cátedra campos. fadu-uba medios expresivos...

catedra campos. Medios i. apuntes exaMen final 2016 I 1

ÍndiCe de apuntes de la CÁtedRa

1. BReVe HistoRia soBRe de la fotoGRafÍa

2. la fotoGRafÍa: apunte tÉCniCo/expResiVo

3. tÉCniCas de aniMaCiÓn

4. peQueÑo GlosaRio foto-CineMatoGRÁfiCo

cátedra campos. FadU-UBamedios expresivos I

textos obligatorios para exámen 2016

fecha: viernes 16 de diciembre 2016, 9 hs.


BReVe HistoRia soBRe de la fotoGRafÍaapuntes de la CÁtedRa

La fotografía como capacidad técnica de “documentar la realidad en forma de imagen” surge a principios del siglo XIX1, etapa histórica que se ve envuelta por el contexto de una revolución industrial de enorme magnitud, que no solo desarrolla modificaciones tecnológicas sino también culturales. Nuevos conocimientos sobre neumática, electricidad, mecánica, óptica y química entre otros, traen aparejados inventos que modificarían la conducta y costumbres de las personas, es el caso de la química puntualmente, la que se relacionará con los primeros procesos utilizados para obtener una imagen generada por la luz sobre una superficie bidimensional, proceso que tan comúnmente utilizamos hoy bajo el nombre de fotografía2.

en términos conceptuales la fotografía cuenta con varios antecedentes:

• la cámara obscura3, proceso utilizado desde el siglo XVII para “copiar” de la manera más fiel posible la realidad sobre un papel o un lienzo; ver con seguridad los eclipses de sol, ya que permitían observarlos sin mirar directamente al sol; u observar lo que otros hacían sin ser visto. todas situaciones basadas en un mecanismo de espejos y lentes, y un espacio oscurecido en el que se puede observar con relativa precisión una reproducción lumínica de lo que ocurre afuera. •la heliografía, proceso rústico mediante el cual se realizaban copias de dibujos utilizando la luz solar para marcar los contornos de una figura y de esta forma poder replicarla. •podemos considerar algunos tipos de grabado en los que se utilizaba un objeto real (ej. un pescado) cubierto de tinta para generar una copia del mismo sobre papel, presionando la superficie del objeto en cuestión sobre el papel hasta que la tinta impregne la forma, de este modo la figura en papel mantendrá exactas proporciones que la real.

1. Sin embargo, más que la demanda de imágenes reproducibles, la sociedad de la segunda mitad del XIX exigía un medio de representación fiel porque la pintura en su momento se identificaba también con la visión creativa del pintor. Así que, fotógrafos pioneros como Daguerre, Octavius Hill, Stelzner, Nadar, entre otros, fueron antes pintores o dibujantes, que dejaron el pincel para sustituirlo por la fotografía, ya que esta prometía beneficios de representación detallada y verosímil, de lo que la pintura no tendría la capacidad de reproducción exacta y precisa. 2. La palabra fue utilizada inicialmente por John Herschel en 1839, neologismo basado en el griego “photos”, luz, y graphein, “dibujo”. Pasó al francés y se convirtió en photographie, término inmediatamente adaptado por los demás idiomas (SOUGEZ, Marie-Loup / PÉREZ GALLARDO, Helena [2003]: Diccionario de historia de la fotografía. Madrid: Ediciones Cátedra (Grupo Anaya S.A.).)3. También denominada pinhole o cámara estenopeica (del griego στένω/steno estrecho, ὀπή/ope abertura, agujero).

Reconstrucción de una cámara oscura

Aparato óptico a manera de caja cerrada con un orificio en una de sus paredes a través del cual pasan los rayos luminosos, que forman una imagen invertida de los objetos exteriores sobre la pared opuesta.

Existen testimonios anteriores basados en la observación de los fenómenos y efectos de la luz producidos por la cámara oscura, ejemplo de ello es el de Aristóteles, filósofo griego que vivió en Atenas entre 384 y 322 a.C, quien afirmaba que si se practicaba un pequeño orificio sobre la pared de una habitación oscura, un haz luminoso dibujaría sobre la pared opuesta la imagen invertida del exterior.

La primera descripción completa e ilustrada sobre el funcionamiento de la cámara oscura, aparece en los manuscritos de Leonardo da Vinci (1.452-1.519). Impulsó el desarrollo de la cámara oscura utilizándola para profundizar en el funcionamiento de la visión y de la luz. Fue Leonardo el primero en añadir una lente al orificio por donde entra la luz, con el fin de obtener imágenes más nítidas.

Grabado que representa la cámara oscura “transportable” diseñada y descrita por Athanasius Kircher en su obra, “Ars Magna Lucis et

Umbrae” 1646. Biblioteca Nacional de Paris.


surgen de estos tres antecedentes algunos pilares de la fotografía, la importancia de la luz, y de la oscuridad, la necesidad de artilugios ópticos y químicos, y la necesidad de que el objeto a ser fotografíado “exista” o bien sea posible verificarlo visualmente, este último punto es el que le da a la fotografía, al menos en sus inicios, el valor de documento irrefutable.

Formalmente Joseph Niépce (1765-1833) -recien en 1788 adoptará el seudónimo de Nicéphore en sus cartas-, realizará sus primeras experiencias, disponiendo en el fondo de una cámara oscura, hojas de papel emulsionadas con sales de plata, las que se ennegrecen bajo la acción de la luz. obtiene así, en mayo de 1816, la primera reproducción de una imagen de la naturaleza, una toma hecha desde su ventana. se trata de un negativo, pero la imagen no permanecerá fijada, porque en plena luz, el papel termina por ennegrecerse completamente. Llama a estas imágenes « rétines ».

entre 1816 -1818, se lanza a la búsqueda de la fijación de imágenes proyectadas en el interior de la cámara oscura y sufre sus primeros reveses. recien en 1824 obtendrá «distintas tomas con la cámara oscura4» sobre piedras litográficas. tomándo 5 días como tiempo de exposición para cada toma.

Las primeras imágenes positivas directas las logró utilizando placas de peltre (aleación de zinc, estaño y plomo) recubiertas de betún de Judea y fijadas con aceite de lavanda. así fue como tres años después, en 1827, Niépce toma la primer imagen considerada como “fotográfica”, cuando luego de unas 8 horas de exposición a la luz, sobre una lámina de estaño no grabado preparada por él mismo, obtiene una fiel imagen del paisaje que se observaba desde la ventana de su laboratorio. a este procedimiento le llamó Heliografía5. aun así, no consiguió un método para invertir las imágenes, y prefirió comenzar a investigar un sistema con que obtener positivos directos.

La cour du domaine du Gras / Vista desde la Ventana en Le Gras,primera imagen fotográfica obtenida por Niépce y considera la primera

fotografía permanente de la historia.

Imagen: La mesa servida (naturaleza muerta) 1823-1825 según A. Davanne y Eugène Niépce, nieto de N. Niépce. 1832 según J.L. Marigner.Tipo : Naturaleza Muerta en la cámara oscura.Soporte: VidrioTécnica: Fisautotipo (Según JL. Marignier)Esta placa a desaparecido de las colecciones de SFP a principios del siglo XX.

Imagen: Paisaje en St Loup de Varennes (1827)Tipo: Toma directa del paisSoporte: Estaño puro.Técnica: Heliografía al betún positiva/negativa, no grabada.Dimensiones: Placa 16,2 x 20,2

Retrato de Nicéphore Niépce joven

Reconstitución de una «Rétine» al cloruro de plata

4. En el siglo XIX se generalizó la construcción de cámaras oscuras, y como anécdota, se sabe que, Niepce compró una con lente de menisco en la óptica que los ingenieros Chevalier tenían en París.5. Niépce dejó constancia escrita de su descubrimiento en el texto La notice heliographique, escrito en 1829.


también tropezó con el problema de las larguísimas exposiciones que necesitaba (varias horas) ya que el sol al moverse dificultaba el modelado de los objetos.

asociados Niépce y daguerre, al fallecer el primero éste introduce mejoras en el invento, tomando el protagonismo con el daguerrotipo, especialmente al utilizar el yoduro de plata, al descubrir la acción del vapor de mercurio y el uso de la sal común sobre solución caliente de yoduro. difundido oficialmente en 1839, en la academia de ciencias de paris.El daguerrotipo Boulevard du Temple, con una exposición de cerca de 10’, está considerada la primera fotografía en la que aparece la silueta de una persona: un cliente de un limpiabotas, en el ángulo inferior izquierdo, ampliando la vista.durante los años siguientes el proceso fotográfico se fue perfeccionando y la calidad de las imágenes obtenidas mejoró drásticamente, a continuación una serie de personajes históricos y eventos que moldearon algunos de los cambios.

Retrato de Louis Jacques Mandé Daguerre (1787-1851) y Daguerrotipo

París, Boulevard du Temple, en abril o mayo de 1838, por DaguerreCopia poR neGatiVoWilliam Henry Fox talbot (1800-1877, arqueólogo, químico y lingüista inglés), inventa y patenta en 1841 lo que hoy conocemos como “negativo fotográfico”, proceso que recibirá el nombre de “calotipo o talbotipo6”. esta técnica brindará una nueva y determinante capacidad a la fotografía: el poder generar gran cantidad de copias desde un mismo original.

instantÁnea / snapsHotcon el avance de la calidad de los componentes químicos de la película fotográfica mejoró la sensibilidad a la luz, lo que hizo posible tomar una imagen en menos de 1/10 de segundo. esto posiblilitó, por un lado, generar retratos instantáneos tanto de personas (algo que hasta ese momento era impensado, tomar una foto sin el consentimiento del fotografiado) como de paisajes; y por otro, capturar el movimiento, demasiado rápido para ser visto por el ojo humano. esta nueva técnica se la denomió “snapshot”, término acuñado por sir John Hershel7 (1792-1871) quien además anticipó el desarrollo de la película en rollo, treinta años antes de que se fabricara.

6. El papel sensibilizado con nitrato de plata y ácido gálico, después de ser expuesto a la luz, era revelado con nitrato de plata y ácido gálico y fijado con hiposulfito. El negativo de papel servía para positivar por contacto en un papel idéntico por ennegrecimiento directo.7. Herschel fue uno de los pioneros de la fotografía, gracias a su descubrimiento que las sales de plata, que son insolubles en casi todos los solventes, se disuelven en hiposulfito de sodio, lo que permite su uso para fijar imágenes; Herschel también fue el primero en imprimir fotografías en placas de vidrio cubiertas con emulsión de plata, e inventó en 1839 (al mismo tiempo que Fox Talbot, pero independientemente de él) el papel fotográfico.

Negativo y positivo del proceso de Talbot

Two women, looking down from a window in Boston (?) (Atribuido a David E. JAmes C.1855). Esta imagen ha sido descripta como el primer snapshot fotográfico. Puesto que, aparentemente, ambas mujeres no intuyen que la cámara las está capturando.


Frank Haas (1833-1916), fotógrafo inglés famoso por sus imágenes estereoscopicas8 de los animales del Zoológico de Londres ya en la década de 1860, trabajó creativamente en cansar a los animales antes de que pudiera fotografiarlos, e incluso se centró en fotografiar animales de movimiento lento (ej. tortugas, perezosos).

Las primeras fotografías instantáneas fueron herramientas muy importantes para pintores figurativos y escultores que, antes de los estudios de muybridge y marey, usaban modelos vivos para ciertos propósitos.

en 1872 se produjo un importante punto de inflexión, cuando eadweard muybridge9 (1830-1904), famoso por sus estudios acerca del movimiento, entró en contacto con Leland stanford, un ex gobernador de california, que poseía gran cantidad de caballos de carrera. se dice que éste apostó a un amigo que cuando un caballo galopa, en un momento determinado las cuatro patas dejan el suelo al mismo tiempo. stanford financia entonces la investigación de muybridge con el fin de entender la forma en que un caballo galopa y corroborar esta supuesta “apuesta”.La pregunta finalmente fue respondida en junio de 1878. Las imágenes y el interés que creó resultó en el continuo respaldo económico de stanford a las investigaciones de muybridge, hasta 1882.

La obra más famosa de muybridge, Animal Locomotion (1887), fue un compendio de su producción fotográfica que contenía 781 placas incluyendo miles de exposiciones individuales. esta recopilación de trabajos resultó muy popular entre el público en general y artistas por igual, dándole popularidad en europa y américa del Norte lo que permitió a muybridge construir una próspera carrera dando conferencias sobre su trabajo.Animal Locomotion se convirtió en una referencia importante para los artistas interesados en el cuerpo humano, desde el escultor auguste rodin hasta el artista conceptual y performático del siglo XX dan Graham.

8. Aparato óptico en el que, mirando con ambos ojos, se ven dos imágenes de un objeto que, por estar obtenidas desde puntos diferentes, al fundirse en una, producen una sensación de relieve.9. Considerado el padre de la fotografía en movimiento, su verdadero nombre era Edward James Muggeridge.

Eadweard Muybridge, The Horse in Motion: “Sally Gardner”, 1878, Iris & B. Gerald Cantor. Center for Visual Arts at Stanford University.

A. Taupin - Milking a Cow (from Nature), c. 1860

Algunas de los trabajos de Muybridge en Animal Locomotion, Plate 190 y 712 respectivamente


Los avances tecnológicos permitieron una velocidad de obturación lo suficientemente rápida como para congelar la acción, aislando y exponiendo detalles de movimiento que nunca antes habían sido visibles.estas fotos instantáneas, con su aparente congelación de tiempo y espacio, son el antepasado directo del snapshot, que es posiblemente el tipo más común de imagen producida y consumida hoy en día. el snapshot mostró lo que el ojo humano no podía ver, etapas separadas en el zancado de un caballo en movimiento, la trayectoria de una bola que rebotaba, o las piernas de un hombre saltando. esta diferencia entre lo que el ojo vio y lo que vio la cámara, provocado por la fotografía instantánea, es un momento fundante que afectó la manera en que los humanos vemos el mundo y a nosotros mismos dentro de él.con la introducción de la primera cámara Kodak en 1888, cuyo slogan era “Usted presione el botón, nosotros hacemos el resto”, la palabra “snapshot” y “fotografía”, se volvieron sinonimos. a partir de la década de 1960, algunos fotógrafos de bellas artes adoptaron una estética que imitaba las características visuales comunes de la instantánea.

iMaGen a ColoR

en su intento de reflejar la realidad cuanto más parecida posible como la percibe el ser humano, científicos e inventores trabajaban en técnicas para añadir color a las imágenes fotográficas, dentro de ese ávido grupo se encontraba el físico británico James clerk maxwell (1831-1879). Éste crea un proceso de filtros de color mediante el cual divide los tonos en 3 capas (red, green, blue) y así obtiene la que se considera la primera fotografía color de la historia.

“después de un conjunto de experiencias realizadas llegó a la conclusión de que el ojo humano es capaz de apreciar con gran precisión la semejanza de colores, que la apreciación se debe a una causa que reside en el ojo del observador y no a la verdadera identidad de los colores y que la ley de visión de los colores es, dentro de un cierto grado de aproximación, idéntica para todos los ojos normales. maxwell demostró que, prácticamente, todo color puede obtenerse por la combinación de otros tres colores, que pueden, pues, ser aceptados como primarios. adoptó como colores primarios ciertas longitudes de onda, la región del espectro correspondiente al rojo, al verde y al azul-violeta”10. así fue que en 1861 realizó la primera imagen a color realizada fotográficamente usando una cucarda como modelo (tartan rosette). propuso combinar tres tomas separadas en blanco y negro de una misma cucarda tamizadas por tres filtros de color: rojo, verde y azul-violeta. tras revelar las tres fotografías, las imágenes fueron trasladadas a cristales y proyectadas con tres proyectores coincidentes (cada uno equipado

Retrato de Eadweard Muybridgepor Carleton Watkins, 1867

Cucarda con filtros de color rojo, verde y azul-violeta.

Cucarda fotografiada por Thomas Sutton a pedido de James Clerk Maxwell en 1861. Esta considerada como la primera fotografía en color

permanente, fue realizada con tres negativos obtenidos con filtros de color azul-violeta, rojo y verde.

10. Cánovas Picón, Francisco: “James Clerk Maxwell. Historia de la Física” Universidad de Murcia.

con el mismo filtro de color original), sobre una pantalla en un cuarto oscuro al ser superpuestas en la pantalla, las tres imágenes formaban una imagen en color.


La fotografía en color tomando tres placas separadas fue utilizada por otros pioneros como el ruso sergey prokudin-Gorsky (1863-1944), conocido por sus fotografías de retratos. entre 1909 y 1915 realizó viajes por once de las regiones del entonces gigantesco y ecléctico Imperio ruso, donde capturó centenares de imágenes de la vida cotidiana, escenas agrícolas e industiales.

esta producción de imágenes en color con tres filtros de color (rGB) se utiliza hoy en día en las cámaras digitales, la televisión, computadoras y celulares.

Fotografía de Mohammed Alim Khan (1880-1944), Emir de Bukhara, tomada en 1911 por Sergei Mikhailovich Prokudin-Gorskii usando tres exposiciones con filtros

azules, verdes, y rojos.

Pareja Armenia (1909)

esteReosCopia

aparejados con desarrollos astronómicos y de exploración topográfica se desarrolla la fotografía estereoscópica, que permite ver las imágenes de manera “inmersiva”, este proceso es el bisabuelo del “3d” y también se obtiene con una cámara de doble lente.

procedimiento técnico de la fotografía estereoscópica 11

consiste, en esencia, en reproducir los mecanismos de la visión binocular humana, bien conocidos ya desde la antigüedad y especialmente a partir del renacimiento, que permiten obtener una percepción tridimensional de nuestro entorno. para dicha percepción en relieve y en profundidad, el ser humano visualiza imágenes ligeramente diferentes a través de cada una de sus retinas, en razón de su distancia interocular, de aproximadamente 6,5 cm. ambas imágenes se sintetizan en el cerebro componiendo una imagen única

y tridimensional mediante el fenómeno físico conocido como “persistencia retiniana”, que formulara el belga J.a.F. plateau en 1829 y que consiste básicamente en la continuidad o memoria de la percepción registradapor la retina después de cesar el estímulo que la ha provocado (por un tiempo de 0,1 segundos, aprox.). dicho fenómeno de la persistencia retiniana será la base de la ilusión de tridimensionalidad que proporciona la fotografía estereoscópica, pero también de la ilusión de movimiento a partir de la visualización, sin solución de continuidad, de una sucesión de imágenes fijas o fotogramas, que culminará en el cinematógrafo.

en 1838, un año antes de la presentación pública del daguerrotipo, el físico sir charles Wheastone (1802-1875) presentó ante la real sociedad de Londres el estereoscopio o “estereóscopo”, un artilugio todavía de carácter experimental y de difícil comercialización, que permitía mediante la reflexión especular la percepción de tridimensionalidad a partir de unos dibujos geométricos, para posteriormente utilizar fotografías (calotipos). pero será a sir david Brewster

Dos hombre tiñendo ropa

11. Hernández Latas, José Antonio: “Instantaneidad y estereoscopía: el viaje fotográfico a través de España de la compañía parisina J. Lévy et Cie, a finales del siglo XIX” Universidad de Zaragoza.


(1781-1868) a quien debamos la realización de los primeros daguerrotipos estereoscópicos, mediante el ingenioso y sencillo procedimiento consistente en tomar dos imágenes sucesivas, con una cámara de un único objetivo, deslizándola sobre una guía marcada con la distancia interocular. poco tiempo después, en 1849, el propio Brewster diseñó una cámara binocular o de doble objetivo, para daguerrotipos. Y para su posterior visualización, ideó y patentó un estereoscopio mucho más práctico y manejable que el de Wheastone, conocido con el nombre de marca de su creador, “estereoscopio Brewster” (FIG. a), que hará fortuna especialmente a partir de su presentación pública en la exposición Universal de Londres de 1851.

Uno de los precursores que utilizará el método estereoscópico fue el británico charles piazzi smyth (1819-1900) quien documentará fotográficamente sus periplos por “egipto y Nubia” y “tenerife” donde realizará, entre junio y julio de 1856, un exhaustivo experimento para determinar hasta qué punto las observaciones astronómicas pueden ser mejoradas, eliminando la parte inferior de la atmósfera. para este propósito, fueron transportados en yate a tenerife un gran telescopio ecuatorial y otros aparatos. con la aprobación de las autoridades españolas, los instrumentos fueron transportados por los costados volcánicos de la montaña, a 8900 y 10,700 pies de altura. el libro Tenerife: Un experimento de un astrónomo, o Especialidades de una residencia sobre las nubes, publicado en 1858, da cuenta de estos dos meses de observación, en sus 450 páginas con 20 fotos estereoscópicas. Éste es quizás, el primero libro, en ser ilustrado con estero-fotografías.

Imagen esteroscópica obtenida por Piazzi Smyth en Tenerife

Smyth, C. Piazzi: Teneriffe, an astronomer’s experiment : or, Specialities of a residence above the clouds (Tenerife: Un experimento de un astrónomo, o

Especialidades de una residencia sobre las nubes) publicado por Westleys & Co., en 1858.

(FIG. a) Estereoscopio Brewster , 1849


INTERESTING NOVELTY.In One Volume, 450 pages, 20 Photo- Stereographs, price 21s.,

“El interés particular de este trabajo radica en el hecho de que proporciona el primer ejemplo de la aplicación del principio del estereoscopio a la ilustración de libros. Un pequeño estereoscopio plegable, llamado el Libro-Estereoscopio, acompaña el volumen, y puede estar parado junto a él en la estantería, no ocupando más espacio que un folleto. Cuando se abre para su uso, el Sterereoscope de libro es extremadamente ligero, y puede, con la más perfecta facilidad y comodidad a la persona que lo utiliza, aplicarse sobre el par de fotografías estereoscópicas que forman cada ilustración. Hay veinte de tales ilustraciones, que costarían más que el precio del trabajo que las contiene, si se venden en la manera ordinaria como diapositivas estereoscópicas. (...) Casi todas las imágenes han sido tomadas en alturas de siete a doce mil pies sobre el nivel del mar, y en la planta baja se nos muestra un árbol de dragón, un jardín de cactus, recolectores de cochinillas trabajando y otras escenas nunca antes realizadas de esta manera a los ojos de Inglaterra. Los resultados científicos de la expedición han sido comunicados a la Royal Society. Los detalles interesantes para el público -y el profesor Piazzi Smyth no es en absoluto un charlatán en la ciencia- aparecen en el volumen que nos ocupa y merecen una cordial bienvenida”.

The Book, price 21s., and the Stereoscope, price 3s. 6d., may be ordered of any Bookseller, either separately or together.

Imágenes estereoscópicas obtenidas por Piazzi Smyth en Tenerife

desde estos primeros tiempos de la fotografía estereoscópica y hasta nuestros días, se conta-bilizan en centenares las patentes de visores estereoscópicos, así como de cámaras fotográficas estereoscópicas comercializadas.

Visor estereoscópico de Holmes & Bates

entre los primeros debemos citar el modelo de estereoscopio patentado por “Holmes & Bates” hacia 1870, que con mínimas variantes fue sin duda el visor estereoscópico más imitado y comercializado hasta bien entrado el siglo XX.


RetoQue Y tRuCaJefotoGRÁfiCo pRiMitiVocomo parientes ancestrales del photoshop y herramientas similares de la actualidad, durante el siglo XIX los fotógrafos y químicos aplicaban sus conocimientos técnicos para “alterar” las imágenes que capturaban, uno de los más notables es Gustave Le Gray. Le Gray (1820-1884) comenzó siendo retratista pero no contento con los resultados tanto técnicos como comerciales, abandona el género para dedicarse a partir de 1847 a la experimentación de otro: la fotografía de paisaje o de viaje.

a pesar de alcanzar gran éxito con sus paisajes marinos, no se econtraba satisfecho con la forma en la que se veía el cielo en sus fotografías, y cuando lograba que el cielo se viera bien, no obtenía buena definición ni del mar ni de los barcos que se posaban en él, por lo que decidió comenzar a “montar” las imágenes de cielos y mares de diferentes capturas fotográficas. Lo que obtuvo fueron sorprendentes vistas del mar con un acento lumínico extraño pero fascinante. La gran ola, el más dramático de sus paisajes marinos, combina su dominio técnico con grandeza expresiva. tomó la vista sobre la costa mediterránea cerca de montpellier. en el horizonte, las nubes se cortan donde se encuentran con el mar. esto indica la unión entre dos negativos separados. La combinación de dos negativos le permitió a Le Gray lograr el equilibrio tonal entre el mar y el cielo en la impresión final, dando un sentido más creible de cómo el ojo, en lugar de la cámara, percibe la naturaleza.

Fue uno de los primeros pintores franceses en reconocer los potenciales estéticos del calotipo. este proceso implicó el uso de papel para el negativo,

Gustave Le Gray, “The Brig” (La fragata), 1856. Legado por Chauncey Hare Townshend © Victoria and Albert Museum, Londres

Gustave Le Gray, “The Great Wave” (La gran ola), 1857. Legado por Chauncey Hare Townshend © Victoria and Albert Museum, Londres

Gustave Le Gray, “Lighthouse and Jetty” (Faro y embarcadero) Le Havre, Normandia, 1856-1857. Legado por Chauncey Hare Townshend

© Victoria and Albert Museum, Londres

que más tarde se enceraría en su parte trasera. como alternativa a las placas de vidrio usadas en el proceso de colodión húmedo12, el negativo de papel cera seco era más práctico para los viajeros, ya que se podía preparar con días de antelación y utilizarlo tiempo después de realizada la tomada. también permitió coloraciones diferentes y un resultado más estéticamente agradable que el vidrio negativo. profesor influyente y talentoso calotipista, Le Gray formó a varios de los fotógrafos más importantes de la época, como o. aguado, m. du camp y H. Le secq. todos ellos promovieron la fotografía como un medio de expresión artística más que como un simple registro de la realidad, propio de un enfoque científico.

12. Colodión: especie de barniz que se vierte líquido a las placas. Colodión húmedo: Procedimiento fotográfico creado por Gustave Le Gray, en 1851, con el cual consigue una imagen a partir de revelar con sulfato de protóxido de hierro.


par de exposición

Uno de los componentes básicos de la cámara tradicional réflex es su objetivo o lente fotográfico. el mismo contiene una abertura de diafragma o iris para contralar la intensidad de la luz y un obturador que permite determinar el tiempo de exposición que tendrá una película sensible. exponer la película, es someterla a una determinada cantidad de luz, de acuerdo a la escena que deseamos fotografiar.el control de la exposición se logra mediante el manejo de estas dos herramientas: el diafragma y el obturador. en ambos casos hablamos de un juego de laminillas que se abren y se cierran para dejar pasar mas o menos luz por el objetivo. en el caso del diafragma, es un sistema de láminas que se cierran dentro del lente de forma concéntrica. Y en el caso del obturador, es una cortina colocada en el cuerpo de la cámara que se desplazan a lo largo del área de la imagen dejando un vacío entre ellas para la exposición de la película.

la fotoGRafÍa: apunte tÉCniCo/expResiVoapuntes de la CÁtedRa

UBICACIÓN DEL OBTURADOR

DENTRO DEL CUERPO DE LA CAMARA

UBICACIÓNDEL DIAFRAGMA

DENTRO DEL OBJETIVO

ABERTURA DE DIAFRAGMA O IRIS


La escala de números de diafragma (o números f) varia según el lente que utilices. existen lentes luminosos de escala inicial f1 a f44 de diafragma.

La mayor apertura de diafragma esta dada por los números mas chicos (f1, f1.4, f2) y es en estos casos donde permite pasar mayor cantidad de luz hacia la película fotosensible. La menor apertura de diafragma esta dada por los números mas grandes (f22, f32, f44) y es en estos casos donde pasa menor cantidad de luz por el lente.

La escala de velocidades de obturación varia desde el bulbo hasta los V1000. aquí los números menores representan las velocidades de obturación mas lentas y son los que proporcionan mayor cantidad de tiempo de exposición a la luz que imprime sobre la película. Y en el caso de los números mayores representan las velocidades de obturación mas rápidas y, por ende, las que proporcionan menor cantidad de luz al material fotosensible.en el caso de la velocidad bulbo es uno mismo quien manualmente establece cuando la película comienza y termina de exponerse. (en ambos casos es el fotógrafo quien abre el obturador y lo vuelve a cerrar).

ambas herramientas controlan las cantidades de luz yen conjunto determinan la exposición correcta, que será un par diafragma/velocidad que permitirá que llegue a la película la cantidad apropiada de luz para registrar correctamente la imagen.


si la película recibe menos luz de la necesaria, se obtendrá una imagen sub expuesta, y si recibe demasiada luz, la imagen quedará sobre expuesta.

- luz = sub expuesta+ luz = sobre expuesta

CINDY SHERMAN(Ejemplo de sub

exposición)

PHILIP LORCA DI CORCIA(Ejemplo de sub exposición)

DUANE MICHALS(Ejemplo de sobre exposición)


existe la posibilidad de combinar de diferentes maneras la velocidad y el número f, manteniendo la misma exposición. para lograr esto, es necesario compensar cada cambio en la escala de diafragmas con un cambio equivalente en la escala de velocidades.

125 ► 60

f5.6 ► f8

por ejemplo, si la exposición correcta es 125 / f 5.6 y cerramos un punto en la escala de diafragmas, yendo de f 5.6 a f 8, entonces debemos compensar la exposición abriendo un punto en la escala de velocidades, es decir, colocando una velocidad más lenta: 60 en lugar de 125.

los siguientes son pares equivalentes o recíprocos:

si partiéramos del par 125 / f11, y moviéramos sólo una de las variables sin compensar con la otra, la exposición variaría:

125 / 8 es un par que deja pasar mayor cantidad de luz que 125 / f11, sería una SOBRE exposición.250 / 11 es un par que deja pasar menor cantidad de luz que 125 / f11, sería una SUB exposición.

la posibilidad de utilizar las diferentes herramientas para exponer una imagen le brindan a cada fotógrafo, la posibilidad de alcanzar una determinada impronta estética en su fotografía.

el contraste es una de ellas, éste le otorga a la imagen un carácter diferente. el contraste refiere a la cantidad de pasos intermedios que existen entre los blancos y los negros puros. a mayor cantidad de tonos de gris entre los blancos y los negros, se dice que la imagen tiene menor contraste, y a menor cantidad que su contraste es mayor.

CINDY SHERMAN(Ejemplo de Alto Contraste)

HIROSHI SUGIMOTO(Ejemplo Bajo Contraste)

ContRaste i


La posibilidad de utilizar diferentes velocidades de obturación, nos permite dar a la imagen distintas apariencias. si utilizamos altas velocidades de obturación (ej. 250 o más) logramos detener el movimiento y la imagen será más definida. si en cambio usamos bajas velocidades de obturación, la imagen aparecerá movida, dando una apariencia borrosa y creando la sensación de movimiento.

JEFF WALL(Ejemplo de Velocidad de Obturación alta)

HIROSHI SUGIMOTO(Ejemplo de Velocidad de Obturación baja)

es la zona capturada por el lente fotográfico en donde la imagen se encuentra nítida. todos los objetos que se encuentren dentro de esa misma zona también aparecerán en foco.técnicamente es el punto focal del eje óptico, situado en el plano focal, donde se reunen los rayos de luz cuando el objetivo está enfocado al infinito.

VeloCidad i

foCo i

NADAR [Gaspard-Félix Tournachon](Ejemplo de personaje en foco y fondo sin nitidez)

es la zona de la escena que aparece con nitidez, por adelante y por detrás del elemento en foco, sea un sujeto o un objeto.La lectura de la profundidad de campo de una imagen se mide desde la distancia mínima de enfoque de la cámara (usualmente cercana a los 15 cm), hasta el infinito (representado por el símbolo ∞), en ese ámbito, a partir de ajustes manuales en la lente de nuestra cámara podemos controlar y variar la zona nítida de nuestra foto, breve, precisa y definida sobre un objeto o personaje, o amplia y abarcativa de un paisaje completo y todos sus elementos.

Una imagen con profundidad de campo amplia donde no se observa desenfoque alguno, es aquella donde los objetos registrados por la cámara se perciben con nitidez y definidos, “en foco”, a un extenso rango de distancias de la lente. tomando como referencia las fotografías de ansel adams, vemos como los objetos cercanos en la imágen se perciben definidos, así como los que están muy alejados también se ven nítidos.

ipRofundidadde CaMpo


ANSEL ADAMS (1902–1984)Mount Williamson: Clearing Storm, 1944 ©Getty

Church and Abandoned Automobile Tiburon, California, 1957 ©Ansel Adams

Ejemplos de imágenes de

Profundidad de Campo amplia,

en foco

Ejemplos de imágenes de

Profundidad de Campo corta, fuera de foco

ANDREAS GURSKY (1955)Paris Montparnasse, 1993

EDWARD BURTYNSKY (1955)Manufacturing #17, Deda Chicken Processing Plant, Dehui City, Jilin

Province, China, 2005.

ADAMSProfundidad de

Campo amplia por captura analógica

GURSKYProfundidad de

Campo amplia porretoque digital

BURTYNSKYProfundidad de

Campo corta, porretoque digital

en las fotografías de david Levinthal se observa un efecto contrario, es decir, gran parte de la imagen se encuentra borrosa, “desenfocada”, sólo los objetos a una distancia específica de la cámara se ven definidos. por ejemplo, a 50 cm de la lente se ven en foco, alejándonos o acercándonos hacia la lente desde ese punto los objetos se perciben poco definidos o borrosos, “fuera de foco”.


encuadrar exige una deliberación: recortar y organizar los objetos de la realidad dotándolos de un sentido y un orden de predominio. Implica a su vez, limitar a uno o varios objetos dentro de los límites del cuadro.Quien compone organiza dentro de la imagen los elementos internos otorgándole un orden visual. para ello, es preciso tener en cuenta que los elementos ubicados en el centro del cuadro determinan que el ojo que perciba se dirija directo a su expectación. o bien, ubicando objetos en ambos lados del cuadro permitirá que haya un equilibrio en la composición y el ojo recorra todo el encuadre con detenimiento de izquierda a derecha.

La posición de cámara que utiliza el fotógrafo al capturar una imagen es determinante para dotar de sentido a la imagen. existen cinco posiciones básicas: picada, contra picada, normal, cenital y supina.

Las posiciones de cámara picada y contrapicada generan tensión entre las líneas dentro del encuadre dotando de mayor carácter a la imagen.

enCuadRe i

mientras era un estudiante de posgrado en la década de 1970 en la Universidad de Yale, el fotógrafo estadounidense david Levinthal (1949) rechazó la fotografía de estilo documental de la década precedente para trabajar la historia y la cultura de manera más lúdica y sintética. descubre así el potencial de un objeto peculiar: los juguetes.capturados a partir de primeros planos o en profundidad de campo, los simples juguetes cobrarán, según su encuadre, su verdadera dimensión semántica. esta preferencia por los juguetes (en lugar de humanos) le permite de forma insolente canalizar temas complejos como guerra, racismo, sexo, y la lucha política, a través de ceñidos y estrechos planos que le darán a sus juguetes -estratégicamente dispuestos- una misteriosa sensación de vida, confundiendo la frontera entre lo real y lo ficticio.en su primer gran proyecto, Hitler moves east, Levinthal junto a Garry trudeau (1948)empleó soldados de juguete meticulosamente organizados para construir la trágica caminata de 1941-1943 llevada a cabo por tres millones de soldados del ejército de Hitler a la antigua Unión soviética. esta serie fue tomadas originalmente en 1975 y reimpresa en 2012 (en gran formato y edición limitada), para la exhibición Hitler moves east en la galería mana contemporary (chicago, 2015).estos trabajos reflejan la experimentación de Levinthal con la fotografía narrativa orientada a objetos y la polémica acerca de la verdad, la credibilidad y la percepción.

David Levinthal y Garry TrudeauHitler moves East. A Graphic Chronicle, 1941-1943 (1975/2012)

DAVID LEVINTHAL yGARRY TRUDEAU

Profundidad de Campo corta, por captura analógica


Y por último, las posiciones cenital y supina representan las cámaras que están perpendicular al eje del horizonte.

MITCH EPSTEIN(Ejemplo de posición de cámara supina)

MARTIN PARR(Ejemplo de posición de cámara cenital)

por último, el acto de fotografiar no es sólo la re-presentación de lo que se fotografía sino la percepción personal que se aplica frente a ello. el punto de vista desde donde se lo mira; que tiene que ver pura y exclusivamente desde el momento biográfico en relación a toda la experiencia personal desde la que se mira lo que se mira. Las decisiones de encuadre, luz y el objeto a fotografiar son todas decisiones que conectan el ojo con lo que se fotografía a través de la cámara. tienen que ver con un acto consciente e inconsciente ligado al acto de percepción.

en palabras de John Berger hablamos sucesivamente sobre la fotografía como huella, como registro de la memoria, como analogía o copia de la realidad. La fotografía, puesto que preserva el aspecto de un acontecimiento o de una persona, siempre ha estado íntimamente relacionada con la idea de lo histórico.

La posición de cámara normal es el ángulo de visión de la percepción humana (esta en el mismo eje que la mirada del fotógrafo).

ERWIN OLAF(Ejemplo de posición de cámara normal)

CARTIER BRESSON(Ejemplo de posición de cámara picada)

CINDY SHERMAN(Ejemplo de posición de cámara

contrapicada)


tÉCniCas de aniMaCiÓnapuntes de la CÁtedRa

a diferencia de lo que generalmente se cree, la animación, como disciplina técnica y artística, tiene un origen muy anterior al del cine, aunque aún hoy día en muchos foros se la entienda como un género cinematográfico, por lo general vinculado al público infantil. es difícil saber con precisión en qué momento de la historia, el hombre comenzó a pensar en crear imágenes que pudieran generar ilusión de movimiento, imágenes “animadas”, quizás esto haya sucedido ya en la época de la cavernas mediante el uso de rudimentarios medios, de iluminación y dibujos plasmados en las paredes de piedra, rugosas e irregulares, tal como especulan varios autores.

La aparición más plausible del concepto de animación de imágenes, pertenece al período posterior a la revolución industrial de fines del siglo XVIII, tal vez entusiasmados por los nuevos avances técnicos en óptica y mecánica, científicos e inventores como Ferdinand plateau (1801-1883) desarrollaron dispositivos de imagen en movimiento para verificar sus teóricas, uno de ellos realizado por el mismo plateau, es el “fenaquitoscopio” o “engaño a la visión” patentado en 1829, que permite ver una secuencia breve de movimiento, girando el disco manualmente y activando una secuencia en ciclo infinito, lo que actualmente denominamos “loop”.

poco después de su invención, plateau descubrió que dieciséis era el número de imágenes para lograr una ilusión de movimiento óptima, lo que con posterioridad aplicarían los primeros cineastas usando dieciséis fotogramas por segundo para las primeras películas.

el fenaquistiscopio, es el primer dispositivo capaz de proporcionar la ilusión de una imagen en movimiento a partir de una secuencia de imágenes fijas. en el primer desarrollo, la obturación, o la interrupción entre imagen e imagen se daba mirando el disco girar frente a un espejo, luego, para evitar la necesidad de contar con un reflejo externo, plateu generó un nuevo dispositivo con dos discos coaxiales, uno con pequeñas aberturas radiales y equidistantes (a través de las cuales el espectador podía mirar), y otro disco conteniendo una secuencia de imágenes fijas impresa. cuando los dos discos rotan a la velocidad adecuada, la sincronía entre las aberturas y las imágenes crea una ilusión de animación de las imágenes.

introducción

Fenaquitoscopio de Plateau

Fenaquistiscopio, del griego espectador ilusorio, juguete inventado por Joseph-Antoine Ferdinand Plateau para demostrar su teoría de la

persistencia retiniana en 1829.

paRa VeR: https://youtu.be/3JeN3uk2cle


en línea con la creación de plateau múltiples mecanismos de ilusión de dibujos en movimiento fueron creados durante el transcurso del siglo XIX. dispositivos similares. muchos de ellos sumamente populares, como el disco estroboscópico de simon ritter von stampfer (1792-1864), en Viena; el daedeleum (más tarde llamado Zootropo) de William Horner (1786-1837) en Bristol; el taumátropo, juguete óptico ó juguete filosófico, conocido también como maravilla giratoria, cuya invención fue atribuída en 1824 al médico John ayrton paris (1785-1856); o como el praxinoscopio, del francés Émile reynaud (1844-1918), que logró en 1877 mayor flexibilidad en el movimiento aparente de las figuras a partir de un tambor giratorio con un anillo de espejos colocado en el centro y los dibujos ubicados en la pared interior del tambor que al girar parecían cobrar vida, .

La aparición de la fotografía secuencial generó enormes cambios en el universo creativo de quienes trabajaban en el ámbito de la imágen en movimiento, dando precisión antes desconocida a los instantes que conforman el movimiento, tanto de los seres vivos como de los objetos. dos ineludibles autores, científicos y a su vez artistas, eadweard muybridge y Jules marey, fueron de los más destacados y prolíficos creadores de cronofotografías.

en la última década del siglo XIX, con la invención y posterior extrema popularidad del cinematógrafo, el concepto científico de la imagen en movimiento se diluyó y la actividad pasó a formar parte de la industria del entretenimiento. rápidamente surgieron animadores que comenzaron a entender al aparato cinematográfico como una herramienta para “animar”, uno de los más trascendentes a principios de siglo fue emile cohl (Émile eugène Jean Louis courtet, 1857-1938), autor de múltiples films dibujados cuadro a cuadro.

durante el siglo XX, debido primero al advenimiento del aparato cinematográfico, luego del video electrónico y finalmente a la irrupción de la tecnología informática -proceso en el que aún transitamos entrado el siglo XXI-, la animación, como disciplina técnica y artística se ha ramificado en innumerables ámbitos como en la ciencia, medicina, educación, videojuegos, bellas artes entre otros. porque en el contexto actual, el diseño y la comunicación, a través de imágenes en movimiento dentro de entornos gráficos digitales, implica el conocimiento de técnicas y estrategias de diseño de manera ineludible, a continuación se describen las técnicas de animación de uso más frecuente, junto con referentes principales del medio.

The horse in motion (1878) de Eadweard Muybridge

paRa VeR: https://youtu.be/heruLp7cytm

Fantasmagorie (1908) de Emile Cohl

paRa VeR: https://www.youtube.com/watch?v=aeaobel8yIe

Étienne-Jules Marey, trabajos sobre el cuerpo (1893)

paRa VeR: https://www.youtube.com/watch?v=3Bb9UFi8e0c


a esta técnica se la conoce también como animación tradicional basada en el dispositivo cinematográfico que cuenta con 24 cuadros por segundo. en ésta técnica se suele dibujar 12 cuadros y duplicarlos. La mecánica del dibujo cuadro a cuadro se puede explicar fácilmente a través del funcionamiento de un “folioscopio” o flipbook, se dibuja cada fotograma, hoja por hoja y luego se pasa con velocidad una página detrás de otra. para mejorar la continuidad entre un paso y otro paso del dibujo, se utilizan hojas de baja opacidad, acetatos y tableros retroiluminados, esto facilita poder ver a través de las hojas y redibujar con mayor precisión las figuras animadas.

desarrollar la capacidad de percibir el movimiento total a partir de dibujar los pasos por separado, requiere de un talento especial y del estudio meticuloso de las formas y gestos que adquiere el cuerpo u objeto animado, deteniendo y exacerbando los keyframes (puntos principales de movimiento). contar con un tablero de animación y un scanner, o bien una tableta digitalizadora es de gran utilidad para practicar la versión tradicional de esta técnica o la versión digital con la ayuda de un software de animación cuadro a cuadro en pc como el popular tooN Boom.

diBuJo CuadRo a CuadRo:

Frames de “Autuor de Lac” y “Belly”, cortometrajes realizadosen técnica cuadro a cuadro

tÉCniCa de diBuJo CuadRo a CuadRo paRa VeR:

Jeff Hale - The Great Toy Robbery (1963)https://youtu.be/fqI8axe_npk

Paul Driessen - The end of the World in four seasons (1995)https://youtu.be/BpwNv0Xojao

Bill Plympton - Idiots and Angels (2001) Trailerhttps://www.youtube.com/watch?v=F_kFzqUc9nQ

Mirai Mizue - JAM (2009)https://www.youtube.com/watch?v=d-nseJ6yuX8

Mirai Mizue - Timbre A to Z (2011)https://youtu.be/FqoGecKs1L8

Julia Pott - Belly (2011)https://vimeo.com/46233381

Carl Roosens y Noémie Marsily -Carl et les hommes boîtes - Autour du lac (2013)

https://youtu.be/sUjg47Y0oua

RefeRentes destaCados:Bill plympton (1946) autor de casi 40 cortometrajes y varios largometrajes como: I Married a Strange Person! (me casé con un extraño de 1997), Mutant Aliens (2001), Idiots and Angels (2008). sus trabajos son íntegramente dibujados y animados por él mismo. sus filmes son surrealistas, deforma y ridiculizarla la naturaleza humana de manera disparatada, aún en los momentos más duros.

John Kricfalusi (1955) animador canadiense. creador de Ren y Stimpy (1991) (un chihuahua con problemas de ira y un gato gordo con retraso mental, antecesores de Bob Esponja) y The Ripping Friends (2001).


stop Motion:

La técnica stop motion (movimiento detenido) es una técnica de animación que consiste en dar vida a un objeto inanimado o generar su movimiento mediante la captura de fotograma por fotograma.

se dice que esta técnica se origina diez años más tarde del año oficial del nacimiento del cine (1895). Fue ese año, 1905, cuando segundo de chomón realizó El hotel eléctrico, quizá la primera animación de la historia, aunque la historia oficial, escrita sobre todo por anglosajones y franceses, dice que este honor corresponde a La casa encantada (The haunted house 1907), del inglés afincado en los estados Unidos James stuart Blackton. en 1907, chomón realizó para los hermanos pathé, Los Kiriki, uno de los primeros films coloreados con un sistema ideado por el propio chomón. Lo cierto es que el honor del primer film de animación donde se experimentaba con el montaje para generar trucos visuales se lo disputan los cineastas stuart Blackton (1875-1941) norteamericano, segundo de chomón (1871-1929) español y emile cohl, francés.La mecánica de la técnica es simple. se construye un set donde transcurrirá la acción de los objetos/ personajes y luego con la cámara firmemente ubicada sobre un trípode se toma alternadamente una fotografía, mientras se modifican el o los objetos en la escena que deben moverse. La consecución de estos pasos genera ilusión de movimiento al reproducir los fotogramas en serie. a pesar de su simpleza, el stop motion cuenta con cientos de variables que la convierten en una compleja modalidad de animación, diseño de movilidad de figuras, cálculos de aceleración y expresividad del movimiento de personajes/objetos, iluminación a escala, diseño de miniaturas, cámaras de movimiento programado, entre otras herramientas, que son puestas en marcha por producciones de alto presupuesto. La técnica de stop motion específico para plastilina se llama claymation o clay animation.

Segundo de Chomón James Stuart Blackton

tÉCniCa stop Motion paRa VeR:

Ladyslaw Starewicz - The Cameraman´s Revenge (1912)https://youtu.be/vIc0sb6pLvI

Oskar Fischinger - Muratti greift ein (1934)https://vk.com/video-49896548_164663572

Bruce Bickford - Prometheus Garden (1988)https://youtu.be/1m-JYut7GsQ

Bruce Bickford - Monster Road (2004) Documentalhttps://youtu.be/_fL6c5g5wse

S. Aubier y V. Patar - Panique au Village (2009) Making ofhttps://youtu.be/ewsbscsoGza

Guillaume Blanchet - A girl named Elastika (2013)https://vimeo.com/90603521

Fotogramas de “Panique Au Village” de Stéphane Aubier y Vicent Patar (arriba) y “Prometeus Garden” de Bruce Bickford, ambos realizados en

técnica stop motion

RefeRentes destaCados:Bruce Bickford (1947) animador de culto a partir de su colaboración con Frank Zappa durante los años 70. reconocido por su destreza con la plastilina, sus montajes desafían la comprensión lógica. su infancia sobre el valle de Kent, influyó en el tipo de perspectiva y escala aplicada, así como la exuberancia de plantas exóticas y la abundancia de vegetación que aparecen en sus imaginarios paisajes. otros trabajos: Peter Pan (1953), The Vikings (1958), King Kong (1933), The Wild Bunch (1969)aardman animation, estudio de animación inglés fundado en 1972. entre sus trabajos cuentan con Wallace & Gromit: The Curse of the Were-Rabbit, ganandor de un oscar de la academia, entre otros premios.


pixilation:

el pixilation ó pixilación, es una técnica similar en sus fundamentos al stop motion, la diferencia es que en este caso no se trabaja con objetos inanimados sino con seres humanos como dummies (muñecos articulados). La cámara toma un fotograma y luego el animador indica al sujeto que se mueva, esto se repite una y otra vez, esta descomposición cuadro a cuadro del movimiento desarticula el orden natural y genera una alteración muy visible en la forma en que el cuerpo realiza cualquier acción.

también se pueden intercalar entre cuadro y cuadro objetos y acciones imposibles de lograr en la realidad, como en el caso de Comida de Jan svankmajer, en el que los personajes devoran íntegramente una mesa o en Vecinos de Norman mcLaren, pionero de esta técnica, en la que ambos personajes “vuelan” por el parque, a partir de una secuencia de fotogramas en la que los sujetos son capturados en medio de un salto. o como en su famoso corto animado A Chairy Tale, también de mcLaren, donde gracias a esta técnica da vida a una silla común y corriente.

Fotogramas de “Vecinos” (1952) de McLaren y “Comida” de Svankmajer exponentes de técnica pixilation

tÉCniCa pixilation paRa VeR:Norman McLaren - Neighbours (Vecinos) (1952)

https://youtu.be/e_asowdUUaYAardman Animation, Peter Gabriel - Sledgehammer (1986)

https://youtu.be/oJWJe0x7t4QJan Svankmajer - Food (Comida) (1992)

https://youtu.be/y1pb3mkH7nU

RefeRentes destaCados:norman Mclaren (1914-1987) fue un animador escocés y director de cine reconocido por sus trabajos en el National Film Board of canada. admirador del cine de eisenstein, pronto se dio cuenta de la importancia del séptimo arte como medio de expresión y comenzó a innovar. su trabajo como camarógrafo en 1936 durante la guerra civil española fue tan duro que, antes de la segunda Guerra mundial, emigra a los estados Unidos y en 1941 a canadá, donde se incorpora al National Film Board, para abrir un estudio de animación y enseñar a animadores canadienses. es reconocido por sus experimentos con la imagen y el sonido, al dibujar directamente sobre la película, incluso la banda sonora, o raspando el celuloide para provocar nuevos sonidos ópticos, explorando aspectos que posteriormente fueron de suma importancia para la industria cinematográfica.Filmografía: Boogie-Doodle (1940), Hen Hop (1942), Begone Dull Care (1949), Blinkity Blank (1955), Rythmetic (1956), A Chairy Tale (1957), Christmas Cracker (1963), Canon (1964), Pas de deux (1968), Synchromy (1971), Narcissus (1983).

Jan svankamajer (1934) director de cine, animador, escultor, marionetista, coleccionista de rarezas, filósofo, demiurgo y poeta. sus películas, están marcadas por el surrealismo y una acentuada inclinación hacia todo lo absurdo, mezcla humor y sátira con misterio y espanto. algunos de sus trabajos: “the last trick” (su primer corto de 1964), “otesánek” (el pequeño otik) (2001) antiguas leyendas checas y cuentos, en plena efervescencia nacionalista recopilados por Karel Jaromír erben y revisidos por el artista checo, “Fausto” (1994), “alicia” (1987) y “surviving life” (2010).

“Alicia” (1988) de Svankmajer


RotosCopÍa:

el término rotoscopía surge del dispositivo tecnológico llamado rotoscopio, inventado por los hermanos Fleischer en 1916, este aparato permitía al dibujante de animación poder virtualmente “calcar” los movimientos de una figura u objeto en movimiento grabado en cinta cinematográfica. La cinta podía correrse cuadro a cuadro proyectando una imagen ampliada de cada fotograma debajo del tablero de animación que funcionaba como pantalla. desde aquella invención el término quedó ligado a todos los medios y técnicas por las cuales se puede dibujar calcando o copiando el movimiento de imágenes capturadas previamente, el efecto visual del movimiento recapturado es fácilmente reconocible, puesto que la dinámica de los movimientos y perspectivas se mantienen con precisión del original al re-dibujado si la técnica es utilizada manera correcta.actualmente softwares como after FX y mocca, son herramientas prácticas para trabajar versiones digitales de rotoscopio.

tÉCniCa RotosCopÍa paRa VeR:Betty Boop - Minnie The Moocher (1931)

https://youtu.be/1fproGtXh8eRalph Bakshi - Fritz the Cat (1972) Parte 1

http://www.dailymotion.com/video/x1jcfr_fritz-the-cat-1972-part-1_na

Georges Schwizgebel - Perspectives (1975)https://vimeo.com/180033636

István Orosz - Cuidado el escalón! (1989)https://youtu.be/WafYa8-frac

Jeff Scher - Milk of Amnesia (1992)https://youtu.be/fUJK_G66JZQ

Richard Linklater - Waking Life (2001)Making of de la película

https://youtu.be/9J0mlkmtXyYJeff Scher - Grand Central (2008) version corta

https://vimeo.com/123730837Jeff Scher - All the Wrong Reasons (2008)

https://vimeo.com/165733236Jeff Scher - God Knows (2016)

https://vimeo.com/162420131

Rotoscopio patentado por Flescher Film en 1916

RefeRentes destaCados:Jeff scher (1954) director, animador y pimtor. Utiliza luces, abstracciones y efectos visuales combinados con música para crear cortometrajes experimentales. superpone en sus pinturas y collages, colores y texturas para dar la ilusión de movimiento de manera hipnótica; yuxtaposiciones que dan a sus films un carácter irracional ejemplo de ello, Grand Central (1999), donde scher revisita la vanguardia futurista bajo una mirada contemporánea y blanco y negro del rush hour de la mañana de la estación terminal central de Nueva York como leiv motiv. otros trabajos: Bang Bang (1998), All the Wrong Reasons (2008), You Won’t Remember This Either (2009), God Knows (2016), Newscycle (2008), entre otros.

Ralph Bakshi (1938) escritor, director de cine y animador. escribió y dirigió Fritz the Cat (1972) basada en el cómic creado por el dibujante under robert crum. La película cuenta sobre Fritz, un gato antropomórfico que estudia y vive en la ciudad de Nueva York en los años 60 y las desventuras en las que se mete. es una de las primeras animaciones para apuntar solamente a adultos como audiencia, siendo el primer dibujo animado que se le da una calificación X (pornográfico o indecente). Bakshi inició el proyecto con la intención de crear una película de animación que se distanciara del estilo “cuenta historias de disney” muy popular entre niños y familias. de ahí que escribió una sátira para captar a adultos atraídos por los films animación. Fritz the Cat es una crítica social al estilo de vida de los estudiantes universitarios americanos durante los años 60, que incluía el consumo frecuente de drogas, sexo, violencia y lenguaje grosero. también presentaba temas maduros como el racismo y la política, temas estos demasiado polémicos para ser explorados adecuadamente por disney.crumb se opuso enérgicamente a la película por sentir que su trabajo como dibujante había sido bastardeado. Los personajes

de la película fueron animados usando animación 2d tradicional de la época. Fondos pintados y personajes dibujados y pintados sobre frames de láminas de plástico antes de ser fotografiados.Fritz the Cat tuvo su secuela con Las Nueve Vidas de Fritz el Gato (1974) de Karl Williams.


aniMaCiÓn de ReCoRtes:

más conocido en inglés como cutout animation, quizás una de las más primitivas formas de animar. es la técnica en que se usan figuras recortadas, ya sea de papel o incluso fotografías. Los cuerpos de los personajes se construyen con recortes articulados. moviendo y reemplazando las partes se obtienen diversas poses, y de esta manera se da vida al personaje.

Las animaciones de Las aventuras del príncipe Achmed, es el largometraje más conocido de Lotte reiniger (1926). para esta técnica se utiliza una cámara fija, por lo general montada cenitalmente, es decir picada mirando hacia abajo, para capturar cuadro a cuadro los movimientos de figuras bidimensionales apoyadas sobre un tablero. Las figuras pueden contar con articulaciones para controlar sus movimientos más sutilmente, en algunos casos los tableros tienen una luz detrás para realzar la forma de las siluetas.

tÉCniCa aniMaCiÓn de ReCoRtes paRa VeR:Lotte Reiniger - Las aventuras del Principe Achmed (1926)

https://www.youtube.com/watch?v=aeaobel8yIeEvelyn Lambart - The Town Mouse and the

Country Mouse (1980)https://youtu.be/ahUyhtdiZaa

Phil Mulloy - Intolerancia III The Final Solution (2004)https://www.youtube.com

watch?v=dr0mckcmbuw&spfreload=5Hoedeman - 55 Socks (2011)

https://youtu.be/vuqFpzNvf30

Frames de “El ratón de la ciudad y el ratón del campo” de Evelyn Lambart (arriba) y “La historia del mundo” de Mulloy, ambos

en técnica animación de recortes

RefeRentes destaCados:evelyn lambart (1914-1999) renombrada animadora nacida en ottawa, directora técnica del National Film Board of canada y co-animadora y co-directora temprana de Norman mclaren.Utilizó la técnica de recortes en siete películas premiadas: Fine Feathers (1968), The Hoarder (1969), Paradise Lost (1970), La historia de la Navidad (1973), Mr. Frog Went A-Courting (1974), The Lion and the Mouse (1976) y The Town Mouse and the Country Mouse (1980).

lotte Reiniger (1899-1981) directora de cine y pionera en la animación por recortes. pocas de sus casi 70 películas están fácilmente disponibles - y casi ninguna de ellas en impresiones excelentes. cuando reiniger huye de alemania a Inglaterra en la década de 1930, no pudo traer sus negativos originales con ella, por lo que la mayoría de las copias modernas son copias de copias, que han perdido mucho de los detalles finos, especialmente en los fondos. su Príncipe Achmed fue una película pionera de animación cutout. Las copias fueron restauradas en 1954 y se ve mas acelerado ya que estan a 24 cuadros x seg. en lugar de sus 18 originales. su segunda película, Dr. Dolittle (1927), cuenta el viaje del buen doctor a África para ayudar a curar animales enfermos.algunos de sus títulos: The Ornament of the Lovestruck Heart (1919), Carmen (1933), Papageno (1935), The Magic Horse (1953), The Little Chimney Sweep (1954).

Lotte Reiniger y fotogramas de “Las aventuras del Principe Achmed”


CGi (aniMaCiÓn de GRÁfiCos GeneRados poR CoMputadoRa):

aunque hoy día es muy poco habitual planificar un proceso o técnica de animación en que la computadora no tenga un rol principal, tiempo atrás, a fines de la década del 40 cuando las computadoras siquiera contaban con monitor, generar una animación por computadora era materia de experimentación pura.Las primeras herramientas de gráficos para computadora desarrolladas en el mIt ( massachussets Institute of technology) contaban como en la actualidad, con emuladores de lápices, trazos, borradores e inclusive tridimensionalidad. aún así la estética de la digitalidad primaba, dando a todo lo que salía del ordenador un aspecto novedoso y en esas instancias rudimentario y extraño.

en el campo de la animación las computadoras simplificaron el cálculo de pasos intermedios, que mediante funciones como el tween (entre), pueden calcular pasos intermedios, las funciones path (recorrido) y los keyframes (puntos principales de una secuencia) móviles, permiten calcular y modificar una secuencia entera, sin tener que grabar todo (cuadro a cuadro) nuevamente. Los comportamientos, texturas y aspectos visuales de los gráficos por computadora han alcanzado un alto grado de precisión en la emulación de la realidad. ramas y aplicaciones estéticas se han diversificado en sus diversas variantes de aplicación, entre otras, la industria del cine, los videojuegos y el arte.

otRas tÉCniCas: casi cualquier modo de producir imágenes, permite animarlas, sea a partir de fotografìas, utilización de escáner o moldeado en la computadora. existen muchas técnicas de animación que son exploradas por pocos artistas y que configuran una impronta autoral en sus obras, la mayoría de ellas pueden ser puestas en práctica a partir de la modificación y mezcla de las técnicas citadas anteriormente. entre estas se incluyen: pintura sobre cristal, animación con arena o arcilla húmeda, pintura y rayado en celuloide, animación time lapse, animación con fotocopias, etc.

tÉCniCa CGi paRa VeR:John Whitney - Matrix III (1972)https://youtu.be/ZrKgyY5adva

Peter Foldès - La Faim (Hunger) (1974)https://youtu.be/vwU3Uare6yc

Michael Theodore - Color Dream no.246 (2006)https://youtu.be/3ru7x3aIpbc

David O’Reilly - External World (2010)https://youtu.be/oxpyN6IK1tm

Felix Colgrave - The Elephant’s Garden (2013)https://youtu.be/vlUr09yrHZU

Fotogramas de “External World” de David O’Reilly y “Hambre” de Peter Foldès, ambos realizados por computadora (CGI)

Textos de referencia:Furniss, Maureen, (2008), “The animation Bible”, Reino Unido, Lawrence King publishersHorrocks, Roger (2009), “The art that moves, the work of LEN LYE”, New Zeland, Auckland University PressJenkins, Bruce, (editor), (2009) “On camera arts and consecutive matters, the writings of Hollis Frampton”, EEUU, MIT pressMc Williams, Don, (1991), “Norman McLaren on the creative process”, Canadá, National Film BoardOubiña, David, (2009) “Una juguetería filosófica”, Buenos Aires, editorial ManantialProdger, Phillip, (2003), “Time Stands Still”, Oxford RU, Oxford University PressSvankmajer, Jan, (2014), “Para ver, cierra los ojos”, España, Pepitas de Calabaza editora

RefeRentes destaCados:John Withney y peter Foldès


peQueÑo GlosaRiofoto-CineMatoGRÁfiCo

escala de planos según lo empleados por Hollywood, y otras industrias cinematográficas en la elaboración de guiones.

Gran plano general (GpG):predominan paisajes y medio ambiente, no establece relación entre el espectador y los personajes. se utiliza frecuentemente como plano de situación al comienzo de una película, indicamos el contexto espacial – temporal de la pieza audiovisual.

plano general (pG):se utiliza para contextualizar las escenas. Utilizado también después de muchos planos cortos para volver a ubicar espacialmente al espectador. en él reconocemos a los protagonistas y les situamos en una escena.

plano conjunto (pC):este puede ser de 2, 3 o más personas en una situación de diálogo a acción simple. ceñimos el encuadre a los cuerpos de los personajes. este puede ser un plano medio o plano general, utilizando este último si va a haber desplazamiento sobre un fondo.

plano americano:plano que corta por encima de las rodillas a la altura de los revólveres en los westerns, donde fueron empleados por primera vez. Generalmente se usa para presentadores, donde es necesario usar tarimas par compensar alturas.

plano medio (pM): se emplea el pm largo (cortando por la cintura) o de pm corto (si cortamos por el pecho, se suele utilizar en situación de diálogo, pues permite ver los gestos y expresiones de los protegonistas.

primer plano pecho (ppa) o conocido en la televisión como talking Head:corta por el pecho. se puede encuadrar mirando directamente a cámara, donde el personaje estaría centrado; en cambio si esta ligeramente de lado deberemos centrar el ojo mas alejado a cámara.

primer plano ó plano corto (pp):es el plano de todo el rostro, incluido el contorno de los hombros. No puede haber mucho movimiento del sujeto, y en caso de que lo hubiera debemos cortar antes de que se altere la composición del cuadro, salvo que ésa sea la pretensión. también se puede hacer pp de objetos inanimados.

Gran primer plano (Gpp):La cara entera ocupa todo el cuadro, cortando la

barbilla y parte de arriba de la cabeza. se lo considera un plano “psicológico”.

primerísimo primer plano ó plano detalle (ppp):en el caso de las personas se fracciona el rostro centrándose en un rasgo en concreto.

todos estos planos tienen una serie de características comunes. en ninguno de ellos existe movimiento de objetivo, ni movimiento de cámara, ni movimiento de montura, aunque si sencillos movimientos de los sujetos.

Clasificación de los planos:

a) según el punto de vista:

Objetiva (3ª persona narrativa):el espectador ve desde una ventana que nosotros le abrimos, viendo al protagonista.

Subjetiva (1ª persona narrativa):el espectador ve la acción como si fuera el personaje.

B) según angulación:

Picado: la cámara está situada por encima de la mirada. Y sugiere inferioridad del personaje.

Contrapicado: La cámara se sitúa por debajo de la mirada, y sugiere la superioridad del personaje.

Cenital o supina:La cámara esta en cima del personaje.

Nadir: La cámara esta por debajo del personaje.

Normal: cámara de frente y a la altura de los ojos.

Aberrante: se trata de variar el ángulo de uno o dos ejes de la cámara.

Contraplano: plano normal pero desde detrás del personaje cuya vista llamamos plano.

también se emplea la denominación Plano Secuencia, tiene movimiento interno del plano (desplazamiento de los personajes) o de cámara (travelling), movimiento de sujetos y debería empezar y finalizar con un plano fijo, según los ortodoxos. de esta manera es, un plano que no necesita montaje, pues abre y cierra la acción.

transiciones entre planos:

es de notar que los nombres de las transiciones llevan implícito su característica semántica.

1. Corte:es transición mas simple y utilizada, es dinámica y asocia ( u opone) dos situaciones. se utiliza cuando la acción es continua, cuando se requiere un cambio de


información o de escenario. La nueva imagen tiene que tener información nueva, pero puede tener continuidad de sonido.podemos mencionar dos tendencias de corte, la normal o cortar antes, después de la acción. también se puede apelar a un corte retardado que sirve para crear suspenso en la resolución de la escena.

Existen varios tipos de cortes:entre imágenes en movimiento / entre imágenes estáticas e imágenes en movimiento / a negro (para iniciar o finalizar una acción)

2. fundidos: es una transición gradual de la imagen.

Puede ser:a negro o a blanco y viceversa. de entrada, en el que abrimos desde negro.de salida, en el que cerramos a negro.de salida / entrada.encadenado: cuando una imagen desaparece mientras aparece otra.

3. Ventanas o Wipes:son transiciones que desplazan una imagen por otra en sentido horizontal, vertical, diagonal o formas diversas.

4. superposiciones (capas):se emplea para unir o mezclar en el mismo encuadre dos o más imágenes diferentes.

Recursos expresivos de temporalidad:

aceleraciónralentizaciónInversión, marcha atrás

Movimientos de Cámara:

Panorámica: movimiento de la cámara sobre el eje vertical u horizontal sin que se mueva el trípode.

Travelling: desplazamiento del punto de vista (cámara).

Travelling óptico o Zoom: se abre o se cierra en toma el campo visual.

cátedra campos. fadu-uba medios expresivos...

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