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Tabla  de  contenido  

Introducción  ............................................................................................................................  3  

•   Definición  ..........................................................................................................................  4  

•   Contexto  Histórico  del  Renacimiento  ......................................................................  4  

•   Contexto  Histórico  del  Cinquecento  .........................................................................  4  El  humanismo  ................................................................................................................................................  5  

•   Ubicación  espacial  y  geográfica  .................................................................................  6  

•   Características  generales  del  renacimiento  ..........................................................  6  

•   Pintura  ................................................................................................................................  6  Características  .................................................................................................................................  7  Principales  exponentes  ................................................................................................................  8  Leonardo  da  Vinci  (1425-­‐1519)  ............................................................................................................  8  Miguel  Ángel  (1475-­‐1564)  .......................................................................................................................  8  Rafael  Sanzio  (1483-­‐1520)  .......................................................................................................................  8  Alberto  Durero  (1471-­‐1528)  ...................................................................................................................  9  Tiziano  (1487-­‐1576)  ...................................................................................................................................  9  El  Greco  (  Domenikos  Theotokopulos)  (1541-­‐1614).  ..................................................................  9  

Obras  destacadas  ........................................................................................................................  10  La  ultima  cena  (1495-­‐1498)  .................................................................................................................  10  La  Gioconda  ..................................................................................................................................................  11  Frescos    de  la  Capilla  Sixtina  de  Miguel  Angel  (1508-­‐1512)  El  Vaticano.  .........................  13  La  escuela  de  Atenas  ................................................................................................................................  19  Adán  y  Eva  ....................................................................................................................................................  21  Venus  y  la  música.  .....................................................................................................................................  22  

•   Escultura  .........................................................................................................................  22  Características  ............................................................................................................................................  22  Principales  Exponentes  ...........................................................................................................................  23  La  Piedad  Miguel  Ángel  ...........................................................................................................................  23  Tumba  De  Julio  II  .......................................................................................................................................  24  David  De  Miguel  Ángel  ............................................................................................................................  24  Sepulcro  de  los  Médicis  ...........................................................................................................................  25  Perseo  de  Cellini  .........................................................................................................................................  26  Rapto  de  las  Sabinas  .................................................................................................................................  26  

•   Arquitectura  ..................................................................................................................  27  Caracteristicas  ..............................................................................................................................  27  Principales  exponentes  .............................................................................................................  28  Obras  destacadas  ........................................................................................................................  29  

Conclusiones  ........................................................................................................................  37  

Bibliografia  ...........................................................................................................................  38        

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Introducción          En  este  informa  se  darán  a  conocer  las  principales  características  del  la  segunda  etapa  del  Renacimiento,  conocida  como  el  “Cinquecento”,  el  contexto  histórico  en  el  que  se  situó  al  momento  de  su  surgimiento,  el  

momento  espacial  y  geográfico  de  su  ubicación,  así  como  sus  principales  representantes  y  obras  mas  relevantes,  dependiendo  del  arte  al  que  influyo  este  movimiento,  conoceremos  de  igual  manera  como  esta  espada  del  arte  influyo  en  otras,  y  como  llego  a  su  fin.    

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• Definición    El  Cinquecento  (abreviadamente,  años  [mil]  quinientos  en  italiano)  es  un  período  dentro  del  arte  europeo,  especialmente  el  italiano,  correspondiente  al  siglo  XVI.  Es  considerado  el  segundo  ciclo  del  Renacimiento  en  Italia.    Cuando  se  habla  del  Cinquecento  nos  referimos  a  un  apogeo  en  las  novedades  introducidas  por  el  Quattrocento,  pero  que  apenas  dura  las  dos  primeras  décadas  del  siglo  XVI.  

• Contexto  Histórico  del  Renacimiento    Hay un acontecimiento histórico que marca esta época: la caída de Constantinopla, la antigua capital bizantina, en manos de los turcos (1453). Este hecho provoca, a su vez, que se produzca el cierre de las grandes rutas comerciales que comunicaban a Europa con Oriente a través de Asia, y la llegada a occidente de pensadores y científicos huidos de Constantinopla. Cerrado el Mediterráneo oriental por los turcos, los comerciantes y marinos occidentales buscarán una alternativa marítima; primero intentarán bordear el continente africano para llegar a las Indias, después Colón, como es sabido, descubrirá en 1492 el continente americano. Este hecho impulsará definitivamente el empuje económico de Europa occidental a lo largo de los siglos siguientes. La ampliación del mundo conocido es el acta de nacimiento de mundo moderno. Ya durante la Baja Edad Media es apreciable el proceso de fortalecimiento del poder real en detrimento de la nobleza; así como el auge político de la burguesía ciudadana representada en las Cortes. El poder del príncipe y el fortalecimiento del Estado no perderán su condición privilegiada. Pero para entonces el Renacimiento ya estaba en marcha en algunas ciudades italianas. contribuyen al desarrollo de la sociedad civil. En Italia las cosas habían sido distintas durante gran parte de la Edad Media. Ya hemos visto la poca huella que los estilos medievales cristianos (románico, gótico) habían dejado en su sensibilidad, y cómo se había mantenido un repertorio de formas cuya raíz evidente era el clasicismo. El Trecento italiano, con Giotto a la cabeza, supone ya un claro precedente de la renovación artística que culmina en el Renacimiento. Los caminos que este pintor abre para la pintura en particular y para el arte, en general, son de una gran trascendencia, como ya hemos visto en el tema anterior. Además, las Repúblicas y Estados italianos ya en el siglo XV, preceden a Europa en la economía organizada. Sus relaciones mercantiles entre Europa y oriente, y su banca cada vez mejor estructurada, la hacen alcanzar una modernidad económica y una estructura social mucho más avanzada y dinámica. La prosperidad económica y la existencia de una poderosa burguesía repercutirá de forma significativa en esta expansión artística. Es Italia la que mejor ofrecerá una alternativa al agotado vocabulario de formas que Europa necesitaba para superar el vacío del último gótico (flamígero). Europa acogerá, en mayor o menor medida, el nuevo estilo. Pero nadie discutirá la primacía de Italia en el desarrollo de las Artes. Y es que el Renacimiento es, ante todo, un movimiento italiano.  

• Contexto  Histórico  del  Cinquecento  • Tras  la  muerte  de  Lorenzo  el  magnifico,  la  capital  del  arte  renacentista  pasa  

a  ser  Roma  en  lugar  de  Florencia,  debido  a  la  gran  influencia  de  los  papas  Julio  II  y  Leon  X.  

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• Los  estados  pontificos  inician  una  expansión  militar  y  los  papas  se  convierten  en  los  mecenas  de  grandes  artistas.  

• Surgimiento  del  humanismo.  • Es  la  época  de  artistas  como  Miguel  Angel,  Leonardo,  Rafael  Sanzio,  

Bramante  o  Palladio,  los  llamados  grandes  maestros,  que  darán  lugar  al  manierismo  al  ser  imitada  su  “manera”  en  toda  Europa,  aunque  deformándola  y  alejándola  del  arte  clásico.  

 Se  producen  ciertas  transformaciones  en  la  Italia  de  la  época  que  alternan  el  universo  general  que  definió  el  arte  de  ese  periodo,  especialmente  la  intervención  militar  de  países  extranjeros  como  España  o  Francia  en  suelo  italiano,  la  decadencia  de  algunas  republicas  independientes  y  la  recuperación  política  del  papado,  cuyo  mecenazgo  convertirá  Roma  en  la  capital  artística  del  mundo.    

El  humanismo   El retorno a la medida humana La  figura  clave  para  comprender  el  Renacimiento  nos  la  da  el  humanista.  Este  hombre  culto,  versado  en  la  Antigüedad,  que  lee  en  latín  y  en  griego,  que  discute  sobre  Platón  o  sobre  Aristóteles  y  que  conoce  las  más  avanzadas  teorías  sobre  Geografía  y  Cosmología  es,  además  poeta  y  un  gran  dilettante.  En  el  siglo  XV  era  posible  reunir  en  una  biblioteca  la  mayor  parte  de  los  libros  editados  por  la  imprenta,  que  es  tanto  como  decir  toda  la  cultura  escrita  de  su  tiempo.  En  las  cortes  renacentistas,  deseosas  de  abrirse  a  un  mundo  nuevo,  estos  hombres  son  reclamados  con  veneración.  Y  en  manos  de  ellos  está  el  progreso  del  pensamiento  y  de  la  cultura  y,  en  cierto  modo,  del  arte.  Por  vez  primera  la  obra  de  arte  es  analizada  desde  el  punto  de  vista  del  espectador.  Era  lógico.  Los  pensadores  renacentistas  empezaron  discutiendo  sobre  la  Idea  de  la  Belleza  y  acabaron  discutiendo  sobre  la  Belleza  misma,  sobre  la  cosa  bella.  Nace  así  la  crítica  de  arte.  Sin  embargo,  el  humanismo  siente  un  gran  respeto  por  el  artista,  y  con  frecuencia  son  amigos,  cuando  no  el  mismo  artista  es  un  humanista  La  influencia  recíproca  es  altamente  beneficiosa  y  uno  de  los  rasgos  que  mejor  definen  el  Renacimiento.  El  artista  consulta  al  humanista  sobre  mitos  o  sobre  el  ideario  clásico  y  el  humanista  comprueba  visualmente  en  la  obra  del  artista  la  validez  de  sus  tesis.  Por  otra  parte,  el  trabajo  del  artista  ya  no  es  meramente  artesanal,  como  lo  había  sido  durante  la  Edad  Media.  Su  trabajo  es,  sobre  todo,  reflexión,  estudio  y  experimentación  en  cualquiera  de  los  campos  de  la  expresión  artística.  Son  intelectuales  y  hombres  libres.  El  arte  dejará,  desde  ese  momento,  de  ser  algo  anónimo  y  el  genio  creador,  individual,  pasará  a  situarse  en  el  primer  plano  de  las  manifestaciones  artísticas.  Pero  el  Humanismo  es  también  una  nueva  forma  de  concebir  el  mundo  y  la  religión,  que  trastoca  los  fundamentos  teocráticos  de  la  sociedad  bajomedieval  y  conducirá  a  la  reforma  y  ruptura  de  la  Iglesia  Católica.  El  estudio  de  la  literatura,  la  gramática,  los  monumentos  y  los  objetos  de  la  Antigüedad  se  desarrollan  de  forma  extraordinaria  y,  con  ellos,  la  figura  del  mecenas  y  el  coleccionismo  de  obras  antiguas.  No  se  tratará,  en  cualquier  caso,  de  una  simple  vuelta  a  la  Antigüedad  (cosa  harto  difícil,  por  otra  parte),  sino  del  

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redescubrimiento  de  sus  valores  fundamentales  como  guía  y  modelo  para  el  hombre  cristiano  de  la  Edad  Moderna.    El  artista  tomó  conciencia  de  individuo  con  valor  y  personalidad  propios,  se  vio  atraído  por  el  saber  y  comenzó  a  estudiar  los  modelos  de  la  antigüedad  clásica  a  la  vez  que  investigaba  nuevas  técnicas  (claroscuro  en  pintura,  por  ejemplo).  Se  desarrollan  enormemente  las  formas  de  representar  la  perspectiva  y  el  mundo  natural  con  fidelidad;  interesan  especialmente  en  la  anatomía  humana  y  las  técnicas  de  construcción  arquitectónica.  El  paradigma  de  esta  nueva  actitud  es  Leonardo  da  Vinci,  personalidad  eminentemente  renacentista,  quien  dominó  distintas  ramas  del  saber,  pero  del  mismo  modo  Miguel  Ángel  Buonarroti,  Rafael  Sanzio,  Sandro  Botticelli  y  Bramante  fueron  artistas  conmovidos  por  la  imagen  de  la  Antigüedad  y  preocupados  por  desarrollar  nuevas  técnicas  escultóricas,  pictóricas  y  arquitectónicas,  así  como  por  la  música,  la  poesía  y  la  nueva  sensibilidad  humanística.  Todo  esto  formó  parte  del  renacimiento  en  las  artes  en  Italia.  

• Ubicación  espacial  y  geográfica  El  siglo  que  le  precede  (el  XV)  recibe  el  nombre  de  Quattrocento  (años  [mil]  cuatrocientos),  periodo  en  el  que  se  va  adoptando  el  vocabulario  clásico  y  construyendo  las  formas  propias  del  renacimiento.  El  siglo  que  le  sigue  (el  XVII)  recibe  el  nombre  de  Seicento  (años  [mil]  seiscientos),  y  estilísticamente  se  caracteriza  por  la  tensión  entre  las  transformaciones  violentas  del  Barroco  y  el  equilibrio  y  proporción  del  Clasicismo.    El  cinquecento  tuvo  su  centro  en  la  Roma  de  los  papas,  a  diferencia  del  quattrocento  cuyo  centro  fue  la  Florencia  de  los  Medici.  

• Características  generales  del  renacimiento  • Se  caracteriza  intelectualmente  por  el  paso  del  teocentrismo  medieval  al  

antropocentrismo  humanista  de  la  Edad  Moderna;    • Búsqueda  de  las  formas  artísticas  de  la  antigüedad  clásica  y  la  imitación  

(mímesis)  de  la  naturaleza,  lo  que  se  ha  denominado  Renacimiento.  • Recuperación  de  los  valores  de  la  antigüedad.  • La  humanidad  se  recupera  del  pesimismo  medieval  e  inicia  una  etapa  de  

expansión  intelectual,  resurgiendo  la  ley  de  la  perspectiva  y  desarrollándose  la  teoría  de  la  proporción.  

• Se  exalta  el  valor  del  arte  grecorromano  iniciando  un  arte  calculado  para  alcanzar  la  perfección.  

• Pintura  La  pintura  del  Cinquecento  supone  la  cumbre  del  Renacimiento  italiano.  Se  desarrolló,  como  su  nombre  indica,  en  la  Italia  del  siglo  XVI,  pero  no  abarca  toda  la  pintura  de  ese  siglo,  sino  solamente  la  del  primer  tercio,  ya  que  el  clasicismo  y  el  equilibrio  propios  de  este  Alto  Renacimiento  desaparecen  a  partir  de  la  década  de  

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los  veinte.  Para  el  período  1520-­‐1600  se  prefiere  usar  el  término  de  Pintura  manierista.    

Características  • Sigue  trabajándose  sobre  todo  temática  religiosa,  pero  se  tratan  también  

otros  temas.  • Los  pintores  ya  no  se  obsesionan  con  la  perspectiva  lineal  y  geométrica,  

sino  que  procuran  una  mayor  naturalidad  en  sus  obras.    • El  dominio  técnico  de  la  perspectiva  lineal  y  del  ara(Tinttoreto)  permite  

engrandecer  los  escenarios  donde  la  arquitectura  y  figuras  rivalizan  en  monumentalidad  y  ejecutar  atraídos  escorzos  para  dar  sensación  de  profundidad.  

• Hombre  y  a  la  figura  humana  como  centro  y  espejo  de  la  nueva  estilística.  • Surge  el  sfumato  o  esfumado.  • El  artista  distribuye  personajes  de  un  modo  equilibrado  dentro  de  lo  

esquemas  geométricos  sencillos.  • Tienden  a  dar  más  importancia  al  dibujo  que  al  color.    • Él  dibujo  va  perdiendo  preeminencia,  a  medida  que  los  contornos  se  van  

difuminando,  con  lo  que  se  logra  un  claroscuro  de  luces  y  sombras  que  permiten  modelar  suavemente  las  figuras  para  que  aparezcan  más  redondeadas.    

• Se  logra  una  mayor  sensación  de  volumen  y,  en  el  paisaje,  la  profundidad  de  la  perspectiva  aérea  o  cromática,  por  contraposición  a  la  estricta  perspectiva  geométrica  propia  del  Quattrocento.  Para  conseguir  este  volumen  se  utilizan,  además,  otras  técnicas,  como  la  de  colocar  un  brazo  por  delante  de  la  persona  retratada,  lo  que  inmediatamente  sitúa  el  tronco  del  retratado  en  un  segundo  plano.  Esto  se  ve  en  La  Gioconda,  lo  mismo  que  en  el  Autorretrato  de  Durero  del  Prado.  

• La  luz  era  directa,  resultando  un  dibujo  un  poco  plano.  En  cambio,  apenas  una  generación  después,  la  luz  incide  de  manera  distinta,  creando  sombras  que  aportan  mayor  realidad  y  perspectiva.  No  son  ya  escenas  vibrantes  y  luminosas,  sino  que  aparece  la  neblina  o  el  crepúsculo.  

 

El  Sfumato  o  esfumado.  El  esfumado  (del  italiano  sfumato)  es  un  efecto  vaporoso  que  se  obtiene  por  aumentar  varias  capas  de  pintura  extremadamente  delicadas,  proporcionando  a  la  composición  unos  contornos  imprecisos,  así  como  un  aspecto  de  vaguedad  y  lejanía.  Se  utilizaba  en  los  cuadros  del  Renacimiento  para  dar  una  impresión  de  profundidad.  La  invención  de  esta  técnica,  así  como  su  nombre  sfumato,  se  deben  a  Leonardo  da  Vinci,  que  la  describía  como  "sin  líneas  o  bordes,  en  forma  de  humo  o  más  allá  del  plano  de  enfoque".          

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Principales  exponentes  

Leonardo  da  Vinci  (1425-­‐1519)    

Leonardo da Vinci, Autorretrato hecho entre 1512 y 1515. 333mm x 213 mm.    A  los  19  años  estudió  en  el  taller  del  pintor  florentino  Andrea  Verrochio  junto  a  Sandro  Botticelli  y  Perugino.  Desarrolló  el  estudio  de  las  matemáticas,  la  geometría,  la  perspectiva  y  todas  las  ciencias  de  la  observación  del  medio  natural,las  cuales  se  consideraban  indispensables  en  la  época.  Como  educación  complementaria,  también  estudió  arquitectura  e  ingeniería.  Leonardo  fue  un  humanista  renacentista,  destacado  en  múltiples  disciplinas.  Entre  sus  obras  más  destacadas  están  La  Virgen  de  las  

Rocas,  La  batalla  de  Anghiari,  Obra  innovadora,  La  Gioconda  y    La  última  cena.    

Miguel  Ángel  (1475-­‐1564)    

Retrato  de  Miguel  Angelo,  Marcello  Venusti,  1535.    Fue  un  arquitecto,  escultor  y  pintor  italiano  renacentista,  considerado  uno  de  los  más  grandes  artistas  de  la  historia  tanto  por  sus  esculturas  como  por  sus  pinturas  y  obra  arquitectónica.  Desarrolló  su  labor  artística  a  lo  largo  de  más  de  setenta  años  entre  Florencia  y  Roma,  que  era  donde  vivían  sus  grandes  mecenas,  la  familia  Médicis  de  Florencia,  y  los  diferentes  papas  romanos.  Fue  muy  admirado  por  sus  contemporáneos,  que  le  

llamaban  el  Divino.  Triunfó  en  todas  las  artes  en  las  que  trabajó,  caracterizándose  por  su  perfeccionismo.6  La  escultura,  según  había  declarado,  era  su  predilecta  y  la  primera  a  la  que  se  dedicó;  a  continuación,  la  pintura,  casi  como  una  imposición  por  parte  de  Julio  II,  y  que  se  concretó  en  una  obra  excepcional  que  magnifica  la  bóveda  de  la  Capilla  Sixtina;  y  ya  en  sus  últimos  años,  realizó  proyectos  arquitectónicos.  

Rafael  Sanzio  (1483-­‐1520)    Autorretrato,  1506,  Florencia,  Italia,  Oleo  sobre  tabla,  45cmx  33cm.    Raffaello  Sanzio,  también  conocido  como  Rafael  de  Urbino  o,  simplemente,  como  Rafael  fue  un  pintor  y  arquitecto  italiano  del  Alto  Renacimiento.  Además  de  su  labor  pictórica,  que  sería  admirada  e  imitada  durante  siglos,  

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realizó  importantes  aportes  en  la  arquitectura  y,  como  inspector  de  antigüedades,  se  interesó  en  el  estudio  y  conservación  de  los  vestigios  grecorromanos.  Entre  sus  obras  destacan  las  siguientes:  La  Madonna  del  Gran  Duca,  La  Madonna  del  Prado,  La  escuela  de  Atenas,  El  papa  Leon  X.        

 

Alberto  Durero  (1471-­‐1528)    Autorretrato,  1500,  Oleo  sobre  tabla,  67  x  49  cm,  Pinacoteca  Antigua  de  Munich,  Alemania.    Es  el  artista  más  famoso  del  Renacimiento  alemán,  conocido  en  todo  el  mundo  por  sus  pinturas,  dibujos,  grabados  y  escritos  teóricos  sobre  arte,  que  ejercieron  una  profunda  influencia  en  los  artistas  del  siglo  XVI  de  su  propio  país  y  de  los  Países  Bajos.  Obras  destacadas:  

• Autorretrato,  en  el  Museo  del  Prado.  • Adan  y  Eva,  en  el  Museo  del  Prado.  

 

Tiziano  (1487-­‐1576)    Autorretrato,  1567,  oleo  sobre  tela,  86x65  cm,  Museo  del  Prado.    El  máximo  representante  del  clasicismo  del  Cinquecento  veneciano.  Desarrollo  ampliamente  la  técnica  del  retrato,  de  la  que  fue  un  gran  maestro.  También  trabajo  temas  mitológicos,  alegóricos  y  de  iconografía  cristiana.    Obras  destacadas:  

• Retrato  ecuestre  de  Carlos  V.  • Venus  y  la  música.  

 

El  Greco  (  Domenikos  Theotokopulos)  (1541-­‐1614).    Retrato de un caballero anciano, considerado autorretrato (1595–1600), Museo Metropolitano de Arte, Nueva York, EE. UU.    Fue  un  pintor  del  final  del  Renacimiento  que  desarrolló  un  estilo  muy  personal  en  sus  obras  de  madurez.  Su  formación  pictórica  fue  compleja,  obtenida  en  tres  focos  culturales  muy  distintos:  su  primera  formación  bizantina  fue  la  causante  de  importantes  aspectos  de  su  estilo  que  florecieron  

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en  su  madurez;  la  segunda  la  obtuvo  en  Venecia  de  los  pintores  del  alto  renacimiento,  especialmente  de  Tiziano,  aprendiendo  la  pintura  al  óleo  y  su  gama  de  colores  —él  siempre  se  consideró  parte  de  la  escuela  veneciana—;  por  último,  su  estancia  en  Roma  le  permitió  conocer  la  obra  de  Miguel  Ángel  y  el  manierismo,  que  se  convirtió  en  su  estilo  vital,  interpretado  de  una  forma  autónoma.  Su  obra  se  compone  de  grandes  lienzos  para  retablos  de  iglesias,  numerosos  cuadros  de  devoción  para  instituciones  religiosas  -­‐en  los  que  a  menudo  participó  su  taller-­‐  y  un  grupo  de  retratos  considerados  del  máximo  nivel.    

Obras  destacadas  

La  ultima  cena  (1495-­‐1498)    

La  ultima  cena,  Leonardo  da  Vinci,  1495-­‐1497,  temple  y  oleo  sobre  yeso,  160  x  889  cm,  Santa  Maria  delle  Grazie,  Italia.    Es  una  pintura  mural  ejecutada  entre  1495  y  1497,  se  encuentra  en  la  pared  sobre  la  que  se  pintó  originariamente,  en  el  refectorio  del  convento  dominico  de  Santa  Maria  delle  

Grazie  en  Milán  (Italia).  Fue  elaborada  para  el  duque  Ludovico  Sforza  de  Milán.  Obra  mural  de  9x4  metros,  pintada  con  oleo  sobre  yeso  seco,  lo  que  provoco  problemas  técnicos  que  condujeron  a  su  rápido  deterioro.    Representa  la  Ultima  Cena  de  los  últimos  días  de  la  vida  de  Jesus  de  Nazaret.  Basada  en  Juan  13:21,  en  el  cual  Jesus  anuncia  que  uno  de  sus  12  discipulos  le  traicionaría.      Aunque  se  basa  en  las  representaciones  precedentes  de  Ghirlandaio  y  Andrea  del  Castagno,  Leonardo  crea  una  formulación  nueva,  dispone  a  Jesus  en  el  centro  acompañado  de  sus  discípulos.  La  iconografía  tradicional  aisla  a  Judas  para  resaltar  su  maldad,  con  lo  cual  se  potenciaba  su  protagonismo.  Leonardo  prefiere  diluirlo  en  el  grupo  para  que  toda  su  atención  recaiga  en  Jesus.    

 Última  Cena  de  Ognissanti  (1480)  Ghirlandaio  

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 “La  Última  Cena”  del  Cenáculo  de  Santa  Apolonia,  Andrea  del  Castagno    Usando  la  horizontalidad  teatral  pinta  una  gran  mesa  cuadrada,  los  apóstoles  sentados  y  dispuestos  en  grupos  de  a  tres,  alineados  a  ellos  con  Jesucristo  en  el  medio  y  detrás  una  sala  grande  con  ventanas  al  exterior,  viéndose  un  paisaje  montañoso  en  ellas.  Todo  elaborado  con  formas  cuadradas:  las  ventanas,  la  mesa,  la  caisa  del  mantel  en  la  mesa,  el  techo,  etc.  La  visión  desde  las  ventanas  aporta  perspectiva  y  una  visión  hasta  la  lejanía  por  el  paisaje  que  desde  ellas  se  aprecia.  La  mesa  con  los  trece  personajes  se  enmarca  en  una  arquitectura  clásica  representada  con  exactitud  a  través  de  la  perspectiva  lineal,  concretamente  central,  de  manera  que  parece  ampliar  el  espacio  del  refectorio  como  si  fuera  un  trampantojo  salvo  por  la  diferente  altura  del  punto  de  vista  y  el  monumental  formato  de  las  figuras.  Ello  se  logra  a  través  de  la  representación  del  pavimento,  de  la  mesa,  los  tapices  laterales,  las  tres  ventanas  del  fondo  o,  en  fin,  los  casetones  del  techo.  Esta  construcción  en  perspectiva  es  lo  más  destacado  del  cuadro.    Leonardo  procuró  dotar  a  sus  figuras  de  la  mayor  diversidad  posible  y  del  máximo  movimiento  y  contraste.  En  su  libro  de  pintura  aconseja  «Los  movimientos  de  las  personas  son  tan  diferentes  como  los  estados  de  ánimo  que  se  suscitan  en  sus  almas,  y  cada  uno  de  ellos  mueve  en  distintos  grados  a  las  personas  [...]».15  16  En  otro  pasaje  se  refiere  al  efecto  de  los  contrastes  «[...]  Lo  feo  junto  a  lo  bello,  lo  grande  junto  a  lo  pequeño,  el  anciano  junto  al  joven,  lo  fuerte  junto  a  lo  débil:  hay  que  alternar  y  confrontar  esos  extremos  tanto  como  sea  posible.»15  Esta  proximidad  y  antagonismo  de  las  figuras  es  lo  que  da  su  riqueza  a  La  Última  Cena:  Judas,  el  malvado/Juan,  el  bello  y  bueno;  cabezas  ancianas/cabezas  jóvenes;  personas  excitadas/personas  tranquilas.  Aún  el  mundo  puede  apreciar  el  carácter  innovador  del  cuadro  a  causa  de  las  innumerable  imitaciones  y  reproducciones  posteriores,  la  obra  nos  produce  un  efecto  de  serenidad  y  sencillez,  de  concentración  alrededor  del  núcleo  de  la  escena  que  en  ella  se  desarrolla.    

La  Gioconda      La  Gioconda,  entre  1503  y  1505,  Oleo  sobre  poplar  panel,  76.8x53cm,  Museo  de  Louvre,  Paris,  Francia.    

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También  conocido  como  La  Monna  Lisa.  Adquirida  por  el  rey  Francisco  I  de  Francia  a  principios  del  siglo  XVI,  desde  entonces  es  propiedad  del  Estado  Francés,  y  se  exhibe  en  el  Museo  del  Louvre  de  París.  Su  nombre  oficial  es  Gioconda  (alegre,  traducido  del  italiano  al  castellano),  en  honor  a  la  tesis  más  aceptada  acerca  de  la  identidad  de  la  modelo:  la  esposa  de  Francesco  Bartolomeo  del  Giocondo,  al  que  debe  su  apodo  y  que  realmente  se  llamaba  Lisa  Gherardini.   Sobre  la  cabeza  lleva  un  velo,  signo  de  castidad  y  atributo  frecuente  en  los  retratos  de  esposas.  El  brazo  izquierdo  descansa  sobre  la  butaca.  La  mano  derecha  se  posa  encima  de  este  brazo.  Esta  postura  transmite  la  impresión  de  serenidad  y  de  que  el  personaje  retratado  domina  sus  sentimientos.  La  técnica  de  Leonardo  da  Vinci  se  aprecia  con  más  facilidad  gracias  a  la  "inmersión"  de  la  modelo  en  la  atmósfera  y  el  paisaje  que  la  rodean,  potenciada  además  por  el  avance  en  la  "perspectiva  atmosférica"  del  fondo,  que  sería  logro  final  del  Barroco,  y  en  la  que  los  colores  tienden  al  azulado  y  la  transparencia,  aumentando  la  sensación  de  profundidad.  Se  considera  el  ejemplo  más  logrado  de  sfumato  o  esfumado.   El  Esfumado.  Leonardo  dibujó  el  esbozo  del  cuadro  y  después  aplicó  el  óleo  diluido  en  aceite  esencial.  La  técnica  empleada,  conocida  con  el  término  italiano  sfumato,  consiste  en  prescindir  de  los  contornos  netos  y  precisos  del  "Quattrocento"  y  envolverlo  todo  en  una  especie  de  niebla  imprecisa  que  difumina  los  perfiles  y  produce  una  impresión  de  inmersión  total  en  la  atmósfera,  lo  cual  da  una  sensación  de  tres  dimensiones  a  la  figura.  En  este  retrato,  la  dama  está  sentada  en  un  sillón,  y  posa  sus  brazos  en  los  apoyos  del  asiento.  En  sus  manos  y  sus  ojos  puede  verse  un  claro  ejemplo  característico  del  esfumado,  y  también  puede  destacarse  el  juego  que  hace  con  la  luz  y  la  sombra  para  dar  sensación  de  volumen.  Al  final  no  queda  en  el  cuadro  el  mínimo  trazo  de  pincel,  haciendo  muy  difícil  saber  a  simple  vista  cuál  ha  sido  la  técnica  pictórica  empleada.    

Detalle  de  la  mirada  de  la  modelo.            Detalle  de  las  manos  de  la  Gioconda    

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Frescos    de  la  Capilla  Sixtina  de  Miguel  Angel  (1508-­‐1512)  El  Vaticano.    La  decoración  de  la  bóveda  de  la  Capilla,  encargada  por  Julio  II  y  realizada  por  Miguel  Ángel  entre  1508  y  1512,  tiene  un  conjunto  de  nueve  pinturas  que  muestran  escenas  del  Génesis,  como:  La  Creación,  La  Relación  de  Dios  con  la  Humanidad  y  La  Caída  del  Hombre.    Es  una  capilla  con  una  gran  sala  de  40  x  13  metros,  cubierta  con  bóveda  de  cañon  situada  a  25  metros  de  altura  con  abundantes  lunetos  que  la  desfiguran  y  la  complican  a  la  hora  de  decorarla.    En  las  pechinas  que  sustentan  la  bóveda,  están  pintados  doce  hombres  y  mujeres,  los  profetas  y  las  sibilas,  que  profetizaron  que  Dios  enviaría  a  Jesucristo  para  la  salvación  de  la  humanidad.    Aunque  el  complejo  diseño  de  Miguel  Ángel  para  la  bóveda  no  era  exactamente  el  que  Julio  II  tenía  en  mente  cuando  le  encargó  pintar  a  los  Apóstoles,  el  proyecto  consistía  en  un  programa  iconográfico  consecuente  con  el  resto  de  la  decoración.  Sin  embargo,  esto  fue  alterado  cuando  posteriormente,  Miguel  Ángel  recibió  el  encargo  de  decorar  la  pared  del  altar  con  el  El  Juicio  Final,    que  realizó  entre  1536  y  1541.  Pintar  este  mural  exigió  que  se  eliminaran  dos  episodios  de  las  Vidas,  varios  de  los  Papas  y  dos  grupos  de  Ancestros.  Dos  ventanas  fueron  tapiadas  y  dos  de  los  tapices  de  Rafael  se  hicieron  innecesarios.  

 Diagrama  de  la  decoración  de  las  paredes  y  el  techo  de  la  Capilla  Sixtina,  que  se  compone  de  frescos  y  una  colección  de  tapices.  Son  obra  de  distintos  artistas  y  resultado  de  distintos  encargos,  algunos  de  los  cuales  se  contradecían.      Originalmente  estaba  pintado  como  un  cielo  azul  con  estrellas  doradas.  El  trabajo  comenzó  el  10  de  mayo  de  1508  y  se  prolongó  hasta  el  31  de  octubre  de  1512.24  Casi  30  años  más  tarde,  Miguel  Ángel  pintó  también  El  Juicio  Final,  sobre  la  pared  del  altar,  ente  1536  y  1541,  por  encargo  de  Paulo  III  Farnese.25  Miguel  Ángel  quedó  intimidado  por  las  dimensiones  del  encargo  y  dejó  claro  desde  el  principio  que  prefería  

rechazarlo.  Él  se  consideraba  escultor  antes  que  pintor,  y  sospechaba  que  algunos  de  sus  rivales  habían  aconsejado  el  Papa  que  le  encargase  un  proyecto  de  tan  gran  escala  para  verle  fracasar.  Para  Miguel  Ángel,  el  proyecto  era  sólo  una  distracción  de  su  trabajo  como  escultor  de  mármol,  que  le  había  mantenido  ocupado  durante  los  años  previos.    

La  bóveda  Para  alcanzar  el  techo,  Miguel  Ángel  necesitaba  un  soporte;  la  primera  idea  vino  del  arquitecto  del  Papa,  Donato  Bramante,  que  quería  construir  un  andamio  colgado  con  cuerdas.  Sin  embargo,  la  idea  de  Bramante  no  sirvió,  y  la  estructura  

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El lugar de sujeción del andamio se aprecia en este luneto � a� Aul � a   d � � H2   � Au   c   eI� l � � a� � � A� R� q2   � l u   e9� � � ti 2   a� � ei   a� q2   � � l ecIu2n   u� � c2�Aul Atl � � e � d tl z� ti 2   a� � ei   a� � u   9� 2e � � Aa� I� Hl ud � �   � I� � a� c�   � d �   u� � c2o   I� c�cl � u   � cl Al uI   c�   ei � e � s � l c�   e � � i 2o   ul c�   � a� c� A� u     cR� cl � u   � a� c� E   eI� e � cz� � a� c   �ctI2� � � � cl � u   �   cI   � � e � d tl � d t   eIu� c� AteI� � � z� ti 2   a� � ei   a� 2c9� � l al u   c� � utaa� eI   cR� HL� tad   eI   � Etct� a   c�   c   �   a� c2   al z� �e � a� � A� uI   �� � o� �   a� I   � s l � AteI9� � � al c� � eI   A� c� l c�   � � utcIl z� � l � u   �   aal cR� AteI9� � aI   ue � l c� � � al c�Aul H   I� c� n� � � a� c� ct� ta� cR� � l e � � l eLc� cl � u   �   a� � aI� u� n� � � � � u1� c�   e �   a� l Iul �   mIu   d l z� � e � a� �A� uI   � �   eIu� aR� ti 2   a� � ei   a� AteI9� e2   E   �   c�   e � c�   a� � (e   ctcz� � uti te � ad   eI   � c9al � c   �a   �   e � � ui 9� AteI� u� l �   � Hti 2u� cR� al c� � l �   � � A9cIl a   cz� �   � s � . 9�   a� Iu� � � ol � Al uq2   � (a� c   �� l ect   u� � � �   c� 2aIl uR� el � AteIl uz� � a� � � A� � tl � A   ud tcl � � � ti 2   a� � ei   a� A� u� � AteI� u� a� c�   c�   e � c� n� Hti 2u� c� � 1� at� � c� q2   � (a�   ati t   u� � � l d l � � l d A   ec� � t9ez� � 2� e l �   a� Iu� � � ol �   cI2El � I   ud te � l R� s � � 1� � AteI� l � d Lc�   � éí í � Hti 2u� cR� q2   � d l cIu� � � e � a� � � u   � � t9eR�� Le � n� � E� �   e �   a� � � u 1e �   a� � ( e � n�   a� � ta2Etl � � etE   uc� az�

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Algo  raro  en  el  orden  de  los  frescos  es  que  al  entrar  a  la  capilla  por  la  puerta  principal,  la  primera  escena  que  vemos  pintada  es  la  de  La  embriaguez  de  Noé,  en  otras  palabras,  las  escenas  están  pintadas  en  el  orden  inverso.    Las  escenas  son  las  siguientes:  1.  La  Embriaguez  de  Noé  (Génesis  IX,  23).  Se  observa  a  Noé  embriagado  y  dormido,  

Cam  avisa  a  sus  hermanos  Sem  y  Jafet,  que  con  su  manto  tapa  la  desnudez  de  su  padre.  El  aspecto  escultural  de  las  figuras  y  su  aptitud  clásica  revelan  la  influencia  de    los  relieves  antiguos.        La  embriaguez  de  Noé,  Miguel  Angel.  

2.  El  Diluvio  (Génesis  VII,  18).  El  pintor  representó  la  escena  con  un  gran  dramatismo,  se  aprecia  en  los  rostros  la  angustia  y  el  horror  delante  de  la  furia  de  los  elementos,  según  Ascanio  Condivi,  primer  biógrafo  de  Miguel  Ángel,  esta  fue  la  

primera  escena  que  pintó  en  la  bóveda,  las  dificultades  que  pasó  con  la  pintura  le  hicieron  decidir  trabajar  solo,  sin  ayudantes.  Las  figuras  en  posiciones  diversas  muestran  violentos  escorzos.  El  Diluvio,  Miguel  Angel.  

▪ 3.  El  Sacrificio  de  Noé  (Génesis  VIII,  20).  Esta  escena  es  la  más  académica,  con  un  

gran  ritmo  de  composición  y  con  una  perspectiva  rigurosa  que  se  resalta  con  la  posición  en  esquina  del  altar  del  sacrificio,  las  figuras  están  ordenadas  dentro  de  una  geometría  ovalada.  El  Sacrificio  de  Noe,  Miguel  Angel.  

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4.  Caída  del  Hombre,  pecado  original  y  expulsión  del  Paraíso  (Génesis  II,  4).  Desde  esta  zona  se  encuentra  la  segunda  fase  de  la  pintura,  así  se  cree  que  una  vez  retirados  los  andamios  Miguel  Ángel  pudo  contemplar  desde  la  distancia  el  efecto  de  sus  pinturas,  y  en  consecuencia,  se  ve  un  aumento  en  la  medida  de  las  figuras,  así  como  la  disminución  del  número,  naturalmente  también  es  la  necesidad  ilustrativa  en  las  siguientes  escenas  para  las  historias  que  cuenta.  Esta  escena  corresponde  a  dos  narraciones  el  pecado  original  y  la  expulsión  del  Paraíso,  con  un  

equilibrio  perfecto  y  una  torsión  de  las  figuras  en  contrapposto,  aquí  se  ve  una  clara  alusión  a  Masaccio  en  comparación  con  su  pintura  Los  primeros  Padres.   Caida  del  hombre,  pecado  origila  y  expulsión  del  Paraiso,Miguel  

Angel.    5.  Creación  de  Eva  (Génesis  II,  21:  Entonces  Yahvé  Dios  hizo  caer  un  sueño  profundo  sobre  Adán  y,  mientras  este  dormía,  tomó  una  de  sus  costillas  y  cerró  la  carne  en  su  lugar).  Del  costado  de  Adán  surge  Eva  con  las  manos  en  posición  de  rezar  a  Dios,  su  creador.  La  desnudez  de  Eva  carece  de  seducción,  el  cuerpo  presenta  una  gran  pesadez  y  el  rostro  está  realizado  con  trazos  gruesos  pareciéndose  a  una  matrona  romana,  mientras  Adán  se  muestra  con  un  rostro  tranquilo  y  con  una  sensación  de  dulzura  en  su  sueño.  Como  modelo  para  esta  representación  el  artista  se  inspiró  en  

las  esculturas  que  había  visto  en  el  año  1494,  realizadas  por  Jacopo  della  Quercia  para  la  puerta  Magna  de  la  Basílica  de  San  Petronio  de  Bolonia.  Se  puede  observar  en  este  fresco  la  simbología  de  los  cuatro  elementos,  en  el  suelo  rocoso,  la  tierra,  en  el  fondo  una  superficie  de  agua  azul,  el  aire  en  toda  la  pintura  y  finalmente  el  fuego  en  el  color  rojo  de  la  túnica  de  Dios.  Creación  de  Eva,  Miguel  Angel.  

6.  La  creación  de  Adán  (Génesis  I,  26:  Entonces  dijo  Dios:  Hagamos  al  hombre  a  nuestra  imagen,  conforme  a  nuestra  semejanza).  Nadie  como  Miguel  Ángel  había  sabido  plasmar  la  creación  de  la  vida  humana  con  tanta  sencillez  y  fuerza  este  misterio,  la  feliz  idea  de  transmisión  por  contacto  de  los  dedos,  como  si  fuera  un  punto  de  electricidad,  según  Ernst  Gombrich  es:  "uno  de  los  más  grandes  milagros  del  arte"  La  inspiración  de  Miguel  Ángel  pudo  venir  del  himno  medieval  Veni  Creator  Spiritus  donde  se  pide  que  el  dedo  de  la  mano  paterna  derecha  (digitus  paternae  dexterae)  de  a  los  fieles,  amor  y  corazón.  Existe  un  contraste  entre  la  estructura  esférica  del  manto  que  envuelve  al  Creador  con  todos  los  ángeles  y  el  alargar  la  

línea  de  su  cuerpo  hacia  Adán,  rebosando  energía  y  una  dinámica  violenta.  Adán  en  cambio,  muestra  una  soberbia  belleza  con  unas  

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formas  armónicas  e  indolentes  dando  la  mano  para  encontrar  la  vida.   La  creación  de  Adán,  Miguel  Ángel,  280x570  cm,  fresco,  1510.    7.  Separación  de  las  aguas  y  la  tierra  (Génesis  I,  9).  Aquí  representó  a  Dios  volando  

con  los  dos  brazos  extendidos  para  mostrar  la  energía  en  sus  manos  y  dando  orden  para  la  separación  de  las  aguas  y  la  tierra.   Separación  de  las  aguas  y  la  tierra,  Miguel  

Ángel.  

8.  Creación  de  los  astros  y  las  plantas  (Génesis  I,  4).  En  este  tramo,  se  representan  el  tercer  y  cuarto  día  de  la  creación,  la  figura  de  Dios  de  espaldas  crea  la  plantas  y  el  lado  de  frente  con  un  gesto  poderoso  crea  los  astros,  la  doble  presencia  quizás  alude  a  la  omnipresencia  del  Creador.   Creación  de  los  astros  y  las  plantas,  

Miguel  Ángel.    

 9.  Separación  de  la  luz  de  la  oscuridad  (Génesis  I,  4).  Con  una  gran  originalidad  en  el  escorzo,  las  dos  manos  separan  la  noche  del  día,  como  si  fuese  un  atlante,  Dios,  soporta  el  peso  del  cosmos.            Separación  de  la  luz  de  la  oscuridad,  Miguel  Ángel.  

     

Desnudos  o  ignudi  Uno de los ignudi de Miguel Ángel, Capilla Sixtina.  Los  adolescentes  desnudos  representan  las  anillas  entre  el  hombre  y  lo  divino,  son  la  equivalencia  de  los  ángeles  de  la  tradición  cristiana  

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Medallones  

 Detalle  de  un  medallón  de  Miguel  Angel,  Capilla  Sixtina.    Las  pequeñas  escenas  bíblicas  mostradas  en  los  diez  escudos  circulares  sostenidos  por  los  ignudi,  pintados  para  parecerse  al  bronce  y  con  pan  de  oro.  Cada  uno  de  ellos  está  decorado  con  un  cuadro  extraído  del  Antiguo  Testamento  o  Libro  de  los  Macabeos.    

Pechinas    

 Detalle  de  una  pechina,  David  y  Goliat,  Capilla  Sixtina.    También  están  las  escenas  de  las  pechinas  de  las  esquinas  las  cuales  podrían  resumirse  en  los  cuatro  momentos  decisivos  de  la  salvación  del  pueblo  de  Israel.  Son  cuatro  historias  del  Antiguo  Testamento  que  marcaron  el  destino  de  Israel  y  de  todo  el  pueblo  de  Dios.    

Las  pinturas  realizadas  por  Miguel  Ángel  en  la  capilla  Sixtina  fueron  el  símbolo  de  la  pintura  renacentista  y  el  principio  del  manierismo.    

Profetas  y  Sibilas  La  representación  de  los  Profetas  del  Antiguo  Testamento  y  las  Sibilas,  ocupan,  los  espacios  triangulares  y  son  las  figuras  más  grandes  del  conjunto  de  la  obra  de  la  bóveda,  debajo  de  los  profetas  aparece  el  nombre  en  latín  de  cada  uno.  

Detalle  del  profeta  Jeremias,  Miguel  Angel,  Capilla  Sixtina.        

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Detalle  de  Sibila  Delfica,  Miguel  Angel.  Capilla  Sixtina.  

Figuras  desnudas  de  bronce    

Pareja  de  figuras  simulando  Bronce,  Miguel  Angel,  Capilla  Sixtina.    Estas  figuras  se  cree  que  simbolizan  a  los  demonios  y  están  separadas  entre  ellas  por  un  cráneo  de  carnero,  símbolo  de  la  muerte  y  el  pecado.    

Antepasados  de  Cristo    

 Luneto  con  Aquim  y  Eliud,  Capilla  Sixtina.    Debajo  de  los  Profetas  y  las  Sibilas  se  encuentran  los  lunetos  donde  están  los  nombres  de  los  antepasados  de  Cristo  según  el  Evangelio  de  Mateo  (Ma  1:1-­‐16),  y  escenas  sobre  estos.  

     

La  escuela  de  Atenas    

La  escuela  de  Atenas,  1509,  Rafael.    Representa  la  Filosofía,  a  través  de  una  escena  en  la  que  se  narra  una  sesión  entre  los  filósofos  clásicos.  En  esta  obra,  Rafael  adapta  el  espacio  a  las  leyes  de  la  superficie.  Ordena  las  figuras  de  izquierda  a  derecha.  La  perspectiva  queda  rota  por  los  muros  laterales  sobresalientes.1  Debido  a  que  estaría  ubicada  

sobre  la  sección  de  filosofía  del  papa  Julio  II,  La  escuela  de  Atenas  muestra  a  los  filósofos,  científicos  y  matemáticos  más  importantes  de  la  época  clásica.  Los  filósofos  se  encuentran  en  una  arquitectura  clásica,  abovedada  como  

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unas  termas.  En  unos  nichos  se  ven  figuras  gigantescas  de  los  dioses  Apolo  y  Atenea.  Esta  arquitectura  recuerda  el  proyecto  de  la  basílica  de  San  Pedro  elaborado  por  Bramante.  Platón  y  Aristóteles,  que  durante  toda  la  Edad  Media  estuvieron  considerados  como  los  principales  representantes  de  la  filosofía  antigua,1  se  encuentran  en  el  centro  de  la  composición,  alrededor  del  punto  de  fuga.  Platón  está  sosteniendo  el  Timeo.  Aristóteles  sostiene  una  copia  de  su  Ética  a  Nicómaco.  Ambos  debaten  sobre  la  búsqueda  de  la  Verdad  y  hacen  gestos  que  se  corresponden  a  sus  intereses  en  la  filosofía:  Platón  está  señalando  el  cielo  mientras  que  Aristóteles  la  tierra.  En  otros  personajes  se  ha  identificado  a  distintos  filósofos  de  la  Antigüedad,  puestos  sobre  dos  niveles,  separados  de  una  escalinata.  A  la  izquierda  puede  reconocerse  la  figura  de  perfil  de  Sócrates.1  A  la  izquierda,  se  encuentra  un  gran  bloque  de  piedra  cuyo  significado  puede  estar  conectado  con  la  Primera  epístola  de  Pedro;  simboliza  a  Cristo,  la  "piedra  angular".  El  hombre  ubicado  sobre  el  bloque  es  Heráclito,  con  los  rasgos  de  Miguel  Ángel.  Este  personaje  no  estaba  en  el  esbozo  o  cartón  de  este  fresco,  que  se  conserva  en  la  Biblioteca  Ambrosiana  de  Milán.  Se  retrata  en  esta  figura  a  Miguel  Ángel,  como  se  ve  en  el  rostro,  que  es  el  del  pintor  florentino  ligeramente  mejorado,  además  de  en  las  características  stivali  que  calza:  eran  unas  botas  de  montar  que  el  pintor  florentino  no  solía  quitarse;  está  escribiendo  uno  de  sus  sonetos.  En  1510,  Rafael  vio  el  trabajo  de  Miguel  Ángel  en  la  bóveda  de  la  Capilla  Sixtina,  tras  esto  lo  agregó  en  su  pintura  como  señal  de  respeto  hacia  el  artista.  Al  tiempo,  esta  figura  evita  un  gran  vacío  en  esa  parte  del  fresco.  El  autorretrato  de  Rafael  está  ubicado  a  la  derecha  del  cuadro,  el  joven  de  cabello  marrón  que  observa  al  espectador,  tocado  con  un  sombrero  redondo  de  color  azul;  a  su  lado,  Perugino  con  idéntico  sombrero  pero  en  blanco.  A  la  izquierda  de  la  pintura  se  encuentra  Hipatia  de  Alejandría  (pintada  como  Margherita  Luti  o  Francesco  Maria  I  della  Rovere),  vestida  en  blanco,  y  observando  al  espectador.  

Leonardo  da  Vinci  como  Platón.  

   

Miguel  Angel  como  Heraclito      

     

 Autorretrato  de  Rafael  

   

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Bramante  como  Euclides  o  Arquímedes.      

Adán  y  Eva    

Alberto  Durero,  1507,  oleo  sobre  tabla,    209  cm  x  81  y  80  cm,  Museo  del  Prado,  Madrid,  España.    Los  cuerpos  siguen  un  canon  muy  alargado:  nueve  cabezas  de  altura,  en  lugar  del  canon  tradicional  de  ocho  cabezas.  Algunos  críticos  lo  atribuyen  a  una  influencia  gótica  o  incluso  ven  un  preludio  del  manierismo.        

   Figura  humana  según  el  canon  de  proporciones.  Son  los  primeros  desnudos  a  tamaño  natural  en  la  pintura  nórdica.  El  artista  realiza  un  estudio  en  profundidad  de  la  anatomía  humana  y  demuestra  su  gran  habilidad  como  dibujante.  Representa  la  culminación  de  las  búsquedas  de  Durero  del  color  absoluto  y  la  belleza  ideal;  se  pueden  considerar,  en  su  armonía  

abstracta,  la  síntesis  del  ideal  de  belleza  del  pintor.  Las  obras,  aunque  separadas,  mantienen  una  estrecha  relación  gestual,  manteniendo  la  idea  de  conjunto.  Conjunto  que  gira  en  torno  a  la  figura  central,  la  de  Eva,  flanqueada  por  Adán  y  por  la  serpiente  tentadora.  Esta  unidad  se  completa  con  la  rama  que  cubre  el  sexo  de  las  dos  figuras,  que  mantiene  su  unidad  a  pesar  de  la  separación  impuesta  por  los  marcos.  

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Venus  y  la  música.                      Venus  recreándose  en  la  música,  hacia  1550,  Tiziano  Oleo  sobre  lienzo,  138x  222,4  cm.  Museo  Nacional  del  Prado,  Madrid,  España.  

                   

Venus  recreándose  con  el  amor  y  la  música,  Tiziano,  hacia  1555,  oleo  sobre  lienzo,  150.2x218.2  cm,  Museo  nacional  del  Prado,  Madrid,  España.  

 Venus  escucha  la  música  que  toca  un  organista,  acompañada  por  Cupido  y  recostada  sobre  un  lecho  delante  de  una  ventana  a  través  de  la  cual  se  pueden  ver  los  jardines  de  una  villa.      Se  conservan  cinco  composiciones  dedicadas  a  Venus  y  la  Música  obra  de  Tiziano,  y  todas  ellas  se  ajustan  a  un  mismo  modelo,  variando  el  acompañante  entre  un  organista  y  un  tañedor  de  laúd  y  el  perro  por  Cupido  (Museo  del  Prado,  Staatliche  Mussen  de  Berlín,  Metropolitan  Museum  de  Nueva  York  y  Fitzwilliam  Museum  de  Cambridge).      Las  pinturas  han  sido  interpretadas  de  diversas  maneras,  siendo  para  algunos  historiadores  simples  escenas  eróticas  y  para  otros  alegorías  neoplatónicas  de  los  sentidos,  entendiendo  la  vista  y  el  oído  como  instrumentos  de  conocimiento  de  la  belleza  y  la  armonía.  

• Escultura El  Cinquecento  o  pleno  Renacimiento  se  desarrollaron  a  lo  largo  del  siglo  XVI  con  características  diferenciadas  en  cada  una  de  las  dos  mitades  del  siglo,  dominando  el  clasicismo  en  la  primera  y  el  manierismo  en  la  segunda.  En  la  escultura  del  Cinquecento  aumenta  la  reproducción  de  obras    clásicas  debido  a  la  tendencia  a  la  idealización,  a  lo    grandioso  y  a  la  mayor    preocupación    por  el  cuerpo  humano.  

Características  • Es  el  máximo  auge  de  la  escultura  • Gusto  por  la  grandiosidad  monumental  

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• Esculturas  de  bulto  redondo  • Estudio  de  la  anotomía  del  cuerpo  humano  

Principales  Exponentes La  figura  del  genial  artista  y  hombre  renacentista  Miguel  Ángel  Buonarroti  (1475-­‐1564)  domina  todo  el  panorama  artístico  de  la  Roma  del  siglo  XVI.      Dentro  de  la  escultura    manierista  está  representada  por:  

•  Juan  de  Bolonia,  •  Benvenuto  Cellini    • Miguel  Ángel  

 Miguel  Ángel  Buonarroti  es  sin  duda  el  escultor  más  importante  de  su  tiempo    Mientras  consolidaba  su  formación    en  el  realismo  florentino    del  quattrocento  sintió  la  llamada  del    neoplatonismo  que  veía  la  presencia  de  lo  espiritual  en  la  materia.  Su  arte  camino  a  la    búsqueda  de  esa  idea    que  permitía  plasmar    la  belleza  sublime  y  moral.  Su  carácter  huraño  y  su  inclinación  hacia  el  mismo  sexo  y  su  enorme  sensibilidad  hicieron  de  el  un  hombre  cohibido    y  versátil  que  lo  lleva  aúna  vida    retraída    y  solitaria  hasta  el  punto  que  careció  de  colaboradores  Fue  un  hombre    muy  culto  de    de  espirito  selecto    y  cultivado.    En  sus  obras  se    mezcla  la  lirica    y  la  melancolía    pero  el  rasgo  más  significativo    es  la  fuerza  dinámica,  el  vigor  físico  y  psíquico.  Para  él  la  piedra  esconde  la  idea:  solo  que  se  elimina  el  material    sobrante.    En  los  cuerpos  se  nos  revela  su  profundo  estudio  anatómico    y  el  fuerte  impacto  de  Laooconte    descubierto  en  esos  años    Los  músculos  pugnan  por  manifestase  bajo  la  piel    y  en  todo  el  cuerpo  rebosa    de  un  dinamismo  contenido,  con  lo  que  se  preludia  al  el  manierismo,  caracterizado  por  la  búsqueda  de  nuevos  efectos    artísticos:  tenciones,  posiciones,  forzadas  distorsiones  y  apasionamientos  

Obras  

La  Piedad  Miguel  Ángel  

La piedad Miguel Ángel (1498 y 1499) mide 174 por 195 cm país Italia, ciudad Roma.

La  Piedad  del  Vaticano  o  Pietà  es  un  grupo  escultórico  en  mármol  realizada  por  Miguel  Ángel  entre  1498  y  1499.  Sus  dimensiones  son  174  por  195  cm.  Se  encuentra  en  la  Basílica  de  San  Pedro  del  Vaticano.  Esta  obra  es  de  bulto  redondo,  lo  que  significa  que  se  puede  ver  en  todos  los  ángulos,  pero  el  punto  de  vista  preferente  es  el  frontal.  Una  Virgen  joven,  bella  y  piadosa  cuyas  vestiduras  se  expanden  con  numerosos  pliegues,  sostiene  al  

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Hijo  muerto  y  que,  intencionadamente,  aparenta  mayor  edad  que  la  Madre,  en  una  composición  triangular  sosegada  y  llena  de  ternura.  La  juventud  de  la  Virgen  es  muestra  del  idealismo  renacentista:  se  trata  de  representar  el  ideal  de  belleza  y  juventud,  una  Virgen  eternamente  joven  y  bella.  La  obra  fue  encargada  por  el  cardenal  de  san  Dionisio  Jean  Bilhères  de  Lagraulas  o  de  Villiers,  benedictino  embajador  del  monarca  francés  ante  la  Santa  Sede,  al  que  el  autor  conoció  en  Roma.  El  contrato  entre  el  artista  y  el  cliente  se  firmó  el  26  de  agosto  de  1498,  y  en  el  que  se  estipulaba,  además  del  pago  de  450  ducados  de  oro,  que  habría  de  estar  terminada  antes  de  un  año,  y  en  efecto,  dos  días  antes  de  cumplirse  el  plazo  la  obra  maestra  ya  estaba  terminada,  cuando  el  cardenal  había  muerto  unos  días  antes,  por  lo  que  su  primer  emplazamiento  fue  sobre  la  propia  tumba  del  prelado  en  la  Capilla  de  Santa  Petronila  del  Vaticano.  La  Piedad  fue  trasladada  en  1749  a  su  ubicación  actual  en  la  Basílica  de  San  Pedro,  la  primera  capilla  a  la  derecha.  

Tumba  De  Julio  II  

Tumba  de  Julio  II,  con  las  estatuas  de  Miguel  Ángel  Raquely  Leah  a  izquierda  y  derecha  de  su  Moisés.  (1513-­‐1515)    ciudad  roma  país  Italia      (Farga  y  Fernández  2008) Deseando  rematar  su  gentío      con  un  mausoleo    situado  bajo  la  cúpula  de    de  San  Pedro    que  recordase  al  mudo    su  grandeza  ,  el  papa  encarga  su  proyecto  a  Miguel  Ángel  ,  el  cual  este    dedica  

cuarenta  años  ,  lo  concibió  como  un  gran  conjunto  asimilado  formado  por  tres  pisos    de  7  x  11  metros    y  unas  cuarenta  esculturas.  Su  ejecución  requería  su  plena  dedicación,  para  los  encargos  ,  pero  la  insistencia  papal  para  que  pintara  la  capilla  Sixtina    le  obligaron  a  reducir  paulatinamente  sus  proporciones    además  acaecida  la  muerte  del  papa    sus  sucesores  perdieron  interés.  El  proyecto  sufrió  constantes    replanteamientos    hasta  con  vértice  en  un  simple  mausoleo    adosado  en  el  cual  solo  aparece  moisés,  los  esclavos,  lea    y  Raquel.  En  esta  obra  funeraria  miguel  ángel  representa  las  creencias  metafísicas  del  hombre    que  concilia  el  paganismo  platónico    en  el  cristianismo  

David  De  Miguel  Ángel  

David  de  miguel  ángel    (1501-­‐  1504)  mármol  blanco,  5.10m  de  altura  ,Galería  de  academia  de  Florencia    (  wikipedia).   La  escultura  representa  al  Rey  David  bíblico  en  el  momento  previo  a  enfrentarse  con  Goliat,  y  fue  acogida  como  un  símbolo  de  la  República  de  Florencia  frente  a  la  hegemonía  de  sus  derrocados  dirigentes,  los  Médici,  y  la  amenaza  de  los  estados  adyacentes,  especialmente  los  Estados  Pontificios.  El  David  es  una  de  las  obras  

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maestras  del  Renacimiento  según  la  mayoría  de  los  historiadores,  y  una  de  las  esculturas  más  famosas  del  mundo.  Actualmente  se  encuentra  expuesta  en  la  Galería  de  la  Academia  de  Florencia,  aunque  hasta  1910  estuvo  ubicada  en  la  Plaza  de  la  Señoría  de  la  capital  toscana;  desde  entonces  en  su  lugar  se  erige  una  copia  de  la  obra  a  tamaño  real  realizada  también  en  mármol.    El  David  contrasta  con  las  representaciones  previas  de  Donatello  y  Verrocchio  en  las  que  David  aparece  con  el  cuerpo  de  Goliat  asesinado.  En  la  versión  de  Miguel  Ángel,  Goliat  no  aparece,  por  lo  que  se  interpreta  que  aún  no  ha  sido  vencido.  El  cuerpo  de  David  es  el  de  un  hombre  musculoso,  no  el  del  muchacho  de  las  obras  de  Donatello  y  Verrocchio.  En  lugar  de  aparecer  victorioso  como  en  las  dos  versiones  antes  mencionadas,  David  aparece  en  tensión  y  preparado  para  el  combate.  Su  cuerpo  se  encuentra  girado  con  un  ligero  contrapposto:  la  pierna  izquierda  se  adelanta  a  la  derecha,  el  brazo  izquierdo  se  eleva  y  se  curva  hasta  que  la  mano  casi  toca  el  hombro,  mientras  que  el  brazo  derecho  se  deja  caer  hasta  que  la  mano  toca  el  muslo,  el  torso  se  curva  sutilmente,  la  cabeza  mira  hacia  su  izquierda,  manteniendo  los  ojos  fijos  en  su  objetivo,  con  el  ceño  fruncido.  El  rostro  evidencia  esta  tensión  contenida,  además,  con  una  mueca  de  odio  y  las  aletas  de  la  nariz  bastante  abiertas.  El  movimiento  es  contenido,  centrípeto  con  líneas  de  fuerza  que  vuelven  al  bloque.  La  mirada  ha  sido  interpretada  en  el  sentido  de  que  la  escultura  muestra  el  momento  en  el  que  David  ha  tomado  la  decisión  de  atacar  pero  aún  no  ha  comenzado  el  combate.  Otros  expertos,  como  Giuseppe  Andreani  (director  de  la  Academia  de  Bellas  Artes  de  Florencia),  opinan  sin  embargo  que  la  escena  muestra  el  momento  inmediatamente  posterior  al  final  de  la  batalla,  y  que  David  contempla  tranquilamente  su  victoria.  

Sepulcro  de  los  Médicis  

Nueva  de  San  Lorenzo  de  Florencia  (1529-­‐1520)  

 Miguel  Ángel  empieza  en  1529  la  capilla  de  los  Medici,  situada  en  la  sacristía  nueva  de  la  iglesia  de  san  Lorenzo,  en  Florencia.  Fue  encargada  por  León  X  de  Médicis  en  marzo  de  1520  para  albergar  las  tumbas  de  los  últimos  representantes  de  su  familia:  Lorenzo  el  Magnífico,  su  hermano  Giuliano,  asesinado  en  la  conjura  de  los  Pazzi,  Lorenzo,  duque  de  Urbino,  y  Giuliano,  duque  de  Nemours.  Estos  últimos  son  sobrino  y  hermano  del  papa  respectivamente  y  son  los  únicos  que  están  enterrados  aquí.  El  proyecto  del  monumento  fúnebre  fue  modificado  hasta  llegar  a  lo  actual:  dos  tumbas  de  pared,  con  estructura  

dividida  por  pilastras  gemelas  que  definen  el  motivo  miguelangelesco  de  los  nichos  en  edículo.  En  la  parte  inferior,  el  sarcófago  está  provisto  de  una  tapa  adornada  de  

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volutas  sobre  las  que  se  han  colocado  alegorías  de  las  fases  del  día.  En  el  nicho  central  está  colocado  el  retrato  del  difunto,  con  armadura  de  tipo  clásico.  Ningún  emblema  de  la  familia  adorna  la  tumba;  no  hay  epitafio  que  aluda  a  su  nombre  o  a  sus  hazañas.  El  monumento  fúnebre  se  completa  con  dos  estatuas  alargadas  sobre  el  sarcófago.  Se  trata  de  figuras  desnudas,  poderosas  en  las  formas  bien  definidas  del  cuerpo;  se  las  conoce  como  la  personificación  de  fases  del  tiempo:  la  Aurora  y  el  Crepúsculo.  La  frase“El  tiempo  que  consume  Todo”  de  Ascanio  Condivi  se  puede  entender  como  la  clave  de  lectura  más  sencilla  del  conjunto,  que  representaría  la  condición  humana,  entendida  en  el  inexorable  fluir  del  tiempo,  una  meditación  sobre  la  brevedad  de  la  vida.  Este  es  el  sepulcro  de  Lorenzo  que  está  sentado,  en  actitud  meditativa  y  con  el  brazo  derecho  retorcido  en  una  espiral.  Este  homenaje  a  la  vida  contemplativa  hace  que  la  obra  sea  conocida  como  Il  pensieroso.  El  sepulcro  que  se  encuentra  enfrente  es  el  de  Juliano.  Tiene  características  similares  al  de  Julián.    

Perseo  de  Cellini Escultura en bronce "Perseo con la cabeza de Medusa",

obra del escultor italiano Benvenuto Cellini. Florencia, Italia (1545 - 1554)  

Perseo  con  la  cabeza  de  Medusa,  también  denominada  el  Perseo  de  Cellini,  es  una  escultura  realizada  en  bronce  por  Benvenuto  Cellini,  considerada  una  de  las  obras  cumbres  de  la  escultura  manerista  italiana  y  una  de  las  estatuas  más  famosas  de  la  Piazza  della  Signoria  en    Florencia,  Italia  La  escultura  de  Perseo  fue  encargada  por  Cósimo  I  después  de  su  toma  de  posesión  como  Duca  de  la  

ciudad,  la  obra  fue  realizada  entre  1545  y  1554.  La  estatua  que  se  observa  en  la  actualidad  es  la  original  que  solo  fue  trasladada  en  1998  para  realizarle  una  profunda  limpieza  y  restauración.  

Rapto  de  las  Sabinas  

(1581 – 1582)

Es  una  escultura  obra  de  Giambologna  escultor  franco-­‐flamenco  activo  en  Florencia  en  el  siglo  XVI.  La  escultura  formaba  parte  de  la  colección  ducal  de  La  Loggia  en  la  plaza  de  la  Señoría  de  la  ciudad.  Juan  de  Bolonia  en  1581  comenzó  lo  que  se  considera  su  obra  maestra,  el  Rapto  de  las  Sabinas,  finalizado  alrededor  de  1582.  Al  parecer,  la  escultura  no  fue  producto  de  un  encargo  y  se  llevó  a  cabo  por  el  autor  como  una  demostración  de  virtuosismo.  Cuando  Francisco  I  de  

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Médici  vio  la  obra  se  entusiasmó  y  ordenó  su  instalación  en  la  Loggia  dei  Lanzi,  cerca  del  Palazzo  Vecchio.

• Arquitectura  Al  humanismo  emotivo  del  s.  XIII  (franciscano)  viene  a  sustituirle  un  humanismo  racional.  En  las  universidades  se  leen  los  clásicos  en  griego  o  en  latín,  se  discuten  postulados  teológicos  y  se  duda  de  los  dogmas.  La  imprenta  permite  la  divulgación  de  la  cultura  escrita  y  la  brújula  permite  la  ampliación  de  horizontes  y  la  conquista  del  mundo.  Por  primera  vez  desde  la  Antigüedad,  el  hombre  se  siente  centro  del  Universo  (Antropocentrismo)  y  reclamará  un  lenguaje  a  su  medida.  En  el  gótico  las  dimensiones  del  edificio  poseen  al  hombre,  lo  elevan  o  lo  distienden,  pero  en  el  Renacimiento  será  el  hombre  quien  domine  el  edificio,  gracias  a  sus  proporciones  creadas  por  artistas  que  razonan  según  métodos  y  procesos  humanos.  El  equilibrio  entre  las  dimensiones  de  la  planta  y  la  altura  responden  a  una  exigencia  humana,  según  la  cual  no  deben  preponderar  las  dimensiones  verticales  sobre  las  horizontales.  Frente  al  teocentrismo  medieval,  se  abre  paso  el  antropocentrismo  de  raíces  clásicas.  El  hombre  es  tridimensional,  pero  se  relaciona  con  las  cosas  preferentemente  sobre  el  plano  horizontal.  La  contemplación  del  horizonte  es  afín  a  la  biología  humana,  pero  la  observación  de  una  aguja  gótica  requiere  de  un  mayor  esfuerzo,  que  se  traduce  en  desazón.  En  el  primer  Renacimiento  la  arquitectura  logra  encontrar  la  medida  del  hombre  al  establecer  proporciones  sencillas,  ceñidas  a  una  geometría  simple  y  comprensible.  Es  la  misma  medida  humana  que  el  hombre  griego  había  sabido  encontrar  para  sus  espacios  exteriores,  pero  que  ahora  encontraremos  en  los  espacios  interiores.    La  superación  de  los  clásicos,  manteniendo  siempre  la  búsqueda  del  clasicismo  típica  del  período,  se  dio  especialmente  en  la  medida  que  los  arquitectos  propusieron  soluciones  espaciales  clásicas  para  proyectos  nuevos  (como  en  los  grandes  palacios,  diferentes  de  las  construcciones  romanas,  o  en  las  nuevas  catedrales  o  basílicas).  Elementos  como  las  bóvedas  y  las  cúpulas  se  usaron  de  una  forma  nueva,  y  se  emplearon  los  órdenes  (jónico,  corintio,  etc.)  característicos  de  la  arquitectura  de  la  Antigüedad.  

Caracteristicas  • Equilibrio,  austeridad  y  robustez.  • Predominio  de  la  arquitectura  sobre  la  ornamentación  decorativa.  • Se  emplean  los  volúmenes  con  un  sentido  plástico,  buscando  contrastes  y  

desarrollando  la  utilización  de  la  luz  como  un  elemento  mas.  • Desarrollo  de  grandes  construcciones  y  planes  arquitectónicos  que  vuelven  

a  la  manera  romana,  la  mayoría  por  encargo.  • Planta  centralizada.  

         

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Principales  exponentes  Miguel  Angel  

Retrato  de  Miguel  Angelo,  Marcello  Venusti,  1535.    Continua  el  estilo  florentino  adaptándolo  a  las  características  arquitectónicas  del  Cinquecento.  Emplea  frontones  curvos  y  ventanas  ciegas  como  elementos  arquitectónicos.  A  pesar  de  que  fue  un  gran  arquitecto,  la  vocación  de  Miguel  Ángel  fue  la  escultura.  Entre  sus  principales  obras  arquitectónicas  destacan:  

• La  cúpula  de  San  Pedro  del  Vaticano.  • Sacristía  Nueva.  

• Biblioteca  Laurenciana.      Andrea  Palladio(1508-­‐1580)  

 Retrato  de  Palladio,  1576,  Oleo  sobre  tela,  Villa  Valmarana.    Nacio  en  Vicenza,  donde  se  formo  como  cantero,  visito  Roma,  en  la  que  conocería  los  edificios  renacentistas  y  de  la  antigüedad  romana.  Escribio  el  tratado  Los  cuatro  libros  de  la  arquitectura  y  ejercio  una  inmensa  influencia  en  los  arquitectos  de  Neoclasisicismo.    Fue  un  importante  arquitecto  de  la  República  de  Venecia.  Trabajó  fundamentalmente  en  la  ciudad  de  Venecia  y  alrededores.  Entre  sus  principales  obras  destacan:  

• Iglesia  de  San  Jorge  el  Mayor,  en  Venecia.  • Villa  Rotonda,  en  Vicenza.  • Basilica  de  Vicenza.  

   

Portada de la edición de 1570 del libro II de I quattro libri dell'architettura  

 Donato  Bramante  (1444-­‐1514)  Se  forma  en  Milan  y  adquiere  conocimientos  sobre  perspectiva  y  desarrolla  interés  por  la  planta  central  y  circular  romana.  Su  arquitectura  se  basa  en  el  estudio  de  las  ruinas  que  aparecen  en  esta  época  y  la  aplicación  al  arte  de  la  construcción.  Fue  nombrado  “arquitecto  e  ingeniero  general  de  todos  los  edificios  pontificios”.  La  principal  imagen  de  este  estilo  bramantino  se  encuentra  en  las  tríadas  de  aberturas  adornadas  con  arcos,  dos  de  los  cuales  están  a  la  misma  altura  y  con  el  central  mayor,  el  denominado  sistema  de  orden  más  arco,  basado  en  la  combinación  del  orden  arquitectónico  clásico  y  el  arco  de  medio  punto.  

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Frente  al  problema,  entonces,  de  conectar  en  una  misma  unidad  dos  entidades  espacialmente  similares  pero  de  diferentes  dimensiones,  la  solución  fue  emplear  dos  sistemas  de  orden  más  arco  de  diferentes  dimensiones  siguiendo  la  norma  de  que  el  extradós  del  arco  del  sistema  de  menor  dimensión  fuese  tangente  a  la  moldura  inferior  del  entablamento  del  orden  mayor.    Sus  obras  principales  fueron:  

• Ampliacion  del  Palacio  Vaticano.  • Basilica  de  San  Pedro  del  Vaticano.  

 

Obras  destacadas   Templete  o  Temìetto  San  Pietro    

Templete  o  Temietto  San  Pietro  in  Montorio,  Roma,  1502,  Donato  Bramante.   Construida por encargo de los Reyes Catolicos de España en honor a San Pedro, en agradecimiento a la toma de Granada. Se le encarga a Bramante la construcción del templete en el punto donde se cree que murió el apóstol. Es una rotonda de 16 columnas dóricas que se convierten en símbolo de la vuelta al espíritu romano.

Sección del Templete San Pietro Reconstrucción del Tholos de Delfos La  influencia  clásica  se  manifiesta  en  primer  lugar  en  el  diseño  de  la  planta,  de  tipo  centralizado  por  tratarse  de  un  edificio  conmemorativo.  Se  trata  en  este  caso  de  una  planta  circular,  que  además  añade  la  simbología  de  belleza  ideal  y  perfección  geométrica.  En  este  sentido,  Bramante  encuentra  sus  referencias  más  próximas  en  los  tholos  griegos  de  Epidauro,  Delfos  u  Olimpia,  o  los  templos  romanos  más  cercanos  de  Vesta  o  la  Sibila.  

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importante  en  el  nacimiento  de  la  Reforma  Protestante  de  Martín  Lutero,  que  vio  los  trabajos  en  su  viaje  a  Roma  a  finales  de  1510,  y  en  base  al  que  escribiría  Las  95  tesis.  Este  proyecto  se  frustro  a  poco  iniciados  los  trabajos,  debido  a  la  temprana  muerte  de  Julio  II  en  1513  y  de  Bramante  un  año  mas  tarde.      

El  proyecto  de  Rafael    

Planta  de  Rafael    Desde  1514  se  hizo  cargo  de  la  dirección  de  la  obra  Rafael  Sanzio,  ,  que  continuó  dirigiendo  las  obras,  tras  la  muerte  de  Rafael  en  1520.  Se  cambio  el  plan  de  Bramante,  optando  por  diseños  que  se  inspiraban  en  la  tradicional  planta  basilical  de  cruz  latina  con  un  cuerpo  longitudinal  de  tres  naves.  Pero  tampoco  Rafael  tuvo  tiempo  de  desarrollar  sus  planes,  pues  murió  muy  joven  en  1520.      

                                                                                                                           Alzado  y  sección  del  proyecto  de  Rafael.  

Solución  de  Miguel  Ángel    Las obras de la Basílica seguían paralizadas desde las primeras piedras colocadas en 1506. En 1546, el papa Pablo III encomendó la dirección de las obras a Miguel Ángel Buonarroti, quien retomó la idea de Bramante de planta en cruz griega. Ahora con una sola entrada principal y no una en cada brazo como ideara Bramante, y coloca en el centro de la misma cuatro enormes pilares ochavados que sirvieron de soporto a una cúpula mayor que la diseñada por Bramante. El diseño original de Bramante presentaba problemas estructurales que debieron ser corregidos. Bajo la dirección de Miguel Ángel se alzaron los muros del ábside, de una imponente monumentalidad. No obstante, la más importante aportación del gran genio fue la gran cúpula que se encuentra justo sobre el altar mayor y el sitio donde la tradición indica que se localiza la tumba del apóstol San Pedro. Es una estructura que, a pesar de su peso, parece flotar en el aire.

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Vista  interior  de  la  cúpula  de  la  basílica  de  San  Pedro.  

Vista  exterior  de  la  cúpula.   La    inscripción  que  se  ve  como  un  cinto  en  la  base  de  la  cúpula  reza:  "Tu  eres  Pedro,  y  sobre  esta  Roca  edificaré  mi  Iglesia,  y  te  daré  las  llaves  del  cielo".    Las  letras  miden  2  metros  de  altura.   Veinticuatro  años  después  de  la  muerte  de  Miguel  Ángel,  fue  concluida  la  cúpula  según  el  diseño  definitivo  de  Domenico  Fontana  y  Giacomo  della  Porta,  que  apenas  variaron  los  planes  del  maestro.  

Vista  exterior  de  la  cúpula.   Villa  Rotonda  

Villa  Rotonda,  Andrea  Palladio,  1567-­‐1570,  Vicenza  Italia.   Su  nombre,  Rotonda  (redonda),  deriva  de  su  planta,  un  círculo  perfecto  dentro  de  un  cuadrado,  formando  una  composición  totalmente  simétrica,  con  un  pórtico  tradicional  de  templo  delante  de  cada  fachada.  

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Palnta  de  Villa  Rotonda  o  Villa                            Vista  interior  de  la  cúpula  de  la  Villa  Rotonda.      Capra,  Vincenza  Andrea  Paladio.    

• En  la  cúpula,  primeramente,  vemos  representada  la  Religión,  la  Benignidad,  la  Moderación  y  la  Castidad,  todo  esto  representado  al  lado  del  Pantocrátor,  el  cual  ocupa  en  centro  de  la  representación.  

• Es  una  versión  de  la  que  podemos  ver  en  el  Panteón  de  Roma.  Es  una  de  las  primeras  veces  que  se  puede  ver  una  planta  centralizada  con  cúpula  en  una  construcción  civil.  Hasta  ese  momento  se  habían  usado  sólo  para  construcciones  religiosas,  por  eso  Paladio  hizo  un  modelo  tan  impactante  y  que  fue  copiado  posteriormente.  

• Una  gran  escalinata  central  a  modo  de  templo  romano  sirve  como  acceso.  • Todos  los  laterales  tienen  el  mismo  esquema  por  lo  cual  podemos  hablar  de  

una  simetría  doble.  • Lo  más  representativo  son  las  galerías  con  una  pronaos  con  columnas  

jónicas,  entablamento  y  fino  decorado  en  su  cúspide  con  esculturas  clásicas,  todo  reinventado  del  arte  clásico.  

 Esta  representa  el  modelo  de  construcción  típica  de  la  aristocracia  del  Cinquecento  renacentista:  

• planta  de  cruz  griega  • cuatro  fachadas  idénticas  • no  distinción  de  puntos  cardinales  

 El  estilo  arquitectónico  de  construcción  de  la  Villa  Rotonda  influyó  en  general  en  la  arquitectura  neoclásica  de  los  siglos  XVIII  –  XIX,  sobretodo  y  posteriormente  en  Estados  Unidos,  donde  muchas  casas  de  gente  o  clase  social  adinerada  se  construyeron  de  esa  forma  o  semejantemente,  como  es  el  caso  de  la  propia  Casa  Blanca.   Capillas  Mediceas  en  la  Sacristia  Nueva,  Basilica  de  San  Lorenco  de  Florencia  (1520-­‐1534)  

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Vista  interior  de  la  Capilla  Mediceas.                                          Dibujo  de  perspectiva  interior       Encargada  por  Leon  X  para  que  hiciese  juego  con  la  Sacristia  Vieja  de  brunelleschi  y  sirviese  de  capilla  funeraria  a  distintos  miembros  de  la  familia  Medici.  Rompe  las  cadenas  de  la  arquitectura  iniciando  un  nuevo  estilo  en  el  empleo  de  cornisas,  basamentos  y  tabernáculos.  Se  encuentra  acompañada  de  la  Alegoria  de  la  Noche  y  el  Dia,  una  de  las  obreas  escultóricas  mas  famosas  de  Miguel  Angel.    Miguel  Ángel  aplicó  las  esculturas  al  lado  de  la  arquitectura  de  las  paredes;  todas  las  molduras  y  cornisas  cumplen  la  función  de  sombra  y  luz.  Terminó  además,  una  Virgen  con  Niño.  (que  es  símbolo  de  vida  eterna  y  está  flanqueada  por  las  estatuas  de  san  Cosme  y  san  Damián)  para  la  capilla.   Se  ha  identificado  el  orden  de  la  capilla  con  el  universo:  abajo  las  almas  difuntas,  al  medio  la  arquitectura  racional  con  su  plano  terrena,  y  los  lunetos  y  la  cúpula,  la  esfera  celestial.  La  gradación  de  la  luz  acompaña  esta  idea.    Biblioteca  Laurenciana  

Exterior  de  la  basílica  de  San  Lorenzo.            Vista  exterior  de  la  Biblioteca  Laurenciana.  Florencia,  Italia,  1423.  

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Vista  interior  de  la  Biblioteca  Laurenciana,  Basílica  de  San  Lorenzo,  Florencia  Italia.  

Biblioteca  Laurenciana  desde  el  claustro  de  San  Lorenzo.  

Corte  longitudinal  y  planta  de  la  Biblioteca  Laurenciana.        

   

Escaleras  de  la  Biblioteca  laurenciana.   Durante  la  década  de  1520,  Miguel  Ángel  diseñó  de  la  Biblioteca  Laurenciana  la  sala  de  lectura  y  vestíbulo  con  la  escalinata  de  acceso,  anexa  a  la  citada  iglesia,  aunque  los  trabajos  no  finalizaron  hasta  varias  décadas  después  y  ya  no  bajo  la  dirección  del  maestro  toscano.  Miguel  Ángel  tomó  como  punto  de  referencia  el  tipo  de  articulación  de  muros  desarrollado  por  sus  predecesores  florentinos,  pero  en  lugar  de  seguir  con  fidelidad  los  cánones  clásicos  estipulados  por  griegos  y  romanos,  Miguel  Ángel  utilizó  estos  motivos  -­‐columnas,  frontones,  ménsulas-­‐  de  manera  más  personal  y  expresiva.  El  vestíbulo  o  ricetto  (construido  en  1559  por  Bartolomeo  Ammannati)  invita  al  silencio  con  sus  ventanas  ciegas  de  estípites  colgantes  y  peraltados  que  se  unen  a  las  vigas  del  techo.  Destaca  en  éste,  la  triple  escalinata  que  se  resume  en  una  sola  rampa,  planeada  por  Miguel  Ángel  y  que  es  el  ejemplo  perfecto  de  la  Arquitectura  del  Manierismo.  

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Volumetria  de  la  Biblioteca  sobre  planta  de  la  Basilica  de  San  Lorenzo,  Florencia,  Italia.                                                                            

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Conclusiones      El  Cinquicento  fue  la  madurez  del  arte  del  Renacimiento,  donde  se  aplicaron  todos  los  conocimientos  adquiridos  durante  el  siglo  pasado,  el  cual  tenia  como  eje  principal  al  humanos  y  su  cuerpo,  centrándose  en  este  tanto  en  la  arquitectura,  como  en  la  escultura  y  pintura.  Pensamiento  heredado  de  la  cultura  clásica,  que  fue  muy  estudiada  y  admirada  por  los  artistas  y  pensadores  de  esta  época;  sin  embargo  todas  estas  representaciones  artísticas  no  hubieran  sido  posibles  si  no  se  hubieran  encontrado  en  el  momento  de  la  historia  en  el  que  se  ubico,  ya  que  los  acontecimientos  políticos,  religiosos  y  sociales  de  la  época  influyeron  en  todas  estas  artes  renacentistas.  El  final  de  esta  época  no  parece  haber  ocurrido  en  un  momento  exacto    de  la  historia,  aunq  asi  lo  digan  algunos  estudiosos,  parece  mas  bien  que  fue  un  desarrollo  hasta  llegar  al  manierismo,  y  no  un  cambio  drástico  entre  estos,  ya  que  como  veremos  el  manierismo  esta  fuertemente  influenciado  por  el  arte  Renacentista.  

 

 

 

     

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