equipèco 24

Carmine Mario Muliere

L’Arte che comunicaMessaggio di un Anonimo

Art that communicatesGospel of the Anonymous

Siamo giunti al settimo anno e vogliamo predisporci materialmente espiritualmente all’imminente Solstizio di Estate.

Vogliamo darci ed offrire uno spunto per meditare giacché Meditazionevuol dire SempliceMente: «studio della mente raccolta a cercare la ve-rità, le ragioni, il senso, gli aspetti celati delle cose». Di questo processoognuno può comunicare la propria esperienza e condividerla.In altre riflessioni espresse su EQUIPèCO abbiamo avuto modo di pro-porre l’approfondimento e l’indagine su uno dei nomi di Dio attraversole antiche lettere che compongono i Testi sacri.

Abbiamo parlato del Berešit - (In principio)

e di uno dei nomi di Dio: He Vaw He Yod

L’Ebraico si legge da sinistra a destra quindi leggeremo:Yod He Vaw He, il cabalista legge:

il Padre,

la Madre,

l’Androgino cosmico, o Figlio-e-Figlia, creati congiuntischiena contro schiena ma separati nel processo di evoluzione

per ricongiungersi faccia a faccia.

è la manifestazione primordiale della divinità,

la successiva unificazione».1

Un’altro dei nomi sacri è ELOHYME

che è «il processo d’auto creazione dell’essere. La coscienza crea l’uni-verso e l’universo crea la coscienza».

Le implicazioni insite in queste premesse sono molteplici e mi riportanoad un dono che ho ricevuto il 25 giugno del 1995 da Bruno Berardinone(che per me è piú che un Amico) e sua moglie Sabine a Sant’Elena Sannita(IS), luogo d’origine per entrambi. Si tratta di riflessioni e insegnamentiche un Comunicatore Indiano elargiva ad amici che andavano a trovarlo.Questi hanno redatto quanto hanno recepito in un forma molto spartana– un plico dattilografato in inglese – di cui ho avuto una copia da Brunoe Sabine che mi hanno fornito anche la traduzione italiana come vieneriportata qui.

We’ve reached the seventh year and we want to materially and spir-itually be ready for the summer solstice.

We want to give and offer the starting point to meditate as meditationsimply means: «the study of mind in order to find the truth, the reasons,the sense, the hidden aspects of things» of this process anyone can telland share his own experience.In other analysis expressed on EQUIPèCO we have had the possibility toexpose a deeper research on one of God’s names through the classic let-ters that are part of the Sacred Texts.

We spoke of the Berešit - (At first)

And of one of God’s names: He Vaw He Yod

Hebrew is read from right to left so we read:Yod He Vaw He, the cabalists reads:

The Father,

The Mother,

The Cosmic Androgyny, or daughter-and-son, created joinedback by back but separated during the evolution process

to join again face to face.

It is the primordial expression of divinity,

The subsequent unification.1

Another holy name is ELOHYME

that is «the process of self-creation of the human being. The con-science creates the Universe and the Universe creates the conscience».

The inborn implications of these preliminary remarks are many and theyremind me a gift I received on 25 June 1995 from Bruno Berardinone(that is more than a friend to me) and his wife Sabine in Sant’Elena Sannita(IS), hometown of both. I’m talking about reflections and lessons givenby an Indian Communicator to who went to visit him. They have wrotedown what heard in a very rough form – a typescript in English in a parcel– of which I received a copy together with a translation in Italian as shownhere.

4 EQUIPèCO n.24 - 2010 - EdItOrIalE | EdItOrIal

MESSAGGIO DI UN ANONIMO

Ci sono due movimenti di Una Energia1. Universo

2. Uomocioè

1. Non pensante2. Pensante

L’albero non è creato dal Pensarequindi,

l’albero non è Pensieroperciò,

l’Universo non è Pensiero.

Quando vedi, non pensiquando pensi, non vedi

perciò,Vedere non è PensarePensare non è Vedere.

Vedere è un fatto (Verità)ma,

Pensare non è Vedereperciò,

Pensare non è un fatto.

L’Universo non è pensantel’Uomo è pensante

perciò,l’Universo è un fatto (Verità)

l’Uomo non è un fatto.

Ci sono 2 movimenti.1. Universo

2. Uomocioè,

1. L’Universo è movimento del fatto2. L’Uomo è movimento del pensare.

GOSPEL OF THE ANONYMOUS

There are two movements of One Energy1. Universe2. Mani. e.,1. Not Thinking2. Thinking

Tree is not created by Thinkingtherefore,Tree is not Thoughttherefore,Universe is not Thought.

When you are seeing, you are not ThinkingWhen you are thinking, you are not Seeingtherefore,Seeing is not ThinkingThinking is not Seeing.

Seeing is Fact (Truth)but,Thinking is not Seeingtherefore,Thinking is not fact.

Universe is not ThinkingMan is Thinkingtherefore,Universe is fact (Truth)Man is not fact.

There are 2 movements.1. Universe2. Mani.e.,1. Universe is movement of fact2. Man is movement of Thinking.

EdItOrIalE | EdItOrIal - n.24 - 2010 EQUIPèCO 5

8 EQUIPèCO n.24 - 2010 - artE | art

Luca Maffeo

Riferimenti del mito di Wagnernell’arte di Anselm Kiefer

Wagner's myth referencesin Anselm Kiefer's art

L’attività pittorica di Anselm Kiefer ha colto e coglie nel suo inesauribiledivenire una delle problematiche più avvincenti della recente storia

europea a partire dal secondo dopoguerra: l’abbandono dello StundeNull, grado zero dell’arte tedesca dopo Auschwitz, e la riflessione sullasua propria identità artistica e culturale. Nato l’8 marzo 1945 a Donaue-schingen mentre la città – una delle più popolate dello Schwarzwald su-dorientale – era assediata da un’intensa pioggia di bombe alleate, Kiefervive sin dai suoi primi natali la fine dell’utopia nazionalsocialista e la ca-duta di quegli dèi che si erano imposti di fare la Germania grande e pura.Questo lo stimolo essenziale e fondante per la ricreazione di un’arte ge-neticamente germanica e, da qui, l’inizio dell’interrogativo sul ruolo del-l’artista e sul gravoso compito di cui si deve fare carico per riportare latradizione alle sue origini, una volta constatato l’uso improprio e corrottoche l’ideologia hitleriana ne aveva fatto. L’esaltazione della Deutsche Kul-tur riletta all’interno di un idealistico disegno politico ebbe come conse-guenza inevitabile non solo la separazione territoriale di una nazione, ma,ancora più grave, lo smembramento di un’identità popolare viva nel mitoletterario, la quale, da quel momento storico, non poté essere vista senon in memoria della peggiore tragedia novecentesca: l’Olocausto.Pensare alla cultura tedesca contemporanea senza l’«elemento ebraico»sarebbe un fuorviante rinnegamento, tanto più per chi come Kiefer nonlo guarda con un senso di pietistico compianto, ma lo considera parte in-tegrante dello spirito germanico: «Tutto ciò che c’è di interessante nellapoesia e nella filosofia tedesche nasce dalla commistione tra tedeschi ed

Anselm Kiefer's pictorial activity catches the most enthralling issues ofthe current European history starting from the second post-war: the

abandon of the Stunde Null, zero grade of German art after Auschwitz,and the reflection on its proper artistic and cultural identity. Born on the8th of March, in 1945 in Donaueschingen while the city – one of the mostpopulated of the South Oriental Schwarzwald – it was besieged by anheavy rain of allied bombs, Kiefer lived since his child wood the end ofthe national socialist utopia and the fall of those Gods that wanted a greatand pure Germany. This is the basic and the establishing stimulus for therebuilding of an art genetically German and, from now on, the beginningof the questioning on the role of the artist and on the his onerous task oftaking back the tradition to its origins, once established the improper andcorrupted use that Hitler's ideology has made of it. The exaltation of theDeutsche Kultur read inside an idealistic political plan has been the causeof a nation territorial division, but, even more serious is the split of a folkidentity that lives in the literary myth, that, since that historical period,has been considered the memory of the worst tragedy of the twentieth-century: the Holocaust.

Thinking to the German contemporary culture without the «Jewish ele-ment» it would be a misleading repudiation, all the more for who likeKiefer does not look at it with a feel of a pitiful lament, but considers it asintegral part of the German spirit: «Inside the German poetry and phi-losophy anything interesting arises from the conjugation between Ger-

artE | art - n.24 - 2010 EQUIPèCO 9

Anselm Kiefer, Brünnhildes-Grane. Olio su xilografia, 242,5×193 cm, 1978Pagina di sinistra_Left page:Anselm Kiefer, Parsifal.Olio, carboncino su sacco di tela, 300×533 cm, 1973


Una serata insolita direi, quella trascorsa assieme all'artista Nicola Ar-tico. Una personalità forte, ma assolutamente equilibrata e gentile

nei modi, un personaggio di ampia cultura artistica, del tutto privo di ar-roganza o presuntuosità. La sua creatività è sempre attiva, il suo esserefatica a rimanere quieto, anche nei momenti di riposo la mente di Nicolaimmagina nuovi progetti o possibili evoluzioni dei lavori ai quali sta lavo-rando. Il suo percorso artistico è molto vario: Nicola da inizio alla sua car-riera con la passione per il restauro conservativo, in passato avremmopotuto conoscerlo nelle vesti di restauratore di affreschi presso le storichechiese di Venezia; successivamente decide di dedicarsi allo studio dellatradizione musicale indiana, la sua cultura musicale spazia tra i tradizionalistrumenti indiani (le tablas, il tamburo pakwaj e il flauto bansuri).Un’importante fase di vita trascorsa nelle terre americane, esperienza chegli ha permesso di crescere non solo culturalmente ma anche e soprat-tutto artisticamente ed emotivamente, lo ha aiutato a sviluppare una sen-sibilità ed un equilibrio che saranno poi fondamentali per lo stile di vita

Iwould say unusual, the evening spent with the artist Nicola Artico. Apersonage of wide artistic culture and strong personality but absolutely

balanced and mild-mannered, completely free from arrogance and os-tentation. His creativity is always productive, his being is never quiet, evenin rest periods, Nicola’s mind is constantly thinking new plans or hypo-thetical evolutions of his works. His artistic training has been quite varied:Nicola starts his career with the passion for the conservative restoration,in the past we could have met him in the shoes of a frescos restorer in theVenice historical cathedrals; later he dedicates himself to the study of theIndian musical tradition, his musical culture ranges among the traditionalIndian instruments (tablas, pakwaj drums and bansuri flutes).An important period of life spent in the American lands, has been an ex-perience of cultural, artistic and emotional development which helpedhim in developing a sensibility and a balance that will be pivotal for hiscurrent life style. It is just starting from the philosophy linked to the Indianmusic that we can comprehend the meaning of the word «Mutations»,

Nicola ArticoArianna Carcano


al quale deciderà di dedicarsi. È proprio partendo dalla filosofia legataalla musica indiana che si riesce a comprendere il discorso di «Muta-zione», che appare nei suoi lavori come passaggio necessario e fonda-mentale per il compiersi dell'evoluzione del «Dio» che si trova in ognunodi noi e che ci aiuta a cambiare.L'opera più conosciuta di Artico è naturalmente Mutant Canvas, graziealla quale l'artista ha avuto modo di lavorare accanto ai più noti criticid'arte come Sgarbi e Philippe Daverio, ai più amati personaggi della te-levisione come Iacchetti e Chiambretti, ed a personalità appartenenti almondo della politica. Personaggi difficili da avvicinare, soprattutto se conl'intenzione di sottrarre loro del tempo prezioso ma Nicola sembra esserciriuscito senza il minimo sforzo, conquistandoli con simpatia, originalitàed un pizzico di follia. Nonostante gli impegni e la notevole diversità dicaratteri e di modalità con le quali ogni singolo personaggio è abituatoad essere trattato, nessuno di loro ha saputo resistere al fascino di un ar-tista così ricco idee, in grado di stupire con arguzia e competenza ogni

that appears in his works as fundamental transition for the accomplish-ment of the evolution of the «God» that lives in us and that make uschanging.

The most famous work by Artico is naturally Mutant Canvas, thanks towhom he succeeded in working with art critics as Sgarbi and PhilippeDaverio, with the most loved tv characters as Iacchetti and Chiambretti,with personalities of the political world. People hardly approachable andnormally impossible to stop, mostly if you ask them part of their time.However, apparently, Nicola succeeded in his task without the minimumdifficulty, conquering them with his liking, originality and a tweak of crazi-ness. Despite their engages and the considerable difference in charactersand conditions that each character is normally accustomed to, no one ofthem refused the fascination of an artist so full of ideas, able to enchantingwith his wit and competence every moment spent with him.

Nicola Artico, Mutant canvas, Piero Chiambretti; Vittorio Feltri; Oliviero Toscano; Enrico Deaglio.Pagina di sinistra_Left page: Macchina scenica progettata per Life Collection.

24 EQUIPèCO n.24 - 2010 - artE | artE

Rd

L’Istituto Polacco di Roma eil Museo d’Arte Moderna di Varsaviapresentano la mostra

VEDO COSE CHE NON CI SONO25 maggio - 10 settembre 2010

Evento speciale - Conferenza: Sebastian Cichocki e Ana JanevskiI primi anni: 2005–2014.Il caso del Museo d’Arte Moderna di Varsaviamercoledì 26 maggio

The Polish Institute in Rome andthe Museum of Modern Art in Warsawpresent the exhibition

I SEE THINGS THAT ARE NOT THERE25 May - 10 September 2010

Side-Event - Conference: Sebastian Cichocki and Ana JanevskiThe Early Years: 2005-2014.The case of the Museum of Modern Art in WarsawWednesday, 26 May

Il museo, in quanto strumento istituzionale, contribuisce sia alla creazionee fissazione di canoni storici sia al loro oblio. Gli oggetti artistici, insieme

alle narrazioni che li accompagnano, investiti dai meccanismi di legittima-zione del potere e del prestigio, tra allestimenti in sale espositive e de-positi nei magazzini, trovanoil proprio posto all’interno o al di là dellastoria.La mostra è un breve racconto del museo di Varsavia, della sua creazioneancora in corso, attraverso opere prodotte dal museo e/o che fanno partedella collezione. Uno sguardo speciale nella mostra è rivolto difatti al bi-sogno compulsivo delle istituzioni artistiche di accumulare oggetti, par-tecipando, di consequenza, alla stesura e alla redazione sia della storiadell’arte che della storia in senso generale.Le opere selezionate per questo progetto, mettono in questione le nar-razioni storiche ufficialmente in vigore e la costruzione di biografie indi-viduali. Gli artisti, utilizzando strategie manipolative, propongono il checosa e il come debba essere ricordato, indipendentemente dal fatto chesi tratti della retorica obbligatoria del popolo eletto (Uklanski) o di mi-tologie private (Bakowski, il cui lavoro – che per l’artista costituisce unmonumento dedicato alla conversazione con un amico – dà il titolo al-l’intera mostra).Il Museo d’Arte Moderna di Varsavia, una delle più giovani istituzioni ar-tistiche in Europa (creata nel 2005), può vantare già un’intensa attivitàespositiva e produttiva, pur non avendo ancora una sua propria sede. Leopere prodotte si riferiscono principalmente al contesto locale e alle tran-sformazioni politico-sociali degli ultimi vent’anni. La collezione contribui-sce già alla riscrittura della storia dell’arte più recente, rispetto alla qualetrovano un’appropriata collocazione, nel panorama internazionale, artistidimenticati o misconosciuti dell’Europa Centrorientale.L’apertura di VEDO COSE CHE NON CI SONO, presso l’Istituto Polaccodi Roma, costituisce una prova di strategie istituzionali e, non a caso, coin-cide con l’apertura del MAXXI - Museo Nazionale delle Arti del XXI se-colo. Allo stesso tempo si tratta di una postilla al dibattito internazionalesul futuro e sulla missione dei musei pubblici.La mostra è a cura Sebastian Cichocki e Ana Janevski, curatori del Museod’Arte Moderna di Varsavia. Produzione: Katarzyna Karwanska.

With the help of institutional structures such as museums we learn toremember and to fix historical canons, but we also improve in the

art of oblivion. The objects as well as their accompanying narratives finda place inside or beyond history and are mixed with the help of defensivedisplays, rotation between the showroom and the warehouse, and thestrength of involvement in mechanisms of legitimization of power andprestige.The exhibition is a short story about museums and their compulsive andalso capricious need of collecting objects - a feature that distinguishesthese institutions as a building tool for writing and drawing on both his-tory and art history.The works in this show refer to the process of distortion of the most pop-ular historical narratives of today and the methods of reporting individualbiographies. The artists, who are aware of the strategies adopted in mu-seums, make a manipulation of language and memory. In doing so, theyanticipate what and how should be remembered, either in the case ofthe obligatory rhetoric of the chosen people (Uklanski) or in privatemythologies (Bakowski, whose work - considered a monument dedicatedto a conversation between the artist and a friend - gives the title to theentire show).The exhibition mainly consists of works from the Museum’s collection.The Museum of Modern Art in Warsaw is one of the youngest art insti-tutions in Europe (established in 2005) which has already developed anintensive program of exhibitions, although it does not have its own per-manent building yet. The Museum, among other activities, contributesactively to the production of new works referring to its local environmentand political and social transformations taking part in rewriting the recenthistory of art, in which forgotten or misunderstood artists from Centraland Eastern Europe find a place within the international art history canon.The opening of the exhibition I SEE THINGS THAT ARE NOT THERE atthe Polish Institute in Rome offers visitors a taste of high-level institutionalstrategies and, not surprisingly, it coincides with the Roman opening ofMAXXI - National Museum of XXI Century Arts. At the same time thisshow is an addendum to the international debate on the future and mis-sion of public museums.The exhibition is curated by Sebastian Cichocki and Ana Janevski, Cura-tors, Museum of Modern Art in Warsaw. Production: Katarzyna Kar-wanska.

Wojciech Bakowski, Tania Bruguera, Oskar Dawicki, Aneta Grzeszykowska, Sanja Ivekovic, Deimantas Narkevicius,

Agnieszka Polska, Katerina Seda, Piotr Uklanski

artE | art- n.24 - 2010 EQUIPèCO 25

Piotr Uklanski, Untitled (Ioannes Paulus PP.II Karol Wojtyla), 2004color photograph, 200×174,9 cm


Kathèuda è una performance d’arte contemporanea, rivolta al pub-blico dei passanti, che ha avuto luogo mercoledì 26 maggio 2010 a

Milano, dalle ore 17.00 alle 19.00 in via Dante (presso Largo Cairoli), Gal-leria Vittorio Emanuele II, Piazza Fontana e Piazza Sant’Eustorgio.Si tratta di quattro figure femminili dormienti (sdraiate, immobili), ognunadelle quali è stata presente in uno dei quattro punti menzionati della città.Le figure scelte rappresentano quattro passaggi importanti nella vita delladonna: primo ciclo mestruale (Menarca), matrimonio, parto, lutto.Ognuna di queste figure è riconducibile alle stagioni, in un tentativo diriconnessione delle «cerimonie dei passaggi cosmici alle cerimonie dipassaggio umane» (Arnold Van Gennep, I riti di passaggio).Ognuna della figure è strettamente legata all’ambientazione architetto-nica in cui è inserita. Il colore dell’abito che indossano ha un preciso si-gnificato. Il Menarca, in abito rosso, via Dante, la rinascita della natura ela maturità sessuale; fa da sfondo il Castello Sforzesco che richiama unadimensione fiabesca, legata ancora all’infanzia.Il Matrimonio, in abito bianco, la donna che raggiunge la piena maturitàemotiva e sessuale, nella Galleria Vittorio Emanuele II, al centro dell’in-tersezione delle due braccia della struttura, come l’incontro della donnacon l’amore, un luogo coperto e protetto dalle intemperie, così comel’unione coniugale è fonte di protezione e sostegno.La Gravidanza, abito verde, in Piazza Fontana, l’acqua come fonte di vita.La figura che si confronta con il Lutto, abito nero, la natura si addormenta.Il luogo scelto è stato piazza Sant’Eustorgio con sfondo la Basilica intitolataal santo, luogo sacro, di raccoglimento e riflessione, abbandono e con-forto nella fede, chiusura del ciclo esistenziale.Nelle varie stazioni della performance era presente un testo di presenta-zione dell’evento.

Kathèuda is a performance of contemporary art took place on May 26in Milan for to the passersby. This performance is an artistic and an-

thropological reflection about rite of passage in the modern society.It was conceived by the artist Miriam Secco and curator Nila ShabnamBonetti of Cultural Association Laboratorio Alchemico, based in Milan.By the wonderful architectural background of Via Dante, Galleria VittorioEmanuele II, Piazza Fontana and Piazza Sant’Eustorgio, four sleepingwomen laid in the ground (one for each place) representing some im-portant passages in the female life: menarche, bride, pregnant, mourning.Each character recalls a different season, trying to reconnected the cere-mony of cosmic passage to the ceremony of human passages, as ArnoldVan Gennep says in his book Rites of passage.Each of them wears clothes whose color has a specific mean: red dressfor first menstruation, in Via Dante, is the revival of nature and the sexualmaturity, the Castello Sforzesco in the background recalls a fable dimen-sion of lost childhood; the bride in the white dress represents the topemotive and sexual maturity, protected from bad weather by the inter-section of the wings of Galleria Vittorio Emanuele II, as the conjugal uniongives support and protection; the pregnant woman wears green clothesnear the fount of water that beget life in Piazza Fontana; and finally thecharacter in black that lies in front on the church of Sant’Eustorgio, con-fronts herself with death and mourning, as closing the cycle of existence.

Miriam SeccoNila Shabnam BonettiKathèudaLe quattro figure dormientiThe four figures dormantRd


Nila Shabnam Bonetti e Miriam Secco,Kathèuda – Menarca_Menarche, 2009, stampa fotografica, 50×70 (3 + 2 p.a.)Courtesy delle artiste

Nila Shabnam Bonetti e Miriam Secco,Kathèuda – Sposa_Bride, 2009, stampa fotografica, 50×70 (3 + 2 p.a.)Courtesy delle artiste

Nila Shabnam Bonetti e Miriam SeccoKathèuda – Gestante_Pregnat, 2009, stampa fotografica, 50×70 (3 + 2 p.a.)Courtesy delle artiste

Nila Shabnam Bonetti e Miriam SeccoKathèuda – Lutto_Mourning, 2009, stampa fotografica, 50×70 (3 + 2 p.a.)Courtesy delle artiste

Progetto_Project: Miriam Secco - Nila Shabnam BonettiOrganizzazione_Organization: Associazione Culturale Laboratorio AlchemicoMilano, Via Palmieri 19Patrocinio_Legal aid: Comune di Milano. Sponsor San Carlo SpARingraziamenti_Thanks: Giada Nossa, Elena Cattaneo, Stefania Testagrossa, Carlotta Ori-goni, Stefano Grassi, Famiglia Locatelli, Federica Fugazza.


Dopo la recente mostra tenutasi allaGalleria Gagosian di New York, la

personale a Pieve di Cento (25 giugno -30 settembre 2010) consente di riper-correre le tappe più importanti del la-voro di Taaffe. Con circa quaranta dipintidi medie e grandi dimensioni che ab-bracciano un arco temporale compresofra la seconda metà degli anni ’80 e il2009 si attraversa la vita del pittore nellesue diverse stagioni artistiche.Diviso tra una ferma volontà di astra-zione e una piena ricchezza della formaTaaffe si allontana da un linearismo for-male avvicinandosi via via ad atmosfereformali, articolate e varie.Lo spazio poetico di Philip Taaffe è po-polato da elementi geometrici, da sog-getti ispirati al mondo animale e da unbiomorfismo diffuso che crea complessie articolati effetti ottici. Tra le opere pro-venienti da importanti collezioni è espo-stoHarlequin, del 1988, una composizionegeometrica che gioca tra i pieni e i vuotidove è ravvisabile quasi una silloge deinumerosi fattori che caratterizzano l’artedi Taaffe: un grande equilibrio composi-tivo, un’attenzione volta ai toni cromatici,le forme geometriche allineate, ma sem-pre rigorosamente modulate, quasi sinoa sfociare in una insospettata tridimen-sionalità.Con la mediazione di letture accurate ditesti di storia naturale del diciannove-simo e ventesimo secolo, Taaffe si inte-ressa al mondo animale e vegetale.Tipico delle opere degli anni ’90 è il motivo del serpente, diabolico e divino alcontempo nel suo movimento così articolato. Taaffe lo eleva a simbolo di una vitanaturale che sente di poter indagare nella sua complessità con il contributo co-stante del colore nell’assoluta libertà delle forme. In esposizione anche PassageIII (Rainbow Fish), del 1998, dove l’artista rappresenta il mondo sommerso e po-polato di stelle marine e pesci variopinti.Si trova in Taaffe un legame armonioso fra astrazione geometrica e forme organi-che ben definite, grazie al quale nelle immagini di diatomee e rettili si scopronoaltre nascoste simmetrie del tutto esterne.In Disvelamenti/Unveilings si legge un reale desiderio di indagare e di estrarre imotivi che sono nella natura come nella tradizione artistica, forse un tentativo ditrovare ordine nelle forme che sono anche manifestazioni di vita reale e dunquenatura e cultura assieme, microcosmi che non escludono analogie e armonie conun ordine del macrocosmo. Come scrive Vittoria Coen, curatrice della mostra:«Da una miniera di informazioni che si suppone inesauribile le atmosfere bruli-canti di segni prima o poi finiranno con lo scoprire ciò che vi si nasconde dentro,perché c’è un incessante inseguirsi, senza fine, del superficiale e del profondo,della forma e dell’informe, dell’essere e dell’apparire, un dialogo fra il sensibile eil suo versante più strettamente estetico».

PHILIP TAAFFE nasce nel 1955 nel New Jersey. Tra il 1988 e il 1991 vive a Napoli dovelavora con la galleria di Lucio Amelio. Le sue opere si trovano nei musei più impor-tanti quali il MOMA di New York, il Whitney Museum of American Art di Philadel-phia, il Guggenheim Museum e il Reina Sofia di Madrid.

After the recent exposition that tookplace at the Gagosian Gallery in

New York the personal one at Pieve diCento gives us the chance to under-stand the most important phases ofTaafee’s work. With about 40 paintingsof medium and big size that have beenpainted between the mid 80s and 2009we can analyze the artist’s life and hisdifferent artistic seasons.Being divided between abstractionismand a full richness of shape he leaves be-hind a formal linearism creating formal,articulate and various atmospheres.Philip Taaffe’s poetic space is full of geo-metric elements, characters inspired byanimals and a spread bio morpholo-gythat creates complex and articulateoptical illusions. Among the works com-ing from important collections we findHarlequin, 1998, a geometric composi-tion playing between full and emptywhere we can notice nearly a sylloge ofmany factors that are part of Taaffe’s art:a great compositional balance, a partic-ular attention to colour shades, alignedgeometric shapes always rigorouslymodulated nearly becoming surpris-ingly tridimensional.Through the analysis of texts on naturalhistory of the XIX and XX century Taaffegets interested in the animal and vegetalworld. Typical of his works in the 90’s isthe snake pattern, diabolic and divine atthe same time with his articulate move-ments. Taaffe makes it a symbol of a life

that he feels he can analyze with the help of colors and an absolute freedom ofshape. Exposed is even Passage III (Rainbow fish), 1998, where the artist repre-sents an underwater world full of starfishes and multicolored fish.Analysing Taaffe we can see an harmonic merge of geometric abstractionism andwell defined organic forms thanks to which behind the diamond like and reptileimages we can see other hidden unrelated symmetric ones.In Disvelamenti/Unveilings we can see an eager desire to investigate and to ana-lyze natural elements that are part of art tradition maybe an attempt to find anorder to those forms that are a demonstration of real life so nature and culturetogether, microcosms that to not exclude harmonies and analogies with an orderof the macrocosm.As Vittoria Coen, curator of the exposition, writes: «From a gold field of infor-mation that is supposed to be never ending the atmospheres are full of symbolsand sooner or later we will find out what is inside because there is an unstoppablechasing of superficial and deep, of shape and unshaped, of being or appearing,a dialogue between sensitive and the more aesthetic side».

[Translated by Anthony Spigone]

PHILIP TAAFFE was born in 1955 in New Jersey. He has lived and worked in Naples atthe Lucio Amelio gallery between 1988 and 1991. His works are exposed at the mostimportant museums around the world like the MOMA in New York, the Whitney Mu-seum of American Art in Philadelphia, the Guggenheim and the Reina Sofia in Madrid.

Philip TaaffeDisvelamenti/Unveilings

a cura di_curated by Vittoria CoenRd


Philip Taaffe, Bizerte, 2009, tecnica mista su tela, 108,4×108,4 cm.

Pagina di sinistra_Left page: Chorisia Speciosa, 2007, olio su tela, 98×127 cm.

46 EQUIPèCO n.24 - 2010 - PrOgEttI | PrOjECts

ONE MINUTE TREEProgetto d’arte per l’inaugurazione del Giardino di PianamolaOpening of The Garden of Pianamola, Inaugural Exhibition and Roundtable30 Maggio_May 2010Curatore_Curator Elisa Resegotti

Elisa Resegotti è lieta di annunciare l’inaugu-razione del Giardino di Pianamola Nature and Art Pro-

jects con una mostra e una tavola rotonda. L’obiettivo èpromuovere un programma d’approfondimento della relazione tra arte, pae-saggio e natura attraverso progetti in collaborazione con artisti, curatori, collezionisti,galleristi, istituzioni, giardini e musei e la partecipazione ad eventi internazionali.La mostra One Minute Tree presenterà opere create per l’occasione da artisti italiani ed internazionalied avrà come tema centrale la percezione dell’albero. Artisti: Paola Babini, Krzysztof Bednarski, Jacopo Benci, VioletaCaldrés, Silvia Camporesi, Manuel Casimiro, Anne Demijttenaere, Antoine Des Jardins, Theo Eshetu, Martin Figura, AlexandraHughes, Abbas Kiarostami, Hans-Hermann Koopmann, Regine Körner, Maria Korporal, Ariane Michel, Sarah Oberrauch, Silvio Pasqua-lini, Luisa Rabbia, Rivka Rinn, Seifollah Samadian, Benedetta Scatafassi, Stefano Scheda, Silvia Stucky, Dora Tass, Tamara Triffez.One Minute Tree sarà una pausa nella natura dopo una settimana d’eventi a Roma in occasione di Roma Contemporary e dell’apertura del MAXXI, ilMuseo nazionale delle arti del XXI secolo. One Minute Tree aprirà con la presentazione del giardino da parte della scrittrice Pia Pera, dell’architettopaesaggista Sofia Varoli Piazza e del botanico e studioso di flora spontanea Enrico Scarici. Nell’anfiteatro sotto le grandi querce, una tavola rotondariunirà artisti e studiosi per discutere dell’importanza di leggere il paesaggio attraverso la sua storia, preservando tradizioni e saperi: un viaggio neltempo e nello spazio, dove l’artista interviene a dare un nuovo senso di bellezza alla natura, in opposizione alla visione di degrado che permea la società con-temporanea.Partecipanti alla tavola rotonda: Laura Barreca, curatrice, Paolo Camilletti, architetto, Luca De Troia, Giardino Hortus Unicorni, Julie e Pierre Higonnet,collezionisti e galleristi, Dr. Jonathan Lahey Dronsfield, filosofo, Lauro Marchetti, Curatore Giardino di Ninfa, Pia Pera, scrittrice, Joanna Przybyla, artista,Giusto Puri Purini, architetto, e altri.Il Giardino di Pianamola è situato a 50 km a nord di Roma nel cuore di un paesaggio etrusco, con vista sul Lago di Bracciano e sul mare. Negli ultimiquindici anni Elisa Resegotti ha ripristinato il profilo di un declivio massacrato dalle ruspe, dissotterrando massi, veri monumenti naturali, disegnandosentieri e terrazze, recuperando la flora autoctona. Oltre ad aver distribuito e prodotto film per molti anni ha curato mostre in Italia e all’estero. Tra lepiù rilevanti: Sulle strade di Kiarostami, allestita nel 2003 alla Fondazione Sandretto Re Rebaudengo di Torino e in seguito in importanti musei in tutto ilmondo. La collaborazione con Kiarostami, vero paladino della “forza del paesaggio”, continua a tutt’oggi e l’artista iraniano ha appena terminato un videoper One Minute Tree.Tra le altre mostre: nel 2006 Miti portoghesi di Manuel Casimiro alla Cittadella della cultura di Bari e nel 2009 durante la manifestazione “Rome Contem-porary” Panìco Pànico di Hans-Hermann Koopmann per Giardino Segreto. Anche le opere della collezione privata evidenziano come l’interazione congli artisti abbia contribuito alla creazione del giardino e viceversa. Un esempio è l’artista polacco Krzysztof Bednarski di cui è collezionista sin dagli anniOttanta e che ha appena vinto il concorso per la realizzazione del monumento a Frederyk Chopin nello Schweizer Park a Vienna.Elisa Resegotti - Nature and Art Projects: Il Giardino di Pianamola - www.pianamola.orgMary Mc Caughey - English Garden Lounging - www.englishgardenlounging.com

Foto: courtesy Elisa Resegotti.

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Elisa Resegotti is delighted to announce OneMinute Tree, an exhibition and roundtable

that creates an opportunity to investigate the relationship be-tween art, landscape and nature. One Minute Tree is the inaugural Event

of The Garden of Pianamola: Nature and Art Projects, an ongoing programme ofArtists’ Projects and Commissions in the Garden. Nature and Art Projects will create a platform

for the appreciation of the art of the garden through collaboration with artists, collectors, galleries, mu-seums and gardens and participation in international art events.

The exhibition One Minute Tree will present new artworks specially created for the Exhibition by both Italian and Inter-national artists with a relationship to this beautiful garden, set within the stunning Etruscan landscape, overlooking Lake Bracciano

and the Mediterranean Sea. One Minute Tree offers refreshment after a week of Events in Rome coinciding with Roma Contemporary andthe opening of the National Museum of 21st Century Arts (MAXXI). Artists: Paola Babini, Krzysztof Bednarski, Jacopo Benci, Violeta Caldres, Silvia

Camporesi, Manuel Casimiro, Anne Demijttenaere, Antoine Des Jardins, Theo Eshetu, Martin Figura, Alexandra Hughes, Abbas Kiarostami, Hans-HermannKoopmann, Regine Körner, Maria Korporal, Ariane Michel, Sarah Oberrauch, Silvio Pasqualini, Luisa Rabbia, Rivka Rinn, Seifollah Samadian, BenedettaScatafassi, Stefano Scheda, Silvia Stucky, Dora Tass, Tamara Triffez.One Minute Tree opens with a presentation by writer Pia Pera, followed by a tour of the garden led by architect and garden historian Sofia Varoli Piazzaand by botanist Enrico Scarici, expert in spontaneous flora. Then, under the oak trees in the amphitheatre, a roundtable will discuss the importance ofreading the landscape through its history, preserving its tradition and wisdom: a travel through space and time where the contemporary artist contributesto a new perception of beauty in nature.Roundtable speakers include: Laura Barreca, Art curator, Paolo Cammilletti, Landscape Architect, Luca De Troia, Julie e Pierre Higonnet, collectors andgallerists, Art Garden Hortus Unicorni, dr. Jonathan Lahey Dronsfeld, Philosopher, Lauro Marchetti, Curator Giardini di Ninfa, Pia Pera, Writer, JoannaPrzybyla, artist, Giusto Puri Purini, Architect.Elisa Resegotti over the past 15 years has been recovering the garden’s spontaneous flora, reshaping its hill slopes, uncovering stones to build paths andplanting trees. After having worked extensively in film, both as a producer and distributor, she has curated exhibitions in Italy and abroad – among themost significant On the Roads of Kiarostami, at the Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, in Turin in 2003 and in other prestigious museums worldwide.Her collaboration with Kiarostami, one of our greatest advocates of the power of the landscape, has continued for two decades and the Iranian artistjust finished a new video work, for One Minute Tree.The Garden of Pianamola - Nature and Art Projects: One Minute Tree Press Release Among other exhibitions Elisa has also curated Portuguese Mythsof Manuel Casimiro in 2006 at the Cittadella della Cultura in Bari and Hans-Hermann Koopmann’s exhibition Panìco Pànico in 2009 at Giardino Segretoduring Rome Contemporary. The guests will be able to view works in the Garden of Pianamola Private Collection and see how Elisa’s interaction withthe artists informs the creation of her garden and vice-versa. One example is Polish artist Krzysztof Bednarski whose works Elisa has been collecting sincethe 1980s and who has just won the commission to create the Chopin monument in Vienna.Address: The Garden of Pianamola is a private garden located 3 km outside Bassano Romano village less than one hour from Rome.Photo: courtesy Elisa Resegotti.

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Poème Èlectronique, artwork of the futureThe Poème èlectronique, conceived by Le Corbusierfor The Brussels World Fair in 1958,was one of the first multimedia works of art in history.For this project, an architectural environment wasconstructed, in which electronic technology allowed theinnovative integration of space, images, light, and sound.

La Royal Philips Electronics of theNetherlands (Koninlijke Philips

Electronics N. V.) volle realizzare, inoccasione dell’Expo di Bruxelles del1958, una dimostrazione dei nuoviprodotti per la trasmissione dellaluce e del suono all’interno di un am-biente architettonico appositamenteprogettato. La scelta di affidare laprogettazione di un’opera d’arterealizzata con tali prodotti ad un ar-tista contemporaneo del calibro diLe Corbusier, fu vincente. La suapoetica comprendeva contenutisimbolici ed espressivi che si integra-rono perfettamente con la versati-lità, il potenziale artistico ed ilpotere suggestivo della tecnologiaimpiegata, ottenendo un grande im-patto pubblicitario per l’azienda. Ilprogetto del Poème èlectronique fuvisto da Le Corbusier come un’occa-sione per sperimentare in concretole proprie intuizioni sulla conver-genza dei diversi fenomeni percet-tivi in uno spettacolo d’arte unitario,formato da combinazioni di colori,luci, immagini simboliche, formeastratte, ambiente architettonico, musica composta da suoni elettroniciin movimento nello spazio. La celebrazione della potenza economica edei prodotti di una grande industria si trasformò, tanto abilmente quantomiracolosamente, in un’audace rappresentazione delle idee estetiche efilosofiche di un grande artista. Il contratto per Le Corbusier fu stipulatodalla Philips nell’ottobre del 1956.

Il progetto architettonico fu realizzato utilizzando le proporzioni trattedalla forma stilizzata dello stomaco: i visitatori sarebbero entrati da unaparte del padiglione, avrebbero seguito lo spettacolo lungo un percorsoprestabilito, e sarebbero poi usciti dalla parte opposta dell’edificio, comese fossero stati evacuati, ma anche evidentemente trasformati nello sto-maco attraverso le immagini, le luci ed i suoni dell’opera d’arte, forte-mente pregnante di significati e forza espressiva. Furono utilizzati i nuovisistemi di simulazione dello spazio acustico realizzati dalla Philips già dal1956, quali la riverberazione artificiale, in grado di simulare ambienti acu-stici cangianti in dimensioni e caratteristiche di assorbimento, e la diffu-sione multicanale, in grado di simulare il movimento di sorgenti sonoreda diverse direzioni. La realizzazione di tali effetti acustici richiese l’im-piego di particolari superfici a curvatura variabile dette paraboloidi iper-bolici, che potevano risolvere contemporaneamente sia i problemi tecnici

Poème Èlectronique, opera del futuroIl Poème èlectronique, progettato da Le Corbusierper l’Esposizione Universale di Bruxelles del 1958,

è stata una delle prime opere multimediali della storiaper la quale fu costruito un ambiente architettonico in cui

la tecnologia elettronica consentiva di integrarein modo innovativo, spazio, immagini, luci e suoni.

The Royal Philips Electronics ofthe Netherlands (Koninlijke

Philips Electronics N. V.) wanted tocreate, for the Expo of Bruxelles in1958, an exhibition of their newproducts for the transmission oflight and sound in a specially madeenvironment. The planning of thiswork of art, to be designed withthese products, was entrusted to atop contemporary architect, Le Cor-busier, a winning choice. In fact, hisaesthetics included expressive sym-bols that used the artistic potentialand power of the technology, per-fectly integrating it to achieve agreat impact on the public for thecompany. The project Poème èlec-tronique was seen by Le Corbusieras an opportunity to concretely ex-periment with his own ideas, creat-ing a convergence of all theperceptual systems, united in oneartistic work, formed by a combina-tion of colors, lights, symbols, ab-stract forms, architecturalenvironment, music composed ofelectronic sounds, and movement in

the space. The celebration of the economic power and the products ofa great industry was transformed, both cleverly and miraculously, into abold representation of the aesthetic ideals and philosophy of a greatartist. Le Corbusier entered his contract with Philips in October 1956.

The architectural part of the project was created using the proportionsderived from the form of the stomach. Visitors would enter one side ofthe pavilion, follow the exhibition along a predetermined path, and thenexit out the other side of the building, as if they were evacuated, but alsotransformed in the stomach passing through the images, lights, andsounds of the artwork, overflowing with meaning and expressive power.New simulation systems of acoustic space were already being used byPhilips in 1956, these being artificial reverberation, able to simulateacoustic environments with various dimensions and characteristics ofacoustic absorption, and the multi-channel diffusion, able to simulate themovement of sound sources in different directions. The creation of theseacoustic effects required the use of a special surface with variable curvescalled parabolas and hyperbolas that could create the correct conditionsfor the perception of both the music and the images. Showing the pro-

Poème èlectronique, Edgard Varèse e Willelm Tak nello studio di Eindoven.Poème èlectronique, Edgard Varèse and Willelm Tak in the studio in Eindoven.

Silvia Lanzalone

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jections all over the room gave the feeling of being completely sur-rounded by the artwork. The walls were very tall, some concave andsome convex, functioning as screen on which the images shown could bedistorted, being thrown towards three cusps, which created surprising«vanishing points».

In June 1956, Le Corbusier invited Varèse to create the music for the ex-hibition, planning on collaborating closely together to create synchronybetween the sounds and the images. During the first phase the artists at-tempted to coordinate their respective paths, but they were unsuccessfulwith the distance and numerous obligations.In September of 1957,Varèse began his stay in Eindhoven for the production of the music in thestudio arranged by Philips. Le Corbusier wasn’t able to be present.Once the plan for the project was complete, the creation of the pavilionwas entrusted to engineer and builder H.C. Duyster, director of the Bel-gian company N.V. Strabed, which invented a special system of construc-tion for the building, consisting of the production of more than twothousand slabs of concrete, with a width of one meter. The curve was ob-tained by letting the concrete dry on piles of sand previously moldedinto the desired shape.Once in place, two steal cables, one internal andone external, strained between tension cables, supported the slabs. Thebuilding looked like a giant, completely freestanding curtain. Architectand musician Iannis Xenakis, together with acoustics consultant WillemTak, planned the placement of 350 loudspeakers, 300 of which were formedium-high frequencies and 50 for low sounds. The speakers for themedium-high frequencies were integrated with the walls, inserted par-tially inside; they were placed in dense groups (up high, above the en-trance and exit and the three cusps) and also scattered about, as ifconnecting the previous groups to produce paths of movement with thesound, called «routes du son» or «paths of sound», horizontally placedalong the building’s framework. To allow the perfect synchrony of lights,sounds, and images, a complex mechanism of commutation was studied,

legati alla percezione della musica, che delle immagini. Per rendere visibilile proiezioni da qualsiasi parte della sala e realizzare una sensazione av-volgente anche dal punto di vista visivo, furono realizzate pareti concavee convesse molto alte con funzione di schermo, sulle quali le imponentiimmagini potevano essere efficacemente deformate in modo da slanciarsianche verso l’alto, lungo tre cuspidi che creavano dei sorprendenti «puntidi fuga».

Nel giugno del 1956 Le Corbusierproposea Varèse di realizzare la musicaper lo spettacolo lavorando in stretta collaborazione con lui, in modo darealizzare un perfetto sincronismo tra suoni ed immagini. Tuttavia, dopouna prima fase in cui i due artisti tentarono di coordinare i loro rispettivipercorsi, la distanza e i numerosi impegni fecero sì che, quando nel set-tembre del 1957 Varèse iniziò il suo soggiorno a Eindoven per la realiz-zazione della musica presso lo studio predisposto dalla Philips, LeCorbusier non poté essere presente.Una volta ultimato il progetto, la realizzazione del padiglione fu affidataall’ingegnere costruttore H.C. Duyster, direttore della ditta belga N. V.Strabed, che inventò uno speciale sistema di costruzione dell’edificio,consistente nella produzione di più di duemila lastre di cemento dellagrandezza di circa 1 m2 la cui curvatura fu ottenuta facendole seccare sumucchi di sabbia precedentemente modellati. Le lastre vennero poi sor-rette da due tele di cavi d’acciaio, una interna ed una esterna, messe intensione tramite tendicavi: l’edificio era come una grande tenda intera-mente autoportante. L’architetto e musicista Iannis Xenakis, insieme al con-sulente per la parte acustica Willem Tak, si occupò del progetto per lacollocazione di 350 altoparlanti, di cui 300 per le frequenze medio-acutee 50 per i suoni gravi. I diffusori delle frequenze medio-acute furono col-locati direttamente sulle pareti del padiglione ed inseriti parzialmente alloro interno, in modo da integrarsi con esse; furono disposti in gruppicompatti (in alto, sopra l'ingresso e l'uscita dell'edificio e sopra le tre cu-spidi), oppure in gruppi dispersi, come congiungimento dei precedenti,per consentire la realizzazione di percorsi di movimento del suono, de-nominati «routes du son» (strade del suono), lungo le armature dell'edi-

Poème èlectronique, due pagine del copione definitivo di Le Corbusier realizzatocon la collaborazione di Jean Petit, con alcune correzioni effettuate durante l’installa-zione dello spettacolo.

Poème èlectronique, two pages of the definitive script by Le Corbusier created incollaboration with Jean Petit, with some corrections made during the installation ofthe exhibition.

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Il Museo Stibbert è uno dei luoghi più affascinantie inaspettati di Firenze. In una casa-museo realiz-

zata dal suo proprietario, Frederick Stibbert (1838-1906), sono raccolte e disposte secondo unallestimento emozionante e scenografico, le ecce-zionali collezioni che egli ha lasciato alla sua mortealla Città, tra queste una straordinaria collezione diarmi ed armature, oggetti d’arte e di vita quotidianadella civiltà europea, islamica ed estremo orientale,in particolare giapponese.È la testimonianza del gusto e dell’intelligenza di unindividuo e insieme rappresenta la sintesi dei più altivalori culturali del secolo scorso: interesse per il pas-sato, esaltazione dell’arte e passione per l’esotico.La villa che Stibbert possedeva alle pendici dei collifiorentini venne da lui trasformata in castello neogo-tico, con ampi ambienti a piano terreno pensati perospitare le collezioni nella successione e nella formascenografica da lui ideata. L’altra parte dell’edificioaccoglie gli sfarzosi appartamenti privati, arredati edecorati secondo i criteri ottocenteschi, che asse-gnavano ad ogni ambiente la rievocazione di uno stile: Neorinascimentaleper il salone da ballo, Rococò per i salottini, Impero per le camere daletto. Lo stesso gusto eclettico, la stessa curiosità per il passato e l’esoticocaratterizza il parco che circonda la villa. Boschetti, padiglioni, statue, falserovine e un piccolo tempio egiziano scandiscono o sono la meta di per-corsi naturalistici-evocativi apparentemente casuali: una visione romanticadel giardino che rappresenta un’ulteriore adesione di Stibbert all’am-biente culturale del tempo.

Francesco Civita

Museo Stibbert Museum

The Stibbert Museum is one of the most fasci-nating and unexpected places in Florence. In a

house-museum realized by his owner, FrederickStibbert (1838-1906), they are collected and pre-pared according to an exciting preparation, the ex-ceptional collections that he has left to his death tothe town, among these an extraordinary collectionof weapons and armours, objects of art and dailylife of the European, Islamic and far east, particularlyJapanese civilization.It is the testimony of the taste and the intelligenceof a single man and as a whole it represents the syn-thesis of the tallest cultural values of last century: in-terest for the past, exaltation of the art and passionfor the exotic one.The villa that Stibbert possessed to the slopes ofthe Florentine hills was by him transformed into aneo-gothic castle, with ample room environmentsterrestrial thought to show at ground floor the col-lections in the succession and in the show form byhim conceived. The other part of the building wel-

comes the sumptuous private apartments, furnished and decorated ac-cording to the nineteenth-century criterions, that assigned to everyenvironment the evocation of a style: neo renaissance for the dance roomrococo for the parlors, empire for the bedrooms. The same eclectic taste,the same curiosity for the past and the exotic characterizes the park thatsurrounds the villa. Groves, tents, statues, false ruins and a small Egyptiantemple are scanning or are apparently the destination of casual natura-listic-evocative runs: a romantic vision of the garden that represents a fur-

Veduta del Museo Stibbert dalla parte del parco.Stibbert Museum garden-side.Ritratto di Frederick Stibbert (1838-1906).F.Stibbert’s (1838-1906) Portrait.Pagina di destra_Right page:Veduta Neo-gotica del Museo Stibbert.Stibbert Museum Neo-Gothic garden-side façade detail.

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