beautiful freaks 45

RUBRICHERECENSIONILIVEINTERVISTE

NUMERO 45 | INVERNO 2013 | COPIA GRATUITA | WWW.BEAUTIFULFREAKS.ORG

La condizione umana dei nativi digitali. Potremmo provare a sottotitolare così la nostra copertina. Nel

dipinto La condizione umana, Magritte poneva la riflessione sulla conoscenza e sulla rappresentazione del

mondo reale, con questa nostra immagine il focus è piuttosto sull’esperienza reale e l’esperienza mediata

da un dispositivo digitale, sull’esistenza di molteplici livelli di realtà o di un livello unico, e su questo livello

guardare un concerto attraverso un tablet o guardare un tablet e trovarci dentro un concerto.

La mediazione nel nostro caso modifica l’ “apertura” del soggetto all’azione, all’esperienza. Agendo sul

dispositivo si può modificare la percezione del mondo (zoommare, inquadrare altri oggetti, ecc..) ma non

è possibile modificare il proprio stato nel mondo. In altri termini, se al concerto stai tutto il tempo con il

tablet in mano, ascolti e registri il concerto, ma non lo vivi attivamente, accogli passivamente ciò che hai

davanti come fosse chiuso, ma l’atteggiamento più appagante (altrimenti perché hai pagato per essere lì?

diventa fotografo e chiedi un pass...) è quello attivo, interattivo. Meno coinvolgimento, meno spettatori ai

concerti, in particolare a quelli di artisti poco conosciuti, dove l’ “io c’ero“ è un fattore irrilevante.

Cambiamenti tecologici portano con sé cambiamenti socio-culturali. E difatti, parallelamente alla digi-

talizzazione è avvenuto un cambiamento del “consumatore” di musica, che si inserisce in un fenomeno

socio-economico più generalizzato. Rifkin parla di una “era dell’accesso”, un nuovo stadio del capitalismo

che vede il passaggio da un’economia fondata sulla proprietà a una fondata sull’accesso ai servizi, alle

relazioni, alla conoscenza. Nella musica, in effetti, non si cerca più il prodotto, ma il servizio, l’accesso. Non

è la possibilità di acquistare il prodotto discografico che solletica la bramosia del futuro ascoltatore, ma il

mero accesso al contenuto musicale. Per questo possono imporsi e prendere piede piattaforme streaming

che offrono una stragrande quantità di musica digitale, volatile, impalpabile. Non supporti, ma servizi mu-

sicali... non è del tutto una novità. La radio è il servizio musicale per eccellenza, ti permette di ascoltare

musica che non hai acquistato, che non possiedi. E se volessimo tirare le somme, in fondo la differenza fra

radio e piattaforme per lo streaming musicale è tutta nella presenza della “guida umana”, lo speaker, che

ti accompagna nell’ascolto. Un’enorme differenza: il supporto dello speaker radiofonico è ben diverso dal

suggerimento automantico informatizzato “ascolti consigliati per te” o “artisti simili”. Un conduttore di

Radio 3, una notte, accostò Tricky a Tom Waits e la sua argomentazione a sostegno della scelta mi convinse,

ma avessi letto una cosa del genere su Spotify avrei disinstallato subito il programma.

I tempi cambiano e dobbiamo farci i conti per trovare lucidamente la soluzione più adeguata affinché non

si progredisca al ribasso, tenere alto il livello culturale nel campo musicale, almeno nel campo musicale.

Hyppolite Taine invitava a “vedere gli uomini nelle loro officine, negli uffici, nei campi, con il loro cielo, la

loro terra, le case, gli abiti, le culture, i cibi”... ma adesso anche davanti ai loro dispositivi per la navigazione

internet. L’uomo cambia e con lui la sua musica, che ha trasferito – lo dobbiamo accettare – ormai consi-

stentemente online. Nel constatarlo, il nostro auspicio è che la scralità di certe occasioni d’ascolto resti in-

violata al mutare dei tempi. L’augurio è di non ritrovarci un giorno ad abbassare l’ipad e accorgerci che lì sul

palco i musicisti non ci sono più... migrati tutti per sempre nella realtà virtuale del web. • Agostino Melillo

editoriale

Moving Picture Expert Group-1/2 Audio Layer 31. MP3. Uno spettro si aggira per la rete. Anch’esso è

intangibile, volatile, germe germogliante e infinitamente replicabile di una rivoluzione giunta ormai al

compimento. Anche se piuttosto giovane da non farcene accorgere dobbiamo ammetterlo. È la contropar-

te musicale di ogni alternativa digitale per la fruizione artistica dei giorni nostri ed è il cambio di orizzonti

di una generazione che può saziarsene a volontà, ma che molto spesso non ha forchetta e coltello per

4 BF

assaporarne le giuste quantità. Archiviato il millennium bug abbiamo capito che l’anno zerozerozero non

ci avrebbe spaventato e perchè non provare – ci siamo detti – a sperimentare senza supporto? Il supporto

ti aiuta ad iniziare a muovere i primi passi per farti conoscere ma è pur vero che ha dei grandissimi costi.

Nell’editoria lo “stampa solo se necessario” è una pratica che qualche foresta avrebbe volentieri ricordato

se non fosse che ogni anno qualcuno compie quindici anni nel mondo, come piace ripetersi Dan Brown ogni

mattina davanti allo specchio.

Nell’industria cinematografica, non tanto la stampa della pellicola, ma ogni nuovo supporto ancora più

“performante” cominciava ad essere pedissequo e non richiesto, tra vhs, hd-dvd, blu-ray, ultraviolet. Un

mercato che, di reazione, faceva affermare sempre con più tenacia l’idea dello streaming, una visione a pi-

xelloni e buffering su buffering. Il vero punto debole del supporto è l’incredibile lentezza nella diffusione a

livello globale delle nuove uscite. In un mondo dove perfino le serie tv straniere vengono seguite in prima

visione anche senza bisogno di traduzione si aprono nuovi spazi di manovre commerciali e imposizioni

culturali, ridefinendo la distribuzione paese per paese.

La perdita del supporto è anche una sconfitta dell’arte però. Il flusso digitale di dati, essendo nervo infra-

strutturale di un paese (e in Italia totalmente appassito), determina anche la qualità della fruizione e in cer-

ti casi l’avvento di una nuova uscita prende il sopravvento sulla fruizione della stessa, abbassando di fatto

la capacità di gustarne l’estetica da parte del pubblico... ma tant’è, contenti loro contenti tutti! E questa è

stata un pò la rovina dei giorni nostri. La fruizione non all’altezza, la sovrabbondanza della scelta ha convo-

gliato il gusto sui grandi classici per non perdersi nel mare magnum o sui prodotti totalmente commerciali,

di fatto perdendo quella che era un’ottima opportunità per il settore artistico di valore. I blockbuster

hanno ridefinito con tutti i loro film di recente uscita la classifica ai botteghini italiani per incasso e non c’è

fan della boyband o regina del pop di turno che non ti dica che comunque “ha anche i Velvet Underground,

nel suo iPod”, e che usi una punta di commozione nel dirlo se è appena avvenuta la scomparsa dell’artista

universalmente riconosciuto. Di certo con la rivoluzione digitale ne giova la “persistenza” delle opere. Alla

fine quel che si ha tra le mani è un enorme schedario e se ne trae forza anche dalla cosidetta pirateria che

sradica, seppur non totalmente, la possibilità che un Oreste Del Buono voglia ritirare dalla circolazione

un suo libro che non lo convinceva più o che un violento incendio distrugga un archivio filmico di pellicole

di cellulosa (nel caso cinematografico anche il ben più resistente poliestere non ha resistito alla forza

dei tempi, con buona pace dei proiezionisti dei cinema, scomparsi anch’essi in maniera indiscriminata ma

soprattutto ingiustificata).

Si corre il rischio di abusarne di questo “schedario”: nella fotografia lo scatto veniva scelto, ora si scatta a

oltranza nel mare magnum, rimandando a un secondo momento la selezione delle cose migliori. Diventerà

certo difficile ritrovare le cassette delle prime registrazioni amatoriali di un artista, e magari non è total-

mente un male se metterà fine anche al commercio postumo di B-sides. In realtà oggi è sempre più diffusa

la pratica di costruire album interi accumulando prime registrazioni amatoriali o di far uscire soltanto le

signole tracce, senza l’esigenza di concepirle all’interno di un album.

Mi è capitato di parlare con un paio di artisti americani circa una nota piattaforma di streaming e vendita

online di album. Questi artisti ogni due mesi o poco meno mi presentavano un nuovo singolo da recensire

e io ero seccato, dato che qui a Beautiful Freaks recensiamo solo album full-length o EP, niente singoli o

raccolte. La loro risposta è stata che l’idea è quella di creare una sorta di album compilation, come si confà

a una generazione cresciuta sin da piccola con gli mp3. Il loro “album” veniva portato a compimento solo

quando loro se lo sentivano, rispettando i tempi delle loro ispirazioni, senza dover buttare giù forzatamen-

te quelle tre quattro canzoni giusto per arrivare a dodici ed alè, album finito, si può chiudere la registrazio-

ne. E questo è uno spettro che si aggira per l’America... • Andrea Piazza

BF 5


Inner Ear nasce nel 2007 a Patrasso, Grecia. Siamo nel pieno dell’esplosione su scala internazionale dei social media, delle piat-taforme per lo streaming, e della crisi dei negozi di dischi. Dopo l’iniziale percezione apocalittica del medium digitale, consid-erato come la distruzione del mercato del disco fisico e di un’intera cultura ad esso legata, si assiste oggi una maggiore aper-tura. In base alla vostra esperienza, come può un’etichetta discografica beneficiare del medium digitale e della Rete? Preve-dete o auspicate evoluzioni future?INNER EAR: Il medium digitale e la rete hanno contribuito a diminuire le distanze e aiutato la musica ad arrivare in ogni casa e a diffondersi in giro per il mondo. Ogni giorno carichiamo la nostra musica su Bandcamp in modo che possa essere ascoltata in stream-ing ovunque e senza dubbio questi social media hanno dato un potenziale senza limiti alla promozione di un artista e la sua musica; un ascoltatore giapponese può ora scoprire un gruppo greco, italiano e così via. Fino a qualche anno fa tutto ciò avrebbe preso molto tempo, con dispendio di denaro e avrebbe richiesto una particolare strate-

gia per rendere disponibile una release all’estero. Naturalmente questa evoluzione ha portato i suoi naturali svantaggi come il fatto che ora c’è troppa musica disponibile rispetto a quanto ascolterà un fruitore me-dio. Chi è quindi l’ascoltatore, ci chiediamo. Le persone sono ogni giorno più occupate a fare altro e sfortunatamente la musica gioca un ruolo secondario nella loro vita...

La promozione sul web si avvale spesso dello streaming gratuito. L’ascoltatore in questo modo ha la possibilità di valutare il disco in mp3 prima di acquistarlo. Perché comprare un disco fisico avendo la pos-sibilità di ascoltare il disco gratuitamente in digitale? La possibilità di migliorare la qualità dell’ascolto acquistando il supporto fisico è un fattore determinante nella scelta?INNER EAR: Le persone che continuano a com-prare dischi sono attaccate al formato fisico in una maniera molto stretta. Molti di loro sono collezi-onisti e prestano molta attenzione al packaging, alle informazioni che possono trovarci (ringra-ziamenti e testi per esempio) e, ovviamente, alla qualità audio. Non ascoltano semplicemente un album sul computer mentre fanno altre cose,

INTERVISTADOBLE

Etichetta greca, nata nel 2007 a Patrasso come one-man label, diventata in questi anni un piccolo gruppo leader del settore indie in Grecia. Nel suo roster annovera piccole realtà come artisti ellenici più affermati specializ-zandosi in alt-rock e modern folk con testi in inglese mentre, attraverso la sottoetichetta Exostis, si focalizza su produzioni di vario genere con testi in greco. Dopo vari riconoscimenti in patria la Inner Ear ha cominciato a guardare oltre i confini per farsi conoscere attraverso internet ed espor-tare i propri artisti attraverso i social e i portali di ascolto in streaming e vendita album. Risponde alle nostre domande Maria Paroussi.

Solleticati dal nostro stesso editoriale abbiamo deciso di coinvolgere due etichette, la greca Inner Ear e la fiorentina Red Cat Records, in una disamina sullo stato attuale della rivoluzione digitale e sull’abbandono del supporto. Soltanto perdita o opportunità? Le numerose etichette indipendenti hanno la possibilità di competere alla pari in questo nuovo campo da gioco con le major? È solo una questione di forma o le regole sono cambiate? Vediamo cosa ne pensano.

1. INNER EAR

6 BF

INTERVISTE RUBRICHERECENSIONILIVE

bensì trattano un album come dovrebbe essere e cioè come un lavoro artistico multiforme che include musica, parole, testi e l’artwork ad esso ispirato.

L’ascoltatore è più consapevole o il comporta-mento d’acquisto è legato per lo più a fattori impulsivi, ovvero ci sono più cacciatori di perle musicali o prede del marketing?INNER EAR: Complice il momento economico non riscontriamo un grande spazio per l’acquisto di album su impulso. Gli ascoltatori ora sono total-mente consapevoli di quello che gli piace e di ciò che vogliono acquistare. Internet ha aiutato mol-to in questo senso così chiunque può ascoltare in streaming qualsiasi cosa ed essere sicuro che ciò che sta per acquistare lo soddisferà sul serio...

Si assiste alla rinascita del vinile e anche Inner Ear ha una buona proposta di opere musicali in questo formato. A cosa è dovuta la riscoperta, maggiore qualità, un oggetto più invitante, uno status symbol…? Come è possibile far svilup-pare nei nativi digitali la passione per il vinile?INNER EAR: I vinili sono sempre stati un feticcio per la musica. Ci piace vedere la loro rinascita come un atto di resistenza dei fruitori contro la rivoluzione digitale. La loro qualità audio è sicura-mente migliore dei cd (per non parlare degli mp3) e sono strettamente collegati a un rituale parti-colare che manifesta un modo di usufruire della musica come forma d’arte e non come oggetto di consumo come in un fast food. È così difficile immaginare un futuro interesse comune tra i co-sidetti “nativi digitali” e i collezionisti di vinili che rappresentano i due estremi del mondo della mu-sica ma non è detto, non si sa mai cosa succederà. Dal nostro canto, così come molte nostre uscite sono solo in vinile, proviamo ad approcciare i na-

tivi digitali includendo sia dei codici di download nei nostri vinili sia nei cosidetti cd a portafoglio (ndt. cd wallet), così tutti son felici.

Il web diminuisce le distanze e agevola le con-taminazioni internazionali. Secondo la vostra esperienza, ci sono delle differenze nel gusto musicale degli ascoltatori greci e di quelli di altri Paesi o la globalizzazione dei consumi è giunta alle estreme conseguenze? Riescono ancora a caratterizzarsi gli artisti mantenendo un rapporto con la loro terra d’origine? INNER EAR: Naturalmente ogni paese ha nella propria cultura musicale, con peculiarità locali. Per esempio c’è un repertorio popolare main-stream che i greci ascoltano e non attrarrà mai molto un ascoltatore internazionale, non solo a causa dei testi in greco ma soprattutto perché è un modo di fare musica che non incontra il gusto estero. La buona notizia è che in Grecia ci sono nuovi artisti che cercano di combinare con suc-cesso le loro radici greche con le influenze di mu-sica internazionale e molti di loro suonano scriv-endo i testi in inglese... La lingua poteva essere una barriera al tempo ma ora non lo è più, molti giovani greci parlano un inglese perfetto. L’identità locale di un artista è naturalmente col-legata alla propria arte ma troviamo molto bello quando la musica travalica i confini e raggiunge ascoltatori in giro per il mondo. Come etichetta stiamo muovendo i nostri primi timidi passi nel calderone musicale internazionale e troviamo frustrante quando le recensioni della stampa internazionale si focalizzano troppo sulle origini dell’artista (menzionando puntualmente la crisi finanziaria greca e il nostro debito nazionale) che sulla musica stessa. È ingiusto nei confronti di un artista che mette tutto il suo sforzo e la sua ener-gia nella realizzazione del suo album.

2. RED CATLo sparring partner della Inner Ear è la Red Cat Label. Al telefono rosso dell’etichetta fioren-tina risponde Alice Cortella, la discografica più giovane d’Italia. Alice è nella stanza dei bottoni della Red Cat Label, ufficio stampa ed etichetta fiorentina da lei fondata che si occupa di promoz-

ione di gruppi per lo più rock e metal. L’etichetta cerca di portare avanti un percorso comune instaurando un rapporto continuativo, prediligendo una comunione d’intenti per seguire i gruppi passo passo in ogni ambito della loro carriera. Un’etichetta nativa digitale che ha trovato il coraggio di farsi strada in un momento economico-sociale non parti-

BF 7


Com’è nata la scelta di impegnarti in questo settore, in questo momento storico? ALICE: Innanzitutto un caro saluto a tutti i let-tori di Beautiful Freaks! L’intraprendere un lavoro nel mondo della musica non è stata una vera e propria scelta, quanto una necessità. La musica è da sempre una mia grande passione, coltivata esclusivamente in veste da ascoltatrice (non ho mai suonato né cantato).Ci troviamo sicuramente in un momento storico molto difficile, che il più delle volte costringe i giovani, e non solo, a rinunciare ai propri sogni in favore di un’occupazione qualsiasi, spesso a tempo determinato e senza assicurazioni per il futuro.La mia scelta è stata di guardare oltre questa situazione, cercando di far crescere un’attività lavorativa che rappresentasse al contempo an-che ciò che avrei voluto fare nel mio futuro.Gli ostacoli nel gestire un’etichetta continuano ad essere molti, sia a livello economico che buro-cratico, ma ad oggi posso affermare che le sodd-isfazioni sono state e sono tantissime e ripagano ogni sacrificio.

Ormai la proposta musicale indie è un mare in piena, come ti orienti nella scelta dei gruppi per la tua etichetta?ALICE: I parametri con cui scelgo una band sono semplici, ma per me fondamentali. Mi ritengo ab-bastanza esigente e cerco band che abbiano non solo qualcosa da dire, ma che riescano a comuni-carlo all’ascoltatore. L’originalità a mio parere è una peculiarità di pochi eletti, ma riuscire a carat-terizzare il proprio sound, rendendolo riconosci-bile nella massa, sicuramente è fondamentale.Infine presto molta attenzione alla produzione artistica e alla qualità tecnica, che devono essere ad alti livelli per valorizzare al massimo le poten-zialità di un gruppo.

Era il nemico della cultura e dei diritti degli artisti, ora il web sta diventando il principale veicolo di promozione e in alcuni paesi la prin-cipale piattaforma di vendita degli album dei gruppi. Ma è un terreno impervio, fatto di nuovi compromessi, nuove eventualità, eterne migrazioni. Come si orientano un produttore e

anche un ascoltatore in questa macchina infer-nale?ALICE: Cercando di mantenere una propria etica e fissando delle proprie regole, anche in questo nuovo mercato. Sono ad esempio a favore dello streaming, ma solo su siti controllati. Sono invece assolutamente contraria al down-load gratuito, considerato da molti un ottimo veicolo promozionale. Dal mio punto di vista in-vece sminuisce di molto l’immagine della band e dell’album e di conseguenza l’opinione che può farsi il pubblico è quella di un disco che ha poco valore, senza contare che i risultati di promozione e di diffusione sono minimi, specialmente per i gruppi emergenti.In un momento in cui il supporto fisico ha perso mercato, in cui in Italia il musicista è ancora visto come un “dopolavorista”, in cui la tendenza è re-galare la musica, credo che si debba invece lottare per cercare di dare la giusta importanza e credito alla figura dell’artista, cercando di far capire quan-ti sacrifici, quanto tempo ed anche quanto den-aro siano stati investiti in ogni disco pubblicato.

La promozione sul web si avvale spesso dello streaming gratuito. L’ascoltatore in questo modo ha la possibilità di valutare il disco in

colarmente favroevole. Nell’intervista la giovane produttrice esprime le sue valutazioni sul rapporto fra web e indie.

Foto di Lorenzo Desiati

8 BF

RUBRICHERECENSIONILIVELIVEINTERVISTE

mp3 prima di acquistarlo. Perché comprare un disco fisico avendo la possibilità di ascoltare il disco gratuitamente in digitale? La possibilità di migliorare la qualità dell’ascolto o di godere del relativo artwork acquistando il supporto fi-sico è un fattore determinante nella scelta?ALICE: Sicuramente il piacere di avere un sup-porto fisico, il disco “vero”, completo di tutto. In secondo luogo per poter ascoltare i brani quando e come si vuole.

Il Web ha parzialmente sostituito il luogo tradizionale dell’acquisto e scoperta degli al-bum musicali: il negozio di dischi. Venendo meno il contributo di una persona fisica espe-rta (come potrebbe essere il venditore di un negozio di dischi) e considerando la decadenza dell’autorità delle riviste di settore, come si guida all’acquisto di un album musicale un as-coltatore sulle piazze telematiche?ALICE: Purtroppo in Italia il problema di cosa acquistare on line è ancora sec-ondario: il primo sicuramente rimane quello di far comprendere che ciò che si trova sul web non dev’essere per forza gratuito, ma va acquistato. Quando ci si recava in un negozio di dischi ovviamente questo problema non sussisteva, perché si comprava qualcosa di concreto, che si può ve-dere, toccare e non solo ascoltare: un vinile o un compact disc. L’idea di acquistare qualcosa che con un solo click può scomparire e che non puoi tenere fra le tue mani è ancora molto lontana.Inoltre, il più delle volte sul Web tutte le proposte appaiono come messe sullo stesso piano e, se da un lato una band emergente può ritagliarsi un proprio spazio, dall’altro ciò avviene tra milioni di altri artisti, il che rischia di vanificare ogni forma di promozi-one “low cost”.Per riuscire a differenziarsi è assoluta-mente fondamentale per un’etichetta pubblicare solo dischi di qualità: in questo senso la label dovrebbe pro-prio assumere il ruolo che un tempo era del negoziante, diventando quindi una sorta di marchio da seguire e di cui potersi fidare .

Il web diminuisce le distanze e agevola le con-taminazioni internazionali. Secondo la tua es-perienza, ci sono delle differenze nel gusto musicale degli ascoltatori italiani e di quelli di altri Paesi o la globalizzazione dei consumi è giunta alle estreme conseguenze? Riescono ancora a caratterizzarsi gli artisti mantenendo un rapporto con la loro terra d’origine?ALICE: Direi assolutamente di sì. Molti paesi eu-ropei, e non solo, sono tutt’oggi legati alla pro-pria tradizione musicale, sia nell’ascolto (e nelle vendite) sia nelle nuove proposte musicali. Basti pensare al Metal nel Nord Europa, al Pop britan-nico, all’Hard Rock americano...

• Interviste di Agostino Melillo e Andrea Piazza, tra-duzioni di Marco Petrelli e Andrea Piazza.

BF 9

Sul precedente numero di BF avevamo sottoposto alla vostra attenzione Ci proveremo a non farci male, strepitoso Ep, vessillo della scuola elettronica siciliana, sound fra i più interessanti negli ultimi anni. Ad oggi gli Omosumo hanno già alle spalle collaborazioni illustri ed esibi-zioni al cardiopalma… dai live a sostegno de L’Arsenale alla partecipazione all’ Ypsigrock… pochi mesi dall’uscita del Ep hanno fatto piazza pulita. Tre musicisti con altrettanti progetti sulle spalle, tre performer eccezionali: la voce è quella di Angelo Sicurella (maestro indiscusso delle drum machine), con lui a dar vita agli Omosumo Antonio Di Martino (meglio conosciuto come Dimartino) e la chitarra psicopatica di Roberto Cammarata (basta dire solo Waines). Stavolta cerchiamo di capirne qualcosa in più dal loro punto di vista…

RUBRICHERECENSIONIINTERVISTE LIVE

OMOSUMO

“Ci proveremo a non farci male” a mio avviso è uno dei lavori più belli usciti quest’anno… raccontateci di questo groove pazzesco… di questo disco pazzesco…OMOSUMO: Beh adesso non esageriamo… “Ci proveremo a non farci male” è nato nel corso dell’ultimo anno, diciamo che rappresenta l’evoluzione della band da quando si è stabiliz-zata in questa formazione in trio drum machine - chitarra - basso. Ad un certo punto abbiamo sen-tito l’esigenza di mettere nero su bianco questa fase e quei brani ci sono sembrati rappresentativi della cosa.

Un Ep molto fortunato visti i feedback che ha raccolto dall’uscita, ve lo aspettavate?Non proprio, abbiamo scelto una strada poco battuta in Italia, e ave-vamo messo in conto che il nostro lavoro potesse sembrare interessante ed essere apprezzato, o anche che risultasse invece superflo e inutile. Siamo contenti del fatto che abbia raccolto molti apprezzamenti, ma consideriamo questo Ep una base di partenza e null’altro.

Tre diverse radici musicali come si uniscono per dare vita ad un progetto così insolito?In maniera molto naturale, ci si chiude a lavorare e sperimentare insieme, senza porsi paletti o regole, finchè il risultato non ci sembra convin-cente. Gli Omosumo non sono solo una band,

ma dietro ci sono tre persone legate da rapporti personali solidi, e dalla condivisione di molteplici interessi. Non ci siamo mai dati dei riferimenti precisi in scrittura, e questo ci dà una sensazione di grande libertà, e a volte anche di grande smar-rimento, ma è bello e stimolante costruire le pro-prie piccole certezze da zero.

Il termine Omosumo ha un non so che di orien-tale… da cosa deriva?Ci suonava bene. Il nome è nato da un ragiona-mento partito dalla parola “sumo”, quindi in ef-

fetti qualcosa di orientale c’è, ma non chiederci di ricostruire come siamo ar-rivati a Omosumo perché non saremmo più in grado di farlo.

Un sound “internazion-ale”… è frutto dei vostri as-colti personali o costruito proprio per risultare tale?Il sound di “Ci proveremo a non farci male” è il frutto

della collaborazione con Mario J McNulty, un gio-vane producer newyorkese che ha lavorato con gente pazzesca (Nine Inch Nails, David Bowie, Lou Reed, Raveonettes), questo di certo ha rap-presentato un valore aggiunto, dato che Mario è riuscito a trovare un bel mix tra le varie anime che compongono il nostro suono. I riferimenti in termini che sentivamo a noi più vicini per questo Ep sono sicuramente internazionali, quindi se ci fai questa domanda ci siamo andati quanto meno vicini, meno male.

10 BF

INTERVISTE LIVE RECENSIONI RUBRICHE

Un Ep è un apripista per un album… quanto si dovrà ancora aspettare?Qualche mese, ci stiamo lavorando ma non abbi-amo fretta. E abbiamo voglia di andare oltre l’Ep quindi ci stiamo prendendo il nostro tempo per maturare e mettere a fuoco le sensazioni che ci attraversano in questo momento.

Qualche cambiamento in vista dal punto di vista musicale?Certo, siamo pronti a mettere in discussione e ribaltare tutto ciò di cui abbiamo parlato fino ad ora, l’unico obiettivo che teniamo a mente è che quello che venga fuori ci rappresenti pienamente. Per essere poi pronti a rimetterci in gioco al pas-saggio successivo. Non ci piace la stasi, preferi-amo prenderci dei rischi.

In rete dove vi trovate?Non ci cerchiamo spesso, ma se qualcuno volesse

trovarci basterà cercare il nostro nome su motori di ricerca, Facebook, Spotify ecc. e di certo tro-verà. Non penso ci siano molte altre band in giro con tutte queste “o” nel nome.

E live?Probabilmente entro fine anno faremo qualche capatina live, ma penso che il grosso verrà dopo l’uscita del nuovo disco. Fino ad allora preferiamo stare concentrati sul lavoro alle cose nuove.

Eccovi tre righe di totale anarchia: dite e “fate” ciò che volete…Tutto quello che abbiamo detto fino ad ora è as-solutamente falso!

Adesso vi tocca metter play nel lettore e spaccarvi i timpani con il groove che abbiamo cercato di racco-ntarvi… attenti a non farvi male! • Maruska Pesce

BF 11

INTERVISTE LIVE RECENSIONI RUBRICHEINTERVISTE

BENJAMIN PETIT quartet@ Parigi 9.10.2013

Le strade di Parigi sono immerse nella pi-oggia. Le insegne rosse della Rue des Lom-bards, strada famosa per i suoi club di Jazz, si riflettono sul marciapiede grigio creando aloni intensi nella notte. Il Sunset-Sunside è un locale su due piani. Ha due piccole sale da concerto. Nel sottosuolo l’ambiente richiama l’atmosfera di una stazione di metropolitana parigina, mentre al piano terra troviamo un piccolo ambiente, in stile newyorkese, ca-pace di ospitare non più di 40-50 persone. Pur arrivando con un certo anticipo, trovo la sala quasi piena. Mi siedo accanto ad uno dei tanti habitués americani, che solitamente frequentano i vari locali Jazz di Parigi in cerca del richia-mo della loro “home sweet home”. Il pub-blico è costituito in buona parte da persone di mezz’età, all’apparenza molto austere, sofisticate, difficili da impressionare. Mentre attendo, le luci si fanno sempre più soffuse, rosse ed arancioni. Manca solo del fumo e mi sembra di stare in un jazz club newyorkese degli anni ’50. E mentre tutti attendiamo i musicisti, gli occhi fissi sul piccolo palco… la prima che cosa che percepiamo non sono im-magini, bensì suoni.

Nessuna parola, solo un coro di voci bari-tone, immerse nell’ombra, che dal retro del locale entrano e ci prendono di spalle, inas-pettatamente. Una cantilena profonda, che riporta alla mente i cori degli schiavi neri negli States. Così, senza fermarsi, Benjamin Petit al Sax, Jerry Leonide al piano, Zacharie Abraham al contrabasso, Yoann Schmidt alla batteria e il trombettista Nicolas Girard sal-gono sul palco sfiorando i propri strumenti, aprendo il primo dei classici tre set con “5 degrés Sud”. Essendo un ambiente piccolo, l’acustica è perfetta, frontale, forte e nitida, la voce del sax, che di tanto in tanto dialoga con la tromba, arriva dritta al cuore.

Il pubblico parigino, glaciale e composto, si scioglie rapidamente, seguendo il ritmo di Mach Buffet . E come definirlo? è jazz? È groove? Resto incantata dalla capacita del quintet nel fondere i generi con genuina semplicità, nel far sentire a fior di pelle la nozione di convivenza e poliedricità di ogni

suo membro . “Acousticollision” ora mi ap-pare chiaro: una potente commistione di gen-eri fusi in un sound diretto, fresco, naturale. Ascoltandoli mi è subito venuto in mente quel di cui parlava Winston Marsalis nel suo libro “come il jazz può cambiarti la vita”: ogni strumento riempie il vuoto dell’altro, ogni musicista si libera e si definisce non nel tecnicismo o nella solitudine del proprio strumento, bensì nella totalità del gruppo. E’ jazz perché non è solo improvvisazione e tecnica… è jazz perché è una vera e propria conversazione, perché c’è una impressio-nante gestione delle intensità. C’è un’anima in esso. E finalmente posso dirlo: con loro riscopro il vero Jazz, quello diretto a tutti, senza neppure un velo di arroganza, senza arie di sofisticatezza, di pavoneggiate eli-tarie. Un vero e proprio riorno alle “roots” della nozione del Jazz. Melodie semplici (e badate bene dico semplici ma sul punto di vista tecnico non ho mai visto musicisti così capaci) in grado di trasportare via gli spet-tatori con facilità..

Per chiudere il primo set invitano Balthazar, un rapper francese. Su un jazz a due tempi scopro una fusione meravigliosa tra Jazz e Hip Hop Franco-americano. Il pubblico di cinquantenni, composto e con espressioni da bulldog ora oscilla la testa e tiene il rit-mo. Difficile sentire il distacco tra palco e pubblico. Nel secondo set l’aria sembra col-legare tutte le anime, rilassate ed in catarsi che vanno perdendosi nella voce intensa ed evocativa del cantante senegalese Woz Kaly accompagnato inizialmente dal piano di Jerry Leonide e dal sax di Petit. Scopriamo nel secondo set altre incredibili voci, tra cui quella di Pascal Lafa, che nonostante qual-che iniziale ritorno nel microfono ha con-tinuato a dialogare con noi, tenendo stabile l’unificante empatia nella sala. Benjamin Petit sale sulle sedie, in mezzo al pubblico, continuando a suonare. A chiudere assistiamo a una improvvisazione folle e rapsodica del violinista Christophe Raymond. Terzo set: mi sento ricaricata, en-tusiasta, felice di scoprire che ci sono ancora pochi ma eccelsi musicisti che preservano il vero spirito del Jazz. • Aenis

Progetto “Acousticollision” di Benjamin Petit’s Quintet: Un jazz per tutti.

12 BF

INTERVISTE RUBRICHERECENSIONILIVEINTERVISTERUBRICHERECENSIONILIVE

RECENSIONI

Collettivo GinsbergASA NISI MASAAutoprodotto, 2013

Ho visto il Collettivo Ginsberg distrutto dalla pazzia. Affamati, nudi, isterici, questi cinque romagnoli esagitati hanno registrato undici tracce che sono undici poemi postmoderni all’insegna di confusione (controllata) e parole (incontrollate). Noise e aggressivi a tratti, più morbidi e sognanti qui e là, l’impressione generale è co-munque quella di trovarsi davanti a un enorme esperimento, una specie di live art performance nella quale oggetti di ogni tipo vengono lanciati in una stanza e ridotti a pezzi da questi cinque tipi coperti di catrame (fango?) sotto gli occhi del pubblico impressionato. Vietato vietare, come dicono alcune magliette da cen-tro sociale. Nessun limite espressivo in un’orgia elettrica decadente; come diceva l’omonimo poeta da cui il collettivo ha preso il nome, «ho provato a volare senza

stampelle», esattamente la filosofia compositiva di questo disco, erratico e imprevedibile. Penso ai grandissimissimi Mars Volta (“Io non ho mani”), evocati da questi affreschi di chitarra finto sgangherati da carillon con le lamelle spez-zate, sostenuti da arpeggi a ottantotto tasti scollati il giusto da dare al tutto un’imperitura impressione di precarietà, di casualità, di azzardo. Personalmente, apprezzo sempre moltissimo questo tipo di ibridi spokenword/avantgarde, che riportano un po’ la poesia alla sua dimensione originaria di parola declamata sulla musica (lo diceva Ezra Pound, non me lo sono inventato), aggiungendo un po’ all’una e un po’ all’altra in un moltiplicarsi di capacità espressiva rag-giungibile solo violentando gli schemi preesistenti. “Papà morte”, cover ampiamente rimaneggiata di un’omonima poesia-canzone del già citato Ginsberg, è un esempio notevole in questo senso. E allora gloria a quei pochi matti sparsi per la penisola che ancora provano a deframmentare il reale per creare papiers collés che colpiscano con la loro obliquità, mostrando prospettive allucinate e stimolanti, spingendo in là i confini e confondendo le definizioni. Santi! Santi! Santi! Santi! Santi! Santi! Santi! (ecc ecc ecc). [7.5/10] • MARCO PETRELLI

Massimo VolumeASPETTANDO I BARBARILa Tempesta Dischi, 2013

Alcuni dischi portano con sé un carisma e una magia che difficilmente sono rep-licabili: era il caso di Cattive Abitudini, uscito più o meno tre anni fa, portava con sé il peso di una storica reunion e le pretese di tante aspettative costruite in dieci anni di assenza. E bene, quello fu un disco memorabile, il disco “perfetto”, il capo-lavoro assoluto, ma soprattutto difficile da rimpiazzare nella mente di chi lo aveva apprezzato (fan e non dei Massimo Volume). Inizia a girare in rete il nuovo singolo ed è subito panico, Aspettando i barbari è il capolavoro dopo il capolavoro, è come il bis di un’opera prima e i commenti si possono sprecare. Nelle note che passano frenetiche c’è il groove storico della band, la rabbia, la passione, il dolore. Ci sono i cantautori che scrivono particolarmente bene, ci sono musicisti eccellenti che com-

pongono capolavori musicali, ci sono band che lasciano impronte indelebili nel corso degli anni (e qui di anni ne sono passati) …e poi ci sono i Massimo Volume …e Mimì, Emidio Clementi, che anche stavolta riesce a superare se stesso: parla, scrive, racconta, legge… soffre, si esaspera, urla e canta, si canta! E quei barbari che ognuno di noi aspetta sono le difficoltà della quotidianità, le persone cattive, gli errori commesse, gli amori sbagliati. A metà strada tra il sound forte e rude dell’ultimo disco e l’ecletticità e la “sporcizia” dei primi lavori, questo disco è senza dubbio il DISCO, va ascoltato, divorato, sudato, ci si deve sprofondare dentro, lasciarsi colpire ripetutamente in testa da quella impaziente batteria e si deve rimanere a bocca aperta perché finisce apparentemente troppo in fretta. Il suono sembra rimanere intrappolato in una gabbia di vetro, continuano a sbattere con forza sulle pareti ma rimangono chiusi in quello spazio circoscritto, quasi senza aria. Le chitarre battono e ribattono sentieri costanti, suoni ripetuti all’infinito che sembrano scavare solchi profondi, sembrano campionature on loop, invece nulla di diverso dal grezzo e cupo sound di Mimì e soci, pochi strumenti, sovrapposti e ridondanti e il suono di quelle consonanti pesanti, rimarcano quei semplicissimi concetti ripetuti all’unisono, rendendo questo disco la colonna sonora perfetta per gli incubi di chiunque lo ascolti.[9/10] • MARUSKA PESCE

BF 13


Deadburger Factory LA FISICA DELLE NUVOLE

Snowdonia, 2013

Il trittico di dischi dal poetico titolo La Fisica Delle Nuvole è un’opera inclassifica-bile composta da tre unità, distinte formalmente, seppur concettualmente par-torite dalla stessa “madre”. L’unità estetica è frutto del prezioso lavoro di Paolo Bacilieri, fumettista di culto oltre che poeta della china che, offrendo un sor-prendente lavoro di artwork, rende ancor più pregevole il lavoro dei Deadbuger e della loro singolare “factory in progress”. Svariate le collaborazioni che hanno contribuito alla nascita di quest’anomalia discografica, frutto (tra l’altro) del sacri-ficio di Snowdonia e Godfellas!Il primo album “Puro Nylon 100%”, tra elettronica, voci recitanti e musica “da camera” è frutto del lavoro dei Deadburger al loro completo, impreziosito dagli splendidi testi di Tony Vivona. Esecuzioni classiche cesellate da musica elettronica in modo tale da rendere il lavoro un raffinato esperimento emozionale di rara efficacia. Poesia e piccole orchestrazioni senza tempo ne raccontano il senso. Duchamp e Satie riprendono vita agilmente tra le articolate otto tracce del disco. Non mancano stimolanti suggestioni post-rock, jazz o più genericamente rock, perfettamente distillate in un’opera di raffinata musica post-contemporanea. Il secondo album è lo split Vittorio Nistri/Vittorio Casini “Microoonde e Vibroplettri”. Le prime 4 tracce sono otte-nute con un unico mezzo, un comune forno a microonde De Longhi reso strumento, con l’ausilio di vocoder, distor-sori, campionamenti e manipolazioni varie. Il risultato è un sorprendente esperimento sonico di cultura industriale, inteso nel senso più “classico” del termine (Throbbing Gristle docet). Nistri è una sorta di Chu Ishikawa (ricordate le meravigliose colonne sonore dei vari “Tetsuo” di Tsukamoto?) in chiave domestica. Lo dimostrano l’eccellente cyber-punk di Strategia Del Topo o il suggestivo abisso contemplato in Micronauta.Le ultime 4 tracce sono realizzate con una chitarra suonata quasi unicamente da aggeggi vibranti (dildos, stimola-tori clitoridei e... lecca lecca) e garantiscono per certo un ascolto... eccitante. Minimali orchestrazioni noise, da cui emergono fantasmi di deviato blues e science fiction in bianco e nero. Una sorta di improbabile ibridazione tra Glenn Branca e Mike Oldfield. Il terzo album “La Fisica delle Nuvole”, che dà il nome all’intera opera, è per alcuni versi il lavoro più articolato e, anche per questo, il più rappresentativo. Frutto di una “orchestra acustico-psichedelica di 8 elementi”, oltre vari ospiti (tra cui anche il talentuoso Paolo Benvegnù). Le singole tracce sono insomma realizzate da un lavoro di improv-visazione di un collettivo di musicisti che si armonizza con un universo creativo in divenire. Nonostante ciò si tratta del disco più, apparentemente convenzionale, e più facilmente fruibile vista la forma canzone delle singole tracce. I Deadburger appaiono qui una band più riconoscibile che viaggia nel proprio universo con estrema agilità, senza mai cadere nel banale o nello scontato. La ricchezza di suoni e suggestioni è permeata da un patina rassicurante grazie a calibrate improvvisazioni, tappeto sonoro di straordinari testi. Lode a un’iniziativa astratta come “La Fisica delle Nuvole” che corre solo il rischio di eccedere nell’autocompiacimento rischiando per questo di non evadere, in futuro, dai propri parametri ideali di sperimentazione. Ma questa è proba-bilmente solo una paranoia di chi esige che l’arte della ricerca debba sempre andare oltre a ciò che è stato già speri-mentato. Ma questo probabilmente le menti fluttuanti, e colte, dei Deadburger lo sanno già![7/10] • ANTHONY ETTORRE

Eternal Zio ETERNAL ZIO

Boring Machines, 2012

Ulteriore gemma emersa dello scrigno Boring Machines è questa eterea opera degli Eternal Zio. Quartetto milanese che ci propone attraverso 6 tracce il loro universo musicale fatto di ambientazioni e scenari musicali in continua trasfor-mazione. Gli strumenti acustici utilizzati sono ghironda (affascinante strumento medievale), violino, mandola, organo, percussione, voci e chitarra. Disco acustico quindi reso con spirito rigorosamente analogico. Improvvisazione inequivocabilmente senza tempo, che ci trasporta attraverso una sorta di trance estatica in un cosmo di mistica psichedelia. Le connotazioni folk, seppur distillate con cura, avvolgono i sensi di chi ascolta favorendone il religioso disorientamento. Lo spazio-tempo diventa pretesto per incastrare le sei tracce senza nome. Il minimalismo armonico espresso nel disco fluttua tra i neuroni di chi ascolta per rimandare a sensazioni di ancestrale bellezza. Quella priva di misure, lontana da parametri estetici. Abbandono e trance sopraggiungono prima di affondare tra le braccia della terra ed essere travolti dai suoni da essa dettati. Le danze tribali giungono nella sesta traccia, lì dove un misterioso sciamano celebra il culto degli Zii Eterni, senza i quali I’underground italiano avvertirebbe un senso di non trascurabile irrequietezza. [8.5/10] • ANTHONY ETTORRE

14 BF

Monsieur Voltaire33Noja Records/ White Bridge Records, 2013

Marcello Rossi si spoglia dei fronzoli cantautorati degli anni delle grandi band per diventare Monsieur Voltaire, strampalato ed eclettico compositore, che si trova ad avere a che fare con più stili e diverse ispirazioni musicali. Si districa tra omaggi particolari ai propri idoli e chicche derivanti dall’estro del musicista. Questo è un album assai particolare, omogeneo nell’ascolto, eppure così variegato e ricco di cose. Suoni semplici, ma ben collocabili in base allo stile e c’è di tutto: del sano rock, la più stramba psichedelica e alcune atmosfere più quiet del cantautorato d’oltremanica, il tutto sporcato qua e là da accenni al punk degli anni settanta. Non facilmente comprensibile come ascolto, perché sprovvisto di una certa edu-cazione, di un filo logico, eppure così prezioso, curato nei minimi dettagli, nella

sua diversità. E’ un disco che non può appartenere ad un genere ben preciso, ma che può annoverarne diversi, che non è niente ma allo stesso tempo è tutto. E’ elettronica ed è acustica, è punk ed è pop, è psichedelica ed è puro cantautorato. Questo strano bagaglio dipende dalle esperienze musicali del passato e dall’approccio propriamente “inglese” che Rossi ha sempre avuto, da quel tocco internazionale che lo contraddistingue e che lo rende diverso dai tanti. Certo sarebbe bello poterlo apprezzare in un particolare segmento e vedere un po’ come se la cava spogliando completamente la sua musica di quella mondanità, di tutti quegli stili, ma magari è solo questione di tempo. Per ora non rimane che apprezzare la sua camaleontica natura di narratore dell’ensemble. [7/10] • MARUSKA PESCE

SignAWALTZES FOR LILLIPUTIANSMagmatiq Records, 2013

Waltzes For Liliputians è il primo album dei SignA, duo milanese composto da Stefano Schiavocampo e Massimiliano Galli. Attivi dal 2008 con singoli ed ep, presentano un lavoro completo e maturo, per certi versi sorprendente. Registrato in due sole settimane tra le colline toscane, incuriosisce per l’abilità degli autori nel mescolare impulsi e inserti elettronici minimal con toni e atmosfere folk. Op-erazione non originale (da Badly Drawn Boy a Four Tet passando per i Caribou, con tutt’altro spessore compositivo) ma di certo declinata con attenzione e per-sonalità. All’ascolto, Waltzes dà l’impressione di semplicità e immediatezza senza divenire banale, forse per l’uso sicuro, ma non soverchiante, di synth e batterie elettroniche in sottofondo, con le chitarre acustiche in primo piano, inquiete e

struggenti, forse per la voce leggermente acuta, dal timbro country di Stefano Schiavocampo. Il risultato è una mis-cela straniante, non sempre convincente, di composizioni a metà strada tra la ballata acustica risolutamente folk come in Old Man, cover di un brano di Neil Young, o Morrowards con incursioni nel canterbury come in The Night Will Go By As We Sing o in Bright Ideas, e pezzi dove la componente elettronica prende il sopravvento, come nelle conclusive Waltzes For Liliputians e Where The Crickets Dig. La formula, a volte esile nelle melodie, riesce alla per-fezione in Everything We Did Before We Got probabilmente il brano più riuscito del lavoro. Un album da ascoltare, se non innovativo, di certo accurato e suggestivo. [6.5/10] • VINCENZO PUGLIANO

Portugnol Connection PATCHANKA INNA PORTUGNOL CONNECTION STYLA Autoprodotto, 2011 Variopinta banda randagia a bordo d’un caravan targato Milano, va basculando tra i mille tiranti della ragnatela multietnica. È una tarantella di equilibri di fron-tiera, di un sud mondiale, di un folklore fisarmonico tutt’assieme, a braccetto delle italiche articolazioni. Il gruppo respira un ossigeno creolo, poiché organ-ismo che si nutre del biologico offerto dalla continua contaminazione, del gusto meticcio per le radici in un liberale interrail e attinge alle diversità come vene aurifere d’ispirazione. Coesistono idiomi e sonorità, cuciti assieme i Modena City Ramblers, i Negrita e qualche isola balcanica da una Mano Negra di sottocultura; questo drappo latino all’apparenza tanto disomogeneo ma poi così zingaresco da essere uno stile solo, è sulla stessa bancarella etnica in tre continenti diversi e

tutti si mescolano, nel movimento della sagra-mondo. [6.5/10] • PABLO

BF 15

Teatro SatanicoXX

Nedac Editions, 2013

XX è più di un album è come spegnere delle candele sopra un torta di complean-no: XX è in numero romano venti come i venti anni di attività dei Teatro Satanico, gruppo storico italiano che negli anni si è ritagliato la propria nicchia di ascoltatori. Dalle cassette a internet a pensarci fa veramente effetto, era il 1993 per il trio veneto capitanato dallo scrittore Devis Granziera. Per chiarirci subito le idee: il Te-atro Satanico è, senza ombra di dubbio, uno dei progetti industrial più importanti della storia italiana e le sue uscite sono vere e proprie opere di culto.In questo mini-album più un omaggio ai fan che un nuovo percorso sperimentale contro una società insulsa, contro l’ipocrisia strisciante, contro il mondo intero con le sue storture e deviazioni. Veniamo accolti dal canto in francese Oh Mon Dieu, oh Mon Diable... di Mondo Cane (à Yves Klein), che su distese di morbidi synth chiede protezione dalla massa e meritato oblio, come un preghiera potrebbe fare facilmente da colonna sonora ad un finale di MondoMovie. La seconda traccia Teatro Della Memoria (la prima cosa che ho pensato: è Lindo!) ricorda un salmodiare di ferrettiana memoria e interpretazione, quasi un manifesto dei teatro satanico un manifesto al contrario però, non di intenti ma contro una società insulsa, contro l’ipocrisia strisciante, contro il mondo intero con le sue storture e deviazioni contro memoria e schemi mentali precostituiti. Decisamente poco “ortodossi”! Si regge con il synth e un sound inquietante. Si sarebbe potuta chiamare anche Satanismo e Barbarie. “Satana non mi salverà, e nemmeno il loro Dio. Se ci sarà un aldilà, sarà come l’aldiqua” è l’amara e triste costatazione de La Farmacia dell’Angelo. Nella seconda parte The owl con sound oscuro, funeree ritmiche elettroniche per l’unico pezzo in inglese; chiude tutto il lavoro Occidente suoni soffocanti e voce distorta invitano a diffidare di tutto quello che appunto l’occidente rappresenta con la sua idea dominatrice ormai perduta da quasi un secolo e di quello che offre con la sua mentalità preconfezionata. Possiamo solo augurare buon ventennale e auspicare che non sia ultimo. [7/10] • G. MONTAG

LosburlaI MASOCHISTILibellula, 2013

Iniziamo dal documento d’identità; dietro il progetto Losburla c’è l’astigiano (ma trapiantato a Torino) Roberto Sburlati, qualcuno lo avrà già sentito come bassista dei Madam, band che accompagna Marco Notari dal 2003. Nel suo primo lavoro da solista racconta prendendola di petto (e con qualche parolaccia di troppo) una re-altà e un disagio visti attraverso uno specchio che riflette prima di tutto se stessi. Conservando un’ironia dissacrante («potrei provare a fare l’attore porno benché potrei avere dei problemi con tutta quella gente intorno») si toccano con mano temi e problemi importanti quanto attuali; la crisi economica, i compromessi per arrivare al successo, la democrazia malata dei social network, la vigliaccheria che ci spinge a fuggire, l’indifferenza con cui ci facciamo del male, la pietà trasmessa per sms, l’arrivismo cieco, il narcisismo come risposta all’insicurezza, l’ipocrisia divenuta bandiera. Nella finale Mas-ochisti? tutto questo viene riassunto ed esasperato; su una base musicale inquinata – come il nostro quotidiano – da brandelli di notizie rigettate dai media, una spoken song indigesta che è la cronaca drammatica di una follia lucida e autolesionista, un pugno nello stomaco autoinflitto («i masochisti siamo noi» ci dice chiaramente il cantautore) forse per l’incapacità di far sì che la responsabilità scavalchi le nostre paure, perché bisogna essere responsabili anche per poter essere felici. Gli arrangiamenti sono morbidi nonostante alcuni brani dall’impatto più ruvido (Amaro, Il mio processo di beatificazione), con soluzioni musicali fresche e frizzanti soprattutto nei primi pezzi, come il meraviglioso inserto d’archi che conclude il brano d’apertura L’imbucato o il piglio facile e orecchiabile del singolo Dilettanti (San Salvario salva). La seconda parte del disco ha un accento più cantautoriale dove la prima veste più indie; se il cut-up di Lettratura ricorda da vicino l’ermetismo del De Gregori più analogico e introverso, con Rossetto siamo a metà strada tra Zampaglioni e Gazzè, e si rischia di stagnare in sonorità più grigie e malinconiche. Ma nel complesso lo riteniamo davvero un buon esordio, che riusciremo ad inquadrare meglio di fronte ad una necessaria seconda prova. Memorabile l’immagine di copertina in cui il nostro si tuffa come mamma l’ha fatto dentro le acque del Po in piena città. Quando si dice mettersi a nudo. [7.5/10] • FABRIZIO PAPITTO

16 BF


KuFEATHERSInner Ear Records, 2013

Artefice del progetto KU è il compositore greco Dimitris Papadatos. L’artista, sulla scena musicale ormai da un decennio, propone con Feathers il suo primo lavoro da solista, assemblando con una spiccata sensibilità dark spunti elettronici e richiami di antiche liturgie sacre, atmosfere ambient, minimali e crepuscolari, con organi e synth ora elettro pop ora decisamente cinematografici. Ma la vera cifra stilistica dell’album è data dalla voce ispirata e dolente di Dimitri capace di condurre l’ascoltatore verso luoghi tribali e mistici come in Devotion In A Nut-shell, o di creare atmosfere confidenziali, da crooner ironico e disilluso come in Jerusalem, uno dei pezzi migliori dell’album, dall’atmosfera malinconica, per così dire “berlinese”. Feathers appare in bilico tra intimo raccoglimento e mo-

vimento in crescendo, quasi rabbioso come dimostrano le inaspettate riprese di brani come In Certain Amounts In Sun e la magnifica Millions, che si dischiude accelerando improvvisamente con energia e notevole impatto emotivo. Se l’ispirazione di questo lavoro può forse trovarsi in alcune suggestioni industriali e decadenti degli Einstürzende Neubauten meno rumorosi, nei fraseggi di organo di Vangelis, o nella voce spigolosa di Peter Murphy, il risultato è originale e convincente. Non si tratta certo di un disco dalla ricezione semplice, gli echi e le influenze stilistiche molteplici, così come il tono e le atmosfere notturne possono sconcertare e inibire un fruitore distratto, ma ascolto dopo ascolto se ne coglie la ricchezza compositiva, l’uso sapiente degli effetti elettronici, la forza delle linee ritmiche (ascoltate The New Grey Whistle Test). Non resta che metterlo nel lettore e riascoltarlo subito dopo! [7.5/10] • VINCENZO PUGLIANO

LogOutLITTLE THINGS BURIED IN CONCRETEInner Ear Records, 2013

Ok, lavoro facile, questa recensione. Sento puzza di capolavoro (cit.). Per curi-osità, provate a sentirvi il disco precedente dell’ateniese LogOut (Paper Plane Flight Recorder) per poi passare al disco di cui state leggendo la recensione, registrato con l’ottima label greca Inner Ear. La produzione cucita su misura per tutte le necessità di ogni singolo pezzo rende tutte e dieci le tracce un vero e proprio piacere per le orecchie. Si spazia dal dream-pop alla Morrissey (forse un po’ modaiolo nella sua veste 80s con tastierine a 8 bit e rullanti campionati) di For You, probabile hit da festival scandinavo, alle atmosfere alla Hail to the Thief di Censored Title, una canzone semplice ma che conquisterebbe milioni di fans degli artisti più inflazionati di metà anni zero. L’influenza di Lou Reed è vivida nel

sangue di LogOut, mentre nelle sue corde vocali sembra risuonare un Paul Banks ellenicizzato. Il moniker così in linea con i “tempi moderni” (chissà come se la rideranno del nostro futuro e delle nostre risoluzioni da social network nel 2050) nasce dall’esigenza di staccarsi da tutti i login di cui abbiamo necessità nella nostra vita quotidiana per incam-minarsi al di fuori di tutto questo, mossi dalla volontà di vedere, di sentire. Un tema così ricorrente, così semplice, così necessario. E da questo moniker, appunto, emerge il totale disinteresse per una comunicazione affidabile, proprio perché possiamo limitarci a percepire, ad emozionarci, senza sapere nulla di chi ci sta di fronte. “A rose is a rose is a rose”. Tutto parte dall’essenziale, chitarra e voce. Ma i mondi che vanno edificandosi sopra queste fondamenta sono tutti da scoprire. Prendete coraggio e lasciatevi emozionare. [8/10] • BERNARDO MATTIONI

BF 17


Tango With LionsA LONG WALK

Inner Ear Records, 2013

C’è un gran bel lavoro dietro questo album. A long walk, un full length che esce tre anni dopo il discreto successo di Verba Time e della malinconica In a Bar (quasi tre milioni di visualizzazioni su YouTube).Capire la provenienza geografica dei Tango With Lions ascoltando questo album è pressoché impossibile. L’Inghilterra è nella lingua e nello stile musicale, ma la Grecia è il Paese che dà loro i natali, e greca è anche la produzione.Come nelle località balneari elleniche, la cultura inglese è assorbita e riproposta in maniera piuttosto fedele, in un menu che contiene più hamburger e ketchup che souvlaki e salsa tzatziki. Senza entrare nel merito delle questioni che soggiacciono a tale fenomeno – competenza di studi antropologici culturali più che di una re-censione musicale – quello che registriamo è una proposta musicale anglofila dei Tango With Lions curata e brillante, di personalità, senza troppa sudditanza reverenziale nei confronti delle ineguagliabili patrie del rock.Un album notturno, con grande vena narrativa e cura per gli arrangiamenti. I testi raccontano di storie d’amore e separazione, stanche mattine solitarie, viaggi in auto fra buie strade di montagna. Il mare è poco presente, si affaccia soltanto nella traccia finale dell’album: si preferiscono immagini che suggeriscono movimento, come lo scorrere di un fiume o le carezze rapide della brezza marina. La voce calda e delicata di Kat Papachristou guida con decisione il percorso, con sensualità, il trombone enfatizza i momenti più pregnanti.È un passo ulteriore per questa band, che si affaccia senza timore alla scena rock europea senza provincialismi. Può essere una buona scoperta anche per il pubblico italiano. [7/10] • ALBERTO SARTORE

No Clear MindMETS

Inner Ear Records, 2013

Arrivano dalla Grecia questi No Clear Mind, e Mets è presentato come un pro-dotto diretto dell’omonimo quartiere ateniese. Le atmosfere sono dilatate fino all’onirico, intessute e impreziosite a vari livelli da delicati accenni melodici in un muro del suono tanto solido quanto etereo. Ricordano lo psych-folk degli anni settanta, con qualche sotterranea nota di cupezza floydiana (evidentissima anche nelle dinamiche dei pezzi, che si dilatano e si contraggono continuamente, come respirassero). Dicono di aver voluto creare delle storie autobiografiche incentrate sulla rappresentazione di diversi stati d’animo attraverso il tempo, e la forte pre-senza di stilemi postrock e shoegaze non fanno che sottolineare il coinvolgimento emotivo richiesto per l’ascolto. Una specie di lucida allucinazione attraverso dieci pezzi delicati e conturbanti, pervasi di malinconia e imbevuti di nostalgia per qualunque-cosa-vi-venga-voglia-d’aver-nostalgia. Dieci (quasi) strumentali finemente arrangiati e orchestrati, i cui titoli sono chiavi di lettura per capire dov’è che i No Clear Mind ci stanno portando e cos’è che vogliono mostrarci. E poi ormai è autunno, e io sono sensi-bile a questi affreschi ad acquerello, mi affaccio alla finestra e faccio finta di essere il protagonista di un film un po’ tristone in uno di quei momenti introspettivi sottolineati dalle curve emotive della colonna sonora (sì, lo faccio. E lo fate anche voi, non vergognatevene). “Escher’s waterfall carried us away”, una vera e propria partitura liquida, lim-pida e fredda che sa di cappotti e tramonti violacei nel mediterraneo, “Morning Rain in June”, altro pezzo agrodolce che un po’ ti coccola e un po’ t’immusonisce. Nascosta qui e là, una certa impronta ellenica per lo più silente sulla quale s’innestano le sconfinate architetture soniche dei cinque. Chiudono le università, chiude la tv, ma la musica resiste, e vola alta. Bravi. [7.5/10] • MARCO PETRELLI

18 BF


Hyaena ReadingEUROPASubTerra, 2013

Gli Hyeana Reading, formazione italofrancese, si presentano come un gruppo “poco incline al compromesso gestionale quanto a quello artistico”, e concludono la loro introduzione portando come vessillo il fatto di non avere brani tutelati dal-la SIAE. Scelta giusta o sbagliata che sia, non sta a me giudicare, fa subito capire di che pasta sono fatti i nostri. E se ad un primo ascolto non resto particolarmente colpito dal cd, mentre faccio passare un po’ di tempo prima della seconda volta [mi lascio sempre il tempo di assorbire un lavoro prima di giudicarlo ndr], mi rendo conto che non sono riuscito a metabolizzare i concetti espressi. Apro il libretto ed inizio a leggere bene i testi dei brani, alcuni in italiano, altri in francese. E ci trovo dentro una profondità e una crudezza degna del miglior Lindo Ferretti. Adesso

posso risentire il cd. E adesso me lo godo.E proprio pensando ai CSI e ai CCCP mi focalizzo sulla voce, lasciandomi trasportare dai riff di chitarra come in “In netta ripresa”, ipnotizzare dal synth di “Vendetta”, scivolare nella nostalgia con la drum machine di “Atto d’amore”. La linea rossa che unisce tutti i pezzi è il parlato, che si alterna tra bassi e alti come se non ci fosse un ordine preciso, bensì come se Francesco Petetta decidesse la ritmica degli strumenti. Non ritengo particolarmente importanti le sonorità in un lavoro tipo questo, dove se dovessimo metterci a cercare un genere in cui catalogare Europa sarebbe limitante nei confronti della complessità e completezza dell’opera. Il progetto tuttavia si ispira alla musica dei Bachi di Pietra ed è parecchio influenzato sia dai Massimo Volume che dagli Ulan Bator.Un lavoro difficilmente catalogabile, posto ai margini dei vari generi, fatto di suoni violenti e momenti di riflessione intima, capace di creare atmosfere e di distruggerle immediatamente. Io un’opportunità gliela darei.[8/10] • LUCAJAMES

Impression MaterialsIT SHOULDN’T BE A MATTER Autoprodotto, 2013

Realizzare un disco multiforme ma omogeneo, alternando brani pop ad atmos-fere puramente blues, il tutto condito da arpeggi alla Tommy Emmanuel e da riff pescati direttamente dal Delta del Mississippi. Insaporire il tutto con un imperc-ettibile velo di country. Forse proprio queste ambiziose aspirazioni hanno spinto Stefano Elli, vero e proprio one man band del progetto Impression Materials, a dar vita a It Shouldnt Be A Matter, disco d’esordio completamente autoprodotto e registrato direttamente in casa del giovane artista. La domanda che sorge spon-tanea è: il gioco è riuscito?Stefano Elli ha fatto un piccolo miracolo, imbrigliando in sole nove tracce tutte

quelle anime, tirando fuori un meraviglioso bastardo dai mille volti ma da una personalità nuova e unica? La risposta purtroppo è no. Brano dopo brano, si ha la sensazione di ascoltare un disco a compartimenti stagni, rigidamente diviso, dove una metà sembra respingere l’altra. Il disco sembra mancare di sfumature, o è bianco pop o è nero blues (fatta forse eccezione per The Lamb e Narceine). Se uniamo a questa rigida distinzione una certa monotematicità nelle linee vocali (soprattutto nella parte pop), il tutto perde di potenziale e fascino. Tuttavia sarebbe ingiusto non apprezzare e citare gli aspetti positivi di It Shouldnt Be A Matter, che si notano e fanno ben sperare per il futuro: nei brani blues Stefano Elli mostra maggiormente la sua personalità, la voce si fa più fluida, riff e fingerpicking sono più sentiti e genuini (basta ascoltare Refusing Alone e Staring At The Kitchen per capire di cosa sto parlando). In ef-fetti l’intero aspetto chitarristico del disco è più che positivo, il giovane musicista è bravo a citare e ad interpretare quando imbraccia la sei corde. Insomma, passione e qualità non mancano, ciò che manca a questo disco è l’Armonia, una sorta di bussola che guidi chi ascolta ma soprattutto chi compone. Confidiamo che Stefano Elli si interroghi riguardo questa lacuna nei suoi prossimi lavori e che si risponda proprio come suggerisce il titolo dell’album: “non dovrebbe essere un problema”.[6/10] • MARCO BALZOLA

BF 19


Diego De GregorioRESTAURANTE

Lapidarie Incisioni, 2013

Un disco acustico che suona distorto. De Gregorio è un cantautore romano che pesca le proprie ispirazioni un po’ ovunque tra le molte facce del songwriting del nostro paese, da Ivan Graziani (“Taglia la testa al gallo”, cover più che riuscita) alla taranta, senza tralasciare un approccio obliquo che ha a che fare più con l’estetica anarchica del Seattle sound che con le rifinitezze nostrane. È in effetti il sound di questo lavoro ad essere interessante, ellittico e sperimentale, con un occhio sem-pre alla forma-canzone, qui omaggiata e là tradita e sfigurata in rantoli caciaroni (“Restaurante”, “Del Male”). Ci sono dentro i Radiohead, i Quintorigo, Tom Waits, Dylan, i Soundgarden, il già citato Ivan Graziani, i Neutral Milk Hotel, e volendo potete trovarci graffi un po’ da tutte le parti, perché la cosa buona di questo Res-taurante è che, pur utilizzando il modulo classico dell’acustico-percussivo, ne spinge canoni e possibilità al limite di rottura, tentando d’infilare quanta più roba possibile nel plurinflazionato universo cantautoriale odierno. Il disco vuole raccontare il percorso di un uomo che si restaura, riparando la propria integrità per ergersi contro un “fuori” che pare premere nel tentativo di farsi strada e intossicare, e le dinamiche musicali sembrano essere uno specchio di questo processo, azzardando e violando nel tentativo di assestarsi su corde che, saldamente attaccate all’esperienza passata, si lanciano a occhi chiusi verso il nuovo. Niente male davvero. [7/10] • MARCO PETRELLI

Io Monade StancaTHREE ANGLES

Goat Man/Canalese Noise/Only Fucking Noise/New Sonic Records/A Tant Rever Du Roi/Whosbrain/Human Feather, 2013

Tre coetanei laureati in patafisica alle prese con avantnoise sfacciatamente non orecchiabile (e che vi aspettavate?). Un’estetica a metà tra esoterismo e fantasci-enza portata in giro con 200 concerti per l’Europa, e buon pro gli faccia. I giochi di ritmo sono interessanti, così come qualche momento in cui le intessiture chitarris-tiche sembrano tenere l’ascoltatore in sospeso, portandolo delicatamente in alto, oltre la palude overdrive che è il nocciolo del pezzo, per cullarlo o farlo ricrollare giù senza avvertimento. Per contro, non sono riuscito a capire una singola parola del cantante, cavernoso e inarticolato; non so se sia una scelta fonica cosciente o semplicemente un’equalizzazione criminale. Difficile riuscire a scrivere due righe coerenti su questo disco, spesso le strutture vengono a mancare, non si capisce attorno a cosa s’avvitino i pezzi o dove siano diretti. Un po’ un peccato, perché quando le nubi si diradano le aspettative s’illuminano e aspettano il mo-mento di trovare un appiglio dove assestarsi (che non arriva). Però, se dobbiamo prendere seriamente tutto questo parlare di patafisica (la “scienza delle soluzioni immaginarie”) da parte dei tre, di certo tutti questi elementi appar-entemente sconnessi andrebbero a formare un esperimento sulle eccezioni, sul particolare, sull’”ascensione del vuo-to verso una periferia” (Jarry). Io di questa roba non ne so molto (anche perché in fondo c’è poco da sapere, essendo un gioco filosofico e logicolinguistico sull’assurdo e l’ironico), però alle medie ho recitato nell’Ubu Roi. Non mi ricordo granché, solo che alla gente non piaceva che dei bambini dicessero Merdre. Sto divagando? È che non so proprio che idea farmi, sono spiazzato, disorientato, confuso, sedottoeabbandonato. Boh. [5/10] • MARCO PETRELLI

Invia il tuo Ep alla casella email [email protected] o all’indirizzo postale che trovi sul nostro sito web. Potrebbe trovare spazio tra i dischi recensiti su questa rivista.

20 BF


Vietcong PornsurfersWE SPREAD DISEASEDangerous Rock Records, 2013

Avete presente quando siete colpiti da un colpo di fulmine? Ecco, è quello che mi è successo ascoltando questo “We spread diseases”. Devo fare un grosso mea culpa, perché non sapevo dell’esistenza di questo quartetto svedese che è giunto già al secondo full-lenght, oltre ad un ep di esordio. E con rammarico ho anche appreso che il loro tour italiano è terminato prima dell’estate. Quindi passo diret-tamente, e con un po’ di mestizia, alla recensione di quello che ritengo uno dei migliori album del 2013. Capiamoci, i nostri non apportano nulla di nuovo nel panorama musicale, ma ciò non equivale a dare un segno negativo all’album. Infatti un disco trascinante e

completo come questo raramente capita, con sonorità tipicamente punk ma tendenti all’hard-rock ed influenze e sfumature tipicamente glam. Volete un esempio a mo’ di paragone? La voce di Tom K., il suo carisma e il timbro graf-fiante ricordano moltissimo Pelle Almqvist dei connazionali The Hives. A dir la verità, però, i Vietcong Pornsurfers abbandonano il filone più commerciale per andare alla ricerca di suoni più rudi, più grezzi e più diretti. Prova ne è la costante presenza di un basso potente e prepotente, strumento un po’ accantonato nella musica contemporanea. Ci sono pezzi alla Misfits o Hardcore Superstars, come “Dead track”, e tracce più tipicamente hard-rock, come “Make you hate”, dove le chitarre ricordano i Motorhead, fino a canzoni con richiami espliciti a Billy Idol, come in “Marcel”.Tutto l’album, composto da 12 tracce, ha un ben preciso motivo di fondo: fare musica divertente, immediata, che ti faccia venire voglia di muoverti senza sosta. Ritengo azzeccata anche l’idea di non comporre brani troppo lunghi (il massimo è 3 minuti e 30), perché permette al disco di scivolare via velocemente, senza lasciarci annoiare, grazie anche ad un ottimo mixaggio.In definitiva, mi trovo di fronte ad un lavoro composto da un buon sound che si ispira ai grandi gruppi senza però imitarli, sfornando così un album veramente degno di nota. Il quartetto svedese è sicuramente solo agli inizi di quello che potrebbe essere un grande futuro. [9/10] • LUCAJAMES

BadmotorfingerIT’S NOT THE ENDlogic(il)logic Records / Andromeda Dischi, 2013

It’s not the end è l’album d’esordio dei BadMotorFinger. Un lavoro che i membri della band amano definire “ispirato al sound live”. Il progetto nasce da un’idea di cover band dei fratelli Federico “Heavyrico” e Alessandro “Alex” Mengoli che nel 2006. In seguito ad uscite, produzioni parallele e rientri clamorosi, nel 2011 la lineup trova una forma definita e stabile: i sopracitati fratelli Mengoli alle chi-tarre, Stefano “il reverendo” Altobelli alla voce, Massimiliano “Tommy” Tomme-sani al basso e Stefano “Steve” Deguglielmo alla batteria. Nonostante il nome richiami l’album del 1991 dei Soundgarden, i BadMotorFinger sono una di quelle band che già al primo ascolto mostra senza indugi la propria vocazione. La strada che vogliono percorrere è una ed inequivocabile: l’heavy metal e l’hard rock. It’s

not the end è un album dalla trama ben definita, con poche eccezioni, che testimonia una grande conoscenza del genere ed un discreto modus nella stesura dei pezzi. Abbiamo apprezzato pezzi introspettivi come “Brand new day” o la cover di chiusura dei Motorhead “Rock’n roll”. Allo stesso tempo tuttavia la prima impressione che ci da l’ascolto ma soprattutto l’artwork (che non si distingue per l’ottima fattura) è che la cultura degli anni ‘80 sia ancora viva. Non è così, almeno per il sottoscritto. Quello che ci si presenta è un concetto più che un lavoro musicale; una riproposiz-ione molto ampia che spazia da assoli potenti e dinamici come quelli di Slash a riff rugginosi e trascinati come solo possono ricordare i metallica post-Burton. Insomma, un lavoro egregio dal punto di vista del suono e della tecnica ma ciò che personalmente manca (come a tantissime band che suonano altri generi) è l’espressione di una propria identità. [5/10] • FABRIZIO PALLOTTA

BF 21


Marcello CapozziSCIOPERO

Seahorse Recordings, 2013

C’è molta musicalità ma anche parecchia filosofia in questo lavoro, entrambi gli aspetti più rilevanti della musica di Capozzi si fondono in questo primo disco uf-ficiale. Nato un po’ di tempo dopo un primo esperimento, un Ep di quattro tracce che sono successivamente confluite nell’album in questione. Molta teatralità spicca dal sipario musicale, l’autore canticchia come stesse recitando disavven-ture e brutture della vita. Siamo di fronte ad un tipo di cantautorato molto intel-lettuale, al di fuori dagli stereotipi affidati negli ultimi tempi a questa categoria di musicisti. Il titolo dell’album non è stato scelto a caso: il disco è permeato di po-lemica sociale, protesta, disappunto, il tutto travestito da un certo velo di poesia. I suoni sono cauti, precisi e ripetitivi, sempre gli stessi per ogni pezzo, lasciano poco spazio a cambi di registro o stilistici, ognuno con la propria storia da raccontare e adattissimo a farlo. Ma tutto è essenzialmente equilibrato, si regge in piedi tenendo i pezzi saldamente incastrati: la poesia fa da spalla alla musica e quest’ultima si concede pochi e particolari momenti da protagonista. A tratti risulta molto debole nei contenuti, quasi un po’ troppo scontato nelle espressioni e banale nel suono, forse perché le aspettative per quanto riguarda l’autore sono parecchie. Nulla è fuori posto, tutto suona perfettamente, come un prodotto impachettato per benino per far concentrare l’attenzione di chi lo ascolta direttamente al contenuto. E’ sicuramente un bel lavoro, solo pecca un pochetto d’emozione, ma un teatrante sa benissimo come riparare a tutto ciò. Restiamo a guardare con curiosità. [6.5/10] • MARUSKA PESCE

Pico Rama IL SECCHIO E IL MARE

Ice Records, 2013 Pier Enrico ma davvero ti piace questo disco? Perchè a questo punto non so più ciò che è vero. Questa produzione abbina meravigliosamente ad un’estetica iconica un contenuto molto figurativo ma poco concreto. I tarocchi di Marsiglia e le an-tiche civiltà appaiono vanagloria dialettica su fogli a quadretti, filosofia prestata alla matematica; perchè se la musica ancora possiede pulizia intellettuale non si può parlare di conoscenza e malessere evolutivo con Dargen D’Amico, e lo sai. In un pezzo, intendo, chiaro. Sono i suoi compagni di classifica, fulgida SPA del soldo a sospingere le tue pur intelligenti citazioni verso un esoterismo pop inqualifica-bile; vera divinità di un epoca in disperata questua di cavalli di Troia, per la breccia, per la gioia. Al termine delle 10 tracce di cui è composto ‘Il secchio e il mare’ riesco solo a vagabondare in un labirinto di interviste doppie, domande da due emisferi non ricomponibili. No, mi sbaglio, possono coesistere rasta e la moderna, puttana MTV, ed il figlio di Enrico Ruggeri può aver i capelli. La critica non è al successo ma al compromesso con l’ego. Forse sei così, e allora si aprano le porte di Babilonia a re Pico. [4/10] • PABLO

Il NidoI PIEDI DELLA FOLLIA

Gaiden Records, 2013

Per capire meglio questo album bisogna partire dall’ultima traccia. Kazoo e ukulele, dove tra ringraziamenti vari si spiega che il cd è stato scritto in 24 ore e registrato in 33. Un instant cd di gioie e dolori testimone che, al netto di grandi ispirazioni, il rischio di tirare la cinghia da qualche parte è reale, in questi casi. Sono stato quindi a lungo indeciso se classificare “I piedi della follia” come EP o LP considerati i vari siparietti teatrali di matrice umoristica tra una traccia e l’altra. Ci sono vari esempi di gruppi italiani che la buttano sull’ironia, spesso sot-tovalutandosi per troppo tempo come abbiamo visto in passato, ma questo cd è soprattutto per chi ha la risata troppo facile; evidentemente Il Nido non si sente all’altezza delle proprie capacità tecniche. Umorismo locale e trasversale dalla spontaneità romana alle “baleraggini” emiliane contrapposte alle loro composizioni, di ben più alta caratura, che svariano dal funk al synth rock passando per la mazurka fino all’hip hop ma senza un perché, un qualcosa che le tenga unite. Il Nido si svaluta da se ed è un peccato, dopo vari ascolti si erge quindi a summa finale l’ultima canzone dell’album: Arrivederci e tante care cose. [5/10] • PLASMA

22 BF


The 4th Ward Afro-Klezmer OrchestraABDUL THE RABBIAutoprodotto, 2012

Ecco, questo è il risultato della mescolanza delle culture: un’orchestra di Israeliti che suona musica tradizionale della propria cultura in chiave Funk o Afro-beat. Fa ridere? Beh, gli ebrei sono sempre bravi a far ridere, vero Woody Allen? Anche la cover art in copertina, una surreale striscia a fumetti, sembra voler unire facezie e politica. Ma non lasciatevi deviare dall’apparente spensieratezza dipinta in faccia a questo bel disco. Il risultato è seriamente interessante. Forse uno degli esempi mondiali più celebri degli ultimi anni ad aver percorso la tratta Tel-Aviv-New York è Avishai Cohen. L’operazione dei 4WAKO (che abbreviazione!) è simile, ma or-chestrale, e passa anche per l’Africa. L’album contiene tre riarrangiamenti di brani

provenienti dalla tradizione musicale ebraica: Yemenite Janz, Yesh Li Gan e Die Silver Wedding Die. Quest’ultima è un omaggio al celeberrimo inno pulp Misirlou, e ne ricalca anche le sonorità mex, con tremolo, annessi e connessi. In Toco Hills Kiddush Club le sonorità più classiche e la batteria sembrano quasi voler avvicinare il progetto al jazz rock anni ‘80. Fantastica Doina Blues, un blues per l’appunto, ma con il clarinetto a far la parte del leone. Insomma, questo secondo album è un viaggio davvero lungo, con picchi di vera e propria eccellenza. Se dovessimo sintetizzare con meno parole possibile la descrizione delle sonorità dell’album, per permettere all’ascoltatore di avvicinarsi all’idea generale, probabilmente la fusion è il genere che sembra emergere maggiormente rispetto agli altri. Le frequenti in-cursioni negli altri due generi che caratterizzano il nome, tuttavia, sono una parte fondamentale di questo bel lavoro. Bisogna anche sottolineare che il prodotto non è sicuramente mainstream, ma anche che se non siete dei jazzofili incalliti non avrete difficoltà di sorta a mettervi a sedere ed ascoltare questo album (tra l’altro ascoltabile in stream-ing e scaricabile integralmente su bandcamp). Via, su, partite. Est o ovest? [7/10] • BERNARDO MATTIONI

KuTsoDECANDENDO (SU UN MATERASSO SPORCO)Audioglobe/22mc, 2013

Continuano a rifilarmi dischi di gente fulminata. Eppure cerco di dare l’impressione di una persona seria. Oppure il caos epistemologico contemporaneo produce fol-lia a palate. In fondo, pazienza… Comunque questi KuTso sembrano avere avuto una risposta notevole di pubblico e critica. Hanno aperto per mezzo mondo, han-no vinto il Martelive, il premio della tecnica al MEI e sono stati band della set-timana su MTV New Generation (quest’ultima, a pensarci bene, non è una nota positiva). Fanno ridere assai, su questo non c’è dubbio (“Celerini ma che cosa fate nelle strade?/Quelli da pestare sono al Quirinale”, in Via dal mondo, che raccoglie l’insoddisfazione dell’antipolitica odierna filtrandola attraverso un narratore de-lirante). C’è anche una cover punkeggiante di De André che è quasi quasi meglio

dell’originale, uptempo e distorta. A quel che vedo, questi quattro scheggiati amano presentarsi sul palco con i trav-estimenti più assurdi (polli, maiali, parrucche di ogni tipo), e se le foto live sono oneste, il pubblico impazzisce e giù crowd surfing a tutta, tra risate e costole incrinate. Il gusto per il gioco è evidente, come pure una certe sindrome di Peter Pan (“Eviterò la terza età”) che è però alquanto auto-caustica, cazzeggion-nichilista, un grido da generazione X diventata generazione X-Box. (“Necessiti di endorfine/Comperi le patatine/Pensi troppo mattina e sera/Ma spegni tutto, fatti una sega”. Altro da aggiungere?). Solido altrock sostenuto da una filosofia da campetto di periferia, mi hanno fatto sorridere, e anche riflettere su questa generazione di falliti autocommiserevoli senza bussola di cui fac-cio parte, che alla fine lo prende sempre in culo ma senza risparmiarsi un’ultima, acidissima battuta. “Decidete voi per me perché/Me so rottercazzo”. [6.5/10] MARCO PETRELLI

BF 23


MorfemaTUTTO BENE SULLA TERRA?Milkhouse Soundfactory, 2013

Tutto bene sulla terra? Ottima domanda se a farla fosse un’entità estranea al nostro pianeta, invece sono i Morfema a porgere il quesito, ma va bene lo stes-so. Certo la risposta in questo momento non potrebbe che essere negativa... va molto male sulla terra. Ma siamo ottimisti. Primo lavoro per questa band, con molto Rock, Noise-Pop, Post-Rock... Tutto ben mixato in un equilibrio gradevole. Si parte subito con Prop e Hassan nei quali chitarra e voce sono malinconici in un crescendo post-rock notevole. Mentre Malibù rimane molto mielosamente pop, “cercherò un po’ di sonno per aver visione ancora di te”. Hermione ricorda molto gli anni novanta, riporta al grunge degli Alice in the chains, presente un’ottima esplosione sonora con potente ritmica. Nel penultimo brano Montmartre voliamo con la fantasia a Parigi in uno dei pezzi più energici ed intensi di tutto l’album. 12.13 è il brano che chiude l’album e nel quale troviamo ancora una volta una percezione malinconica del mondo “non mi accorgo del rumore che conosco, diventa buio davanti a me, guardo avanti e non vedo niente”. Il cantante Stefano Gamba, i chitarristi Virgilio Santonicola e Roberto Cucchi, il bassista Maurizio Nembrini e il batterista Matteo Zorzi, hanno decisamente fatto un buon lavoro. Tutto si muove in chiave post-rock, pregevole sia i testi che la musi-calità, lavoro soddisfacente ma non del tutto convincente. [6/10] • G. MONTAG

Nicola BattistiNICOLA BATTISTI

Cabezon Records, 2013

C’è la freschezza delle passeggiate di primavera e la gioia degli occhi di una mam-ma che guarda il suo bambino, in ogni singola nota di questo disco. Un manuale dell’ottimismo e dei buoni propositi, ma non quelli che si fanno e poi si perdono nel vuoto, bensì quelli reali e concreti. Nicola Battisti è un aitante cantautore della bella poesia, del bel canto, della narrativa leggera e spassionata, non impegnativa, che alleggerisce l’animo di chi l’ascolta, di quella che in poche note sistema la gior-nata! Una voce calda e rilassante accompagna, la musica al centro di ogni cosa, di ogni discorso, dai ritmi caldi del sud agli scorci del pop giovane e gioviale, dalle at-mosfere delle canzonette italiane degli anni Sessanta alle schitarrate in stile rock and roll (molto timido). Battisti vive per molti altri viaggiando per il mondo e sarà proprio questa propensione al viaggio che lo porta ad immagazzinare tutte le esperienze musicali fatte qua e la e a ri-portarle in questo lavoro, composto da 12 tracce semplicemente deliziose. A tratti di un ingenuità disarmante, i testi posseggono un fascino molto particolare, pochi giri di parole, piuttosto tutto sembra scritto a mo di racconto. La forza sta proprio in questo, nella semplicità assoluta: pochi strumenti, tante parole, ma nessuna esagerata forzatura, un equilibrio perfetto. Non ci si trova alla presenza di un disco di chissà quale spessore o originalità, ma la qualità è indiscutibile. [6.5/10] • MARUSKA PESCE

DiraqFAKE MACHINE

Autoprodotto, 2013

Il suono puro e crudo del frastuono, del fragore del caos che irrompe nel silenzio più assoluto, una luce improvvisa e colorata che spezza l’oscurità di una stanza vuota. Il sound dei Diraq è fatto di questo, di caos puro, di confusione e disordine, di rumore assordante. Forse sono proprio queste caratteristiche che li fanno pec-care di poca originalità, ma nonostante ciò la band sa come catalizzare su di sé l’attenzione. Dal puro stoner martellante e sconclusionato ad accenni di vero e proprio punk, quattro strumenti stridono, battono, esagerano per dare vita ad un sound prepotentemente sporco e assillante. Nei testi c’è denuncia, impegno, posizioni ben precise, ma anche tanta psichedelica… alcuni chiarissimi e assoluta-mente precipitosi di arrivare al succo del discorso, altri vaneggianti, schizofrenici, a tratti incomprensibili (e proprio questi ultimi sono quelli che ho apprezzato maggiormente). Stacchi improvvisi: picchi di suoni aggrovigliati staccano all’improvviso su silenzi assoluti, alcune fini che sembrano solo pause nei pezzi, alcuni stacchi appaiono come epiloghi. Tutto suona molto confuso, fatto a casaccio, piuttosto che suonato con cog-nizione di causa, perché si sa che anche il caos possiede un’identità, un ordine da seguire, altrimenti è solo rumore. Interessante il progetto in sé, difficile l’ascolto, non per il genere, ma per come è eseguito. Il disco è composto di dieci tracce, alcune catturano molto l’ascolto, altre lasciano indifferenti, un paio sono addirittura quasi fastidiose da portare fino alla fine. Apprezzabile, ma non unico. [5/10] • MARUSKA PESCE

24 BF


DisorchestraUMANO/DISUMANOSeahorse Recordings, 2013

Umano/Disumano, due categorie con cui misurare gli eventi del mondo. L’osservatore è Giulio Marino, autore di testo e musica, è lui che possiede le lenti. Nei testi condensa i suoi giudizi, dilettandosi nel riportare in versi timori e rabbia per lo stato attuale delle cose (“In un giorno/un giorno d’autunno che sa di scon-fitta/ eutanasia delle identità/ ecco il presente… eccolo”), senza portare folgora-zioni nei nostri sistemi morali o scompiglio nelle coscienze.Il cantato, come i testi, non ha impennate particolarmente rilevanti. Strofe spesso intonate à la Godano a cui seguono ritornelli elementari. Tutto intorno c’è un grande impegno nella ricerca di soluzioni musicali non banali, per illuminare come lampi l’incedere pesante, poco aggraziato, di gran parte dei brani. Molte trovate

acute, una grande varietà nelle scelte, ma anche molte cadute. Il lavoro dei musicisti è preciso, ma l’impalcatura che regge l’impianto musicale dell’album non è sempre stabile. La ricerca di originalità stride con la mancanza di smalto.Emblematiche Furata e La camerata elettrica, con passeggiate fra differenti sentieri musicali molto ispirate, arran-giamenti importanti, ma che nel complesso creano disomogeneità, passaggi a volte goffi, una collusione/collisione fra le parti, che – dando per scontato che sia voluta data la bravura dei musicisti – non genera un valore espressivo ma mero stridore.Anche per brani meno eccentrici la distanza fra i momenti migliori (Che fine ha fatto John Cazale) e i peggiori (Caba-ret Rivolto) è enorme. Il potenziale non è stato sfruttato, Umano/disumano è un album di alti/bassi, attese/disattese. Il nostro giudizio è sufficiente/insufficiente. [5/10] • ALBERTO SARTORE

Kathryn WilliamsCROWN ELECTRICOne Little Indian, 2013

Kathryn Williams, cantautrice inglese con un buon numero di dischi e discreto successo in patria, ha una voce che a un primo ascolto ricorda Norah Jones, per delicatezza e pulizia dell’intonazione. I suoi brani sono dominati dalla chitarra acustica e dalla voce, con alcune eccezioni, come The Known o Darkness Light, in cui invece è il piano ad emergere; in quest’ultima l’acuto del ritornello fa pensare immediatamente a Bjork, siamo però in tutt’altro contesto musicale.I brani rimandano ad atmosfere fluttuanti con testi che richiamano piccole esperienze di vita vissuta (Monday Morning) o sensazioni molto personali (Morning Twilight). Spesso la musica accompagna in maniera perfetta queste sensazioni. Una particolare citazione meritano gli altri strumenti presenti nel

lavoro, che contribuiscono a creare questo sound, in particolar modo il violoncello e la batteria, molto soft, suonata con le spazzole. L’album è molto coerente, forse troppo. Segue la sua linea, senza troppi sbalzi o cambiamenti: è certamente un motivo ricercato e senza dubbio la musica scorre con leggerezza, ma non si distinguono bene le varie parti del lavoro: tutto è molto simile. Se cercate della musica che faccia da sottofondo ai vostri momenti più intimi, siano essi pensieri o azioni, Kathryn Williams fa sicuramente al vostro caso. È quel “soft” che non passa mai di moda. [6/10] • PIERGIORGIO CASTALDI

MuschioANTENAUTSRed Sound Records, 2013

Dei Muschio è molto difficile trovare informazioni. Con una pagina Facebook dove snocciolare le loro date dei concerti e un presskit essenziale lasciano il fardello della comunicazione al loro primo album, uscito per la Red Sound Records nel settembre 2013. Granitico come loro si tratta, per i tre di Verbania, di un album totalmente strumentale di matrice stoner con delle sonorità “spese” molto bene. Seppure dai primi ascolti mi davano sempre l’impressione di una deriva shoegaze imminente, i richiami vanno per lo più verso alcune produzioni degli Isis e dei Len-to con qualche affinità maggiore verso quest’ultimi. Non me la sono mai sentita di ascoltare questo album da solo, ho sempre avuto bisogno di creare un percorso sonoro di album simili dopo l’ascolto di questo cd dei Muschio. Segno forse che

non è un album in grado di reggere la pressione da solo ma è un esordio sicuramente positivo. [ 7/10 ] • PLASMA

BF 25


Carpacho!NON È PIU’ TEMPO DI ILLUDERSI

Autoprodotto, 2013

Un best of dopo appena due album e due EP - tutti in free download sul loro sito internet – potrà sembrare forse un po’ prematuro. Una raccolta senza velleità, niente bonus track né featuring, outtakes o alternative version messe lì a ingolo-sire (e dire che c’era almeno da ripescare la brillante cover di Nord Sud Ovest Est dalla recente compilation di tributo agli 883 Con due deca o l’ancor più nascosta rilettura degli Artemoltobuffa di Lacrime a biro contenuta nello split Cocomeri? di ormai dieci anni or sono). Ma consideratelo piuttosto un riassemblaggio di pezzi spostati e ridisposti; si vuole solo ripassare la propria firma per renderla visibile quanto merita. Perché i Carpacho! sono bravi, e questa comoda raccolta ne rias-sume tutte le qualità. Le loro canzoni sono esempi riuscitissimi di pop agrodolce, bittersweet symphonies (per dirla con chi pensava non fosse più tempo di illudersi già quindici anni fa) dai testi mai banali e sibillini quanto basta a dirne l’intelligenza, dandysmo ballabile e nostalgie in stile Baustelle (che amano molto) con quel tocco di brit-pop in più a renderli un po’ sbarazzini. La scaletta non segue l’ordine cronologico ma sceglie di comporsi in un ritmo personale. Due i pezzi dall’esordio Funeral Buffet, cinque da La fuga dei cervelli, l’album meglio accolto dalla critica (anche troppo, dicono loro), altrettanti dall’ottimo quanto trascurato La futura classe dirigente, e uno dei tre che compongono l’ultimo EP L’oracolo e il fardello. Alla fine c’è (quasi) tutto; la rifles-sione critica di Il reale mi dà l’asma, la canzone manifesto Regole per un cervello difettoso, il conforto di Niente che non va, la politica Assassino seriale sensibile, il corrosivo attacco ai cliché di Tappo di champagne, i conti con se stesso nell’intima Canzone 7 (Winter), la denuncia di La classe diligente («gli eroi dei nostri tempi stanno male», si grida riu-scendo quasi a commuovere), il delirio irresistibile di C.A.R.P.A.C.H.O. Chi scrive avrebbe fatto qualche sostituzione con i titoli che abbiamo tralasciato di citare, ma i pezzi funzionano tutti, passano messaggi importanti, ci si diverte, la qualità media è alta. Per Marco Catani e compagni, che già stanno lavorando al prossimo passo, non resta che con-tinuare su questa strada, confidare in loro stessi e avere fiducia nel proprio progetto; se così sarà, presto molte altre voci si uniranno alla loro. [7.5/10] • FABRIZIO PAPITTO

Andrea De LucaVIA DIRETTISSIMA 2 e 1/3

Liquido Records, 2013

Vi è mai capitato di tirare su la coperta fino a coprirvi gli occhi e pensare per un attimo di essere tornati bambini? Ecco, Via Direttissima, strada dell’infanzia nella Bologna dov’è cresciuto Andrea De Luca, è questo viaggio indietro nel tempo, album a tema del ragazzo che era e dell’Italia che fu. Dal momento magico in cui impariamo a librarci sulla bicicletta alla due cavalli sull’Autostrada del Sole si viag-gia attraverso gli anni ’70 e ’80 ripassati per tappe fondamentali in compagnia delle persone e degli oggetti più cari. Il boomerang regalato dal nonno e il subbu-teo, il guantone da baseball e la gamba di legno della nonna, il letto a castello e il comodino azzurro, il giradischi e i fumetti, il chiodo e i libri di Jack London. E sullo sfondo Pelè e Dino Zoff, Alì che batte Foreman, Senna e i 200 di Mennea, John Lennon e poi John Travolta, l’austerity poi le stragi di Stato, la storia che passa sotto casa di I Clash in Piazza Maggiore (era il 1980). Dietro tutto, quasi costante, una presenza femminile idealizzata, vagheggiata. Il tono è ora evocativo ora più ironico, e nel complesso la dimensione intima prevale su quella corale, rispecchiate al meglio rispettivamente dalla vibrante La vita tra le dita e dal ritratto generazionale di Yoko Ono che c’entra, il brano ritmicamente più coin-volgente. Detti i pregi va però segnalato anche il grosso limite dell’album, che non è, quasi mai, quello di chiudersi nel perimetro ristretto di una realtà che non esiste più, ma è, quasi sempre, l’insufficienza dei mezzi espressivi. De Luca non si è affacciato oggi sulla scena musicale: è stato il front man dei Radio City, storica formazione bolognese che ha prodotto due bei dischi negli anni ’80; ha collaborato con Federico Poggipollini e Massimo Bubola; in prima linea nel progetto Mama Grande che ha portato l’album Settembre e il sole (2010). Allora com’è possibile l’ingenuità tanto di arrangiamenti quasi sempre deboli quanto di una prova vocale a tratti insufficiente? A conti fatti il punto di forza è costituito dai testi, che qui e là brillano di ottimi guizzi anche se non sempre riescono a fuggire un sapore retorico. Non tutti reggono una prova solistica, ed è possibile che De Luca funzioni meglio all’interno di progetti collettivi, ma questo non toglie dignità ad una prova che riesce comunque a raccontarsi con sincerità. [6/10] • FABRIZIO PAPITTO

26 BF


GiobiaINTRODUCING NIGHT SOUNDSulatron Records, 2013

Terzo lavoro per il quartetto, Stefano Bazu Basurto (voce, chitarra, sitar, bouzou-ki), Paolo Detrji Basurto (basso), Stefano Betta (percussioni) e Saffo Fontana (or-gano, synth, violino, voce) di base a Milano che, dopo tre anni di attesa dal prece-dente Hard Stories, aggiunge una perla alla sua collezione con un lavoro di ottima fattura, compatto ed estremamente gradevole. Ad un primo ascolto Introducing Night Sound rivela tutto l’amore dei suoi autori per la psichedelia anni ‘60 ed il brano d’apertura che porta lo stesso titolo è infatti un’onirica e travolgente cav-alcata tra synth, strumenti orientali e linee ritmiche impetuose. Ma è solo l’inizio. Se l’ispirazione sixties si mantiene intatta e il sound si fa caldo e lussureggiante con l’ipnotica Can’t Kill e con la lisergica Karmabomb, emergono altre devozioni

e altre passioni, dal brit pop allo shoegaze, dal post rock al garage. Le chitarre si fanno più dure e distorte, la voce tagliente elimina qualsiasi indulgenza verso memorie di epoche passate e i suoni diventano più sporchi e graffianti. Certo siamo sempre in territori psichedelici, ma pezzi come l’avvincente e oscura Orange Camel o la cover di un brano del ‘71 di Santana No One to Depend On mostrano come i Giobia interpretino in chiave moderna tutta la tradizione dagli Electric Prunes, altra cover con Are You Lovin’ Me (But Enjoy It Less) ai Porcupine Tree, da Syd Barrett ai Flaming Lips. Il viaggio psichedelico nel tempo finisce con Silently Shadows, con il suo imprevedibile violino e il malinconico organetto, vagamente yiddish, con la voce distorta e in secondo piano di Stefano. Forse dopo i furori garage e i colori lisergici c’è il deserto e un sole cocente dopo la notte. [7.5/10] • VINCENZO PUGLIANO

Federico CiminiL’IMPORTANZA DI CHIAMARSI MICHELEMKrecords, 2013

Federico Cimini s’inserisce nel filone tipicamente italiano di cantautorato pluri-folk di protesta e denuncia fortemente politicizzate. Ska, ritmi pseudo balcanici, canzoni popolari e una robusta iniezione di schitarrate rock sulla scia di Bandab-ardò, Mannarino et compagnia bella. Stupisce, in uno così giovane (classe 1988), una certa rodata conoscenza delle dinamiche folk dell’urla-e-zompa, con coinvol-genti cavalcate di rullante e acustiche frenetiche. Il disco è un concept album su un tal Michele, terrone ed espatriato, le sue esperienze, la sua visione del mondo, i suoi sfoghi contro le brutture della società e gli sfregi della politica. È coinvol-gente, non c’è che dire, e anche impeccabile nell’esecuzione e nella costruzione dei pezzi, che sono tutti perfetti esempi di combat folk nostrano, con voce roca

d’ordinanza (Rino maniera) e aperture in levare come se piovesse. Messo in chiaro che a noialtri nati sul finire degli anni ottanta ci girano le palle di brutto e che avremmo una gran voglia di fare un culo così a chi c’ha costretto in questa condizione di perenne frustrazione esistenziale, è curioso che i canali della protesta passino (quasi) sempre attraverso questo nuovo tipo di cantautorato dal sapore vagamente esotico. Strano? Non saprei, di certo qualcuno deve pure incazzarsi, e questa musica solo apparentemente scanzonata è il medium perfetto per arrivare al cuore del mortificato pubblico giovanile d’oggigiorno. Quadretti di contemporanea speranza e mediocrità ben scritti e bene eseguiti, per portare avanti il songwriting italiano, oltre le incombenti e ingombranti eredità di quei pochi grandi nomi che ci vengono continuamente portati ad esempio, ormai addestrati e addomesticati dalle dinamiche bugiarde dell’intellighenzia educatamente “contro”. Forse è da queste parti che andrebbe cercata la “voce” dei tempi. Chissà. [6/10] • MARCO PETRELLI

BF 27


GTOLITTLE ITALY

Music Force, 2013

Non tutti lo sanno, ma i GTO sono una delle realtà più prolifiche, longeve e vitali della scena Folk‘n’roll italiana. Il loro ritorno, tre anni dopo l’ultimo Mondiàl, è la continuazione di un modo di cantar storie che ha caratterizzato l’intera produzi-one del quintetto umbro, e celebra vent’anni di attività conditi da centinaia di date in tutto il continente. Musica per sudare, musica da Festa Popolare, come ricorda la canzone tributo alle radici dei GTO, ma anche invettiva contro un’Italietta sem-pre più grottesca, che “non sa dove sbattere la testa”. In tal senso, l’investitura di canzone di protesta viene consegnata alla paradigmatica Little Italy, title track decisamente adeguata per le figuracce che il Belpaese continua a riscuotere. Granelli di Sabbia, invece, è il confronto con un mondo diverso, con la musicalità da ballad ed atmosfere messicane infarcite di bigsby e tremolo, con qualche rimando alla canzone italiana anni ’60. Se analizziamo più a fondo questo album, che indurrebbe a sentirsi di fronte all’ennesima folkata, scopriamo delle scelte di produzione che regalano un respiro molto più ampio, con picchi di eccellenza in termini di sonorità. Oltre alle sopra citate, in Barabba, che è la prima traccia dell’album, i fiati si intersecano con le tastiere, quando magari ci si aspetterebbe una molto più consona fisarmonica. Divertente. Ben riuscito l’esperimento folk-pop Cielodivento, che ci porta in giro per un intero anno, con le eterne incertezze di fronte a ciò che sarà di noi. Decisamente frut-tuosa, dunque, la collaborazione con Leonardo “Fresco” Beccafichi in cabina di regia, collaboratore stabile di Lorenzo Cherubini. Quello che va concludendosi, invece, sembra essere un anno decisamente fortunato per la scena umbra, che va ad aggiungere un altro importante tassello alla propria sostanziosa offerta, nel campo della musica indipen-dente. Un ritorno gradito, quello dei GTO. [7/10] • BERNARDO MATTIONI

El Bastardo Outlaw PickerWOOD AND STEEL Autoprodotto, 2013

Quantificare la distanza che c’è fra la Val di Susa e i campi di cotone statu-nitensi dei primi del ‘900 non è facile, perchè oltre che fisico il divario è cul-turale, sociale, temporale. Ma basta ascoltare El Bastardo per capire che il vec-chio detto “le distanze non contano” è veritiero più che mai. Wood and Steel è un disco grezzo, sincero e privo di fronzoli, scanzonato e intenso. Registrato in presa diretta con tanto di uccellini in sottofondo e piede che batte il tempo, il disco ricorda quei 78 giri che dalla fine dell’Ottocento al 1945 suonavano nei grammofoni e nelle case della gente. Wood and Steel conta di alcune can-zoni originali e, come vuole la tradizione di genere, di varie cover interpretate a dovere; si va da Out On The Western Plan a Hit the road jack a The Einter-tainer, spaziando tra chitarre acustiche, dobro, ukulele, bottleneck e kazoo. La bellezza e l’intelligenza presente nelle nove tracce che compongono l’album sta proprio nella volontà di ricreare una certa atmosfera più che di incidere semplicemente delle canzoni, tanto che in un contesto del genere anche punti deboli come la scarsa qualità della registrazione diventano invece elementi di forza che contribuiscono a formare un disco caldo, vivo. E non sono solo il calore del legno e la forza dell’acciaio ad animare Wood and Steel ma anche le capac-ità tecniche de El Bastardo, che si muove comodamente fra fingerpicking e slide, citando con la voce e so-prattutto con la sei corde Johnny Cash, Rory Gallagher, Jimmy Rodgers e tanti altri con naturalezza e gigioneria, sempre in bilico tra il serio e lo scanzonato. El Bastardo vuole portarci nella sua epoca, nel suo mondo preferito e lo fa con la semplicità e con la passione di chi ama e crede in quello che fa. E noi non possiamo far altro che lasciarci coinvolgere e sentirci un po’ più bastardi e fuorilegge insieme a lui. [7/10] • MARCO BALZOLA

28 BF

INTERVISTE

The SnookysAUTOMATIC STOMPNight Fighter Records, 2013

Onesto? Quando mi arriva in mano il cd dei The Snookys e leggo che sono pro-dotti dall’americana Night Fighter Records, casa discografica che da anni lancia sul mercato un’infinità di punk rock band, dando spazio a molti gruppi emergenti, mi sono sentito di avere un album degno di nota. Purtroppo non è stato così.Per carità, intendiamoci, non che sia un lavoro pessimo, ma non sento nulla di nuovo al primo ascolto. Rimetto il cd per cambiare idea, ma, niente, resto della stessa opinione. Questi ragazzi lombardi tecnicamente sono bravissimi, nulla da eccepire, ma già autodefinirsi come gruppo garage punk è alquanto sviante, visto che vuol dire tutto e nulla. Girano molto tra sonorità anni ’80/’90, alcune molto rockabilly, come “I won’t go so far” e “The foosball song”, o attraverso un richia-

mo esplicito alle sonorità Chuckberryiane con “Pass by me”, o persino con una (molto ben fatta a dire il vero) cover di “Get ready” di William Snokey Robinson, pezzo migliore del disco. Il disco va via molto veloce, con 11 pezzi che, attraverso suoni lo-fi, voci ovattate e una registrazione comunque molto buona, purtroppo sembrano tutti molto simili, anche nei riff introduttivi. Ribadisco, non è un lavoro malvagio, ma, viste le potenzialità del quartetto lom-bardo, penso si sarebbe potuto tirare fuori qualcosa di più rilevante nel panorama musicale, invece così si rischia di far cadere nel dimenticatoio una serie di pezzi che, magari, in una performance live, potrebbero essere veramente apprezzabili rispetto ad un ascolto digitale. [ 5.5/10 ] • LUCAJAMES

Chiara AtzeniSOTTOTRACCIAAutoprodotto, 2013

Prima di inserire il cd nel lettore diamo un’occhiata veloce ai titoli, così, per ori-entarci sulla carta prima di iniziare il viaggio, per il piacere di sbirciare prima di entrare. Allora: Universo dentro, Tra il vuoto e il mare, Amore di cristallo, Disso-nanze, Frammenti, Tutto passa. State pensando la stessa cosa? Avete un terribile presentimento? Poi il disco scompare dentro la fessura, e tutte le paure che ave-vamo negli occhi ripassano per le orecchie. Ebbene sì: pensieri che hanno ancora il sapore dei banchi di scuola, quando vagheggiavamo di parole che ci piaceva guardare da lontano senza afferrare, come nuvole dalle forme più bizzarre. Pe-nalizzati da una maturità espressiva lontanissima da raggiungere, si parla di sé e della propria vita senza riuscire concretamente a rappresentarsi, costruendo un

autoritratto tanto generico da poter essere in definitiva quello di tutti (e di nessuno). Quando poi si abbraccia, più per costume del pensiero che per esigenza espressiva, la riflessione critica, non ci si allontana di un passo dai più infaticabili luoghi comuni. C’è anche, a mo’ di contorno, il “pezzo contro”, Il vostro Dio: retorica in libertà. Le cose non migliorano quando si prova ad abbracciare l’inglese come nella conclusiva Flashback. E, su tutto, il tritume me-lodico di arrangiamenti che rendono impossibile distinguere un pezzo dall’altro. No, non ce l’abbiamo con la giovane esordiente Chiara Atzeni, naturalmente, e non possiamo (e non vogliamo) giudicare la sincerità o la genuinità delle sue emozioni. Ma della sua musica sì, e per il momento siamo decisamente sottotono, anzi, lasciamoci suggerire, sot-totraccia. [4/10] • FABRIZIO PAPITTO


Cani della BisciaFAI COME FARESTIAutoprodotto, 2013

I Cani della biscia sono piacentini, e si sente in ogni nota di questo loro lavoro.Una bella festa di paese negli anni ‘50, fra mazurke e canzoni sfrenate, testi spesso goliardici (la voce del cantante mi ricorda l’amato Elio).Molto belle in realtà sono anche le ballate, speciamente Malinconia, anche se proprio non può essere definita così perchè all’iniziale violino segue una batteria molto rullante, che è un inno alla vita e alle cose positive. Adunata d’amor sembra invece una canzone di Celentano degli anni d’oro, con un ritornello molto molto orecchiabile e che rimane in testa un bel po’. Mal d’Africa è invece velocissima, e ha un sapore davvero mediorientale; Buon Natale è una ricetta tradizionale in canzone di quello che si mangia nel periodo natalizio. L’unica cosa che mi ha las-

ciato spiazzato è stato il riff iniziale di 28 Marzo, che è davvero uguale a You’re gorgeous dei Babybird, ma è un pec-cato veniale. Il disco è davvero piacevole anche se ovviamente non perfetto ma si lascia ascoltare molto volentieri. [6.5/10] • PIERGIORGIO CASTALDI

BF 29


Sister In The ClosetINTROSPEZIONE EVASIVA

Autoproduzione, 2013

Introspezione Evasiva è composto da otto brani di caratura punk. Passiamo dallo stile dei NOFX e Millecolin al post-grunge degli Staind e Nickelback, senza lascia-rci mancare venature metal e post-hardcore. In generale la sezione ritmica è ben arrangiata e non è affatto male. Mi piace l’idea coraggiosa di utilizzare l’italiano sopratutto per un genere il punk che predilige l’inglese. Nota dolente sono i testi molto adolescenziali e a tratti banali, ricchi di quel disa-gio giovanile sbandierato ai quattro venti, ormai da troppo tempo e da troppe band. Non trovo l’originalità della band esordiente. Rimango perplesso e convito che si poteva fare meglio. Il tutto si apre con Padre, bel pezzo di apertura che sintetizza quello che troveremo nell’album. C’è tutto quello che rappresentano Sister in the closet: forza e compattezza, distorsioni e ritornelli martellanti. Ancora come la prima volta è la traccia scelta per il videoclip, lo trovate su youtube. Uno dei brani più interessanti è Odissea, imprevedibile e di grande forza stilistica, pecca sempre nel testo. Un’altra crepa nel muro è un pezzo strumentale che rallenta tutto l’album, atmos-fera riflessiva. Acido lattico e Fantasma continuano sulla strada intrapresa coi primi pezzi e si fanno ascoltare con facilità. Il miglior pezzo del disco è senza dubbio Il Bersaglio, testo nostalgico e intriso di rancore e rabbia, sonorità di genere alternative/post-rock melodico. Il brano si chiude con un’esplosione di suoni di stampo noise. Si percepisce in questo album la voglia di emergere e la grande volontà che il gruppo ha speso in questo lavoro ap-prezzabile, ma la strada è ancora lunga, manca di esperienza e di maggiore profondità. Ma è pur sempre un disco di esordio, ci sarà il tempo per rivalutarli e sinceramente non vedo l’ora perché il potenziale c’è e si sente! [6/10] • G. MONTAG

Drama Emperor PATERNOSTER IN BETRIEB

Seahorse Recordings, 2013

I marchigiani Drama Emperor ci avevano anticipato qualcosa della loro esistenza grazie alla mitica Anomolo Records che ci mise gratuitamente a disposizione il loro primo EP. Al biglietto da visita segue, dopo tre anni, il loro primo album dall’impegnativo titolo “Paternoster in betrieb” (che dovrebbe significare qual-cosa come “Cristo in action”).Il risultato sono 27 minuti di convincente synth-pop indipendente dalle più svari-ate connotazioni. Da quella più rigorosamente post-punk di tracce come Other Side, che apre l’intero disco, a espressioni più tradizionalmente industrial (at-mosfere alla Pankow per intenderci) come Teknicolor. In Sing Sing Sing affiora splendidamente una disperata metrica italiana che ricorda certo elettro-punk marginale per adolescenti irrequieti dei bei tempi andati. Incalzante EBM in versione Young Gods nella teutonica successiva Aber. Il suono si fa più freddo ma anche più avvolgente visto l’incrementare di bpm. Ma arriva Phrase Loop che ci proietta verso una psichedelia pop di stampo marziale, saccheggiando attitudini estetiche appartenenti dalla fine di un millenio che ci ha preceduto. Dead Of Technology esprime la loro devozione smodata per la new wave da dancefloor anni 80. Segue l’elektroklash di Riversami che precede l’ottima Second Floor, meditazione minimalista di stampo no wave che chiude l’intera opera lasciandoci nell’oscurità delle emozioni più remote. Un lavoro suggestivo, nella sua interezza convincente ma che rischia di apparire anacronistico e privo di propulsione per un’evoluzione futura. Attendiamo fiduciosi il seguito![6/10] • ANTHONY ETTORRE

32 BF


EPÁsgeir TraustiTHE TOE RAG ACOUSTIC SESSIONS Ep One Little Indian, 2013

Immaginate un minuscolo locale con le tendine alle finestre, piccoli quadri con le cornici di legno appesi alle pareti bianche e un tappeto su cui dieci quindici persone silenziose e sorridenti ascoltano accovacciate l’esibizione alla chitarra acustica di ragazzo con un cappello di lana e una voce suadente e vibrante, leggera e quasi sommessa. Il tutto mentre fuori la penombra e il vento dell’estremo nord avvolgono ogni cosa. Ed è proprio così che il giovane Ásgeir Trausti si è esibito nella natia Islanda in occasione di Eldhús: The Little House of Music. Le stesse atmosfere introspettive ed intime sono presenti in questo breve Ep completamente acustico (chitarra e voce) registrato presso il Toe Rag Studios di Londra nel febbraio di quest’anno. Folk acustico e melodico, dove la

chitarra suonata con maestria ed energia trascina, soprattutto in Summer Guest, in luoghi solitari da attraversare con la nostalgia e la meraviglia nel cuore. Più malinconica e tenue l’iniziale Going Home, in cui la voce di Ásgeir ricorda in maniera sorprendente quella di Jeff Buckley e il tono appare forse troppo confidenziale e chiuso. Gli orizzonti si dischiudono verso ispirazioni più folk con On That day e il falsetto freme di emozione e intensità è proprio la carica emotiva (ed evocativa) espressa dalla voce e dagli arpeggi a colpire in questo breve lavoro, espressione della fertilità musicale dell’Islanda, della forza suggestiva dei suoi spazi infiniti e selvaggi. Dunque un’anticipazione acustica molto interessante del prossimo disco di Ásgeir Trausti, da ascoltare con attenzione. [7/10] • VINCENZO PUGLIANO

Fine Before You Came COME FARE A NON TORNARE Ep La Tempesta Dischi, 2013

Un time-lapse di nuvole, pregne di bagnate aspettative, agglomerate sulla città ed invocate in ululati dalla triste, vuota quintessenza delle strade, dove il vento disgrega le mondezze sulle uniche macchine in giro, i taxi (non gialli). Sulla scena monta ‘Come fare a non tornare’, detto anche ‘il più post- di tutto’: post-rock, post-grunge, post-punk, post-burrasca. Pre-regia cupa, procedente da tristezze decennali di Joy Divisioniana memoria per i Fine Before You Came: piagnucolano accordi in arpeggio, finchè questa pioggerella acidula tremi dall’effetto; sublima una bruma rumorosa di ottave, in dialogo con la gregoriana solfa di Jacopo Letti cantante.EP della maturità, e più della maturità fa scalpore la disillusione affilata come tela di Hopper, testi che sono ‘cori’ che sono canti bianchi di una

‘sadness’ impermeabile all’ottimismo, alle prospettive. Ciò non è stupido, se guardo il marcescente spettacolo ecco, eccoci, gusci d’uova bevuti dal pugile a colazione; non so cosa voglia dire emo esattamente, tuttavia c’è un vento autolesionistico che spinge lontano, verso nulla o verso tutto quello che c’è da realizzare. Post-pettive. [6/10] • PABLO

KandmaDEMUR EpMartiné Records, 2013

Demur, EP d’esordio dei pavesi Kandma, rilasciato sotto licenza Creative Commons, è un interessante lavoro sperimentale con una notevole cura dei dettagli (disponibile solo in formato digitale). Mi sento di consigliarlo unicamente agli appassionati del genere, in quanto, nonostante la breve durata l’EP segue la vena sperimentale di Nick Drave, aggiunge l’ennesima sensazione/emozione che ti provoca ascoltare gli Explosions in The Sky.L’EP di apre con Lambda, decisamente il pezzo migliore di tutto l’album, gradevole inzio soft-ambient e ottimo mix di voce con energiche esplosioni post-rock nel finale. Pushing cambia stile sia per l’aggiunta ulteriore di elettronica, a mio avviso molto azzeccato, e voce tristemente maliconica. Ursa è più calma e più pop.

Chiude la cover Three Hours, di Nick Drave, artista che sicuramente ha influenzato notevolmente la band e questo Ep in particolare. Buon EP, rimane all’ascolto molto intimo e personale. [6/10] • G. MONTAG

BF 33


EPLe Gros Ballon

HEY! EpCasamedusa, 2013

Ecco un graditissimo ritorno. Dopo il riuscitissimo Orange, il visionario duo milanese torna con Hey, un Ep tanto bello quanto coerente con il precedente lavoro. Missione compiuta, ancora una volta. Questo lavoro è chiaramente afferente al topos di Orange, nonostante non abbia la possibilità fisica di sviluppare un discorso più ampio ed elaborato, come avveniva nel full length di cui sopra. Inoltre, sebbene la continuità tra i due lavori esista e sia vibrante in tutta la propria forza, la title track in apertura sembra quasi strizzare l’occhio agli Animal Collective, ben consapevoli del fatto che ci troviamo su lunghezze e forme d’onda diverse, meno sintetiche. Quattro tracce abbastanza brevi (solo in un caso si superano i tre minuti), dove troviamo spazio per i grandi riverberi, ma anche per la cacofonia improvvisativa (come in Sir Alfred Joseph Hitchcock). Ricordiamo che ai Le Gros Ballon piace l’esplorazione, la creazione artistica, soprattutto in campo cinematografico. La composizione per il cinema è ciò che caratterizza la loro musica. Non a caso il duo si è cimentato direttamente nella produzione di colonne sonore (in particolare per il documentario “Ciao Italia”). I due sanno sfuggire alle classificazioni di genere, fregandosene anche altamente delle stesse. Sarebbe inutile citare tutto ciò che questo Ep potrebbe ricordare. Fate una cosa: ascoltatevelo e lasciate che ricordi qualcosa anche a voi. [7/10] • BERNARDO MATTIONI

Tiger Tsunami RE: ANTARCTICA Ep

Autoprodotto, 2013

Il titolo di questo lavoro del producer britannico Christian Parker alias Tiger Tsunami, Re: Antarctica, non deve ingannare: niente fredde elucubrazioni intorno a impulsi e alterazioni elettroniche, né oniriche e minimali distese sonore, ma calde ondate ritmiche, circolari e ricolme di groove. Parker gioca con le voci e le linee di bassi e di percussioni, con i loop di chitarre lavorate sapientemente, creando una musica pulsante e avvolgente, caratterizzata da una componente melodica di ispirazione soul, che non tralascia al tempo stesso una spiccata base dubstep e chillwave. Le atmosfere risultano ardenti senza bruciare, solcate da venature e distorsioni, da ritmi ed echi ora etnici ora più industriali. Tiger Tsunami sfrutta le influenze più disparate, dal glitch all’ambient house, per produrre un lavoro che coinvolge l’ascoltatore in un viaggio fluttuante su sonorità palpitanti ed inquiete, mai banali. Nell’ep trovano spazio anche i remix dei tre brani che lo compongono. Curati da Nuages, Koloto e Fxxxyblnt arricchiscono l’ascolto di sfumature, anche consistenti come nel caso di Waves (Koloto remix), privilegiando la parte vocale in Antarctica (Nuages remix), o quella percussiva in Blossom (Fxxxyblnt remix). Nel complesso una produzione molto interessante che conferma la tendenza ad la sovrapposizione e il rimodellamento continui di stili e generi nella scena elettronica attuale. [7.5/10] • VINCENZO PUGLIANO

EsperiaMOSÈ Ep

Autoprodotto, 2013

Nuovo Ep per gli Esperia, che va ad aggiungersi ai precedenti lavori Buster e L’odore di vita. Il loro nome deriva da una farfalla molto atipica, caratterizzata da un particolare volo “a scatti”. Ed è proprio uno stile rabbioso e nervoso, ma anche dilatato in alcuni frangenti, che caratterizza l’album. Tuttavia, non possiamo certamente parlare di un prodotto atipico, dato che è la band stessa ad indicare le proprie fonti di ispirazione nei grandissimi del rock. Questa passione emerge distintamente nella musica degli Esperia, con riff di chitarra ammiccanti ed atmosfere da alt-rock anni ’90. Tutto è molto quadrato, eppure nell’insieme, capita che il cantato non riesca ad emergere come dovrebbe, vuoi per le scelte dei testi, vuoi per gli incastri di armonie ed accenti (a proprio agio nell’accattivantissimo ritornello di Niente si fermerà, come nelle note più alte e graffiate, nulla da rimarcare). Un prodotto sanguigno, vero e sicuramente genuino, quello dei quattro esperti musicisti (la band si forma nel 1995) la cui musica li ha portati a fare esperienza nel panorama indie e mainstream italiano con alcuni partecipazioni degne di nota (e.g.,il leggendario Roxy Bar di Red Ronnie). L’Ep è composto di tre brani più una suggestiva versione acustica della prima traccia, il singolone Niente si fermerà. Si poteva fare meglio, ma la base c’è. [5/10] • BERNARDO MATTIONI

34 BF

DPG…AND PUNK WAS WITH GOD EpAutoprodotto, 2013

I fiorentini DPG (acronimo di Drunk Punk Girl) arrivano al loro secondo EP, che già dal titolo si presenta come una continuazione del precedente “In the beginning there was punk”. Questa associazione musical-religiosa già di per se mi mette di buon umore, così mi preparo mentalmente all’ascolto e appena attacca lo stereo mi sembra subito di sentire i Liars e il loro cantato urlato. Anche se c’è qualcosa di diverso, qualcosa che mi attira. Ed è infatti questo metodo di espressione alquanto usuale che i nostri provano e, devo dire, riescono a trasmettere, ovvero una fusione tra post-punk ed elementi techno, grazie al sapiente lavoro del dj e di chitarra e basso, ai quali si accompagna un live painter.Le prime due canzoni “No place to land” e “The epic battle between Jakyll and

Hide” hanno un ritmo tutto personale, anche grazie al synth aggressivo che in certi momenti ricorda molto il sound dei The Rapture. Però poi l’album non si evolve, restando fedele a questo stile techno-rock-punk, che sì, prende e in certi momenti ipnotizza, ma che non ha un carattere ben preciso, per cui, le tre restanti canzoni dell’Ep hanno buone prospettive ma sostanzialmente non si differenziano molto tra di loro.È pur vero che nell’ambiente underground i DPG si stanno affermando sempre più, anche grazie alla loro presenza scenica e al tipo di sonorità che attrae parecchio, quindi non mi sento assolutamente di bocciarli, anzi, spero che facciano quel salto di maturità che li possa portare su palcoscenici molto più ampi. [ 6.5/10 ] • LUCAJAMES

La fortuna di NashiraÈ UN PAESE PER VECCHILa fattoria maldestra, 2012

Certo l’aggressività non manca nell’ep d’esordio di questo giovanissimo gruppo di Pisa; ma, sinceramente, sembra che non si sappia chi aggredire o, peggio, che questa rabbia sia assunta come un cliché senza essere affatto ragionata. È ad esempio il caso del brano Frida, dove l’omaggio alla tormentata figura femminile (con ogni probabilità la famosa pittrice messicana) si risolve in un suono acido e noise assai poco giustificato. Ma anche lasciando da parte la gratuità di certe soluzioni musicali, pesa soprattutto in una prospettiva testuale la pochezza della riflessione (Claustrofobia) l’ingenuità della scrittura («le mie parole di rabbia sputate su di un foglio come emozioni vanno a formare un testo contro di te» si canta in Spezza il pane per Giuda), la scarsa messa a fuoco di alcuni episodi

come nella prevedibile Hiroshima; emblematico in quest’ultima un verso come «le cicale continuano a starnire il loro frastuono», dove oltre a una retorica poco efficace colpisce soprattutto “starnire” che è verbo inesistente nella nostra lingua; forse si voleva dire “stormire” anziché “frinire”, ma resterebbe oltretutto da spiegare come regga un complemento oggetto! Imbarazzante infine la conclusiva Dicono che: si vorrebbe essere dissacranti con ironia, si riesce soltanto ad essere volgari. No, non è un paese per vecchi – altrimenti non saremmo qui a recensirli – ma un po’ d’esperienza senz’altro ci vuole. Nashira è una stella del Capricorno ed il suo significato arabo sta per “la portatrice di buone notizie”: speriamo di riceverle presto. [4/10] • FABRIZIO PAPITTO

Relazioni PericoloseRELAZIONI PERICOLOSE EpAutoprodotto, 2013

Narrano, Les Liaisons Dangereuses, di una coppia di libertini fetenti e spietati che organizzano trame velenose ai danni della casta società francese del diciottesimo secolo. In queste relazioni non c’è nulla di degradante, a dire il vero, piuttosto l’incontro-scontro carnale tra differenti approcci musicali che impattano ed esplo-dono creando cinque pezzi incazzosi e veloci, sostenuti da drumming implacabile, chitarre grasse e un lavoro vagamente ansiogeno di synth. L’impressione generale è quella del collage, con un lavoro vocale limato e bluesy (che non disdegna in-cursioni rap e spoken word) assestato su un tappeto musicale a volte minimale, spesso solidissimo e granitico. Melodie straniate e non di rado votate a una pas-seggera cupezza che si scioglie regolarmente in passaggi più easy che ricordano

l’elettrorock di gente come Subsonica, Nine Inch Nails e compagnia bella. Mi sono piaciute, in particolare, “Libico”, pezzo aggressivo e arabeggiante à la QOTSA, e la traccia di chiusura, “Deserto”, con la partecipazione del talentuosis-simo rapper Rancore. Densi e aggressivi, passano il primo turno. Ora aspettiamo un long-playing, però.[7/10] • MARCO PETRELLI


BF 35

L’OPINIONE DELL’INCOMPETENTE

Boh!Sarò incompetente ma a me questo album pro-prio non m’è piaciuto! Voce monotona, lagnosa, canzoncine stile marcetta. Cantilenanti, noiose. Non ce n’è una che m’abbia colpito in positivo o che mi sia rimasta in testa per un riff originale.Eppure questo gruppo risulterebbe essere tra i più grandi esponenti del Queercore, movimento musicale (ma non solo) a sostegno dei diritti delle persone omosessuali.Per carità, ogni sforzo fatto per l’affermazione della dignità e dei diritti degli esseri umani tutti è degno di lode, ma questo gruppo (venuto alla ribalta dopo aver fatto da spalla in un tour ai più famosi Green Day) non ritengo possa essere ap-prezzato anche per qualcos’altro (tipo per la mu-sica che fanno).

44 interminabili minuti di monotonia.Terribile davvero. Pezzi infarciti di vocalizzi : “pa pa pa “ e “ha ha ha” al posto di testo dal senso compiuto.Se uno volesse pensare male, si potrebbe ritenere che le prese di posizione a favore del movimento gay da parte di certi pseudo artisti con poco ta-lento non siano altro che una “captatio benevo-lentiae” nei confronti di un vasto (nonché spesso ricco) pubblico. Il tutto a compensazione di una scarsa capacità artistico-professionale di base.Chi sono? 4 ragazzi di S.Francisco che hanno formato que-sto gruppo negli anni 90 e che hanno come carat-teristica quella di scrivere canzoni dal testo con contenuti che trattano dei temi dell’omosessua-lità. Proprio i testi, dal contenuto spesso ironico o, meglio, autoironico, sono forse l’unica cosa me-ritevole di apprezzamento. La capacità di sapersi prendere in giro è, probabilmente, il modo più valido per vincere la diffidenza che il mondo “etero” spesso manifesta nei confronti dei gay; sicuramente ne favorisce l’avvicinamento. Chi ironizza sui propri comportamenti, infatti, non viene in genere percepito come un soggetto pe-ricoloso. A fronte di questo presunto valore so-ciologico però, il disco, ed il gruppo in generale, non mi pare che abbia un corrispondente valore musicale. 12 pezzi in tutto ed io al decimo dormivo. Ma for-se non ero in giornata. Fatemi sapere.Felice vita a tutti!

RUBBY

RECENSIONILIVEINTERVISTE RUBRICHE

PANSY DIVISION, deflowered.

“CHI L’HA VISTI?”Ovvero: Breve scheda di identità di gruppi inutili scomparsi nel nulla e che (per ora) ci hanno risparmia-to una reunion ancora più inutile.

a cura di Mazzinga M.

SleeperGENERE: Britpop.NAZIONALITÀ: inglese.FORMAZIONE: Louise Wener (chitarra e voce); Jon Stewart (chitarra); Andy Maclure (batteria); Kenadiid “Diid” Osman (basso); Dan “Rubber Gloves” Kaufmann (bassista dal 1997).DISCOGRAFIA: Alice (1993, Ep); Smart (1995, Lp); The It Girl (1996, Lp); Pleased to Meet You (1997, Lp); Greatest Hits (2007, Compilation postuma). SEGNI PARTICOLARI: di cantante (carina) ce n’è uno e tutti gli altri non se li fila nessuno.DATA E LUOGO DELLA SCOMPARSA: marzo 1998, dopo un ultimo concerto alla Brixton Academy. MOTIVO PER CUI SARANNO (FORSE) RICORDATI: la partecipazione alla colonna sonora di Trainspotting con una cover identica all’originale di Atomic dei Blondie e avere aperto i concerti dei Blur durante il Parklife Tour.MOTIVO PER CUI DOVREBBERO ESSERE DIMENTICATI E MAI PIÙ RIESUMATI: perché il Britpop ha “fatto il suo tempo” e il tempo ha “fatto sua” Louise Werner. E degli altri “sleeperbloke” a noi non ce ne frega niente…

DenimGENERE: Indie Glam-Pop Rock. NAZIONALITÀ: inglese. FORMAZIONE: Lawrence Hayward (chitarra e voce) oltre a una serie infinita e indefinita di musicisti “usa e getta”.DISCOGRAFIA: Back in Denim (1992, Lp); Denim on Ice (1996, Lp); Novelty Rock (1997, Compilation di B-sides). SEGNI PARTICOLARI: “…occhio, malocchio, prezzemolo e finocchio”.DATA E LUOGO DELLA SCOMPARSA: 31/08/1997, davanti alla tv nel salotto di casa Hayward durante un ultim’ora estiva del TG della BBC.MOTIVO PER CUI SARANNO (FORSE) RICORDATI: il brano Summer Smash. La EMI ci puntava forte. Radio 1 l’aveva già programmato come “singolo della settimana”. Tutto era pronto per lunedì 1 settembre. La notte del 31 agosto Lady Diana si schianta contro un muro e muore. La EMI manda al macero tutte le copie del disco. I DJ di Radio 1 si grattano e Camilla Parker Bowles diventa la piu’ grande fan dei Denim. MOTIVO PER CUI DOVREBBERO ESSERE DIMENTICATI E MAI PIÙ RIESUMATI: Lunga vita alla Regina! Perché anche se “God save(s) the Queen”, per i sudditi di Sua Maestà è meglio comunque non correre rischi. You never know…

beautiful freaks 45

Documents