BROCHETA DE AMOR

CUERPO INTERVENIDO, DEFORMADO, TRANSFICURADO

MARA GARCÍA DÍAZ GRUPO 2

BROCHETA DE AMOR

La violencia existe, es algo que no puede soslayarse, cuando tratamos

de negarla o le volteamos la cara para no verla, lo único que logramos

es permitir que se propague como la peste.

Brocheta de amor representa a esos niños en toda su fragilidad,

transfigurados por el proceso artístico, dejando una clara intención de

abordar el dolor de la memoria histórica.

El dolor y la inocencia vulnerada, historias de violencia que no permiten

la reflexión y nos obligan a darles la espalda, conscientes de la ruptura

que se dio en el origen.

Brocheta de amor trata de estos niños ensangrentados heridos,

vendados, victimas del caos, los conflictos bélicos y el miedo que se vive

en cada guerra, también se refiere a la infancia, la inocencia, la

destrucción, el trauma y la condición humana.

La sangre revela una idea de sacrificio ofrecido por los niños en los que

se ve valores, virtudes humanas, inocencia, confianza, amor, compasión

y creatividad, el arte es la última magia que queda en el mundo

Representan una clara alusión a lo que se encuentra después de una

guerra caras deformes y rostros marcados,

Plantea una reflexión sobre lo humano visto por medio del dolor y el

sufrimiento intentando hablar por medio de lo visual

La idea de transmitir a través del arte el dolor provoca una serie de

experiencias catárticas que permiten hacer de ese dolor universal una

traducción provocando en el espectador una sensación que debería ser

traducida en una reflexión universal a fin de ser identificado y

solventado.

He considerado interesante poner también el proceso de realización de

estas piezas por tener este mucho que ver con el cuerpo transfigurado.

Este es un proceso de destrucción para la realización de una

construcción, en la que tiene tanta importancia el proceso como el

resultado final.

TRABAJO DE CLASE

BOCETOS PREVIOS AL TRABAJO

He desarrollado una serie de bocetos, con la intención de ver diferentes

materiales en relación a la textura, transparencia y opacidad.

TRABAJO DE CLASE 100X70

El tema en este trabajo sigue siendo el mismo; las guerras y los

destrozos en las personas a las que estas afectan, en este trabajo he

utilizado venda cubriendo parte del dibujo de manera irónica con el fin

de cerrar las heridas de todos estos desastres aceptados por nuestros

gobernantes y que en vez de poner fin a todo esto lo fomentan; así pues

estas no cicatrizan, todo lo contrario vuelve a supurar como en mi

dibujo.

Este trabajo lo he realizado y pintado con la mano izquierda y con gafas

oscuras algo que hago por primera vez y he de decir que me ha gustado

la experiencia.

TRABAJO EN CASA 100X70

Después de haber probado con diferentes materiales, la composición de

lijas y el tratamiento pictórico en ellas me han parecido muy

interesantes, así pues, este trabajo lo he desarrollado con un panel de

lijas de diferentes grosores, acrílicos y conté.

ARTISTAS SELECCIONADOS QUE TIENEN UN TRABAJO SIMILAR A MI

OBRA

Después de haber visionado unos quince artistas, y de haber realizado

mis proyectos, seguí viendo mas artista y me di cuenta que estos tenían

un discurso muy parecido al mío, artistas que desconocía.

Asger Carlsen

Es un artista Danés que desde hace unos años vive y trabaja en Nueva

York. A través de sus series, nos introduce en un mundo grotesco y

provocador, un mundo en el que lo deforme se transforma en cotidiano.

Provocar al espectador, desde mi punto de vista, debe ser una de las

principales premisas de todo buen artista, y más si la fotografía es el

modo de expresión elegido. En el caso de Carlsen, esa provocación

viene dada por una serie de pequeños detalles que son introducidos de

forma sutil en un mundo en blanco y negro y atemporal, en escenarios

cotidianos y mezclados con gente aparentemente normal. Las cosas no

son como deberían de ser, y son presentadas como un resultado

azaroso en el que todo es posible. Los pechos pueden estar en las

nalgas, la gente puede ser bicéfala o el amor puede ser demostrado ante

una masa amorfa y pegajosa, y todo es normal y común dentro de la

fotografía.

Y como todo en el mundo del arte y la fotografía, se puede prestar a

tantas y variadas interpretaciones como se quiera. Puede gustar o puede

parecer repelente, pero si cumple el objetivo de no dejar indiferente ya

cumple ese papel artístico por el que fue creado. ¿O no?

Gottfried Helnwein

8 de octubre de 1948, Viena, pintor, fotógrafo y artista de performance

austriaco-irlandés maestro del reconocimiento sorpresivo.

Es uno de los artistas de habla alemana más controvertidos de después

de la Segunda Guerra Mundial. Es un maestro sobretodo en fotografía y

vídeo, pero también toca la pintura y el dibujo, así como las

performances. Se dio a conocer en sus primeras obras, las cuales

consistían en acuarelas hiperrealistas de niños heridos y vendados. De

hecho, casi toda su obra se basa en mostrar el dolor, la violencia, la

ansiedad, los temas tabú históricos y políticos y cuestiones

controvertidas de la historia reciente, muy a menudo con niños como

protagonistas.

Es un artista polifacético que ha llegado a captar las figuras de

personajes tales como Bukowski, Andy Warhol, Lou Reed o Keith

Richards, entre otros, y al que se califica de repulsivo y desagradable

por la dureza de las imágenes que crea.

León Ferrari

León Ferrari tiene una trayectoria de 50 años de oficio en las artes

plásticas, desde donde ha realizado una original labor de búsqueda

creativa y de implacable crítica al poder y a toda forma de intolerancia.

Nacido en Buenos Aires en 1920 desarrolló un lenguaje artístico propio,

utilizando el collage, la fotocopia, el arte postal y la experimentación

cemento, madera, arcilla y alambres de acero inoxidable y poliuretano.

En octubre de 2007 fue elegido mejor artista en la 52ª Edición de la

Bienal de Internacional de Arte de Venecia, premiándoselo con el

máximo reconocimiento: el “León de Oro”.

En su longeva carrera, León Ferrari ha sido tan coherente en

sentimientos que su sencillez y discurso directo se justifica en cada una

de las obras. No hay complejidad ni rebuscamientos en el gesto poético

de este artista, implacable a la censura. Utilizando la fuerza del lenguaje

iconoclasta, Ferrari mantiene un discurso accesible para el público; la

belleza plástica que acompaña cada uno de sus trabajos hace posible

una lectura amable de las cosas, manejando al espectador

paulatinamente al objetivo directo de su mensaje, inmanentemente

político.,

CONCLUSIONES:

Todos los trabajos realizados en el taller me resultan muy dinámicos, ya

que dan diferentes posibilidades de plantear una obra abriendo puertas

a la investigación, a mí personalmente me ha sorprendido la cantidad de

ideas que estos trabajos han provocado en la realización e

interpretación de mi obra.

Por otro lado en relación a este último trabajo ya tenía una visión amplia

debido a que he estado realizando obra muy relacionada con estos

temas, aun así, me ha resultado interesante todo el proceso que he

realizado en cuanto a texturas y transparencia.

BIBLIOGRAFIA

http://noticias.unsam.edu.ar/index.php/2012/09/20/la-obra-mas-famosa-de-leon-ferrari-

en-la-unsam/

http://www.carlosbarberena.com/blog/

http://www.mnsancarlos.com/helnwein.html

http://www.grupohorma.com/?p=2529

http://www.youtube.com/watch?v=_U37Ofz2Y6E

http://www.youtube.com/watch?NR=1&feature=endscreen&v=gQNqL1Np2Dg

www.leonferrari.com.ar/

http://msbunbury.bitacoras.com/accionismo%20vienes.htm

http://performancelogia.blogspot.com.es/2007/01/arte-y-subversin-entrevista-chris.html

http://cavilantes.wordpress.com/2010/05/07/david-nebreda-el-horror-exquisito/

http://www.xatakafoto.com/fotografos/david-nebreda-mi-propia-realidad-es-peor-que-

las-fotos

http://performancelogia.blogspot.com.es/2007/03/en-los-confines-del-cuerpo-y-de-

sus.html

Libro “the artist´s body”

Autor: Tracfy Warr Amelia Jones

Editorial: Phaidon

http://www.vice.com/es_mx/read/arte-o-porno