el museo guggenheim bilbao presenta el programa
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El Museo Guggenheim Bilbao presenta el programa de celebración de su XX Aniversario
• La conmemoración del Aniversario estará presente en toda la actividad del Museo
desde octubre de 2016 hasta octubre de 2017.
• “El arte lo cambia todo” es el concepto que preside el año de celebración.
• Un programa de exposiciones especial y la apertura de los espacios del Museo a
los jóvenes artistas vascos y a los agentes culturales locales, son algunas de las
claves del Aniversario.
INTRODUCCIÓN
En octubre de 2017 se cumplirán 20 años de la inauguración del Museo Guggenheim Bilbao, que
supuso la irrupción de Bilbao en la escena artística internacional y el comienzo de la llegada masiva
de turismo a la ciudad. A un año de esta fecha, el Museo presenta el programa preliminar de
actividades especiales que se desarrollarán a lo largo de los próximos doce meses dirigido tanto a la
sociedad local como a los visitantes. El programa tiene como objetivos fortalecer el posicionamiento
del Museo como entidad de referencia en el panorama artístico internacional y reforzar su
capacidad de atracción en el ámbito global; estrechar la relación de la institución con el entorno más
cercano, haciendo partícipe a la comunidad artística y cultural local; renovar el compromiso del
Museo con su patrimonio artístico; y consolidar su posición como motor de dinamismo económico,
social y cultural en Bilbao, Bizkaia y en el País Vasco.
La conmemoración del Aniversario estará presente en toda la actividad del Museo desde octubre de
2016 hasta octubre de 2017, y el concepto de comunicación elegido es “El arte lo cambia todo”, un
lema inspirado tanto por el gran cambio experimentado por la ciudad de Bilbao y sus habitantes
desde la inauguración del Museo como por la capacidad transformadora del arte. Además de la idea
“El arte lo cambia todo”, que servirá como hilo conductor los próximos doce meses, el Museo ha
diseñado una aplicación especial de su logotipo para esta efeméride y construirá una web específica
a la que se accederá desde el site del Museo y que será el principal eje de comunicación de todo lo
que acontecerá durante la celebración y que se irá desplegando en los próximos meses.
Un aspecto relevante a destacar es que el XX Aniversario del Museo recibirá por parte de la
Hacienda Foral de Bizkaia el reconocimiento de una serie de incentivos fiscales a las empresas y
entidades que realicen gastos e inversiones asociados con la efeméride y la difusión.
La conmemoración traerá consigo el desarrollo de una actividad extraordinaria en tres ámbitos:
• El ámbito artístico, en el que se pondrán en marcha un ambicioso proyecto de
conservación de la Colección Propia y un programa expositivo especial.
• La colaboración con agentes culturales y la comunidad artística local, en la que se
incluyen una convocatoria que permitirá a jóvenes artistas vascos mostrar su obra en el
Museo, y un proyecto colaborativo, denominado TopARTE, por el que el Museo abre sus
puertas a la programación de actividades de las entidades artísticas y culturales del País
Vasco.
• El tercer ámbito incluirá una serie de eventos de celebración con y para la ciudadanía, que
se irán desvelando a lo largo de los próximos meses.
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1. ÁMBITO ARTÍSTICO La Colección Propia La Colección Propia del Museo Guggenheim Bilbao es un patrimonio que pertenece a toda la
ciudadanía, y como tal, su preservación constituye un aspecto prioritario. Así, se llevará a cabo un
proyecto extraordinario de conservación de catorce obras de arte que incorporan elementos
tecnológicos —como sistemas eléctricos y electrónicos, circuitos hidráulicos o instalación de gas—,
como Arcos rojos/Arku gorriak, de Daniel Buren; Escultura de niebla n.º 08025 (F.O.G.), de Fujiko
Nakaya; Fuente de fuego, de Yves Klein; Instalación para Bilbao, de Jenny Holzer; o Sombra y boca, de Juan Muñoz.
La programación expositiva En lo que respecta al calendario expositivo, el Museo ha diseñado una programación de especial
intensidad y calidad artística dirigida a una audiencia amplia y diversa con contenidos de muy
diferente naturaleza, desde los protagonistas de las vanguardias parisinas del fin siglo hasta los
máximos exponentes del Expresionismo Abstracto americano, pasando por figuras clave del arte
moderno y contemporáneo, como Bill Viola, Georg Baselitz o David Hockney, a quienes se
sumarán las muestras que, inauguradas en el último trimestre de 2016, podrán verse también
entrado el año 2017: Francis Bacon, Albert Oehlen, la Colección Rupf, y Fiona Tan.
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Francis Bacon: de Picasso a Velázquez 30 de septiembre, 2016–8 de enero, 2017
Salas de la segunda planta
Comisario: Martin Harrison
Francis Bacon: de Picasso a Velázquez muestra una selección de cincuenta pinturas que se cuentan
entre las más importantes y atractivas de Francis Bacon, incluyendo numerosos trabajos que apenas
se han exhibido en público previamente, junto a una treintena de obras de distintos maestros
clásicos y modernos que influyeron en su carrera. La exposición pretende profundizar en la impronta
que las culturas francesa y española dejaron en la producción de este artista británico nacido en
Irlanda, ferviente francófilo y gran conocedor del arte de grandes maestros españoles, como
Velázquez. Bacon inició su carrera como pintor tras visitar la exposición Cent dessins par Picasso en
la galería Paul Rosenberg de París en 1927. Sumamente interesado en la literatura francesa, fue un
ávido lector de Racine, Balzac, Baudelaire y Proust; y un apasionado del arte de pintores
establecidos en Francia, como Manet, Degas, Gauguin, Van Gogh, Seurat, Matisse y Picasso, y de
otros creadores anteriores, como Ingres, Géricault y Daumier. Más allá de sus primeros encuentros
parisinos con la obra de Picasso en los años veinte y treinta, su relación con la cultura española se
manifiesta principalmente en su obsesión por el retrato del Papa Inocencio X, realizado por
Velázquez en 1650. Pese a haber tenido la oportunidad de contemplar esta obra directamente en la
Galleria Doria Pamphilj, durante un viaje que hizo a Roma en 1954, Bacon prefirió tener presentes
en su memoria las reproducciones de la pintura, y no el original, durante la creación de las más de
cincuenta obras que dedicó a este motivo. Además de Velázquez, a Bacon le fascinaron otros
maestros clásicos, como Zurbarán, El Greco o Goya, cuya obra pudo admirar en las diferentes
visitas que hizo al Museo del Prado de Madrid desde 1956.
Exposición organizada por el Museo Guggenheim Bilbao en colaboración con Grimaldi Forum Monaco
Francis Bacon, Estudio para el retrato de John Edwards (‘Study for Portrait of John Edwards’), ca. 1984
Óleo y pastel sobre lienzo, 198 x 147,5 cm. Colección particular, Londres © The Estate of Francis Bacon. Reservados todos los derechos
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Albert Oehlen: Detrás de la imagen
21 de octubre, 2016–5 de febrero, 2017
Sala 105
Comisaria: Petra Joos
Albert Oehlen (Krefeld, Alemania, 1954) es uno de los pintores más influyentes de las últimas
décadas y uno de los artistas más controvertidos de la Alemania de posguerra. Su
contemporaneidad pictórica se nutre de una combinación de técnicas provenientes de la publicidad,
de la pincelada expresionista, del gesto surrealista y de las imágenes generadas por ordenador.
Decidido a aumentar la complejidad de un medio que cada cierto tiempo es tildado de “obsoleto”,
Oehlen contribuye a este debate a través de su obra. En los últimos años, sus pinturas han
desarrollado lo que el artista define como su tema principal, la libertad, algo que se evidencia en su
valentía y abandono al abordar el lienzo, empleando nuevas técnicas que conservan el vocabulario
del pasado y generan la extraña, paradójica sensación de que se trata de algo nuevo, pero conocido.
Oehlen es un artista conceptual que emplea la pintura como medio. A este respecto, ha afirmado:
“Que cada uno piense lo que quiera. Me aburre hablar de significados. No busco entendimientos ni
complicidades con el público. Cada cual es libre de sus sensaciones”.
Exposición organizada por el Museo Guggenheim Bilbao
Albert Oehlen, Sin título, 2016.
Óleo, barniz y papel sobre lienzo, 250 x 250 cm. Cortesía del artista © Albert Oehlen
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La Colección de Hermann y Margrit Rupf 11 de noviembre, 2016–23 de abril, 2017
Salas 305, 306, 307
Comisarias: Susanne Friedli y Petra Joos
Hermann Rupf fue una de las personalidades más interesantes de la Suiza del siglo pasado. Llegó a
París a principios del siglo XX, después de haber trabajado junto a Daniel-Henry Kahnweiler en la
banca y sin tener conocimientos del mercado del arte. No obstante, gracias a su apertura de miras y
a su inclinación por la cultura, desarrolló un gusto particular que le llevó a convertirse en uno de los
primeros compradores de obras de Braque, Derain y Picasso, entre otros artistas. A su regreso a
Berna, Rupf continuó cultivando su interés por el arte de su tiempo. Su matrimonio con Margrit
Wirz en 1910 no hizo sino incentivar su pasión coleccionista; durante la Primera Guerra Mundial,
ambos acogieron en su casa al galerista Kahnweiler y conocieron a numerosos artistas, como
Kandinsky o Klee. En 1954, Hermann y Margrit Rupf donaron su magnífica colección, compuesta
por aproximadamente 250 obras y numerosas publicaciones, a la fundación que lleva su nombre,
ubicada en el Kunstmuseum de Berna. Siguiendo los propósitos de los Rupf, su fundación dedica
desde entonces su inversión, fundamentalmente, a la adquisición de obras de artistas
contemporáneos.
Exposición organizada por el Museo Guggenheim Bilbao
Pablo Picasso, Cabeza de hombre (Tête d’homme), 1908
Óleo sobre madera, 27 x 21 cm. Hermann und Margrit Rupf –Stiftung, Kunstmuseum Bern
© Sucesión Pablo Picasso, VEGAP, Madrid, 2016
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Fiona Tan: Desoriente
22 de diciembre, 2016–
19 de marzo, 2017
Sala Film & Video 103
Comisario: Manuel Cirauqui
En la intersección entre el cine, el vídeo y la fotografía, las obras de Fiona Tan (Pekanbaru,
Indonesia, 1966) examinan las identidades del mundo descolonizado en relación con mitos y
leyendas fabricados por Occidente a lo largo de su historia. La instalación Desoriente (Disorient, 2009) toma como punto de partida la ciudad de Venecia, centro estratégico de exploración y
creación del lejano Oriente en el siglo XIII, a través de las palabras que el legendario explorador
veneciano Marco Polo plasmó en su Libro de las maravillas del mundo. En pantallas opuestas, dos
relatos fílmicos se desarrollan en paralelo, confrontando un almacén de curiosidades orientales,
exuberante y caótico, con un montaje documental sobre los modos de vida y producción en la Asia
poscolonial y globalizada de hoy. La conexión entre ambas secuencias se revela gradualmente
mientras una voz desgrana ciertos pasajes del libro del explorador, de los que emerge la imagen de
un continente fantástico, de cuya existencia nos hace dudar por momentos.
Exposición organizada por el Museo Guggenheim Bilbao
Fiona Tan, Desoriente (Disorient), 2009
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Expresionismo Abstracto 3 de febrero–4 de junio, 2017
Salas de la segunda planta
Comisarios: David Anfam, Lucía Agirre y
Edith Devaney
Aunque el término fue acuñado en 1946, el Expresionismo Abstracto no entró a formar parte de las
colecciones de los principales museos de EE.UU. hasta la década de 1950, con la adquisición de
obras de sus más reconocidos exponentes como Jackson Pollock, Mark Rothko, Franz Kline,
Clyfford Still, Philip Guston y Barnett Newman. En 1958 el Museum of Modern Art de Nueva York
organizó una exposición que incluía gran parte de este arte recientemente adquirido: se titulaba
Nueva pintura americana sugiriendo una alternativa para el término Expresionismo Abstracto y
destacando la novedad y el origen nativo de este movimiento. La muestra viajó en 1959 por ocho
ciudades europeas, Basilea, Milán, Madrid, Berlín, Ámsterdam, Bruselas, París y Londres, y desde
entonces no se han realizado exposiciones de estas características y alcance en Europa, aunque
muchos de sus representantes han sido objeto de importantes retrospectivas, como Guston, Pollock
o Rothko. Esta gran presentación tratará de reevaluar el movimiento, reconociendo que, aunque se
percibe como unitario, en realidad era un fenómeno más complejo y fluido. La selección mostrará
claramente el individualismo dominante que emergió en el trabajo de la mayoría de los artistas, así
como las relaciones e influencias que se generaron entre ellos. Una oportunidad para el Museo
Guggenheim Bilbao que posee importantes piezas de este periodo, ya sea en su faceta de Pintura
de Acción o Action Painting –ejemplificada en obras como Villa Borghese (1960), de Willem de
Kooning– o en la vertiente que cultivan los denominados pintores de Campos de Color o “pintores
del silencio”, como Mark Rothko.
Exposición organizada por la Royal Academy of Arts, Londres, en colaboración con el Museo Guggenheim Bilbao
Clyfford Still, PH-950, 1950.
Óleo sobre lienzo, 233,7 x 177,8 cm
Cortesía Clyfford Still Museum, Denver, Colorado. © VEGAP, Bilbao, 2016
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Pello Irazu: retrospectiva 10 de marzo–25 de junio, 2017
Sala 105
Comisaria: Lucía Agirre
Pello Irazu es un artista clave en el panorama artístico contemporáneo, una figura destacada desde
la década de 1980 en la renovación de la escultura vasca y, fundamentalmente, un creador que ha
desarrollado una obra coherente que se extiende a lo largo de tres décadas. Alternando la escultura
—medio en el que desarrolla un espectro más amplio que abarca desde propuestas tridimensionales
de pequeño formato hasta grandes instalaciones y objetos híbridos—, la fotografía, el dibujo y la
pintura mural, el trabajo de Irazu, independientemente de la disciplina que emplea, aborda los
problemas que se suscitan en las relaciones entre nuestros cuerpos, los objetos, las imágenes y los
espacios. Esta exposición planteará una mirada retrospectiva a la obra de Irazu a través de un
recorrido articulado en el que destacarán hitos y obras significativas de su carrera, configurando un
panorama de sus treinta años de trayectoria artística. Esta visión estará modulada por un dispositivo
material y conceptual específico diseñado por el propio artista, estructurado a partir de un gran
pasillo que recorrerá diagonalmente la zona central del espacio, dividiéndolo en diferentes áreas
que, a su vez, se organizarán de manera circular. De este modo, se plantea de partida una
experiencia espacial compleja por cuanto el visitante podrá decidir en todo momento transitar
diferentes rutas, siguiendo un recorrido cronológico en el que el recurso al “eterno retorno” y a la
circularidad de todo trabajo artístico se pone de manifiesto, que concluye con piezas fotográficas y
esculturas metálicas que evocan las que dan inicio a la muestra.
Exposición organizada por el Museo Guggenheim Bilbao
Pello Irazu, La tierra que duerme, 1986
66 x 120 x 39 cm Acero y óleo, Colección Soledad Lorenczo depositada en MNCARS
© VEGAP, Bilbao, 2016
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Pierre Huyghe: (Sin título) Máscara humana 30 de marzo–25 de junio, 2017
Sala 103 Film & Video
Comisario: Manuel Cirauqui
En las obras de Pierre Huyghe la diferencia entre ficción y realidad se borra al tiempo que se
construye la experiencia del mundo. En entornos magistral y minuciosamente construidos, personas
y marionetas se comportan como iguales mientras que animales y plantas parecen circular
tranquilamente a ambos lados de la frontera de lo imaginario. (Sin título) Máscara humana, realizada
en 2014, nos lleva a un paisaje japonés marcado por el reciente tsunami y la catástrofe nuclear de
Fukushima. Allí se nos muestra una escena inspirada en hechos reales: en un vacío y ruinoso
restaurante, un simio, cuyo rostro está cubierto por una máscara de teatro tradicional, parece
esperar a los clientes que nunca llegan. Rastreando impacientemente el lugar, deteniéndose para
escuchar si alguien se acerca, o mirando por la ventana, el personaje atrapado en un decorado irreal
interpreta un número cuyo tema, según ha declarado el propio artista, no es otro que la condición
humana.
Exposición organizada por del Museo Guggenheim Bilbao Pierre Huyghe (Sin título) Máscara humana [(Untitled) Human Mask], 2014 (fotograma) Película en color, sonido estéreo, formato 2:66 Duración: 19 min Cortesía del artista; Hauser & Wirth, Londres; y Anna Lena Films, París
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París, fin de siglo: Signac, Redon, Toulouse-Lautrec y sus contemporáneos 12 de mayo–10 de septiembre, 2017
Salas 305, 306 y 307
Comisaria: Vivien Greene
Con un centenar de obras entre pinturas, dibujos, grabados y obras sobre papel, la exposición París, fin de siglo: Signac, Redon, Toulouse-Lautrec y sus contemporáneos analiza la escena artística
parisina, centrándose en las vanguardias francesas más importantes de finales del siglo XIX y
especialmente en los neo-impresionistas, nabis y simbolistas, y sus protagonistas más destacados. El
París de fin de siglo fue el escenario de una gran agitación política y fuertes transformaciones
culturales. Reflexionando sobre las múltiples facetas de una época vehemente e inquieta, este
período observó la formación de una serie de nuevos movimientos artísticos. Los temas de su arte,
que ahora se tratan de forma diversa, siguen siendo los mismos que los de sus antecesores
impresionistas: paisajes, vistas de ciudades urbanas modernas, actividades recreativas, a los que se
añaden escenas introspectivas y visiones fantásticas. Investigando dichas vanguardias, la exposición
se centra especialmente en algunas de las figuras más destacadas de esta época: Paul Signac,
Maximilien Luce, Maurice Denis, Pierre Bonnard, Félix Vallotton, Odilon Redon o Henri de
Toulouse-Lautrec.
Exposición organizada por el Museo Guggenheim Bilbao Pierre Bonnard, Gente en la calle (Personnages dans la rue), ca. 1894 Óleo sobre papel fijado a tabla, 24 x 25 cm, Colección particular
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Bill Viola: retrospectiva 30 de junio–5 de noviembre, 2017
Salas de la segunda planta
Comisaria: Lucía Agirre
Bill Viola, uno de los artistas contemporáneos más destacados, ha sido pionero en el empleo del
vídeo y en la exploración de la imagen en movimiento. El artista norteamericano investiga figurativa
y literalmente los ciclos de la vida, la muerte y el renacimiento, recurriendo a elementos primarios
como el fuego y el agua. En su obra, el artista también realiza estudiados cambios de tiempo y
escala para provocar en el espectador respuestas profundas y, a veces, inesperadas. La presentación
Bill Viola: retrospectiva es un análisis temático y cronológico de la obra del artista, un recorrido
completo que comienza en sus primeras piezas de los setenta, como La piscina reflectante (The Reflecting Pool, 1977–79) para terminar con las instalaciones más recientes de carácter monumental,
entre las que destacan Salir al día (Going Forth By Day, 2002), Mujer fuego (Fire Woman, 2005),
La ascensión de Tristán (Tristan’s Ascension, 2005), Los soñadores (The Dreamers, 2013) o
Nacimiento invertido (Inverted Birth, 2014). La exposición tiene como objetivo transmitir al público
la transformación que se ha ido produciendo en el lenguaje de este artista, al tiempo que se han
sofisticado los medios de reproducción, reflejando en todo momento su profunda vinculación con la
historia del arte, la espiritualidad, y otros temas relacionados con lo conceptual y la percepción. Una
obra, en definitiva, que apela intensamente a los sentidos, ofreciendo una reflexión espiritual de la
temporalidad y la trascendencia.
Exposición organizada por el Museo Guggenheim Bilbao
Bill Viola, La ascensión de Tristán (El sonido de una montaña bajo una cascada) [Tristan’s Ascension (The Sound of a Mountain Under a
Waterfall)], 2005. Proyección de video de alta definición en color; cuatro canales de sonido con altavoz de graves (subwoofer 4.1)
580 x 326 cm, 10min, 16 s
Intérprete: John Hay, Studio Bill Viola © Bill Viola Foto: Kira Perov
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Georg Baselitz. Los Héroes 14 de julio–22 de octubre, 2017
Sala 105
Comisarios: Max Hollein y Petra Joos
Georg Baselitz (1938) es indudablemente uno de los pintores y escultores más influyentes de
nuestro tiempo. En 1965 y 1966, en una verdadera explosión de productividad, desarrolló la serie de
paradójicas y teatrales pinturas de los Héroes (Heroes). El poderoso grupo de Héroes y de Tipos Nuevos (New Types) está considerado actualmente como ejemplo clave del arte alemán de la
década de 1960 en todo el mundo. La exposición monográfica sobre este tema, organizada por el
Städel Museum de Frankfurt en colaboración con el Museo Guggenheim Bilbao, presentará por
primera vez y de forma comprehensiva las claves de esta serie que consta de unas monumentales
figuras pintadas, agitadas y desafiantes, que no han perdido un ápice de su ambigüedad,
importancia y vulnerabilidad. No obstante, Baselitz se preocupa aquí por temas que van más allá de
las cuestiones sociales generales y reflexiona en torno a su propia posición en relación con la
sociedad.
Una exposición de Städel Museum, Fráncfort del Meno, en colaboración con el Museo Guggenheim Bilbao.
Georg Baselitz, Bonjour Monsieur Courbet, 1965
Óleo sobre lienzo, 162 x 130 cm Colección Thaddaeus ropac, Paris-Salzburgo
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Ken Jacobs: Los invitados Fechas: 6 de julio–19 de noviembre, 2017
Sala 103 Film & Video
Comisario: Manuel Cirauqui
Pionero de la escena neo-vanguardista de los años sesenta y setenta en EE.UU., Ken Jacobs es una
figura central del cine experimental de posguerra. Tras formar parte de legendarios colectivos como
el Film-Makers’ Cooperative y The Bleecker Street Cinema, en 1966 fundó con su mujer Flo Jacobs
el Millennium Film Workshop así como el departamento de estudios cinematográficos de la
Universidad de Binghampton. Investigando siempre el acto de mirar y la relación del espectador con
la imagen, Jacobs realizó en 1971 Tom, Tom the Piper’s Son, una película de dos horas a partir un
cortometraje de diez minutos datado en 1905. A mitad de los años noventa, el artista empezó a
desarrollar el concepto de “eternalismo”, basado en la producción de ilusiones de tridimensionalidad
por medio de la manipulación de la luz y la velocidad de imágenes ordinarias. Los invitados (The Guests, 2013) es uno de sus trabajos más recientes y ha sido saludado por la crítica como una de sus
obras cumbre. En él, el artista toma como punto de partida uno de los primeros filmes de los
hermanos Lumière: la entrada de los invitados a una boda en París, a finales del siglo XIX.
Diseccionando materialmente el film original, Jacobs cortó y reconstruyó estereoscópicamente la
cinta. Por medio de gafas 3D, los fotogramas pares e impares separados en la proyección se funden
como imagen tridimensional en la mente del espectador. La lentitud impuesta a la acción, la
densidad recobrada de un espacio histórico e inaccesible, llevan el material de los Lumière a un
plano que trasciende el documento cinematográfico para convertirse en experiencia directa e
hipnótica del misterio de la imagen.
Exposición organizada por el Museo Guggenheim Bilbao Ken Jacobs, The Guests. 2013 (fotograma) 3D film, color, 74 min. Courtesy the artist
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Anni Albers: tocar la vista 30 de septiembre, 2017–
14 de enero, 2018
Salas 305, 306 y 307
Comisario: Manuel Cirauqui
Conocida especialmente por su papel pionero en el arte textil o fiber art, por sus innovaciones en el
tratamiento de las tramas y su búsqueda permanente de motivos y funciones del tejido, Anni Albers
(Berlín, 1899–Orange, CT, 1994) fue una figura fundamental en la redefinición del artista como
diseñador. El suyo fue un arte inspirado por el folclore precolombino y la industria moderna, pero
emancipado de las nociones de artesanía y labor de género. Albers estudió en la vanguardista
Bauhaus de Weimar, institución donde conocería a su esposo, el pintor Josef Albers, y donde
llegaría a dirigir el taller textil en 1931. Tras el cierre de la institución por el partido nazi en 1933,
Albers se trasladó junto a su marido a Carolina del Norte, EE.UU., donde ambos fueron
contratados como profesores de una escuela libre que se convertiría en referencia de la modernidad
artística americana, el Black Mountain College. Desde allí, Anni Albers continuó combinando
trabajo pedagógico y experimentación artística, a la vez que produjo algunos de los textos hoy
considerados clave en el desarrollo del arte textil contemporáneo. La exposición Anni Albers: tocar la vista se presenta como un recorrido detallado a través de las series más importantes en su obra,
desde 1925 hasta finales de los años setenta. Las asociaciones formales entre obras y series a través
del tiempo mostrarán afinidades e hilos conductores, dando así cuenta del impacto y la vigencia de
las ideas de esta artista única.
Anni Albers in her weaving studio at Black Mountain College, 1937. Photograph by Helen M. Post Courtesy of The Josef and Anni Albers Foundation, Bethany, Connecticut.
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David Hockney. Retratos 10 de noviembre, 2017–25 de febrero, 2018
Sala 105
Comisaria: Edith Devaney
Tras la exposición de paisajes monumentales que el Museo ofreció en 2012, Hockney se alejó de la
pintura y de su Yorkshire natal para regresar a Los Ángeles. Poco a poco retomó la pausada
contemplación del retrato, que comenzó con la representación del jefe de su estudio. Durante los
meses siguientes, se vio totalmente inmerso en este género, lo que le llevó a invitar a personas de
diversas esferas de la vida a posar para él en su taller. Estos personajes —amigos, familiares y
conocidos— son gente de su estudio, otros artistas, curators y galeristas, como John Baldessari o
Larry Gagosian. Todos los cuadros presentan las mismas dimensiones, muestran al modelo en la
misma silla y ante el mismo fondo de color azul brillante, y todos ellos fueron pintados en el
transcurso de tres días. Sin embargo, la maestría de Hockney con la pintura permite a las diferentes
personas surgir del lienzo con una cálida inmediatez. Esta exposición presenta retratos de David
Hockney realizados con un renovado vigor creativo. Ello le permite ofrecer una instantánea íntima
del mundo del arte de Los Ángeles y de la gente que se ha cruzado en el camino del artista en los
últimos dos años.
Exposición organizada por la Royal Academy of Arts, Londres, en colaboración con el Museo Guggenheim Bilbao
David Hockney Barry Humphries, 26, 27 y 28 de marzo de 2015 Acrílico sobre lienzo 121,9 x 91,4 cm © David Hockney Photo credit: Richard Schmidt
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Amie Siegel: Invierno 30 de noviembre, 2017–4 de marzo,
2018
Sala 103 Film & Video
Comisario: Manuel Cirauqui
Invierno (Winter, 2013) de Amie Siegel propone reactivar la experiencia de la proyección a través de
la producción efímera de un elemento clave de su película: la banda sonora. Colaborando con
músicos y locutores de cada lugar en que se muestra la obra, la artista busca acercar la experiencia
de la imagen a los aspectos más participativos del espectáculo, rompiendo la habitual distancia de la
pantalla respecto al observador. En Invierno, el espacio de proyección se convierte en múltiples
ocasiones en un estudio de sonido abierto al público, donde intérpretes locales ofrecen versiones
diversas de una historia de corte futurista, modulando infinitamente su atmósfera, sus giros
dramáticos y sus estados de ánimo. Así, la historia transcurre en varios tiempos simultáneos: el
presente de la actuación musical, el pasado de la imagen filmada y el futuro de la ciencia ficción.
Situada en la remota región de Khandallah (Nueva Zelanda), en un complejo residencial de formas
blancas y lisas diseñado por el arquitecto Ian Athfield, el relato describe la vida cotidiana de una
pequeña comunidad utópica en mitad de un paisaje espectacular y desierto. En función de la música
y de las palabras pronunciadas por los narradores incidentales, la historia parece cambiar de rumbo.
Mientras que la obra puede ser vista en una versión sonora estable durante buena parte del tiempo
de exposición, en los días de actuación en directo el visionado se convierte en experiencia única,
irrepetible y cercana, que hace de Invierno una obra indisociable del espacio en que es vista y de las
personas que participan en ella.
Exposición organizada por el Museo Guggenheim Bilbao
Amie Siegel, (b. 1974, Chicago) Winter, 2013. Color video, transferred from 16 mm film, with sound, 33 min. and performance with objects Dimensions variable, edition 3/4 Solomon R. Guggenheim Museum<x-apple-data-detectors://2>, New York Purchased with funds contributed by the Young Collectors Council, 2015 2015.44
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El arte y el espacio 1 de diciembre, 2017–8 de abril, 2018
Salas de la segunda planta
Comisario: Manuel Cirauqui
El arte y el espacio parte del histórico encuentro entre Eduardo Chillida y el filósofo Martin
Heidegger, y del libro de artista del mismo título publicado en 1969 con grabados del gran escultor
vasco. A partir de esta referencia clave y de una selección de obras de la Colección Propia, la
exposición abordará la experiencia del espacio de la mano de artistas contemporáneos
internacionales, muchos de ellos presentes en las Colecciones Guggenheim. Tratando de manera
innovadora un tema central en la historia del arte del País Vasco, la exposición se ofrece también
como una celebración del espacio del Museo Guggenheim Bilbao, de su inagotable dinamismo y
del fructífero diálogo entre las Colecciones Guggenheim. Incluirá obras de Sir Anthony Caro,
Eduardo Chillida, Olafur Eliasson, Lucio Fontana, Robert Gober, Zarina Hashmi, Eva Hesse,
Cristina Iglesias, Prudencio Irazabal, Agnieszka Kurant, Sol LeWitt, Richard Long, Asier Mendizabal,
Bruce Nauman, Damián Ortega, Jorge Oteiza, Pablo Palazuelo, Iván Navarro, Fred Sandback,
Nobuo Sekine, Susana Solano, Lee Ufan y Hague Yang, entre otros.
Exposición organizada por el Museo Guggenheim Bilbao
Eduardo Chillida, Consejo al espacio V, 1993
Acero, 305 x 350 x 350 cm. Guggenheim Bilbao Museoa
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COMUNIDAD ARTÍSTICA LOCAL Y AGENTES CULTURALES DEL ENTORNO
Exposición de artistas emergentes Dentro de la celebración del XX Aniversario y respondiendo a su interés por colaborar con la
comunidad artística local, el Museo presentará una convocatoria abierta dirigida a jóvenes artistas y
creadores del País Vasco para que puedan mostrar su trabajo en el Museo y, de esta forma
contribuir a dar una mayor visibilidad y difusión a su obra.
En esta iniciativa, cuyo plazo de inscripción se abrirá antes de finales de 2016, podrán participar
artistas nacidos o que trabajen en el País Vasco en cualquiera de las disciplinas de las artes plásticas
(pintura, escultura, instalación, vídeo, etc.) y performance (arte efímero, danza contemporánea,
etc.). Un jurado especializado, integrado por representantes de instituciones y entidades culturales
será el encargado de seleccionar las obras que serán presentadas en el Museo en la primavera de
2017 en la sala anexa a la galería dedicada a Richard Serra y en el Atrio en el caso de las
performances.
Colaboración con agentes culturales del entorno: TopARTE Otra de las iniciativas en clave de colaboración, en este caso con las entidades culturales del País
Vasco, es el programa denominado TopARTE a través del cual, el Museo ofrece el uso gratuito de
algunos de sus espacios como el Auditorio, las aulas educativas o el Atrio para la programación de
sus actividades. El doble objetivo de esta iniciativa es estrechar lazos con los diferentes agentes
culturales del entorno más próximo y transmitir al público más amplio posible la riqueza y variedad
de propuestas y proyectos que se desarrollan dentro de la Comunidad Vasca. TopARTE es una
iniciativa abierta a todas las disciplinas, como música, cine, vídeo, danza, performance, teatro o
gastronomía, aspecto este último por el que el Museo apostó desde el inicio como parte
fundamental de la identidad del lugar en el que se inscribe.
Hasta la fecha más de 40 asociaciones culturales han respondido favorablemente a la invitación por
parte del Museo a participar, habiéndose concretado ya una veintena de ellas. La programación de
TopARTE, que será dinámica durante todo el año de la celebración, podrá consultarse en la web
del Museo.
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Entre las iniciativas que ya están definidas dentro del programa TopARTE se encuentran las
siguientes:
Acción O N D E F M A M J J A S O
ABAO
Banda Municipal de Música de Bilbao
Bilbao 700
Cátedra de Cultura Científica UPV
Colectivo Yox
Conciertos Kraftwerk
Diálogos de Cocina
Fair Saturday
FAS
Festival BAD
Haceria
Instituto Francés
Kuraia
Loraldia
La Fundición
MEM
Nerua Guggenheim Bilbao
ZINEBI
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2. CELEBRACIÓN CON LA CIUDADANÍA El tercer eje de actuación en la conmemoración del XX Aniversario del Museo lo conformarán una
serie de eventos de celebración con la ciudadanía, que se irán desvelando en los próximos meses y
que tienen como fin hacer partícipe al público local de este importante hito y agradecer el papel
fundamental que ha desempeñado a lo largo de los veinte años transcurridos desde la inauguración
del Museo. Estas acciones, de muy diferente signo y formato, se han concebido para que personas
de todas las generaciones puedan hacer suyo el Aniversario bajo el prisma “El arte lo cambia todo”. El primer gran evento de celebración con la ciudadanía tendrá lugar el fin de semana del 21 al 23 de
octubre. Las actividades que se desarrollarán estos días darán comienzo con la sesión de DJs en Art After Dark el viernes por la noche. Continuarán con la apertura gratuita para visitar las exposiciones
del Museo durante el sábado y el domingo, gracias a la colaboración de Iberdrola. Para el sábado, el
Museo también ha programado la sesión de teatro y danza Hariak (17 Festival BAD) en el Auditorio
a las 19:00 h y el Concierto de Clausura Encuentros de Dirección Orquestal a cargo de la Banda
Municipal de Bilbao en el Atrio del Museo a las 20:00 h. Ese día, el Museo permanecerá abierto
hasta las 22:00 h. En la jornada del domingo se presentará la performance November Steps de Tom
Gold Dance, una coreografía de Tom Gold en el Auditorio a las 19:00 h. COLECTIVOS ESPECIALES
En la conmemoración del Aniversario tendrán un protagonismo especial los colectivos que mejor
representan el arraigo del Museo en la sociedad vasca y cuyo apoyo es un factor clave de su éxito.
Así, a lo largo de este año, los Miembros Corporativos que, con sus aportaciones contribuyen de
manera fundamental al funcionamiento del Museo y su alto nivel de autofinanciación, podrán
participar en actividades concebidas especialmente para ellos. También los Amigos, que con su
fidelidad e implicación constituyen verdaderos embajadores del Museo, tendrán la ocasión de
celebrar el Aniversario a través de iniciativas igualmente ideadas expresamente para ellos.
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MARCO ESTRATÉGICO DEL ANIVERSARIO
El Museo aborda la celebración de esta efeméride en el marco de su Plan Estratégico 2015–2017,
cuyo término coincide con el final de los eventos del Aniversario. Dicho Plan incluye una serie de
iniciativas estratégicas enfocadas a afrontar los próximos veinte años, diseñadas a partir de la
observación del contexto actual, un contexto de transición hacia una nueva revolución industrial
basada en un profundo cambio tecnológico y hacia la redefinición de la cultura y del papel que la
ciudadanía espera de los museos. Además, los Planes Estratégicos que el Museo ha ido
implementando en los últimos años han tenido como referencia el horizonte del año 2020, lo que
ofrece una visión a más largo plazo que posibilita el ajuste de las metas y objetivos cada Plan a un
mundo globalizado y en constante transformación.
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EL MUSEO GUGGENHEIM BILBAO EN CIFRAS
Visitantes 18.827.146 visitantes hasta la fecha:
2.447.529 procedentes de la CAPV (13%)
4.895.058 procedentes del resto del Estado (26%)
11.484.559 extranjeros (61%): 3.388.886 franceses (18%)
1.129.629 norteamericanos (6%)
Exposiciones 87 exposiciones temporales programadas hasta diciembre 2016
69 presentaciones de la Colección Permanente
Exposiciones con mayor éxito (visitantes/día) Año Vts./día Total vts
China: 5.000 años 1998 5.790 538.479
Jeff Koons: retrospectiva 2015 4.702 493.730
Jean Michel Basquiat 2015 4.682 538.475
Louise Bourgeois. Estructuras de la existencia. Las Celdas 2016 4.301 679.532
David Hockney: una visión más amplia 2012 4.212 543.398
Georges Braque 2014 4.097 397.364
Andy Warhol: Sombras 2016 4.077 820.618
Cy Twombly 2008 3.989 223.391
Eduardo Chillida: 1948-1998 1999 3.979 501.321
Amazonas de la vanguardia 2000 3.879 283.181
Yoko Ono: retrospectiva 2014 3.812 613.754
25 exposiciones temporales y 31 presentaciones de la Colección Permanente han superado el medio
millón de visitantes.
Colección Propia 130 obras
74 artistas
Valorada en 729 millones € (casi 7 veces el costo de la inversión inicial de 110 millones €)
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Impacto económico (octubre 1997–fin 2015)
4.184.523.618 euros de gasto directo
3.841.524.752 euros en aportación al PIB
Mantenimiento de una media de 5.000 empleos
594.120.428 euros de ingresos adicionales para Haciendas vascas
Actividades educativas 536.862 estudiantes han visitado el Museo en 21.176 grupos escolares
61.378 estudiantes provienen de Francia
15.044 educadores han participado en programas formativos presenciales
254.666 educadores han utilizado recursos online
73.015 niños, además de los escolares, han participado en talleres infantiles
1.592.561 participantes en visitas guiadas en 79.628 grupos
26.020 participantes en programas sociales
Colectivos Apoyo al Museo 16.356 Amigos del Museo
120 Miembros Corporativos
8.034 Erdu
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TopARTE
KRAFTWERK
7–14 de octubre
The Catalogue – 1 2 3 4 5 6 7 8
Entre el 7 y el 14 de octubre el Museo Guggenheim Bilbao acogerá ocho conciertos 3-D del grupo
alemán pionero de la música electrónica Kraftwerk, que supondrán el punto de inicio de la
celebración del Aniversario. A lo largo de ocho noches consecutivas, Kraftwerk presentará The Catalogue – 1 2 3 4 5 6 7 8, una serie de conciertos que explorará cronológicamente los
experimentos de la banda con la imagen y el sonido, y presentará las ocho obras maestras clásicas
de la música electrónica de su catálogo con espectaculares efectos en 3-D en el Atrio del Museo.
FESTIVAL BAD
Sábado 22 de octubre, 19:00 h
Hariak
Proyecto multidisciplinar dentro 17º Festival BAD de teatro y danza organizado por el
Ayuntamiento de Bilbao. Dirigido por el coreógrafo Asier Zabaleta y producido por Ertza, Hariak habla de la fragilidad de la vida, usando como pretexto historias reales, duras o alegres, adaptadas
por Harkaitz Cano.
BANDA MUNICIPAL DE BILBAO
Sábado 22 de octubre, 20:00 h
Concierto de clausura del I Encuentro de dirección orquestal para jóvenes directores en el que la
Banda Municipal interpretará obras de Gustav Holst, Hidas Frigyes, Johan de Meij y Giacomo
Puccini.
BILBAO JAZZ MATINÉ
Domingos 30 de octubre, 6 y 27 de noviembre, 12:30 h
Conciertos de jazz para todos los públicos, en especial para familias, con un enfoque interdisciplinar,
relacionando el jazz con otras disciplinas creativas como la bertsolaritza y el live painting así como
con otros estilos musicales. Organizado por la Fundación Bilbao 700.
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30 octubre: Igelaren Banda & Miren Amuriza-Beñat Gaztelumendi
6 noviembre: Elkano Browning Cream & Quim Moya
27 noviembre: Itxaso Trio & Fermín Etxegoien
FESTIVAL INTERNACIONAL DE ARTE EXPERIMENTAL MEM
Jueves 3 de noviembre, 19:00 h
Performance Rusalki. Serfdom. Lament, de la artista polaca Zosia Holubowska que explora las
relaciones entre la música experimental, la tradición musical de las mujeres de países de Europa del
este y los espacios sociales tolerantes con las diferencias de género e identidad sexual.
FESTIVAL KURAIA
Conciertos y actuaciones dentro del Festival Kuraia 2016:
Domingo 13 de noviembre, 19:00 h
Concierto multimedia del Ensemble d’Arts Actuación con instrumentos acústicos y electroacústicos, y vídeo a cargo de Miguel A. Berbis
(electrónica), Xelo Giner (saxofón), Jenny Guerra (violín).
Jueves 17 de noviembre, 19:00 h
Teatro musical If You Know What I Mean del grupo berlinés Die Ordnung der Dinge, que
explora las posibilidades de traducción entre diferentes formatos y medios como la luz y la
música.
ABAO
Viernes, 18 de noviembre, 19:15 h
Conferencia de Fernando Fraga, escritor y crítico musical, coincidiendo con el estreno de la ópera
La Cenerentola, de Rossini, el 19 de noviembre. Se rendirá homenaje a la mezzosoprano Teresa
Berganza, quien en numerosas ocasiones ha interpretado a Angelina en dicha ópera.
ZINEBI
Martes 22 de noviembre, a partir de 17:00 h
Los orígenes “underground” del cine vasco, un programa de cine que homenajea al organizado el 14
de febrero de 1975 por el Cineclub Universitario de Bilbao:
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17:00 h: Necrosis (M. Ortuoste/J. Rebollo, 1971)
Juan y Pedro (J. Rebollo, 1972)
Pelotari (N. Basterretxea/F. Larruquert, 1964)
Ere erera baleibu izik subua aruaren (J.A. Sistiaga, 1970)
19:15 h: Bi (A Man Ray for Marcel Duchamp) (J.J. Bakedano, 1972)
Arriluce (J. Rebolledo, 1974)
Contactos (P. Viota, 1970)
Rumores de furia (A. Meriaketxebarria, 1973)
21:15 h: Debate con el comisario Santos Zunzunegui y los directores de los filmes presentes
en el acto
FESTIVAL DANTZALDIA -La FuNdiciÓn-
Sábado 26 de noviembre, 19:00 h
Una compilación de piezas coreográficas de variada naturaleza individual y grupal del joven
coreógrafo taiwanés Po-Cheng Tsai y su compañía B. Dance, dentro del 17º Festival Dantzaldia.
FAIR SATURDAY
Sábado 26 de noviembre
Actividades que sitúan el arte y la cultura como protagonistas de la sociedad a nivel global,
valorando la labor de artistas y entidades culturales como motores de transformación, difundiendo
su labor y aportando recursos a proyectos sociales.
Coro Rossini, 12:00 h en el Atrio del Museo
Kantika, 18:00 h en el Atrio del Museo
HACERIA ARTEAK – ZAWP
Domingo 15 de enero, 18:00 h
El abrazo de Heróntidas
Actuación teatral a cargo de la compañía Haceria, escrita y dirigida por Richard Sahagún y con
música de Ander Anandalan. Tragedia griega apta para todos los públicos.
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INSTITUTO FRANCÉS DE BILBAO
Viernes 20 y 27 de enero, 18:00 h
Retransmisiones de ópera en colaboración con el Festival de Ópera de Aix-en-Provence y la cadena
Arte:
Pelleas y Melisande, Claude Debussy, dir. musical Esa-Pekka Salonen (V.O. francés, subt.
francés)
La Traviata, Giuseppe Verdi, dir. musical Louis Langrée (V.O. italiano, subt. español)
DIÁLOGOS DE COCINA
Martes 31 de enero, a partir de 18:00 h
“Diálogo” con el cocinero Andoni Luis Aduriz, quien emprenderá un breve recorrido a lo largo de
las motivaciones que sostienen la iniciativa Diálogos de Cocina en el tiempo, invitando a la
audiencia a debatir y pensar en la cocina como “un código abierto”.
NERUA GUGGENHEIM BILBAO
Charlas sobre creatividad desde la gastronomía (fechas por determinar)
Una serie de chefs, de entre los máximos exponentes de la gastronomía mundial, compartirán su
conocimiento y experiencias con el público a través de unas charlas en las que se abordará la
creatividad desde la gastronomía, uniéndose a Josean Alija de Nerua Guggenheim Bilbao en un
homenaje a la apuesta por la alta cocina que el Museo Guggenheim Bilbao realizó hace veinte años.
LORALDIA
III. Festival LORALDIA
Festival de eventos multidisciplinares en apoyo a la producción cultural vasca:
Domingo 12 de marzo, 12:30 h
Txoriak con Dantza Konpainia, inspirada en la obra de Mikel Laboa
Domingo 2 de abril, 12:30 h
Geroa, con el poeta y escritor Kirmen Uribe, las bertsolaris Ohiana Bartra y Alaia Martin, y el
compositor Ángel Unzu
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CÁTEDRA DE CULTURA CIENTÍFICA DE LA UPV
Jueves 6 y 27 de abril, 11 y 25 de mayo, 19:00–21:00 h
Jornadas Ciencia y Arte que abordan la relación entre estas dos formas de conocimiento,
aparentemente alejadas. Cuatro encuentros en los que participarán artistas y profesionales de
diferentes disciplinas:
La ciencia que atesora y revela nuestro legado artístico: Oskar González, Ainhoa Sanz y
Aitziber Velasco Conocimiento y representación de la naturaleza: José Ramón Marcaida y Clara Cerviño Analogías entre el arte y la ciencia como formas de conocimiento: Juan Luis Moraza y Pau
Alsina La ciencia como herramienta del arte: Deborah García, Jacobo Castellano y Sergio Prego
CINECLUB FAS
Sábados 13 y 20 de mayo, 17:30–20:00 h Rupturas narrativas en el cine contemporáneo: de Apichatpong Weerasethakul a Albert Serra Miniciclo cinematográfico compuesto por dos proyecciones
Mysterious Object at Noon, de Apichatpong Weerasethakul y presentación y coloquio con Txus Retuerto, vicepresidente del Cineclub FAS, filósofo y experto en el cine de este director La mort de Louis XIV, de Albert Serra, y presentación y coloquio con el director
ESTUDIO YOX
Jueves 8 y viernes 9 de junio, 17:30–20:00 h
Fashion and Films II: Dressing Ideas in Films
Muestra audiovisual de moda internacional que ofrece un programa comprometido con temáticas
de interés social. Las piezas seleccionadas están divididas en documentales de moda y en nuevos
formatos.
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Para más información:
Museo Guggenheim Bilbao
Departamento de Comunicación y Marketing
Tel: +34 944 359 008
www.guggenheim-bilbao.es
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