bloque 3 técnicas de pintura

GOUACHE

Bloque 3: Técnicas de Pintura

DESCRIPCIÓN DE LA TÉCNICA, MODO DE EMPLEO, UTILES Y SOPORTES

• Técnica polícroma húmeda magra• El gouache fue probablemente descubierto por un

monje en el siglo XI añadiendo blanco de zinc a las acuarelas con las que ilustraba manuscritos. Su opacidad hacía que cuando se usaba para las ilustraciones resaltase el pan de oro. Debido a que su nombre procede de la palabra italiana guazzo, se supone que su origen está en este país. A lo largo de su historia ha permanecido en la sombra, considerándose una variante más de las acuarelas. En España se le llama témpera ( los ingleses llaman tempera al temple al huevo).

• El aglutinante del Gouache es la goma arábiga• Utiliza un color o pincelada más pastosa que la

acuarela, y, a diferencia de esta, tanto las luces como las tonalidades claras se consiguen por medio del color blanco.

MODO DE EMPLEO

Se presenta a la venta en tubos o en botes, contienen mas glicerina y resultan mas solubles que las acuarelas

• Una de las dificultades que presenta el gouache es la realización del modelado de las formas, es decir, la paulatina transición de claro a oscuro en el color de las superficie representadas y que es la causa de la visión volumétrica de las mismas.

Sin embargo pintando al gouache, no cabe modelar mediante la mayor o menor disolución del color porque aunque el gouache tiene posibilidades de transparencia parecidas a las de la acuarela, su calidad se encuentra en el color opaco y cubriente.

Por otro lado, la rapidez de secado del gouache, impide que el artista pueda trabajar los fundidos de color a la manera del óleo.

Por otro lado, la rapidez de secado del gouache, impide que se pueda trabajar los fundidos de color.

Trabajando con gouache, el artista tiene que servirse exclusivamente de las tintas planas.

Su acabado final es totalmente mate.

No admite repintes para realizar cambios en el trabajo.

Una capa superior remueve la inferior aunque este seca

Esto puede ser aprovechado para crear efectos.

No admite capas gruesas porque la pintura se cuartea

Es interesante trabajar con guache sobre papeles de color

Guache sobre papeles de color

ÚTILESpinceles pelo fino, paleta o recipiente para mezclas. Las pinturas deben conservarse cerradas para evitar que se sequen. Pueden también barnizarse, pero solo con el barniz especial para gouache, que es el único que no las deteriora ya que son muy frágiles. .

SOPORTESEl soporte principal para pintar será el papel, pero tiene que cumplir algunos requisitos como que la superficie debe de estar encolada para que no absorba toda la humedad, así como que debe de ser un poco dura para que soporte las aguadas, las insistencias y los restregados del pincel. No se deberá de utilizar en ningún caso un papel satinado, porque esto hará que el color pierda intensidad una vez seco. Debe ser un papel sólido a la luz y no amarillear con facilidad. Aunque todas estas características serán comunes para todo tipo de procedimientos acuosos.El cartón será otros soporte muy utilizado para este tipo de técnica, sobre todo para obras de gran envergadura. Además presenta las ventajas de ser moderadamente absorbente y no alabearse demasiado con la humedad del color, ni aún cuando se trabaja insistentemente. Además la calidad mate y ligeramente aterciopelada de la pintura al gouache, casa muy bien con la textura característica de los cartones.

Alberto Durero - (gouache on paper)

ESTILO O PRÁCTICA ARTISTICA, ÉPOCA, ARTISTAS DESTACADOS

• Renacimiento: en el siglo XV Alberto Durero en Alemania• En segunda mitad del siglo XVIII: Boucher Francia Rococó.

En el Género de Paisajismo Inglés J.M. W. Turner• En los carteles, el gouache ha encontrado un lugar natural

dentro del mundo de las artes: Toulouse- Lautrec o Pierre Bonnard y Alfonse Mucha fines del XIX y principios del XX

• En el siglo XX cuando grandes artistas como el fauvista Matisse, los cubistas: Picasso, Juan Gris, George Braque y surrealistas como Joan Miró, hallan en esta técnica un procedimiento que se adaptaba perfectamente a sus intenciones coloristas y formales.

Alberto Durero - An Iris (w/c & gouache on paper)

Alberto Durero (en alemán Albrecht Dürer) (Núremberg, 1471 - 1528) es el artista más famoso del Renacimiento alemán, conocido en todo el mundo por sus pinturas, dibujos, grabados y escritos teóricos sobre arte, que ejercieron una profunda influencia en los artistas del siglo XVI de su propio país y de los Países Bajos.Realizó las primeras acuarelas y gouaches importantes en la Historia del Arte Occidental


Entre los numerosos estudios del natural que efectuó Alberto Durero destacan las acuarelas y otros dibujos que realizó sobre diferentes animales, entre ellos su célebre liebre, el dibujo de un ala de carraca o el del pequeño búho. Es sorprendente la perfección con la que el pintor realiza estas obras, que se consideraban carentes de valor por sí mismas en su época. Eran herramientas de trabajo, que le servían para estudiar la naturaleza y enriquecer sus grandes cuadros o grandes composiciones para grabados.


http://www.google.es/search?q=alberto+durero&hl=es&biw=1368&bih=674&prmd=imvnsob&tbm=isch&tbo=u&source=univ&sa=X&ei=u3O6Tp_BLsi08QPWnYG1Bw&sqi=2&ved=0CD0QsAQ

François Boucher French, about 1743 Black chalk and gouache

François Boucher (París, 1703 1770) fue un pintor francés, que gustó del estilo galante, propio de la época rococó.Fue famoso por sus pinturas idílicas y voluptuosas de temas mitológicos, alegorías sobre pastores y por varios retratos de Madame de Pompadour

Adoration, ca. 1760–70François Boucher (French, 1703–1770)Gouache over black chalk on paper

El temerario remolcado a dique seco, (1839).

Joseph Mallord William Turner (Londres, 1775, 1851), pintor inglés especializado en paisajes. Fue considerado una figura controvertida en su tiempo, pero hoy en día es visto como el artista que elevó el arte de paisajes a la altura de la pintura de historia. Aunque es renombrado por sus pinturas al óleo, Turner también es uno de los grandes maestros de la pintura paisajista británica en acuarela y gouache. Es considerado comúnmente como "el pintor de la luz” y su trabajo es considerado como un antecedente romántico al impresionismo.

J. M.William Turner Lluvia, vapor y velocidad, (1844)..

Joseph Mallord William TurnerLe Havre: The Quayside close to the Tour de François Ier circa 1832Gouache and watercolour on paper 1856.

Joseph Mallord William TurnerThe Folies-Siffait, with Oudon beyond, from the West circa 1826-8Watercolour, gouache and pen and watercolour on paper

Joseph Mallord William TurnerA Village with a Tower beside the Loire, Possibly Béhuard, close to Angers circa 1826-8 Watercolour, gouache and pen and watercolour on paper Bequeathed by the artist 1856

Joseph Mallord William TurnerParis from the Barrière de Passy circa 1833Gouache and watercolour on paperBequeathed by the artist 1856

Joseph Mallord William TurnerMelun circa 1833Gouache and watercolour on paperBequeathed by the artist 1856

T. Lautrec, Yvette Guilbert, 1894, gouache sobre cartón, 48 x 28 cm, Albi, Musée Toulouse-Lautrec.

Henri Marie Raymond de Toulouse-Lautrec-Montfa, conde de Toulouse-Lautrec-Montfa , conocido simplemente como Toulouse Lautrec o Lautrec (1864 -1901) fue un pintor y cartelista francés que destacó por su representación de la vida nocturna parisiense de finales del siglo XIX.

Se le enmarca en la generación del postimpresionismo.

T. Lautrec, Mujer poniéndose las medias, 1894, Gouache sobre cartón, 64´5 x 44´5 cm, Albi, Musée

Toulouse-Lautrec.

Henri de Toulouse-Lautrec Jane Avril bailando, 1893.Estudio para cartel, "Jardin de Paris".Gouache sobre cartón, 99 x 71 cms.París. Colección Stavros

Niarchos.

Portrait of the Artist by Himself 1930 Pierre Bonnard (1867-1947/French) Gouache

Pierre Bonnard (1867-1947) fue un pintor, ilustrador y litógrafo francés que dedicó su talento a la publicidad y a la producción artística. Se le suele considerar líder del movimiento de los Nabis. Todos fueron influidos por Paul Gauguin y el japonismo.La producción tardía de Bonnard se considera precursora de la pintura abstracta.

Artist: Pierre Bonnard.1943Style: Post-Impressionism gouache paper

Dimensions: 64 x 48 cm

Pierre Bonnard.

Alphonse Mucha, Mars, 1899, pencil and white gouache on paper

Alfons Maria Mucha (1860 -1939) fue un pintor y artista decorativo checo, ampliamente reconocido por ser uno de los máximos exponentes del Art Nouveau.

Alphonse Mucha

Georges BraqueFruit Dish.1913. Oil, gouache, and charcoal on canvas. 81 x 60 cm. Museo Nacional de Arte Moderno. Centre

Georges Pompidou. París. Francia..

Georges Braque (1882 -1963), pintor y escultor francés. Con Pablo Picasso y Juan Gris fue uno de los tres creadores básicos del cubismo.

Georges BraqueStill Life on a Table 'Gillette.' 1914. Charcoal, pasted

paper, and gouache.

Georges Braque 1913 Synthetic CubismTechnique: charcoal, collage, gouache Material: paper

Dimensions: 73 x 100 cm Gallery: Musée Picasso, Paris, France

JUAN GRIS THE GUITAR, 1914, PAPIER COLLE, GOUACHE, FUSAIN,

José Victoriano González-Pérez (Madrid, 1887 - 1927), conocido artísticamente como Juan Gris, fue un pintor español que desarrolló su actividad principalmente en París como uno de los maestros del cubismo.

Juan Gris

Henri Émile Benoît Matisse (1869 -1954) fue un pintor francés conocido por su uso del color y por su uso original y fluido del dibujo. Como dibujante, grabador, escultor, pero principalmente como pintor, Matisse es reconocido ampliamente como uno de los grandes artistas del siglo XX. Al inicio de su carrera se le identificó con el fauvismo y para los años 20s ya se había destacado por su maestría en el lenguaje expresivo del color y del dibujo, la cual desplegó en una inmensa producción que se extendió por más de medio siglo, y que consagró su reputación como una de las figuras centrales del arte moderno.

Snow Flowers, 1951Henri Matisse (French, 1869–1954)Watercolor and gouache on cut and pasted papers

Henri Matisse (French, 1869–1954) La Tristesse du roi (Sorrows of the King), 1952

Joan Miró, Gouache

Joan Miró i Ferrà (* Barcelona, 1893 —1983) pintor, escultor, grabador y ceramista español, considerado uno de los máximos representantes del surrealismo. En su obra reflejó su interés en el subconsciente, en lo "infantil" y en su país. En un principio mostró fuertes influencias fauves, cubistas y expresionistas. A partir de su estancia en París, su obra se vuelve más onírica, coincidiendo con los puntos del surrealismo e incorporándose a este movimiento. En numerosas entrevistas y escritos que datan de la década de 1930, Miró manifestó su deseo de abandonar los métodos convencionales de pintura, en sus propias palabras de "matarlos, asesinarlos o violarlos", para poder favorecer una forma de expresión que fuese contemporánea, y no querer doblegarse a sus exigencias y a su estética ni siquiera con sus compromisos hacia los surrealistas.

Joan Miró, Pastel y gouache sobre papel1944

Joan Miró, La estrella matinal, 1940. Gouache, óleo y pastel sobre papel. Fundació Joan Miró, Barcelona. © Successió Miró, Palma de Mallorca.

Remedios Varo. Creación de las aves, 1957.

María de los Remedios Alicia Rodriga Varo y Uranga (1908 -1963 ) más conocida como Remedios Varo, fue una pintora surrealista hispano-mexicana.Estudió en El instituto San Isidro de Madrid entre los años 1921-1926

Remedios Varo. Hacia la torre

Acuarela


• Técnica polícroma húmeda magra• Acuarela, etimológicamente, deriva del latín

"aqua" y el diccionario nos lo define como "pintura realizada con colores diluidos en agua y que, emplea como blanco, el color del papel" o "colores con los que se realiza la pintura".

• Se compone de pigmentos aglutinados con goma arábiga glicerina o miel. En sus procedimientos se emplea la pintura por capas transparentes.

MODO DE EMPLEO

Toda acuarela palidece si se expone al sol, los colores permanecen cuanto más calidad tienen los pigmentos. Podemos encontrar los colores en tubos o pastillas.La técnica "transparente" de la acuarela implica la superposición de lavados finos y se basa en la blancura del papel para obtener sus efectos y los toques de luz. A medida que se superponen más lavados el color se hace más profundo. El color de la acuarela se puede modificar añadiendo o quitando agua, usando pinceles, esponjas o trapos.

La acuarela da muchas posibilidades: la técnica del lavado nos permite crear degradados o lavados uniformes, incluso superposición de colores. Con la técnica húmedo sobre húmedo pintamos con la acuarela sobre el soporte ya humedecido, que nos da un efecto diferente. También podemos realizar lavados del pigmento una vez seco, dependiendo del papel, del pigmento y la temperatura del agua. La limpieza con esponja u otro elemento absorbente, el raspado, son algunos ejemplos de las amplias posibilidades que ofrece la acuarela.Fabricación casera de unas acuarelas http://sagopo.blogspot.com/2011/01/acuarelas_23.html

http://sagopo.blogspot.com/2011/01/acuarelas_23.html

Extraer color

Esponjas

MATERIALES: COLORES

ÚTILES acuarela en tubo o pastillas, pinceles, recipiente o paleta para mezclas, goma arábiga para extraer color,Esponja, goma de enmascarar, bisturí cintas de papel adhesivo, trapos

SOPORTES

El soporte más corriente para esta técnica es el papel y hay gran variedad de texturas, pesos y colores, y su elección depende del estilo del artista. Existen tres tipos estándar:Papel prensado en caliente (hp), tiene una superficie dura y lisa, muchos artistas consideran una superficie demasiado resbalosa y lisa para la acuarela.Papel prensado en frío (no), es texturado, semiáspero, adecuado para lavados amplios y lisos.Papel áspero, una superficie granulada, cuando se aplica un lavado se obtiene un efecto moteado por las cavidades del papel.El peso del papel es la segunda consideración para su elección, ya que un papel más pesado tiene menos tendencia a ondularse. Para evitar que el papel se ondule hay que tensarlo.


• ESTILO O PRÁCTICA ARTÍSTICA, ÉPOCA ARTISTAS DESTACADOS: • La pintura a la acuarela empezó con la invención del papel en China poco después de

100 a. C. En el siglo XII los árabes introdujeron la fabricación del papel en España y la tecnología se extendió a Italia décadas más tarde. Algunos de los más antiguos fabricantes de papel incluyen a Fabriano (en Italia), abierto en 1276, y Arches (en Francia), abierto en 1492.

• En Alemania, Alberto Durero (1471-1528) pintó acuarelas en el siglo XV. • Otros famosos artistas usaron la acuarela para completar su obra al óleo, incluyendo a

van Dyck (1599-1641), Thomas Gainsborough (1727-1788), y John Constable (1776-1837).

• En la Gran Bretaña del siglo XVIII, Paul Sandby (1725–1809) fue llamado padre de la acuarela británica.

• Uno de los acuarelistas más famosos es Joseph Mallord William Turner (1775-1850), que fue precursor de las técnicas que posteriormente desarrollarían las vanguardias. Sus cuadros reflejan magníficamente la luz y el movimiento.

• Utilizan la acuarela los impresionistas como Monet y neoimpresionistas como Cezanne• Expresionistas como Emil Nolde, Wasily Kandinsky, Paul Klee• En la Actualidad: Barceló

Alexander Cozens (San Petersburgo, 1717 - Londres, 1786) fue un dibujante y acuarelista, y un teórico del arte, inglés de origen ruso. En 1746 realizó un viaje a Italia, donde trabajó en el taller de Horace Vernet. Posteriormente se estableció en Londres, donde trabajó como profesor de dibujo. En 1785 publicó un tratado sobre pintura de paisaje que recogía las nuevas aportaciones realizadas en el terreno de la estética por los filósofos empiristas, en especial en relación con la categoría de lo pintoresco. Cozens introdujo la idea de la “invención” de la naturaleza: en vez de imitarla, el artista recrea una noción ideal de la naturaleza, que es el medio expresivo de la emotividad del artista. Influido por la pintura china, elaboró obras donde, a partir de unas manchas de tinta sobre el lienzo, elaboraba un paisaje de naturaleza fantástica

Pintor británico. De 1740 a 1748 residió en Londres, donde se formó con el grabador francés H. F. Gravelot, y en 1752 se estableció en Ipswich como retratista..Sus paisajes (cuadros y numerosos dibujos) parecen realistas, porque están inspirados en lugares concretos, pero constituyen en realidad una transformación poética del dato real; entre los más conocidos se encuentran El abrevadero y Carreta para el mercado. Su vena creativa se manifestó también en las denominadas fancy pictures, de tema campesino idealizado, al igual que los paisajes.

(Nottingham, 1725-Londres, 1809) Acuarelista británico. Trabajó como topógrafo del Estado y pintó acuarelas entre las que destacan Vista del castillo de Bothwell y El bosque de Windsor. Está considerado el creador de la acuarela inglesa.

Füssli nace en Zúrich en 1741, hijo de un pintor retratista, Johann Caspar Füssli. Sus inicios fueron en el terreno de la literatura, tan sólo a partir de 1764, en Inglaterra, se dedicará de lleno a la pintura. En su juventud en Zürich se vinculó al Sturm und Drang, movimiento prerromántico que, en contraposición a la Ilustración, vuelve a la emoción y la fantasía, a la expresión de los sentimientos, los instintos y las pasiones del hombre.

William Blake (1757 –1827) fue un poeta, pintor, grabador y místico inglés. Aunque permaneció en gran parte desconocido durante el transcurso de su vida, actualmente el trabajo de Blake cuenta con una alta consideración. Por la relación que en su obra tienen la poesía y sus grabados respectivos suele ponerse a Blake como ejemplo del «artista total». Según el periódico The Guardian, «William Blake es con gran margen el mayor artista que Gran Bretaña ha producido»

Joseph Mallord William Turner (1775 - Chelsea, 1851), pintor inglés especializado en paisajes. Fue considerado una figura controvertida en su tiempo, pero hoy en día es visto como el artista que elevó el arte de paisajes a la altura de la pintura de historia.2 Aunque es renombrado por sus pinturas al óleo, Turner también es uno de los grandes maestros de la pintura paisajista británica en acuarela. Es considerado comúnmente como "el pintor de la luz” y su trabajo es considerado como un prefacio romántico al impresionismo

Constable fue uno de los primeros en pintar paisajes al aire libre. En 1810 pintó el primero. En 1819 viajó a Venecia y Roma, ciudades en las que conoce los paisajes clasicistas de Claudio de Lorena y de Nicolas Poussin. Frecuentaba también Hampstead, donde, entre 1821 y 1822, hizo una serie de estudios de nubes anotando la hora y la fecha exacta de la realización, incluso a veces el tiempo que hacía.Incomparable maestro de los verdes y de los reflejos de la lluvia sobre los árboles, Constable se muestra al mismo tiempo realista minucioso y romántico exaltado, y cuando estas tendencias se equilibran nacen sus obras maestras. Nadie ha sabido captar como él el aspecto húmedo de la campiña inglesa y su cielo plomizo.

Claude MonetClaude Orayan Monet (1840 1926) fue un pintor francés a quien a partir de la mitad de su carrera artística se incluye en el estilo impresionista. A partir del final de la década de 1860 comenzó a pintar obras impresionistas. Un ejemplo de este período creativo es la vista del puerto de El Havre titulada Impresión, sol naciente, que le dio nombre al movimiento. Esta desviación del gusto de la época, que era marcado por las academias de arte, empeoró su situación económica. En la década de 1870 tomó parte en exposiciones de arte impresionista en las cuales también participaron Pierre-Auguste Renoir y Edgar Degas. En esta época, Monet desarrolló el concepto de la «serie» en las que un motivo es pintado con distintos grados de iluminación. Al mismo tiempo comenzó a plantar su famoso jardín en Giverny que luego utilizó como motivo para sus pinturas.

Paul Cézanne, 1.904. Santa Victoria. AcuarelaPaul Cézanne (19 de enero de 1839 – 22 de octubre de 1906) fue un pintor francés postimpresionista, considerado el padre de la pintura moderna, cuyas obras establecieron las bases de la transición entre la concepción artística decimonónica hacia el mundo artístico del siglo XX, nuevo y radicalmente diferente. Sin embargo, mientras vivió, Cézanne fue un pintor ignorado que trabajó en medio de un gran aislamiento. Desconfiaba de los críticos, tenía pocos amigos y, hasta 1895, expuso sólo de forma ocasional. Fue un «pintor de pintores»,1 que la crítica y el público ignoraban, siendo apreciado sólo por algunos impresionistas y, al final de su vida, por la nueva generación.

Paul Cézanne, 1.882. Paisaje en Médan. Acuarela, 33x49. Kunsthaus, Zürich.

Paul Cézanne. Botella, garrafa, jarro y limones, 1902-1906. Lápiz y acuarela sobre papel, 44 x 58cm. Museo

Thyssen-Bornemisza, Madrid.

Wassily Vasílievich Kandinsky (ruso:) (Moscú, 1866 - 1944) fue un pintor ruso, precursor de la abstracción en pintura y teórico del arte, con él se considera que comienza la abstracción lírica.

Paul Klee

Miquel Barceló Artigues (Felanitx, Mallorca, 1957) es un pintor español. Entre las características de su obra hay que destacar la inspiración en la naturaleza, consiguiendo relieve a través del uso de unos empastes densos y generalmente oscuros. El Mediterráneo y África han sido dos de sus más importantes referentes. El descubrimiento de África en un viaje a Mali ha hecho que sus gentes y la vida del desierto sea uno de los temas más desarrollados en su obra en los últimos años, siempre reflejando una gran preocupación por la naturaleza, el paso del tiempo y los orígenes.

Mikel Barceló


Técnica polícroma, húmeda, grasa.El aglutinante que da nombre a la técnica es el aceite: se usa fundamentalmente de linaza, aunque también se utiliza el aceite de nuez y el de adormideras.Para acelerar su secado este aceite de linaza es cocido y aclarado al sol.

El uso del óleo se conoce desde la antigüedad y estaba ya extendido entre los artistas de la Edad Media sobre todo combinándolo con la pintura al temple o al fresco. Con esta mezcla retocaban las obras realizadas en yeso y conseguían así un secado más rápido. Muchos siguieron los consejos y experiencias escritos en el Tratado del monje Teófilo que ya se conoce y se menciona en el año 1100.

Esta pintura obtenida con la mezcla de óleos ofrecía muchas ventajas al pintor, entre otras, el poder realizar su obra lentamente y sin prisas de acabado (lo contrario de lo que ocurría en la pintura al temple, o al fresco), el poder retocar la obra día a día, variar la composición, los colores, etc.

La tradición sostiene que fueron los hermanos Van Eyck los que inventaron la pintura al óleo. Esta afirmación, falsa, se basa en que, efectivamente fueron ellos, sobre todo Jan, los que explotaron las innumerables posibilidades de esta técnica, infrautilizada hasta entonces.

CARACTERÍSTICAS GENERALES DEL ÓLEO : SECADO

CARÁCTERÍSTICAS GENERALES DEL ÓLEO: PERMANENCIA

TÉCNICA: COLOCACIÓN DE LOS COLORES DE LA PALETAColores: es importante que la colocación de los colores en la paleta favorezca que se mezclen con facilidad y que no se ensucien unos con otros.Los colores se pueden mezclar en la paleta y en el propio cuadro:

BLANCO DE ZINC

VERDEESMERALDA

AZULCOBALTO

AZUL ULTRAMAR

VIOLETACOBALTO

NEGROMARFIL

PARDO VANDYCK

AMARILLO DE CADMIO

AMARILLODE NÁPOLES

ROJO DE CADMIO

CARMÍN DEGRANZA

ROJO MARTE

OCREAMARILLO

MI PALETADISPOSICIÓN DE LOS COLORES PARA EVITAR QUE SE ENSUCIEN

DISOLVENTE

SECATIVO DE COBALTOLOS PINTORES Y SUS PALETAS

LA FORMA http://www.ucm.es/BUCM/bba/48048.phpLOS COLORES http://enkaustikos.blogspot.com/2010/06/la-paleta-del-pintor-huella-digital-del.htm

http://www.ucm.es/BUCM/bba/48048.php

http://enkaustikos.blogspot.com/2010/06/la-paleta-del-pintor-huella-digital-del.htm

TÉCNICA: ELEGIR LOS COLORES PARA LA PALETA

PREPARAR TUS PROPIOS ÓLEOS

http://www.educathyssen.org/tcnicas_artsticas_leo_i

http://www.educathyssen.org/tcnicas_artsticas_leo_i

EL FONDO: COLOR DE LA PREPARACIÓNPreparación del soporte: Es necesario imprimar el soporte sea madera o tela se pueden utilizar distintos aparejos: las modernas: al gesso, las antiguas: a la creta, a la media creta, el aparejo español a la gacha.

Se puede introducir color en la preparación como lo hacían los pintores que utilizaban la técnica del claroscuro:

EL FONDO: COLOR DE LA PREPARACIÓN

TÉCNICA: MEZCLAR COLORES SOBRE LA PALETA

LA TÉCNICA: FUNDIR COLORES SOBRE EL LIENZO

TÉCNICA: FUNDIR COLORES SOBRE EL LIENZO

TÉCNICA: SUPERPONER COLORES: VELADURAS, ESFUMADO, COLORES ADYACENTES

Veladura: consiste en superponer una capa de color transparente sobre una base de otro color, utilizado disolventes y barnices para aumentar las transparencia del color. Muy utilizada por los pintores desde el renacimiento podemos destacar a Rubens

TÉCNICA: IMPASTO La palabra "empaste" es el italiano significa "masa" o "mezcla", el verbo "impastare" se traduce también como "amasar", o "pegar"El empaste se utiliza cuando la pintura se coloca en un área del soporte (o el lienzo) muy gruesa, son visibles los trazos de pincel o espátula,. La pintura también puede mezclarse directamente en el lienzo. Una vez seco, empaste proporciona textura, la pintura parece estar saliendo de la tela. Ej Goya, Rembrant, Auerbach, Saura

TÉCNICA: MÉZCLA ÓPTICAMezcla óptica, puntillismo: los colores se utilizan puros y el efecto de mezcla se produce al alejarse del cuadro y percibir los colores juntos, técnica iniciada en el impresionismo, destaca Seurat.

TÉCNICA: PINTAR ALLA PRIMAPintar en una sesión sin repintes directamente del natural, con pincelada suelta y expresiva, es muy utilizada por pintores de paisaje ejemplo Sargent, Sorolla

Esfumado: El esfumato (del italiano sfumato) es un efecto vaporoso que se obtiene por la superposición de varias capas de pintura extremadamente delicadas, proporcionando a la composición unos contornos imprecisos, así como un aspecto de vaguedad y lejanía. Se utiliza para dar una impresión de profundidad en los cuadros del renacimiento. Este efecto hace que los tonos se difuminen hasta valores más oscuros como en la Mona Lisa y en el San Juan Bautista. La invención de esta técnica, así como su nombre sfumato, se deben a Leonardo da Vinci.

ÚTILES

1.La paleta: En general, las paletas utilizadas para la pintura al óleo son de nogal o manzano. Los acuarelistas utilizan paletas de porcelana o metal; los pintores de miniaturas, paletas de marfil; algunos pintores flamencos tenían paletas de cristal. En la actualidad son muy comunes las de material sintético blancas y de aluminio lacadas en blanco mate.

2. Pinceles: Generalmente, los pinceles redondos se usan para perfiles, fundidos y aplicaciones de color en pequeñas extensiones; los de pelo corto sirven para las capas gruesas y firmes, mientras que los de pelo largo sirven para extender el color. Los pinceles planos , muy utilizados, tienen una práctica más general, sirviendo, puestos de lado, para realizar perfiles. Y los pinceles cuadrados son muy apreciados para manipular pinturas muy cremosas.

3.La espátula Es un instrumento de metal a modo de pequeña pala aplanada, semi-rígida o flexible, y de mango con distintos fines: -para manipular los colores en la paleta, como rasqueta (para quitar las impurezas de la tela o descargarla de color), para alisar la capa pictórica o para pintar. Muchos pintores desde el siglo XIX han preferido la espátula al pincel para distribuir y trabajar el color sobre la tela.

4. Otros instrumentos: Las manos, los tubos de pintura que vierten directamente el color, trozos de tela para el "frottage" …. Aunque también se utilizan para pintar la pistola y los aerosoles, su uso más generalizado es para barnizar.

5. Caballete; de estudio o portátil “de campo” permite mantener el cuadro en posición vertical a la altura que desee el pintor.

6. Aceiteras: recipientes para mantener sujetos a la paleta el disolvente: esencia de trementina o aguarrás , el barniz y el secativo.

7 La grasera para recoger el aceite sucio y filtrarlo

SOPORTESLos soportes o los materiales sobre los que se aplica la pintura al óleo pueden ser diversos. Las maderas más empleadas como soporte son la tabla maciza (pino, caoba...), contrachapado de madera, el aglomerado (DM) de madera...

Las telas o lienzos son tejidos de hilos cruzados perpendicularmente, formando la trama y la urdimbre. Las más usadas en la pintura son las telas de lino, algodón, cáñamo y yute, en especial las dos primeras.

La tela puede adquirirse ya preparada y montada sobre bastidor, pero también puede comprarse por metros y después ser montada.

Cornelius Gijsbrecht, Reverso de una pintura enmarcada (1670-1672)


Antes se creía que la pintura al óleo había sido inventada por el pintor flamenco Jan van Eyck a principios del siglo XV, pero hoy se sabe que ya existía con anterioridad.

1-Van Eyck investigó esta técnica dentro de los convencionalismos lineales del temple, haciendo un dibujo detallado en una tabla cubierta de yeso y aplicando sucesivas capas de veladuras de óleo transparentes.

2-En Italia, el pintor siciliano Antonello da Messina popularizó esta técnica, de la que se aprovecharon los pintores del renacimiento. Rafael, Leonardo

3-Los venecianos dieron el siguiente paso de pintar sobre lienzo, con el que se conseguía una superficie mucho más grande y permitía además enrollarlo para facilitar el transporte. Desarrollaron un estilo más libre basado en una pintura subyacente, monocroma y tosca, realizada al temple y añadiendo veladuras oleosas. Tiziano, Tintoreto, Veronés

4-Los pintores holandeses como Rembrandt y Frans Hals y el pintor español Diego Velázquez hicieron ensayos con la aplicación de empastes.

5-Toda la obra se llevaba a cabo en el taller. Los avances de la química proporcionaron nuevos y brillantes pigmentos en el siglo XIX. Ingres, Goya

6-La invención de los tubos plegables, que venían a sustituir a las bolsitas de tripa de carnero donde se guardaban los pigmentos hasta entonces, permitió a los pintores trabajar al aire libre copiando directamente de la naturaleza. Los aditivos químicos, que mantenían la pintura fresca, hicieron posible que se hiciera un mayor uso de los empastes.

Sorolla, Sargent7-Los impresionistas franceses aplicaban, directamente sobre el lienzo, una gran cantidad de pequeñas pinceladas de

colores brillantes. Seurat, Monet 8-Con el desarrollo de la pintura no figurativa en el siglo XX, los pintores han experimentado con nuevas técnicas,

aumentando las texturas con arena, ceniza o escayola, manchando los lienzos y trabajando con pinturas comerciales y con aerosoles; también han combinado la pintura con fotografías y material impreso para formar collages. La versatilidad de la pintura al óleo ha hecho de ella el mejor medio de expresión para el artista del siglo XX: Saura, Dubuffet, Pollock, Rothko, Raughchemberg

1-Van Eyck investigó el óleo dentro de los convencionalismos lineales del temple, haciendo un dibujo detallado en una tabla cubierta de yeso y aplicando sucesivas capas de veladuras de óleo transparentes.

Giovanni Arnolfini y su esposa oEl matrimonio ArnolfiniJan van Eyck, 1434Óleo sobre tabla • Gótico82 cm × 60 cmNational Gallery de Londres, Londres, Reino Unido

En Italia, el pintor siciliano Antonello da Messina popularizó esta técnica, de la que se aprovecharon los pintores del renacimiento. Rafael, Leonardo

San Jerónimo en su Estudio Antonello da Messina Fecha:1456 Museo:National Gallery de Londres Características:46 x 36,5 cm Material:Oleo sobre tabla

Rafael Sanzio, Retrato de Cardenal

Leonardo da Vinci, Sanjuán

Los venecianos dieron el siguiente paso de pintar sobre lienzo, con el que se conseguía una superficie mucho más grande y permitía además enrollarlo para facilitar el transporte. Desarrollaron un estilo más libre basado en una pintura subyacente, monocroma y tosca, realizada al temple y añadiendo veladuras oleosas. Tiziano, Tintoreto, Veronés

Autorretrato de Tiziano, pintado hacia 1567 (Museo del Prado).

Nombre completo Tiziano Vecellio

Acrílico


Técnica polícroma húmeda magraLa pintura acrílica es una clase de pintura de secado rápido, en la que los pigmentos están contenidos en una emulsión de un polímero acrílico (cola vinílica, generalmente). Aunque son solubles en agua, una vez secas son resistentes a la misma.

Características técnicas:

-Se destaca especialmente por la rapidez del secado. -Asimismo, al secar se modifica ligeramente el tono, más que en el óleo. -Permite agregar más pintura a la superficie ya trabajada, utilizando incluso una técnica diferente. -El acrílico es estable, resistente a la oxidación, eso explica por qué las pinturas con acrílico poseen una mayor vida útil. -A diferencia del óleo, el acrílico permite empastes de mejor resistencia, el primero, con el paso de los años tiende a cuartearse; -Puede trabajarse sobre cualquier superficie que sea absorbente de forma directa o como imprimación.

La pintura acrílica data de la primera mitad del siglo XX, y fue desarrollada paralelamente en Alemania y Estados Unidos.

Origen: La necesidad de llevar a cabo grandes pinturas murales

Los grandes muralistas mexicanos: Orozco, Siqueiros se dieron cuenta de que utilizar óleos no sería posible debido a su corta expectativa de vida y por eso trataron con el fresco, pero tampoco resultó. Se necesitaba un tipo de pintura que secase de forma rápida y no se viera alterada por los cambios climáticos; el material que ellos estaban buscando existía ya desde hace tiempo pero se utilizaba únicamente en el plano industrial, nos referimos a las resinas plásticas. Así fue como tuvo origen la pintura con acrílico, se comenzó a buscar colores de aplicación artística; los pigmentos eran los mismos que los pintores utilizaban solo que ahora se agregaban los polimerizados para poder aglutinarlos. El término polímero alude a la unión de moléculas pequeñas e idénticas para formar una más grande, lo que hace que posea como propiedad fundamental una gran resistencia.Se desarrollaron entonces dos resinas sintéticas adaptadas para ser utilizadas en la rama del arte: el acetato de polivinilo y la resina acrílica. Estas últimas se logra a partir de ácidos acrílicos y metacrilatos; la gran importancia de las pinturas con acrílico es que éstas una vez finalizadas se secan instantáneamente y una vez que esto ocurre se le permite al artistas añadir más pintura a la superficie.

Mexico City. Palacio de Bellas Artes: Mural "El Hombre en la encrucijada" ( 1934 ) by Diego Rivera.

MODO DE EMPLEO

La emulsión de polímero acrílico es soluble al agua cuando esta húmeda una vez seca proporciona una película flexible resistente al agua, que no amarillea.

Hay diversos mediums en el mercado para producir impasto y veladuras que se mezclan muy bien con la pintura: medio mate, medio tipo gel, agentes humectante, retardadores de secado, pastas para añadir textura (piedra pómez, marmolina, arena)

BLANCO DE ZINC

VERDEESMERALDA

AZULCOBALTO

AZUL ULTRAMAR

VIOLETACOBALTO

NEGROMARFIL

PARDO VANDYCK

AMARILLO DE CADMIO

AMARILLODE NÁPOLES

ROJO DE CADMIO

CARMÍN DEGRANZA

ROJO MARTE

OCREAMARILLO

MI PALETADISPOSICIÓN DE LOS COLORES PARA EVITAR QUE SE ENSUCIEN

AGUA

La versatilidad del acrílico permite emplearlo con las técnicas que hemos estudiado: 1.Transparente y aguado como la acuarela.

2.Empastes, espátula, veladura, esfumato, a la prima, mezcla óptica como el óleo.

3.Opaco sobre fondos de colores como Guache.

4.Grandes brochazos opacos o transparentes sobre el muro como se hace en el fresco. Además permite el empleo de otras técnicas que favorecen esta plasticidad: 5.Dripping o chorreados.6.Aerógrafo.7.Uso de plantillas o máscaras.8.Raspados. 9.Estarcidos. estampados,

1. Transparente y aguado como la acuarela.

2-Empastes, espátula, veladura, esfumato, a la prima, mezcla óptica como el óleo

3. Opaco sobre fondos de colores como Guache.

4. Grandes brochazos opacos o transparentes sobre el muro como se hace en el fresco

5. Dripping o chorreados.

6. Aerógrafo.

7. Plantillas o máscaras.

8. Raspados.

9. Estarcidos

Roy LichtensteinHopelessAcrilico

9. Estampados.

Ives Klein

10 Otras técnicas

ÚTILES Acrílico en tubo o botes, pinceles, recipiente para el agua y los mediums, paleta para mezclar colores caballete y trapos

SOPORTES:Se puede trabajar sobre cualquier soporte, papel, madera, tela, muro.

En algunos casos es necesario preparar el soporteIMPRIMACIÓN ACRILICA DE GESSOContiene polímero acrílico y blanco de titanio se puede extender con brocha, imprimador, espátula, o raspador limpia cristales


• El desarrollo de la pintura con acrílico como un medio artístico tuvo lugar en los años 20’ del Siglo XX, para ese entonces un grupo de pintores mexicanos, en especial José Clemente Orozco, Diego Rivera y David Alfaro Sequeiros deseaban pintar grandes murales para edificios públicos, muchos de estos muros estaban al aire libre.

• En los años 50’ fue cuando las pinturas con acrílicos alcanzaron su gran auge en el mercado, particularmente en los Estados Unidos; también surgieron nuevas técnicas artísticas originadas por Noland, Pollock, Rothko y Motherwell pertenecientes al Expresionismo Abstracto Americano. Estos pintores aplicaban sus colores de diferentes maneras; Pollock, por ejemplo, utilizaba una gran cantidad de veladuras e impasto, Nolan construía áreas uniformes de color con contornos definidos; Rothko, por su parte, manchaba enormes tableros con lavados delgados y transparentes.

• Los Artistas Pop americanos y británicos también utilizaron los acrílicos un medio que se acercaba a los presupuestos artísticos de arte popular y de masas como David Hockney contribuyeron muchisimo a la enorme popularidad de que gozo este tipo de pintura en el mundo del arte plastico. Otro de los artistas de esta epoca que utilizo la pintura acrílica fue Roy Lichtenstein ,un pintor americano del arte>>pop>>.En 1960 comenzó a basar sus obras en las tiras de los tebeos. El imitaba la prensa ,colocando una pantalla metálica que tenia agujeros a espacios equidistantes sobre el lienzo y pasaba la pintura sobre ella con un cepillo de pasta de dientes.

Dominique Ingres

El muralismo es un movimiento artístico mexicano de principios del siglo XX que se distingue por tener un fin educativo, el cual se consideró esencial para poder lograr unificar a México después de la revolución. Gran parte de estos artistas, debido al contexto que se vivía en la post-revolución, tuvieron una gran influencia de las ideas marxistas por eso, a través de los murales se proyectó, la situación social y política del México .Ello fue pensado con fines educativos y era empleado en lugares públicos a los que todo tipo de gente sin importar raza y clase social pudiera acceder. Algunos de los temas eran la conquista, la Revolución Mexicana, la industrialización, los personajes principales de la cultura popular, Por ejemplo, se puede decir que los muralistas vivieron tres etapas primordiales: los 20's, los 30's, y la etapa desde los 40's hasta 1955. En cada etapa, tanto los temas como las técnicas van a variar y en este modo el muralismo trataría de encontrar una definición más clara como movimiento .

José Clemente Orozco

Muralismo Mexicano

Diego Rivera

Diego RiveraMural Presencia de América Latina, ubicado la Casa del Arte de la Universidad de Concepción, en Chile.

Kenneth Noland

En los años 50’ fue cuando las pinturas con acrílicos alcanzaron su gran auge en el mercado, particularmente en los Estados Unidos; también surgieron nuevas técnicas artísticas originadas por Noland, Pollock, Rothko y Motherwell pertenecientes al Expresionismo Abstracto Americano

Entre 1946 y 1948, Noland asistió a clases del Black Mountain College. Se identifica como un expresionista abstracto. Amigo de Morris Louis, ambos adoptaron la técnica de Helen Frankenthaler que dejaba que la pintura acrílica chorrease sobre la tela.Trabaja con pintura acrílica aplicada directamente sobre el lienzo, con lo que crea obras en las que los brillantes colores yuxtapuestos producen un sentido de vibración óptica. Sus principales temas son círculos concéntricos, galones, rombos y largas listas paralelas, dejando a menudo grandes espacios de lienzo en blanco como parte integrante de la composición. Se interesa por la adaptación de las zonas de color a los límites del marco del cuadro.

En cuanto a los formatos de sus obras, destacan los diagonales y los enormes lienzos rectangulares a base de franjas de color superpuestas.

Kenneth Noland. "Este-Oeste" (1963)

(Morris Louis, ”claustral", 1961)

Ésta se caracteriza por sus entramados de lavados de color, que tiñen el lienzo virgen, haciendo que fondo y color sean una misma cosa, uno dentro del otro, generando una fusión innovadora. Las bandas de color se superponen, invaden a otras, juegan entre sí, penetran la superficie. El color no es una mancha en la tela, es parte de. Se pueden ver estas obras como una composición de la descomposición de la luz al pasar por un prisma. Colores nítidos pero suaves, sutiles.

(Morris Louis, "Crown" (1958))

(Morris Louis, "Untitled", 1959-1960)

(Morris Louis, "Seal", 1959)

Autor: Jackson Pollock (Cody, Wyoming,1912 – Long Island, 1956) Tipo de obra: Pintura al Óleo y pintura acrílica sobre tela. 2,69 x 5,30 m. Estilo: Espresionismo abstracto Cronología: 1950 Localización geográfica: Museo de Arte moderno de Nueva York

Jackson Pollock Dripping

Jackson Pollock Me

Tom Wesselmann

Su primera muestra individual, en la Tanager Gallery de Nueva York, tuvo lugar en 1961. Ese mismo año inició su extenso ciclo de Great American Nudes (Grandes desnudos americanos). Los primeros eran collages de formato reducido, pero los posteriores los realizó al óleo y con colores acrílicos en grandes formatos. En algunos de ellos incorporó objetos reales.

Tom WesselmannLife #121962 acrylic and collage of fabric, photogravure, metal, etc. on fiberboard

James Rosenquist

Su especialidad es coger imágenes fragmentarias, extrañamente desproporcionadas y combinarlas, superponerlas, y yuxtaponiéndolas en lienzos para crear historias visuales. Escoge objetos simples que se identifican con facilidad y que no portan ningún significado simbólico. Y los trata en grandes formatos (cuadros, environments) con un lenguaje propio de la publicidad.

A veces una figuración realista, amplificada como en los grandes carteles publicitarios, acaba siendo, si se mira muy de cerca, una forma abstracta. Eso hace Rosenquist: tomas fragmentos de la realidad y representarlos a gran tamaño.

James Rosenquist

Roy Lichtenstein

A partir de 1961 se dedicó por completo a producir arte mediante imágenes comerciales de producción masiva.Escultura en el Centro de Arte Reina Sofia en Madrid, EspañaSus historietas de cómics, como Good Morning, Darling (1964, Galería Leo Castelli, Nueva York), son ampliaciones de los personajes de los dibujos animados, reproducidas a mano, con la misma técnica de puntos y los mismos colores primarios y brillantes que se utilizan para imprimirlos.Sus últimas obras, entre las que están las reproducciones de personajes muy populares de la novela rosa, paisajes estilizados y copias de postales de templos clásicos, muestran la influencia de Henri Matisse y Pablo Picasso.

Roy Lichtenstein¡Olvídalo! ¡Olvídame! Roy Lichtenstein (1962) Óleo y acrílico sobre lienzo. 203,2 x 172,7. Rose Art Museum, Waltham, Massachusetts

Roy LichtensteinMujer en el baño.

Roy LichtensteinCrak.

David Hockney(Bradford, Reino Unido, 1937) Pintor y grabador británico. Es el exponente más destacado de la segunda generación del pop art inglés.

Con una mezcla de formas figurativas y abstractas plasmadas mediante pinceladas gestuales, signos infantiles y graffiti, a los que añadía su particular toque humorístico.

En cuanto a la temática de sus obras, destacan sus series de Piscinas, tratadas a partir de superficies frías y colores lisos; el figurativismo sirve en estas obras para explorar el terreno de la abstracción. En Matrimonios de estilo, otro de sus trabajos más conocidos, extrae imágenes de revistas populares con distintas parejas posando en su entorno doméstico.

David Hockney

TempleTema 15


En la pintura al temple el disolvente es el agua y el aglutinante algún tipo de grasa animal u otras materias orgánicas.Consiste en disolver el pigmento en agua y templarlo o engrosarlo con huevo, caseína, goma o una solución de glicerina. Históricamente, la pintura al temple es característica de la Edad Media europea. Puede considerarse característico de los estilos románico y gótico en el occidente europeo, y de los iconos bizantinos y ortodoxos, en Europa Oriental.

Temple de huevo: La forma más común de la pintura clásica al temple es el temple de huevo. En esta técnica solo se suele utilizar el contenido de la yema del huevo. (Hay también temples de clara de huevo y de huevo completo) Temple a la Caseína: conocido desde la Antigüedad y ha resultado tener un comportamiento más estable que el resto de las emulsiones. El temple de caseína es muy resistente al agua, muy estable y de gran poder adhesivo. El fondo que mejor se comporta es el de caseína. Otra característica importante de la caseína es su gran claridad e intensidad luminosa.Temple a la Cola: Tiene como aglutinante cola de animal, la pintura tiene un acabado mate, empleada por Andrea Mantegna


Pigmentos: Algunos de los pigmentos usados por pintores medievales, como el bermellón (hecho de cinabrio, un mineral de mercurio), son altamente tóxicos. La mayoría de artistas modernos usan pigmentos sintéticos, que son menos tóxicos pero tienen propiedades de color similares a los pigmentos antiguos. Aun así, muchos (sino casi todos) los pigmentos modernos son peligrosos si no se toman las precauciones adecuadas, lo que incluye guardarlos húmedos para evitar respirar su polvoAplicación del temple: La pintura al temple se seca rápido. Normalmente se aplica en capas finas, semi-opacas o transparentes. Permite gran precisión cuando se usa con técnicas tradicionales que requieren la aplicación de pequeñas y numerosas pinceladas aplicadas en técnica de hachura o regatino (dibujo a líneas o puntos). Una vez seco, produce un acabado fino y mate. Como no puede ser aplicada en capas gruesas como el óleo, la témpera rara vez tiene la profundidad de color y la saturación a la que el óleo puede llegar.En este respecto, los colores de una témpera sin barnizar se asemejan al pastel, aunque el color depende de si se aplica un barniz. Por otro lado, los colores de la pintura al temple no cambian a lo largo del tiempo, mientras que el óleo se oscurece, amarillea y se transparenta con la edad.

MODO DE EMPLEO

Preparación del temple al huevo

Los trazos

Pintura Preliminar

ÚTILES Pigmentos en polvo, huevo, caseína, cola de conejo, barniz dammar, pinceles, espátula , mortero para moler la mezcla, huevera para mezclar cada color con el aglutinante

Como fabricar los colores http://www.youtube.com/watch?v=LHtJNeiksU8

http://www.youtube.com/watch?v=LHtJNeiksU8

SOPORTESLa témpera se adhiere mejor a un soporte absorbente que tenga menor contenido en aceite que el aglutinante usado para la mezcla (la regla tradicional es "graso sobre magro", y nunca al revés)EL fondo usado tradicionalmente es gesso italiano y el soporte suele ser más bien rígido. Históricamente se usaron soportes de paneles de madera y más recientemente se están usando tablex y compuestos modernos. También se suele usar papel grueso.


• La pintura al temple ha sido usada desde la decoración de sarcófagos del antiguo Egipto. Muchos de los retratos de las momias de El Fayum están realizados al temple, a veces en combinación con pintura encáustica.

• La técnica ya era conocida por el mundo clásico, donde parece que se desarrollo desde la pintura encáustica y fue el principal medio usado en pintura de tabla e iluminación de manuscritos en el mundo bizantino y en el medievo y Renacimiento europeos.

• Pintores florentinos de los siglos XIII y XIV, como Duccio, Giotto, Cimabue y sus contemporáneos, solían utilizar esta técnica sobre una preparación de yeso blanco.

• Los Grandes pintores del siglo XV Piero de la Franchesca, Mantegna y Sandro Botticelli, Fray Angélico usaron el Temple. Todas las pinturas de tabla conservadas de Michelangelo son de temple al huevo.

• El óleo reemplazó a la pintura al temple como principal medio artístico durante el siglo XV en la pintura Holandesa del norte de Europa. Al rededor del año 1500, reemplazó a la témpera en Italia.

• En los siglos XIX y XX ha habido revivals intermitentes de la pintura al temple en el arte occidental, entre los pre-rafaelitas (Marianne Stokes), realistas sociales y otros. La pintura al temple se sigue usando en Rusia y Grecia donde es el medio requerido para los iconos ortodoxos.

Algunos de los retratos de las momias de El Fayum están realizados al temple

Guido da Siena, Iglesia de San Regolo, Siena, Témpera y oro en panel, 1285-1295

Artist Duccio di BuoninsegnaYear c. 1300Type Tempera

Artist Duccio di BuoninsegnaYear c. 1300Type TemperaDimensions 27.9 cm × 21 cm (11.0 in × 8.3 in)Location Metropolitan Museum of Art, New York

Artist Duccio di BuoninsegnaÚltima CenaYear c. 1300Type Tempera

Artist Duccio di BuoninsegnaCalvarioYear c. 1300Type Tempera

Primavera, tempera on wood by Sandro Botticelli, c. 1477–82; in the Uffizi Gallery, Florence..

Miguel Ángel Buonarotti Santo Entierro, en la National Gallery de Londres (1500-1501).

Miguel Ángel Buonarotti Tondo Doni, en los Uffizi de Florencia (1504-1505)..

Marianne Stokes, Melisande (Stokes), Témpera en lienzo, 1895-1898

Marianne Stokes, Isabel de Hungría Témpera en lienzo,

Marianne Stokes,

Marianne Stokes, pinturas al gesso y temples,

Encáustica


Técnica húmeda grasaLa encáustica, que deriva del griego enkaustikos ('grabar a fuego'), es una técnica de pintura que se caracteriza por el uso de la cera como aglutinante de los pigmentos. La mezcla tiene efectos muy cubrientes y es densa y cremosa. La pintura se aplica con un pincel o con una espátula caliente. El acabado es un pulido que se hace con trapos de lino sobre una capa de cera caliente previamente extendida (que en este caso ya no actúa como aglutinante sino como protección)

MODO DE EMPLEO

La mezcla de cera para encáustica utilizada por muchos artistas de encáustica en la actualidad se compone de cera de abejas refinada, del tipo utilizado en cosmética, y resina de damar. La técnica de encáustica solo con cera debe trabajarse en caliente puesto que la cera rápidamente se endurece al enfriarse. Esta mezcla permite pintar con más tiempo, pues la pintura tarda en secarse y tiene la facilidad del óleo.Procedimiento: La resina de Dammar se mete en un bote de cristal con aguarrás (hasta que esté toda mojada solo) y se calienta al baño maría (se pone el bote dentro de una cazuela con agua y esta al fuego).La cera se prepara troceándola primero, se mete en un cacharro apretándola y se cubre con aguarrás. Se calienta al baño maría también puesto que el aguarrás es muy inflamable y debe hacerse con un control del calor. Una vez están disueltos cera y dammar, se meten en un mismo bote y se remueven. Si queda muy espeso como una cola para zapatos es que falta resina. Si queda como un caramelo es que falta cera. Debe quedar como la miel.

http://www.youtube.com/watch?v=_7Yph7eCzeM

La técnica en la antigüedad

La técnica de la encaústica

La técnica de la encausticaDe capas múltiples

La técnica de la encausticaRaspado, esgrafiado

ÚTILES

Cera de abejasPincelesBrocha de cerdas durasPigmentos de coloresSecador de manoEsencia de trementinaRecipientesEspátulaInfernillo eléctricoTrapos de lino para pulir y sacar brilloCartulina gruesa, tabla o lienzo para pintar.

SOPORTES:Se utiliza como soporte la tabla de madera, la tela y las paredes de albañilería.Se puede pintar directamente sobre madera imprimada o sin imprimar (pero preparada con un fijador). Y por supuesto, en lienzos preparados con creta.


• Es una técnica conocida y utilizada desde la Antigüedad. • Los romanos la usaban sobre todo en tablas. Plinio el Viejo, enciclopedista romano del siglo I

describe el uso de la encáustica sobre el marfil, técnica a la que ya entonces se consideraba antigua. Da cuenta de que el inicio de la técnica derivaría de la pintura de los barcos con cera para impermeabilizarlos, a los que se agregó color en épocas de guerra. La cera conseguía impermeabilizar la madera consiguiendo con esto que fuese resistente a la sal y a los rigores del tiempo.

• En la región de El-Fayum, al norte de Egipto se descubrieron unos retratos de gran fuerza expresiva, en sarcófagos de madera, realizados en encáustica. Son de los siglos I y II.

• Los murales de Pompeya luego de mucho tiempo de especulaciones se ha llegado a la conclusión de que no fueron pintados a la encáustica.

• Su uso es común hasta los siglos VI y VII, y son ejemplos de esta etapa los iconos bizantinos del Monasterio de Santa Catalina del Monte Sinaí.

• Durante los siglos siguientes y a partir del VIII y el IX esta técnica cae en desuso hasta que reaparece a los comienzos de la Edad Media. Un buen ejemplo de icono pintado a la encáustica es el de la Virgen con niño entronizados del monasterio de Santa Catalina del monte Sinaí, en Egipto.

• Vuelve a ser amplia su utilización en el siglo XVIII y XIX, especialmente en Inglaterra y Francia. El pintor francés Eugène Delacroix (1798–1863), utiliza en muchas de sus obras unos colores previamente desleídos con cera.

• En el siglo XX el pintor, escultor y artista gráfico estadounidense Jasper Johns realiza encáusticas sobre tela en obras que anuncian ya el Pop Art

Encausto da Solunto - siglo. I a.C. Pintura mural al encausto

Virgin and Child with angels and Sts. George and Theodore. encaustic icon on panelFecha c.600Saint Catherine's MonasteryAutor Anonymous.

Retrato de momia de mujer. Encaústica sobre madera. Hawara, Periodo Romano de Egipto, c. 55-70. British Museum.

Retrato de momia. Encaústica sobre madera. Hawara, Periodo Romano de Egipto, c. 55-70. British Museum.

George Stubbs. Dama y caballero en un carruaje. Encáustica de cera, aceite secante y colofonia. 1787. 82x101 cm. National Gallery, Londres. En realidad, un óleo con adición de ceras y resinas.

Eugène Delacroix. Pinturas murales en el techo de la Biblioteca, Assemblée National, París 1847. Para sus obra mural, Delacroix

hizo pruebas en su taller con fresco y encáustica. Finalmente utilizó colores al óleo con adición de cera disuelta en esencia de trementina, una fórmula que conoció por

Reynolds y que algunos autores han considerado como encáustica.

Eugène Delacroix. Pinturas murales en el techo de la Biblioteca, Assemblée National,

París 1847

Eugène Delacroix. Pinturas murales en el techo de la Biblioteca, Assemblée National,

París 1847.

Jasper Johns. Flag. 1955. 106x152. Ceras pigmentadas aplicadas en estado de fusión aplicadas sobre recortes de periódico en lienzo. A pesar de las dificultades de empleo de la encáustica de ceras derretidas, han sido muchos los pintores contemporáneos que han trabajado con este procedimiento, atraídos por las cualidades ópticas de la cera y por el misterio de la técnica.

White Flag, 1955Jasper Johns (American, born 1930)Encaustic, oil, newsprint, and charcoal on canvas

Jasper Johns, Three flags, 1958, encaustic on canvas

Jasper Johns Encaustic, oil on canvas

El fresco


Para tratar de explicar con claridad como se pinta al fresco creo que es importante hacerlo desde el principio, desde el momento en que el pintor se enfrenta al muro desnudo

EL SOPORTE de la pintura mural, como es evidente, es un muro. La pared que tradicionalmente era de piedra o de ladrillo, no es un a superficie apropiada para pintar y necesita ser preparada. Esta preparación se compone de varias capas de enlucidos (realizados con argamasas en las que se mezcla cal, arena y agua)El primer enlucido que se aplica sobre el muro tiene la finalidad de regularizar la superficie, se extiende sobre el muro húmedo para que este no absorba el agua de la masa y, por norma general, no lo aplica el pintor, sino un ayudante. A esta capa se la denomina enfoscado.

El grosor del enfoscado o arriccio es mayor que el de las siguientes capas que se le superpondrán y en su composición predominará la arena sobre la cal (en relación 3:1 suele decirse). El proceso de endurecimiento de esta superficie se produce en un primer momento por evaporación del agua y de una forma más lenta por el proceso químico de carbonatación de la cal.Sobre el enfoscado es necesario aplicar una nueva capa de enlucido: se denomina revoco o intonaco. El revoco es más delgado que el enfoscado y la proporción de cal aumenta respecto a la de arena (además la arena suele ser de un grano más fino). Esta es la superficie sobre la que el artista pintará, por eso su acabado y textura es muy importante.

http://www.luzrasante.com/el-ciclo-de-la-cal/

MODO DE EMPLEO•En la pintura al fresco se debe de pintar sobre el revoco aún húmedo (de ahí el nombre de la técnica), los pigmentos se mezclan tan solo con agua y una vez depositados sobre el revoco serán fijados o aglutinados por la cal de este al carbonatar.

•La diferencia básica del fresco con otras técnicas como el temple o el óleo es que en estas se aplican los pigmentos ya aglutinados (con huevo, cola o aceite) mientras que aquí se aplica primero el aglutinante (cal) y luego el pigmento.• •La cal tras el proceso de carbonatación aglutina los colores y estos pasan a formar parte del muro, que presenta una superficie lisa y cristalina que envuelve los pigmentos.

•La cal al carbonatar se convierte en carbonato cálcico (de idéntica composición que la piedra caliza) lo que hace que los colores al fresco sean insolubles y que presenten un aspecto, color y textura únicos. El inconveniente del fresco, y lo que ha hecho que se les resistiera a muchos pintores es que no permite rectificar, salvo que se elimine el enlucido y se vuelva a pintar o que se retoque con otra técnica.•Como el revoco debe de estar húmedo al aplicar el color tan solo se enluce la superficie que se va a pintar ese mismo día, por eso a esta zona se la denomina jornada o giornata, su tamaño variará en función de la dificultad de lo que haya que pintar: las jornadas serán pequeñas en los rostros y muy grandes en los fondos. Por eso lo más sencillo para saber si un mural está pintado al fresco será intentar encontrar los bordes de las jornadas.

-Antes de empezar el traslado del calco, esperar que el revoque sea bastante seco para resistir a la presión de un dedo.-- Para trazar las líneas que sirven para encuadrar el dibujo y a determinar su exacta posición sobre el muro, se puede utilizar una cuerda empapada en el color que se tira como un elástico entre dos puntos de referencia dejando una huella de color sobre el revoque.-- La técnica de traslado del dibujo sobre el soporte es el calco perforado. Con un mango de pincel se trazan las líneas del dibujo a través el papel comprimiendo ligeramente, sin ir demasiado en profundidad para dejar un ligero surco en el revoque fresco. O también con carbón en polvo. -La puesta en obra del fresco solicita una buena organización: hacer de modo que los colores y los pinceles estén todos al alcance sobre una mesa o sobre un plan de trabajo estable;- Disponer varios recipientes de agua limpia para lavar los pinceles, preparar con antelación los diferentes tintes y sus aclaradores en recipientes etiquetados,- Iniciar con el trabajo en alto para evitar rebabas.Cuando se pinta hace falta tener en mente que el fondo tenderá a destacarse con los colores claros y que el revoque, cuando está húmedo aparece gris, será blanco una vez seco y por lo tanto aclarará los tonos. Hacer pruebas sobre papel para tener una idea de los colores secos.

ÚTILES Arena , cal, polvo de mármol, gaveta, llana, paleta, espátulas, agua, pigmentos, brochas de cerdas, botes para los distintos colores, andamios, pala, pico…Papel para preparar el boceto, muñequilla con carboncillo en polvo para transferir el dibujo al muro

SOPORTE

ProcesoDe carbonatación

PINTURA MURAL EL SECO

Los mayores inconvenientes para la pintura mural en exteriores son la humedad, el polvo, la contaminaciónEl SISTEMA DE PINTURAS MINERALES PERMANENTES KEIM 1877.-Aplicación de pigmentos minerales resistentes a los alcalis desleidos en agua destilada sobre una pared con revoco de sílice.-Pulverizando posteriormente un fijativo a base de silicato de potasio


• La pintura al fresco era conocida por los antiguos egipcios, cretenses y griegos. También la practicaban los romanos, según demuestran los extraordinarios ejemplos encontrados en Herculano y Pompeya.

• Entre las culturas prehispánicas de Mesoamérica, los mayas y los teotihuacanos, por ejemplo, usaron tanto la técnica de pintura al temple, como la del fresco, en sus dos versiones. Ejemplos de frescos son los murales de Tetitla, Tepantitla y Atetelco, en México.

• Al principio de la era cristiana (siglo II) se decoraban con pinturas al fresco los muros de las catacumbas o de las cámaras mortuorias subterráneas. En la iglesia de San Isidoro de León (siglo XI) se encuentra el mejor conjunto de pinturas murales del románico español.

• El arte del fresco resurgió con fuerza en Italia durante los siglos XIII y XIV de la mano de los pintores florentinos Cimabue y Giotto, quienes han dejado bellos ejemplos en las iglesias de Asís, Florencia y Pisa. En el siglo XV, el resurgimiento de esta técnica se produjo en Florencia, especialmente con las obras de Masaccio, Benozzo Gozzoli y Ghirlandaio.

• La pintura al fresco alcanzó su culminación en el siglo XVI con el soberbio trabajo de Rafael en el Vaticano y con El juicio final de Miguel Ángel en la Capilla Sixtina. La influencia italiana tuvo un papel decisivo en el resurgimiento de la pintura mural en España.

• Los frescos de la iglesia de San Antonio de la Florida, en Madrid, obra del pintor Francisco de Goya, constituyeron la obra cumbre de la pintura española en este género.

• En el siglo XVIII, la práctica de la pintura al fresco estaba muy extendida en Europa y en América, sustituyendo la nobleza de estilo por la elegancia y los efectos ilusionistas. Uno de los principales exponentes de esta técnica durante ese periodo fue Giovanni Battista Tiepolo, en Italia.

• En el siglo XIX, se produjo un resurgimiento de este arte, destinado sobre todo al embellecimiento de edificios públicos. El núcleo más importante de pintura al fresco, en el siglo XX, ha sido México, donde Diego Rivera, José Clemente Orozco y David Alfaro Siqueiros, entre otros muralistas, han creado notables frescos monumentales en edificios gubernamentales y privados

Detalle pintura al fresco de la tumba de Nakht, donde vemos a un grupo de mujeres con joyas, s.XV a.C.

Se encuentra en el palacio de Cnosos. No se sabe quién es, pero se cree que pudiera ser el rey Minos. Es un rey-sacerdote. Tiene cuerpo joven y atlético con una cintura muy fina, por lo que a estas figuras de las denomina "figuras de cintura de avispa". Lleva la mano derecha sobre el pecho, probablemente como símbolo de poder, y con la izquierda arrastra algo, probablemente un grifo. Va caminando entre un campo de lises y hay una mariposa revoloteando. Lleva collar y una tiara con plumas y adornado con formas helicoidales. Tiene zonas en relieve.

Mujer sentada tocando una cítara. Pintura al fresco de la Sala de la Villa de P. Fannius Synistor en Boscoreale, alrededor de los años 40-30 a.C. finales época República

Pintura al fresco de la villa de P. Fannio Sinistore in Boscoreale, de Pompeya, actualmente en el The Metropolitan Museum of Art, NY.

Detalle pintura al fresco romana, de Oplontis donde vemos un cesto lleno de higos, año 79 d.C.

Detalle de la pintura mural del tlalocan en el palacio de Tepantitla Teotihuacan.

Cristo Pantocrátor de San Clemente de Taüll (Lleida) Pintura mural al fresco: Arte románico,1123. S. XII..

Anunciación del ángel, Cripta de San Isidoro, León

Pinturas de San Baudelio de Berlanga, Museo del Prado

Pinturas del Giotto en Asis, muestran el inicio de la Pintura renacentista

Pintural Giotto en Asis, muestran el inicio de la Pintura renacentista

Miguel Angel Buonarotti Capilla Sixtina

Giovanni Battista Tiepolo: Fresco from the Royal Palace of Madrid, 1762-66

Giambattista and Domenico Tiepolo, Apollo and the Continents, 1750-1753, Fresco (Residenz Palace, Würzburg, Germany)

Giambattista TiepoloTítulo Jacob's DreamFechaentre 1726 y 1729Palacio de Udine (italia)

Goya, Frescos de la ermita de San Antonio de la Florida, Madrid

bloque 3 técnicas de pintura

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