de los artistas hacia el lazo entre niños y animales, y habla de su deseo de guardar esto en la memoria popular. 

One Arts Festival Plazawww.elpasotexas.gov

Manuel Carrillo Mexican-Mexicano, 1906–1989Boy and Dog on Barge - Joven y perro en una chalupa

New Work Miami 2010. Photo by Manny Hernandez, cortesia del museo.

Marianela de la Hoz (b. 1956), Heaven and Earth, the Determined Freedom of an Undetermined Life (detail), Altarpiece, 2012

Dallas, TXMeadows MuseumGraphic PoetryGóngora/PicassoHasta 13 de enero 2013

Uno de los mejores poetas de España, Luis de Góngora y Ar-gote es representado por Pablo Picasso. Invitado a colaborar por Colonna, un editor y amigo, entre ambos publcian en 1948, Vingt Poëmes (Veinta Poemas), que más que un libro ilustrado, este es un libro artístico. Una obra maestra que muestra la interpretación visual de Picasso del texto de Góngora.

Dallas, TXNasher Sculpture Center Rediscoveries: Modes of Ma-king in Modern SculptureHasta 13 de enero 2013

Esta exhibición examina cuatro estrategias creativas esencia-les de la escultura moderna. Artistas como Carl Andre y Richard Serra son experimen-tados en convertir objetos in-dustriales de formas geométri-cas en configuraciones simples que llaman la atención a la pre-sencia física de estos objetos y la relación que tienen con el espectador. Demuestran que se puede obtener inspiración al repetir formas naturales como las hojas de una planta o inclu-so, del mismo cuerpo humano.

West Hollywood, CANew Image ArtSanerCatharsisHasta 1 de diciembre

Catharsis representa el acto final de un ciclo de exhibiciones en solitario que Saner ha desa-rollado a lo largo de varios años.

San Diego, CA SDSU Art GallerySusan HillerPsi GirlsHasta 6 de diciembre

El uso del sonido en el trabajo de Hiller tiene una gran impor-tancia, y ella ha enfatizado que la fisicalidad de su voz trascien-de el significado de las palabras que utiliza. Las representa-ciones fotográficas también son una forma de trascender la muerte, y como dice ella misma en la parte auditiva de la exposición: “Puedes pensar en la vida después de la muer-te como una segunda vida a la que entras como un retrato o inscripción.”

Houston, TXMcmurtrey GalleryLance LetscherNew WorksHasta 24 de noviembre

Muy pocos artistas son lo sufi-cientemente afortunados para tener el elogio de la crítica y el éxito comercial. Uno de aque-llos artistas es Lance Letscher.

Aunque sus materiales siguen siendo los mismos que años pasados: partes de libros, viejos periódicos y diarios, el Señor Letscher no es de esos artistas que descansa en sus laureles.

3508 Lake St. www.mcmurtreygallery.com

5900 Bishop Blvd.www.smu.edu/meadowsmuseum

2001 Flora Stwww.nashersculpturecenter.org

7920 Sta Monica Blvd.www.newimageartgallery.com

Cada obra genera una carga emocional sobre el especta-dor, guiándolo a un camino de renacimiento, libertad y purifi-cación. Con una instalación, un performance, pinturas y traba-jos en papel, este acto colecti-vo generará la liberación.

San Diego State University,www.artgallery.sdsu.edu

Miami, FLScope Art FairDe 4 al 9 de diciembre

Con más de 45 ferias en más de una década SCOPE ha con-solidado su posición como la principal feria internacional para el arte contemporáneo emergente.

Su extensivo alcance es una gran oportunidad para conec-tarse con patrones del arte, profesionales de la creación y una relevante audiencia cultu-ral.

Reconocida por representar las galerías, artistas y curado-res mas vanguardistas, SCO-PE Art tiene Shows en Miami, Basel, New York, London y los Hamptons con ventas de mas de $300 millones y mas de 500,000 visitantes.

110 N.E. 36th St / Midtown Blvd. www.scope-art.com

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C O R R E D O R N O R T ELos Angeles, CAThinkspace GalleryJacub GagnonMore Human Than HumanHasta 24 de noviembre

Jacub Gagnon es conocido por sus curiosos fondos de espacios vacíos, usando una luz para enfatizar enigmáticas representaciones de fauna, que se encuentran entre bizarros objetos humanos. Usando pe-queños pinceles y tomándolos como se tomaría un lápiz, este artista logra una calidad ilus-trativa que se podría describir como una peculiar versión del mundo Pop-surrealista.

Fort Worth, TexasModern Art Museum of Fort WorthKawsCompanion (Passing Through) Hasta 6 de enero 2013

El Modern Art Museum de Fort Worth Texas ha anunciado la nueva instalación de Kaws, su trabajo estará expuesto en la entrada del museo y podrá ser visto hasta el 6 de enero de 2013.

KAWS continuamente explora las imágenes de la cultura pop en su trabajo, tomando prestado de figuras de caricaturas, anun-cios, posters, televisión, y cine. Cambiando y Manipulando estas figuras conocidas universalmente, KAWS transforma lo familiar en algo nuevo. Companion (Passing Through) ejemplifica esto, y representa uno de los mas iconográficos personajes que utiliza.

3200 Darnell Streetwww.themodern.org

Resting Place, Kaws Companion, Vinyl, 9 inches.

6009 Washington Blvd.

ww.thinkspacegallery.com

Houston, TXSicardi GalleryGabriel de la MoraSolo showHasta 29 de diciembre

De la Mora comenzó a crear arte después de 1993, su obra parte del arte conceptual; pero para él, hacer arte no es sólo el resultado sino el proceso, el registro del mismo.

Y esa acción a menudo trans-curre entre técnicas diversas, con una meticulisidad que no acepta el error, con un disfrute por sentir los materiales y asis-tir a su transformación.

Laguna Beach, CAJoanne Artman GalleryPeregrine Heathcote Romancing ImaginationHasta 30 de noviembre

Las pinturas de Peregrine Heathcote nos remiten por un lado a un mundo onírico, perso-nalísimo, del ensueño sugerido desde las más altas costas de la imaginación del creador. Por otro lado aparece una sección pictórica protagonizada por la jet-set y el mundo estilizado y refinado de la cultura y el arte. Cada lienzo sugiere una histo-ria, nos impulsa a imaginar las circunstancias en torno a una escena,

1506 W. Alabama St.www.sicardi.com

326 N. Coast Highwaywww.joanneartmangallery.com

102 Cypress Streetwww.thegracemuseum.org

David H. Gibson es un artista de paisajes a blanco y negro. Ins-pirado por artistas como Ansel Adams; aprendió de fotografía atendiendo a talleres guiados por Bruce Barnbaum, Paul Ca-ponigro, Jay Dusard, Michael Kenna y John Sexton. Esta exhi-bición de fotografías recientes de paisajes de Texas de Gibson se mostrara simulatáneamen-teen la galería fotográfica de Alice y Bill Wright.

Abilene, TXThe Grace museumDavid H. GibsonQuiet BeautyHasta 26 de enero 2013

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P a n o r a m a 2 0 1 2El siguiente texto es un recuento comentado de las seis ediciones publicadas por ADD México a lo largo del 2012. Este ejercicio viene acompañado de una contextualización por

ejemplar y fecha de una serie de eventos acaecidos en la cultura nacional, lo cual genera una dinámica retroalimentación entre el contenido de la revista y la propia realidad de la escena artística y cultural del país. Invitamos a nuestros lectores a sumergirse en este que es un fragmentario e incompleto vistazo de nuestra propia idiosincrasia como nación.

El 2012 comenzó con la conmemoración del 103 natalicio de José Chavez Morado y el 38 aniversario luc-tuoso de David Alfaro Siqueiros, espíritu conmemorativo que coincidió con una serie de exposiciones de maestros mexicanos plenamente consagrados y puntualmente recomendadas en nuestras secciones de

Imperdibles, Sugerencias D.F, Sugerencias Estados y Corredor Norte, así como en los diferentes análisis nacionales e internacionales (Manuel Felguérez, Grá-fica y Escultura, en el Centro Nacional de las Artes, o la Obra Reciente en el Museo del Palacio de Bellas Artes de Gustavo Pérez, así como la exhibición de Es-culturas Monumentales de Selma Guisande, Lomas de Angelópolis en Puebla o en San Luis Potosí en el Museo de Arte Contemporáneo la revisión de una co-lección enfocada en el Salón dés Aztecas.

En un tenor más bien retrospectivo disfrutamos las exposiciones de Gerardo Murillo, Dr Atl, Obras Maes-tras, en la recién desaparecida Colección Blaistein, Er-nesto Neto, La Lengua de Ernesto. Obras 1987-2011, en el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, MARCO. En en el contexto internacional tuvimos en San Francisco, E.U. la colectiva, Photography in Mexi-

co: Selected Works from the Collections of SFMOMA, además de que Fabián Cereijido discutió con Rubén Ortiz Torres su curaduría de MEX /LA: Modernismo Mexicano en LA 1930-1985, expuesta en el MOLAA (CA).

Como un pronostico de la jornada electoral de mediados de año, recomendamos la expo colectiva, Arte y Política: Conflictos y Disyuntivas, en la Galería El Cubo del Centro Cultural Tijuana, así como Dea Arjona revi-só a la muestra conmemorativa del bicentenario, Los Sueños de una Nación. Un Año Después, 2011 curada por José Luis Barrios para el MUNAL.

Este primer número del 2012, dio especial énfasis al vínculo entre arte y producción artesanal a través de la incursión de Francisco Toledo en las artes aplicadas y el análisis de David Pérez Aznar de la Bienal Arte / Sano Entre Artistas 2.0. En estos primeros dos meses una de las pocas exposiciones de experimentación curatorial relevantes fue Tiempo de Sospecha, Un Ejercicio sobre Comunicación Mediática, Sistemas de Co-nocimiento e Información en el MAM.

Como parte de este ambiente de revisión, nuestro querido José Costa Peuser publicó uno de sus últimos textos, un reporte especial sobre las Bienales de Artes Visuales en México; el cual nos recuerda, por un lado, el contraste entre el escándalo de la criticada intervención pública de Rivelino, Raíces o el visitante 300 mil que en enero llevaba la exposición de Ron Mueck en San Ildefonso. Por el otro, la modesta visibilidad de la 4ta Muestra de Arte Visual Iberoamericano en el Centro Cultural España, así como el premio de Marcela Armas en Madrid o el Encuentro Binacional de Artes Visuales Luis Y. Aragón 2012 en el Centro Cult. Paso del Norte en Cd. Juárez, Chihuahua.

Esta ecléctica edición fue presentada en la novena edición de la feria ZONA MACO e incluye recomenda-ciones que van desde una breve pero ambiciosa muestra y coloquio como el que implicó a la colectiva

Extranjerías en el Museo Universitario de Arte Con-temporáneo, MUAC, curada por Nestor García Cancli-ni y Andrea Giunta; hasta actividad en galerías como Patricia Conde con Revisiones: El Paisaje Fotográfico Mexicano y Spirare, que fue la colectiva inaugural de la galería Thomas Flechel.

Del mismo modo recomendamos de Rafael Coronel, Retrofutura en el Antiguo Templo de San Agustín, Zacatecas que en Los Angeles, Hugo Crosthwaite, Tijuanerías; en la Luis de Jesús Gallery.

Como parte de los análisis publicados, Laura Caste-llanos abordó la muestra In Wonderland: Las Aventu-ras Surrealistas de Mujeres Artistas en México y los Estados Unidos, llevada a cabo en el Museo de Arte Contemporáneo de Los Angeles, LACMA y montada posteriormente en el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México, y la cual es junto a Surrealismo.

Vasos Comunicantes y Bridget Tichenor las muestras dedicadas este año a la producción de mujeres su-rrealistas latinoamericanas.

Continuando la tradicional artesanal, en esta edición se incluyó un texto de Roy Caple sobre Marco Lamoyi y su uso del cristal, así como a partir de la entrevista que nos otorgó Paloma Porraz, directora del Antiguo Co-legio de San Ildefonso, pudimos dilucidar el fenómeno de Ron Mueck y la creación de públicos, lo cual coinci-de con otra serie de destacados eventos de corte masivo, estratégico o educacional en el contexto nacional:

La inauguración en el Palacio de Bellas Artes de la gran retrospectiva de Fernando Botero y la cual coincide con su ochenta aniversario, ello en paralelo al programa de veinte millones de pesos asignados por el CONA-CULTA para la difusión en el extranjero de artistas visuales mexicanos así como la comisión de otra cantidad igual para efectuar adquisiciones de obras de arte y enriquecer el patrimonio nacional, iniciativa anunciada semanas antes de la apertura de la novena edición de la feria ZONA MACO en abril, la cual además de tener un número creciente de galerías participantes rompió record de asistencia con más de 35,000 visitantes.

Otras importantes noticias del interior de la república fueron la reapertura del Centro de Educación Artística (Cedart) “Miguel Cabrera” en Oaxaca; en conjunto a la actual edición del Festival Rodolfo Morales de apoyo a la educación artística infantil

Lo anterior sin olvidar la Reunión Nacional de Cultura llevada a cabo en Merida, y que se constituyó como uno delos últimos encuentros sobre cultura encabezados por Consuelo Zaízar en su administración.

Mayo y Junio del 2012 representaron un par de meses turbulentos políticamente debido a la efervesencia previa a las elecciones, especialmente por las presidenciales. Estos son algunos de sus síntomas en el es-

cenario de la cultura y el arte: Francisco Toledo, uno de nuestros artistas y activistas sociales y culturales más importantes, denunció ante la PGR amenazas de muerte por parte de los Zetas, aunque algunos otros medios especularon que esto se debió a que intervino para evitar la construcción de un puente en su natal Oaxaca.

AAD México tomó la decisión de publicar y comentar la evaluación de las propuestas de los candidatos a la presidencia en materia de cultura, realizadas por la firma, Arena Electoral, lo cual coincidió con nuestra portada que mostró antiguos objetos de propaganda política exhibidos en el Museo del Objeto del Objeto, MODO. Más adentrados en el terreno del arte, pu-blicamos un análisis por parte de Eduardo Egea del joven artista Moris, de quien además recomenda-mos su exposición individual en la galería Arroniz en nuestra sección de sugerencias a la par de la Enrique

Oroz, quien mostró en el Museo de Arte de Zapopan, su muestra de sugerente y pertinente título, A Mano Armada.

Respondiendo a la diversidad de las manifestaciones del arte mexicano, promovimos una variedad de registros: La importante muestra colectiva curada por Daniel Garza Usabiaga, Cinetismo. Movimiento y Transformación en el Arte de los 60 y 70, efectuada en el Museo de Arte Moderno, MAM, la cual sin duda coperará a reescribir la historiografia del arte de los sesenta. Revisiones de artisas: Enrique Echeverría, Permanencia, en el Museo de Arte de Queretaro, Estrella Carmona, Tempestades de Acero, en la galería EJE, o Rafael Lozano-Hemmer, X no es la nueva Y, espacio El 52, de la galería OMR, artista que mostró obra ya bien conocida junto a nuevas producciones. En EUA encontramos dos importantes revisiones en mu-seos: John Valadez, Santa Anna Condition, Museo de Arte Contemporáneo ubicado en La Jolla; y José Be-dia, Transcultural Pilgrim: 3 Decades of Work, en el Miami Art Museum; además de recomendar de Magalí Lara, Animaciones, en el Museo Amparo de Puebla, incluimos un texto que da cuenta de esta exhibición.

Destacan aquí la revisión del escenario tejano de Leslie Moody Castro; y el análisis de José Luis Martín de la iniciativa cubana, Factoría en la Bienal de La Habana.

A la entrada de Nina Serratos como nueva secretaria de Cultura en el DF, las manifestaciones casi perfor-máticas anti-Peña Nieto del movimiento Yo soy 132, y la recabación de firmas de iniciativas como Arte por la Izquierda o la encabezada por Deborah Holtz, Lucina Jiménez y Ricardo Fuentes; el fervor por el debate político comenzó su rápidodeclive en el sector cultural justo después del proceso electoral del 1ro de Julio.

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Revisión y análisis de contenidos publicadosaad • méxico

Como si fuera una replica en miniatura del mundo del arte en México, este número revela un rasgo funda-mental del momento en que la cultura nacional se encuentra: la polarización entre la tardía construcción de la infraestructura física y conceptual del ecosistema artístico local y la imperiosa necesidad de nues-tros artistas por establecer un diálogo intercultural que vaya más allá de fronteras geopolíticas.

El siguiente es un cruce de relaciones entre el con-tenido de la revista y una serie de convocatorias sucedidas en estos dos meses: Un par de muestras que recomendamos y que implicaron una revisión del surrealismo internacional en relación a México, son Surrealismo. Vasos Comunicantes, efectuada en el Museo Nacional de Arte, MUNAL y Bridget Tiche-nor en el Museo de la Ciudad de México (ver Edición 5.5, sobre In Wonderland…), y a las cuales – desde otra perspectiva estética – se suma tanto la breve revisión de Edvard Munch, Obras Maestras, como el planteamiento didáctico de la muestra sobre Ex-presionismo Alemán, ambas en el Museo del Palacio de Bellas Artes; siguiendo esta aproximación inter-nacional, pudimos ver de María La Ribot, Laughing Hole, en el Museo Universitario de Arte Contemporá-neo, MUAC, así como, En todo y en todas Partes, ex-

posición en torno a Edward Krasinski, en la galería Kurimanzutto. Curiosamente, encontramos en museos del interior de la República a dos artistas mexicanos de origen extranjero, como Kyoto Ota con, Interio-res, en el Museo Federico Silva de San Luis Potosi y a Francis Alÿs, con su muestra, Fabiola, en el Museo Amparo de Puebla. Por supuesto, sin olvidar el ensayo de Isaac Muñoz sobre Juan Pablo Macías, artista mexicano residente en Italia y la recomendación en nuestra sección, sugerencias DF, de su exposición en el MUCA Roma, lo cual coincidió con el análisis crítico de la mega exposición alemana, Documenta 13, 2012, donde participaron siete artistas mexicanos, teniendo a dos exposiciones cercanas México, como recordatorio de lo delgados que son los límites geoculturales, como lo son, Inquisitive Eyes: El Paso Art 1960-2012, en El Paso Museum of Art y The Painting Factory: Abstraction after Warhol, en el Museum of Contemprary Art, MOCA.

En esta edición, publicamos dos ensayos sobre certámenes puramente locales, como lo son, la Primera Bienal de Arte Veracruz, 2011 y Entre el Arte y el Coleccionismo. La Creación de Cultura y los Caminos Paralelos, una observación sobre la Bienal FEMSA, siendo que ambos eventos nos conectan con una serie de iniciativas que cooperan a enriquecer la infraestructura cultural local sucedidas en estos dos meses, como la Bienal Continental de Artes Indígenas Contemporáneas en el MAP, el seminario sobre derechos de autor en el Senado, la apertura desde junio del Museo del Primer Depósito de Arte Contemporáneo en Guanajuato o el financiamiento del Conaculta a Micro y Pequeñas Empresas Culturales.

Este panorama si bien habla tanto de crecimiento en infraestructura y enriquecimiento de los cruces cul-turales, también muestra la gran distancia entre nuestro pleno desarrollo local y una fluida integración global.

Si algo caracterizó a esta edición fue su equilibrado contenido y fluido diseño, lo cual la convierte en un ejemplar tanto complementario a los anteriores, como una muestra de madurez del sanamente con-tradictorio y diverso espíritu que caracteriza a AAD México, sino al propio escenario cultural mexicano.

Prueba de ello son nuestras recomendaciones, des-de la imperdible exposición de Ana Mercedes Hoyos, Oro Negro c.a. 1502, en el Museo de Arte de la SHCP y la cual también ameritó la publicación de una reseña, hasta el redescubrimiento del pintor Rubén Herrera, en la exposición, Trazo y Volumen, en el Museo Nacio-nal de Arte, o la continuidad tanto en la más reciente producción de Jorge Yázpik, en Arte Hoy Galería, como la fresca revisión de Phil Kelly, La Línea Desnu-da, en el Museo de Arte Contemporáneo de SLP.

En el corredor norte recomendamos dos muestras colectivas, Unnatural, en el Bass Museum of Art en

Miami y Destroy the Picture: Painting the Void, 1949-1962 en The Mu-seum of Contemporary Art, MOCA.

Dos de los ensayos no podían ser más diferentes, la entrevista por parte de Leslie Moodie Castro a Mary Heathcott subdirectora de Art Pace, San Antonio y la serie de Reflexiones vertidas sobre la Nueva Pintura Figurativa en México por parte del galerísta José Ignacio Alda-ma, uno de los mejores conocedores en México sobre las más recien-tes manifestaciones pictóricas, antigua tradición que se empata con el análisis de Ana López Montes sobre la relación entre el Monotipo y la Pintura.

El ensayo de Eduardo Egea sobre el contrapunto entre dos Bienales latinoamericanas como lo son la de São Paulo y la del Mercosur, y donde han participado artistas mexicanos en numerosas ocasiones, cierra esta edición, y coincide con la inauguración en octubre de la 1ra edición de la Affordable Art Fair en México, feria internacional que ha enriquecido el mercado del arte local y que crea un deseable equili-brio en los hábitos de consumo del arte contemporáneo en el país.

La edición 5.9 además de contener a la presente revisión, es una invitación a que sea interpre-tado por el propio lector, ello ante el inminente influjo que tendrá sobre su propio criterio un hecho trascendental para el desarrollo no sólo cultural, sino social y polí-tico de México, tal y como lo es la sucesión presidencial y el inicio de un nuevo sexenio en el que regre-sa el partido que durante el siglo veinte determinó profundamente los derroteros del desarrollo na-cional, retorno que sin duda influirá decisivamente en el lector en la interpretación del contenido de esta edición de fin del 2012 de AAD México.

La sección Artista Invitado a lo largo de este 2012 reflejó de manera sintética y directa el propio espíritu e implicaciones de una revista como ADD México; ya que a través de la individualidad de cada uno damos cuenta no sólo de la realidad actual del arte y la cultura en nuestro país, sino de su riqueza y potencial. El siguiente es un recuento de estos creadores a lo largo de las diferentes ediciones que com-prendieron a esta compleja publicación durante este año que termina:

Ed 5.4 Francisco Toledo. Teresa Margolles. Miguel Rodríguez Sepúlveda. Pablo Esteban. Orlando Díaz

Ed 5.5 Francisco Morales. Alberto Castro Leñero. Miguel Ángel Garrido. Jaqueline Lozano.

Ed 5.6 Moris. Edgar Cano. Mariana Yampolsky

Ed 5.7 Abraham Cruzvillegas. José García Ocejo. Arno Avilés. Juan Pablo Macías.

Ed 5.8 Héctor de Anda. María José Romero. Luis Granda. Tania Candiani. Ricardo Atl.

Ed 5.9 Ana Mercedes Hoyos. Eduardo Terrazas. Josefina Temin, Gabriel Mendoza. Óscar Cueto

Sin duda, los artistas aquí mencionados son prueba determinante de la contradictoria vitalidad tanto de la cultura mexicana como del propio espíritu de AAD México; por tal razón, y sin menoscabo de cada uno de ellos, invitamos al lector a poner especial atención a manera de síntesis, a nuestra aproximación a Abraham Cruzvillegas, artista que debido a la compleja coyuntura actual de su carrera, reúne rasgos que concentran la diversa serie de cualidades de lo que definimos como arte contemporáneo y los cuales podemos encontrar en el resto de los presentes artistas de manera especialmente amplificada.

La sección Crítica, Opinión y Ensayo concentra la diversidad de pensamiento que desde siempre ha caracterizado a AAD México. El siguiente recuento se torna una prueba del complejo estado actual del arte en México, el cual se debate entre su perenne construcción y su inalcanzable proyección, ello en medio del agitado clima electoral del 2012.

En la edición 5.4 comenzamos con un ensayo de Eduardo Egea, titulado, Sobre las dificultades del Diálogo intercultural en México desde sus Museos de Arte Contemporáneo, el cual pronostica el perfil que se desarrolló plenamente en la edición 5.7, ya que la envergadura y compleja logística de los museos, se torna un modelo ideal para visualizar la diversidad de las prácticas museísticas en México, pero también revela la imposibilidad de la plena inserción global de las prácticas institucionales desde sus estrategias políticas, económicas, estratégicas y culturales, y las cuales deberían traer consigo, una igualdad de cir-cunstancias que detonen un equilibrado y equitativo diálogo tanto con nosotros mismo, como más allá de nuestras fronteras.

En la edición 5.5 a partir del teórico africano Achille Mbembe, Adriana Estrada nos habló en su ensayo y proyecto curadorial, Broken Borders, Artistas Mexicanos y Necropolítica, de como la vida de la población es controlada por el poder político bajo la cultura de la muerte en un contexto de suspensión del estado de derecho, lo cual sorprendentemente, conlleva en su práctica cotidiana y establecimiento como respuesta cultural, a inusitadas respuestas estéticas. En este mismo número, Eduardo Egea en su análisis de la déci-ma edición del Simposio Internacional de Teoría sobre Arte Contemporáneo, SITAC, como este encuentro ha llegado a un grado cero, ya que la actual expansión del arte hacia cualquier recurso o disciplina coincide con la propia crisis de estos eventos como efectivas herramientas de discusión y análisis, resultando su verdadera función y consecuente permanencia, a manera de un mero escaparate de visibilidad y legiti-mación para sus participantes.

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Por / By Mireille Torres

Ana Mercedes HoyosLa tradición vuelta contemporánea

Artista invitado / Portada Bogotá / Colombia

Ana Mercedes Hoyos (Bogotá, 1942) revolucionó su contexto, es decir, aquella Colombia formada por pueblos que se fue transformando en metrópolis y

que poco estaba enterada del arte de otras latitudes. Des-de pequeña, entró en contacto con las obras de grandes autores en sus viajes a Europa. Al momento de realizar sus estudios universitarios, fue de gran influencia la crítica de arte Marta Traba, quien llegara a ser su maestra en la Uni-versidad Nacional de los Andes.

Ya en sus primeras exploraciones artísticas es evidente que parte de una metodología academicista. Tanto en sus Ventanas como en sus Atmósferas podríamos pensar en una inversión del concepto del fundador de la perspectiva geométrica, Leon Battista Alberti, quien consideraba en 1435 que el cuadro como una ventana abier-ta en la que la historia o una descripción son representadas. De esta manera, Ana Mercedes Hoyos deja de lado la narratividad para mostrar simplemente espacios geométricos, quedando so-lamente las ventanas que recrean las atmósferas de los nítidos cielos de Colombia. En este sentido, sus exploraciones abstractas nos remiten formalmente a las de Malevich, Albers o Kelly, sin em-bargo, las de ella no abandonan en ningún momento a las figuras y su mimesis.

Cuando revisa a los maestros que han marcado a la pintura a lo largo de los siglos, ofrece su propia interpretación de aquellos en los que el contexto latinoamericano es sugerido por su cromatis-mo y por la representación de objetos de origen orgánico, como plantas y frutas. Así, podemos entender su obra dentro de lo que

Mari Carmen Ramírez y Héctor Olea han anotado sobre los artistas latinoamericanos, quienes han generado una serie de versiones, inversiones y subversiones de la teoría y práctica de la vanguardia, provocando su expansión tanto formal como intelectual. Cuando Clement Greenberg escribió en 1976 su texto Convención e inno-vación, tenía en mente a los artistas abstractos que se oponían a la tradición, enfatizando que la convención no es solamente un obstáculo para la innovación, sino que a la vez es la que hace que la innovación sea posible e incluso la guía. En el período de homena-jes de Ana Mercedes Hoyos, vemos cómo la artista tiene esa ne-cesidad de ceñirse a las convenciones para poder validar su propio discurso. Sin embargo, es en sus bodegones – Edward Sullivan los ha insertado dentro de una tradición latinoamericana - concreta-mente en sus escenas cotidianas de Palenque de San Basilio, Co-lombia, donde vemos a la convención alterada de tal manera que la originalidad de Ana Mercedes Hoyos se nos presenta en todo su esplendor.

Las obras seleccionadas para su exposición en México, correspon-den al tema de la negritud, el cual la artista ha venido desarrollan-do a lo largo de veinticinco años. Entre las piezas destacadas, se encuentra Ma fruta ata freko (2006-2012) . La cual destaca por ser la más grande que la artista ha realizado hasta el momento, ya que hace eco del muralismo mexicano y por su semejanza te-mática con La vendedora de frutas, 1951, de Olga Costa. Esta obra es un gran tríptico en óleo sobre lienzo en el que se representan a las palenqueras o mujeres que se dedican a la venta de frutas en el mercado de Bazurto en Cartagena de Indias, Colombia. En cuanto al tratamiento formal, vemos la continuidad de Hoyos en el

América, 1492. 2011, Pintura poliuretano y hojilla dorada sobre madera

“MA FRUTA ATA FREKO” Panel izquierdo del tríptico – 2006 – 2012 Óleo sobre lienzo, 150 x 900 cm.

los artistas latinoamericanos han generado una serie de versiones, inversiones y

subversiones de la teoría y práctica de la vanguardia, provocando su expansión tanto

formal como intelectual

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The work of Ana Mercedes Hoyos is commendable and an important contribu-tion to the history of Latin American art as well to the global art because from

the local elements a cosmopolitan speech is made.

Being a white woman, she is the most representative artist of blackness in Colom-bia (a subaltern culture in her country), without forgetting that their vocation is, in the first instance, art. “Subaltern” women are expected to arise among young Colombian artists which, in terms of Gayatri Spivak; systematically unlearn the postcolonialist discourse and review themselves with the tools they can con-struct.

Once achieved, the recycling of themselves with the tools of the industry and the colonial past will be valid.

Ana Mercedes Hoyos Traditions made contemporary

Artista recomendación de AAD Méxicowww.anamercedeshoyos.com • www.talentoarte.com

Guest artist / Front cover Bogotá / Colombia

tratamiento del color de Matisse o Jawlensky fusionándolo discre-tamente con el tratamiento hard edge de Lichtenstein. En cuanto a lo social, las sandías, los mangos, las papayas y la piña invaden nuestra mirada en relación a fragmentos de gigantescos cuerpos femeninos en los cuales no podemos ver los rostros de las mujeres pintadas, como si esto fuera una metáfora de la violación de los de-rechos de estas mujeres, que si bien forman el eje de la vida social y familiar de Palenque de San Basilio, han sido siempre subyuga-das a un discurso etnocentrista en un núcleo social en el que tienen aún menos acceso a la alfabetización, debido a su dedicación a la venta de frutas desde temprana edad. No por ello lo festivo es ex-cluido, pues en los colores y su dinamismo casi podemos percibir un sutil contoneo a ritmo champetero.

Otras dos obras importantes a mencionar son Comercio triangular (Pasaje intermedio) del 2011, la cual consiste en una serie de 31 esculturas en bronce que cuelgan en cadenas del techo y que re-presentan al navío de transporte de esclavos Brooks del siglo XVIII que el inglés Thomas Clarkson convirtió en el símbolo del movi-miento anti abolicionista, y la obra Sin título también del 2011 que igualmente consiste en una instalación de 15 esculturas en bronce que representan cabezas de negros que cuelgan de cadenas.

Para estas dos obras, la artista ha elegido un tratamiento diferente del concepto escultórico tridimensional que usualmente maneja, ya que se trata de siluetas planas - las cuales podrían vagamente remitirnos al arte de Kara Walker- que cuelgan de eslabones, a ma-nera de móviles y entre los cuales el espectador puede transitar. Además, el bronce ha sido pulido a tal grado que se asemeja a la del oro; es entonces que en estas piezas vemos representado de la manera más evidente, el título de la exposición: Oro negro ca. 1502, año en el que inició el comercio de esclavos africanos a América para complementar la mano de obra indígena en las colonias españolas. He aquí el punto medular de la exposición.

En su conceptualización del fetiche en el capitalismo, Marx había citado un pasaje de De Brosses que informaba acerca de los indígenas cubanos, quienes habían considerado al oro como “el fetiche de los españoles”. En el análisis que realiza William Pietz en torno a la noción de fetiche en Marx, nos hace entender a Marx como el ejecutor de una de las primeras etnografías invertidas, en la que la representación del salvaje sirve de igual manera como representación del sujeto moderno: el sujeto moderno es el fetichista de la mercancía, el capitalista. Durante el colonialismo, podemos entender el tráfico de esclavos negros a América como una operación fetichista, en la que el propio ser corporal es una mercancía más.

El trabajo de Ana Mercedes Hoyos es sumamente meritorio y una contribución importante no sólo para la historia del arte latinoamericano, sino para el arte global, pues a partir de lo local, crea un discurso cosmopolita.

Hasta el momento, Ana Mercedes Hoyos, siendo una mujer blanca, es la artista más representativa en cuanto a la temática de la negritud de Palenque de San Basilio, siendo así la representante de una subalternidad cultural en su país, sin dejar de lado que su vocación es, en primera instancia, artística.

No obstante, es pertinente reflexionar sobre la obra de arte y su significado dentro de una economía libidinal, en la que la producción de un objeto del deseo sobre los otros es la manera de satisfacer los deseos propios. resulta necesario poner en tela de juicio las condiciones pasadas y actuales del “pri-mer pueblo libre de América” y confrontar la complacencia respecto a su representación idealizada y atemporal.

Queda ahora, esperar a que en las jóvenes artistas colombianas surjan mujeres subalternas que, en términos de Gayatri Spivak, desaprendan sistemáticamente el discurso postcolonialista , es decir, realicen una crítica con las herramientas que ellas mismas pueden proveer y no simplemente susti-tuyan la figura del colonizado, cuestionando la mudez nunca cuestionada. Una vez logrado esto, será válido el reciclaje de sí mismas con las herramientas de la industria y el pasado colonial.

Pink Knife, 2009 Acrílico sobre lino. 200 x 50 cm. c/u Colección de la artista

Comercio triangular, (pasaje intermedio), 2001, Esculturas en bronce pulido colgadas de cadenas

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Por/by Eduardo Egea www.artgenetic.blogspot.com

Eduardo TerrazasEl arte existe para sabernos parte del mundo

Artista invitado Ciudad de México / México

Eduardo Terrazas (Guadalajara, 1936) es un destacado arquitecto, urbanista y di-señador quien ha sido revalorado como artista gracias a una reciente exposición individual en la galería Proyectos Monclova - espacio que ahora lo representa - así

como por el lanzamiento del libro Posibilidades de una Estructura, (Editorial Turner, 2012), en el que se revisa el trabajo plástico de Terrazas producido por más de cuarenta años.

El siguiente texto se basa en una entrevista exclusiva a este creador por AAD México en la que se pone en contexto su trabajo y se analizan sus inquietudes primordiales.

Terrazas y el arte internacional

El decisivo contacto de Terrazas con el arte moderno y contemporáneo comenzó en el extranjero durante su maestría en arquitectura en la Cornell University de Nueva York (1959-1960), en donde contó con diversos maestros vinculados al arte, Terrazas pasó cuatro años en Nueva York en los intensos años sesenta donde dio clases en la Universidad de Columbia, ciudad en la que trató a Leo Castelli y conoció personalmente a Andy Warhol, asistiendo a sus míticas fiestas y eventos en La Fábrica. Después de Cornell, se trasladó a Europa para continuar estudiando en la universidad

“Crecimiento Orgánico”, 16 cuadros en acrílico sobre tela, 1975.

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Guest artist Mexico city / Mexico

Eduardo Terrazas (Guadalajara, 1936) is a distinguished arquitect, town planner and designer who has been revalued as an artist thanks to a recent solo exhibit

in Proyectos Monclova gallery, and the launching of the book Posibilidades de una Estructura (Possibilities of a structure), (Editorial Turner, 2012), where we revisit the plastic work of Terrazas produced for over forty years.

While reflecting on his works as an arquitect and town planner, Terrazas considers that “...it´s about creating an environment, an artificial setting where men can live, to make the planet ours”; this vision differs with the approach that the artist has made with the conceptual and material legacy of popular mexican art, which has given him the opportunity of approaching the uncontrolable behaviour of natural structures (crystals, atoms) by studying the human culture.

Eduardo Terrazas

Artista representado por Galería Proyectos Monclova, Cd. de México www. proyectosmonclova.com

Art exists to know ourselves in the world

de Roma, ciudad donde se instaló por seis meses en la Via del Babuino, muy cerca de la famosa Via Margutta, visitando a diario las galerías de arte. Terrazas regresó a México de Europa en 1963 después de trabajar en diversos despachos de arquitectura como el del arquitecto George Can-dilis, ser asistente de Fernando Gamboa para la exposición, “Obras Maestras del Arte Mexicano” itinerante por Leningrado, Varsovia y París o haber contactado al socio parisino de Leo Castelli, René Drouin, galerísta impulsor de Jean Dubuffet.

El arte como una estructura de posibilidades abiertas.

Suele asociarse a Terrazas a artistas de las vanguardias históricas como Kandinsky, Klee, Male-vich, Mondrian, Albers e incluso a los Nuevos Realistas o el Arte Pop . A raíz de su exposición, 1.1.4, en Proyectos Monclova, puede deducirse otra vinculación más, respecto a los artistas seriales de los años sesenta y setenta como Hanne Darboven, Mel Bochner, Manfred Mohr o Sol LeWitt , concretamente a partir de dos piezas creadas en 1975, Crecimiento Exponencial y Crecimiento Orgánico , que consisten respectivamente, en dieciséis lienzos que se saturan exponencialmente con líneas o con la sucesiva división del espacio con figuras geométricas de color, y las cuales muestran afinidades con la serie de Variations of Open Incomplete Cubes, 1974, de Sol LeWitt; paralelamente, en Posibilidades de una Estructura, que es una serie de cerca de doscientas obras que surgen de una primer pieza, y a la cual se van sumando en contrapunto aleatorias variaciones estructurales reguladas estas bajo la estricta voluntad de Terrazas, - esto es algo que lo diferencia notablemente de LeWitt, quien suele operar bajo un programa -; Y es a partir de estas afinidades con el arte de avanzada de la época, que a continuación puede definirse el espíritu que anima a otras aportaciones de Terrazas.

Entre la estructura natural y lo impredecible en el arte

Terrazas al reflexionar sobre su práctica en la arquitectura y el urbanismo, considera que “...se trata de crear un ambiente, un entorno artificial para que pueda vivir el hombre, para hacer del planeta un mundo tuyo”; esta visión, contrasta con la aproximación que ha hecho este artista res-pecto al legado conceptual y material del arte popular mexicano, el cual implica para Terrazas, una oportunidad para acercarse desde la cultura humana, al comportamiento incontrolable de otras estructuras de la naturaleza (cristales, fractales, átomos, etc).. Tanto en la serie de obras producidas para la Mobil Oil Company como en la exposición Museo de lo Cotidiano, llevada a cabo en la galería OMR en 1987, Terrazas, realizó una serie de acumulaciones de una misma clase de artesanías u objetos de producción masiva, que aun cuando eran del mismo tipo, conservaban una impredecible singularidad en los detalles gracias a que su producción era casi totalmente manual. Es en particular en la serie de Las Tablas donde este artista logra un gran equilibrio entre sus in-quietudes culturales y la exploración formal de la abstracción geométrica, ello a partir de colaborar con el artista huichol, Santos Motoaaopohua de la Torre de Santiago, con quien Terrazas alcanza una delicada mezcla entre la técnica huichola de hebras de lana de brillantes colores adheridas a tablas de madera cubierta con cera de Campeche, y la herencia del arte abstracto occidental que va de Mondrian o Malevich y hasta las Hard-edge paintings californianas o el Minimalismo norteamericanos.

Este es precisamente el punto que revela a este artista en toda su intensidad, en donde la fuerza elemental que se encuentra detrás del arte de Eduardo Terrazas, surge de la irresoluta tensión entre el estructurado orden civilizatorio que podemos encontrar en su práctica como arquitecto y urbanista, y la búsqueda artística a través de la cual sondea los límites entre su propia cultura, el acercamiento personal del arte popular o indígena y el comportamiento aleatorio e impredecible que es inherente a la naturaleza.

Pero sobre todo, la experiencia estética de Terrazas, parte no sólo del estrecho contacto que este artista tuvo con muchas manifestaciones del arte de avanzada de su tiempo, - como su afinidad con el arte serial - sino de incluso haber realizado aportaciones en tiempo e inquietudes paralelas, y las cuales ampliaron un intenso diálogo intercultural entre lo popular, lo indígena y el arte abs-tracto de influencia global, triada de fuerzas que son la síntesis del propio potencial cultural de un país como México.

“Multiplicaciones”, 13.10. Acumulación de Flautas artesanales

Fotografía del artista huichol, Santos de Mopoaaopohua de la Torre Santiago trabajando en un cuadro de la serie Tablas.

Esta pieza, Cosmos”, 1.1.2, hecha con hebras de lana teñidas pegadas en madera con cera de Campeche, representa a la estructura fun-damental a partir de la cual se realizó la serie, “Posibilidades de una Estructura”, y la cual a partir de distintas técnicas dio como resultado cerca de doscientas variaciones con una gran diversidad de formas y colores.

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Por/by Héctor Gómez

Josefina Temin

Las obras de Josefina Temín son el resultado de su bús-queda, encuentro y profundo amor por la naturaleza; pareciera al ver su obra, que el arte viniera de este

universo orgánico.

“Una y otra vez, se adentra obsesivamente en sus consonancias rítmicas, sus texturas y claroscuros, intentando descubrir su esencia.” Dijo el crítico Gustavo López Padilla, a propósito de la admiración y respeto que tiene esta destacada artista mexicana por la materia, y agrega: “Las posibilidades expresivas y formales de la naturaleza, resultado tanto de sus observaciones, como de sus reinterpretaciones, se transforman en esculturas, huellas de su tiempo y de su propia experiencia vivencial”.

Un arte que asombra

Temín, artista incansable y sin límites, lo mismo trabaja el acero, que el papel de algodón; lo mismo pinta, que dibuja, teje o escul-pe. Atraída por el batik, técnica que estudió en los Estados Unidos en el Instituto de Arte de Minneapolis, ya que de igual manera incursionó en algún momento en el diseño de textiles – labor que perfeccionó con maestros oaxaqueños --, al igual que el papel recortado, el cual ha resuelto en planos exquisitamente blancos. “Nacen así, lo que ella llama sus ‘papeles’ (como Chucho Reyes Ferreira denominaba a sus prodigiosas pinturas), las cuales en realidad son esculto-pinturas” tal y como nos revela el también crítico de arte Antonio Rodríguez, “El dibujo recortado (como hilo suelto de tapiz) es en ella tan perfecto, el volumen tan bien esta-blecido y el espacio tan perfectamente determinado, que la men-tira de lo real logra visos de una realidad sabiamente alcanzada”.

Desde los inicios de la Galería Arte Contemporáneo, la maestra Temín ha venido trabajando en lo que será su primer exposición individual en este espacio cultural de San Miguel de Allende. Pro-gramada para el viernes 25 de enero del 2013, la artista presenta-rá diversas series de esculturas en acero pintado y acero inoxida-ble, así como otras series en papel de algodón sobre madera que sorprenderán por la belleza, la pulcritud y precisión del trabajo técnico, así como por la síntesis de sus ideas y emociones.

“Descubrir el papel ha sido uno de los grandes hallazgos y expe-riencias de mi vida – nos dice Temín -. Es un material que me da la posibilidad de expresarme con libertad sin dejar de sorprender-me, se volvió mi segunda piel. Es un material que se trabaja en silencio, en la intimidad, noble, femenino y dúctil, cálido al tacto.”

Avispas, 2012 Acero Pintado 62x84x29cm

Artista invitado Ciudad de México / México

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Guest artist Mexico city / Mexico

Artista representado por Galería Arte Contemporáneo www.arte-contemporaneo.com.mx

Josefina TeminAn amazing art

“Por otro lado, el acero – agrega – me permite trabajar en piezas de gran formato, es viril, pero también noble y dúctil. Se trabaja en espacios grandes, ruidosos, con herramientas pesadas y de sonidos fuertes. Trabajando con estos dos materiales PAPEL y ACERO, he logrado una completa integtración en el manejo del espacio, de la luz, de lo femenino y lo masculino”

Pero otorguemos nuevamente voz a uno de los críticos que han sido seducidos por el arte de esta extraordinaria artista mexica-na: “Un arte pleno de imaginación, poesía, ensueños… y de un ofi-cio que asombra. Es una artista para cuyo trabajo creativo hace falta inventar la palabra que lo defina y lo califique.” La invitación queda abierta.

The works of Josefina Temin are the result of her quest, encounters and profound love for nature; it seems when you see them that art itself comes from

this organic universe. The artist has been working in her first solo exhibition at Galeria de Arte Contemporaneo in San Miguel de Allende, it will open on january 25th in 2013, where the artist will present a variety of pieces made with steel and paper.

“Discovering paper has been one of the great findings and experiences of my life – Temin tells us-. It’s a material that gives me the possibility of expressing freely and it surprises me every time. It’s a silent, noble, feminine and malleable material. On the other side, steel allows me to work in big pieces, its manly, but also noble and ductile. Working with these two materials, paper and steel, I have accomplished a complete integration in management of space, light, and of femininity and masculinity.”

Temín, artista incansable y sin límites, lo mismo trabaja el acero, que el papel de algodón; lo mismo pinta, que dibuja, teje o esculpe. Atraída por el batik, técnica que

estudió en los Estados Unidos en el Instituto de Arte de Minneapolis

Del Campo. Acero Pintado, 95x68x32cms

Aretillo. Papel y Madera, 13x30x30cms Trompetas, papel y Madera de Eucalipto (Detalle), 30x60x45cms

El camino del insecto, 2012, papel y madera de eucalipto, 17x34x10.5 cms cada pieza.

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A lo largo de su producción artística, Oscar Cueto (1976, Ciudad de México) ha establecido un dialogo desde distintos terrenos plásticos y conceptuales,

siendo uno de sus temas recurrentes la sátira como crítica social, abordando como un tema en particular la historia del arte y sus figuras más aduladoras, ya que a partir de su propio humor y marginalidad, Oscar se resiste a creer que el mundo sea sólo como aparece ante los ojos de la inmediatez.

La historia, la vida, la mente, son universos que se pervierten con facilidad, esto lo sabe el artista de Las 400 vueltas, 2012, exposición individual de Oscar Cueto exhibida recientemente en el Museo Ex Teresa Arte Actual, donde los cuatro proyectos que la integran muestran una urgente necesidad por reinterpretar, no sólo a los hechos aislados, sino también a los esquemas y las dis-tintas formas de entender-contar la historia. Bajo este argumen-to, crea una eficaz telaraña para reconstruir su propia historia, la de su familia o la de las figuras más representativas del mundo del arte, el cine y la literatura, partiendo de una mezcla entre hechos reales y muchos otros más creados por su imaginación, y los cua-les emplea como fuente de su discurso artístico.

Entre el texto y el dibujo es donde se encuentran los límites para representar la narrativa de Cueto, implícita esta en la variedad y conjunción de estas dos disciplinas. Pero entre ellas también está la historia, aquella a la que él recurre desde la alteridad, y en su devenir, con la intrusión de la ficción propone nuevos límites en su lenguaje como una forma de apropiación conceptual y narrativa. Las armas más frecuentes de Cueto suelen encontrarse en la vulnerabilidad pesimista de un consumido alter ego, refugiado en los trastornos que lo orillan al delirio y una confusa empatía con la realidad. La frontera establecida entre lo objetivo y lo imagina-rio, o para ser más puntuales, entre la ciencia y la literatura, son huecos conjugados por el artista, y siendo la literatura el discurso lógico de la historia, que como ficción teórica la vuelve pensable, en palabras de De Certeau, el artista apuesta por la memoria y la imaginación creadora como soporte discursivo. Su obra parte de la enunciación y la ubicación de estados mentales inestables, que pronto se fragmentan en universos de posibilidades, como método estructural. Desde ahí suele dibujar los trazos más preci-sos o narrar las historias más descabelladas, ubicado en el punto intermedio de la veracidad y la mera falsedad como genealogía literaria. “Antes de ser un objeto de discurso, la historia engloba y sitúa al análisis. Éste es el presupuesto insuperable del análisis histórico. Toda teoría está en relación directa con un laberinto de coyunturas y de relaciones que no domina. Es una “literatura” do-minada por el tema que trata”.1

En la mente del artista, las historias emergen desde distintos marcos conceptuales y en diferentes formas de presentación.

Por / By Rafael Barajas Curador

Artista invitado Ciudad de México / México

Oscar CuetoEntre el texto y el dibujo

1 Michel De Certeau, El Oficio de la Historia. Historia y psicoanálisis, UIA., 2007 2 Op. Cit “Las 400 Vueltas”, 2012, Vídeo Instalación y Libro.

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Así, entre el texto y el dibujo notamos la relevancia de Diez libros, 2010-2011, obra en la que el artista interviene el contexto de diez importantes obras en la historia de la literatura internacional, y donde la lectura simple se convierte sólo en la premisa, mientras que el resultado deviene en la apropiación gráfica, y no sólo en su contexto de literatura. El artista se apropia de los contextos originales de cada libro, para contar la misma historia de manera distinta al alterar su sentido. O Las 400 vueltas, 2012, que cuenta la historia delirante del escritor francés Jean Genet, en una novela atribuida a J. Elrroy. Novela que inscribe a Cueto como escritor fantasma y que cuenta la vida del francés en primera persona, acusando a un supuesto impostor – a través de la figura de alter ego – de vivir su vida mientras él vive encerrado en un cuarto.

Guest artist Mexico City / Mexico

Artista recomendación de AAD México www.oscarcueto.com

Oscar CuetoBetween text and drawing

Throughout his artistic production, Oscar Cueto (1976, Mexico City) has stablished a dialogue through different plastic and conceptual terrains, using as a recurrent

theme satire as social criticism, dealing with art history and some of its figures as a particular subject, using his humor and marginalization to avoid the believe that the world is only what we can see.

History, life and mind are universes that get easily perverted, this is very well known by the artist that created “Las 400 vueltas, 2012” (“the 400 turns, 2012”) the solo exhibi-tion presented in Ex Teresa Arte Actual Museum, where the four projects that form the exhibition show an urgent need to re-interpretate not only isolated facts, but also pre-conceptions and different ways to understand history. Under this argument he creates an effective web to reconstruct his own history, the history of his family and the one of the most representative figures in the art world, movies and literature, mixing real facts with other ones created by his imagination, which he uses as the source of his artistic speech.

O bien, la propia historia de la vida de Oscar narrada en Había una Vez, 2010, a través de una serie de ilustraciones montadas como un collage fotográfico casero. Finalmente, Falange macedónica, 2012, donde la imponencia de una estructura militar enaltece el poder de la palabra, en lugar de la fuerza militar como estrategia, obra con la cual Cueto respeta la formación original de la falange macedónica, el arma más eficaz de Alejandro Magno en su conquista imperial, pero en la versión de este artista, se ubican pancartas en lugar de soldados para destacar la fuerza del texto en su carácter plástico y escultórico como medio de persuasión.

Todas son historias compuestas, historias imaginadas e incorporadas a un sistema alterado que sólo convive en la mente del artista y que toma la forma de sus pensamientos, como una de las muchas formas de contar historias con la inclusión particular de la sátira. Su poética está presente en la novelización de su obra, ya sea en una pintura, en el dibujo, mediante la instalación, con las intervenciones a libros representantes de la historia de la literatura, y de manera más precisa, en su proyecto editorial (presentado como la video instalación que da nombre a su muestra en el museo del INBA), donde su intención siempre es seguir una narrativa que noveliza la experiencia y que certifica el acontecimiento como acto intermedio entre la realidad y la ficción.

“Diez Libros”, 2010-2011. Intervenciones a Diez Libros de: Rulfo, García Márquez, Wittgenstein, Nabokov, Huxley, Borges, Bukowski, Coetzee y Kafka.

“Falange Macedónica”, 2012, Instalación.

“Había una Vez”, 2010. Exposición.

Todas son historias compuestas, imaginadas e incorporadas a un sistema alterado que sólo convive en la mente del artista

Al igual que Freud, quien se impresionaba en Estudios sobre la Histeria cuando notaba en los ex-pedientes clínicos de sus pacientes una lectura novelesca de su enfermedad, Cueto inaugura una narrativa desde donde noveliza la historia contada mediante la gráfica o el texto, y con la cual abre brechas para contar siempre la misma historia a su manera. Con estos elementos, las ficciones teóricas que dan origen a sus obras cumplen con el requisito de contenido, enunciando hechos y narrando historias desde lugares comunes pero con determinaciones y resultados que sólo pueden sugerirse en la mente del autor, a través de la liberación que el libre albedrío le permite como creador y constructor de su discurso artístico.

Entre el texto y el dibujo, los trazos y la literatura, está la obra de Cueto y con ella, las historias vuel-tas una novela. O como el propio Michel De Certeau sugiere, “… la novela es la relación que la teoría mantiene con la aparición secuencial de sus límites.” 2

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Como señala el refrán: “las apariencias en-gañan.” Nada más

atinado que ese aforismo popular para hablar del trabajo del artista Gabriel Mendoza, pues debajo de su estética infantilista subya-ce un mundo muchas veces crudo y complejo, además de un virtuosismo y una profun-da exploración plástica, que para algunos espectadores se disfraza detrás de su in-formalismo figurativo. Pero el desarrollo de figuras es-quemáticas no quiere decir per se que hay una simplificación de las problemáticas pictóricas o dibujísticas, por el contrario, el estilo de la imagen es la pura superficie, lo importante es mirar el conjunto de la imagen, descubrir los juegos de la línea destacándose gracias a un adecuado fondeo de la tela.

En ocasiones, un dato biográ-fico nos ayuda entender mucho

Por / By Fernando Gálvez de AguinagaFragmento del texto incluido en el catálogo

El Extravío de la Inocencia, 2012.

Gabriel MendozaArtista invitado Oaxaca / Oaxaca

Pintar el extravío de la inocencia

de las posiciones de un artista ante el arte, pienso por ejemplo en el caso del pintor belga René Magritte, quien siendo apenas un niño fue avisado junto con su padre y hermano de que su madre estaba muerta, ahoga-da en un río, experiencia que marcaría por siempre la vida y también el arte de este refinado pintor del surrealismo.

Así también una situación muy dolorosa marca la inclinación de Gabriel hacia la estética cercana a la de los infantes, se trata de la muerte de uno de sus hijos gemelos, a muy tem-prana edad, atropellado por un vehículo. Desde aquel hecho atroz, Gabriel decidió homena-jear con el estilo de sus trabajos al mundo de la infancia, tanto por el hijo que le había sido arrebatado como por el que se había quedado en su vida. Pero también por eso, muchas de las composiciones distan de ser alegres, aunque también las hay plenas de felicidad, más

AutorretratoSerie Santo Tomas I Todo está bien

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Artista invitado Oaxaca / Oaxaca

Gabriel MendozaPaint the loss of innocence

Artista representado por Galería Jesús Villafánwww.galeriajesusvillafan.com

bien domina un mundo crudo, de relaciones enfermizas, prostitu-ción, violencia de género, tristezas, melancolía.

Una de las series más recientes se llama Jesús María, por el tris-temente célebre callejón del Barrio de la Merced en la Ciudad de México, sitio de pasarela de prostitutas, muchas de ellas casi ni-ñas, exhibidas para su compra al mejor postor en esta callejuela cerrada. En ocasiones, las composiciones se ven invadidas por palabras que recorren toda la tela o el papel, con frases o palabras muy esquemáticas que dicen: “mamá”, “puta”, “mi mamá me mima”, etc. En otras, las figuras de clientes y prostitutas se sitúan debajo de letras que aluden más bien al nombre o el giro de un ne-gocio, reforzando el ambiente urbano de las escenas, emulando tanto grafitis como rótulos comerciales. Pero cuando las palabras recorren el cuadro en escritura más personal, parecen integrarse al ritmo del dibujo, dan un timbre que refuerza significados y su-gestiones que el trazo también construye. Las problemáticas antes planteadas y la manera de resolverlas, nos hablan pues de un creador atento a los procesos que dan ori-gen a la creación de un cuadro y por lo tanto no es de extrañar, que así como hay reflexiones del color, o exploraciones del croma-tismo, también haya etapas que se aventuran a composiciones constreñidas al blanco y el negro, tratando de resolver el ajedrez de cada partida creativa en el tablero de los claroscuros.

Entre estos trabajos destaca el cuadro Personajes en el atarde-cer, donde casi todas las figuras han dejado de ser planas como por lo general son las que aparecen en la obra de este pintor. Los personajes con mayor volumen y realizados en un estilo más verista, son una pareja de novios que conversan cercanamente en el extremo izquierdo del cuadro, pero el resto de la ronda de personajes parece sufrir una paulatina simplificación, hasta llegar a una figura en el centro que levanta las manos como gritando desesperada y que ya es una esquemática caricatura como la que hacen los niños para llegar a otra aún más sencilla, como de primer intento de infante por dibujar un ser humano.

Al ser un trabajo en blanco y negro, lo volumétrico y sofisticado de las pinturas va adelgazándose y simplificándose hasta pasar a los terrenos estrictamente del dibujo. Otra vez la composición es una declaratoria de los procesos creativos. La figurilla que grita desesperada parece o no querer regresar a su mundo dibujístico o no querer adentrarse en complejidades pictóricas, es el dilema arremolinado que se enrosca en esta composición.

Otro recurso que frecuentemente usa Gabriel, es el de pegar ma-teriales como cartones y trozos de papel sobre la tela, más casi nunca se trata de utilizarlos en el sentido clásico del collage, sino más bien como trazos matéricos que le sirven para sugerir de una manera poética visual distintos elementos, por ejemplo, en lugar de usar pintura coloca sobre la cabeza de una mujer un cartón corrugado que sugiere su cabellera.

Gabriel ha tenido la oportunidad de ver en Oaxaca algunas obras del grupo COBRA pertenecientes a la colección del maestro To-ledo y depositadas en el Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca (IAGO) y en especial las del maestro Pierre Alechinsky, de quien se han presentado por lo menos dos grandes muestras en el Mu-seo de Arte Contemporáneo de Oaxaca y en el IAGO. Claro que la libertad creativa y el estilo desenfadadamente expresionista dentro de un trabajo de corrosiva crítica social, también puede tener influencias latinoamericanas en obras como las del venezo-lano Jacobo Borges e inclusive en las feroces caricaturizaciones de murales y grabados de José Clemente Orozco. Pero lo impor-tante de esto, es que a pesar de la influencia, Gabriel Mendoza ha desarrollado un estilo propio.

Las imágenes le ayudan a generar contrastes emotivos que no tienen un discurso definitivo sino que en este caso quedan abier-tos a la lectura de cada quien. A que cada espectador construya su historia. A final de cuentas el arte debe ser así, sólo un dispa-radero de ideas y sensaciones que estimule a los que interactúan con él a desenvolver sus propios mundos internos.

“… entrelaza la técnica naíf y lo onírico, apostando en ocasiones por la denuncia social”

Elvira Rilova

Underneath the infantile aesthetics of Gabriel Men-doza lies a world that can be very cruel and complex,

besides a virtuosity and a profound plastic exploration, that for some spectators is disguised behind its figurative informality. But the development of schematic figures does not mean there is a simplification of pictorial issues, on the contrary, the style is only the surface, and what matters is to look at his images as a whole.

From the early dead of one of his children, Gabriel de-cided to honor with the style of his works the world of children. Thats why many of his compositions are far from being joyful, although we can also find some full of hap-piness, what dominates his works is a cruel world, filled with sick relationships, prostitution, gender violence, sadness and melancholy.

His images help generate moving contrasts that don’t have a definitive speech but remain open to people’s perceptions. In the end that is what art is supposed to be, something full of ideas and sensations that stimulates those that interact with it.

Accidente azul

Pareja antigua

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Cada vez que le pregun-to a algún extranjero o visitante qué es lo pri-

mero que se les viene a la men-te cuando digo “Tijuana”, me construyen toda esta idea del “sin city”. Burdeles, cantinas, violencia, drogas y alcohol. Sin embargo, como tijuanense, esta primera imagen que me describen de la ciudad parece no encajar con la que cargo yo. Ciertamente Tijuana es una ciudad dinámica, en ella encon-tramos una diversidad inima-ginable. Es una ciudad que se vive diferente día que de noche.

Su multiculturalidad la lleva a ser una de las fronteras más abiertas e indescifrables, una frontera donde surge la creatividad como el enemigo de toda aquella visión viciosa. Dentro de esta ola creativa, encontramos una paleta de disciplinas artísticas; bailarines, pintores, diseñadores, colectivos, actores, escultores, escritores, fotógrafos; la lista sigue. Y es que Tijuana es rica, rica en su capacidad de generar, gestionar y crear, es por esto que festivales como entijuanarte aportan a rehabilitar la ciudad.

Estamos en tiempos de resaca social, donde se tiene la oportunidad de desarrollar públicos para el arte, esto propicia la interacción y cohesión social. Entijuanarte es entonces, una plataforma para aquellos personajes que desean exponer su quehacer creativo. La idea es la promoción y exposición de los artistas regionales, así como, la invitación a expositores de otros estados de la república y extranjeros. Todo esto se lleva a cabo año con año en la explanada del Centro Cultural Tijuana (CECUT), una estructura situada sobre la Avenida Paseo de los Héroes, una de las zonas

más transitadas de la ciudad. Ciertamente un festival cultural que es consolidado como uno de los 15 más sobresalientes del país.

El camino que recorre entijuanarte inició en el 2005, los tijuanenses Julio Rodríguez y Cecilia Ochoa tenía un deseo en común, perfilar a Tijuana como una potencia artística. Ahora, ocho años después, el festival es uno de los eventos más esperados del año. El otoño marca la cuenta regre-siva hasta que llegamos a octubre, cuando entijuanarte recibe a cerca de 85,000 asistentes que tienen la sed de observar, el hambre de aprender y la posibilidad de reflexión.

Aunque en realidad entijuanarte ini-ció una semana antes, con la oferta de diversas actividades en sedes alternas, los pasados días 5,6 y 7 de octubre han marcado el verdadero alcance que tiene el festival que es completamente gratuito y abierto a todo público. La interacción con el estado invitado de este año Nuevo León y la institución CONARTE propició un ambiente completa-mente diferente a otros años. La posibilidad de crear fusiones entre los actores artísticos como es el caso de los grupos de danza Cuer-po Etéreo y Lux Boreal soportan el objetivo primordial del equipo del entijuanarte, el arte es para todos. La participación de artistas como Miriam Medrez creó una nueva vi-sión de lo que el festival representa.

Ahora, invadiendo otros espacios de la ciudad como lo fueron el IMAC, o el ICBC, al albergar las exposiciones “En la otra ventanilla” y el Programa de Fotografía Contemporánea 2011 (PFC’11). La Galería Álvaro Blancarte, ubicada en las instalaciones de la UABC campus Tijuana, presentando una selección del Acervo de la Pina-coteca de Nuevo León, así como, conferencias con Luis Alderete y el Lic. Carlos García en diversas universidades; alternando también hacia nuevas zonas de interacción e intervenciones urbanas con el reconocido poeta Armando Alanís, quien encabeza el famoso movimiento “Acción Poética”.La posibilidad de ser un agente de cambio al promover iniciativas como “Todos somos Tijuana” o Museo Mutante, también ayudan a entender el universo que se forma dentro del festival. No sólo se trata entonces de recorrer la explanada del CECUT observando los stands, en realidad es una experiencia que debe ser vivida y explorada también entre las calles de la ciudad. Rescatar aquella curiosidad y sensibilidad que la sociedad ha perdido con el paso de los años.

Un mundo de oferta cultural. Obras de teatro, muestra de cine nacional, conferencias, talleres, exposiciones, cerca de 200 artistas exhibiendo su trabajo, todo esto aderezado con conciertos de la altura de Celso Piña, El Gran Silencio o Nortec. Pruebas infalibles del “Hecho en México”. Pre-senciados por alrededor de 35,000 personas que bailan y cantan al unísono, siguiendo el compás de las canciones. Todo un bombardeo cultural incesante. Entijuanarte es el reflejo de Tijuana, te acoge y te enseña, te desconecta y al mismo tiempo te mantiene pendiente de la realidad. Esto es lo que pasa en Tijuana, esto es lo que pasa en entijuanarte.

Por / By Nayeli Macías

Tijuanense EN EntijuanarteReseña / Festival Tijuana / BC

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Después de la dura racha política y social que ha aquejado a la república mexicana, Tijuana es actualmente en el norte del país un modelo

de reconstrucción social y económica, uno de sus más complejos y ambiciosos proyectos es Tijuana Innovadora, un ambicioso proyecto organizado por una asociación civil y apoyo gubernamental que busca difundir local, nacional y globalmente las innovaciones que se han realizado en Tijuana, México, con la finalidad de crear una conciencia del valor de Tijuana y sus aportaciones al mundo, así como estimular un sentido de pertenencia y orgullo que motive a sus ciudadanos a participar socialmente a partir de este anhelo.

Este espíritu también se extiende a su sector cultural, donde en paralelo al extenso programa artístico y cultural llevado a cabo en el Centro Cultural Tijuana, se ha decido apoyar para esta segunda edición de Tijuana Innovadora, dos iniciativas de Arte Público, Ciudad Habla (primera etapa) que son dos intervenciones en 5 muros con pinturas derivadas de una consulta ciudadana que busca contribuir con la mejora de calidad visual del ciudadano, sustituyendo las imposiciones por la generación de ideas en conjunto, y Cardinal 5, que es una pieza de arte intervención en el espacio público que se desarrolla en tres piezas: Una obra objetual llamada Textil Cardinal en el Puente México. Un Lienzo Conectivo, que se sintetiza simplemente como una participación colectiva, y Tiempo de Espera, que es una interacción con datos en tiempo real en la Web-, este proyecto, tiene como ejes de pensamiento las cinco áreas de trabajo que Tijuana Innovadora promueve: educación, ciencia, cultura, arte y tecnología, ello a partir de cinco ejes fundamentales: Industria, humanismo, creatividad, arraigo e identidad. Cada uno de ellos se relaciona con una puerta de entrada y salida a la ciudad: Puente México, Aeropuerto, Casetas de Rosarito, Central Camionera y Faro de Playas. Este último es elemento de orientación y emblema de Cardinal 5.

Los artistas que se unieron para desarrollar Cardinal 5 son: Ángeles Moreno, Catalina Silva, Eric Morales el “Dr. Morbito”, Gabriela Posada, Illya Haro, Iván Abreu, Jhosell Rosell Castro, Luis Garzón y Olga Margarita Dávila, cuyo perfil va desde las artes visuales y la tecnología al diseño, la publicidad o el activismo social, además de la gestión cultural y la curaduría.

Esta es una descripción más detallada de los tres proyectos llevados a cabo en cada una de las puertas de entrada a Tijuana y cuya naturaleza fue de lo objetual a lo colectivo y hasta lo virtual del internet:

Textil Cardinal, que es una intervención de arte en el Puente México: Por ser este lugar el emblema más importante de acceso y salida de la ciudad de Tijuana, es el espacio-puerta central del proyecto Cardinal 5 en donde se lleva a cabo una intervención mayor, a manera de objeto de arte. La obra está realizada en 32 módulos de tabular de hierro con los colores que simbolizan las líneas de unión entre los otros puntos de espacio Entrada - Salida que a modo de un textil se refieren al tejido social de todos los que hacemos de Tijuana una entidad viva.

Lienzo Conectivo, es una intervención de participación colectiva que alude al tejido social de Tijuana, para ello la ciudadanía fue invita a completar cada una de las frases relacionadas a los ejes de Tijuana Innovadora: “Me gustaría que Tijuana tuviera…”, “Lo que más me gusta de Tijuana…”, “Soy tijuanense de…”Tijuana es…” y “Trabajo en…”, estas fueron escritas sobre 10,000 calcomanías que se distribuyeron en los sitios de acceso/salida a la ciudad, el Aeropuerto Internacional Abelardo L. Rodríguez, la Central de Autobuses, el Faro de Playas, las casetas de cuota de la carretera escénica Tijuana Ensenada y el Puente México. Después de escribir su opinión sobre las calcomanías, los participantes las adhirieron sobre los lienzos dispuestos en cada uno de los sitios mencionados. Posteriormente, cada uno de estos soportes formaron uno solo con más de cuarenta metros de longitud que fue ensamblado en la cara sur del Puente México.

La pieza en Internet, Tiempo en Espera, es una interacción con datos en tiempo real- conformada por una composición algorítmica que toma datos en tiempo real del RSS (canal de noticias) del US Department of Homeland Security, generando una interpretación sonora y visual de esta información, lo cual la convierte en una partitura para 24 instrumentos secuenciados en relación a la cantidad de personas y la agilidad y voluntad que los custodios prestan para permitir el paso por la puerta San Ysidro.

Sin duda, esta gran coordinación entre artistas, el estado y el activismo de una asociación civil, puede verse como la aplicación social de las Estéticas Relacionales formuladas por Nicolas Bourriaud, pero sobre todo, esta es síntoma de las múltiples relaciones que conforman el tejido social, cultural y político de una ciudad como Tijuana, la cual busca salir adelante y convertirse en una dinámica y próspera respuesta sobre como los mexicanos nos adaptamos ante los agitados embates de la globalización.

Por / By Eduardo Egea

Tijuana Innovadora y Cardinal 5

Gestión en las artes Tijuana / BC

Para la edición 5.6, en un tono totalmente distinto y sincronizado con la circunstancia electoral, ADD México publicó la reprobatoria evalua-ción que la firma Arena Electoral obtuvo sobre la efectividad de las estrategias en materia de cultura de los cuatro candidatos a la pre-sidencia de la república, lo cual fue acompañado por un equilibrado comentario crítico de la gestora cultural Dulce Colín sobre las apor-taciones y deficiencias de los candidatos también contenida en la página de esta firma, texto complementado por las consideraciones de AAD México sobre la manera en que han comenzado a interactuar en las últimas décadas los circuitos culturales en nuestro país, ello a partir de la negociación entre la creación tanto de públicos como de conocimiento especializado, influjo institucional, mercado y retroali-mentación global.

Ciudad de México / MéxicoCrítica, opinión y ensayo

Por / by Rafael Pérez y Pérez

Cada seis años surge la polémica sobre el futuro de la administración de la cultura des-de el Gobierno Federal, situación respaldada por una tradición de esperanza y mejora siempre incierta y cuyo rumbo está marcado por quien asumirá la responsabilidad

desde el actual CONACULTA, ello con las abiertas declaraciones de apoyo y desaprobación de las facciones concurrentes en la vida cultural de nuestro país. Pero la realidad de un cambio de rumbo siempre está en puerta; aspecto evidente en los intereses o afinidades de la per-sona que encabezará esta encomienda. En el análisis de este escenario encuentro puntos de mejora en la administración de este campo, en particular de las artes visuales, algunos de los cuales expongo para no dejar que se conviertan en ideas sordas que aumenten mi frustración por silencio.

El patrimonio artístico federal en custodia de las distintas instituciones es vasto, conformando así colecciones parciales que no acaban de generar en ocasiones recorridos circulares en los espacios expositivos sobre los diversos tópicos de la historia del arte. Es así como el Instituto Nacional de Be-llas Artes, la Secretaría de Educación Pública, la Secretaría de Relaciones Exteriores, la Secretaría de Hacienda y Crédito Público, entre otras, cuentan con valiosísimas colecciones cuya fragmentación no deja revalorar los acervos como un todo depositado en uno de los tres poderes que conforman los niveles de gobierno; el Federal, y como uno de los fondos más completos a nivel latinoamericano. Es importante destacar que, no obstante de tratarse de acervos de la Nación en custodia de las distintas dependencias, no existe una conciencia de unidad por parte de sus responsables o administradores.

En ese sentido, habría que valorar claramente la posibilidad de integrar una sola colección, lo cual traería grandísimas ventajas tanto en el plano administrativo como en el cultural. Algunas de ellas son la simplificación del pago de cuantiosas sumas por aseguramiento de obra, que al fraccionar el acervo y realizarlo de forma independiente cada institución, no permite una negociación ventajosa al erario, o que en ocasiones de institución a institución a nivel federal se tenga que pagar el aseguramiento de obra en préstamo, tratándose del mismo Gobierno Federal. Otro de los beneficios estaría en el reor-denamiento, estudio y clasificación de este acervo, así como su ubicación pertinente en los espacios expositivos, tomando en consideración los perfiles y los planteamientos curatoriales que apoyen a la potenciación de la propia colección.

Por otra parte la compactación de esta colección como un acervo único perteneciente a la Nación, permitiría potenciarlo como una garantía en un fideicomiso dependiente del propio Banco de México, para la creación de “un seguro de estado” para la de obra de terceros en exposiciones en los distintos espacios federales.

Indudablemente la actual Coordinación de Exposiciones enfrenta una de las tares más duras, ya que si bien el trabajo ha sido permanente, el cambio de dirección constante durante la presente adminis-

tración no ha permitido el afianzamiento de una visión y política a mediano plazo. A lo anterior, ade-más se tendría que intensificar una verdadera política de coordinación, no sólo al interior de la propia institutución; sino con otras dependencias que en la actualidad realizan este trabajo de itinerancia de proyecto expositivos para así sumar esfuerzos y presupuestos.

Papel importante es de de la Secretaría de Relaciones Exteriores, ya que la difusión del arte mexicano al exterior es una labor que ha venido realizando con sus propios recursos o que ha coordinado de forma directa con algunas dependencias como la misma SHCP. En este sentido viene a la mente una inquietud sobre las experiencias en la administración de esta dirección de aquellos que han fungido en el cargo, ¿cuál es su visión sobre éste tema?

Otro punto que deberá considerarse a mediano plazo es la catalogación de los espacios museísticos (Federales, Estatales o municipales) de conformidad con un reporte de instalaciones, lo cual permi-tirá una clara planeación de intinerancia de los proyectos expositivos para que la población al interior de la República tenga acceso a las “grandes exposiciones” que en la actualidad suceden únicamente en la capital o en la ciudad de Monterrey. Además de lo anterior esto apoyaría una política de mejo-ramiento de los espacios a través del conocimiento de las carencias de los mismos; o sea, el elevar el nivel de las instalaciones existentes. En ese tenor se deberá contar con al menos una instalación mu-seística con todos los requerimientos necesarios por región. Así también es necesario reconsiderar la desafortunada asociación que se ha venido dando desde los órganos gubernamentales de la cultura con la educación, la recreación y el deporte, sean municipales, estatales o federales; cancelando con ello su independencia de gestión presupuestaria además de no reconocer que se tratan de misiones distintas.

Finalmente; una de las más notables carencias para el desarrollo de la artes visuales en México lo es la falta de voces críticas desde foros públicos abiertos, lo cual permitiría indudablemente revalorar los conceptos estéticos y mejorar los procesos museísticos (museográfico y curatorial) en la pre-sentación de proyectos expositivos en los espacio públicos. Por lo anterior se debería el considerar el permitir que especialistas opinen libremente sobre los acontecimientos en este campo de las artes, con ello, no quiero decir que exista una ausencia total de la crítica artística, más bien, que es escasa la práctica de la misma. Es necesario fomentar e impulsar la publicación de este género como una polí-tica de estado sin que ello implique una cobertura necesariamente favorable a la labor de promoción que realiza el mismo. Para ello la asignación de espacios debería otorgarse según un padrón de me-dios y especialistas críticos previamente establecido cuya convocatoria suceda de manera imparcial y aleatoria para evitar favoritismos.

Estas ideas podrían servir como base para la ejecución de políticas culturales más definidas en el campo de las artes visuales y se dejan aquí como una invitación a considerarse.

Puntos para mejorar la administración de las artes visuales desde el Gobierno Federal

En la edición 5.7, a manera de extensión, del número anterior, AAD México publicó una carta de la especialista en políticas culturales, la doctora Lucina Jiménez, donde propone al candidato electo diez compromisos indispensables en política cultural, y los cuales inclu-yen desde considerar a la cultura como un sector productivo, hasta diversas estrategias de transformación, difusión, educación, ad-ministración, etc., y las cuales determinan a este fundamental pero todavía subvalorado sector nacional; texto que contrasta con la es-pecialización artística, del análisis por parte de Eduardo Egea de la ambiciosa iniciativa de la artista Tania Bruguera, y la cual es la funda-ción del Partido del Pueblo Migrante (PPM), el cual pretende a partir del arte transformar constantemente sus presupuestos ideológicos, para poder así eventualmente crear una iniciativa política transnacio-nal plenamente formalizada.

La edición 5.8 presentó la transcripción de una conferencia dada por el doctor Ernesto Piedras en el marco del cuarto Encuentro Nacional Conaimuc, y la cual es sintomática de la compleja red de factores que conforman al sector cultural, en ella este especialista dibujo los lineamientos de lo que el llama, la Economía de la Creatividad, donde planteó como es necesario dejar de hablar de la cultura en términos abstractos y pasar a cuantificarla, lo cual revela como a partir de su simultáneo desarrollo y crecimiento integral, la creatividad cumple plenamente su función social.

En la edición 5.9, publicamos un sugerente ensayo por parte de Rafael Alfonso Pérez y Pérez sobre la administración del patrimonio artístico nacional, y la cual da pie para reiterar la invitación a nuestro lector para interpretar este texto sin ningún condicionamiento por nuestra parte.

viene de página 19 PANORAMA 2012. Revisión y análisis de contenidos publicados

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