Junio agosto de 2016

Ayuntamiento de BruneteAyuntamiento de CercedillaAyuntamiento de Colmenar del ArroyoAyuntamiento de Colmenarejo

Ayuntamiento de Los MolinosAyuntamiento de Pozuelo de AlarcónAyuntamiento de TorrelodonesAyuntamiento de Valdemorillo

Con la colaboración:

Acción CulturalEspañola

Spain’s Public Agency for Cultural Action

Acción Cultural Españolawww.accioncultural.es

Spain’s Public Agency for Cultural Actionwww.accioncultural.es

Acción CulturalEspañola

Spain’s Public Agency for Cultural Action

Acción Cultural Españolawww.accioncultural.es

Spain’s Public Agency for Cultural Actionwww.accioncultural.es

Índice cronológico de espectáculos 24 de junio ‘Sinfonía nº5’ de Tchaikovsky 25 de junio ‘Las cuatro estaciones’ 26 de junio Capella Mediterránea 1 de julio James Rhodes 2 de julio ‘Sinfonía nº5’ de Beethoven 3 de julio ‘Las cuatro estaciones’ 9 de julio Iberian & Klavier, dúo de pianos 15 de julio Compañía Nacional de Danza 16 de julio ‘Goyescas’ 22 de julio Concierto profesores Matisse 23 julio ‘El último viaje. Granados en Nueva York’ 24 de julio ‘Las estaciones’, de Chaikovsky 28 y 30 de julio ‘Don Carlo’ 29 de julio ‘Winterreise’ (Viaje de Invierno) 2 de agosto ‘Sinfonía nº8 Incompleta’ 3 de agosto ‘Monteverdi & Friends’ 6 de agosto ‘ARAT: 400 años de flamenco’

Música

SINFONÍA Nº5 DE TCHAIKOVSKY Benjamin Zander dirige a la Boston Philarmonic Youth Orchestra 24 de junio de 2016

Programa M. Glinka Obertura de Ruslán y Ludmila A. Dvorak Klid (Bosques silenciosos) P. Tchaikovsky Pezzo Capriccioso C. Debussy La Mer P. Tchaikovsky Sinfonía No. 5 Sobre el director, Benjamin Zander En 1979, Zander se convirtió en el director de la Filarmónica de Boston y de la Joven Filarmónica de Boston. En sus treinta y cinco temporadas juntos han interpretado un extenso repertorio, con énfasis en los compositores del siglo XX y los primeros románticos, especialmente las sinfonías de Gustav Mahler. En la celebración de su 25 aniversario en 2003/2004, la Filarmónica de Boston realizó una temporada todo-Mahler, incluyendo un concierto en el Carnegie Hall. Benjamin Zander cuenta con una gran reputación internacional como director invitado. Tiene una relación única con la Philharmonia Orchestra (Londres), y actualmente está grabando una serie de sinfonías de Beethoven y Mahler para el Telarc y Linn Records. Además ha viajado por el mundo dando conferencias a distintas organizaciones sobre el liderazgo y ha aparecido en varias ocasiones como orador principal en el Foro Económico Mundial en Davos, donde fue galardonado con el Premio Crystal por “cuotas pendientes de las Artes y las relaciones internacionales.” El libro El arte de la posibilidad, del que es coautor con el psicoterapeuta Rosamund Zander, ha sido traducido a dieciséis idiomas.

En 2002, Zander fue galardonado por las Naciones Unidas y en 2007, con el premio Golden Door por el Instituto Internacional de Boston por su “destacada contribución a la sociedad estadounidense como un ciudadano de los Estados Unidos nacido en el extranjero.” En marzo del 2009, se le concedió un doctorado honorario del New England Conservatory de música. Comenzó su temprana formación musical de violonchelo y composición en su Inglaterra natal guiado por su padre. Cuando tenía nueve años, Benjamin Britten, uno de los compositores ingleses más destacados, se interesó en su desarrollo e invitó a la familia a pasar tres veranos en Aldeburgh, Suffolk, donde vivía. Esto dio lugar a una larga colaboración con Britten y lecciones de teoría y composición con Imogen Holst, hija de Gustav Holst. Benjamin Zander dejó la escuela cuando tenía quince años, mudándose a Florencia por la invitación del gran virtuoso del violonchelo español, Gaspar Cassadó, que se convirtió en su maestro y mentor para los siguientes cinco años. Sobre la Boston Philarmonic Youth Orchestra Después de su debut en el Carnegie Hall, la crítica del New York Times describió la madurez y cohesión de esta formación más allá de las edades de sus músicos. Su hermana mayor, la Orquesta Filarmónica de Boston, está considerada una de las 5 mejores orquestas de EEUU (Big Five). Lo miembros de la BPYO participan como mentores musicales en los programas educativos de la Filarmónica de Boston. La creación de la BPYO fue apoyada con entusiasmo por las principales figuras en el mundo de la música, incluyendo el violonchelista Yo-Yo Ma y el director Sir Simon Rattle. El lema de BPYO es “dar forma a los futuros líderes a través de la música.” Como complemento de sus tareas musicales, los miembros BPYO reciben lecciones de liderazgo semanales de Zander.

Música

LAS CUATRO ESTACIONES DE VIVALDI Pepe Rivero, piano 25 de junio de 2016

Sobre el concierto La inmortal obra de Antonio Vivaldi, Las cuatro estaciones, escrita para cuerdas y adaptada para el jazz latino por el maestro Pepe Rivero. Un concepto revolucionario y sorprendente que se estrenará mundialmente en junio de 2016 en el marco del Festival Internacional Clazz, en México, El Escorial, Madrid y Barcelona. Un repertorio pensado para una formación de orquesta de cámara y un cuarteto de jazz, para llevar una de la obras clásicas más importantes y conocidas de la historia, al terreno del jazz latino. Un espectáculo realmente único que reúne en escena a más de 30 músicos fuera de serie. Ficha artística Pepe Rivero, arreglos y piano Cuarteto de Jazz Latino:

Georvis Pico, batería Yuvisney Aguilar, percusión Iván Ruiz Machado, contrabajo Eduardo Coma, violín

Acompañados por la Joven Orquesta de la Comunidad de Madrid En palabras de Pepe Rivero “Será un viaje de Antonio Vivaldi por las Américas, como si cada estación hubiese sido escrita en un lugar diferente, comenzando por Cuba con La Primavera, en Brasil El Verano, en Argentina El Otoño y en New York El Invierno. Se trata de una obra descriptiva que evoca a través de elementos de lenguaje musical distintos aspectos de las estaciones del año. En esta ocasión con Pepe Rivero como pianista y arreglista de estos cuatro conciertos, el piano será protagonista junto a dos violines solistas para enfrentarse a la obra original y a lo que pudo haber sido si Vivaldi hubiese visitado esas cuatro ciudades americanas, capitales de la música popular en sus albores. Escucharemos un cuarteto de jazz junto a una orquesta de cuerdas pero esta vez en clave de latin jazz y donde la improvisación será protagonista.

Sobre Pepe Rivero, arreglos y dirección musical Pianista con una gran trayectoria, ha participado en los más importantes festivales de jazz nacionales e internacionales y ha colaborado con una larga lista de importantes artistas como Celia Cruz, Paquito D´Rivera, Tony Zenet… Posee la virtud de extrapolar un ritmo y en torno a él articular un nuevo cuerpo, engendrando una estructura sonora diferenciada. Como pianista de jazz latino, parte casi siempre de la estructura de algún género señero de la música cubana, como el guaguancó, la guajira, la conga, etc., y en torno a él incorpora una serie de complejas armonías que extrae de su amplio acervo como jazzista y compositor con una gran herencia clásica. Sobre la Joven Orquesta de la Comunidad de Madrid La Joven Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid (JORCAM) fue creada por la Consejería de Cultura de la Comunidad de Madrid con el propósito de contribuir a la formación de los jóvenes instrumentistas madrileños en un marco de aprendizaje profesional de alta calidad técnica y artística. Se adscribió el proyecto a la Fundación Orquesta y Coro de Madrid, de donde depende, también la Orquesta y Coro profesionales (Orcam). La JORCAM es un proyecto que engloba a la Joven Orquesta de la Comunidad de Madrid, el Joven Coro de la Comunidad de Madrid, los Pequeños Cantores de la ORCAM y la Camerata Infantil ORCAM-FBBVA Su objetivo principal es ampliar y desarrollar los conocimientos musicales a fin de facilitar y preparar a sus miembros para un futuro acceso a las agrupaciones profesionales y a la inserción laboral en el mundo de la música. Este aprendizaje se realiza a través del conocimiento y la práctica del repertorio coral y orquestal, de la experiencia en agrupaciones de cámara, del acercamiento a los escolares a través de los conciertos didácticos, de la participación en proyectos artísticos integrales como la danza, el teatro musical, la ópera, etc. La JORCAM, además, busca la promoción y el apoyo a sus miembros a través de concursos internos de solistas, clases magistrales o líneas de becas y ayudas para la ampliación y perfeccionamiento de estudios. La Joven Orquesta de la Comunidad de Madrid se crea en 2009, es heredera de la antigua Orquesta Sinfónica de Estudiantes de la Comunidad, formación que ha contribuido durante 18 años a la formación de los jóvenes músicos madrileños. Su debut oficial fue en los Teatros del Canal con la gala Una noche en el Canal, bajo la dirección de Albert Boadella. Desde su creación, JORCAM ha ofrecido conciertos en el Auditorio Nacional, Teatros del Canal, Auditorio de Zaragoza, Teatro Auditorio de Soria, Teatro Arriaga de Bilbao, Palacio de Festivales de Cantabria, Auditorio de El Escorial, Teatro Principal de Figueres y en varios teatros de la red que posee la Comunidad de Madrid. Ha participado en conciertos en Francia (Théâtre du Châtelet), México (Teatro de la Ciudad de México, Auditorio de la Universidad de Puebla, Teatro Principal de Guadalajara), Italia (Festival Mahler de Dobiacco) así como en intercambios con otras orquestas y entidades formativas como la Orquesta Sinfónica Juvenil de El Salvador en dos ocasiones (2010 y 2015) con conciertos y talleres conjuntos en el Auditorio de la FEPADE, con el Conservatorio Tchaikovsky de Moscú, Rusia, con conciertos en Sala Rachmaninov de Moscú y en los Auditorios de Nimzry Novgorod, Cheboksary y Kazán, con la Academia Nacional de Música de Vietnam, talleres de música de cámara, ensayos parciales y la interpretación de la 9ª Sinfonía de Beethoven en la Ópera House de Hanoi. Participó en importantes Festivales en España y México: Festival Internacional de Peralada, Festival de Arte Sacro de Madrid, Festival Internacional de Música Contemporánea de Alicante, Festival Internacional de Guanajuato (México), Semana de Música Religiosa de Cuenca, Festival de Verano de San Lorenzo de El Escorial, y en la producción Viva Madrid, en la Royal Ópera House de Muscat, Omán.

Desde la temporada 2009/10 la JORCAM organiza un ciclo de conciertos llamado “Ibercaja de Música”, patrocinado por la Obra Social y Cultural de esta entidad bancaria en los Teatros del Canal, que comenzó con 6 conciertos anuales y que, actualmente alcanza las 30 actuaciones por temporada entre conciertos de cámara, sesiones didácticas para escolares, conciertos familiares, conciertos sinfónicos, etc. Por el podio de dirección de la JORCAM han pasado importantes directores como: José Ramón Encinar, Víctor Pablo Pérez, Jordi Bernàcer, Jaime Martín, Roberto Rizzi Brignoli, Pablo González, Xavier Puig, Miguel Romea, Miguel Roa, Manuel Coves, Alejandro Posada, Carlos Cuesta, Jordi Francés Sanjuán, David Ethéve, Santiago Serrate, Pablo Mielgo, Andrés Salado, Sergio Alapont, José María Moreno, Anatoli Levin (catedrático de dirección del Conservatorio Tchaikovsky de Moscú), etc. La JORCAM, además de su programación de conciertos y su apuesta por la formación, extiende sus objetivos a proyectos que incorporen la música como vehículo de inclusión social y de apoyo a colectivos marginados o con necesidades especiales. En esa línea ha iniciado el proyecto social Acercando, en colaboración con la Fundación SaludArte y los Teatros del Canal. El Coro Abierto, una iniciativa que abre la experiencia coral a personas con discapacidad psíquica y el taller A tu ritmo de percusión dirigido a personas con enfermedad mental. Todos ellos dirigidos por profesionales especialistas y con la participación, como voluntarios, de los jóvenes músicos de la JORCAM.

Música

CAPELLA MEDITERRÁNEA De Monteverdi a Piazzola. Leonardo García Alarcón, director. 26 de junio de 2016

Programa La noche Anibal Troilo La Ultima Curda (Tango, 1956) Monteverdi Dormo ancora (Il ritorno d’Ulisse in patria, 1640) Piazzolla Romance del Diablo (Serie del Diablo, 1965) Monteverdi Sinfonia (L’Orfeo, 1607) Un presagio Monteverdi Dorme l’incauta Dorme (L’incoronazione di Poppea, 1642) Piazzolla Vuelvo Al Sur (Texto de Pino Solanas, 1987) Monteverdi Ohimé, ch’io cado (Il primo libro delle canzonette, 1593) El amor Piazzolla Milonga del Angel (Serie del Angel, 1965) Monteverdi Sol per te bella Euridice (L’Orfeo, 1607) Monteverdi Pur ti miro (L’incoronazione di Poppea 1642) El abandono Piazzolla Balada para un loco (Texto de Horacio Ferrer, 1969) Monteverdi Lamento della ninfa (VIII Libro dei Madrigali, 1638) Piazzolla Chiquilín de Bachín (Horacio Ferrer, 1968) La guerra Monteverdi Sinfonia da Guerra (Il ritorno d’Ulisse in patria, 1640) Piazzolla Jacinto Chiclana (Texto de Jorge Luis Borges, 1965) Piazzolla Michelangelo 70 (1969)

La morte Monteverdi Benedicta (Il Vespro della beata Vergine, 1610) Piazzolla Muerte del Angel (Serie del Angel, 1962) Piazzolla Balada para mi muerte (Texto de Horacio Ferrer, 1968) Monteverdi S’apre la tomba (Il secondo libro delle canzonette, 1637) BIS: Siempre se vuelve a Buenos Aires Oblivion Sobre el espectáculo Fruto de una residencia de creación, este espectáculo nace de una idea totalmente barroca: hacer vivir la emoción, la expresividad más allá de las particularidades de los instrumentos de época. Es concebida como un diálogo permanente entre instrumentos antiguos y modernos, entre el pasado y el presente, entre la danza y la música. Una poderosa dramaturgia que nos lleva en progresión por la vida y la muerte, integrando plenamente las dos estéticas musicales. Las partituras han sido especialmente transcritas, en particular para el bandoneón, instrumento que se presenta como hilo conductor durante todo el espectáculo. Versión concierto cantada por una soprano magníficamente expresiva y por un auténtico tanguero. Un espectáculo para todos los públicos a partir de 8 años. Sobre Capella Mediterránea El conjunto instrumental y vocal Cappella Mediterranea fue creado en el 2005 por Leonardo García Alarcón con el objetivo de volver a los orígenes de los ideales estéticos de los grandes músicos del sur de Europa. Reunidos por una especial complicidad en torno de su director artístico, el conjunto tiene como objetivos, reorientar el contacto de la música barroca latina basándose en los recientes hallazgos musicológicos de la retórica italiana, de codificar los parámetros barrocos todavía vivos en las músicas populares del sur de Europa y reproducir el desplazamiento que desde el sur hacia el norte fue característico de todas las artes desde el renacimiento hasta el barroco. El conjunto Cappella Mediterranea explora los tres estilos más importantes del principio del siglo XVII, que son el madrigal, el motete polifónico y la ópera, por la cual la originalidad de su concepción y la calidad de su interpretación le han valido el reconocimiento de la prensa internacional. Las grabaciones consagradas a Barbara Strozzi, Giovanni Giorgi, Gioseffo Zamponi y Michelangelo Falvetti son consideradas como referencias y han recibido numerosos premios. En el 2011 el conjunto Cappella Mediterranea continúa sus prestigiosas colaboraciones acompañando a la mezzosoprano Anne Sofie Von Otter en la Abbatiale d’Ambrionay, al Wigmore Hall de Londres y al Théatre des Champs Elysées. Prosiguiendo su trabajo de redescubrir obras, uno de sus proyectos capitales en el 2012 será la creación y la grabación de Nabucco, una nueva obra de Michelangelo Falvetti, encontrada en el 2011 y jamás interpretada desde su creación en Messina en el año 1683. En el 2013 la Cappella Mediterranea será el conjunto musical invitado de la Académie d’Aix en Provence a fin de crear la ópera Elena de Francesco Cavalli bajo la dirección de Leonardo García Alarcón y la puesta en escena de Jean-Yves Ruf. Desde hace algunos años el conjunto se orienta hacia nuevos repertorios líricos abarcando de Monteverdi a Mozart.

Música

JAMES RHODES Piano 1 de julio de 2016

Programa S. Bach / F. Busoni Chaconne en re menor BWV 1004 F. Chopin Polonesa Fantasia en La bemol mayor Op 61. F. Chopin Scherzo no. 2 Op 31 Y otras Sobre James Rhodes James Rhodes es un enamorado de la música clásica. Carismático, visceral y muy talentoso, Rhodes asegura que Bach (y especialmente Las variaciones Goldberg) le han salvado la vida. Y no exagera. A sus 40 años se ha convertido en uno de los principales divulgadores de la música clásica en el mundo, gracias a sus giras y conciertos en todo tipo de festivales y salas, y varios documentales sobre su figura filmados con la complicidad de cadenas de televisión británicas. James Rhodes ofrece un enfoque diferente al abordar la música clásica sobre el escenario interactuando con el público, compartiendo emociones y opiniones sobre la música y sobre los grandes compositores que interpreta. Reverenciado por la crítica británica por su particular estilo de stand up, Rhodes aporta un toque muy personal a cada una de sus actuaciones. Además de tocar y contextualizar las obras que interpreta, el pianista británico también cuenta sobre el escenario, entre piezas de Bach, Chopin, Rachmaninov, Schubert o Beethoven, la historia de su vida y cómo la música le ha ayudado a superar los numerosos obstáculos que se ha ido encontrando por el camino. Su reciente (y desgarrador) libro de memorias Instrumental. Memorias de música, medicina y locura (Blackie Books 2015) ha recibido excelentes críticas a nivel internacional. James Rhodes no tiene formación académica ni tampoco tuvo el apoyo de un mentor entregado. El título de su álbum de debut, Razor Blades Little Pills and Big Pianos, nos deja entrever el sufrimiento que persiguió a James en su infancia y los albores de su vida adulta. Afortunadamente, desde muy joven la música clásica se convirtió en su consuelo y en la clave de su supervivencia. No fueron la fe, la esperanza o la caridad lo que salvaron a James de una existencia atormentada, sino su pasión por Bach, Beethoven o Chopin. En 1993, sus problemas de salud le impidieron beneficiarse de la beca de Guildhall. Pero un encuentro fortuito 10 años más tarde con Franco Panozzo, el agente del virtuoso

pianista ruso Grigori Sokolov, le brindó una oportunidad única. Panozzo organizó para James una breve formación con el reconocido profesor de piano Edoardo Strabbioli en Verona, Italia. Pero no fue hasta el año 2008 cuando Rhodes conoce a su manager actual, Denis Blais, quien le alentó a grabar su primer CD. Esto le permitió desnudar su alma y dejar atrás, por fin, muchos fantasmas del pasado. Junto a Denis Blais, Rhodes creó un enfoque distintivo y único sobre cómo debería ser presentado un recital de piano clásico. Incómodos con el austero, tradicional y excesivamente formal recital al uso, decidieron que ya era hora de que el intérprete se comunicara directamente con el público. Rhodes introducía su propio programa y, haciendo uso de fascinantes anécdotas sobre los compositores y sobre su propia vida, compartía su visión sobre qué significaba interpretar estas obras de arte al piano. Con su particular puesta en escena, basada en el estilo del stand up, James crea una experiencia intensa y envolvente, que le hace ganarse el apoyo, para sí mismo y para la música clásica, de nuevos y entregados seguidores. En los años 2008 y 2009 pasó de ser un completo desconocido a una estrella en ascenso, despertando el interés de celebrities como Stephen Fry o Sir David Tang, que se convirtieron en sus admiradores. Desde entonces James no cesa en su empeño de ganar nuevos públicos para la música clásica, sobre todo el público joven, gracias a su particular estilo sobre el escenario y a una cuidadosa selección de recintos para sus shows, incluyendo grandes festivales de música pop y salas donde no se suele programar música clásica habitualmente. En 2009, James fue el primer solista clásico en actuar en el Roundhouse en Camden (Londres) y desde entonces ha seguido presentándose en escenarios poco convencionales como el 100 Club, Proud Galleries o The Tabernacle, en Notting Hill. Rhodes también ha actuado en el Blenheim Palace y en el prestigioso Queen Elizabeth Hall. En la primavera de 2009 fue invitado especial en la ceremonia de entrega de los premios de Classical Brit Awards. Su álbum de debut, Razor Blades Little Pills and Big Pianos, tuvo un gran éxito y llegó al número uno de las listas de ITunes en mayo de 2009. Su segundo CD, titulado Now would all the Freudians please stand aside, fue editado en el galardonado sello discográfico independiente Signum Classics, llegando también al número uno de las listas de Itunes. En el año 2010 James Rhodes actuó en el Holders Festival en Barbados, en el E4 Udderbelly (Southbank), en el Cheltenham Music Festival y en el Latitude festival, donde fue el primer músico en tocar un repertorio de piano exclusivamente clásico. En marzo de ese año, Rhodes también se convirtió en el primer pianista clásico en fichar por un sello discográfico predominantemente dedicado a la música rock: Warner Bros Records. Su primer álbum con Warner, Bullets and Lullabies, vio la luz en Diciembre de 2010 y lo llevó nuevamente al número 1 de la lista de las descargas de música clásica de ITunes. En Octubre del 2010 James formó parte del documental de la BBC Chopin, las mujeres detrás de la música y presentó su propia serie de televisión James Rhodes: Piano Man, en Sky Arts 2. En el 2011, James Rhodes actuó en el Ambassadors Theater (West End, London), Cheltenham Music Festival, Lichfield Festival and Love Arts Leeds Festival. Encabezó el Melbourne International Festival of Arts en octubre y a continuación realizó su primer gran tour australiano. En noviembre de ese año regresa al Queen Elizabeth Hall de Londres y en diciembre graba en el Old Market de Brighton el que será su próximo álbum en directo JIMMY: James Rhodes recorded live at The Old Market Brighton, editado en mayo de 2012, año en que también actúa en el Beethoven International Festival de Chicago. Tras tocar por todo el mundo, en 2014 Rhodes publica su quinto álbum de estudio Five: Piano Recital y en 2015 su sexto álbum Inside Tracks. The Mix Tape, ambos bajo su propio sello discográfico Instrumental Records.

Música

SINFONÍA Nº5 DE BEETHOVEN Jose Ramón Encinar, director. Joven Orquesta de la Comunidad de Madrid. 2 de julio de 2016

Programa: Pedro Astasio Atlántico J. Turina Danzas Fantásticas L.V. Beethoven Sinfonía nº 5 en do menor, op 67 Sobre José Ramón Encinar, director Desde la temporada 2000/2001 hasta agosto de 2013 ha sido director titular y artístico de la Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid. Durante las temporadas 1999-2000 y 2000-2001 fue titular de la Orquesta Sinfónica Nacional Portuguesa. Ha sido Director Principal del Grupo Proyecto Gerhard y Proyecto Guerrero. Durante las temporadas 1982-83 y 1983-84 fue director titular de la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria. Entre 1976 y 1983 fue asistente de composición de Franco Donatoni en los cursos de perfeccionamiento de la Accademia Chigiana de Siena (Italia). Desde 1973 y durante más de veinte años fue Director del Grupo KOAN. José Ramón Encinar dirige habitualmente la práctica totalidad de las orquestas españolas y ha actuado en multitud de salas de Europa y Latinoamérica al frente de numerosas orquestas como las de la RAI italiana, Sinfónica Siciliana, Orquesta Arturo Toscanini de Parma, Orquesta Verdi de Milán, Sinfónica de Londres, English Bach Festival, Sinfónica de Basilea, Sinfónica del Teatro Estatal de Karlsruhe, Sinfónica Nacional Argentina, Sinfónica Nacional de México, Nacional de Venezuela, Festival Casals de Puerto Rico… Es intérprete de más de una veintena de grabaciones para diversos sellos internacionales: Naxos, Stradivarius, Glossa, Col Legno, Verso, Decca, Deutsche Grammophon… Entre los premios que se le han otorgado figura el Nacional de Música en la modalidad de composición en 1988 y como intérpret, el de la CEOE, así como el Premio de Música de la Comunidad de Madrid en 2010. José Ramón Encinar es Académico de Número de la Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid y Académico Correspondiente de la de Bellas Artes de Granada. Entre sus obras como compositor cabe destacar la ópera Figaro, escrita sobre un libreto propio (1987), con producciones en Madrid y Lisboa, las obras orquestales Música nocturna (1985), Proyecto (1992) y Mise en scene (1994. CD Col legno) y las obras de cámara Cum plenos forme enthousiasmo (1975), OP.23 (1978), Io la mangio con le mani (1985) y Almost on stage (1985). Han sido interpretadas en diversas temporadas de conciertos así como en festivales especializados como los de Royan, La Rochelle,

Fundación Calouste Gulbenkian, Alicante, Biennale di Venezia, Musica del nostro tempo (Milán), Otoño de Varsovia, Almeida de Londres. La actividad directorial de José Ramón Encinar se desarrolla tanto en el terreno sinfónico como en el operístico, destacando en su haber el estreno de numerosas obras sinfónicas, de cámara y líricas, como el de tres de las óperas de Luis de Pablo, obras de Yannis Xenakis, Franco Donatoni, Goffredo Petrassi, Cristóbal Halffter, Bruno Ducol, Joao Pedro Oliveira, Francisco Guerrero y un sinfín de autores jóvenes españoles. En el terreno discográfico cabría señalar de un lado su dedicación al repertorio más tradicional de los siglos XIX y XX (Ravel, Falla, Rodrigo, Chapí, Albéniz, Barbieri) y por otro la apuesta por la difusión de la música de hoy en numerosos sellos italianos (Stradivarius) y españoles (Verso, Autor, Glossa), como los monográficos dedicados a Luis de Pablo, Francisco Guerrero, Gabriel Erkoreka, Massimo Botter, David del Puerto, Agustín Charles… Entre los directores de escena con los que José Ramón Encinar ha colaborado figuran los nombres de Simón Suárez, Emilio Sagi, Francisco Nieva, José Carlos Plaza, Pierre Audi y Bob Wilson, así como solistas de la talla de Joaquín Achúcarro, Alicia de Larrocha, Aldo Ciccolini, Nikolai Luganski, Dmitri Demidenko, Jean Claude Pennetier, Akiko Suwanai, Viviane Hagner, Gerard Caussé, Bruno Giuranna, Peter Wiespelway, Asier Polo, Misha Maisky, Alain Meunier, Roberto Fabbriciani, Michel Portal, Felicity Lott, Carlos Álvarez, Ainoha Arteta, Barbara Hendrix, Dietrich Henschel, Jennifer Larmore, Stephan Margitta, Eva Urbanova, Sylvia Greenberg, José Bros… Sobre la JORCAM Más información sobre la Joven Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid en la ficha del espectáculo Las cuatro estaciones (segundo espectáculo de la programación del Festival de Verano).

Música

LAS CUATRO ESTACIONES. VIVALDI/PIAZZOLA Ana Valderrama (Concertino-solista) y Fabián Carbone (bandoneón solista) con la JORCAM 3 de julio de 2016

Programa: A.Vivaldi Las cuatro estaciones Interpretadas por Ana Valderrama (concertino-director) con la Jorcam A.Piazzola Las cuatro estaciones porteñas Dirigido por Julio Awad e interpretado por Fabián Carbone (bandoneón-solista) con la Jorcam Sobre Ana Valderrama, violinista Tras su debut como solista con el director Zubin Mehta en el concierto de celebración del 70 cumpleaños de Su Majestad la Reina de España (en la inauguración del Auditorio Sony de la Escuela Superior de Música Reina Sofía), Ana María Valderrama se ha consagrado como una de las violinistas españolas más aclamadas del momento y un claro valor emergente del panorama musical europeo. Ganadora del primer Premio y el Premio Especial del Público en el XI concurso Internacional de Violín Pablo Sarasate 2011, Ana María se ha convertido en la primera violinista española de la historia en conseguir este prestigioso galardón. Además, Ana María Valderrama ha sido ganadora de otros importantes certámenes entre los que se incluyen el Concurso Internacional de Violín de Lisboa (Portugal), Concurso Internacional de Violín de Novosibirsk (Rusia), Certamen Nacional de Interpretación Intercentros Melómano (Madrid), Primer Palau (Barcelona), etc. Ana María desarrolla una intensa carrera concertística que la ha llevado a actuar en países como Inglaterra, Alemania, Francia, Italia, Portugal, Rusia, México, Colombia, Jordania, Túnez o EEUU. Se ha presentado como solista con la Orquesta Sinfónica de RTVE, Orquesta Sinfónica de Baleares, Orquesta Sinfónica de Euskadi, Sinfónica de Bilbao, Sinfónica de Valencia, Sinfónica de Castilla y León, Sinfónica de Navarra, Orquesta de la Comunidad de Madrid, St. Petersbourg’s Academic Symphony Orchestra, Orquesta de Novosibirsk, Sinfónica de Yucatán, Nottingham Symphony Orchestra, Niederbayerischen Philharmonie, Orquesta Music Festival de Lisboa, Orquesta Freixenet y Orquesta de Cámara Sony de la Escuela

Superior de Música Reina Sofía, Orquesta Sinfónica del Vallés, Orquesta Filarmónica de Medellín, Orquesta Regional de Cannes; bajo la batuta de directores como Philippe Bender, Dereck Williams, Ros Marbá, Juan Felipe Molano, Leduque-Barome, Xavier Puig, Salvador Brotons, Alejandro Posada, Peter Csaba, Yuki Kakiuchi, Jordi Bernàcer, Ilych Rivas, Max Valdés, Michel Tabachnik, Michal Nesterowicz, Yarom Traub o Zubin Mehta. Dedicada también a la música de cámara, Ana María estudió con E. Feltz y R. Schmidt y ha tocado en festivales como Open Chamber Music (Prusia Cove), Festival Internacional de Santander, Festival Internacional de Segovia, Yellow Barn (EEUU), Festival de Música Española de Cádiz, Festival Internacional de Música de Úbeda o Tardes de España (San Petersburgo) entre otros, actuando en las salas más importantes de España, tales como el Auditorio Nacional de Madrid, el Auditorio de Zaragoza, el Palacio de Festivales de Cantabria, el Auditori de Barcelona y el Palau de la Música Catalana. Ana María Valderrama estudió inicialmente con la profesora Anna Baget en el Conservatorio de Ferraz de la Comunidad de Madrid. Posteriormente se formó con los profesores Zakhar Bron y Yuri Volguin en la Escuela Superior de Música Reina Sofía, donde recibió de manos de Su Majestad la Reina la distinción de “Alumna más sobresaliente” de la Cátedra de Violín en los años 2005 y 2007. En 2009, se graduó con la máxima calificación en la Escuela Superior de Música de Cataluña y en 2012 completó sus estudios de Master en la Hochschulle für Musik Hanns Eisler de Berlín bajo la dirección de la violinista Antje Weithaas. En 2014 consiguió los máximos honores en el Master Instrumentalsolist de la UDK de Berlín con Nora Chastain También ha recibido consejos de A. Chumachenco, M. Fuks, M. Zweig, F. Andrievsky, W. Levin, R. Gothoni, R. Barshai, I. Ozim, M. Pressler, S. Isserlis y L. Kavakos. Ana María Valderrama ha grabado un CD en directo desde la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional de Música de Madrid interpretando la Sinfonía Española de E. Lalo junto a la Orquesta Freixenet de la E.S.M.R.S. y Max Valdés, y muchos de sus conciertos han sido retransmitidos por Televisión Española y Radio Nacional de España. En su etapa de formación ha sido becada por la Fundación Albéniz, la Comunidad de Madrid, Caja España, Juventudes Musicales, Caja de Burgos, AIE, Mutua Madrileña, Fundación Humboldt y La Caixa (DAAD). Desde 2013 Ana María es además profesora de violín en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid. Sobre Fabián Carbone Nace en Buenos Aires, descendiente de una familia de bandoneonistas y músicos de tango. Formó parte como compositor y arreglista de diversas agrupaciones de tango instrumental a lo largo de sus veinticinco años de trayectoria. Presenta la agrupación "Fabián Carbone Tango Ensemble", formación que graba un reciente disco y realiza dos espectáculos, "Tango, arte y tempo" y "Che Bandoneón". Dirige la orquesta para el homenaje a Aníbal Troilo en su centenario en 2014, presentando su concierto llamado Cien años de Troilo interpretando los arreglos originales de una de las orquestas mejores de todos los tiempos. Ha trabajado con destacadas personalidades de la música latinoamericana como Estrella Morente, Fito Paez, Joaquín Sabina, Shakira, Enrique Morente, Plácido Domingo, Pedro Guerra, María Dolores Pradera, Miguel Cantilo, Diego El Cigala, Imperio Argentina, Guillermo Fernandez y Nacha Guevara.

Sobre la JORCAM Más información sobre la Joven Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid en la ficha del espectáculo Las cuatro estaciones (segundo espectáculo de la programación del Festival de Verano).

Música

IBERIAN & KLAVIER, DÚO DE PIANOS Con Tak-Nara Percussion Group 9 de julio de 2016

Programa West Side Story L. Bernstein (Arr. Bernstein) Danzón nº 2 A. Márquez (Arr. Ik-Tak Nara) Consagración de la Primavera I. Stravinsky (Arr. I. Stravinsky) Sobre Iberian & Klavier Iberian & Klavier piano dúo es sin duda uno de los dúos pianísticos más exclusivos y con mayor proyección internacional de la actualidad. Desde su creación en 2009 el dúo ha realizado actuaciones en salas y festivales de prestigio, en recitales de piano a cuatro manos, dos pianos y con orquesta, en Reino Unido, Francia, Portugal, Italia, Estados Unidos y gran parte de la geografía española, siempre con el éxito de crítica y público. Sobre Laura Sierra Concertista internacional y directora del Centro de Formación Musical L’Atelier de Musique en Madrid. Laura Sierra se erige como la pianista joven más destacada y talentosa de su generación. Es calificada por la crítica especializada como una pianista enérgica, con un excelente dominio técnico y una gran capacidad expresiva y colorista. Goza de una amplia trayectoria internacional. Como solista ha actuado con Madrid Sinfonietta Orchestra, y con ECDA Youth Orchestra en salas como Auditorio Nacional de Música de Madrid, Palau de la Música de Valencia, Auditorio Miguel Delibes de Valladolid, Auditorio de Torrent e Iglesia St. Mary de París. Es invitada a impartir masterclasses en Italia, Francia, España y EEUU. Como intérprete ha realizado actuaciones en Lisboa (Palacio de Foz), París, Londres (St Punchras Church), Nueva York (Carnegie Hall) y España en las más importantes salas de concierto y Festivales, como el Festival Internacional de Música de Segovia, Festival Isaac Albéniz de Camprodón, Clásicos de Verano de la Comunidad de Madrid y Lienzo Norte Music Festival, Spaincellence. Laura Sierra desarrolla una labor importante en la difusión de la música española de los Siglos XX y XXI con más de 15 estrenos absolutos

realizados. En 2014 actúa en el Festival de Música Contemporánea de Madrid COMA´14 en la sala Verde de los Teatros del Canal de Madrid. En 2015 participa como pianista en la grabación de la obra de la compositora Beatriz Arzamendi De los amores de Don Quijote en el disco De la dulce mi enemiga. Mujeres cervantinas producido por la UAM con el sello Columna Música.

Sobre Manuel Tévar Pianista, compositor y director de orquesta. Premio de la Real Academia de Bellas Artes, Premio Fundación Guerrero, Premi Fundació Amics del Liceu entre otros. Uno de los músicos españoles más completos y con más proyección internacional de su generación. Ha dirigido entre otras la Spaincellence Symphony Orchestra, la Orchestra de Chambre de Luxembourg y el Youth United Nations Ensemble. Director artístico del Atlántida Symphony Orchestra y de diferentes festivales internacionales de música en España. Como compositor ha estrenado más de 25 obras en 8 países. Cuenta con cinco proyectos discográficos, dos como compositor, uno como director de orquesta y dos como pianista con Iberian & Klavier piano dúo. Como pianista ha actuado en las mejores salas y festivales, en ciudades como Nueva York (Carnegie Hall) Londres (St Punchras Church), París (St Mary), Florencia, Lisboa (Palacio de Foz) y Bruselas, así como en gran parte de la geografía española (Auditorio Nacional, Auditorio Miguel Delibes, Teatro Monumental, Fundación Juan March…). Tévar es invitado a impartir masterclasses en universidades americanas, festivales y conservatorios, así como jurado de prestigiosos concursos de composición , música de cámara y piano como el Jean Français de París. Es profesor titular del Conservatorio Teresa Berganza de Madrid. Ha colaborado con artistas, solistas y bailarines de reconocido prestigio a nivel internacional. La crítica dice, “Tévar hace vibrar los muros de la Iglesia de Sant Pierre con su batuta. Jamás he visto una orquesta con tanto talento y calidad dirigida de una manera tan sublime…” Daniel Fender Periodique, La Montagne, Francia.

Sobre Tak-Nara Percussion Group Formado por Verónica Cagigao y Carlos Castañeda, se trata de una de las agrupaciones de percusión más destacadas de nuestro país. Tak-Nara Percusssion Group colabora con N. J. Zivkovic en diversos conciertos por Alemania, Serbia y Eslovenia desde 2009 hasta la actualidad. También ha colaborado con otros artistas como Víctor Mendoza, Enmanuel Sejourné e Igor Lesnik. Tras su estreno en 2008, Tak-Nara ha hecho presentaciones y conciertos en innumerables salas y teatros de España, Alemania, Eslovenia, Serbia, Austria, Bélgica e Italia, entre otros. Ha

participado en diversos Festivales como Percussion Festival Ksilodrum 2010 en Eslovenia, Festival Perkutafest, Festival Internacional de Percusión de Valencia 2012, Festival de Música Contemporánea de Tenerife (FMUC) 2010, 2011, 2012 y 2013. Entre sus próximos proyectos se encuentra la presentación de su espectáculo en Indianápolis (EE.UU) dentro de la convención de percusión más importante a nivel mundial, el PASIC (Percussion Arts Sociaty International Convention). Tak-Nara Percussion Group ha obtenido varios premios entre los que cabe destacar el 2º Premio y el Premio Especial del Público en Universal Marimba Competition and Chamber Music 2011 (Bélgica), Premio INJUVE para la Creación Joven 2011 (España), así como el 2º Premio de Música de Cámara María Orán 2013.

Danza

COMPAÑÍA NACIONAL DE DANZA José Carlos Martínez, director 15 de julio de 2016

Programa In the Night Jerome Robbins / Frédéric Chopin Anhelos y tormentos Dimo Kirilov / Enrique Granados Don Quijote Suite José Carlos Martínez / Ludwig Minku Sobre la Compañía Nacional de Danza La actual Compañía Nacional de Danza (CND), que dirige José Carlos Martínez desde hace ya casi cinco años, es la prueba fehaciente de que el proyecto de una compañía nacional híbrida de calidad es hoy una realidad. La dirección ha sabido combinar piezas de reputados coreógrafos de nuestro siglo, con creaciones originales de creadores españoles, obras neoclásicas y otras de lenguaje académico. Un claro ejemplo es su propia adaptación del Don Quijote de Petipa, que llegó en diciembre al Teatro de La Zarzuela de Madrid, bajo una gran expectación, agotando todas las localidades. La equiparación, en el seno de la compañía, de los perfiles más contemporáneos con los académicos ha sido una de las grandes apuestas de la actual dirección desde que tomara las riendas de la compañía en septiembre de 2011. La Compañía Nacional de Danza fue fundada en 1979 con el nombre de Ballet Nacional de España Clásico y tuvo como primer director a Víctor Ullate. En febrero de 1983 se hizo cargo de la Dirección de los Ballets Nacionales Español y Clásico María de Ávila, quien puso especial énfasis en abrir las puertas a coreografías como las de George Balanchine y Anthony Tudor. Además, María de Ávila encargó coreografías a Ray Barra, bailarín y coreógrafo norteamericano residente en España, ofreciéndole posteriormente el cargo de director estable que desempeñó hasta diciembre de 1990.

En diciembre de 1987 fue nombrada como directora artística del ballet, Maya Plisetskaya, extraordinaria bailarina rusa. En junio de 1990 Nacho Duato es nombrado director artístico de la Compañía Nacional de Danza, cargo que ejerció durante veinte años, hasta julio de 2010. Su incorporación supuso un cambio innovador en la historia de la formación incluyéndose en el repertorio de la compañía nuevas coreografías originales, junto con otras de contrastada calidad. En agosto de 2010 Hervé Palito sucede a Duato como Director Artístico durante un año. El 17 de diciembre de 2010 el Ministerio de Cultura anuncia el nombramiento de José Carlos Martínez como nuevo Director de la Compañía Nacional de Danza. Martínez toma posesión de su cargo el 1 de septiembre de 2011. El proyecto del bailarín Estrella del Ballet de la Ópera de París para la Compañía Nacional de Danza se basa en el fomento y la difusión del arte de la danza y su extenso repertorio, reservando un amplio espacio a la nueva creación española, sin olvidar a los grandes coreógrafos de hoy. Se trata de favorecer el acercamiento de nuevos públicos a la danza e impulsar la proyección nacional e internacional de la CND, de conferirle una nueva identidad, incluyendo en el repertorio de la CND piezas de otros estilos como el clásico y el neoclásico, siempre sin descuidar la danza contemporánea y de vanguardia. Sobre José Carlos Martínez, director Inicia sus estudios de ballet en Cartagena con Pilar Molina. Entre 1984 y 1987 estudió en el Centre de Danse International Rosella Hightower. Ganó el Prix de Lausanne e ingresó en la Ópera de París. En 1988 fue elegido personalmente por Rudolf Nureyev para formar parte del cuerpo de baile del Ballet de la Ópera de París. Tras ganar en 1992 la Medalla de Oro en el Concurso Internacional de Varna, fue nombrado Bailarín Estrella del Ballet de la Ópera de París en 1997, la máxima categoría en la jerarquía del Ballet. A lo largo de su carrera recibió otros premios importantes como el Prix de l ‘Arop, Prix Carpeaux, Premio Danza & Danza, Premio Léonide Massine-Positano, Premio Nacional de Danza, Medalla de Oro de la Ciudad de Cartagena, Premio Elegance et Talent France/Chine, Premio de las Artes Escénicas (Valencia), Premio Benois de la Danza por su coreografía Les Enfants du Paradis o el Premio Danza Valencia. Ha sido receptor de la medalla de honor del Festival Internacional de Granada para la Compañía Nacional de Danza en 2013. Dentro del repertorio de José Carlos bailarín destacan los grandes ballets clásicos y neoclásicos. Ha trabajado además con la mayoría de los grandes coreógrafos del siglo XX, desde Maurice Béjart a Pina Bausch, pasando por Mats Ek o William Forsythe, algunos de los cuales han creado piezas para él. José Carlos Martínez ha bailado también en prestigiosas compañías de todo el mundo en calidad de artista invitado. Como coreógrafo ha creado: Mi Favorita (2002), Delibes-Suite (2003), Scaramouche (para los alumnos de la escuela de la Ópera de París), Parentesis 1' (2005), Soli-Ter y Mi Favoritita (2006), El Olor de la Ausencia (2007), Les Enfants du Paradis para el Ballet de la Ópera de París (2008), Ouverture en Deux mouvements y Scarlatti pas de deux (2009), Marco Polo, The Last Mission para el Ballet de Shanghai (2010) y Resonance para el Boston Ballet (2014). En 2012 crea Sonatas para la Compañía Nacional de Danza y en 2013 monta para la CND sus versiones de Raymonda Divertimento y Giselle (paso a dos del segundo acto). En 2015 monta su versión de Don Quijote Suite anunciando el estreno del ballet completo por la CND para diciembre de este mismo año.

Música

GOYESCAS DE GRANADOS Luis Fernando Pérez, piano 16 de julio de 2016

Programa PARTE I Chopin Nocturno en do # menor op post Balada en sol menor n.1 op.23 Dos nocturnos op.27: En do#menor y en re bemol mayor Debussy L’isle joyeuse PARTE II Granados Goyescas PRIMER LIBRO: Los Requiebros El coloquio en la reja El Fandango de Candil La Maja y el ruiseñor Intermezzo de la ópera Goyescas SEGUNDO LIBRO El Amor y la Muerte Epilogo: Serenata del espectro Sobre Luis Fernando Pérez, piano Considerado uno de los mayores expertos en el repertorio español, sus grabaciones publicadas en el sello Mirare dedicadas a Chopin, Soler y Granados le han valido para que la crítica francesa lo destaque como un avanzado del renacimiento musical español.

Su virtuosa técnica pianística, no exenta de los acentos de la necesaria libertad, hacen de sus interpretaciones un despliegue de colores sonoros, inflexiones de emoción y vitalidad a raudales, que elevan al público por encima de toda complejidad para deleitarle con una cornucopia de vibrante intuición expresiva. “Cada nota es una palabra. Uno tiene que imaginar y encontrar dentro de sí mismo qué es lo que quiere decir y hacer“. Con estas palabras dedicadas a la obra de Chopin, Luis Fernando certifica la madurez que los premios Franz Liszt-Italia, Enrique Granados de Barcelona (Premio Alicia de Larrocha) y la Medalla Albéniz le habían vaticinado. Considerado uno de los mayores expertos en el repertorio español, sus grabaciones publicadas en el sello Mirare dedicadas a Chopin, Soler, Granados (Diapason D´or y Choc del año de la revista Clásica) le han valido para que la crítica francesa lo destaque como un avanzado del renacimiento musical español. Su último trabajo está dedicado íntegramente a los derroches coloristas del impresionismo de Manuel de Falla (Mirare 2014). Sus próximos compromisos le llevarán París, Madrid, Valencia, San Sebastián, Bilbao, Alicante, Bruselas, San Petersburgo, Budapest, Burdeos, Tokyo, Toulouse, Tarbes, Prades, Barcelona, Estambul, Oviedo, Gijón y Santiago de Compostela.

Música

CONCIERTO PROFESORES CURSOS MATISSE Profesores del curso internacional 22 de julio de 2016

Sobre el concierto Un clásico de los veranos de San Lorenzo de El Escorial. Desde 1988 se celebran los cursos de perfeccionamiento musical Matisse y al terminar dicho curso los profesores del mismo junto con los alumnos, ofrecen un concierto en el cual interpretarán un selecto repertorio de obras de destacados compositores.

Música vocal y danza

EL ÚLTIMO VIAJE. GRANADOS EN NUEVA YORK Obras de Enrique Granados 23 de julio de 2016

Programa E.Granados Doce tonadillas al estilo antiguo Danza española nº 5: Andaluza Día y noche de Diego ronda (Cantar) L’ocell profeta La boira Elegía eterna Intermezzo de la ópera Goyescas Canciones amatorias Danza de los ojos verdes Sobre el concierto En 1916 Granados realizó su último viaje a Nueva York para supervisar el estreno de Goyescas y ofrecer una serie de triunfales conciertos, algunos junto a la bailarina Antonia Mercé, la Argentina. Una invitación de la Casa Blanca cambió su billete de vuelta para el Sussex, un barco inglés que sería torpedeado por un submarino alemán en la I Guerra Mundial. Este programa recrea aquellos últimos recitales, e incluye los principales ciclos de canciones que raramente son interpretados en su versión original, acompañados de la lectura de algunas cartas y diarios de viaje del compositor. Ficha artística Anna Belén Gómez, soprano Anna Tonna, mezzosoprano César San Martín, barítono Esther Tablas, bailarina Valle González, corno inglés Borja Mariño, piano

Música

TRIO MALATS Las estaciones de Tchaikovsky 24 de julio de 2016

Programa Lo mágico de las estaciones Raquel Rodríguez En lo mágico P.I.Tchaikovsky Las Estaciones op.37 Sobre el Trío Malats Víctor Martínez, Alberto Gorrochategui y Carlos Galán son tres brillantes músicos cuya formación y proyección internacional les ha llevado a fusionar sus carreras formando el Trío Malats, para así rendir homenaje a este gran músico español. Formados en España y Francia estos músicos han sido galardonados en multitud de concursos, tanto a nivel individual como en música de cámara. Su bagaje musical ha hecho que el Trío Malats cuente con un amplio y variado repertorio, abarcando desde el clasicismo hasta las vanguardias actuales, habiendo actuado en diferentes festivales y auditorios de España como el Festival Internacional de Santander. Cabe destacar el compromiso que el Trío tiene con la música española de los siglos XX y XXI, como así lo demuestran sus programas de concierto y los estrenos de las obras que le han sido dedicadas tanto al Trío como a sus componentes. Fruto de este trabajo, es su primer álbum Entre Fandangos y Habaneras, distribuido por Universal Classics, en el que Ana Belén interpreta las Cinco Canciones negras de Monsalvatge con un exquisito gusto. Hablar de la formación camerística Piano-trío, es hablar de uno de los grupos artísticos más exigentes para el intérprete y más excitantes para el oyente, ya que se combina la labor del solista entrelazada con la música de cámara en estado puro, obteniendo así un puente natural de emociones difícilmente igualables entre el escenario y el público.

Ópera

DON CARLO DE VERDI Albert Boadella, director de escena 28 y 30 de julio de 2016

Sobre el espectáculo Albert Boadella presenta un nuevo montaje de Don Carlo, de Verdi, que se estrenó en julio de 2015 en el Auditorio de San Lorenzo de El Escorial. En el monasterio de esta localidad vivieron los protagonistas de este drama y allí reposan sus restos. Don Carlo es una de las cúspides indiscutibles del talento creativo de Giuseppe Verdi. En esta propuesta, Albert Boadella cuestiona la propaganda de la leyenda negra contra la España del siglo XVI. El tenor Massimo Giordano da vida a Don Carlo, controvertido primogénito del rey Felipe II (encarnado por el bajo Carlo Colombara). Junto a ellos, el barítono Juan Jesús Rodríguez interpreta el papel de Rodrigo, amigo y confidente de Don Carlo; la soprano Ekaterina Metlova será Isabel de Valois, tercera esposa de Felipe II; la mezzo-soprano Nadia Krasteva, asume el papel de la princesa de Éboli y el bajo Eric Halfvarson en el papel del Gran Inquisidor. Albert Boadella, consciente de que el libreto de Don Carlo, pese a utilizar personajes auténticos, recoge un relato “absolutamente opuesto a la realidad histórica” -en referencia a la conocida leyenda negra promovida en el siglo XVI por los países enemigos de España como propaganda de descrédito-, ha ideado un montaje en el que propone dar a la obra “ciertas aproximaciones a la verdad histórica”. De esta manera, trata de aportar al drama matices desconocidos en los montajes realizados hasta la fecha, como la esclarecedora locura de Don Carlo o la mayor humanidad de Felipe II. “El cambio esencial radica en la actuación”, asegura Boadella, quien adelanta que el vestuario, diseñado por Pedro Moreno, también marcará con precisión la época auténtica en que suceden los hechos. En palabras de Albert Boadella “En nuestros días la ópera tiende a convertirse en un club de coleccionistas restringido a supuestos expertos. Se trata de un arte que nació popular y ha pasado a ser rasgo diferencial de una secta filarmónica. Un grupúsculo mitómano que se aferra a la idolatría de las figuras como signo eminente de su exquisitez. Don Carlo es una de las propiedades preferidas de esta petulante élite, pues le atribuyen unos obstáculos técnicos que solo algunos escogidos comisarios son capaces de percibir y determinar si han sido o

no superados. Semejante disposición previa frente a la ópera tiene más de competición deportiva que de auténtico deleite ante un arte excelso. Excelso, precisamente, porque Verdi la compuso como patrimonio de todos, sin excepciones eruditas. Como tantas de sus obras, Don Carlo transmite un dramatismo al alcance de cualquier persona capaz de percibir lo que sucede fuera de sí mismo. No hay necesidad de mitificar ni intrincar aquello que resulta tan natural, bello y emotivo. Esta ha sido mi intención esencial, aportando solo ligeros detalles de la realidad histórica para acercar algunas razones del drama. Obviamente, la fantasía sigue impoluta. Simplemente he tratado la ópera con la desnudez de la tragedia en lugar del habitual parque temático sobre la Inquisición y la España negra”.

Un monumento operístico Don Carlo, una de las cúspides indiscutibles del talento verdiano, es la ópera veintitrés de las veintiséis que compuso Giuseppe Verdi (Le Roncole, Buseto, 1813 – Milán, 1901). En ella propone una desconocida inquietud armónica que aplicará hasta sus últimas consecuencias en sus obras finales, que culminan con la joya de Falstaff. Encargada con motivo de la Exposición Universal de París de 1867, se estrenó en francés el 11 de marzo de ese año en la ópera de dicha capital. Las posteriores revisiones del autor, hasta tres, movidas por una extrema obsesión de perfeccionismo, serían ya en italiano, y así es como ha trascendido en el repertorio. Ficha artística Director de escena, Albert Boadella Director musical, Manuel Coves Escenografía, Ricardo Sánchez Cuerda Figurinista, Pedro Moreno Iluminador, Bernat Jansà Coreógrafo, Amauri Lebrun Director del Coro, Pedro Teixeira Elenco: Don Carlo: Massimo Giordano (tenor) Isabel de Valois, tercera esposa de Felipe II: Ekaterina Metlova (soprano) Felipe II: Carlo Colombara (bajo) Rodrigo, marqués de Posa: Juan Jesús Rodríguez (barítono) Princesa de Éboli: Nadia Krasteva (mezzosoprano) Inquisidor: Eric Halfvarson (bajo) Fraile: Fernando Latorre (bajo) Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid

Música

WINTERREISE (VIAJE DE INVIERNO), DE SCHUBERT Damián del Castillo 29 de julio de 2016

Programa F. Schubert Die Winterreise Sobre Damián del Castillo, barítono Nacido en Úbeda (Jaén), finaliza los estudios superiores de música y canto en Málaga con Alicia Molina. Amplía su formación durante dos cursos en la Escuela Superior de Música Reina Sofía de Madrid, trabajando con Manuel Cid y Tom Krause. Ha recibido clases magistrales de Teresa Berganza, Reri Grist y Carlos Chausson. Actualmente perfecciona su técnica con Juan Lomba. Ganador del IX Certamen Nuevas Voces Ciudad de Sevilla en 2011; Finalista del XI Concurso de Canto Acisclo Fernández Carriedo, finalista del III Concurso de Canto Villa de Colmenar y Mención Especial en la Muestra de Jóvenes Intérpretes de Málaga. Ha cantado como solista en el Teatro Real, Teatro de la Zarzuela y Auditorio Nacional de Madrid; Sala Toscanini del Teatro de la Scala de Milán, Sala de Los Espejos del Teatro del Liceo de Barcelona; Teatro de la Maestranza de Sevilla, Sao Carlos de Lisboa, Palacio Euskalduna de Bilbao, Campoamor de Oviedo, Pérez Galdós de Las Palmas de Gran Canaria, Teatro Cervantes de Málaga, Teatro Villamarta de Jerez, Palacio de Festivales de Santander, Mezquita-Catedral de Córdoba, Museo del Prado, entre otros. Ha cantado en Chicago, Kansas City (I Festival Internacional de Música Española y Latinoamericana), Instituto Cervantes de Berlín, Festival Terras sem sombra, Festival de Música y Danza Ciudad de Úbeda, Festival de Otoño Ciudad de Jaén; Festival de Música Antigua de Málaga; becado por la Sociedad de Artistas o Ejecutantes de España (AIE) para realizar conciertos por la geografía española. En el terreno operístico cabe destacar sus actuaciones en The Telephone, or L’Amour à trois (Ben) en el Teatro de la Maestranza; La Traviata (Germont) en el Teatro São Carlos de Lisboa; Carmen en el Palacio Euskalduna y Otello en la Ópera de Oviedo. Asimismo, ha cantado roles como Malatesta (Don Paquale), Enrico (Lucia di Lammermoor), Eneas (Dido y Eneas), Conde de Almaviva (Le nozze di Figaro), Papageno (Die Zauberflöte), entre otros. Son frecuentes sus apariciones en el Teatro Nacional de Zarzuela, donde ha obtenido un gran éxito en El Juramento y La Verbena de la Paloma.

En el campo del Oratorio ha cantado como solista: Cantata Nº 82 de Bach; Requiem de Fauré; Misa de Minuit y Lecciones de Tinieblas de Charpentier; Misa Nelson de Haydn; Réquiem y Misa de la Coronación de Mozart; Réquiem de Campra; Misa de Gloria de Puccini; Pequeña Misa Solemne de Rossini y El Mesías de Händel. Actualmente viene realizando una serie de conciertos, interpretando los ciclos liederísticos Die Schöne Müllerin y Die Winterreise, de F.Schubert. Ha sido dirigido por directores musicales como: Aldo Ceccato, Miguel Roa, Antonello Allemandi, Antoni Ros Marbá, Eric Hull, Alexander Rahbari, Hansjörg Schellenberger, Inma Shara, Keri Lynn Wilson, Arturo Díez, Miguel Ángel Gómez Martínez, Lorenzo Ramos o Cristóbal Soler; y por registas como: Emilio Sagi, José Carlos Plaza, Ivo Guerra, Francisco López, Tomás Muñoz, Mario Pontiggia o Pier Luigi Pizzi. Entre sus recientes actuaciones y próximos compromisos hay que destacar su presencia en el Teatro Real de Madrid (Death in Venice, Romeo et Juliette, La Traviata), un concierto en Nueva Orleans con la Louisiana Philharmonic Orchestra, varios conciertos de La Llama con la Orquesta de Euskadi, que fueron grabados y editados posteriormente en Deutsche Grammophon, Otello de Verdi en el Festival de Peralada y en el Teatro de la Maestranza, Otello de Verdi y Simon Boccanegra en el Liceu, Don Carlo en los Teatros del Canal e Il Barbiere di Siviglia en ABAO. Ficha artística: Damián del Castillo, barítono David Aijón, fortepiano

Música

SINFONÍA Nº8 “INCOMPLETA” DE SCHUBERT Turkish National Youth Orchestra 2 de agosto de 2016

Programa G. Verdi I vespri Siciliani. Obertura F. Schubert Sinfonía nº 8 en si menor, D759, “Incompleta” H. F. Alnar Preludio y dos danzas B. Bartok Concierto para orquesta. Sz. 116 Sobre el concierto Concierto de música clásica interpretado por la Turkish National Youth Orchestra y dirigido por el maestro Cem Mansur en el que se interpretarán obras de Schubert, Bartok y el compositor turco Hasan Ferit Alnar. Sobre la Turkish National Youth Orchestra La Turkish National Youth Orchestra fue fundada en 2007 por Cem Mansur. La Orquesta ha actuado entre otros, en el Konzerthaus de Viena, Konzerthaus de Berlin , Sala Santa Cecilia de Roma, Auditorio de Milán, Brucknerhaus en Linz (tomando parte del prestigioso Brucknerfest) la Filarmónica de Essen, el Festival de Ravello, Teatro Filarmónico de Verona, conciertos en Bruselas…Ha sido orquesta en residencia del Beethovenfest en Bonn en Septiembre de 2012. En verano de 2014, fue orquesta en residencia del Festival de Taormina, tocando una producción de Tosca que cosechó un gran éxito. Sobre Cem Mansur, director Nacido en Israel, Cem Mansur estudió música en Londres en la Guildhall Scholl of Music donde recibió el Premio Ricordi en dirección de orquesta. Más tarde estudió en Los Angeles con Leonard Bernstein. Mansur fue director de la Orquesta de la Ópera de Estambul entre 1981 y 1989. Seguido de un exitoso debut en Londres con la English Chamber Orchestra en 1985, dirigió varias

orquestas y compañías de ópera en Holanda, Francia, Italia, República Checa, Rumanía, Hungría, Alemania, Suecia, España, México, Israel, Croacia, Polonia, Sudáfrica, Finlandia y Rusia, donde es invitado frecuentemente al Teatro Mariinsky invitado por Valery Gergiev. Fue director principal de la City of Oxford Orchestra de 1989 a 1997 y de la Akbank Chamber Orchestra de 1998 a 2011, ganando un reconocimiento especial por su creativa programación. Mansur ha dirigido a renombrados solistas. Orquestas que ha dirigido recientemente incluyen: Virtuosos de Moscú, Britten Sinfonia, Royal Philharmonic Orchestra, English Chamber Orchestra, London Mozart Players, City of London Sinfonia, BBC Concert Orchestra, George Enescu Philharmonic Orchestra, Mexico City Philharmonic Orchestra, Torre del lago Puccini Festival y la Holland Park Opera Festival en Londres donde actúa regularmente desde 1997. El extenso repertorio de Cem Mansur incluye muchas obras inusuales. Ha dirigido el estreno mundial de la Opera inacabada de Elgar The Spanish Lady en Londres, y la ópera de Offenbach Whittington fue re-estrenada, desde su primera representación en el siglo XIX, bajo su dirección en el City of London Festival en 2000. En Abril de 2009 dirigió el estreno mundial de Veni Creator de Arvo Part y el estreno europeo de la Sinfonía nº 4 del mismo compositor con la Filarmónica de Helsinki en Polonia en 2010. Mansur es presidente de la Ipswich Choral Society, la segunda más antigua institución en Inglaterra, director artístico fundador de la Joven Orquesta Nacional de Turquía. También ha dirigido a las Jóvenes orquestas de Turco-armenia así como la de Greco-turca.

Música

MONTEVERDI & FRIENDS Raquel Andueza & La Galanía 3 de agosto de 2016

Programa Sentirette una canzonetta T. Merula Perché se m’odiavi Monteverdi Voglio di vita uscir Monteverdi L’Eraclito amoroso T. Merula Ciaccona Anónimo (s. XVII) Lamento d’Arianna Monteverdi Un sol bacio Anglesi Quel sguardo sdegnosetto Monteverdi Oblivion soave Monteverdi Passacalle Anónimo (s. XVII) Si dolce è’l tormento Monteverdi Lamento della Ninfa Monteverdi Su la cetra amorosa T. Merula Sobre Raquel Andueza & La Galanía La Galanía es una de las formaciones especializadas más importantes del panorama musical español actual. Fundada en el año 2010 por Raquel Andueza y Jesús Fernández Baena, su finalidad es interpretar música barroca, tanto del siglo XVII como del XVIII, en base a unos cuidados principios historicistas y apostando por colaborar con los mejores músicos tanto españoles como de otras nacionalidades, todos ellos especializados en este repertorio. Sus miembros forman parte de orquestas y grupos prestigiosos a nivel mundial, como Hespèrion XXI, Al Ayre Español, Orquesta Barroca de Sevilla, Private Musicke, Orchestra

of the Age of the Enlightment, L’Arpeggiata, etc. Como eje central del grupo cuentan con la soprano Raquel Andueza, la cual es invitada regularmente a los auditorios y festivales más importantes del mundo. La Galanía hizo su debut con gran éxito en la Catedral de Pamplona con el Stabat Mater de Pergolesi, y rápidamente comenzaron a estar presentes en los más prestigiosos auditorios y festivales del mundo: Madrid, Berna, Berlín, Colonia, París, Brujas, Palma de Mallorca, Moscú, Helsinki, Nueva York, San Sebastián, Innsbruck, Sevilla, Chicago, Bruselas, Girona, Lyon, Ciudad de Panamá, Palma de Mallorca, Aranjuez, Santiago de Compostela, etc. En enero de 2011 salió a la luz su primer proyecto discográfico, Yo soy la locura, para la discográfica Anima e Corpo, álbum que desde su salida al mercado fue siendo un éxito de crítica y ventas, y que recibió de manera unánime el premio Festclásica, otorgado por la Asociación Española de Festivales de Música Clásica. Posteriormente presentaron sus trabajos discográficos Alma Mia – un recopilatorio de las arias de ópera y cantatas más bellas de Antonio Cesti- y Pegaso -un compendio de salmos y motetes de Tarquinio Merula-, los cuales, asimismo, están obteniendo las mejores críticas y premios de la prensa. La Galanía ha recibido en junio de 2015 el Premio al Mejor Grupo de Música Barroca, otorgado en la primera edición de los Premios de la Asociación de Grupos Españoles de Música Antigua. Asimismo, su disco Pegaso recibió el galardón al Mejor Disco del Año 2014 en la misma edición de premios. Premio GEMA al Mejor Grupo de Música Barroca de 2014. Premio GEMA al Mejor CD de 2014 por Pegaso. Premio FestClásica 2011 por su programa y disco Yo soy la locura. Ficha artística Raquel Andueza & La Galania Pablo Prieto, violín Manuel Vilas, arpa doppia Jesús Fernández Baena, tiorba

Danza

ARAT: 400 años de flamenco Juan Manuel Prieto, director y coreógrafo 6 de agosto de 2016

Programa Obertura: farruca (s. XXI) Rabad / Arrabal (s. XVII) Cuevas del Sacromonte (s. XVII) Patio andaluz: Bailes del candil (s. XVIII) Cafés cantantes: Seguiriya (s. XIX-XX) Las óperas flamencas: Soleares (1ª mitad s. XX) La muerte de Lorca: Poesía coreografiada (1936) El exilio del flamenco: Guajira (años 50) Flamenco y cine: Homenaje a Lola Flores. La copla (años 50) Teatro: Homenaje a Antonio “el Bailarín” – la caña (años 50-60) Alegrías de Camarón: Alegrías (1969) Teatro: Homenaje a A. Gades – farruca (años 70) Tangos y bulerías (finales s. XX) Flamenco dramatizado: Nana del caballo grande (s. XXI) Flamenco actual: Soleá por bulerías (s. XXI) Sobre el espectáculo Un recorrido por la historia del flamenco desde la Granada del s. XVII, mostrando su nacimiento en las Cuevas del Sacromonte, hasta nuestros días. Si hay alguna danza española que tiene su propia idiosincrasia en la historia de la danza española, ésta es el flamenco. Tanto es así que en 2010, la UNESCO lo declara Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad, en cuya resolución afirma: “El flamenco está hondamente arraigado en la comunidad que lo practica, fortalece su identidad y se transmite sin interrupción de generación en generación”.

La palabra “flamenco”, referida al género artístico, se remonta a mediados del siglo XIX. Sin embargo su origen etimológico -así como pasa con los orígenes del arte propiamente- son desconocidos. La corriente más aceptada hoy en día es la corriente del origen gitano-morisco, la cual sitúa el origen de este arte en la baja Andalucía como fusión de las culturas gitana, morisca, andaluza, judío sefardí y cristianos mozárabes. Según esta teoría, el origen de la palabra “flamenco” es la expresión árabe Fellah-Mangú que significa “campesino sin tierra”, la cual hace una clara referencia a las culturas “marginadas” por la sociedad de entonces: morisca y gitana. La compañía de Sangre y Raza, a través de nuestros estudios sobre el flamenco, tomamos esta teoría como referente para desarrollar nuestro espectáculo, y así lo bautizamos como ARAT, término caló que significa el ser, la existencia y la sangre, y el subtítulo De Fellah-Mangú a Flamenco, alude a este origen de nuestro baile. Ficha artística ARAT, de Fellah-Mangú a Flamenco Compañía de Sangre y Raza Juan Manuel Prieto, director y coreógrafo Carlos Fajardo, director e iluminador Alejandro Molinero, coreógrafo invitado Juan Carlos Avecilla, coreógrafo invitado Idea original y dirección: Juan Manuel Prieto y Carlos Fajardo / Diseño de producción y dirección escénica: Carlos Fajardo / Asistente dirección artística: Carla Navas / Jefe de producción y maquinaria: José R. Díaz / Comunicación y ayudante de dirección: Roberto Pereira / Secretaria dirección/coordinación: Mayte Picot / Diseño de iluminación: Carlos Fajardo (A.A.I) / Diseño y mezcla de sonido: Juan Rivas / Diseño y realización de vestuario: Carmen Granell / Distribución: Isabel Rufino