Arte Informal

Arte Informal

El informalismo es un movimiento pictórico que abarca todas las tendencias abstractas y gestuales que se desarrollaron en Francia y el resto de Europa después de la Segunda Guerra Mundial.

Dentro de él se distinguen diferentes corrientes:

abstracción lírica

pintura matérica

tachismo

espacialismo

art brut

Características

El crítico de arte francés Michel Tapié acuñó el término art autre (arte otro) en el libro homónimo, de 1952, sobre el arte abstracto no geométrico.

Dentro de esta tendencia, cada artista deja toda la libertad a lo imprevisto de las materias (gusto por la mancha y por el azar) y a la aleatoriedad del gesto, rechazando el dibujo y el control, así como la concepción tradicional de la pintura y su desarrollo, que va de la idea a la obra terminada, pasando por los esbozos y los proyectos; es una obra abierta que el espectador puede leer libremente.

La aventura pictórica es completamente nueva: en vez de ir de un significado para construir signos, el artista comienza por la fabricación de signos y da a continuación el sentido.

La espontaneidad del gesto, el automatismo, el empleo expresivo de la materia, inexistencia de ideas preconcebidas, la experiencia de lo hecho hace nacer la idea, la obra es el lugar y el momento privilegiado en que el artista se descubre; es el final de la reproducción del objeto para la representación del tema que se convierte en la finalidad de la pintura, con un aspecto a veces caligráfico, pudiendo hablarse de una «Abstracción caligráfica».

La contribución de la música produjo el arte informal musical.

Actividad automática

El movimiento o actividad propios de un mecanismo automático o un autómata

En seres vivos, acciones inconscientes o involuntarias: reflejos, taxias, etc. También, en cierto modo, los instintos y el condicionamiento.

En fisiología humana, los tics

Laurent Jiménez-Balaguer

Las obras de Laurent Jiménez-Balaguer destacan el desarrolla de un lenguaje de signos mediante los cuales es capaz de comunicar un lenguaje universal de la interioridad y la deconstrucción de la idea según la cual un lenguaje privado no puede ser entendido por otro que uno mismo.

Laurent Jiménez-Balaguer Laurent Jiménez-Balaguer, nació el 14 de enero de 1928 en España.

Vive y trabaja en París. En los años 50 se convirtió en uno de los más destacados pintores del Arte Catalán como iniciador de un lenguaje privado. Pertenece al Expresionismo Abstracto y al Informalismo europeo. Estas vanguardias posmodernas se han caracterizado por su reivindicación multicultural mediante sus texturas pictóricas, así como por la necesidad de inventar una nueva mente.

Jiménez-Balaguer construye un conocimiento del psiquismo humano basándose en el modelo del lenguaje de Saussure afín de mostrar que la pintura es un medio para el conocimiento del sujeto. Insiste sobre la idea de una construcción necesaria del Yo y en su visualización-proyección.

El sujeto tiene que luchar para la construcción de su Yo.

Dos arquetipos fundamentales estructuran su campo de investigación: el Cuerpo-Memoria y el Exterior-Interior

Al principio, pinta figuras humanas que infunden sentimiento metafísico. Sus obras tratan de entrar en el interior del individuo, el cual no está determinado solamente por un género sexual o una identidad cultural peculiar.

Según Jiménez-Balaguer, la pintura permite un acto de conocimiento exacto de uno mismo, con la proyección de una materia prima mediante una representación espontánea.Al seguir los parámetros de la tradición filosófica occidental, piensa que toda expresión es expresión de algo, por lo tanto, el signo se refiere a una realidad que construye el objeto en el mismo tiempo que la significación.Según la tradición occidental, todo está relacionado, teniendo sus redes de correspondencias: todo está conectado y la significación se construye por analogía. De aquí surge su concepto de Otra Realidad, y su trabajo sobre las fronteras y el concepto de límite.

Lo Real, entendido simbólicamente, está ubicado entre el Interior y el Exterior, entre la Corporeidad y la Memoria. Una de sus grandes aportaciones al arte contemporáneo y a la pintura del siglo XXI fue referirse a esta “ Otra Realidad ” con un signo lingüístico-pictórico.

La Abstracción Lírica Catalana Sus intuiciones son muy cercanas a las de Merleau-Ponty con su

defensa del cuerpo como sujeto, y de las de Wittgenstein : “ El cuerpo humano es la mejor imagen del alma humana. ”

La cultura catalana está en la búsqueda de sus señas de identidad, envergadura y especificidad, y se opone al arte oficial. Los pintores del siglo XX, principalmente Joan Miró, insisten en la necesidad de un arte nuevo.

En 1957, en los Salones de Mayo europeos, la juventud intelectual, Antoni Tàpies, Laurent Jiménez-Balaguer, presentan sus obras. Todos estos pintores informalistas muestran una visión crítica hacia un mundo de biopoder, de opresión y de exclusión, dominado por los diversos imperialismos.

Informalismo e Información

En los años 70, debido a la fuerte conexión con la época posestructuralista, el pintor sigue explorando las posibilidades de un conocimiento del Yo. Los cuadros de Jiménez-Balaguer son la proyección de la visualización del interior desconocido.

Pese la abstracción de las imágenes, él piensa que estas no tienen porqué resultar misteriosas, mágicas y mudas: más bien tienen que conseguir comunicar significaciones.

Desde entonces, la belleza de un signo es poder dar una información universal sobre un fenómeno humano que permite otorgar al sujeto mayor poder.

Aunque por definición, lo Informe es lo que no tiene forma, Jiménez-Balaguer quiere indagar en la segunda acepción de la palabra. Como toda palabra “ Informe ” no es un concepto unívoco, sino polisémico. “ Informe ” es igualmente la exposición, ordenada y exhaustiva, sobre el estado de una cuestión.Según Jiménez-Balaguer lo Informal es un informe que todavía no tiene forma, y el Informalismo es la ciencia de la nueva forma que se está creando.

El Informalismo deviene, desde este punto de vista, la corriente del arte que visualiza el espacio donde se construye la significación. En otras palabras: pensar “Informe ” es pensar “Información”.

Jiménez-Balaguer averigua el poder de la pintura como fuerza.

Piensa que la imagen informalista es testimonio de una memoria semiótica presimbólica. Por lo tanto, su meta es revelar un lenguaje de lo pre-lingüístico, basado en la memoria de lo más entrañable, y que dota de estructura al ser. Es durante estos años cuando el pintor se libera de la destrucción estética de los años 50 y de las rascaduras del Informalismo de la posguerra para entrar en el siglo XXI.

De hecho, tras los arañazos, las rayas, las amputaciones, la fragmentación de la visión explotada, los detalles de la herida, de la interiorización de la negatividad y la violencia ejercitada contra la materia del ser, está la psique humana, que es capaz de reconstruirse.Jiménez-Balaguer focaliza todo su arte en la transformación de la violencia en Forma.

Constitución de un lenguaje universal de la Interioridad

A partir de los años 60, se instala en París con María Teresa Andreu (Mery). Tienen cuatro hijos: Christian, Virginie, Valérie, y Eric, y se pone en contacto con los intelectuales y los filósofos de París. Se relaciona con el joyero parisino Jean Vendome. En 1961, es presentado a Antoni Clavé y a Stephen Spender en la Galería Saint-Germain. A partir de este momento y durante veinte años, desarrolla un lenguaje de signos mediante los cuales En 1990, Laurent Jiménez-Balaguer elabora el primer sistema de significantes de un lenguaje universal de la interioridad. Cada cuadro se convierte en el espacio de la visualización del lenguaje universal de la interioridad, desde el cual se comprueba la construcción del sujeto.Su trabajo interroga los clásicos atributos del sujeto: el tiempo, la memoria adquirida y el sufrimiento. Sus obras indagan en dichos elementos, es capaz de comunicar un lenguaje universal de la interioridad.

En el año 2000, empieza sus diálogos filosóficos con Alexis Virginie Jimenez sobre la pintura catalana y el Informalismo de los años 50 ; juntos crean la corriente artística: el Nuevo Informalismo. El movimiento nace en el año 2000 en Chevry II (Gif sur Yvettes), donde está su taller.

El artista cuestiona qué hay que hacer con los puntos cardinales de la metafísica occidental y como se debería de interpretar una nueva concepción de la identidad humana.

Abstracción lírica La Abstracción lírica es una tendencia dentro de la pintura abstracta que se

desarrolló a partir de 1910 que se toma usualmente como referencia para marcar el comienzo de la pintura abstracta: una acuarela de este pintor titulada precisamente Primera acuarela abstracta. De este mismo año es su obra De lo espiritual en el arte. Kandinsky ejemplifica esta abstracción espontánea. Llegó, entre 1910 y 1912, a una abstracción impregnada de sentimiento.

El tema que desarrollan los pintores de la abstracción lírica es la expresión de la emoción pictórica del artista, individual e inmediata. Rechazan representar la realidad de forma objetiva. La técnica preferida de estos pintores fue la acuarela, pintando igualmente bocetos y apuntes pequeños. Predomina el color sobre la forma.

Se considera que el creador de la abstracción lírica fue Wassily Kandinsky.

En Francia, Robert Delaunay elaboró, desde 1912, a partir de las teorías de Chevreul sobre el contraste simultáneo de los colores, sus Ventanas y sus primeras Formas circulares cósmicas abstractas. Uno de los precursores de esta tendencia fue Frank Kupka (1871-1957), pudiendo citarse su obra Las teclas del piano (1909, Galería Nacional de Praga); expuso en el Salón de Otoño de 1912 Amorfa, fuga de dos colores y en 1913 Planos verticales azules y rojos.

En la misma época, en Rusia, Mijaíl Larionov y Natalia Goncharova llevaron hasta la abstracción pura su método de transcripción del fenómeno luminoso, al que denominaron rayonismo.

Posteriormente, cultivaron la abstracción lírica una serie de artistas parisinos después de la Segunda guerra mundial, en oposición a la abstracción geométrica.

Pintura matérica La Pintura matérica es una corriente pictórica, dentro del

informalismo europeo posterior a la Segunda Guerra Mundial. Se desarrolló desde finales de los años cuarenta y principios de los años cincuenta. Se considera que surgió en Francia, con la obra de Fautrier y Dubuffet. Además del Art brut de Dubuffet, puede considerarse que es pintura matérica el espacialismo de Fontana. Francia, Italia y España son, pues, los países en los que más se ha cultivado esta pintura matérica.

Su característica principal es ser una pintura abstracta que se realiza con materias diversas a las tradicionales, incluyendo en el cuadro arena, arpillera, chatarra, harapos, madera, serrín, vidrio o yeso. Además de añadirle estos materiales no tradicionales, los pintores actúan sobre la obra destruyéndola en parte con cortes, perforaciones o desgarrones. El colorido es variado. La composición se diferencia entre zonas con materia y zonas de no materia.

Artistas con una tendencia matérica Giuseppe Bertini

Joseph Beuys introdujo en su obra objetos encontrados, creando trabajos pictórico-plásticos;

Alberto Burri, usó arpillera quemada y destruida, junto a zonas coloreadas;

Jean Dubuffet

Jean Fautrier

Lucio Fontana

Laurent Jiménez-Balaguer, con arena, clavos, tejidos;

Zoltán Kemény

Manolo Millares

Toti Scialoja

Antoni Tàpies, con sus añadidos de arena y aglutinantes a la pintura, haciendo hendiduras y rayas en el propio cuadro.

Luigi Malice

Wolf Vostell, introdujo en su obra objetos como el televisor en 1958, piezas de automóvil o objetos encontrados;

Josep Guixá

Tachismo El Tachismo (en idioma español, Tachisme, derivado de la palabra

francesa tache - mancha) fue un estilo de pintura abstracta francés desarrollado durante los años 1940 y 1950. A menudo se le considera el equivalente europeo al expresionismo abstracto. Pertenece al movimiento más amplio del Informalismo (Art informel). Los artistas del Grupo CoBrA y del japonés Gutai también están relacionados con el tachismo.

Después de la Segunda Guerra Mundial el término Escuela de París a menudo se refería al tachismo. Algunos de sus miembros eran Jean Dubuffet, Pierre Soulages, Nicholas de Stael, Hans Hartung, Serge Poliakoff, y Georges Mathieu, Según Chilvers, el término tachismo «se usó por primera vez en este sentido alrededor de 1951 (se ha atribuido la acuñación del término a los críticos franceses Charles Estienne y Pierre Guéguen) y circuló ampliamente a partir del libro del pintor y crítico francés Michel Tapié Un Art autre (1952).»

Tachismo fue una reacción al cubismo y se caracteriza por una pincelada espontánea, goteos y manchas de pintura directamente provenientes del tubo, y a veces garabatos que recuerdan a la caligrafía.

Espacialismo El Espacialismo (en italiano, spazialismo o movimento spazialista) es un movimiento artístico, fundado por el artista italoargentino Lucio Fontana en 1946. La primera exposición es la celebrada en 1949. Fontana llamó al movimiento Movimento Spaziale.

El espacialismo combina ideas del movimiento Dadá, el tachismo y el arte concreto.

Fontana deseaba crear arte «para la nueva era» que mostraría el «auténtico espacio del mundo».

Lo que diferenciaba este movimiento del expresionismo abstracto era el concepto de erradicar o apartar el arte del caballete y la pintura, e intentar captar el movimiento y el tiempo como los principales principios de la obra.

Los pintores espacialistas no coloreaban la tela, no la pintaban, sino que creaban sobre ella construcciones que demostraban a los ojos del espectador como, también en el campo puramente pictórico, existía la tridimensionalidad.

Las obras más famosas de Fontana fueron sus lienzos acuchillados o rasgados, con una hoja de afeitar o con un cúter, que se rompían justo en el lugar de la pintura. Son los famosos tagli nella tela (cortes en la tela): telas monocromáticas en las que se practicaron incisiones. De este modo se comprende que en los lienzos existía la profundidad. Los espacialistas, a menudo, construían sus cuadros y composiciones con clavos y varios objetos con el fin de demostrar cómo en todos los objetos está presente el espacio tridimensional.

El legado que dejó Fontana fue uno de artistas conceptuales y artistas ambientales que continuarían sus ideas de trascender el lienzo y entrar en el reino de la realidad.

Artistas espacialistas

Guido Antoni

Mario Deluigi

Lucio Fontana

Beniamino Joppolo

Giorgio Kaisserlian

Cesare Oeverelli

Tancredi (Tancredi Parmeggiani)

Giuseppe Tarantino

Alberto Viani