apuntes fundamentos del arte ii: tema 7. la gran depresiÓn de los aÑos 30 y el arte de su Época

FUNDAMENTOS DEL ARTE II. TEMA 7. ARTE DEL SIGLO XX (III): LA GRAN

DEPRESIÓN Y EL ARTE DE SU ÉPOCA

Fundamentos del Arte II Profesora Ana Galván Romarate-‐Zabala

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TEMA 7. ARTE DEL SIGLO XX (III): LA GRAN DEPRESIÓN Y EL ARTE DE SU ÉPOCA 1.Introducción. La Gran Depresión de los Años 30. Contexto histórico-‐cultural . 2.La Fotografía. 3. El Cine. 4 El Cómic 1.INTRODUCCIÓN. LA GRAN DEPRESIÓN DE LOS AÑOS 30. CONTEXTO HISTÓRICO-‐CULTURAL Tras los Felices Años 20 surgió una nueva etapa denominada la Gran Depresión. El punto de partida de una de las décadas más ominosas del siglo XX tuvo lugar el 24 de octubre de 1929, el Jueves Negro: fue el crack o crash de la Bolsa de Nueva York. Esta considerada como la mayor crisis económica jamás conocida. Y con razón, porque en esa fecha la Bolsa de valores neoyorkina sufrió́ una brutal caída en picado. Recordemos que en los años 20 estuvieron marcados por un consumismo exacerbado. Mucha gente vivía por encima de sus posibilidades e invertía alegremente en Bolsa, como si no hubiera un mañana y como si nunca fueran a bajar las acciones. Pero la burbuja especulativa de los locos años 20 tuvo un final dramático: se produjo la ruina de muchos inversores –grandes empresas, hombres de negocios, pequeños accionistas-‐ que perdieron todos sus ahorros. Se cerraron cientos de empresas y bancos. Hubo algún que otro suicidio y el desempleo afectó a millones de ciudadanos, no solo de Nueva York, sino de Estados Unidos y del resto del mundo.

Ante esta situación, el nuevo presidente americano, Franklin D. Roosevelt crearía el New Deal -‐1933-‐1938-‐, un intento fructífero para mejorar la gravísima situación económica y de conflictividad social que apremiaba a la población. Roosevelt encarnó la voluntad de renacer de sus cenizas del pueblo estadounidense abatido por el desempleo, la desconfianza y el pesimismo con su pragmático programa de reformas, basado en las tres R: relief (alivio: asistencia social), recovery (recuperación), reform (reforma). Creó la Seguridad Social y ayudó con medidas sociales a las clases más desfavorecidas. Su lema era “a lo único que tenemos que tener miedo es a tener miedo”.

Por lo que se refiere a Europa, le afectó de lleno la recesión económica, cuando parecía que se estaba recuperando de las consecuencias de la Primera Guerra Mundial. La inestabilidad de las democracias europeas se acrecentó con los problemas económicos y por doquier comenzaron a surgir populistas “salvadores” de la patria que andando el tiempo dieron lugar a regímenes totalitarios: el fascismo con il Duce Mussolini en Italia y el nacionalsocialismo

Los$AÑOS$30,$La$Gran$Depresión!

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(nazismo) con el Führer Hitler en Alemania. Hitler deseaba implantar el Tercer Reich, conquistar medio mundo y aniquilar a los judíos. Por su parte, y sucediendo a Lenin, se estableció el “hombre de acero”, el “padrecito” comunista Stalin en la Unión de Repúblicas Socialistas Soviéticas (URSS). En la URSS la colectivización agraria condujo a la aniquilación de diez millones de campesinos entre 1928 y 1933 tras la puesta en marcha del primer plan quinquenal para industrializar el país a marchas forzadas. Las purgas y el Gran Terror fueron atroces entre 1934 y 1938.

En el caso de España, recordemos que durante los años 30 se instauró la II República española –un intento democrático-‐ que terminaría abruptamente con el golpe de estado del general Francisco Franco. Como este levantamiento militar ni triunfó totalmente ni fracasó del todo, daría lugar a una cruenta guerra civil que dividió a España en dos. Culminaría con la victoria del bando sublevado y la instauración de una dictadura que se mantuvo en el poder hasta la muerte del general en 1975. Culturalmente, en los años 30 continúan las vanguardias –como el Surrealismo-‐ o el Art Déco. Pero muchos proyectos de vida artísticos y culturales se vieron truncados por la inestabilidad y crisis de la época y por el auge de los totalitarismos1. Intelectuales, científicos y artistas huyeron del nazismo, como por ejemplo Albert Einstein, Theodor W. Adorno, Bertolt Brecht o el pintor expresionista George Grosz. En los años 30 vuelve la literatura más ensayística, que analiza el contexto histórico y preludia el existencialismo, como por ejemplo la obra de André Malraux o Louis-‐Ferdinand Céline. Los autores de muchos países están marcados por la inestable y dramática situación política, con cambios de régimen y el auge del totalitarismo. Durante esta década surgen grandes héroes del cómic –desde el europeo Tintín hasta los americanos Superman, Batman o Capitán América; el cine2 vivió una década dorada en Hollywood con míticas películas protagonizadas por los hermanos Marx, Greta Garbo, Cary Grant, Ginger Rogers, Fred Astaire, etc. y clásicos del cine como “El mago de Oz” o “Lo que el viento se llevó”. Aparecen las primeras películas de animación: Blancanieves y los siete enanitos de Walt Disney y la industria se reorganizó en grandes estudios como Cinecittà en Roma (1937) o Cifesa en España (1934). Por lo que se refiere a la música, sigue triunfando el jazz y tienen un gran auge las Big Band americanas que llenaban de swing las pistas de baile (Benny Goodman, Glenn Miller, Duke Ellington, Tommy Dorsey, etc.). En la danza clásica triunfaba la compañía del Ballet de la Ópera de París a cargo por aquel entonces de Serge Lifar (1905-‐1986), bailarín y coreógrafo ucraniano. Serge Lifar había comenzado como bailarín en los Ballets Rusos en 1923 sustituyendo a Nijinsky. Con Lifar, esa compañía parisina se convirtió en una de las mejores del mundo en su género. Fue su director entre los años 1930-‐1944 y después desde 1947 al 1958.

1 Sobre las vanguardias y los totalitarismos véase http://www.gelonchviladegut.com/wp-‐content/uploads/2014/11/Vanguardias-‐y-‐Totalitarismos.pdf 2 Sobre el cine de esta etapa véase: http://www.thecult.es/Cine-‐clasico/historia-‐del-‐cine-‐los-‐anos-‐30.html


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2. LA FOTOGRAFÍA La novela Las uvas de la ira de John Steinbeck (1939), que fue llevada también al cine por John Ford (1940), refleja a la perfección la miseria que acució a Estados Unidos durante la etapa de la Gran Depresión. Pero no solo la literatura, la fotografía de la época muestra sin paliativos la realidad cotidiana de ese periodo. Dorothea LANGE3 (1895-‐1965) Dorothea Lange es una de las más representativas y aclamadas fotógrafas del siglo XX. Nació en Hoboken (Nueva Jersey) en 1895 y murió en San Francisco en 1965. De pequeña enfermó de polio. Cuando contaba 12 años su padre abandonó a Dorothea y a su madre. En el futuro renegaría del apellido de su padre y utilizaría el de su madre, Lange. Estudió fotografía en Nueva York y creó un exitoso estudio en California donde viviría buena parte de su vida.

Parte de sus proyectos fotográficos fueron encargos gubernamentales, ya que trabajó para la oficina de Administración de la Seguridad Agraria dependiente del New Deal de Roosevelt. Recorrió Estados Unidos realizando fotografías documentales donde dejaba patente la miseria de la Gran Depresión de los años 30. En ellas muestra el sufrimiento de granjeros y trabajadores emigrantes ante la penuria económica. Su foto más emblemática y famosa es la imagen en blanco y negro, casi sepia, de Migrant Mother, Nipomo, California (Madre emigrante, 1936) donde retrató el rostro descarnado de Florence Owens Thompson, acompañado por sus hijos. Iban en una vieja carreta por los caminos de California en busca de un futuro mejor. Al parecer, la retratada tenía 32 años y le contó a Lange que habían estado sobreviviendo con verduras congeladas y pájaros que mataban sus hijos. Thompson causó un fuerte impacto en la fotógrafa. Fue un imagen icónica de la época. Otra de sus fotografías más conmovedoras, es la de un anciano esperando su ración de comida en un comedor social (1933). Lange era una activista contra el racismo y la segregación entre blancos y negros como muestran algunas de sus fotografías. Lange fue una fotógrafa social comprometida con su época que deseaba informar al público de la realidad de su tiempo como pequeño grano de arena para cambiar las cosas.

3 Sobre Dorothea Lange véase la película http://grabahunkoflightning.com

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En sus fotografías utilizó técnicas innovadoras. Muestra con frecuencia composiciones en diagonal. Lo relevante de sus trabajos es que muestra como la fotografía documental puede ser un obra de arte que conmueve y a la vez muestra belleza. Ella se veía a si misma primero como periodista y en segundo término como artista, es decir, valoraba más el dar testimonio, el ser testigo de los sin voz, que en realizar obras artísticas. Entre las fotografías más interesantes de Dorothea Lange podemos destacar las que realizó de las familias japonesas que vivían en Estados Unidos durante la II Guerra Mundial. Fueron internadas en campos de internamiento estadounidenses (WRA, War Relocation Authority) durante el conflicto bélico puesto que eran considerados una amenaza para la seguridad nacional, aunque muchos fueran solo niños. Después de la Gran Depresión, Lange continuó con su esplendorosa carrera de fotoperiodista, trabajando para las mejores revistas de la época como Fortune y Life, viajando por todo el mundo, especialmente Asia, Sudamérica y Egipto. En esta etapa le interesaba sobre todo la captación psicológica y la intensidad de los sentimientos de las personas retratadas.

Walker EVANS (1903-‐75) Otro fotógrafo comprometido socialmente de los años 30 fue el americano Walker Evans. Comenzó su labor como fotógrafo a finales de los años 20 durante un viaje por Europa. A su vuelta a Nueva las publicó en 1930. Como Lange, trabajó para instituciones gubernamentales (Farm Security Administratio, FSA) con el fin de mostrar los efectos de la Gran Depresión. Su objetivo era realizar fotos transcendentales. Era un artista muy culto, apasionado de la literatura francesa. Fue también escritor. En 1933 viajó a Cuba donde retrató la dictadura de Gerardo Machado. En sus fotos documenta la vida en la calle, los mendigos, los trabajadores en harapos…Evans colaboró a lo largo de su dilatada carrera como fotógrafo en diversas publicaciones como Fortune. Entre 1965 y 1974 fue profesor de fotografía y de diseño gráfico en la prestigiosa universidad de Yale.


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Cecil BEATON (1904-‐1980) No toda la fotografía de los años 30 presentaba un fuerte contenido social. En Europa, el británico Sir Cecil Beaton representa su contrapunto, la otra cara de la moneda: el glamur, la elegancia, la sofisticación. Cecil Beaton no se conformó solo con hacer fotografías: fue también ilustrador, pintor, interiorista y un afamado diseñador de vestuario para el teatro y el cine. Su trascendencia e influencia en en la fotografía contemporánea –especialmente de retratos y de moda-‐ ha sido profunda, como por ejemplo en David Bailey y Mario Testino.

Nació en Londres y ya desde niño sintió pasión por la fotografía. Con 11 años ya tuvo su primera cámara fotográfica. Desde muy joven trabajó en revistas vinculadas al mundo de la moda como Vanity Fair and Vogue. Llamaban ya desde entonces la atención sus fotografías en las que colocaba a los retratados con escenarios nada usuales. Aunque estudió en la universidad de Cambridge en 1922, en realidad lo que le interesaba era la fotografía y el diseño teatral (escenografía, vestuario). Beaton publicó su primera colección de fotos en 1930 con el nombre de El libro de la Belleza (1930). Su fama se acrecentó de tal manera que fue el fotógrafo de boda del Duque de Windsor y Wallis Simpson en 1937 y de la coronación de la reina Isabel II en 1953. Durante la II Guerra Mundial4 realizó fotografías en Inglaterra, África y Oriente Próximo para el Ministerio de Información británico. De esas imágenes descuella la famosa foto de una niña de tres años llamada Eileen Dunne herida en un bombardeo (el Blitz5 de 1940). Fue portada de la revista Life. Para Cecil Beaton sus fotografías de la guerra fueron sus obras más importantes. Cambiaron su forma o perspectiva no solo de ver la fotografía sino la vida. Si las comparamos con las fotografías de compromiso social de Dorothy Lange o Walter Evans, podemos considerar que están a su altura, son obras de gran calidad técnica, artística y sensibilidad social. Toda su vida fotografió a la Café Society –alta sociedad-‐ de la época: reyes, aristócratas, artistas –como Picasso-‐, celebridades (actores, actrices, modelos).

4 Sobre la fotografía durante la II Guerra Mundial, véase https://theblissarchives.wordpress.com/2015/10/23/la-‐fotografia-‐y-‐la-‐segunda-‐guerra-‐mundial-‐cecil-‐beaton/ 5 Bombardeos de la Alemania nazi sobre Reino Unido durante la II Guerra Mundial, particularmente entre los años 1940-‐41.

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Realizó memorables diseños de vestuario y escenografías para películas como para My Fair Lady (1957 y la versión cinematográfica de 19646) and Coco (1970) y Gigi (1958). Fue ennoblecido por la reina Isabel II en 1972 con el título de Sir.

6 Ganó un Oscar por sus diseños de vestuario para esa película.


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En 1974 sufrió un ictus que le paralizó medio cuerpo. Aunque aprendió a pintar y a realizar fotografías con la mano izquierda, su preocupación por su futuro le llevó a vender sus obras en Sotheby´s. Murió con 76 años de un ataque al corazón. Con su muerte desaparecía uno de los grandes fotógrafos del siglo XX. 3. EL CINE La obra creativa de Walt DISNEY7 (1901-‐1966) y su importancia para el cine Walter Elías Disney fue todo un personaje: artista y empresario, era una especie de rey Midas que casi todo lo que tocaba lo transformaba en oro. Nació en 1901 en Chicago (Illinois) en el seno de una familia de ancestros irlandeses, alemanes e ingleses. Se mudó con su familia en 1906 a Missouri y allí vivió durante cuatro años en una granja. Su madre cada noche le contaba cuentos clásicos europeos. Pronto dejó los estudios para enrolarse en el ejército: durante la I Guerra Mundial sirvió en la Cruz Roja como conductor de ambulancia con Ray Kroc, quien, andando el tiempo sería el fundador de la cadena de establecimientos de comida rápida McDonald´s. La experiencia en la guerra marcaría fuertemente su carácter. Disney era un enamorado de la cultura europea y viajó a lo largo de su vida en numerosas ocasiones a ese continente8. Disney era disléxico y sobrevivió a la Gripe de 1918 (la mal llamada “gripe española”). De joven perteneció a una organización vinculada a la Masonería (The Order of DeMolay) y fue un convencido anticomunista. Dibujante, animador9, director, guionista y productor visionario, está considerado como la figura seminal de la animación del siglo XX. Se supo rodear de talentosos equipos de dibujantes, realizadores y técnicos, muchos de ellos de origen europeo. Disney representa el ideal americano de hombre hecho a si mismo que triunfa gracias a su inteligencia y esfuerzo. Sus creaciones son iconos de la cultura popular del siglo XX, y somos muchas generaciones las que hemos disfrutado y seguimos disfrutando de ellas. Estudió becado en el Kansas City Art Institut junto con Ub Iwerks, un excelente dibujante de animación y figura clave en su vida. A inicios de los años 20 realizaron una serie de cortos animados para la cadena de cines Newman en Kansas City llamada Newman's Laugh-‐O-‐Grams con tan poco éxito que su compañía quebró. Pero este fracaso no impidió que siguieran luchando por sus sueños. En 1923 Disney e Iwerks se establecieron en Hollywood. En la Meca del Cine empezaron una nueva serie sobre las aventuras de una niña llamada Alicia: Alice Comedies. En esta serie introdujeron por primera vez a dos personajes animados, Julius the Cat y Peg Leg Pete. Disney en esta ocasión contó con el apoyo financiero de Winkler y de su hermano mayor Roy O. Disney, que fue toda su vida su socio financiero. Produjeron cientos de Alice Comedies entre 1923 y 1927, hasta que la popularidad de este personaje fue decayendo.

7 Sobre Walt Disney véase el excelente documental “Érase una vez Walt Disney” en https://www.youtube.com/watch?v=Wy_uUW91_u8 8 Así por ejemplo en el verano de 1935 recorrió Europa en tren con su esposa Lilli y allí compraron más de 350 libros de artes y obras clasicas. Instalaron una gran biblioteca en Hollywood. 9 En su 5 acepción de la RAE: Cinem. Especialista en animación.

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Disney empezó entonces una exitosa nueva serie sobre un personaje animado llamado Oswald the Lucky Rabbit (Oswald el conejo de la suerte). Pero en 1928 Walt descubrió que M.J. Winkler y su marido Charles Mintz le habían robado los derechos sobre esta figura animada y también a los dibujantes animadores, excepto a Ub Iwerks. Disney decidió crear un nuevo personaje que le haría mundialmente famoso: Mickey Mouse. Mickey se convirtió en una estrella internacional.

Con solo Disney e Iwerks como dibujantes y con la ayuda de la esposa de Walt Disney llamada Lillian (Lilly) y de la mujer de Roy (Edna), empezaron a producir dibujos animados de Mickey Mouse. En uno de ellos llamado Steamboat Willie (1928), Walt Disney sincronizó la imagen con sonido. Disney fue la voz de Mickey Mouse desde 1928 hasta 1947. A partir de aquí empezaron a sucederse los éxitos: Silly Symphonies (1929), Flowers and Trees (1932) –el primero en color y el primer dibujo animado que ganó un Oscar-‐, Three Little Pigs (1933) etc. Los personajes de Minnie Mouse, el Pato Donald, Goofy y Pluto entre otros surgieron en los años 30 y hoy en día todavía son muy populares. Blancanieves y los siete enanitos (1937), el primer largometraje de animación de la historia En 1934 Walt Disney empezó un nuevo proyecto: un largometraje musical de dibujos animados llamado Blancanieves y los siete enanitos. Todo el mundo en Hollywood lo llamó Disney's Folly, es decir, la “locura de Disney” puesto que pensaban que sería inviable, un fracaso que causaría la ruina económica de sus estudios de producción. En verdad, fue todo lo contrario. En 1937 se estrenó y fue todo un éxito arrollador tanto de crítica como de público. Blancanieves fue todo un reto. Era la primera vez que los animadores se enfrentaban a un personaje realista, que además tenía que ser una heroína. Dos estrellas hollywoodenses de la época, Shirley Temple y Janet Gaynor fueron las fuentes de inspiración para este personaje10.

10 La bruja de esta película es un personaje aterrador inolvidable, basado en los grabados de Daumier.


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Basada en el célebre cuento de los hermanos Grimm, fue el primer largometraje animado de lengua inglesa, y el primero en utilizar el Technicolor. Fue distribuido en febrero de 1938 por RKO. Fue la película con mayor éxito de taquilla de 1938 y una de las más taquilleras de toda la historia. Las influencias de esta película son variadas: desde la versión cinematográfica basada en la historia de Shakespeare Romeo y Julieta11 (1936) hasta el cine expresionista alemán (Nosferatu, 1922; el Gabinete del Doctor Caligari, 1919). De estas últimas es evidente sobre toda la escena en la que Blancanieves huye por el bosque y la Reina se transforma en una bruja. También se inspiró para esta escena en Dr. Jekyll y Mr. Hyde del año 1931. En 1993, Blancanieves y los siete enanitos se convirtió en la primera película en ser enteramente digitalizada, restaurada y regrabada como film12.

Disney recibió ocho Oscars por esta película, uno del tamaño habitual y siete en miniatura. Destacados directores de cine como Sergei Eisenstein y Charles Chaplin alabaron la película. Eisenstein la consideró la mejor película de la historia. Sobre Blancanieves se han hecho decenas de versiones. Disney siguió produciendo dibujos animados cortos pero también exitosas películas como Pinocchio (1940), Dumbo (1941), y Bambi (1942). Ni el fracaso de Fantasía (1940) ni una huelga en los estudios de animación de 1941 pudieron detener la carrera imparable de Disney. En los años 50, fueron también grandes éxitos La cenicienta (1950), Alicia en el país de las maravillas (1951), o Peter Pan (1953).

En 1950 también produjo películas de aventuras como la Isla del Tesoro (1950). Este tipo de films cada vez iba teniendo más importancia en su producción a lo largo de los años 50 y 60 pero continuó llevando a cabo películas de animación como La dama y el vagabundo (1955), La bella durmiente (1959), y 101 Dálmatas (1961). En 1955 abrió un parque temático en el sur de California, Disneyland, inspirado en un viaje que hizo a Dinamarca donde pudo visitar en Copenhague el parque de atracciones más antiguo del mundo llamado Tivoli (1843). Era un lugar de divertimento para los niños y sus familias en los que podían encontrarse con los personajes animados de Disney. Fue otro espectacular éxito.

11 Especialmente en la escena en la que Blancanieves yace en un ataúd de cristal. 12 El proyecto de restauración fue llevado a cabo enteramente en resolución 4k y profundidad de color de 10 bit usando el sistema digital Cineon para eliminar la suciedad y arañazos de la película y restaurar los colores que habían ido perdiendo intensidad.

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Walt Disney fue de los primeros productores de películas para la televisión como la serie Walt Disney's Wonderful World of Color (1954) que empezó en 1954 con el fin de promocionar Disneyland. También produjo The Mickey Mouse Club (1955) y Zorro (1957). En 1964 consiguió por fin, un sueño que llevaba acariciando desde hacía veinte años: llevar al cine la novela de Mary Poppins. Está película musical –que conjuga figuras reales con animadas-‐ es su obra maestra y desde luego, una de las favoritas del propio Disney. La odisea para poderla llevar a cabo aparece contada en la espléndida película protagonizada por Tom Hanks –pariente lejano de Disney-‐ y Emma Thompson llamada Saving Mr. Banks (Hancock, 2013). En 194o Dalí le escribió a André Breton que en Hollywood vivían tres grandes surrealistas: los hermanos Marx, Cecil B. DeMille y Walt Disney. Recordemos que fruto de la colaboración entre Dalí y Disney surgió el corto surrealista Destino13(1946). Cuando planeaba construir nuevos parques temáticos, Disney, que era un fumador empedernido –tres cajetillas diarias-‐, enfermó de cáncer de pulmón, falleciendo en 1966.

Su hermano Roy continuó con los planes de construir en Orlando (Florida) un parque temático que fue abierto en 1971 con el nombre de Walt Disney World. Walt Disney creó un imperio cinematográfico que continúa en la actualidad ya que es la mayor compañía de medios de comunicación y entretenimiento del mundo. Creó un nuevo cine con sus cuentos fantásticos inspirados en los sueños y pesadillas de la vieja Europa. Disney batió todos los records de premios de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Estados Unidos ya que ganó 22 Oscars y otros tres honoríficos, aparte de innumerables galardones. Las películas de Walt Disney se caracterizan por: *La fuente de inspiración de las tramas, los personajes, la estética de los mismos, los fondos arquitectónicos o 13 http://www.plataformaarquitectura.cl/cl/760490/cine-‐y-‐arquitectura-‐destino-‐una-‐colaboracion-‐entre-‐walt-‐disney-‐y-‐salvador-‐dali


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paisajísticos se inspiran en el arte (Gustav Doré, J.J. Grandeville entre otros), el cine expresionista alemán, y la literatura europea. De hecho, Disney contrataba a los mejores animadores y dibujantes que tuvieran un gran bagaje cultural de las distintas épocas y estilos artísticos. Sus artistas iban al cine, al teatro, visitaban museos y exposiciones buscando inspiración para las películas Disney. *Algunos edificios de las películas de animación de Disney son icónicos de un estilo o de una época, como por ejemplo, el castillo medieval de la Bella Durmiente o el de Blancanieves y los siete enanitos. Guarda muchas concomitancias con el castillo neogótico Neuschwanstein de Luis II de Baviera (siglo XIX). *Catorce de las diecisiete películas animadas en vida de Disney procedían de cuentos y leyendas europeas. La filiación a la historia de la literatura europea, fundamentalmente a los cuentos de hadas, princesas, etc. está presente en muchas de sus obras así como su vinculación con los clásicos de la literatura universal como Alicia en el País de las Maravillas de Lewis Carroll (1965) o Pinocho de Carlo Collodi (1883). Los siete enanitos de Blancanieves no se entienden sin el poema épico de la saga germánica del anillo de los nibelungos, que, recordemos aparecen en la ópera de Wagner. Tanto unos como otros buscan en un mundo subterráneo riquezas como oro (los nibelungos) y diamantes (los 7 enanitos). Los nibelungos es también una película de Fritz Lang de 1924. Los cuentos de los Hermanos Grimm son la base de muchas películas de Disney como Blancanieves, la Bella Durmiente o la Cenicienta que a su vez se nutrían de leyendas populares. *Happy End: final feliz de sus películas, aunque en algunas ellas haya hechos dramáticos como la muerte de la madre de Bambi. Las películas Disney suelen ser films con mensajes positivos que apuestan por valores como la amistad, la naturaleza o hacer el bien a los demás. *En la infancia de Disney se encuentran muchas claves de sus películas. En ellas es habitual la antropomorfización de los animales y de las plantas, que hablan, bailan, cantan e interactúan con los seres humanos. Esa pasión por la naturaleza le viene a Disney de sus recuerdos en la granja de Missouri donde vivió de pequeño. Pero esa “humanización” de esos seres vivos no lo inventó él, aparece en las fábulas de Esopo, de Jean de La Fontaine, etc. y en el arte europeo. *Muchos de sus personajes utilizan guantes blancos: Mickey Mouse, Goofy, Peter Pete, Jiminy Cricket.

APORTACIONES DE DISNEY AL CINE DE ANIMACIÓN Las películas de Disney siempre han ido a la vanguardia en lo que se refiere a la tecnología del cine de animación. A veces experimentando con técnicas por primera vez, otras veces lanzando a nivel masivo innovaciones creadas por otros. Veamos algunos de sus hitos: Interacción de actores reales con dibujos animados Cortos conocidos como Alice Comedies (1923), en los que una niña interpretada por Virginia Davis interactuaba con personajes animados de un mundo de fantasía y con su gato, llamado Julius. Sincronización de imagen y sonido en animación En 1928 Disney estrenó el revolucionario Steamboat Willie, primera película de animación con sonido protagonizada por Mickey Mouse. La primera película sonora de la historia se estrenó solo unos meses antes, en 1927, El cantor de Jazz. Technicolor Dentro de su serie Silly Symphonies, Disney fue experimentando con distintas temáticas y técnicas. En 1932, lanzó Flowers and Trees, primer corto animado en Technicolor Primer largometraje animado También en Blancanieves se presentó la cámara multiplano que inventó William Garity para la compañía. Sonido estereofónico En Fantasía en 1940 y por primera vez en una película comercial, Disney usó sonido estereofónico multicanal. Canción del Sur, en 1946, no solo fue el primer largometraje de Disney en usar a actores reales, sino el primero en hacerlos compartir escena con dibujos animados. ejemploshttp://www.bloglenovo.es/esto-‐es-‐todo-‐lo-‐que-‐ha-‐cambiado-‐el-‐cine-‐de-‐animacion-‐de-‐disney-‐en-‐mas-‐de-‐un-‐siglo/

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Innovación en el uso de Xerografía 101 Dálmatas introdujo un nuevo proceso de Xerografía: el animador Ub Iwerks había estado experimentando con cámaras Xerox, para transferir dibujos directamente a celuloide, eliminando el proceso de entintar. Animación por ordenador Tron es una película insólita, casi inexplicable desde una perspectiva empresarial, pero esencial para entender el cine de animación actual: con ella, John Lasseter comenzó a testear las posibilidades de un corto con fondos digitalizados. Fue despedido después de una reunión en la que intentó convencer a sus jefes de la conveniencia de producirlo. De ahí a Lucasfilm Computer Graphics y a Pixar desarrollaron la animación por ordenador con hitos como Toy Story, Monstruos SA o Cars. El círculo se completó cuando en abril de 2006, Disney compró Pixar y Lasseter pasó a ser director creativo de Pixar y Walt Disney Animation Studios. CAPS (Computer Animation Production System) CAPS era una colección de programas, sistemas de escaneado, servidores, ordenadores en red y estaciones de trabajo dedicadas que desarrollaron Disney y Pixar a finales de los ochenta. Este sistema eliminó la necesidad de celuloide, cámara multiplano y efectos especiales tradicionales, computarizando el proceso de entintado y coloreado, entre otros detalles de postproducción. Paradójicamente, el sistema solo se empleó en un plano de La Sirenita. La Sirenita supuso, así, la última película de la productora que incluyó en su metraje animación clásica en celuloide. Fuente de este texto: Redondus http://www.slideshare.net/redondus/2-‐fundamentos7

4. El CÓMIC14 El cómic –bande dessinée (bd) en francés, fumeto en italiano, historieta o TBO en español-‐ es el arte de narrar con ilustraciones. La palabra cómic es un anglicismo que deriva de la expresión comic strip, es decir, tira cómica. Ha estado considerado como un “arte menor”. Esa visión peyorativa hoy está superada.15 Es el Noveno Arte. Podemos considerarlo como una popular literatura de masas y al mismo tiempo como un medio de expresión artística cuyos orígenes se esconden en la noche de los tiempos. Recordemos que la narración apoyada con imágenes ya aparece en míticas civilizaciones como Egipto o Roma16. En Egipto, por ejemplo, los relieves o las pinturas venían estructuradas en bandas o registros, acompañadas de jeroglíficos. En rigor, en sentido estricto, el origen del cómic apareció a finales del siglo XIX en Estados Unidos, vinculado a la prensa norteamericana. Curiosamente surgió en paralelo al cine. El primer cómic propiamente dicho, Yellow Kid, fue creado en 1896 por el dibujante Richard Felton Outcault y se caracterizaba por una interesante novedad: lo que decían o pensaban los personajes aparecía encerrado en un “bocadillo”, una especie de globo. Precisamente, es éste uno de los rasgos distintivos del comic frente a la ilustración. En la ilustración los textos están fuera del dibujo. En los cómics es imprescindible que el lector sepa identificar a los personajes y que exista un “continuo narrativo” que desarrolla el proyecto narrativo. El objetivo del Noveno Arte es formar, informar y divertir. En ocasiones puede tener intencionalidad propagandística (política, religiosa…) Los cómics se hicieron muy populares y pronto surgieron obras maestras de este género desde inicios del siglo XX como Little Nemo in Slumberland, creado a inicios de ese siglo por Winsor McCay o los célebres Krazy Cat de George Herriman, Felix el Gato de Pat Sullivan o Mickey Mouse (desde 1929) y todos los demás personajes de la factoría del mítico Walt Disney.

14 Sobre el cómic véase el excelente ciclo de conferencias de la Fundación Mapfre “Cómic, Arte y Arquitectura” de la Fundación Mapfre: http://artpower-‐ana.blogspot.com.es/2013/11/el-‐comic-‐o-‐el-‐arte-‐de-‐narrar-‐con.html 15¿Baja cultura versus alta cultura? Es cultura y punto. 16 Así por ejemplo la columna Trajana de Roma, donde con sentido helicoidal se nos cuenta la conquista de la Dacia o las Cantigas de Santa María del siglo XIII (arte medieval).


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La temática de los cómics es de gran diversidad: policíaca, de aventuras o acción, bélica, de superhéroes, de humor, de amor, de ciencia ficción, de terror, deportes (artes marciales) y un largo etcétera. Los lectores de cómics no son sólo el público infantil o juvenil sino también el adulto.

La producción de cómics ha sido especialmente fecunda en Estados Unidos, Francia, Bélgica y Japón, siendo obras de referencia, verdaderos clásicos del noveno arte: Tintín, Dick Tracy, Flash Gordon, Batman, Superman, Tarzán, Mickey Mouse, Snoopy, Conan, Hulk, Sin City…

La historieta española, los llamados y célebres tebeos, cuentan con autores y personajes esenciales, imborrables en la memoria cultural de España, como por ejemplo Roberto Alcázar y Pedrín, Rompetechos, las

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hermanas Gilda, Zipi y Zape, Mortadelo y Filemón, el botones Sacarino, Pepe Gotera y Otilio, Carpanta etc. debidos al talento, entre otros, del genial Francisco Ibáñez. Los estilos de los cómics pueden ser muy variados: realistas, caricaturescas, o incluso combinar varios estilos en una misma viñeta. La peculiar estética del cómic ha influido en los medios de comunicación de masas, especialmente en la publicidad, el diseño, la moda, el cine o el arte, como por ejemplo, el Pop Art. Chaplin, por ejemplo, tenía muchas influencias del cómic en la elaboración de sus personajes. No hay duda que es un medio fantástico para fomentar la lectura pues como señala el escritor Luis Alberto de Cuenca “un buen cómic engancha más a lectura que un best seller". La importancia del cómic europeo: HERGÉ (1907-‐1983)17 Pudiera parecer que el cómic es un invento americano que poco tiene que ver con la cultura europea. Nada más lejos de la realidad. Si tuviéramos que destacar al autor más relevante del cómic europeo de los años 30 y décadas posteriores, sería sin duda Georges REMI, más conocido como HERGÉ. La denominación de Hergé procede de las iniciales de su apellido R y su nombre G pronunciadas en francés.

Hergé nació en Bélgica en el seno de una familia de clase media. Hergé recordaba su infancia como una época gris y mediocre. De educación católica –estudió con los jesuitas-‐, de jovencillo fue boy scout, como lo sería el propio Tintín. De hecho, ese pasado scout le marcará de por vida: el respeto por la palabra dada, el ser honrado, el hacer buenas obras, la lealtad, etc. De talante reservado, enigmático y encantador, comenzó dibujando en una revista scout, a partir de 1924 ya firma sus obras con el seudónimo Hergé. Hergé18 fue un excelente dibujante y un gran narrador. Trabajador incansable, no se tomaba nunca vacaciones. A Las Aventuras de Tintín le dedicó ¡50 años de su vida! Del mismo modo que el escritor Flaubert proclamaba que él era Madame Bovary o que Cervantes era en cierta medida también Don Quijote, Hergé podría decir: Tintín c´èst moi. Era claramente una proyección de si mismo, pero no solo el joven reportero, sino también del resto de sus personajes. Hergé con Las aventuras de Tintín creó a un héroe incontestable, un clásico de la literatura y el arte del siglo XX. Desde su primera aparición en el diario Le Petit Vingtième en 1929, Tintín se convirtió en uno de los más célebres personajes de cómic. Durante los años 30, aparte de dedicarse a Tintín, Hergé diversificó su actividad artística realizando ilustraciones de periódicos, novelas y diseños publicitarios. La primera aventura de Tintín editada en color fue en 1942 y fue una obra maestra cromática. El último Tintín se publicó en 1971.

17 Véase el excelente documental Tintín et moi: https://www.youtube.com/watch?v=8trmVNUr2U0 18 Videos sobre Hergé https://www.youtube.com/playlist?annotation_id=annotation_2914024707&feature=iv&list=PL9LWAQYUI74tBZb6fjhDMOtvkEONcWRQ4&src_vid=jo7OStiKXtI


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Durante la II Guerra Mundial, Hergé publicaba las aventuras de Tintín en el suplemento juvenil del periódico Le Soir, que a la sazón, estaba controlado por los nazis alemanes; este hecho comprometió seriamente su reputación y cuando terminó la guerra incluso fue acusado de colaboracionista, algo que él negaba radicalmente. Las fuentes de inspiración de Hergé son muy variadas: desde los grabados japoneses Ukiyo-‐E, hasta la caligrafía china, y toda una serie de pintores antiguos y modernos. Hergé admiraba a Benjamin Rabier, un ilustrador de los años 20, también al neoclásico Ingres y al renacentista Holbein, así como al arte primitivo, las máscaras africanas, el surrealismo de Joan Miró, etc. En Las aventuras de Tintín abundan las referencias al arte ya sea antiguo (egipcio), oriental, africano (máscaras) o de los siglos XIX (Sisley) o XX (Picasso). Es formidable como sintetiza el Shanghái art Déco en el Loto Azul (1934). También se inspiraba en la realidad cotidiana, los acontecimientos políticos y sociales de su tiempo y en otras culturas. Asimismo, el cine fue su gran afición desde joven, en particular sentía devoción por Charles Chaplin. El lenguaje de Hergé, su vocabulario, es muy cinematográfico, lleno de humor y cierto suspense. Hergé está considerado como el padre del cómic europeo. Perfeccionista y visionario, hacía evolucionar a sus personajes con la actualidad de su época. Así los vemos en Tintín, pero también en Les Exploits de Quick et Flupke (1930) y en Las Aventuras de Jo, Zette et Jocko (1935) Hergé se documentaba concienzudamente sobre las distintas épocas y civilizaciones que trataba en sus publicaciones para ser lo más preciso y realista posible. Tintín es un héroe literario viajero, un joven maravilloso que parece tener el don de la ubicuidad puesto que viaja por todo el mundo entre los años 30 y los 70 del siglo XX. Sus historietas son una magnífica lección de historia y geografía. Como ha señalado el tintinólogo Juan Manuel Bonet19, Tintín nos ayuda a entender el siglo XX: el colonialismo; el auge de los totalitarismos; la amenaza bélica de los años 30; el conflicto chino-‐japonés; los gánster de Chicago; las búsquedas de pecios20; los conflictos de Oriente Medio y el papel en ellos del petróleo; los Tiranos Banderas latinoamericanos; la aventura espacial-‐Tintín estuvo antes en la luna que los americanos-‐; el Pacto de Varsovia y la Guerra Fría; el tráfico de armas, drogas y eslavos; las falsificaciones de obras de arte; la ópera; las joyas, etc. También aparecen fenómenos paranormales, pesadillas, la importancia de los sueños ... Es claro que las aventuras de Tintín no son meras obras de divertimento juvenil, sino que tienen un rico trasfondo y mensajes en clave a desentrañar por el lector. Tintín nos fascina porque nos ayuda a ver el mundo con otros ojos: con la mente muy abierta, sin prejuicios, dejándonos sorprender y aprender, conociendo otras civilizaciones con espíritu de aventura. Como buen reportero le apasiona viajar, es valiente, generoso -‐ no duda en poner en riesgo su vida con tal de ayudar a un amigo Tchang21-‐ y es amante de los animales –especialmente de su particular “Rocinante”, su queridísimo Milou-‐ . Al mismo tiempo es un apasionado del arte y la cultura. También nos encanta el protagonismo coral que tienen todos los personajes como el borrachín capitán Haddock22 –una especie de amigo-‐padre-‐, Hernández y Fernández –prototípicos de los belgas de su época-‐, el profesor Tornasol, la genial cantante de ópera Castafiore... Desgraciadamente no abundan los personajes femeninos en sus aventuras. Hergé fue el creador de un nuevo estilo gráfico: la línea clara, caracterizada por la simplicidad y claridad del trazo, con dibujos muy depurados. Marca mucho el contorno y no presenta tonos intermedios ni efectos de luces y sombras, salvo, curiosamente, en sus dibujos de automóviles-‐. Aplicaba el llamado “efecto máscara”, es decir, la combinación de unos personajes un tanto caricaturescos en entornos lo más realistas posibles. Así mismo deseaba que el mensaje que transmitían sus álbumes fueran de fácil comprensión. Una faceta menos conocida de Hergé fue la de coleccionista. Era un apasionado del arte moderno y en su colección reunió pintura expresionista, Pop Art, abstracción, Minimal Art... No faltaban entre sus fondos pinturas de artistas contemporáneos como Lucio Fontana, Jean Dubuffet, Andy Warhol o Roy Lichtenstein. Puede parecer paradójico que Hergé que era un fabuloso ilustrador y un maestro de la figuración, viviera rodeado de arte abstracto. Consideraba que era la otra versión de sí mismo.

19 Véase su disertación sobre Tintín en la conferencia “Héroes del Cómic Internacional” de la Fundación Mapfre: https://www.youtube.com/watch?v=DnXIvBhGt-‐o 20 Según la RAE: “Pedazo o fragmento de la nave que ha naufragado”. 21 Por ejemplo en Tintín en el Tíbet (1960). 22 Fue censurado en Estados Unidos por su afición al alcohol.

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Hergé, en pleno reconocimiento internacional de su obra, murió en 1983 de leucemia. Su clamoroso éxito se demuestra con un dato: se han vendido más de 250 millones de ejemplares de sus 24 álbumes en más de 100 lenguas y dialectos de todo el mundo. En Louvain-‐la-‐Neuve (Bélgica) se encuentra el Musée Hergé dedicado a este genial artista y su obra. HERGÉ, el pintor surrealista René MAGRITTE y el escritor Georges SIMENON son los máximos exponentes de la cultura belga del siglo XX.


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Las claves sociológicas y personales de los superhéroes del cómic: SUPERMAN, BATMAN Y CAPITÁN AMERICA Los superhéroes son personajes de ficción literaria -‐ cómics y novelas gráficas -‐ así como cinematográficos que cuentan con poderes sobrehumanos. El héroe dotado con poderes superiores a los del hombre común es una constante del imaginario colectivo, cuyos orígenes remotos podrían remontarse a la mitología grecorromana –Hércules por ejemplo-‐, germánica –Sigfrido-‐ o literaria como Pantagruel o el mismísimo Peter Pan. En ocasiones entroncan con la ciencia ficción. Comparten, sin embargo, pocos puntos o ninguno en común con el Superhombre del nihilista Nietzsche. Los superhéroes en los cómics surgieron en los años 30 en Estados Unidos en plena época del New Deal tras el crash de la Bolsa de Nueva York de 1929. Recordemos que por aquel entonces el presidente Roosevelt arengaba al pueblo sobre la necesidad de no tener miedo. Los valerosos superhéroes son emblemas culturales americanos del siglo XX, como los personajes de Disney o el Pop Art, dicho con otras palabras, son representativos del American way of life que enfatiza el individualismo, la meritocracia, el sentido pragmático, un cierto optimismo que invita a no rendirse ante las dificultades y un sentido filantrópico de la vida. Habitualmente son seres humanoides que cuentan con capacidades especiales sobrehumanas y presentan un origen extraterrestre o bien son semidioses, robots o replicantes. En ocasiones son fruto de experimentos científicos como el Capitán América, el increíble Hulk o Spiderman. De físico imponente, dotados de gran inteligencia y fuerza sobrehumana, los superhéroes tienen generalmente una finalidad mesiánica, son salvadores de la humanidad. Gracias a los artilugios, herramientas y poderes que poseen pueden hacer frente al mal e impartir justicia. Combaten a malvados, crímenes, catástrofes y todo tipo de amenazas que se ciernen sobre los humanos, especialmente los más débiles e indefensos. Por ello no es raro que puedan volar, tengan fuerza ilimitada, telepatía, escalen edificios sin dificultad, etc. Su perfección anatómica suele seguir cánones cercanos a los grecolatinos, aunque puedan seguir otras estéticas, como la del manga. Es habitual que tengan dos identidades, dos personalidades: una humana, aparentando ser una persona normal y otra como superhéroe. Son los casos de Clark Kent23 –Superman-‐ y Peter Parker –Spiderman-‐, por citar solo dos ejemplos. Esa doble identidad favorece un cierto suspense en la estructura narrativa de estas historietas. Curiosamente, cuando aparecen como superhéroes suelen llevar trajes ajustadísimos que marcan sus hercúleas anatomías. Los superhéroes no existirían sin sus malvados enemigos. Son personajes con características similares a las de los superhéroes pero anhelan el mal y por ello van a entrar en conflicto con ellos: el Duende Verde (de Spiderman), el Joker (de Batman), el Mandarín (de Iron Man), Lex Luthor (de Superman) o Red Skull (del Capitán América). No debemos olvidarnos del correlato femenino de los superhéroes, las superheroínas, porque como las meigas, “haberlas haylas”: Wonder Woman, Catwoman, Capitana Marvel, Tormenta, Kitty Pride y un largo etcétera. Superman Probablemente el más conocido entre todos los superhéroes sea Superman, al menos es el primero que surgió. Fue creado en 1938 por Jerry SIEGEL y Joe SHUSTER para la revista Action Comic de la editorial DC. En realidad Superman es Kal-‐El, hijo de Jor-‐El y Lara, habitantes de Krypton. Sus padres le enviaron a la tierra justo antes de que explotara Krypton. Cuando llegó a nuestro planeta fue adoptado por dos estadounidenses, Jonathan

23 Como señaló Umberto Eco en su formidable estudio “Apocalípticos e integrados” (1964), Clark Kent es un señor normal y corriente, tímido, un poco tonto, miope y perdidamente enamorado de una mujer que le desprecia, su colega Lois Lane, que en cambio, está enamoradísima de su alter ego, Superman.

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y Martha Kent que le pusieron el nombre de Clark. Su objetivo es defender a los que lo necesiten haciendo el bien. Su S del pecho simboliza su legado kryptoniano. Superman tuvo un éxito inmediato y fulminante. Con él comenzó la Edad de Oro del cómic americano, siendo modelo para toda una pléyade de personajes similares que inundaron las historietas de los años 30 y 40.

Batman Batman apareció en 1939, un año después de Superman, siendo creado por Bob KANE y Bill FINGER para la editorial DC. Si Superman era el hombre de acero, Batman es su contrapunto, el caballero oscuro. Bruce Wayne presenció como sus padres eran asesinados por un ladrón de poca monta en una peligrosa calle de Gotham. A partir de ese momento decidió combatir el crimen disfrazándose de murciélago para así suscitar temor entre sus enemigos.

A diferencia de otros superhéroes, Batman no posee superpoderes, pero cuenta con una inteligencia fuera de lo común, destreza física y habilidades detectivescas. En definitiva, es una especie de Sherlock Holmes en superhéroe. Su “Doctor Watson”, siguiendo el símil con Sherlock Holmes, sería su fiel mayordomo, médico y amigo Alfred Pennyworth. Robin y Batgirl son sus ayudantes. Cuenta además, con infinidad de aparatos y vehículos de altísima tecnología para llevar a cabo sus planes anticrimen. Existen infinitas versiones sobre Batman.


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Capitán América El exitoso Capitán América surgió en 1941 siendo sus creadores Joe SIMON y Jack KIRBY. Fue el primer superhéroe de la mítica editorial Marvel. El Capitán América es el trasunto de Steve Rogers, un militar que lideró el ejército de los Estados Unidos durante la II Guerra Mundial. Sus superpoderes proceden de un suero misterioso que tomó y que le permitió desarrollar no solo un físico espectacular, con una fuerza descomunal, también una inteligencia sorprendente. Se convirtió, así, en un supersoldado a mayor gloria de América. Por lo demás, se podría decir que fue un agente del gobierno estadounidense, ya que éste es quien le inoculó el suero mágico. Esta pócima además, le hizo inmune a todo tipo de enfermedades, gases venenosos y demás peligros para su salud. En una misión el Capitán América y su compañero Bucky Barnes supuestamente mueren al tratar de controlar un misil aéreo. Pero realmente no estaban muertos, el Capitán América se había quedado congelado y cuando aparecieron Los Vengadores le encontraron y le devolvieron a la vida, décadas después de terminada la II Guerra Mundial. Pasó así a convertirse en el líder de los Vengadores. Gran estratega superpatriota, su objetivo es llevar a cabo misiones de alto secreto. Entre sus herramientas cuenta con un prodigioso escudo con el que puede impactar contra varios blancos a la vez con un solo lanzamiento. FUENTES DE IMÁGENES Y DOCUMENTACIÓN Blog de Redondus: https://sites.google.com/site/fundamentosdelarteii/home www.wikiart.org http://www.retrowaste.com/1930s/ video de historia https://www.youtube.com/watch?v=IfGu0dTNo_0 http://www.imdb.com/name/nm0000370/?ref_=fn_al_nm_1 http://www.npg.org.uk/whatson/exhibitions/20041/cecil-‐beaton-‐portraits.php http://www.imdb.com/name/nm0000370/mediaviewer/rm3758993408 http://disney.wikia.com/wiki/Saving_Mr._Banks http://artpower-‐ana.blogspot.com.es/2013/11/el-‐comic-‐o-‐el-‐arte-‐de-‐narrar-‐con.html http://en.tintin.com/news/index/rub/0/id/4815/0/who-‐is-‐your-‐hero https://www.fastcodesign.com/3053759/how-‐modern-‐art-‐and-‐design-‐influenced-‐the-‐beloved-‐cartoon-‐tintin/1 http://www.ina.fr/video/I08280435/herge-‐a-‐propos-‐de-‐tintin-‐dieu-‐et-‐les-‐femmes-‐video.html http://fr.tintin.com/herge http://www.actuabd.com/Herge-‐est-‐l-‐art https://www.youtube.com/watch?v=R_avNyTRaqc http://comicritico.blogspot.com.es/2014/01/top-‐50-‐mejores-‐superheroes-‐y-‐personajes.html http://www.dccomics.com/characters/batman

apuntes fundamentos del arte ii: tema 7. la gran depresiÓn de los aÑos 30 y el arte de su Época

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