art arte corporal

pintores famosos

boteroy su arte

arte de la edad moderna

19 julis de 2012 medellinwww.art1912.com

art1912@gmail.comISSN:0719--1990

EDICION 140.000$

arte corporal

arte de la edad moderna

19 julio de 2012 medellinwww.art1912.com

art1912@gmail.comISSN:0719--1990

EDICION 140.000$

botero y su artepintores famosos

art

BOTERO Y SU ARTE 4 5 6 7 EL ARTE 8 9ARTE CORPORAL 10

ARTE MODERNO 11LEONARDO DA VINCI 12 13OPERA 14

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artzGerente General Director Editor Consejo editorial Diseño editorial Coordinacion editorial Colaboradores Fotograsfias

Produccion Correccion

preprensa

Produccion fotografica

La revista art trata de enfocarse en todos lo aspectos del arte desde la opera hasta el arte coorporal abarcando todo centido. enfocando-nos en lo que gusta ha todo tipo de personas . en esta edicion mostramos las diferentes facetas del arte , como es la pintura sus pintores el arte urbano entre otros temas .la revsta es de un diseño ciertamente simple facil de entender y comprender interezante en todos sus aspectos.para enfocarme en lo que intereza la revista tiene un contenido interezante y variado para gente adulta como joven facil de entender com-prender y analizar.

GUSTAVO ADOLFO SEGURO ROMERO

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y su arte

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Fernando Botero Angulo es un pin-tor, escultor y dibujante nacido el 19 de abril de 1932 en Medellín (Co-lombia). Icono universal del arte, su extensa obra es reconocida por niños y adultos de todas partes por igual. Es considerado el artista vivo originario de Latinoamérica más reconocido y cotizado actualmente en el mundo.La extensa obra de su autoría, lleva impreso un original estilo figurativo, denominado por algunos como "Bo-terismo", el cual les da una identidad inconfundible y conmovedora a las mismas, y se caracteriza por la inter-pretación que da el artista a diversas temáticas (el ser humano, la mujer, el hombre, sus sentimientos, pasiones, dolores, creencias, vicios, su cotidia-nidad, sus relaciones interpersonales, manifestaciones culturales, así como dramas, acontecimientos y personajes históricos, sociales y políticos, hitos del arte, hasta objetos, animales, pai-sajes y la naturaleza en general), con una volumetria exagerada y despro-porcionada, ligada a una concepción anatómica particular, uso magistral del color y finos detalles de crítica mordaz, ironía, humor, mensajes sutiles, e ingenuidad.Fue estudiante de la Universidad Na-cional de Colombia y docente de esta institución entre 1958 y 1960.Actualmente productivo, itinera entre sus afamados estudios de escultu-ras de Pietra Santa, Italia y los de pintura en París (Francia), Nueva York(Estados Unidos de America) y de Montecarlo (Principado de Monaco); así mismo, dedica tiempo al dibujo algunos días del año en Zihuatanejo, Méxicoy Rionegro, en Colombia.En noviembre de 2011, expuso a la luz pública por primera vez, la serie de pinturas tituladas El Viacrucis en la Galería MarlBorough en Man-hattan (New York).

De pequeño fue inscrito en un liceo de toreros de la ciudad de

Medellín a petición de un tío, quien no se imaginaba que su verdadera vocación era la pintura. Tuvo un percance con los toros, lo que hizo que él los dejara. Es de notar que en ese período hizo su primera obra, una acuarela de un torero. Una vez que su familia comprendió su vocación, Bo-tero realizó su primera exposición en su ciudad natal (Medellín) en 1948.

Ese mismo año, Botero se trasladó a Bogotá para la inauguración de la Exposición de artistas Antioqueños, en donde presentó dos de sus acua-relas. De regreso a Medellín, realizó ilustraciones para uno de los periódi-cos locales (El Colombiano), lo que le acarreó la expulsión del plantel en el que estudiaba, ya que sus dibujos eran considerados como obscenos.

pablo escobar

En 1966 fue organizada en Alemania su primera exposi-ción en Europa. Una nueva muestra en el Milwaukee Art Center recibió críticas ampliamente positivas. Es así como Botero empezó un período de muestras y exposiciones entre Europa, los Estados Unidos y su patria, Colombia. En 1969 expuso en París; fue a partir de ese momento que Botero empezó un peregrinaje por todo el mundo en busca de inspiración; se movía continuamente de Bogotá a Nueva York y a Europa.En 1970 nació en Nueva York su hijo Pedro Botero, comúnmente llamado Pedrito. Paralelamente, su fama

mundial aumentaba cada vez más y lo convirtió en ese entonces en el escultor viviente más cotizado del planeta. En 1974, cuando su hijo apenas tenía cuatro años, Botero tuvo un accidente de tránsito en España, lo que le costó la vida a Pedrito.

boteromona lisa

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art8

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ARTE CORPORALPiercing (anglicismo, gerundio del verbo to pierce: agujerear, perfo-rar, atravesar1 ; escrito también «pirsin»2 ) es la práctica de perforar o cortar una parte del cuerpo humano, generalmente para insertar are- tes o pendientes. Estas perforaciones son una forma de modificación corpo- ral y reflejan tanto valores culturales, como religiosos y espirituales, y además parte de la moda, erotismo, inconformismo o identificación con una subcultura.En la historia occidental, tradicionalmente sólo se practicaba a las mujeres un único agujero en las orejas desde pequeñas para toda su vida; sin embargo, en otras culturas del mundo y en la cultura occidental en la actualidad y en épocas antiguas, también se perforan varias partes del cuerpo en ambos sexos.

piercing

La pintura corporal o body painting es una pintura artística aplicada a la piel y se considera una de las primeras

formas de expresión plástica utilizadas por nuestros antepasados. El hom-bre prehistórico descubrió la tierra coloreada, el carbón de madera, la tiza, la

sangre de los animales y muchos otros pigmentos que tal vez sirvieron, como pinturas de guerra, para impresionar al enemigo o se utilizaron como señal reco-

nocimiento en la propia tribu. Esta técnica de maquillaje primitivo pudo también servir de camuflaje para la caza.

Probablemente incluso antes de que se grabase la primera piedra, el hombre aplicaba pigmentos sobre su cuerpo para afirmar su identidad, la pertenencia a su grupo y situar-

se con relación a su ambiente. Esta prácticaservía como instrumento de transformación; los dibujos y los colores permitían cambiar de identidad, señalar la entrada en un nuevo

estado o grupo social, definir una posición ritual o reafirmar la pertenencia a una comunidad determinada, o se utilizaban sencillamente como ornamento.

pintura corporal

Los tatuajes fueron una práctica eurasiática en tiempos neolíticos, y se han encontrado incluso en una momia del siglo II d.CEn 1991 se encontró una momia neolítica dentro de un glaciar de los Alpes austro-italianos, con 57 tatuajes en la espalda. Esta momia es conocida como el Hombre del Hielo o como Ötzi, es el cadáver humano con piel más antiguo que se ha encontrado, y su antigüedad varía según distintos autores: Cate Lineberry, del Smithsonian, calcula para él unos 5,200 años de antigüedad. A partir de este descubrimiento se puede decir que el tatuaje es tan antiguo como el propio ser humano. Sin embargo, las distintas culturas que utilizaron el tatuaje lo hicieron de distintas maneras; tanto como arte, en el sentido de creación de significados rituales o simbólicos, como ocurría en el Antiguo Egipto, como para marcar o señalar a los criminales, que es el caso de las antiguas Grecia y Roma. Incluso se cree que, por su posición en el Hombre de Hielo, las marcas cumplieron un fin terapéutico.

tatuajes

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a r t e moderno

Arte moderno es un término propio de distintos ámbitos

del mundo

del arte (la historiografía del

arte, la estética y teoría

del arte y el mercado de arte), que pretende diferenciar una parte de la

producción artística, que se identificaría con un determinado concepto de moder-

nidad por oposición al denominado arte académico. Este representaría la tradición;

mientras que el arte moderno representaría la experimentación.1

Al ser esencialmente un concepto estético y no cronológico, cualquier

delimitación de un periodo para el "arte moderno" es problemática,

empezando por una dificultad obvia: el arte de la Edad Moderna (de

mediados del siglo XV a finales del siglo XVIII) no es lo que se en-

tiende como "arte moderno", mientras que sí lo es el arte de la Edad

Contemporánea (desde finales del siglo XVIII hasta la actualidad). Otra

ambigüedad evidente es la utilización de la expresión "arte moderno" en

oposición a "arte antiguo", que tampoco coincide siempre con el arte de

la Edad Antigua (desde el inicio de la historia hasta el siglo V-), espe-

cialmente en formas como "maestros antiguos" y "maestros modernos",

siendo aquellos los del siglo XV al XVII, y estos los posteriores, épocas

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leonardo da vinci

Leonardo da Vinci (Leonardo di ser Piero da Vinci escuchar) fue un pintor italiano nativo de Florencia. Notable polímata del Re-

nacimiento italiano (a la vez anatomista, arquitecto, artista, botánico, científico, escritor, escultor, filósofo, ingeniero, inventor, músico,

poeta y urbanista) nació en Vinci el 15 de abril de 14522 y falleció en Amboise el 2 de mayo de 1519, a los 67 años, acompañado de su fiel

Francesco Melzi, a quien legó sus proyectos, diseños y pinturas.2 Tras pasar su infancia en su ciudad natal, Leonardo estudió con el célebre

pintor florentino Andrea de Verrocchio. Sus primeros trabajos de importancia fueron creados en Milán al servicio del duque Ludovico Sfor-

za. Trabajó a continuación en Roma, Boloña y Venecia, y pasó los últimos años de su vida en Francia, por invitación del rey Francisco I.

Frecuentemente descrito como un arquetipo y símbolo del hombre del Renacimiento, genio universal,

además de filósofo humanista cuya curiosidad infinita sólo puede ser equiparable a su capacidad

inventiva,3 Leonardo da Vinci es considerado como uno de los más grandes pintores de todos

los tiempos y, probablemente, es la persona con el mayor número de talentos en múltiples

disciplinas que jamás ha existido.4

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leonardo da vinciSu asociación histórica más famosa es la pintura, siendo dos de sus obras más célebres, La

Gioconda y La Última Cena, copiadas y parodiadas en varias ocasiones, al igual que su dibu-

jo del Hombre de Vitruvio, que llegaría a ser retomado en numerosos trabajos derivados. No

obstante, sólo se conocen una quincena de sus obras, debido principalmente a sus constantes

(y a veces desastrosos) experimentos con nuevas técnicas y a su inconstancia crónica.Nota 2 Este

reducido número de creaciones, junto con sus cuadernos que contienen dibujos, diagramas cientí-

ficos y reflexiones sobre la naturaleza de la pintura, constituyen un

legado para las sucesivas

generaciones de artistas, llegando a ser igualado únicamente por

Miguel Ángel.

Como ingeniero e inventor, Leonardo desarrolló ideas muy

adelantadas a su tiempo, tales como el

helicóptero, el carro de combate, el submarino y el automóvil. Muy pocos de sus proyectos llegaron a construirse

(entre ellos la máquina para medir el límite elástico de un cable),Nota 3 puesto que la mayoría no eran realizables aún

en esa época.Nota 4 Como científico, Leonardo da Vinci hizo progresar mucho el conocimiento en las áreas de anato-

mía, la ingeniería civil, la óptica y la hidrodinámica.

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La voz ópera (del italiano opera, "obra musical") de-signa, desde aproximadamente el año 1650, un género de música teatral en el que una acción escénica es armonizada, cantada y tiene acompañamiento instru-mental (en algunas ocasiones con pequeños adornos), donde los actores utilizan estilos poco comunes al can-tar. Las presentaciones son ofrecidas típicamente en teatros de ópera, acompañados por una orquesta o una agrupación musical menor. La ópera forma parte de la tradición de la música clásica europea u occidental.1La ópera se suele diferenciar de los otros géneros de teatro musical aceptándose que, a diferencia de ellos, la ópera es una representación completamente acompañada por música. La historia del género demuestra que tal afirmación no es correcta. Si bien la ópera se diferencia del teatro recitado por la extraordinaria participación de la música en su cons-titución, ya desde el barroco se conocían formas limítrofes como la Mascarada, la Ópera de baladas, la Zarzuela y el Singspiel que se confunden en no pocos casos con la ópera. Así, los Singspiele de Wolfgang Amadeus Mozart se con-sideran óperas al igual que las zarzuelas de José de Nebra, mientras que Die Dreigroschenoper (la Ópera de los tres centavos) de Kurt Weill está, en realidad, mucho más próxi-ma al teatro recitado que a la ópera. Finalmente, hay otros géneros próximos a la ópera como lo son las ópera-ballet del barroco francés y algunas obras neoclasicistas del siglo XX como, por ejemplo, algunas obras de Igor Stravinsky. No obstante, en estas obras la parte principal expresiva recae en la danza mientras que el canto es relegado a un papel secundario. Al respecto de la diferencia entre la ópera y la Zarzuela, la Opereta, el Singspiel y el Musical inglés y es-tadounidense, la delimitación nace de una diferencia formal.

opera

¿Cómo surgió la idea del vía crucis?Yo tenía interés en tratar un tema dramático. He trabajado mucho sobre temas amables porque la historia de la pintura, si se mira panorámicamente, está llena de obras más amables que dramáticas. Por ejemplo, si uno mira los impresionistas, no verá nunca un cuadro triste ni melancólico, ni dramático en todo el movimiento. Hacia atrás, Tiziano y Vermeer son amables, presentan una surrealismo que uno quisiera compartir.

¿Pero un pintor no necesita de pronto expresar algo dramático?Así es. Yo lo he hecho varias veces en mi vida. He trabajado sobre la violencia en Colombia, sobre la tortura en Abu Ghraib. Ahora, tenía necesidad otra vez de expresar un tema dramático y apareció el vía crucis. No expreso ninguna sátira, ni ningún humor, como alguna vez he hecho en mis cuadros. Expreso la violencia con la que combatió la divinidad de Cristo.

¿Pero antes no era el tema obligado de los pintores?Lo fue antes del siglo XVI. Después, empezó a ser importante la mitología y, después, el retrato y, luego, desapareció. En el siglo XIX no hay una manifestación pictórica importante sobre la vida de Cristo. En el siglo XX hay apenas una pequeña acuarela de Picasso, no muy importante para un hombre que pintó todo. George Rouault hizo unos cuadros sobre la vida de Cristo y yo tenía admiración por él; inclusive, regalé un cuadro suyo al Museo de Bogotá.

¿Por qué dice "tenía"? ¿Qué lo decepcionó?Vi la exposición de 150 obras suyas en el museo de Bilbao hace 2 ó 3 meses y encontré que eran muy caóticas. El pintor estaba interesado más en la textura, que en la religión misma y en su interpretación. El tema es tan vasto, tan maravilloso y tan poco tratado, que pensé que era ideal.

¿Cuándo y dónde presentará las obras del vía crucis?En noviembre, en Nueva York, posiblemente el sitio menos propicio porque es una sociedad completamente secular, donde la gente no piensa más que en los negocios. Que, de pronto, le traigan a Cristo es lo opuesto a todo lo que significa y hace Nueva York, ciudad que hoy es una apología del vicio.

¿La idea es ilustrar el recorrido de 14 estaciones de Jesús hacia su crucifixión?No es una exposición con las 14 estaciones. Son muchos aspectos de su camino de vía crucis: el beso de Judas, la crucifixión misma, el dolor de la Virgen, el entierro de Cris-to, Poncio Pilatos, la presentación de la corona de espinas, el Ecce Homo, el camino cargando la cruz...

¿En que galería de Nueva York será la exposición?En la Marlborough, una de las más tradicionales de Nueva York. Yo le dije a Pierre Levai, el director, que posiblemente no se vendería ni un cuadro porque el tema religioso no interesa mucho y porque casi nadie quiere tener cuadros con sangre en la casa. Pierre me dijo: "Hacemos la exposi-ción. Si no se vende nada, no importa". Afortunadamente, tengo una galería que me deja expresar lo que yo quiero.

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