del gótico al barroco. (final)
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Anunciación. Fra. Angélica. Prado Madrid. 1430-2
Manifestaciones del arte Gótico en
el siglo XII en Francia:
- Centros Urbanos
- Nacimientos de Universidades
- Construcción de grandes
catedrales
Roseton
Vitral lateral de Catedral Gótica
LOS VITRALES su creación y
visualización implica un sentido de
detalle y el color como si se tratara
de una joya preciosa.
Ventanas ´pintadas con luz´:
´´ El espíritu pasa del mundo material al
inmaterial´´
El Mosaico. Popular por ´´Destello
Sobrenatural´´.
Los artistas se interesaban cada vez
más en la transición de la luz y el
color entre la figura y el fondo.
Capilla Scrovegni. De Giotto. Padua, 1305
Mosaicos, baptisterio. Florencia, siglo XIII
Giotto experimentaba nuevas
posibilidades para recrear al mundo
natural.
Pietro Cavallini, no define la forma
a partir de las líneas negras, la luz
es quien moldea.
Juicio Final. De Pietro Cavallini. Santa Cecilia in Trastevere, Roma, 1290,
Fresco.
Cavallini usa tonos suaves.
Giotto emplea un colorido llamado
´´Cargiantismo´´.
Esta forma irreal de combinar
colores posibilita la unión del
mundo natural con el sobrenatural.
Preferencia por el detalle y colores
vivos, continúan los valores del arte
gótico. Requiere una técnica cuidadosa
y delicada. El color se usa en su forma
más pura sin mezclarse o sombrearse
con otros tonos.
Díptico Wilton, Anónimo. 1400. Galeria Nacional, Londres
Adoración de los
magos
La dama y el
unicornio.
Técnicas predilectas del
renacimiento. Construyen sombras
modeladas a partir de la luz y
sombra que se someten a las leyes
de las gravedad.
Celda. Fra.
Angélico. San
Marco,
Florencia. 1440-
1441
JORNADAS. Donde la pintura y la
pared, al secarse, se convierten en
una sola cosa.
El Fresco crea un tipo de imagen
de bordes nítidos y colores claros,
sin muchas posibilidades de usar
tonos intermedios.
Permite varias capas y
transparencias, aumentando el
sentido del naturalismo.
Los artistas ahora tenían una
variedad de técnicas con las cuales
experimentar.
Cristo. De Antonello
da Messina. 1465,
óleo sobre madera.
Galería Nacional de
Londres.
El paso del artesano al artista,
donde se entiende al artista como
poeta, como interprete.
La búsqueda a un mayor
naturalismo.
Florencia centro de artes y nuevo
pensamiento.
Leonardo investigo el efecto de las
condiciones variantes sobre el
color, como la luz, la atmosfera, la
distancia, la humedad y la cercanía
con otros colores.
Santa Ana, La Virgen
y el Niño. De
Leonardo da Vinci.
1510, Louvre, París.
No considera al color como un
absoluto, lo revitaliza a partir de la
naturaleza y no de un
conocimiento dado.
Neutraliza el color, para suavizar
los limites entre los objetos.
Resuelve el problema de
plasticidad.
Para lograr la plasticidad deseada,
Leonardo sacrifico el color
brillante.
La asociación de color puro y
brillante con lo divino cumple las
funciones precisas del caso.
Deposición. De
Rosso Fiorentino.
1521. Óleo sobre
madera. Volterra.
La opción del CARGIANTISMO,
de Miguel Ángel influyo varios
artistas jóvenes que se hicieron
llamar MANIERISTAS. Preferían
colores artificiales, ásperos y
estridentes.
Sibila Líbica. De
Miguel Ángel.
Capilla Sixtina,
Vaticano, Roma.
1508-1512,
Fresco.
Las alternativas se multiplicaban. El
estilo individual era cada vez mas
valorado.
La UNIONE, donde existe un
equilibrio entre el color brillante y
la atmosfera espacial.
Deposición.
De Rafael.
1507.
Galería
Borghese,
Roma.
Deposición.
De Fra.
Angélico.
1437-1440.
Tempera
sobre
madera.
Museo de
San Marco.
Florencia.
Se destaco por el énfasis del color
sobre la línea. La soltura de la
pincelada se volvió cada vez mayor,
propiciando indirectamente la
libertad gestual propia del barroco.
Los tres Filósofos. De Giorgione. 1509. Viena
El Claroscuro, una transición
abrupta de luz donde se maximizan
ciertos colores y se crean efectos
dramáticos, predomino en la
pintura Barroca.
El color rojo fue especialmente
utilizado como parte de la
escenografía que envuelve al
espectador teatralmente.