DESBORDE AMAZÓNICO

DesDe la época De la colonia, la amazo-nía ha siDo el gran territorio Descono-ciDo, “salvaje” y peligroso De y es que la amazonía fue siempre el territori

poDer verDeDesde la época de la colonia, la amazonía ha sido

el gran territorio desconocido, “salvaje” y peligro-

so de nuestra nación; aquél habitado por “chun-

chos” y por leyendas de riqueza y fortuna como El

Dorado. La selva fue el refugio de los últimos incas

y también la zona de rebeliones, de revueltas, de

campañas y guerrillas de resistencia como aque-

llas de Juan Santos Atahualpa. Y es que la amazo-

nía fue siempre el territorio que había que explo-

rar, que conquistar, que explotar. La arro-

gancia de los poderes

metropolitanos, ya sean coloniales, republicanos

o capitalistas, siempre actuó y actúa como si éste

fuera un espacio vacío, sin habitantes, sin ciudada-

nos, o mejor dicho con pobladores y ciudadanos

pero de “segunda clase”, “perros del hortelano” a

los cuales hay que domesticar, doblegar, y, en el

peor de los casos, exterminar.

Pero la amazonía

DesBorDe amazÓnico

DesDe la época De la colonia, la amazo-nía ha siDo el gran territorio Descono-ciDo, “salvaje” y peligroso De y es que la amazonía fue siempre el territori

no se ha quedado callada; después de aquel trágico

5 de junio del 2009 cada vez es más fuerte la con-

ciencia del poblador amazónico que el destino del

Perú, su riqueza y su futuro se encuentran en sus

bosques, en sus ríos, en sus especies naturales y en

sus culturas nativas amenazadas por la ambición,

la usura y la angurria de los poderosos de turno. El

arte amazónico ha comenzado a reflejar esta con-

ciencia y aquí lo podemos ver en los kenés de Daysi

Ramírez, los cascos de guerra de Lu.cu.ma., las

llanchamas de sutil pero indignada protesta y com-

promiso de Luis Torres o en las también militantes y

orgullosas de su cultura, pinturas de Brus

Rubio.

Por lo general han sido artistas autodidactas y po-

pulares quienes mejor han expresado los sueños

y los deseos del poblador de la amazonía. Estos

artistas, de origen humilde y marginal, en muchos

casos no pasaron por una escuela de arte, pero

se educaron y aprendieron su oficio en las calles.

Estos artistas tampoco son del circuito oficial de

galerías; por el contrario, donde más podemos

ver su arte es en las mismas calles, en bares, dis-

cotecas, restaurantes, night clubes, en mercados

y plazas, en publicidades y carteles; siempre con-

siderando que la belleza se encuentra en el gusto

del poblador común, del anciano, de la mujer, del

cliente, del niño que contempla extasiado un mural

de Sakiray, de las parejas de amantes que antes del

amor bailan en El Refugio, observados por las mu-

jeres fluor y los excitantes delirios psicotropi-

cales de Ashuco.

las visiones psicotropica-les ahora Dan paso a la me-moria política De aquellos que entregaron su viDa c“Por lo mismo que esos objetos sencillos no repre-

sentan a la cultura oficial, que no son el gran Arte, la

versión que ofrecen de los acontecimientos cultura-

les es más veraz y está menos sujeta a las conven-

ciones y las inhibiciones impuestas por el sistema”,

escribió alguna vez el maestro Francisco Stastny

refiriéndose al arte popular peruano; y la lucidez de

esta descripción sigue siendo válida para estas pie-

zas de arte contemporáneo, popular y amazónico

que Poder Verde muestra sin prejuicios.

Y es que por lo general el arte de élites y galerías

agoniza en su preciosismo, en su minimalismo, en

su contención decorativa o conceptual. Es un arte

domesticado y “aburguesado”, en el peor sentido

del término; un arte que ha perdido contacto con el

gran público y que se refugia en el snobismo,

en el gran salón, en la

mansión suntuosa y vacía que necesita de “arte”

para cubrir su desnudez, su frialdad, su falta de co-

municación y sentimiento. Por el contrario, este arte

popular amazónico (que podemos considerar como

el verdadero arte pop del Perú) con sus formas, sus

colores, sus iridiscencias, sus brillos y luces, no apela

al intelecto sino al corazón, al cuerpo, al deseo. No

se necesita un grado académico o una gran cuenta

bancaria para poder disfrutarlo, gozarlo, poseerlo.

Es un arte que respira, que baila, que suda, que ama,

que camina por las calles, que protesta, que lucha.

Cuando se toma una fotografía con una cámara

Kirlian, se dice que las luces auráticas que emiten

los cuerpos enamorados son de color verde. Si

esto es así, entonces podemos decir que el Poder

Verde es también por esto mismo, y sobre todas

las cosas, un arte hecho a partir del amor

y la pasión.

Vuelven los ríos a desbordarse, los cauces a desapa-

recer, y nuevamente emergen las mejores imágenes

producidas por el arte amazónico; es el Poder Verde

y su corriente que arrastra no solamente llanchamas,

fotografías, videos, pinturas fluor, sino también mú-

sica, cine, conversas, reflexiones. Este creciente río,

cada vez más poderoso y deslumbrante, viene ahora

no sólo a invitarnos a viajar con luces y psicodelia,

sino también a revelarnos el dolor, la rabia y la lucha

de los pueblos amazónicos.

Las visiones psicotropicales ahora dan paso a la

memoria política de aquellos que entregaron su

vida por la defensa de este río, de este territorio,

de esta selva de vida; envolvámonos entonces

con sus luces, disfrutemos con sus fluorescencias,

indignémonos con sus denuncias. Este río que se

desborda y nos inunda es también el río que nos

dará la vida, el amor y refrescará la esperanza que

nace, sin cesar, en nuestro corazón.

Christian Bendayán / Alfredo Villar

No hay civilización originaria que no haya creado

máscaras. Desde los comienzos de la humani-dad se han utilizado como forma de explorar y encarnar más allá de lo individual, de adoptar una nueva identi-dad, de alcanzar el éxtasis y la iluminación. La máscara es el otro lado de nosotros mismos, aquel que anhela-mos, que buscamos, en la fiesta, en el rito, en el goce. Por desgracia la civilización contemporánea ha enterra-do las máscaras y ha creado la mascarada de la cultura del espectáculo, de la apariencia, del maquillaje, de la superficialidad. No hay ritual, ni mito, ni verdadera satis-facción detrás de esas “máscaras” ya que están vacías, no las alimenta nada, no tienen sangre, savia, historia. Se desvanecen como las imágenes de un televisor. En la noche que ilumina el mundo de estre-llas y sueños no son nada.

nereiDa lÓpez LAS MÁSCARAS DE LO REALnereiDa lÓpez

Nereida López de la serie Seres de la amazonía 2010

Máscaras labradas en wingo, con escamas de paiche y araguana y semillas

medidas variadas

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Pero las máscaras de Nereida

López si están llenas de historia, de mito, de vida. Elaboradas a partir de la cás-

cara seca del fruto del wingo llamado también tutumo, estas máscaras nos hablan de otro mundo donde las leyendas viven y los seres sobrenaturales y naturales conviven con nosotros, son parte de nuestra vida, nos bendicen o nos maldicen. Seres cubiertos de semillas y escamas de paiche y arawana, decorados con coloridos aretes, cuentas y collares. Seres de una estética sofisti-cada y a la vez “primitiva”, que nos habla de un mundo refinado y salvaje a la vez, de un universo donde somos sorprendidos constantemente por lo maravilloso.Nereida López es esposa de Santiago Yahuarcani y la madre de una familia que se está dedicando mediante el arte al rescate político y estético del universo amazónico y peculiarmente del mundo huitoto y del clan á+men+.

La labor de Nereida no sólo consiste en edu-

car a sus hijos en los distintos usos, tradiciones y conocimientos de su pueblo. Ella sabe que con sus máscaras puede educar no sólo a su familia sino mostrar a todo un país las riquezas que todavía resguardan los pueblos amazónicos. Aquello que era sólo tradición oral ahora se vuelve conocimiento vivo, palpable, explicable; sus máscaras nos revelan en directo los secretos de los animales, seres y plantas de la amazonía; nos hablan de sus poderes curativos, de su fuerza vital, de su belleza siempre en peligro.Fue la cultura occidental la que separó la máscara de la persona, ahora es tiempo de volver a aquel tiempo sin fin, donde la máscara era el otro lado de nuestro rostro. Aquel que rompe con lo cotidiano y lucha, vive y ama sin miedo.

El 5 de junio del 2009 un acontecimiento enlutó a la amazonía. Pero ese luto, esa sangre roja derramada por el oro negro y los intereses de los poderosos de turno, también ha significado un impulso creativo para muchos artistas. La ama-zonía parecía dormida, extasiada en su propio sensualismo y hedonismo turístico; pero esa es la visión elitista que quienes quieren vender la (y comprar nuestra) selva nos quieren dar. Un mundo sin cla-ses, sin contradicciones, sin luchas, donde

comunidades enteras se compran por unos cuantas mo-

nedas.

Pero esa visión de una selva sin tragedias ni conflictos cambió ese 5 de junio. Luis Torres Villar, grabador talentoso, pre-miado y disciplinado de la nueva generación, se encaminó hasta el centro mismo de los acontecimientos: Bagua, y emprendió una investigación que a la vez fue una búsqueda de materiales y símbolos para desentrañar y develar la sutil y compleja maraña que el

poder y sus mentiras nos han tejido alrededor de esa tragedia.

luis torresGRABADO POR LA MEMORIA

Lo que reve-la el trabajo de Luis Torres es el otro lado de los hechos, la versión de los propios po-bladores, recopilando sus testimonios, escuchando sus historias, acudiendo a recoger llanchama del mismo río Utcubamba. Y es que en la memoria popular, en la visión de los de abajo, muchos cuerpos fueron arrojados impunemente dentro de ese río para desaparecerlos. No sería nada raro ya que durante la larga historia de la amazonía los ríos han sido usados como basureros y cementerios de ge-nocidios y masacres. Ya sea por los co-lonizadores, los caucheros, capitalistas insaciables o por las fuerzas represivas del estado.Las imágenes goyescas de ríos y cadá-veres están para que veamos el otro lado de la historia. Luis Torres nos muestra la profundidad, la entraña misma del río, la muerte y la vida pa-radójicamente reunidas en su lecho, en sus aguas siempre agitadas y rumo-rosas, que el poder de turno quisiera

que fueran aguas silenciosas, aguas del olvido.

Pero ese rumor no se calla, esos cadáveres y esos desaparecidos siguen flotando, bogando, reclamándonos justicia y memoria. Luis Torres hace un arte po-lítico que va más allá del panfleto, y es que en su obra el material mismo ya es significativo y político; ya sea desde la llanchama que él toma del mismo río, hasta la tinta negra, el petróleo, el oro negro, con el cual imprime estos gra-bados agregándole así al material un significado profundamente simbólico. De esta manera el arte se graba en la memoria, y es desde el grito de estos inocentes que caen por los pecadores que se denuncia un orden injusto, ava-sallante y asesino que tiene a la ama-

zonía encendida de algo más que ardor amoroso.

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PERO ESE RUMOR

NO SE CALLA,

ESOS CADÁVERES Y ESOS

DESAPARECIDOS SIGUEN

FLOTANDO, BOGANDO,

RECLAMÁNDONOS

JUSTICIA Y MEMORIA

PERO ESE RUMOR

NO SE CALLA,

ESOS CADÁVERES Y ESOS

DESAPARECIDOS SIGUEN

FLOTANDO, BOGANDO,

RECLAMÁNDONOS

JUSTICIA Y MEMORIA

Desborde, barroco, exhube-rancia, policromía. La religiosidad en Iquitos siempre es lujosa, lujuriante, inquietante. De la comunión religiosa a la co-munión de los cuerpos. El límite entre ambos es siempre borroso, sinuoso, impredecible en una ciudad demasiada rodeada de en-cantos pero también de miserias, de peligros, de injusticias. El Edén y el Infierno pueden convivir en la misma esquina, y los más débiles, inocentes y pobres son los más

expuestos tanto a la felicidad como a la desdicha.

Durante varios años La Restinga ha trabajado con niños y adolescentes “en riesgo”. Este término políti-camente correcto no nos debe hacer olvidar la realidad de estos muchachos. Niños abandonados, trabajadores, pastrulitos, pirañitas y faitecitos entregan su corazón berraco y transforman el abandono en creatividad, en arte, en una es-pecie de redención que también es una protección contra la crueldad

y la violencia del mundo.

la restinga: CORAZÓN POP/ULAR

La resTinga Niño de la caja 2005-2011

instalación-performance

idea original Luis GoNzaLez-poLar pintura ChristiaN BeNdayáN altar WiLLiam macahuachi video Leo ramírez, JuLio Guerrero, Luis ChumBe

Y es que el Niño Jesús de la Caja es también una proletarización, una profa-nización de lo religioso; aquí lo que hay es un intento de cuestionar el aura del ritual y acercar lo sagrado a lo mundano, bajar al santo del cielo y ponerlo al lado del niño trabajador, del niño abandonado, del niño que se ve obligado a ser adulto antes de tiempo. La instalación de la Restinga hecha por sus propios muchachos y niños es una muestra del poder del trabajo colectivo y la imaginación. El altar hecho a base de papeles de colores y bombillos de luz, nos demuestra el origen pop/ular de las devociones religiosas amazónicas, los materiales más sencillos, la gen-te más humilde, los más pequeños también son capaces de crear obras de arte, altares para contemplar lo real, para cuestionarnos el vacío de la religión que se aleja del mundo, para que celebremos la presencia del

cuerpo y la encarnación de nuestros sueños de un mundo -siem-

pre posible a pesar de todo- mejor.

La procesión del niño de la caja, es una propuesta religiosa paradójicamente laica. La idea es aprovechar “la puesta en escena” sagrada de la procesión y el icono religioso para crear una reflexión mundana y política. ¿Cuál es la situación de los niños trabajado-res, qué peligros afrontan, cómo podemos ayudarlos? Niño Jesús de la Caja/ te pido que cuando salga a trabajar/no me pase nada/que las calles sean seguras/ y así poder caminar tranquilo, dice uno de los rezos con los cuales se acompaña al Niño Jesús de la Caja, y esos rezos acompañan a una procesión que recorre la ciudad de Iquitos y

que culmina en el barrio pro-leta de Belén todos los

1 de mayo.

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NIñO JESúS DE LA CAJATE PIDO qUE CUANDO SALGA A TRABAJARNO ME PASE NADAqUE LAS CALLES SEAN SEGURAS Y ASí PODER CAMINAR TRANqUILO

Niño Jesús de la caJaTe pido que cuaNdo salga a TrabaJarNo me pase Nadaque las calles seaN seguras Y así poder camiNar TraNquilo

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Brus ruBio Sala de la Cocamera y la Investigación 2011

tintes naturales y acrílico sobre llanchama 180 x 220 cm.

Brus ruBio: EL PODER DE LOS INVISIBLESBrus ruBio:

Para el poder oficial los habitantes de la amazonía son “ciudadanos de segunda categoría”. Desde esa perspectiva y durante cientos de años ha habido un constante desprecio, racismo y violencia económica, política y cultural contra los pueblos amazónicos mestizos e indígenas que la habitan. Pero es quizás con los diversos pueblos indíge-nas con los cuales esta violencia ha sido más despiadada. Al tener otras lenguas, otras costumbres, otra piel y otra economía los pueblos indí-genas han sido sistemáticamente invisibilizados, simplemente porque de esta manera su exterminio, su explotación, su destrucción se vuelven mucho más sencillas.

La época del caucho origino el primer genocidio del siglo XX, varios años antes que el genocidio del pueblo armenio y muchísimos años antes que el demencial genocidio del pueblo judío . Pero quien quiere destruir una cultura desde su raíz se enfrenta al drama de los sobrevivientes, de la

diáspora, de los que se aculturan para dejar de ser asesinados o de los que se refugian en los bosques más profundos en

espera del momento de la resurrección, de la venganza y la reivindicación

de todo un Pueblo.

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Brus Rubio es descendiente de uno de estos pueblos que estuvo a punto de ser exterminados, se calcula que casi 40,000 huitotos y boras murieron por diversas causas ligadas a la explotación del caucho en los primeros años del siglo pasado. La historia vergonzosa de este crimen de rasgos genocidas ha sido recuperada desde distintos

documentos y perspectivas. Brus Rubio es el primero que lo hace desde

el arte.

Utilizando llancha-mas (tela extraida de la corteza del árbol de ojé) y tintes naturales Brus Rubio está demostrando el sutil arte y poder de los invisi-bles, en este caso de los boras y huitotos a los cuales pertenece por herencia paterna y materna. En su obra vemos aquello invisible hacerse visible, y aquellos teni-dos por débiles y parias volverse poderosos caciques, guerreros o dioses. Al ver esta pintura se nos muestra otra verdad: aquella que nos habla de otro mundo me-

nos “salvaje” y explotador que aquel que el ca-pitalismo y la civilización nos han

querido vender.

ashuco: LA LUZ DE LA NOCHE

La noche es el refugio de los pecadores, de las almas perdidas, de los cuerpos insaciables y aventureros. Asunción Araujo, “Ashuco”, es el pintor de ese mundo noctámbulo y sonámbulo de discotecas, burdeles y bares de la ciudad de Iquitos; es el rey de la psicodelia de una ciudad apasionada, desbordada y excesiva que se ve reflejada hasta en sus deseos más ocultos y urgentes en los fluor e iridiscencias del arte urbano, licencioso y liberador de este pintor pop/ularY es que Ashuco hace arte pop/ular, un arte que revela una poderosa influencia

del Pop y los medios masivos, tanto de la música y el

videoclip (no es casual

que la primera ciudad en el Perú en transmitir la programación de MTV haya sido Iquitos) como del sticker, del porno, de la gráfica callejera, del cómic. Pero a diferencia de los vacíos imitadores del Pop norteaméricano, Ashuco huye del cliché ya que su obra está enraizada no sólo en la mass media (que es donde nace, juega y muere el Pop gringo y sus imitadores) sino sobre todo en el mundo popular en el cual Ashuco ha nacido y al cual retrata con todo su barroquismo, su lujuria,

su fantasía, su esplendorosa pobreza y su lujo

moderno.

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EL PINTOR DE LOS PINCELES qUE EYACULAN ORGASMOS DE PIGMENTOS, RESINAS Y COLORES qUE HACEN EL DELEITE DE TODO TIPO DE PúBLICO

el pintor de los pinceles que eyaculan orgasmos de pigmentos, resinas y colores que hacen el deleitede todo tipo de público

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Ashuco “el pintor de los pinceles que eyaculan orgasmos de pigmentos, resinas y colores que hacen el deleite de todo tipo de público” como él mismo se presenta, es ante todo un maestro del erotismo, del éxtasis y del amor en todas sus manifestaciones. Una especie de Milo Manara callejero, que desde niño leía y dibujaba historietas y que desde adolescente ha descubierto y desvestido el cuerpo femenino ante el cual su obra constantemente rinde tributo y ardiente homenaje. La serie Aullidos en la Selva lleva a los íconos pop de los años 70 y 80 al escenario de la selva amazónica, el erotismo está velado pero a la vez manifiesto, ya que estos íconos están celebrando la vitalidad y la alegría siempre orgásmica de la amazonía.Como Mick Jagger quien grita extático en medio de la selva peruana que esta es la primera vez en su vida que se siente libre, nosotros también nos iluminamos y nos

liberamos con la pintura de Ashuco, con su sentido del humor, con su alegre lascivia, con

sus delirantes colores, con su brillante desnudez.

Cerremos los ojos a la luz del día y abrámoslos a la luz de la noche, ahí donde la libertad es creer que la realidad no es nada sino está descubierta en sueños, en fluors, en copas vacías y en

aquella hermosa música que hacen los cuerpos cuando se aman.

Daysi ramírez:Daysi ramírez: EL FLUOR DE LA REBELIÓN

LOS DISTINTOS ARTES

POPULARES DEL PERú

YA SEAN CHICHAS,

ANDINOS O AMAZÓNICOS

PUEDEN DIALOGAR E

INCREMENTAR SU PODER““ ““

los distintos artes

populares del perú

ya sean chichas,

andinos o amazónicos

pueden dialogar e

incrementar su poder

En la amazonía la rebelión también se puede

cantar, pintar, bailar. La furia de vivir amazónica es diversión, placer, relajo pero también

es una furia de pelear, de trabajar, de luchar. Daysi Ramírez artista de origen shipibo fue arrastrada de su tierra por la pobreza y la necesidad y desde muy joven edad se encontró trabajando y buscándose la vida en Iquitos. Su lucha era, como la de cientos, la de miles, la de cientos de miles de nativos peruanos, una lucha primero por la sobrevivencia. Pero más allá de la lucha por vivir, Daysi poseía el recuerdo del arte del Kené del cual su madre era suma sacerdotisa, maestra y artífice y que ella contempló desde niña con ojos maravillados, encantados, privilegiados.

Según la tradición shipiba, a las niñas recién nacidas se les echa unas gotas de la hierba del piripiri en sus ojos; esto permite que puedan ver simultáneamente el mundo terrenal como el mundo más allá de los sentidos: aquel mundo que sólo podemos ver en los trances, en los sueños, en las tomas de ayahuasca. Ha sido de esta manera que las mujeres shipibas afinan su visión y pueden ver en su mente los diseños del arte del Kené, complejas y sutiles geometrías y cosmologías que se pintan en telas y tinajas de barro y que es tradicional de este pueblo amazónico.

La vida hizo que Daysi se casará con

un shamán de Iquitos. Pero aún así la vida era dura y difícil en la ciudad. Hasta que

mediante rituales, ayahuasca e ícaros Daysi vol-vió a recordar las formas que desde niña la habían fascinado y hechizado. Fue así que esta mujer shipiba volvió al Kené ya no sólo como un recurso artesanal más de sobrevivencia sino como un reencuentro con su identidad, su memoria, su he-rencia. Era una lucha más en un país como el Perú donde sus sucesivos gobiernos y sus retóricas dicen respetar a nuestros pueblos indígenas andi-nos y amazónicos que en la práctica ni son respe-tados ni son consultados. Por el contrario se los reprime, se los avasalla, se los mata.

El 5 de junio del 2009 fue una fecha trági-

ca para toda la amazonía. Bagua, la Curva del Diablo, Utcubamba, nombres que quedarán en la memoria de todos aquellos que no morimos, de todos aquellos que murieron por el absurdo del poder político. Daysi reela-bora con este suceso un kené fluor, un afiche de chichadelia rebelde y gozosa, una profecía que anuncia baile, ardor y explosión. Y esto demuestra que los distintos artes populares del Perú ya sean chichas, andinos o amazónicos pueden dialogar e incrementar su poder. Ya pronto llegará el momento que no sólo el arte y los artistas populares sino el pueblo pe-ruano entero se una para, ahora sí, jamás ser vencido.

daysi ramírez Kaliente y Explosión 2010

tinta textil y acrílico fosforescente sobre tela 130 X 150 cm.

En sus orígenes la humanidad fue

totémica. Los animales eran nuestros dioses creadores. Podíamos nacer del huevo de una serpiente, de la sangre de un ave, del diente de un dragón. Nos amamantaban los lobos, amábamos a las sirenas, hablá-bamos con bestias y monstruos.En la amazonía, ese territorio de la humanidad que nos recuerda su infancia, su historia, sus orígenes, la vida totémica, mítica, mágica es aún una realidad. El tabú de la civilización, de la razón, del cálculo, todavía no ha enmarañado ni destruido la relación entre hombres y animales, entre hombres y naturaleza. Todavía el sutil lazo de amor y respeto entre ambos no se ha roto ni disuelto.

santiago yahuarcani TOTEM SIN TABú

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Las mitologías

de los pueblos amazóni-cos están llenas de referencias a ani-

males ordinarios y extraordinarios que son a la vez nuestros padres y protectores. Muchos clanes nativos llevan nombres de animales o seres naturales. Y es que para el poblador amazónico cada especie animal, cada ser vivo tiene una personalidad, un alma, una identidad. Reflejarse en una bestia o en un ser o fenómeno de la naturaleza es un acto de amor y fidelidad al mundo que nos envuelve. El verdadero hombre amazónico no es un depredador, no puede serlo, estaría aten-tando contra su propia vida.

sanTiago Yahuarcani Akaiño (mujer sapo) Llera Eei (madre del Ampiri)

2010 esculturas de topa medidas variadas

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Santiago Yahuarcani nació en

Pucaurquillo, comunidad na-tiva en el corazón de la amazonía loretana. Pertenece al clan á+men+ y es el hijo de Martha López, na-rradora de mitos sobre el origen de seres, plantas, espíritus ý fenóme-nos de la amazonía. Este mundo mágico y realista a la vez, es el que alimenta la imagnación y el arte de Santiago Yahuarcani, pintor y escultor de Totems en la dúctil, ligera y hermosa made-ra de topa.

No es ne-cesario conocer la

mitología que hay detrás de cada personaje y escultura para disfrutar en un primer momento del arte de Santiago Yahuarcani. La expresividad de sus formas, a veces irregulares e impredecibles, siempre arriesgadas, de incisivo tallado y oscilantes entre los mons-truoso y lo sublime, entre el terror y la fascinación por lo desconocido, entre la admiración y la adoración, nos sobrecogen a simple vista. Ya profundizando podemos ir inves-tigando y descubriendo que cada uno de estos seres tiene una histo-ria tan maravillosa como la escultura que lo re-presenta.

Animales, madre de la lluvia,

eclipses, plantas y espíritus conviven en este universo repre-sentado por Santiago Yahuarcani. Son totems sin tabú, ya que el único respeto que nos exigen es el admirarlos por lo que son: reflejos de nuestros verdaderos rostros, de nuestras verdaderas almas, aque-llas que la civilización ha ocultado y que este arte revela y desentierra para nuestra liberación.

sanTiago Yahuarcani Usuma (abuelo) 2010

escultura de topa medidas variadas

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Lu.cu.ma. es una leyenda viva. Sin duda es el artista popular más reconocido de Iquitos. Su arte se ha expuesto en las galerías más importantes del Perú y ha viajado a bienales internacionales. Pero Lu.cu.ma sigue viviendo en los ex-tramuros del mundo. En perpetua guerra contra un mundo siem-pre en guerra, injusto, violento, cruel con los débiles, adulador con los poderosos. Su arte marginal refleja esa poderosa violencia de lo real, donde este planeta es sólo un infierno para los más pobres. La guerra, el hambre, la violencia es siempre más brutal con ellos. Pero es también en ellos donde palpita con más fuerza la esperan-za. El Mesías nace en sus hogares, juega en sus calles, se vuelve

guerrillero, militar, justiciero, muere asesinado, ametrallado, crucificado. La guerra

parece nunca acabar.

Lu.cu.ma ex presidiario.

Lu.cu.ma lunpen proletario. Abandonado por su padre. Crecido en un orfanato. Amigo de faites y drogos. Quien asesinó a su hermano a puñaladas. 24 años en distintas prisiones del Perú. 14 en libertad. Cree en la redención, que un criminal si puede cambiar, ir del puñal al pincel. Lu.cu.ma ha pasado de la delin-cuencia al arte, del crimen a la creación, del encierro a la libertad. La verdad lo hizo libre y ahora practica su arte en las calles, en las calles de Iquitos, las cuales han sido tatuadas por la marca de Lu.cu.ma. Carteles, paredes, publicidad. Sus pinceladas brutales, sus perspectivas feroces, sus colores encen-didos iluminan y acom-pañan la ciudad amazónica.

La Guerra de Lu.cu.ma es

la serie pictórica que ha iniciado sobre cascos de guerra. Cada casco es un microcosmos de los intere-ses políticos y estéticos de Lu.cu.ma. Puede ser sus ho-menajes a la música donde conviven Chacalon con Bee-thoven, Hendrix con Flor Pucarina, o sus visiones del Apocalipsis y el juicio final donde Fujimori, Montesinos y Alan García son visionados en el infierno, como sus cascos de homenaje a figu-ras revolucionarias como Túpac Amaru, Lenin y Marx.

Los ojos de Lu.cu.ma

arrojan ríos de san-gre. Sus visiones no son amables; son inquietantes, políticas, extremas. Los ríos de sangre que provocan las guerras, las hambrunas, las injusticias buscan su re-dención en este arte salvaje y comprometido. Lu.cu.ma nos abre la puerta del infierno de este mundo y a la vez nos muestra su fervor por la lucha, la utopía, la re-volución. Un halo de mesia-nismo rodean estos cascos, donde la realidad sangra y muestra su evidente cruel-dad. Lu.cu.ma es el verda-dero pintor de los margina-dos ya que el también es un marginado. Otra vez el Me-sías, el Cristo de los pobres, el Revolucionario vuelven a ser uno en su obra. Y es que la guerra de Lu.cu.ma es la guerra por otro mundo que quizás sólo pueda ser alumbrado por el fuego y la violencia del arte.

Lu.cu.ma de la serie La guerra 2010

esmalte sintético sobre cascos militares

medidas variadas

““ ““MI NOMBRE ES LUIS ORLANDO CUEVA

MANCHEGO, MÁS CONOCIDO EN LA

VIDA DEL HAMPA COMO EL LOCO CUEVA,

COMO DRÁCULA, COMO FRANKESTEIN

mi nombre es luis orlando cueva

manchego, más conocido en la

vida del hampa como el loco cueva,

como drácula, como frankestein

El viajero no sólo tiene

sombra; también, a veces, emana luz. O es capaz

de captar las luces que ema-nan los otros. Cuando se toma Ayahuasca, cuando se inicia ese viaje, lo primero que se ve son luces. Luces de todos los colores: fugaces, serpentean-tes, hipnóticas, reveladoras. Un halo de luces inunda todo el espacio y los cuerpos de las personas se convierten en esqueletos, en tejidos, en bos-ques de luz fluor, fosforescen-te, psicotrópica.A fines de los años 30 del siglo pasado el científico ruso

Semion Kirlian inventó

una cámara que era capaz de tomar el “aura” de las

personas. El descubrimiento de campos de energía y luz agregó un misterio más a la condición humana. A comienzos de este nuevo siglo Carlos Sánchez Giraldo busca redescubrir nuevamente esa aura, esa ex-periencia de luces, de energía que brota de todo cuerpo y que aquella cámara invisible que proyecta desde nuestro interior el Ayahuasca nos revela: todos somos luz, polvo de es-trellas, destellos fugaces.

carlos sÁnchezLAS LUCES DEL VIAJE

carlos sÁnchez

¿Cómo reproducir esa

sensación de viaje, del trip, de la psicodelia del

Ayahuasca? ¿Como redescubrir las luces que emanan los cuerpos en medio de la ciudad, del bullicio, de motores y ardores? Después de internarse en San Francisco (Yari-nacocha, Pucallpa) y hacer la toma y el viaje interior respectivo, Carlos viajó a Iquitos, ciudad que vive orgullosa de ser superficial, tropi-cal, sudorosa, pecadora, arrecha, arrebatada, alucinada. El viajero ha llegado a esta urbe que vive alegre-mente su exterior y busca las reve-laciones de la planta en el fondo de las luces láser y psicotrópicas de discotecas, bares, y night clubs.

Lo que se busca

ahora en este viaje que va del interior al exterior,

es la vibración de la ciudad, de sus luces, de su música, de su invasión poderosa que hace que los cuerpos iluminados por el deseo, el trance y la alucinación se junten, se entre-guen, se abran como flores carní-voras, sedientas, ansiosas de cada vez más placer y luz.

CarLos sáNChez GiraLdo Vibrar 2011

video HD 5 min.

Qui-zás ahí está

la clave de estas imá-genes grabadas en Iquitos.

La búsqueda insaciable del placer, del goce, del éxtasis puede parecer una experiencia frívola, exterior, hedonista, pero también puede ser un trance auténtico, una experien-cia interior, reflexiva, inquietante, una demostración de que en la amazonía el alma comienza en el cuerpo y el espíritu en la carne.Así que abramos los ojos a esta cámara viva, a esta experiencia mística a la vez que sensual, a este viaje que no diferencia la piel de la luz, el cuerpo del deseo, el amor del goce.

EL AYAHUASCA NOS REVELA: TODOS SOMOS LUZ, POLVO DE ESTRELLAS, DESTELLOS FUGACES

EL AyAhuAscA nos rEvELA: todos somos Luz, poLvo dE EstrELLAs, dEstELLos fugAcEs

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Harry Chávez es un místico de lo moderno. Sus imágenes religiosas, chamánicas y arque-típicas son construidas con los materiales más insospechados de la industria moderna. Sí en un primer momento fueron las cuentas de plástico, poco a poco Harry ha ido descubriendo más elementos de la cultura masiva y pop/ular y volviéndolos en el

material base de su siem-pre sorprendente

obra.

harry chÁvezLA VISIÓN Y LA TRANSPARENCIAharry chÁvez

Así Harry ha reelaborado el sticker multicolor, el cd, o el ploteo autoadhesivo que generalmente se usan sobre los vehículos para crear un arte que paradójicamente reflexio-na sobre las energías y las fuer-zas que vienen desde lo más profundo, milenario y mítico de la realidad.Como si fuera un monje zen, Ha-rry sonríe ante estas pequeñas paradojas de la realidad y el arte. Lo que parece ser una aporía o

una contradicción se resuelve en su obra en siempre

sorprendentes geome-

trías y com-posiciones que nos remiten ya sea a un mandala, una calavera o una bestia salvaje. No hay separa-ción entre lo sagrado, lo mítico, lo artístico o lo real. Y eso de alguna manera acerca al arte de Harry al verdadero arte popular ya que este no cree en esas distinciones. El verdadero barro-quismo popular es la asimilación de todos los reinos y órdenes de lo real en una sola visión, en una obra que no interesa si es arte o

no ya que todo es verdadera-mente arte si se hace

creativamente.

En el sistema del arte contemporáneo el concepto parece haber devorado a la forma, el presupuesto a la creatividad, y el discurso intelectualoide a la sensualidad y la sensibilidad. La obra de Harry Chávez rompe con los límites del conceptualismo y crea una obra que siempre arriesga a nivel de formas, de creatividad y sensorialidad. Su material de origen aparentemente trivial, mundano, sin

aura e industrial, se transforma siempre en un paso más allá y sus vi-

siones adquieren la transpa-

rencia de aquello que teníamos siempre frente a nuestros ojos pero que no nos habíamos atrevido a mirar de otra manera.La obra de Harry nos enseña constante-mente a mirar. Su mirada nos construye mundos y ultra mundos con los objetos más cotidianos, de alguna manera es un arte visionario, ya que nos enseña lo más importante de todo: que para soñar no sólo hay que cerrar los ojos, a veces, lo único que

hay que hacer es tenerlos bien abiertos.

harry Chávez Visiones del totem 2009

Perlas artificiales sobre mdf.

180 X 180 cm.

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¡Qué lindo es mi reino verde! cantaban los Wembler’s de

Iquitos en los años 70s. Ese sonido, esa promesa del sueño amazónico y la utopía verde ha quedado grabado en la memoria y las imágenes de Luis Sakiray, quizás el más niño, arrobado e inocente pintor de Iquitos. Las imágenes de Sakiray parecen venir de aquellos dibujos e historietas de los años 50s, las merrie melodies donde los animales convi-vían con los humanos en un mundo delirante y desbordan-te. Ese desborde de las imágenes infantiles están presentes en su pintura con sus delfines sonrientes, sus tigres rugien-tes, sus pollos sudorosos, sus lagartos, pelejos y motelos, con alguna expresión demasiado humana, luju-riosa, embelesada.

luis saKirayLA INOCENCIA Y EL EDÉNluis saKiray

Es el embeleso, el

ensueño, el aliento de la sensualidad del Edén

los que viven en la obra de Sakiray y lo que trasmite la amazonía en-tera. Ese mundo donde conviven animales con humanos además de sensual es también religioso, me-siánico. Nos remite a la profecía de Isaías (11:6-8) en la cual se anuncia un Paraíso donde “Morará el lobo con el cordero, y el leopardo con el cabrito se acostará; el becerro y el león y la bestia doméstica andarán juntos y un niño los pastoreará”Este paraíso, este edén, este reino verde de sueño y utopía viven en la obra de Sakiray, en su estallido de colores, en sus paisajes amazó-nicos, en sus mujeres siempre her-mosas, voluptuosas y generosas, capaces de encender el fuego del deseo en hombres y bestias por igual.

Luis Sakiray como

buen Iquiteño, pre-fiere la fantasía a la realidad,

la alegría a la tristeza, el placer al dolor. Su pintura es la celebración de ese lado de la vida donde no hay muerte, ni decadencia, ni des-dicha y por eso mismo su pintura es utópica, ya que la verdadera vida siempre está amenazada por las oscuridades, los golpes del destino y las injusticias del mundo. Sakiray, durante una conversaciòn exclamó:“Señor Christian, ¿sabe qué? ¡Las sirenas existen!, lo sé porque un señor que vió una me lo contó!”. Muy po-cos son los

que llegan a la adultez conservando

esa inocencia, esa candidez, esa peligrosa generosidad de tratar de ver el mundo siempre con los ojos de un niño. Pero el reino de los cielos, el paraí-so, el edén sólo será para quienes conserven sus ojos, su cora-zón y su alma siem-pre niños.

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aDriÁn portugalLA CÁMARA NÓMADAaDriÁn portugal

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A pesar de congelar el tiempo y el espacio, la fotografía puede ser también un viaje, un diario, una road movie, una película sin fin donde siem-pre se está en el camino. Simplificando podríamos decir que existen dos tipos de fotógrafos: aquellos que trabajan reve-lando instantáneas y aislando momentos y aquellos que trabajan acumulando na-rraciones y uniendo los instantes. Adrián

Portugal es de ambos fotógrafos, es un experto en la fotografía

instantánea,

solita-ria, es capaz de aislar el tiempo, el espacio y la historia para descubrir el instante único e irrepetible que es el que hace que una fotografía de este tipo funcione; pero Adrián es también un narrador de continui-dades, de historias, de viajes, su cámara es nómada pero no infiel, persigue el espacio en movimiento y fugaz, pero también la permanencia, el proceso, aquella imagen

que se encadena con la anterior por aquella gracia del azar, el desti-

no, o ambas a la vez.

Iquitos es una ciudad fas-cinante para el viajero, pero a diferencia del turista, el nómada no puede permanecer en un solo lugar, le inquieta la perma-nencia, la inmovilidad, la espera, necesita una salida a lo cotidiano, romper con las costumbres, continuar el viaje. La cámara de Adrián persigue esa inquietud nomadista, se desplaza al inicio por la ciudad pero no para describir lo evidente, sino para encontrar aque-llo que no puede ser explicado por las palabras, la razón o el folleto turístico. Así el rostro de la mucha-cha se encuentra con el cordero del muerto a orillas del río, la belleza del rostro femenino se asocia con la violencia del poder humano sobre lo animal, ambas fotografías nos hablan de una inocencia perdida, nos sugieren que debajo de la superficie hay un mundo

de deseo, poder y anhelos sangrantes.Lo que Adrián Portugal nos quiere

mostrar es una narrativa en apariencia

alea-toria, la causalidad se encuentra en el movimiento, en el cambio, en el contraste. Es una bitá-cora de viaje que comienza en la ciudad de Iquitos y termina en el poblado bora-huitoto de Pucaurquillo. Las imágenes rehuyen siempre el exotismo o el ero-tismo tropical, los textos, apuntes y anotaciones nos hablan de este viaje interior donde lo real es siempre inaprensible, lo único que nos queda son fantasmas, reflejos en el agua, fotografías, resplandores.De alguna manera la fotografía es una conjura contra el tiempo y la muerte, apela a aquella siempre inasi-ble eternidad del instante. En la edad media el filóso-fo Orígenes imaginó que el día del juicio final no resu-citarían los cuerpos sino las imágenes. La fotografía es así siempre una resurrección, una redención, un día

final donde viviremos para siempre tal como nos so-ñamos: imágenes que buscan un cuer-

po, un alma, una luz entre las sombras.

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LA CÁMARA DE ADRIÁN PERSIGUE ESA INqUIETUD NOMADISTA, SE DESPLAZA AL INICIO POR LA CIUDAD PERO NO PARA DESCRIBIR LO EVIDENTE SINO PARA ENCONTRAR AqUELLO qUE NO PUEDE SER EXPLICADO POR LAS PALABRAS, LA RAZÓN O EL FOLLETO TURíSTICO

La cámara de adrián persigue esa inquietud nomadista, se despLaza aL inicio por La ciudad pero no para describir Lo evidente sino para encontrar aqueLLo que no puede ser expLicado por Las paLabras, La razón o eL foLLeto turístico

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LA CÁMARA DE ADRIÁN PERSIGUE ESA INqUIETUD NOMADISTA, SE DESPLAZA AL INICIO POR LA CIUDAD PERO NO PARA DESCRIBIR LO EVIDENTE SINO PARA ENCONTRAR AqUELLO qUE NO PUEDE SER EXPLICADO POR LAS PALABRAS, LA RAZÓN O EL FOLLETO TURíSTICO

La cámara de adrián persigue esa inquietud nomadista, se despLaza aL inicio por La ciudad pero no para describir Lo evidente sino para encontrar aqueLLo que no puede ser expLicado por Las paLabras, La razón o eL foLLeto turístico

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De la exposición:

Christian BendayánCurador

Manuel Cornejo Carlos SánchezAlfredo VillarCoordinadores

William MacahuachiVíctor MurrietaAlanín ReynaMontaje

Del catálogo:

Christian Bendayán Alfredo VillarTextos

Christian BendayánAlfredo MárquezAdrián PortugalCarlos SánchezFotografías

Lala RebazaDiseño

CENTRO CULTURAL DE ESPAÑA

Febrero 2011

EMBAJADA DE ESPAÑA

Javier Sandomingo / Embajador de España

Beatriz La Rotcha / Consejera Cultural

CENTRO CULTURAL DE ESPAÑA

Dirección: Juan Sánchez

Asistente de Dirección: Carlos Lomparte

Coordinación de Programación: Jesús Morate / Auria Tay

Programación: Juana del Rosario / Nerea Hernández / Cristina Gómez-Zurdo

Prensa, comunicación y difusión: Miguel Bazán / Nicolás Reategui / Ignacio Lira

Comunicación on-line: Felipe del Águila

Administración: Miryam del Hierro / Odonacro Jaramillo / Luis Huahuasonco

Contabilidad: Pablo Dávila

Mantenimiento y apoyo técnico: Wilvert Mendoza

Sistemas de información: Iván Espichán

Biblioteca: Yolanda Prada

Videoteca: Javier Miyasato

Diseño gráfico: Ivette Cáceres

Limpieza (Serlimutsa)

Seguridad (G4S)

Centro Cultural de España

Calle Natalio Sánchez, 181-185

Santa Beatriz, Lima

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(511) 330 04 12