ESCUELA: FMO

ASIGNATURA: ARTES Y HUMANIDADES

TETRAMESTRE: TERCERO

OBJETIVO: La siguiente asignatura pretende despertar el interés por el arte, pintura, la música y la danza.

UNIDAD OBJETIVOS ESPECIFICOS TEMAS Y SUBTEMAS

I ESTETICA DEL ARTE

1.1 LA ESTETICA Y SU CAMPO DE INVESTIGACIÓN.

1.2 APRECIACIÓN ESTETICA.

1.3 VALOR ESTETICO Y OBRA DE ARTE.

1.4 VALOR ESTETICO Y VALOR ARTISTICO.

II EL ARTE

2.1 LAS BELLAS ARTES.

2.2 FUNCIÓN DEL ARTE.

2.3 CLASIFICACIÓN DE LAS ARTES.

2.3.1 ARTES VISUALES (ESPACIALES-PLASTICAS)

2.3.2 ARTES TEMPORALES (AUDITIVAS-FONETICAS)

2.3.3 ARTES COMBINADAS (MIXTAS)

2.4 ELEMENTOS DE EXPRESIÓN DE LAS ARTES.

2.5 ARTISTICA Y SOCIEDAD

2.6 ARTISTICA Y LA CIENCIA

2.7 ARTISTICA Y LA LIBERTAD

III PINTURA

3.1 COLOR.

3.1.1 VALOR

3.1.2 INTENSIDAD

3.1.3 TONO

3.1.4 LUMINOSIDAD

3.1.5 OTRAS.

3.2 LÍNEA

3.3 DIBUJO

3.4 BOCETOS

3.5 VOLUMEN

3.6 PLANOS

3.7 PERSPECTIVA

3.8 EQUILIBRIO

3.9 MOVIMIENTO

3.10 LUZ

3.11 TEXTURAS

3.12 COMPOSICIÓN

3.13 SOPORTES

3.14 MEDIOS O VEHICULOS

3.15 PIGMENTOS

3.16 TÉCNICAS DE DIBUJO

3.17 TÉCNICAS PINTURICAS

3.18 TÉCNICAS DE GRABADO.

3.19 GENEROS PICTORICOS

3.19.1 DESNUDO

3.19.2 PINTURA DE GENERO

3.19.3 HISTORICA – NARRATIVA

3.19.4 NATURALEZA MUERTA

3.19.5 PAISAJE

3.19.6 RELIGIOSO

3.19.7 RETRATO

3.19.8 OTRAS.

IV HISTORIA DE LA PINTURA

4.1 ARTE RUPESTRE.

4.2 EGIPTO.

4.3 GRECIA.

4.4 ROMA.

4.5 EDAD MEDIA.

4.6 RENACIMIENTO.

4.7 BARROCO

4.8 NEOCLASICO

4.9 ROMENTICISMO

4.10 IMPRESIONISMO

4.11 SIGLO XX

4.12 EL ARTE DEL SIGLO XIX Y XX EN MÉXICO.

V HISTORIA DE LA MÚSICA

5.1 ELEMENTOS DEL FENÓMENO MUSICAL SOCIALIZADO.

5.2 FUNCIONES DE LA MÚSICA

5.3 MÚSICA EN LAS BELLAS ARTES.

5.4 CLASIFICACIÓN DE LA MUSICA.

5.4.1 POPULAR

5.4.2 CULTA

5.4.3 VOCAL

5.4.4 INSTRUMENTAL

5.5 NATURALEZA DEL SONIDO

5.5.1 ALTURA

5.5.2 INTENSIDAD

5.5.3 TIMBRE

5.5.4 DURACIÓN

5.6 ELEMENTOS CONSTITUTIVOS DE LA MÚSICA

5.6.1 RITMO

5.6.2 MELODIA

5.6.3 ARMONIA

5.7 CLASIFICACIÓN DE LOS INSTRUMENTOS MUSICALES

5.7.1 SEGÚN SU EJECUCIÓN

5.7.2 SEGÚN SU ESTRUCTURA

5.8 CONJUNTOS MUSICALES

5.9 LA VOZ COMO INSTRUMENTO MUSICAL

5.10 LA MUSICA EN MEXICO

5.10.1 ORIGEN DE LA MUSICA POPULAR EN MEXICO

5.10.2 MUSICA ESPAÑOLA LLEGA A MEXICO

5.10.3 INFLUENCIA NEGRA EN LA MUSICA MEXICANA

UNIDAD 1: ESTETICA DEL ARTE

1.1 LA ESTETICA Y SU CAMPO DE INVESTIGACIÓN.

El término estética (del griego αἰσθητική [aisthetikê], ‘sensación’, ‘percepción’, y este de αἴσθησις [aísthesis], ‘sensación’, ‘sensibilidad’, e -ικά [-icá], ‘relativo a’) tiene diferentes acepciones. En el lenguaje coloquial denota en general lo bello, y en la filosofía tiene diversas definiciones: por un lado es la rama que tiene por objeto el estudio de la esencia y la percepción de la belleza, por otro lado puede referirse al campo de la teoría del arte, y finalmente puede significar el estudio de la percepción en general, sea sensorial o entendida de manera más amplia. Estos campos de investigación pueden coincidir, pero no es necesario. En cuanto a la primera acepción, la estética estudia las razones y las emociones estéticas, así como las diferentes formas del arte. La Estética, así definida, es el dominio de la filosofía que estudia el arte y sus cualidades, tales como la belleza, lo eminente, lo feo o la disonancia, desde que en 1750 (en su primera edición) y 1758 (segunda edición publicada) Alexander Gottlieb Baumgarten usara la palabra «estética» como ‘ciencia de lo bello, misma a la que se agrega un estudio de la esencia del arte, de las relaciones de ésta con la belleza y los demás valores’. Algunos autores han pretendido sustituirla por otra denominación: calología, que atendiendo a su etimología significa ciencia de lo bello (kalos, ‘bello’). La estética es la rama filosófica que estudia e investiga el origen del sentimiento puro y su manifestación, que es el arte, según asienta Immanuel Kant en su Crítica del juicio. Se puede decir que es la ciencia cuyo objeto primordial es la reflexión sobre los problemas del arte. Si la estética es la reflexión filosófica sobre el arte, uno de sus problemas será el valor que se contiene en el arte; y aunque un variado número de ciencias puedan ocuparse de la obra de arte, solo la Estética analiza filosóficamente los valores que en ella están contenidos. Por otro lado, filósofos como Mario Bunge consideran que la estética no es una disciplina:

Creo que la estética no es una disciplina sino un montón de opiniones injustificadas, y que quienes no tienen experiencia artística debieran abstenerse de hacer estética. 1.2 APRECIACIÓN ESTETICA.

La apreciaciónestética del arte. El arte es una característicaúnica de la experiencia humana. A pesar de que los filósofos debaten la utilidad y verdaderafunción del arte, el arte está presente en todas las culturas y parecer ser un universal cultural. Se han dado algunas explicaciones de las funciones del arte. Hay autores que creen que el arte tienen un elemento recompensante, otros que el arte se ajusta al funcionamiento del cerebro. No hay otra experiencia perceptual de nuestra vida cotidiana que sea más subjetiva que el arte. Hay una variabilidad en las preferenciasartísticas entre las personas. Algunas personas les gusta el arte contemporáneo, otras lo aborrecen. Una de las teoríaspsicológicas de la formación de la apreciaciónartística sostiene que a la hora de apreciar arte pasamos por distintos estadios de procesamiento. Esta teoría se conoce como el modelo de procesamiento informacional artístico. La primera fase conlleva la clasificación de una obra de arte como arte. La segunda envuelve un procesamiento implícito basado en experiencias previas. El estadio explicito diferencia el contenido del estilo, y es aquí cuando entran en juego la dimensión afectiva y reacción o excitación en función de lo inusual o novedoso de la obra de arte que conduce a emociones estéticas que determinaran el juicio por el gusto o la preferencia de la obra. También hay otro estadio de procesamiento donde entre en juego la semántica o comprensión que dota de sentido a la obra. Si una obra no se comprende o no tiene sentido para el sujeto la obra de arte no gustara. Para conocer mejor la interacción y el juego de interrelación entre las personas (expertos y legos en arte), las obras de arte y el contexto, Helmut Leder y colaboradores se han servido de una técnica de modelización llamada SEM (Structural Equating Modelling) para saber cuál de ellos es más determinante a la hora de apreciar el arte. El procedimientoconsistido en administrar un cuestionario que pretendía conocer el grado e experiencia con el arte de los participantes, 136 en total, como por ejemplo, cuantas veces visitaban museos, cuántos libros de arte leen etc. La presentación del material visual se hizo con un programa web diseñado para ello. Los estímulos, obras de arte, se clasificaron en tres tipos: arte clásico (Monet, Signac...), arte moderno (Baselitz, Koons...) y arte abstracto (Hartung, Rae...) Para conocer la influencia de los predictores (emoción, comprensión y excitación) en el gusto del arte dividieron a los participantes en dos grupos según su experiencia con el arte (Expertos vs legos) y aplicaron el SEM. A la hora de analizar los resultados una de las conclusiones principales fueron la fuerte carga o efecto de las emociones incluso para los legos. También existían diferencias entre las emociones sentidas para un tipo de arte y otro, como por ejemplo entre el arte moderno y el abstracto. Una de las principales conclusiones del análisis de los datos es que los expertos parecían puntuar alto en todos los factores precipitantes del gusta de una obra de arte.Lo cual puede indicar la mayor flexibilidad del experto a la hora de apreciar obras de arte.

1.3 VALOR ESTETICO Y OBRA DE ARTE.

El intento de definir los valores estéticos es casi una de las imposibilidades de la filosofía del arte. Mientras que los valores del arte se dan con plena evidencia a la intuición estética del artista o del contemplador, no sucede lo mismo cuando se trata de aprehenderlos racionalmente para determinar su esencia conceptual. En esto, los valores estéticos muestran que su cualidad sensible es ilógica e irracional. El primer intento fracasado al abordar este problema fue el de Platón cuando pretendió filosofar acerca de la Belleza. Al descubrir Platón la idea de lo bello establece su prioridad como principio normativo de los juicios de valor estético, pero deja indeterminado su contenido. A medida que aleja más la belleza de lo sensible para llevarla al mundo inteligible, su sentido concreto se va evaporando, hasta que convertida en Idea, nos aparece como una forma completamente vacía. Cualquier tentativa de repetir lo hecho por Platón tiene que llegar a idéntico resultado, es decir a una concepción puramente formalista del valor belleza. Ahora bien, el valor belleza no es un valor formal, sino un valor concreto, lo que es patente con sólo pensar que al llamar bellos a un poema, a una melodía o a un cuadro, en realidad se trata de cosas muy diferentes aun cuando las califiquemos con el mismo nombre. Lo que en estas cualidades aparece como esencial es precisamente lo que en cada caso las individualiza, no sus rasgos comunes. De ahí, pues, la dificultad de definir lo que es la belleza. Por otra parte, el concepto de belleza tiene dos sentidos. En una acepción amplia se comprende bajo ese nombre toda la multiplicidad de los valores estéticos: la belleza de lo trágico, lo sublime, lo gracioso, lo elegante, etcétera. En una acepción restringida significamos por belleza un cierto valor estético concreto, por ejemplo, cuando nos referimos a la belleza de la figura humana tal como la entendieron los griegos, o los orientales, a los modernos, etcétera. Este sentido multivoco complica más todavía la tarea de reducir el valor estético a una expresión racional. Pero ¿de dónde viene entonces la unidad que atribuimos al valor estético? Todos tenemos la convicción de que la poesía, la música la pintura,poseen esa cualidad común que llamamos belleza, por más que ésta sea objetivamente una cualidad muy distinta en esas artes. Sin duda alguna esta convicción de la unidad de la belleza nos viene de que psíquicamente vivimos del mismo modo aquellas cosas tan diferentes, o sea, que ante éstas se produce en la conciencia la misma reacción espiritual. No fue tan descaminado Kant al buscar la definición de lo bello, en el sentimiento que ciertos objetos provocan en nosotros, sólo que aquel filósofo llegó a desconocer la objetividad de tal valor. Parece, en efecto, no haber otro camino para entender los valores estéticos que partir de las reacciones emocionales que corresponden a ellos, sólo que esto tiene el peligro de conducir, como sucedió a Kant, a un subjetivismo que niega la existencia de esos valores en los objetos mismos reconocidos como bellos. Sin embargo, esto puede ser superado si consideramos las razones siguientes. En primer lugar ya el mismo Kant señaló que nuestros juicios estéticos, son emitidos con la convicción de que tienen una validez general, es decir, que cuando califico a un objeto como bello no quiero significar que a mí me parece bello, sino que su belleza debe ser reconocida por todos aquellos que tengan capacidad para juzgar. Ahora bien, la validez universal de los juicios estéticos no se funda, como pensaba Kant, en ciertas condiciones subjetivas, como, por ejemplo, un sentido común de la belleza, sino al contrario en las condiciones del objeto. Si un cuadro

es unánimemente considerado como bello es que en él deben residir cualidades objetivas, que a todo sujeto preparado para sentirlas le obligue a reconocerlas como bellas. Schiller, quien considera a lo bello como lo que se da y nos complace en la mera apariencia. Nicolai Hartmann cuando al ocuparse de la cuestión dice: "Los valores que se adhieren a los objetos estéticos no son en general valores de lo que es en sí, como acaso, los valores de bienes, los valores morales, sino valores de un mero objeto como objeto, de una apariencia como apariencia." Hartmann dice que un rasgo peculiar de los valores estéticos que consiste en estar adheridos no a la realidad en sí del objeto, sino a lo que es el objeto para el contemplador. Pero decir que los valores estéticos sólo aparecen en la relación sujeto-objeto, no significa que los valores estéticos sean subjetivos, sino simplemente, que son valores referidos a un sujeto. Los valores estéticos son valores que se realizan exclusivamente en la esfera de lo ideal a diferencia de los valores morales en que el deber impone hacerlos pasar de lo ideal a lo real. Para el espectador ni siquiera existe la exigencia de realizarlos, sino solamente la de ser reconocidos por medio de la intuición estética. La estructura de una obra de arte es siempre compleja, pero es preciso, para que alcance su auténtico valor, que los elementos heterogéneos que la componen estén fundidos en una plena unidad. No obstante que una reflexión crítica posterior al momento de contemplarla la descompone en varias partes y hace recaer en ésta o aquélla el valor estético fundamental, en verdad el acto de la contemplación consiste en un sentimiento que vive el arte como un todo, como una unidad. Debe, entonces, concebirse la obra de arte como una estructura ideal en que primero es el todo y luego las partes, de manera que éstas no pueden valer aisladamente, sino sólo en función o correlación con el conjunto. Únicamente por abstracción puede hablarse del valor de la forma, del valor del contenido, del valor de la expresión etcétera. Lo cierto es que no puede haber valor estético fundamental si cada uno de los elementos que un análisis posterior separa, no se hallan armonizados en un todo compacto. La unidad del valor estético de una obra determinada no excluye la existencia de una pluralidad de valores, al contrario, la exige, pues no se puede hablar de unidad donde no existe la variedad. La contemplación estética puede realizarse en diferentes grados de conciencia desde la vaga impresión del espectador improperado, pero sensible al arte, hasta la intuición, enriquecida por el conocimiento artístico en el crítico. La unidad original de la impresión estética se produce también en el espectador crítico, pero la conciencia de éste percibe las diversas calidades de la obra de cuya resultante surge su valor. La misma riqueza de su experiencia artística le permite captar los matices que individualizan los valores de cada obra y apreciarlos en toda su excelencia. Entonces aparecen en detalle los valores parciales de la obra, valores de la forma, del contenido, del material expresivo, de la técnica, y además de éstos, los valores de la personalidad del artista. El valor estético predominante lo constituye tal vez la modalidad con que el artista utiliza y funde todos aquellos elementos en una unidad singular. Es justamente la personalidad lo

que determina esa fusión de las calidades particulares en ese valor total que llamamos belleza. Los valores estéticos son objeto de la consideración filosófica desde que la noción de lo bello adquiere conciencia en el pensamiento de los griegos, con un relieve prominente en los diálogos de Platón. En algunas épocas posteriores de la historia, la estética se ha identificado casi de modo exclusivo con la filosofía de lo bello. Pero la tendencia predominante en el pensamiento moderno en circunscribir la estética a la reflexión filosófica sobre todos los aspectos del arte y enfocar el tema de la belleza como uno de éstos. La ventaja de preferir este punto de vista es que se aborda el problema de la belleza directamente en el campo concreto del arte, y no como lo hacía la estética de lo bello en el terreno de la metafísica. Ahora bien, considerado desde el punto de vista del arte, lo bello no es una especie, sino un género, que abarca una pluralidad de valores estéticos, como, por ejemplo, lo dramático, lo trágico, lo cómico, lo gracioso, lo elegante, etcétera. Los juicios estéticos a la hora de calificar una obra de arte se conocen como expresiones de sentimientos. Existen juicos estéticos y juicios lógicos. 1.4 VALOR ESTETICO Y VALOR ARTISTICO.

La teoría del arte de Arthur C. Danto se ha constituido en parte como un rechazo de la teoría estética del arte. Ha defendido la tesis de que el criterio estético para distinguir el arte del no-arte es inválido; así mismo ha defendido la idea de que la estética no forma parte de la esencia de lo artístico. Me centraré en los argumentos que Danto ha ofrecido para sustentar ambas tesis. Trataré de mostrar, en primer lugar, que sus argumentos no son concluyentes y, en segundo lugar, que su concepción de lo estético está en tensión con su propia noción del significado artístico. El rechazo de Danto de la teoría estética del arte está constituido por tres tesis diferentes. En primer lugar sostiene que el valor estético no es un buen criterio para distinguir el arte del no arte. En segundo lugar afirma que si el valor estético de una obra no puede proporcionarnos la marca de lo artístico, entonces lo estético no es un componente constitutivo del arte. Finalmente, Danto sostiene que el valor estético, cuando esté presente en una obra de arte, no es un índice de su valor artístico; esto es, que la relación entre valores artísticos y estéticos es contingente. El buen arte puede ser estéticamente pobre y obras de arte que son estéticamente valiosas pueden ser desde un punto de vista artístico poco interesantes. Estas tres tesis pueden resumirse con palabras del propio Danto del siguiente modo: “Mi pensamiento era que la estética no pertenece realmente a la esencia del arte”. En la primera sección de este artículo presentaré brevemente la teoría estética del arte subrayando los aspectos que son problemáticos para Danto. En la sección II, revisaré el argumento ofrecido por Danto contra el criterio estético del arte. En la III, intentaré mostrar que el experimento de los indiscernibles no es concluyente con respecto al fracaso del criterio estético que parece seguirse de la aceptación del experimento; y, finalmente, (sección IV) examinaré dos problemas: por un lado, (i), si el supuesto fracaso del criterio estético implica que el valor estético no tiene nada que ver con el concepto de arte; esto es, si el valor estético puede considerarse, contra Danto, como un aspecto constitutivo de lo que llamamos arte. Y (ii) hasta qué punto puede Danto defender su concepción del significado artístico como “significado encarnado” al tiempo que pasa por alto el modo en el que los aspectos estéticos de la obra de arte contribuyen o constituyen su significado.

No es parte esencial del enfoque que aquí presento ofrecer además una defensa de la teoría estética del arte. Mi objetivo es más modesto: tratar de mostrar que la crítica de Danto a la teoría estética es menos convincente de lo que pueda parecer en un principio y de que lo estético tiene, y tal vez deba tener, cabida en nuestra noción de arte –incluso dentro el marco teórico diseñado por Danto. En primer lugar, presentaré brevemente las líneas principales de la definición estética del arte, así como del criterio para que algo cuente como arte que se deriva de la misma. Existen numerosas versiones de la concepción estética del arte. Algunas se centran en la naturaleza del objeto artístico y sostienen que un objeto puede considerarse como arte si posee valor estético. Otras enfatizan la importancia de las intenciones del productor a la hora de crear un objeto estéticamente valioso; éstos últimos son más flexibles a la hora de exigir que el objeto en cuestión posea de hecho valor estético para que sea considerado arte. Ambas versiones coinciden, sin embargo, en la importancia del valor estético como rasgo principal del arte. En general el valor estético se concibe como algo que se aprehende en una experiencia perceptiva del objeto. Las propiedades estéticas son un subconjunto de las propiedades perceptivas y típicamente se identifican a través de un acto perceptivo: mirar, escuchar, tocar, etc. El criterio estético es, pues, un criterio perceptivo: juzgamos el valor estético de una obra –y así discriminamos entre arte y no arte- a través de una experiencia perceptiva de la misma. De este modo, una obra producida con una intención estética será arte si posee un valor estético que podamos reconocer a través de una experiencia. Esquemáticamente: (i) Un objeto es producido con la intención de provocar una experiencia estética o de poseer valor estético; (ii) experimentamos el objeto para valorarlo estéticamente; y (iii) decidimos si el objeto merece ser considerado como “arte” en función de la cualidad estética de la experiencia que proporciona. Este criterio funcionaria si cada obra produjera una única experiencia estética o pudiera ser descrita exclusivamente a través de una descripción estética. Si así fuera, podríamos decidir para cada objeto u obra si es estéticamente valiosa simplemente experimentándola estéticamente. Sin embargo, como ya es generalmente reconocido, cualquier objeto puede experimentarse estéticamente de muchas formas y las variaciones en nuestras descripciones estéticas dependen en parte de las descripciones bajo las que percibimos la obra. Así, junto a una experiencia de la obra, necesitamos una interpretación correcta del objeto si su valor estético ha de identificarse correctamente. El argumento de Danto explota este aspecto de la experiencia estética –su carácter relativo a una interpretación- para desestimar la validez de la misma como criterio para determinar si algo es arte.

Para mayor apoyo revise el siguiente video: https://www.youtube.com/watch?v=N3ddByeYPCk

Practica 1:

Del video realice un resumen de lo más importante.

Guarde el archivo en Word como: 1. LA ESTETICA

Practica 1.1:

Realice un cuestionario de 10 preguntas de la unidad 1. Guarde el archivo en Word como: 1.1CUESTIONARIO DE UNIDAD.

UNIDAD 2: EL ARTE

2.1 LAS BELLAS ARTES.

El término bellas artes se popularizó en el siglo XVIII para referirse a las principales

formas de arte que se desarrollaban principalmente por el uso de la estética, la

idealización de la belleza y el buen uso de la técnica. El primer libro que se conoce que

clasifica las bellas artes es Les Beaux-Arts réduits à un même príncipe (Las bellas artes

reducidas a un único principio), publicado en 1746 por el francés Charles Batteux, quien

pretendió unificar las numerosas teorías sobre belleza y gusto. Batteux incluyó en las

bellas artes originalmente a la danza, la escultura, la música, la pintura y la poesía, añadió posteriormente la arquitectura y la elocuencia.

Con el tiempo, la lista sufriría cambios según los distintos autores que añadirían o

quitarían artes a esta lista (se eliminó la elocuencia). En 1911, Ricciotto Canudo es el

primer teórico del cine en calificar a éste como el séptimo arte, en su ensayo "Manifiesto de las Siete Artes", que se publicó en 1914.

También por la evolución histórica del término, es habitual que el uso de bellas artes se

asocie, en instituciones educativas y en museos de bellas artes, casi exclusivamente a las

artes plásticas o artes visuales. En este sentido, la palabra arte también es muchas veces

sinónimo de artes visuales, al emplearse en términos como galería de arte.

2.2 FUNCIÓN DEL ARTE.

Función simbólica: La imagen también tiene la condición de símbolo intelectual,

mediante el cual, el artista medieval da forma sensible a ideas abstractas como la de

Dios, el pecado, etc. La función simbólica es, frecuentemente, subyacente a imágenes de apariencia plenamente realista.

Función utilitaria: La función utilitaria es evidente en muchas obras arquitectónicas que

responden a necesidades concretas. Pero desde sus orígenes, muchas manifestaciones

artísticas han tenido una función mucho más concreta de lo que podría parecer. De ello es

ejemplo la función mágica de las pinturas rupestres del Paleolítico Superior y del

Mesolítico, o de los exvotos ofrecidos para conseguir la salvación eterna, o de la escultura

funeraria egipcia que representaba el ka o alma del difunto. En este sentido podemos hablar de una función religiosa.

Función comunicativa: Como medio de comunicación, como forma de transmitir ideas y

valores, el arte tiene también una función comunicativa que puede ser explícita o implícita debido a circunstancias sociales o políticas.

Función política: Otra constante a lo largo de la historia del arte es la función política.

Retratos de reyes y generales, pinturas y esculturas que conmemoran batallas o hechos

históricos han servido para impresionar al pueblo con la grandeza y el poder de sus

dirigentes. Pero también para denunciar injusticias o criticar los abusos de poder o la crueldad de las guerras.

Finalidad terapéutica: A partir del Romanticismo, el arte se utiliza como compensación

psicológica, muchos artistas expresan su personalidad, sus conflictos internos a través de

sus obras de arte. A partir de Sigmund Freud, padre del psicoanálisis, se ha utilizado el arte con finalidad terapéutica en el tratamiento de las enfermedades mentales.

Ahora bien, lo que da su peculiaridad a la obra de arte es la primacía de la función

estética, la más alejada del sentido práctico, su capacidad para producir sentimientos,

para provocar el placer. Incluso algunas tendencias modernas han defendido la concepción del arte por el arte.

Parar acabar, recordemos la reflexión inicial: hay que tener presente la historicidad y la dimensión social de las funciones de una obra de arte.

2.3 CLASIFICACIÓN DE LAS ARTES.

La clasificación de las artes puede hacerse desde diferentes categorías y

conceptualizaciones. Algunas han estado sujetas a debates, revisiones y actualizaciones, debido a que funcionaron mejor en determinado momento histórico.

Ciertas clasificaciones permitieron diferenciar cierto tipo de manifestaciones estéticas de

otras, que no perseguían utilidades prácticas ni se incluían en la producción seriada o

manual de objetos funcionales.

La clasificación más difundida es la que designa a siete oficios como “Bellas Artes”, y es

ampliamente conocida porque comprende a las manifestaciones estéticas que

invariablemente pensamos relacionadas con la creación artística:

Literatura, escultura, arquitectura, pintura, música, danza y cine.

Sin embargo, aunque el teatro no está incluido en la clasificación anterior, es un arte a

considerar también “donde pueden confluir todas las artes y está constituido por cinco

elementos: La obra escrita o el libreto, los actores, los técnicos, el director y el público, cada uno de los cuales debe valorarse apropiadamente”.

2.3.1 ARTES VISUALES (ESPACIALES-PLASTICAS)

La Mona Lisa es uno de los cuadros más reconocidos de Occidente.

Las artes visuales son una rama del arte, que incluye las tradicionales artes plásticas e

incorpora las nuevas formas de expresión artísticas surgidas hacia la segunda mitad del

siglo XX, así como el uso de los avances tecnológicos (los denominados nuevos medios)

que han dado lugar a la aparición nuevas formas de expresión y entrecruzamiento entre disciplinas presente en el arte contemporáneo.

Las artes visuales engloban las tradicionales Artes plásticas, entre las que se incluyen

dibujo, pintura, grabado y escultura, así como las expresiones que incorporan nueva

tecnología orientada al arte o elementos no convencionales, y su mayor componente

expresivo es visual,1 2 también llamado arte de los nuevos medios entre los que se incluyen:

Fotografía

Videoarte

Arte digital

Net.art

Fanart

Así como otras expresiones de aparición en el arte del siglo XX como:

Instalación

Intervención

Land Art

Arte ambiental

Arte efímero

Arte postal

Arte urbano

Arte público

Arte cinético

2.3.2 ARTES TEMPORALES (AUDITIVAS-FONETICAS)

Literatura: La palabra literatura proviene del término latino litterae, que hace referencia al

conjunto de saberes para escribir y leer bien. El concepto está relacionado con el arte de

la gramática, la retórica y la poética. La literatura es el arte que emplea como medio de

expresión una lengua. También se utiliza el término para definir al conjunto de las

producciones literarias de una nación, de una época o de un género (como la literatura

persa, por ejemplo) y al conjunto de obras que tratan sobre un arte o una ciencia (literatura deportiva, literatura jurídica, etc.).

Fuente: Diccionario de la Real Academia Española (RAE)

Música: En un sentido estricto, podemos definir a la música como “sonido organizado”. En

esta organización pueden combinarse multitud de recursos, desde sonidos disonantes y

consonantes, elementos aleatorios. Compases y formas estrictas hasta cintas

magnetofónicas, medios digitales e infinidad de fuentes productoras de sonido, como

máquinas de vapor o el tráfico vehicular.

Fuente: Latham, Alison. Diccionario enciclopédico de la música.

Fondo de Cultura Económica. México 2008.Pág. 29

2.3.3 ARTES COMBINADAS (MIXTAS)

Danza: La danza es una expresión artística debido a que en ella se observa creación y

expresión, además de la transmisión del mundo subjetivo que se objetiva en un producto

que no persigue directamente la satisfacción de una necesidad utilitaria. Constituye un

lenguaje (determinado social e históricamente) en donde el mensaje se transmite por medio de símbolos elaborados con el movimiento del cuerpo humano.

Fuente: Sevilla, A. Danza, Cultura y Clases Sociales,

Serie Investigación y documentación de las Artes, 2ª Época, INBA., 1990.Pag. 59.

Teatro: La palabra teatro deriva del sustantivo theatron que significa: veo, miro y soy

espectador, esto hace alusión al lugar desde donde el público contempla una acción. Si

consideramos que el teatro es un punto de vista sobre un acontecimiento, definiremos al

teatro como el arte de representar obras dramáticas a través de la voz y el cuerpo para interpretar personajes en acción.

Fuente: PatricePavis. Diccionario del teatro.

Editorial, Pág.435 (sobre el concepto de teatralidad.)

Cine: Su base es una industria que si bien está regida por parámetros comerciales, puede

producir obras artísticas con su lenguaje. Es una forma de construir y comunicar realidades a través de imágenes que producen la ilusión de movimiento.

Fuente: Marcel Martín. El Lenguaje del Cine. GEDISA. 1990. Pág. 17-24.

2.4 ELEMENTOS DE EXPRESIÓN DE LAS ARTES.

Los elementos del arte son el grupo de aspectos de una obra de arte utilizados

usualmente en su enseñanza y análisis, en combinación con los principios del arte. Serían los componentes o partes básicas para crear una obra de arte.

Las listas de los elementos del arte varían en función de diferentes autores, pero en general incluyen las siguientes: espacio, color, forma, textura, valor y línea.

Los artistas trabajan con estos elementos básicos para componer una obra de arte, no

siendo necesario que aparezcan todos, aunque han de estar presentes, al menos, dos de ellos.

2.5 ARTISTICA Y SOCIEDAD

El Arte se relaciona con la sociedad en cuanto la observa, analiza y construye para ella

unos lenguajes que la muestran en sus aspectos constitutivos relevantes incorporando en

este quehacer necesidades funcionales: arquitectura, objetualidad de uso, relaciones con

el espacio habitado amalgamables y relacionadas con quienes lo habitan. El trabajo de los

artistas en suma ha construido cosmogonías colectivas e individuales que con el correr

del tiempo, la información y opciones culturales han trasuntado en obras artísticas.

La relación Arte y sociedad, viene dada desde el principio de la vida.

Medio ambiente, el entorno, contenedores de la existencia dotan al Arte de significados,

pero también construyen herramientas, estructuras y eventos que se establecen como

relevantes para los grupos humanos presentes del mismo modo, los seres humanos en comunidad, generan una pertenencia y representatividades.

La sociedad con estas cargas y distribuciones de roles, que muchas veces determinan a

los géneros, construye formas de representación a lo largo de la historia, mostrándonos la

evolución de la misma posibilitando, el observar las identidades que habitan geografías,

influenciando a las estéticas y otras manifestaciones que al día de hoy, más estilizadas,

siguen y continúan con una gran carga mística, en las identidades personales y

colectivas. La corporalidad acoge y desplaza a estas identidades, surge en los grupos,

casi sin exclusión, la necesidad de diferenciarse, para lo cual, los símbolos, colores,

diseños y adornos significativos juegan un rol relevante. En casos relevantes guardan,

una profunda relación con el entorno propenden a reunificarse con el medio que los

rodea.

2.6 ARTISTICA Y LA CIENCIA

En algunas de nuestras culturas ancestrales, existía un sólo vocablo para expresar los

conceptos de tecnología, ciencia o arte. En nuestra lengua arte proviene del latín “ars” y

técnica del griego “tekne”; palabras que se refieren a la habilidad para realizar alguna

tarea u objetivo. De hecho, la cultura es un todo, donde el arte se mezcla con la ciencia y

la tecnología. A lo largo de historia, el hombre ha utilizado todas las herramientas

disponibles para la creación de sus obras artísticas. Desde las eras más primitivas ha

desarrollado tintas y pinturas con un grado de sofisticación que aun hoy asombra. Se ha

expresado y ha dejado su legado sobre piedra usando técnicas aerográficas similares a las que se utilizan hoy en día.

Aquello que denominamos “arte”, y que en épocas remotas se encontraba más ligado a

la religión o la magia que a lo puramente artístico, se ha desarrollado a medida que el

hombre fue dominando y manejando diferentes materiales, tales como la madera, la

piedra o el metal. Asimismo, a medida que la ciencia fue evolucionando, el arte utilizó

recursos como la física y la astronomía. De esta manera, con el tiempo, se fue

desarrollando el automatismo y la cibernética, siendo algunos de los predecesores de los robots verdaderas expresiones artísticas.

El arte ha estado siempre asociado a la técnica y a la tecnología. Acudiendo a la historia

del arte, es cierto que hacia principios de los años sesenta del siglo XX, la

desmaterialización del arte nos enfrenta con un tipo de práctica artística desprovista de

toda herramienta tecnológica: el arte conceptual. Puramente reflexivo, pone el acento en

la “idea” o “concepto”, sin necesidad de una expresión material concreta. Sin embargo,

inclusive el arte conceptual, hace uso de la tecnología (la fotografía, por ejemplo) para

registrar sus acciones y performances, siendo ésta, en muchas oportunidades, la única fuente de documentación que nos permite acceder a la “obra” e, incluso, su único soporte.

2.7 ARTISTICA Y LA LIBERTAD

Las serpientes de Chichén. Itzá

Numerosos son los ejemplos a través de la historia donde se conjugan el arte, la ciencia y

la tecnología. El que presentamos aquí corresponde a la pirámide de Kukulcán en

Chichén-Itza, ciudad Maya, al norte de la península de Yucatán en México.

Los mayas reunieron avanzados conocimientos de astronomía y refinadas tecnologías de

construcción para producir el magnífico evento solar en el que una serpiente parece

descender de la pirámide. Parte de la construcción, se ilumina en forma determinada en

un momento específico de la conjunción del Sol con la Tierra. Durante los equinoccios, el

sol se proyecta en las escalinatas y forma, sobre los laterales, la figura de una serpiente,

en un asombroso juego de luces y sombras que genera la sensación óptica de

movimiento descendente de la serpiente.

Arte, ciencia y tecnología, hoy…

Siempre hubo y habrá una nueva tecnología útil para el arte, ya sea un nuevo soporte, o

una nueva interface, tanto para el artista como para el espectador. Incluso, algunas de las

categorías artísticas más difundidas actualmente, como el net.art; el video-arte; etc., han

surgido como consecuencia de la aparición de una nueva tecnología. La revolución

informática fue -y sigue siendo- la que acarreó grandes cambios y multiplicó las

modalidades en los formatos artísticos de los últimos años. Hoy, apenas saliendo de la

era del video como nueva tecnología, la informática ha brindado un sinnúmero de nuevas

herramientas y posibilidades a los artistas visuales y sonoros. Sin embargo, es indudable

que estamos viviendo los albores de una nueva revolución: la genética. Esta, sin olvidar

su inherente dimensión ética, nos ofrece la posibilidad de esculpir la propia naturaleza orgánica, creando obras “vivientes”, modeladas según nuestro propio deseo.

Todo lo expresado usa la tecnología como medio, como herramienta. No obstante, en

algunas ocasiones es la propia tecnología la que se convierte en objeto artístico. Sucede

que la aparición de un nuevo medio suele ser tan relevante que el sólo hecho de

mostrarlo implica el impacto de lo inédito, creyendo que así funciona como obra. Este

fenómeno nos impele a re-preguntarnos por el hecho artístico en así, ya que esta etapa

inaugural o de “descubrimiento” de un nuevo medio debe conllevar una carga de sentido y

poeticidad para que exista una “obra de arte”, que luego puede (o no) adquirir relevancia y trascendencia.

Para mayor apoyo revise el siguiente video:

https://www.youtube.com/watch?v=VSyuOFU0PXo

Practica 2:

Del video realice un resumen de lo más importante.

Guarde el archivo en Word como: 2. EL ARTE

Practica 2.1:

Realice un dibujo y relaciónelo explicando que es el arte para usted..

Tome una foto y guarde el archivo en .JPG como: 2.1 EL ARTE EN DIBUJO.

UNIDAD 3: PINTURA

3.1 COLOR.

El color en las artes es el medio más valioso para que una obra transmita las mismas

sensaciones que el artista experimento frente a la escena o motivo original; usando el

color con buen conocimiento de su naturaleza y efectos y adecuadamente será posible

expresar lo alegre o triste, lo luminoso o sombrío, lo tranquilo o lo exaltado, etc.

Es la impresión producida al incidir en la retina los rayos luminosos difundidos o reflejados

por los cuerpos. Algunos colores toman nombre de los objetos o sustancias que los

representan naturalmente. Orientado al espectro solar o espectral puro, cada uno de los

siete colores en que se descompone la luz blanca del sol: rojo, naranja, amarillo, verde,

azul turquesa y violeta. Del color se desprende una división que serían los primarios,

tomándolos como base colores naturales, amarillo, rojo y azul y los secundarios que

serían los que surgen como mezcla de estos que son el naranja, el verde y el violeta.

Los primarios o puros son cada uno de los de una terna de colores fundamentales.

Colores Fundamentales: Se los llama así a los de la terna de colores que,

convenientemente mezclados, permiten formar cualquier color.

La elección de los mismos es arbitraria. Generalmente se acostumbra utilizar como

fundamental el rojo, el verde y el azul o el violeta.

El color es luz, Newton fue quien primeramente concibió la teoría ondulatoria o

propagación de rayos lumínicos, que más tarde fue ampliada por Laplace y otros físicos.

Los que se designa como luz blanca es la impresión creada por el conjunto de radiaciones

que son visibles por nuestro ojo; la luz blanca cuando es descompuesta produce el

fenómeno de arco iris, estos son los que llamamos colores, el conjunto de estos, o franja

continua de longitudes de onda creada por la luz al descomponerse, constituye el espectro.

Utilizamos la palabra color para designar dos conceptos totalmente diferentes. Solo

deberíamos hablar de colores cuando designemos las percepciones del ojo. La

percepción del color cambia cuando se modifica la fuente luminosa porque en principio, el

color no es más que una percepción en el órgano visual del observador. Los sentidos

permiten al hombre captar los fenómenos del mundo que lo rodea. Los ojos son capaces

de memorizar las diferencias de colores, pero casi nunca percibimos un color como es en

realidad visualmente, tal como es físicamente.

Los seres vivos que poseen el órgano de la vista intacto son capaces de orientarse por

determinadas radiaciones de energía. Con ello están en situación de captar ópticamente

su entorno y de enjuiciar su situación y sus posibilidades de movimiento. Los obstáculos o peligros quedan registrados.

También aparecen los colores complementarios que serían los pares de colores puros

cuya síntesis produce la sensación del color blanco, siendo, compensados cuando su

unión da lugar a una sensación de color acromático, a su vez son complementarios todas

aquellas gamas de colores que muestran los mismos aspectos, ya que no depende de la

composición espectral del estímulo de color, sino de los valores de código que se forma en el órgano de la vista.

Las mezclas aditivas se obtienen fácilmente en un experimento psicológico que consis te

en colocar diferentes colores en un disco, que se hace luego girar rápidamente mediante

un motor. Si en tales condiciones los colores se suman para dar blanco o gris, se los llama complementarios.

3.1.1 VALOR

Es la intensidad luminosa del color. Es la cantidad de luz que puede reflejar una superficie. Una escala de valores tonales tiene como extremos el blanco y el negro.

El pigmento blanco representa el extremo de la escala de valores; el negro, el otro.

Mezclándolos en proporciones diversas, obtenemos una amplia escala de grises

intermedios distintos. Todos esos tonos son acromáticos. Pero también el valor es una dimensión de tonos acromáticos.

Todo pigmento posee un coeficiente de reflexión, es decir, valor, que varía desde muy claro hasta muy oscuro.

Cuando mezclamos pigmentos de distintos valores, el tono resultante será alguno

intermedio entre ambos. Así, tenemos cuatro posibilidades de mezclar pigmentos para controlar el valor de los tonos.

•Agregando blanco, se aumenta el valor.

•Agregando negro se disminuye el valor.

•Agregando un gris contrastante, aumenta o disminuye el valor.

•Agregando un pigmento de valor distinto, se aumenta o disminuye el valor.

No podemos cambiar el valor de un pigmento cromático sin modificar al mismo tiempo

otras dimensiones tonales.

•Agregando negro, blanco o gris, se introduce un componente acromático. El valor se

modificara y también el nivel de intensidad. El tono resultante será más claro o más oscuro y más neutral.

Es posible que también se produzca algún cambio en el matiz, porque tanto el pigmento

negro como el blanco tienden a enfriar la mezcla. Se produce una desviación hacia el

matiz frío adyacente. Tal efecto es notable cuando mezclamos amarillo y negro: este

actúa como un azul, disminuyendo el valor y la intensidad, cambiando el matiz hacia el verde.

3.1.2 INTENSIDAD

Es la intensidad cromática del color. Es el grado de pureza de tinte que puede reflejar una

superficie. Un color saturado es aquel que se manifiesta con todo su potencial cromático, inalterado, completo.

La presencia o ausencia de color, no afecta al tono, que es constante.

La intensidad puede controlarse de cuatro maneras. Tres de ellas consisten en la adición

de un neutro, blanco, negro o gris. La cuerta consiste en agregar el pigmento complementario.

3.1.3 TONO

La cualidad tonal de los colores - su grado de claridad - sirve para que la forma armonice

con cuanto lo rodea. El color tonal aísla o funde, destaca e iguala a un edificio dentro de

un grupo y crea en él una individualidad o un determinado efecto de animación cuando su

localización ambiental tiene una tónica apagada o deprimente.

Al color lo percibimos como un tono. Ese tono tiene tres dimensiones que se las denomina

cualidades tonales.

1. Valor o claridad.

2. Tinte, matiz.

3. Intensidad.

3.1.4 LUMINOSIDAD

La luminosidad, también llamada claridad, es una propiedad de los colores. Ella da una

indicación sobre el aspecto luminoso del color estudiado: cuanto más oscuro es el color,

la luminosidad es más débil. Este término se asocia a veces con el concepto de valor, luminancia, brillo, luz... el vocabulario utilizado en esta área es muy rico.

La definición utilizada en la fotometría y colorimetría describe la percepción no lineal que

tenemos de la cantidad de luz recibida.

3.1.5 OTRAS.

El campo de los colores es tridimensional

Cada color puede variar en tres dimensiones:

•La diagonal: que señala la profundidad de campo, indica el tono del color.

Por ejemplo: el rojo mezclándolo con amarillo, varía al tono naranja.

•La horizontal: que es la saturación o concentración, el rojo pierde poco apoco su

saturación por la mezcla de blanco y se va haciendo más clara hasta llegar a la falta de color, el blanco.

•La vertical: muestra el oscurecimiento del rojo. Por medio de la mezcla del negro el color se hace cada vez más oscuro hasta que al final ya no se distingue del negro.

Cuando están los tres colores, uno solo debe ser llevado al máximo de intensidad, el segundo debe disminuirse, y el tercero apenas sugerirse.

No hay color sin gris, el gris es en cierto modo el soporte, la justificación de toda armonía cromática.

3.2 LÍNEA

La línea es el medio más sencillo de representación. De manera fácil puede definirse

como la marca (con mayor longitud que anchura) que une dos puntos, tomando cualquier

forma en el camino o también el camino identificable creado por un punto que se mueve

en el espacio. Las líneas pueden ser rectas o curvas, finas o gruesas, horizontales, verticales o diagonales.

Por oposición al color, la línea puede definir el contorno de las formas. En pintura, cuando

la línea, el dibujo, predomina sobre lo pictórico, se habla de "arte lineal", como es el caso

por ejemplo, de Durero. En una obra de arte en particular, la línea permite describir el

trabajo del artista en diferentes aspectos, en función de los tipos y estilos de líneas utilizados en su obra y cómo esto influye en el punto de vista del espectador.

3.3 DIBUJO

Dibujo significa tanto el arte que enseña a dibujar, así como delineación, figura o imagen

ejecutada en claro y oscuro; toma nombre de acuerdo al material con el que se hace. El

dibujo es una forma de expresión gráfica, plasma imágenes sobre un espacio plano.

Debido a lo anterior, es considerado parte de la bella arte conocida como pintura. Es una

de las modalidades de las artes visuales. Se considera al dibujo como el lenguaje gráfico

universal. Ha sido utilizado por la humanidad para transmitir ideas, proyectos y, en un sentido más amplio, sus ideas, costumbres y cultura.

3.4 BOCETOS

Boceto (del italiano bozzetto), esbozo (del italiano sbozzare), bosquejo (de bosque),

borrador (de borrar) o apunte (de punto o punta), son términos pictóricos para designar al

proyecto, pruebas o traza primera; que se realiza previamente a la obra definitiva. En un

boceto los contornos y los detalles no están definidos, sino insinuados de forma

esquemática (abocetados, esbozados o bosquejados). Aunque se puede señalar algún

matiz diferencial entre "boceto" y "esbozo", no hay en el uso general una estricta

diferencia conceptual entre cualquiera de estos términos, ni entre sí ni con otros como

"croquis" y "estudio", o con el muy poco usado "esquicio", que se suele usar directamente

con la palabra italiana, francesa o inglesa schizzo, esquisse o sketch (ésta última también designa a una escena cómica breve).

Se utiliza la expresión estilo abocetado para designar al de los pintores cuya obra, sólo

aparentemente, tiene un aspecto de ejecución "fácil", "rápida" y "no terminada"

("imperfecta" -non finito o "estética de lo inacabado"-), con predominio de la gestualidad y

la pincelada suelta, también llamada "impresionista". En oposición, las obras en las que el

pintor insiste en un acabado pulcro o pulido (fini, "terminado", "perfecto") de los detalles se

suelen calificar como de ejecución "academicista" o "preciosista" (cuando no pompier o kitsch, términos peyorativos).

Los bocetos cumplen diversas funciones. Pueden ser, como "estudios" o "apuntes",

dibujos más o menos detallados que plasmen formas concebidas por la imaginación del

artista, o reproduzcan (con mayor o menor fidelidad o alteración al modelo -arte figurativo,

realismo en el arte, copia, reproducción, réplica, falsificación-) formas de la naturaleza o

de otras obras de arte con el fin de estudiar su estructura o composición,

independientemente de que con posterioridad se realicen en otras obras o queden tal

cual; mientras que, como "esbozos" o "bosquejos", pueden ser el primer trazado de puntos, líneas y manchas que constituye la base inicial de la superficie pictórica.

Un boceto puede estar ejecutado a mano alzada sobre papel, utilizando instrumentos de

dibujo básicos (como la pluma o el lápiz y la goma de borrar), generalmente sin

instrumentos de dibujo auxiliares; ser un apunte rápido de lo que luego llegará a ser un

dibujo definido o la obra de arte final en sí; o plantearse como una primera aproximación o

"ataque" de la obra ya planteada, pero aún no totalmente definida, que se realiza ya con materia pictórica usando pinceles, brochas o espátulas.

3.5 VOLUMEN

Volumen (Artes Visuales). Elemento del lenguaje visual, presente en la variedad de

manifestaciones de las Artes Visuales. El volumen de los cuerpos es el resultado de sus

tres dimensiones: ancho, alto y profundidad. En escultura, se le llama volumen a una

estructura formal tridimensional, así como también volumen a las partes componentes del

todo escultórico, cuando éstas tiene el carácter de masas. En pintura, el volumen es la

sugerencia de peso y masa lograda por medios estrictamente pictóricos que reflejan

características tridimensionales. En arquitectura es el conjunto exterior de un edificio, que

encierra el espacio interior. Las obras de materiales sólidos presentan un volumen real en

sus formas de tres dimensiones. Aparecen otras que son bidimensionales, planas como el

dibujo, la pintura y el grabado, que se presentan ante el espectador estructurado de tal

manera que crean la ilusión de volumen en un espacio, al que se le llama volumen virtual o figurado.

3.6 PLANOS

En el lenguaje audiovisual, el plano es la perspectiva física visual de los personajes,

objetos y elementos de la(s) imagen(es) tal como los capta el observador desde un lugar

determinado, abarcando el cuadro total (de encuadre), o cada corte a lo largo de la

profundidad implícita en la imagen. Mientras el punto de vista se mantenga fijo en un lugar

y no varíe la distancia desde la que se contemplan los objetos en el cuadro, ni cambien

los objetos en el cuadro, se habla de (l) (los) mismo(s) plano(s).

Nos hallamos ante una terminología con origen en la pintura con ampliación posterior en

la cinematografía, y en menor medida en otras artes (fotografía, historieta e ilustración,...).

Su uso es común en las distintas artes visuales, pero muchas veces con distintos

enfoques.

En términos generales se reconocen los siguientes tipos de plano (todas las indicaciones son aproximadas y flexibles):

Según el tamaño del plano:

Plano panorámico, general extremo o gran plano general: muestra un gran escenario. El o

los personajes no aparecen o quedan diluidos en el entorno. Tiene un valor descriptivo y

puede adquirir un valor dramático cuando se pretende destacar la soledad o la pequeñez del hombre en comparación con el entorno.

Plano bajo: muestra un escenario amplio en el cual se incorpora la persona, y ocupa entre

una 1/3 y una 1/4 de la cámara. Tiene un valor descriptivo de personas o un ambiente determinado de valor descriptivo, narrativo o dramático.

Plano entero: cuando los límites superior e inferior del cuadro casi coinciden con la cabeza y los pies.

Plano americano: El Plano americano, o también denominado 3/4, o plano medio largo,

recorta la figura por la rodilla aproximadamente. Es óptimo en el caso de encuadrar a dos

o tres personas que están interactuando. Recibe el nombre de "americano" debido a que

este plano apareció ante la necesidad de mostrar a los personajes junto con sus revólveres en los westerns americanos.

Plano medio: Presenta la figura humana cortada por la cintura. Tiene un valor expresivo y dramático, pero también narrativo.

Plano medio corto: muestra la figura humana (busto) desde el pecho hasta la cabeza.

Primer plano (big close up): va desde las clavículas hacia arriba.

Primerísimo primer plano (close up): muestra desde la barbilla hasta la frente, es un

primer plano muy cerrado.

Plano detalle: se centra en un objeto (un bolígrafo, un despertador, etc.)

Plano de Situación: puede ser de lugar o temporal y se utiliza para localizar la acción tanto

temporal como espacialmente.

3.7 PERSPECTIVA

La perspectiva, palabra proveniente del Latín perspectiva, es el arte de dibujar para

recrear la profundidad y la posición relativa de los objetos comunes. En un dibujo, la

perspectiva simula la profundidad y los efectos de reducción.

Es también la ilusión visual que percibe el observador que le ayuda a determinar la

profundidad y situación de los objetos a distintas distancias. Por analogía, también se

llama perspectiva al conjunto de circunstancias que rodean al observador, y que influyen en su percepción o en su juicio.

3.8 EQUILIBRIO

Los principios del arte son el conjunto de normas o directrices de arte que deben ser

considerados cuando se considera el impacto de una obra de arte.1 2 Se combinan con

los elementos del arte en la producción de arte. Los principios son el movimiento, la unidad, la variedad, equilibrio, contraste, proporción, y el patrón.

Acciones, o, alternativamente, la ruta de la mirada del espectador sigue a lo largo de una

obra de arte. El movimiento es causado por el uso de elementos bajo las normas de los

principios en la foto para dar la sensación de acción y para guiar los ojos del espectador en toda la obra de arte.

3.9 MOVIMIENTO

Un movimiento artístico es una tendencia referente al arte, con una filosofía o estilo

común, seguida por un grupo de artistas durante un periodo de tiempo.

Si está limitado a un grupo de artistas en un lugar y momento concreto, se habla entonces

de una escuela artística; por ejemplo, la escuela sevillana de pintura.

Con la palabra estilo también se alude a las características que unifican o distinguen a un

autor de otro (el estilo personal o la voluntad de estilo, que se hace más marcada en los

genios del arte y en la personalidad de los artistas burgueses, sometidos al mercado de

arte, sobre todo a partir del romanticismo); o, menos usualmente, a la kunstwollen (voluntad de arte o voluntad artística, en expresión de AloisRiegl).

3.10 LUZ

El tratamiento de la luz en el arte es uno de los temas más importantes de las técnicas

artísticas3 de cada una de las artes (especialmente las denominadas artes visuales); así

como de la teoría del arte y de la estética. Ha sido abundantemente tratado por la historiografía del arte.

No solamente se limita a la representación de la luz y su opuesto (la sombra), sino que se

extiende a la consideración de la iluminación adecuada que deben recibir las obras de

arte en su exhibición (una función que cae dentro del ámbito de la museística y el

comisariado artístico de las exposiciones de arte) e incluso al papel de la luz como parte

esencial de determinadas obras de arte en sí mismas.

3.11 TEXTURAS

La textura es la cualidad de una superficie que puede ser vista o sentida. Hay dos tipos de

textura: la óptica (visual) y la textura que se puede tocar (táctil). Las texturas pueden ser

ásperas o suaves, blandas o duras. Las texturas no siempre se sienten como se ven, por

ejemplo, si representamos un cardo lleno de espinas en un cuadro, en realidad si pasáramos la mano por las espinas de la pintura, la textura sería suave.

3.12 COMPOSICIÓN

La composición fue considerada principio fundamental en el arte europeo hasta principios

del siglo XX, cuando es gradualmente desplazada luego de la aparición del concepto de

dadá. El fundamento de la estética formalista, en donde predomina la composición

exclusivamente, fue lenta y trabajosamente desplazado por la preeminencia en el

significado creado en la imagen. La preeminencia de la composición como estructurante

de la obra de arte se vincula más al academicismo del siglo XIX y a las Bellas Artes que al

arte contemporáneo que no admite tales reglas (objeto, performance, instalación, artes

audivisuales, etc.) En la contemporaneidad el fundamento citado para la importancia de la

composición se encuentra en la psicología de la Gestalt, desarrollada a principios del siglo

XX. La composición de las artes visuales son actividades propias del ser humano,

mediante las cuales se satisfacen ciertas necesidades estéticas y prácticas. Constituyen

una unidad orgánica que permite ordenar los elementos conceptuales, visuales y técnicos,

necesarios para el acto creador.1 La composición de las artes visuales es la forma total

con la que se comunica una plástica, la percepción visual es el medio idóneo para acceder a esta comunicación

3.13 SOPORTES

Soporte pictórico es la superficie sobre la que se aplica el color en una pintura. Cumple la

misión de portar el fondo y las capas de pintura. El soporte y el color son los dos

elementos indispensables de este arte. El fondo es la capa de preparación entre el

soporte y la pintura, necesaria en materiales como la piedra o la tela (imprimación).

A lo largo de la historia, se ha pintado sobre una gran variedad de soportes, cada uno de

ellos con sus propias características, como son la textura y absorción. Estas

circunstancias determinan el tipo de pigmento que puede aplicarse y, en general, el

tratamiento del mismo. Los soportes más usuales han sido: paredes (pintura al fresco o

murales), tablas de madera, lienzos y pergamino o papel. El lienzo es el soporte más

extendido de la historia de la pintura, que permite grandes superficies sobre las que pintar

con menos peso.

3.14 MEDIOS O VEHICULOS

El arte digital es una disciplina que agrupa todas las obras artísticas creadas con medios

digitales (especialmente el uso de la computadora). Actualmente una computadora puede

considerarse como algo indispensable en nuestra vida cotidiana, pero al igual que muchos

otros objetos, ¿entendemos cómo funciona? No es este el lugar para explicar cómo

funciona internamente una computadora pero es importante indicar, para entender el arte

digital, que ante todo la computadora es una máquina que procesa y ejecuta algoritmos matemáticos.

¿Por qué es importante esto? Porque en el Arte Digital, la imagen no existe como tal sino es la visualización gráfica de un código invisible a nuestros ojos.

“Con el arte digital postmoderno la imagen pasa a ser una manifestación secundaria -un

epifenómeno material, por así decirlo- del código abstracto que, de este modo, se

convierte en el vehículo principal de la creatividad. Hasta hace poco, el objetivo primordial

de las artes plásticas era la producción de imágenes materiales, y el código inmaterial que guiaba el proceso creativo desempeñaba un papel secundario y a menudo inconsciente”.

3.15 PIGMENTOS

Un pigmento, palabra proveniente provoca tos del Latín pigmentum1 , es un material que

cambia el color de la luz que refleja como resultado de la absorción selectiva del color.

Este proceso físico es diferente a la fluorescencia, la fosforescencia y otras formas de

luminiscencia, en las cuales el propio material emite luz. Muchos materiales

selectivamente absorben ciertas ondas de luz, dependiendo de su longitud de onda. Los

materiales que los seres humanos han elegido y producido para ser utilizados como

pigmentos por lo general tienen propiedades especiales que los vuelven ideales para

colorear otros materiales. Un pigmento debe tener una alta fuerza teñidura relativa a los

materiales que colorea. Además debe ser estable en forma sólida a temperatura ambiente.

Los pigmentos son utilizados para teñir pintura, tinta, plástico, textiles, cosméticos,

alimentos y otros productos. La mayoría de los pigmentos utilizados en la manufactura y

en las artes visuales son colorantes secos, usualmente en forma de polvo fino. Este polvo

es añadido a un vehículo o matriz, un material relativamente neutro o incoloro que actúa

como adhesivo. Para aplicaciones industriales, así como artísticas, la permanencia y la

estabilidad son propiedades deseadas. Los pigmentos que no son permanentes son

llamados fugitivos. Los pigmentos fugitivos se desvanecen con el tiempo, o con la exposición a la luz, mientras que otros terminan por ennegrecer.

Generalmente se hace distinción entre un pigmento, el cual es insoluble en el vehículo

(formando una suspensión), y un tinte, el cual o es un líquido o es soluble en el vehículo

(resultando en una solución). Un colorante puede ser un pigmento o un tinte dependiendo

del vehículo en el que se usa. En algunos casos, un pigmento puede ser fabricado a partir

de un tinte precipitando un tinte soluble con una sal metálica.

Los pigmentos han sido utilizados desde tiempos prehistóricos, y han sido fundamentales

en las artes visuales a lo largo de la Historia. Los principales pigmentos naturales

utilizados son de origen mineral o biológico. La necesidad de conseguir pigmentos menos

costosos dada la escasez de algunos colores, como el azul, propició la aparición de los pigmentos sintéticos.

3.16 TÉCNICAS DE DIBUJO

Los tipos de técnica de dibujo constituyen el procedimiento a seguir según cual sea el

objeto tendiente a ser representado o de acuerdo al enfoque pretendido de la ilustración.

Dependiendo del caso, cada sistema deberá aportar soluciones para un asunto

determinado, ya que el dibujo no se reduce simplemente a la traducción gráfica de la

realidad, sino que incluye en sí mismo la forma en la que se desarrolla, los materiales

utilizados y la superficie soporte de la ilustración. Algunas de las técnicas de dibujo más utilizadas son:

Técnica a lápiz: Se aplica en dos grandes etapas. La primera tendiente a dibujar las líneas

que oficiarán de esqueleto del dibujo, y la segunda que abordará el sombreado. Existen

distintas graduaciones de lápices que harán su trazo más o menos duro, e influirán

directamente en la técnica de sombreado, que puede ser en un zigzagueo abierto, en

líneas paralelas o en líneas dispares. Otras variantes de sombreado, aunque menos

utilizadas, son el circulismo y el suavizado, consistente en pasar un papel o una tela sobre el grafito del dibujo.

Técnica a tinta: Puede darse por la utilización de tinta china o una lapicera. En este caso

el trazo es más lineal que cuando se desarrolla con lápiz, y las valoraciones tonales son

más profundas, merced de un aprovechamiento del saturado de la tinta. Puede utilizarse

sobre un boceto realizado con grafito, si se busca una ilustración más curvilínea y no tan

estricta, como la que suele brindar la técnica a tinta. Una ventaja sustancial de ésta es que pueden desarrollarse varias capas, luego de que el tono secó sobre el papel.

Técnica de acuarela: Es utilizada para realizar pintura artística y recreativa. Trabaja

rebajada en agua, generalmente sobre papel, tela o madera. La acuarela deberá ser

aplicada con pinceles de pelo, que sirven para dominar el pigmento. La superficie sobre la

que se llevará a cabo el dibujo deberá ser resistente al agua, y es posible trabajar capa

sobre capa. La primera, también llamada base, deberá pintarse con delicados repasos

horizontales, y en colores de la gama del blanco y negro habitualmente, mientras que en

la segunda ya se aplica el color sobre color. También puede tener lugar la técnica de

húmedo sobre húmedo, que se logra pintando sobre una base mojada, con el pincel excesivamente cargado.

Técnica de aerógrafo: Consiste en la pintura por aspersión, utilizando un aerógrafo para

esparcir el color sobre la superficie. Es una técnica reservada a aquellos artistas con

cierto nivel de entrenamiento, y es valorada por la posibilidad que brinda de aplicarla

sobre superficies poco uniformes. Es un método que trascendió el arte, y alcanzó la

pintura automotriz o inmobiliaria.

3.17 TÉCNICAS PINTURICAS

Las técnicas de pintura se dividen de acuerdo a cómo se diluyen y fijan los pigmentos

sobre el soporte a pintar. En general, si los pigmentos no son solubles en el aglutinante

permanecen dispersos en él. Si el artista piensa en la perdurabilidad de su obra debe conocer las técnicas a emplear.

Algunas de las técnicas de pintura son las siguientes:

ACUARELA: Cuando el vehículo empleado para fijar el pigmento es, en la mayoría de los

casos, goma arábiga y el solvente es el agua. Las acuarelas son pigmentos muy

finamente molidos y aglutinados en goma arábiga, que se obtiene de las acacias. La

goma se disuelve fácilmente en agua y se adhiere muy bien al papel (soporte por

excelencia para la acuarela). La goma además actúa como barniz, claro y delgado, dando

mayor brillo y luminosidad al color. En un principio la goma arábiga se usaba sola, pero

más tarde se añadieron otros componentes para retrasar el secado y añadir

transparencia. La acuarela requiere la artista seguridad en los trazos y espontaneidad en

la ejecución, ya que su mayor mérito consiste en la frescura y transparencia de los

colores. Son pinturas a base de pigmentos muy diminutos los cuales en la mayoría de los casos la acuarela es disuelta en agua y los colores son claros.

Gouache: Al gouache o "aguada" se le llama también "el color con cuerpo". Es una pintura

al agua, opaca, hecha con pigmento molido menos fino que el de las acuarelas, y por ello

es menos transparente. Al igual que la acuarela, su medio —o aglutinante— es la goma

arábiga, aunque muchos gouaches modernos contienen plástico. El medio está ampliado

con pigmento blanco, que es lo que lo hace más opaco, menos luminoso y menos

transparente que la acuarela, pero a cambio los colores producidos son más sólidos.

Aerografía: En esta técnica se usan pinturas acrílicas en aerosol o espray, además de

esmaltes, ya que con este método la pintura se vuelve mucho más desgastada. Cuando a

la pintura no se le incorporan estos difusores y se deja caer por gravedad esta técnica se denomina dripping

Pintura al pastel: Los pasteles son pigmentos en polvo mezclados con la suficiente goma

o resina para aglutinarlos formando una pasta seca y compacta. La palabra pastel deriva

de la pasta con la que se elaboran estas pinturas. Esta pasta se moldea en la forma de

una barrita del tamaño aproximado de un dedo, que se usa directamente sobre la

superficie al trabajar (generalmente papel o madera). Son colores fuertes y opacos cuya

mayor dificultad es la adhesión del pigmento a la superficie al pintar, por ello suelen

usarse al finalizar el dibujo fijadores atomizados (spray) especiales. El pastel

generalmente se usa como el "crayón" o el "grafito" (lápiz), y su recurso expresivo más

afín es la línea con la cual se pueden hacer tramas. También suele usarse el polvo que

tiende a soltar el pastel (semejante al de la "tiza") para aplicar color.

Temple al huevo: Cuando el aglutinante es una emulsión, generalmente de yema de

huevo, agua y aceite. Tradicionalmente se mezcla la yema con el agua y el aceite, pero

también se puede formar una emulsión con harina e incluso con yeso. Grandes obras

maestras como por ejemplo El nacimiento de Venus de Sandro Botticelli se han realizado utilizando la técnica del temple al huevo.

Fresco: A menudo el término fresco se usa incorrectamente para describir muchas formas

de pintura mural. El verdadero fresco es a las técnicas pictóricas modernas lo que el latín

es a los idiomas modernos. La técnica del fresco se basa en un cambio químico: los

pigmentos de tierra molidos y mezclados con agua pura, se aplican sobre una argamasa

reciente de cal y arena, mientras la cal está aún en forma de hidróxido de calcio. Debido

al dióxido de carbono de la atmósfera, la cal se transforma en carbonato cálcico, de

manera que el pigmento cristaliza en el seno de la pared. Los procedimientos para pintar

al fresco son sencillos pero laboriosos, y consumen muchísimo tiempo. En la preparación de la cual se tardaba dos años.

Tinta: La presentación de la tinta, también llamada "tinta china", es generalmente líquida

aunque también puede ser una barra muy sólida que debe ser molida y diluida

previamente. Se usa sobre papel, y los colores de tinta más empleados son el negro y el

"sepia", aunque actualmente se usen muchos otros más. La tinta se aplica de diversas

maneras, por ejemplo con plumas o plumillas que son más adecuadas para dibujo o

caligrafía, y no para pinturas. Las diferentes puntas de plumillas se utilizan cargadas de

tinta para hacer líneas y con ellas dibujar o escribir. Otro recurso para aplicar la tinta es el

pincel, que se maneja básicamente como la acuarela y que se llama aguada, no obstante

la técnica milenaria llamada caligrafía o escritura japonesa también se realiza con tinta y

pincel sobre papel. Otras formas más utilitarias de usar la tinta son en tiralíneas (cargador de tinta) o rapidograph. La tinta junto al grafito es más bien técnico de dibujo.

La tinta neutra es una técnica frecuente en la restauración de pintura mural. Se utiliza

cuando el restaurador se encuentra con grandes pérdidas y desconoce cómo era el

original. Consiste en aplicar un color uniforme en la zona perdida, que no moleste en

exceso y que entone con el colorido general de la obra.

Técnicas mixtas: Cuando se emplean diversas técnicas en un mismo soporte. El collage,

por ejemplo, es una técnica artística (no pictórica por no ser pintada), se convierte en una técnica mixta cuando tiene intervenciones con gouache, óleo o tinta.

Como muestra de sus posibilidades artísticas, se cita la Técnica introducida por el pintor

Carlos Benítez Campos desde principios de siglo, la cual consiste en pintar al óleo un

acontecimiento cualquiera de la época, sobre el papel pegado de las noticias en prensa que lo publican.

Sería conveniente distinguir entre "procedimiento pictórico" y "técnica pictórica". Se

entiende por procedimiento pictórico la unión de los elementos que constituyen el

aglutinante o adhesivo, y los pigmentos. La forma de aplicar ese procedimiento pictórico se denomina "técnica pictórica".1

El Décollage designa a la técnica opuesta al collage.

3.18 TÉCNICAS DE GRABADO.

El grabado es una disciplina artística en la que el artista utiliza diferentes técnicas de

impresión, que tienen en común el dibujar una imagen sobre una superficie rígida,

llamada matriz, dejando una huella que después alojará tinta y será transferida por

presión a otra superficie como papel o tela, lo que permite obtener varias reproducciones

de la estampa.

Dependiendo de la técnica utilizada, la matriz puede ser de metal (tradicionalmente cobre

o cinc), madera, linóleo o piedra, sobre cuya superficie se dibuja con instrumentos

punzantes, cortantes o mediante procesos químicos. Actualmente también se utilizan

placas de diferentes materiales sintéticos que se pueden grabar de manera tradicional con

punzones o mediante procedimientos fotográficos, digitales o láser.

Se denomina también grabado a la inscripción de texto realizada en una plancha, piedra o

metal, aunque no tenga por fin realizar copias.

3.19 GENEROS PICTORICOS

Género artístico es una especialización o división con criterios formales y temáticos en

que se suelen categorizar las diversas artes. Para el DRAE es una forma de agrupar las

obras de arte, ordenándolas en "distintas categorías o clases... según rasgos comunes de forma y de contenido".

3.19.1 DESNUDO

El desnudo es un género artístico nota que consiste en la representación en diversos

medios artísticos —pintura, escultura o, más recientemente, cine y fotografía— del cuerpo

humano desnudo. Es considerado una de las clasificaciones académicas de las obras de

arte. La desnudez en el arte ha reflejado por lo general los estándares sociales para la

estética y la moralidad de la época en que se realizó la obra. Muchas culturas toleran la

desnudez en el arte en mayor medida que la desnudez en la vida real, con diferentes

parámetros sobre qué es aceptable: por ejemplo, aun en un museo en el cual se muestran

obras con desnudos, en general no se acepta la desnudez del visitante. Como género, el

desnudo resulta un tema complejo de abordar por sus múltiples variantes, tanto formales

como estéticas e iconográficas, y hay historiadores del arte que lo consideran el tema más importante de la historia del arte occidental

3.19.2 PINTURA DE GÉNERO

La pintura de género o pintura costumbrista es un tipo de obra artística, principalmente

pictórica, en la que se representa a personas normales en escenas cotidianas, de la calle

o de la vida privada, contemporáneas al autor. Lo que distingue a la pintura de género es

que representa escenas de la vida diaria, como los mercados, interiores, fiestas, tabernas

y calles. Tales representaciones pueden ser realistas, imaginarias o embellecidas por el

artista. El origen del término se encuentra en Diderot, que en sus Essais sur la peinture

(1766) calificó de genre la pintura de paisajes, bodegones y escenas de la vida cotidiana.

Poco más tarde se extendió y generalizó con Quatremère de Quincy, quien reservó el

concepto peinture de genre para las escenas de la vida cotidiana.

3.19.3 HISTORICA – NARRATIVA

La pintura de historia, o pintura histórica, es un género pictórico que se inspira en escenas

con eventos de la historia cristiana, de la historia antigua (mesopotámica, egipcia, griega,

romana...), de la mitología o de los acontecimientos históricos recientes. Igualmente, se

incluye en este género la alegoría y aquellos cuadros que toman su narración no de la

historia sino de la literatura. Es decir, se le llama «histórica» no porque represente exclusivamente acontecimientos históricos sino porque narra una historia.

3.19.4 NATURALEZA MUERTA

Un bodegón, también conocido como naturaleza muerta, es una obra de arte que

representa animales, flores y otros objetos, que pueden ser naturales (frutas, comida,

plantas, rocas o conchas) o hechos por el hombre (utensilios de cocina, de mesa o de

casa, antigüedades, libros, joyas, monedas, pipas, etc.) en un espacio determinado. Esta

rama de la pintura se sirve normalmente del diseño, el cromatismo y la iluminación para producir un efecto de serenidad, bienestar y armonía.

Con orígenes en la antigüedad y muy popular en el arte occidental desde el siglo XVII, el

bodegón da al artista más libertad compositiva que otros géneros pictóricos como el

paisaje o los retratos. Los bodegones, particularmente antes de 1700, a menudo

contenían un simbolismo religioso y alegórico en relación con los objetos que

representaban. Algunos bodegones modernos rompen la barrera bidimensional y emplean

técnicas mixtas tridimensionales, usando asimismo objetos encontrados, fotografía, gráficas generadas por ordenador o sonido y vídeo.

3.19.5 PAISAJE

Paisaje o país es el nombre que la historiografía del arte da al género pictórico que

representa escenas de la naturaleza, tales como montañas, valles, árboles, ríos y

bosques. Casi siempre se incluye el cielo (que recibe el nombre técnico de celaje), y las

condiciones atmosféricas pueden ser un elemento importante de la composición. Además

del paisaje natural, también se trata, como un género específico, el paisaje urbano.

Tradicionalmente, el arte de paisajes plasma de forma realista algún paisaje real, pero

puede haber otros tipos de paisajes, como los que se inspiran en los sueños (paisaje onírico, muy usado en el surrealismo).

En la historia de la pintura, el paisaje fue adquiriendo poco a poco cada vez más

relevancia, desde su aparición como fondo de escenas de otros géneros (como la pintura

de historia o el retrato) hasta constituirse como género autónomo en la pintura holandesa del siglo XVII. También es un motivo esencial para la pintura japonesa.

Dentro de la jerarquía de los géneros, el paisaje ocupaba un lugar muy bajo, superior sólo

al bodegón.

3.19.6 RELIGIOSO

La pintura religiosa es aquella que tiene como tema las representaciones de los textos

sagrados, especialmente dentro de los tres monoteísmos. Es un subgénero dentro de la

categoría general de pintura de historia caracterizada, en Europa, por tomas las escenas

que representa del Antiguo o el Nuevo Testamento, así como las vidas de los santos y

otros textos apócrifos cristianos. Es un género ampliamente desarrollado, que constituye

una parte muy importante de la producción artística de los pintores en determinadas

épocas. La pintura religiosa se desarrolla principalmente en tres grandes culturas

monoteístas: cristianismo, judaísmo y musulmán. Cada una de estas culturas desarrolla los cuadros de diferentes maneras.

3.19.7 RETRATO

Un retrato (del latín retractus) es una pintura o efigie principalmente de una persona.

También se entiende por retrato la descripción de la figura o carácter, o sea, de las cualidades físicas o morales de una persona.1

Por lo tanto, la primera definición de retrato es aquella que se refiere a la expresión

plástica de una persona a imitación de la misma, lo que ocurre en la pintura, la escultura y

la fotografía. En un retrato predomina la cara y su expresión. Se pretende mostrar la

semejanza, personalidad e incluso el estado de ánimo de la persona. Por esta razón, en

fotografía un retrato no es generalmente una simple foto, sino una imagen compuesta de

la persona en una posición quieta.

Los retratos cumplen diferentes funciones. Los retratos de dirigentes, en política se suelen

usar como símbolo del Estado. En la mayoría de los países es habitual en el protocolo

que haya un retrato del jefe de Estado en todos los edificios públicos. Si se abusa de este

tipo de retratos puede ser un síntoma de culto a la personalidad. Existe también la

voluntad de perpetuar el recuerdo de una persona y de crear una imagen histórica del comitente.

3.19.8 OTRAS.

Para mayor apoyo revise el siguiente video:

https://www.youtube.com/watch?v=n_eldLsrsYw

Practica 3:

Del video menciona lo más importante y realiza un dibujo explicando que es para

usted lo que representa cada concepto estudiado en la unidad.

Guarde el archivo en Word como: 3. LA PINTURA

Practica 3.1:

Realice un paisaje de la naturaleza utilizando 5 colores distintos.

Tome una foto y guarde el archivo en .jpgcomo: 3.1 LA PINTURA COMO PAISAJE.

UNIDAD 4: HISTORIA DE LA PINTURA

4.1 ARTE RUPESTRE.

Una pintura rupestre es todo dibujo o boceto prehistórico que existe en algunas rocas y

cavernas. El término «rupestre» deriva del latín rupestris, y éste de rupes (roca). De modo

la de oz que, en un sentido estricto, rupestre haría referencia a cualquier actividad

humana sobre las paredes de cavernas, covachas, abrigos rocosos e, incluso farallones o

barrancos, entre otros. Desde este aspecto, es prácticamente imposible aislar las

manifestaciones pictóricas de otras representaciones del arte prehistórico como los

grabados, las esculturas y los petroglifos, grabados sobre piedra mediante percusión o

erosión. Al estar protegidas de la erosión por la naturaleza del soporte, las pinturas

rupestres han resistido el pasar de los siglos.

Se trata de una de las manifestaciones artísticas más antiguas de las que se tiene

constancia, ya que, al menos, existen testimonios datados hasta los 40.000 años de

antigüedad, es decir, durante la última glaciación. Por otra parte, aunque la pintura

rupestre es esencialmente una expresión espiritual primitiva, ésta se puede ubicar en casi

todas las épocas de la historia del ser humano y en todos los continentes exceptuando la

Antártida. Las más antiguas manifestaciones y las de mayor relevancia se encuentran en

España y Francia. Se corresponden con el periodo de transición del Paleolítico al

Neolítico. Del primero de los periodos citados son las extraordinarias pinturas de la Cueva de Altamira, situadas en Santillana del Mar, Cantabria (España).

4.2 EGIPTO.

La pintura del Antiguo Egipto fue eminentemente simbólica, funeraria y religiosa. La

técnica pictórica de los egipcios fue un precedente de la pintura al fresco o témpera, ya

que hacían de los pigmentos naturales, extraídos de tierras de diferentes colores, una

pasta de color, que mezclaban con clara de huevo y disolvían con agua para poder

aplicarlo sobre los muros, revestidos con una capa de tendido "seco" de yeso.

Sus procedimientos fueron el fresco, el temple, el encausto y a veces también el esmalte

en joyas, amuletos, escarabajos, estatuillas de respondientes y azulejos de revestimiento

en muros interiores. Sus colores fueron vivos y variados en cada escena y las más

antiguas pinturas parietales decorativas que se conocen fueron polícromas, y de colorido

uniforme. Los tintes base se obtenían: el negro, del carbón, el blanco, de la cal o de yeso,

el amarillo y rojo-ladrillo, del ocre natural del desierto, el verde, de la malaquita y el azul,

del lapislázuli.

Los egipcios pintaban los bajorrelieves los cuales, por su escasa profundidad, propician la

identificación con la escultura y el arte pictórico. A partir de la dinastía IV la pintura sobre

los muros de las tumbas es sustituida por bajorrelieves, adoptando sus principales convenciones.

4.3 GRECIA.

Con anterioridad a la formación del arte griego en sí hubo en territorios de la antigua

Grecia un arte que se ha llamado prehelénico, conservadas tan sólo en ruinas de edificios

de la época y sobre estuco, representando paisajes, acciones guerreras y ceremonias

cortesanas o religiosas cuyas figuras aunque imperfectas revelan notable expresión y

vida. En las decoraciones de vasijas se presenta raras veces la figura humana y siempre

estilizada y de escasos detalles.

En cuanto a la pintura griega, el conocimiento de sus artistas se debe casi por entero a los

antiguos historiadores, pues no se conserva de ella ni un solo cuadro ni se conoce obra

alguna de los famosos Zeuxis, Parrasio y Apeles, considerados desde la antigüedad los

pintores por antonomasia. Las obras pictóricas griegas que al presente se conocen y

conservan consisten únicamente en decoraciones de ánforas y de otras elegantes vasijas

salvo algunos mosaicos de pavimento y placas de arcilla pintadas y sin contar las obras de pintura romana en que intervino mano griega.

4.4 ROMA.

Los procedimientos usados en esta pintura debieron ser el encausto, el temple y el fresco.

Aunque se sabe que los romanos desarrollaron la pintura sobre tabla, los restos pictóricos

conocidos más importantes son de tipo mural, frescos protegidos con una capa de cera que avivaba los colores.

Sus géneros, el decorativo de vajillas y muros y el histórico y mitológico en los cuadros

murales. Y aunque los descubiertos hasta el presente ofrecen más que todo un carácter

decorativo llegan a ser verdaderas composiciones pictóricas y se juzga con fundamento

que hubo también otros de pintura independiente a semejanza de los actuales de tabla o

de caballete. Se cultivaron con dicho carácter decorativo mural el paisaje, la caricatura, el

retrato, los cuadros de costumbres, las imitaciones arquitectónicas y las combinaciones

fantásticas de objetos naturales constituyendo con estas últimas el género que los artistas

del Renacimiento llamaron grutesco, hallado en las antiguas Termas de Tito y que sirvió al

célebre Rafael como fuente de inspiración para decorar las Logias del Vaticano. Hay que

citar los retratos pintados. En el Egipto romano se descubrió una excelente colección de

retratos sobre tabla, realizados para ser colocados sobre las momias. Igualmente en

Pompeya, y pintados al fresco, se descubrieron magníficos retratos como los del Panadero y su esposa, o el de una muchacha, ambos en el Museo de Nápoles.

4.5 EDAD MEDIA.

Pintura medieval es el término genérico con el que puede designarse a las producciones pictóricas del arte medieval.

La Edad Media es un periodo histórico que tiene validez fundamentalmente para la civilización occidental (siglo V al siglo XV).

En las civilizaciones no occidentales se desarrolló contemporáneamente, aunque sin

relación entre sí, el arte pictórico; sobre todo en Extremo Oriente (pintura china, pintura

japonesa -arte del Japón-), y también en zonas de la América Precolombina (pintura maya

-cultura maya-). El arte islámico estuvo mucho más directamente vinculado con el arte

occidental, y con una extendida presencia en Próximo Oriente y el Norte de África (desde

el siglo VII) y en larely Península Ibérica (desde el siglo VIII -arte andalusí-); pero la

pintura islámica no tuvo (por razones religiosas -prohibición de representar figuras

humanas-) un desarrollo comparable al efectuado en el arte cristiano a partir de la pintura paleocristiana (arte paleocristiano).

A pesar de que pueden rastrearse algunos vagos recuerdos o elementos de continuidad

de la pintura medieval con el arte clásico grecorromano (como por ejemplo, el drapeado

de los paños o algunas convenciones de representación de la figura humana), lo que predomina es una radical.

4.6 RENACIMIENTO.

La pintura renacentista abarca el período de la historia del arte europeo entre el arte de la

Edad Media y el barroco.

Como todo el arte del Renacimiento, la pintura de esta época está relacionada con la idea

de volver a la antigüedad clásica, el impacto que tuvo el humanismo sobre artistas y sus patronos, gracias a la adquisición de nuevas sensibilidades y técnicas artísticas.

4.7 BARROCO

La pintura barroca es la pintura relacionada con el movimiento cultural barroco. El

movimiento a menudo se le identifica con el absolutismo, la Contrarreforma y el

renacimiento católico, pero la existencia de importante arte y arquitectura barrocos en

países no absolutistas y protestantes por toda Europa Occidental evidencian su amplia

popularidad. La pintura adquirió un papel prioritario dentro de las manifestaciones

artísticas, y llegó a ser la expresión más característica del peso de la religión en los

países católicos y del gusto burgués en los países protestantes.

La mejor y más importante pintura durante el período que comienza alrededor del año

1600 y continúa a lo largo de todo el siglo XVII, y a principios del siglo XVIII se identifica

hoy como pintura barroca. El arte barroco se caracteriza por el realismo, los colores ricos

e intensos, y fuertes luces y sombras. En oposición al arte renacentista, que normalmente

mostraba el momento anterior a ocurrir cualquier acontecimiento, los artistas barrocos

elegían el punto más dramático, el momento en que la acción estaba ocurriendo: Miguel

Ángel, que trabajó durante el Alto Renacimiento, muestra a su David compuesto y quieto

antes de luchar contra Goliat; el David barroco de Bernini es captado en el acto de lanzar

la piedra contra el gigante. El arte barroco pretendía evocar la emoción y la pasión en lugar de la tranquila racionalidad que había sido apreciada durante el Renacimiento.

Entre los más grandes pintores del período barroco se encuentran Caravaggio,

Rembrandt, Rubens, Velázquez, Poussin y Vermeer.8 Caravaggio es heredero de la

pintura humanista del Alto Renacimiento. Su enfoque realista de la figura humana, pintada

directamente del natural e iluminada dramáticamente contra un fondo oscuro, sorprendió

a sus contemporáneos y abrió un nuevo capítulo en la historia de la pintura. La pintura

barroca a menudo dramatiza las escenas usando los efectos lumínicos del claroscuro;

esto puede verse en obras de Rembrandt, Vermeer, Le Nain y La Tour. El pintor flamenco

Antón Van Dyck desarrolló un estilo de retrato cortesano, con gracia, que influyó mucho, especialmente en Inglaterra.

4.8 NEOCLASICO

La pintura neoclásica es un movimiento pictórico nacido en Roma en la década de 1760 y

que se desarrolló en toda Europa, arraigando especialmente en Francia hasta

aproximadamente 1830, en que el Romanticismo pasó a ser la tendencia pictórica dominante.

El Neoclasicismo se sitúa entre el Rococó y el Romanticismo. Pero en muchas ocasiones,

el tránsito de uno a otro estilo no es fácil, porque tienen rasgos semejantes. Si lo

característico del Neoclasicismo era revivir otra época, en concreto la Antigüedad clásica,

realmente no se diferencia de intentar recrear la Edad Media o la vida en países

orientales, pues en ambos casos se recurría a temas exóticos, ajenos a la realidad de la sociedad en la que el pintor trabaja.

4.9 ROMANTICISMO

La pintura romántica sucede a la pintura neoclásica de finales del XVIII, con unos nuevos

gustos desarrollados por todas las facetas artísticas del Romanticismo como la literatura,

la filosofía y la arquitectura. Está hermanada con los movimientos sociales y políticos, que

ganaron cuerpo con la Revolución francesa. El término romántico, surgido en el Reino

Unido en el siglo XVII para referirse a la novela, fue adaptado a principios del siglo XIX a

las artes plásticas, en contraposición al neoclasicismo imperante. El romanticismo en la

pintura se extiende desde 1770 hasta 1870, prácticamente cien años, distinguiéndose tres periodos:

1.1770-1820 o prerromanticismo

2. El apogeo del romanticismo pictórico se da, aproximadamente, entre 1820 (hay fuentes que señalan 1815) y 1850 (o, por adoptar una fecha simbólica, 1848).

3.1850-1870 o tradición post-romántica

Cada uno de estos períodos posee sus particularidades en cuantos lugares en que se desarrolló o artistas que lo adoptaron.

4.10 IMPRESIONISMO

Impresionismo es la denominación de un movimiento artístico definido inicialmente para la

pintura impresionista, a partir del comentario despectivo de un crítico de arte (Louis Leroy)

ante el cuadro Impresión, sol naciente de Claude Monet, generalizable a otros expuestos

en el salón de artistas independientes de París entre el 15 de abril y el 15 de mayo de

1874 (un grupo en el que estaban Camille Pissarro, Edgar Degas, Pierre-Auguste Renoir,

Paul Cézanne, Alfred Sisley y Berthe Morisot). Aunque el adjetivo "impresionista" se ha

aplicado para etiquetar productos de otras artes, como la música (impresionismo musical -

Debussy-) y la literatura (literatura del Impresionismo -hermanos Goncourt-), sus

particulares rasgos definitorios (luz, color, pincelada, plenairismo) lo hacen de muy difícil

extensión, incluso para otras artes plásticas como la escultura (Rodin) y la arquitectura; de

tal modo que suele decirse que el Impresionismo en sentido estricto sólo puede darse en

pintura y quizá en fotografía (pictorialismo) y cine (cine impresionista francés o première avant-garde: Abel Gance, Jean Renoir -hijo del pintor impresionista Auguste Renoir-).

El movimiento plástico impresionista se desarrolló a partir de la segunda mitad del siglo

XIX en Europa —principalmente en Francia— caracterizado, a grandes rasgos, por el

intento de plasmar la luz (la «impresión» visual) y el instante, sin reparar en la identidad

de aquello que la proyectaba. Es decir, si sus antecesores pintaban formas con identidad,

los impresionistas pintaban el momento de luz, más allá de las formas que subyacen bajo

este. Fue clave para el desarrollo del arte posterior, a través del postimpresionismo y las vanguardias.

4.11 SIGLO XX

Pintura contemporánea es un término de la historiografía del arte utilizado de forma muy

ambigua en la bibliografía, las instituciones y el mercado de arte, como ocurre con los de arte contemporáneo, escultura contemporánea o arquitectura contemporánea.

Puede referirse a la pintura de la Edad Contemporánea, o limitarse a la del siglo XX, o al periodo posterior a la Segunda Guerra Mundial (1945).

Para mayor confusión, se utiliza también muy extensamente el concepto de pintura moderna, tanto en oposición como en identificación con él

4.12 EL ARTE DEL SIGLO XIX Y XX EN MÉXICO.

El arte mexicano consta de una variedad de artes visuales que se han desarrollado en el área geográfica ahora conocida como México. El desarrollo de estas artes ha seguido a la historia de México, con la era Mesoamericana, el periodo colonial, el periodo después de la independencia de México y otros acontecimientos.1 El arte mesoamericano fue producido en la zona que abarca gran parte de lo que es ahora el centro y el sur de México, durante un periodo de 300 años antes de la conquista de México que abarcó desde 1500 AC hasta 1500 de nuestra era. Durante este tiempo, todos los factores que influyeron en el arte fueron los indígenas, con el arte fuertemente ligado a la religión y las clases dominantes, no hubo una verdadera distinción entre el arte, la arquitectura y la escritura. La conquista española dio lugar a 300 años de dominio, pero no modificó el sentido del arte ligado a la religión, la mayoría del arte fue asociado con la construcción y decoración de las iglesias, así como la justificación religiosa de continuar con el gobierno español. Casi todo el arte fue producido con la tradición europea, pero se mantuvieron los elementos indígenas, a partir de un equilibrio entre las tradiciones europeas y las indígenas.2 Después de la independencia, el arte mantuvo fuertemente el estilo europeo, pero los temas indígenas comenzaron a aparecer más, ya que se necesitaba una distinción del México actual y su pasado colonial. Esta preferencia de elementos indígenas continúo hasta mitades del siglo XX, con el muralismo mexicano, liderado por artistas como Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros, José Clemente Orozco y Fernando Leal. La fuerza de este movimiento artístico fue tal que afectó a otras artes que estaban iniciando, como la fotografía y las artesanías, fuertemente promovidas como parte de la identidad mexicana. Desde la década de 1950, el arte mexicano rompió con el estilo muralista y ha sido más globalizado; un ejemplo es la integración de elementos asiáticos, con artistas mexicanos y directores de cine que tienen un efecto en el escenario mundial. Para mayor apoyo revise el siguiente video:

https://www.youtube.com/watch?v=Cu78O15Gcr0

Practica 4:

Del video realice un resumen de lo más importante.

Guarde el archivo en Word como: 4. LA HISTORIA DE LA PINTURA

Practica 4.1:

De los distintos tipos de pintura estudiados en la unidad investigue uno de cada uno y

realice una presentación en powerpoint de cada ejemplo.

Guarde el archivo en Power Point como: 4.1. LOS TIPOS DE PINTURA

UNIDAD 5: HISTORIA DE LA MÚSICA.

5.1 ELEMENTOS DEL FENÓMENO MUSICAL SOCIALIZADO.

La organización coherente de los sonidos y los silencios (según una forma de percepción)

nos da los parámetros fundamentales de la música, que son la melodía, la armonía y el

ritmo. La manera en la que se definen y aplican estos principios, varían de una cultura a otra (también hay variaciones temporales).

La melodía es un conjunto de sonidos —concebidos dentro de un ámbito sonoro

particular— que suenan sucesivamente uno después de otro (concepción horizontal), y

que se percibe con identidad y sentido propio. También los silencios forman parte de la

estructura de la melodía, poniendo pausas al "discurso melódico". El resultado es como

una frase bien construida semántica y gramaticalmente. Es discutible —en este sentido—

si una secuencia dodecafónica podría ser considerada una melodía o no. Cuando hay dos o más melodías simultáneas se denominan contrapunto.

La armonía, bajo una concepción vertical de la sonoridad, y cuya unidad básica es el

acorde o tríada, regula la concordancia entre sonidos que suenan simultáneamente y su enlace con sonidos vecinos.

La métrica, se refiere a la pauta de repetición a intervalos regulares, y en ciertas ocasiones irregulares, de sonidos fuertes o débiles y silencios en una composición.

El ritmo, es el resultado final de los elementos anteriores, a veces con variaciones muy

notorias, pero en una muy general apreciación se trata de la capacidad de generar

contraste en la música, esto es provocado por las diferentes dinámicas, timbres, texturas

y sonidos. En la práctica se refiere a la acentuación del sonido y la distancia temporal que hay entre el comienzo y el fin del mismo o, dicho de otra manera, su duración.

Otros parámetros de la música son: la forma musical, la textura musical y la instrumentación

5.2 FUNCIONES DE LA MÚSICA

Una función diatónica o simplemente función, en la música tonal, es el papel específico y reconocido de cada nota y acorde en relación a la tonalidad.

Si pudiésemos elegir a alguien para ser el precursor de aquello que llamamos “Armonía

Funcional” este sería Jean Philippe Rameau. Su obra tuvo como adeptos y seguidores a

diversos músicos contemporáneos y de generaciones futuras, cuyo uno de los principales

exponentes fue Hugo Riemann, que adaptó e innovó la teoría harmónica de Rameau,

alterando e introduciendo nuevos principios y conceptos, originando así, en 1887, su

teoría funcional, creada para analizar la música tonal de una manera diferente de aquella

creada por Rameau. La importancia de los bajos de los acordes pasan a dar lugar las

funciones tonales de tónica (estable), dominante (inestable) y subdominante (medio estable - puente de enlace entre ambas).

Partido de ese principio, los acordes que aparecen en una determinada tonalidad pueden

ser interpretados como funciones tonales o variaciones de ella (dominantes secundarios,

diminutos dominantes, acordes de emprestimo modal, entre otros), y no más como modulaciones pasajeras.

Esa teoría vino a ser publicada en Brasil por el compositor, profesor y musicólogo alemán, naturalizado brasileño, Hans-JoachimKoellreutter.

En los E.U.A, conforme al desarrollo de los géneros popular y clásico, se creó una

armonía particular a cada estilo y comienzan a surgir nuevas ideas, basadas en esa

nueva concepción de armonía. La teoría funcional de Arnold Schoenberg, por ejemplo,

presenta los conceptos de tres funciones tonales básicas: tónica (indica

reposo/resolución), subdominante (indica eliminación de la tónica) y dominante (indica tensión/direccionamiento para la tónica).

Sin embargo, algunos libros y cursos lanzados en Brasil llevan a esta nueva concepción

de armonía como armonía funcional, que a pesar de su similitud con Riemann, que

analiza la música clásica europea, al igual que Bach y Mozart, lleva el mismo nombre.

Libros de armonía funcional como el de Almir Chediak, tratan de armonía funcional

basada en cifras y escalas modales, diferente de Riemann. En el libro de Ian Guest

(armonía II), este hace una introducción a las teorías de las funciones de Riemann, pero no cita fuentes.

5.3 MÚSICA EN LAS BELLAS ARTES.

Existen distintas definiciones de Música:

Arte que combina los sonidos conforme a los principios de la melodía, la armonía, el ritmo

y el timbre.

Movimiento organizado de sonidos a través de un espacio de tiempo.

La música a igual que la escultura, la literatura, la pintura, la arquitectura, la danza y el

teatro, está considerada dentro del campo de la Bellas Artes. Pero difiere de las demás ya

que no se puede ver ni palpar, sólo puede expresar sentimientos y emociones. Se dice que entra por los oídos, toca el corazón y el espíritu de quien la escucha.

La diferencia entre la música y las otras artes está en los elementos que cada

manifestaciónartística emplea, aunque todas tienen la finalidad de hacer más agradable y fácil la convivencia humana, para mostrar la forma más bella de la comunicación.

5.4 CLASIFICACIÓN DE LA MUSICA.

La música forma parte de la vida del hombre desde que es hombre, y es uno de los

rasgos que le caracterizan y diferencian de otros seres vivos. Está presente en muchas

facetas de nuestra vida, a veces de forma voluntaria y otras de manera inconsciente y

subliminal, desarrollando funciones diversas. La clasificación de la música en distintas

categorías se puede hacer atendiendo al contexto, es decir, la situación y el entorno en

que la música está presente y cumple su función. Podemos distinguir cuatro categorías musicales:

5.4.1 POPULAR

El origen de esta música, también llamada folklórica, suele ser oral, anónimo y colectivo,

es decir, son canciones, coplas, melodías... que se han transmitido de boca en boca

desde tiempos inmemorables y en cuya creación han participado muchas generaciones.

Frecuentemente están asociadas a las faenas del campo, los ciclos de la vida, y su

entorno es por lo tanto rural. Esta tradición oral es la historia no escrita de los pueblos.

5.4.2 CULTA

Proceden de tradiciones aristocráticas del pasado que se han conservado hasta nuestros

días. La música clásica solía estar presente en palacios y grandes teatros y era sólo

accesible a una minoría elitista. Desde el siglo XVIII (Clasicismo) los compositores

intentan que la música llegue a todos y guste a todos, rompiéndose poco a poco los

límites aristocráticos de esta música. Sin embargo, incluso hoy día sigue siendo una

música minoritaria, aunque no tanto por cuestiones socioeconómicas sino por nivel

cultural (un público mayoritariamente culto). Afortunadamente la música clásica está

ampliando sus horizontes y cada vez su contexto es más amplio y diverso. Un rasgo muy

característico es que la música clásica se escribe con una notación muy precisa que ha

permitido su conservación y ha facilitado su evolución y la aparición de toda una teoría musical.

5.4.3 VOCAL

Características de una sociedad moderna. Sus rasgos son: - Creación individual, de autor

conocido que probablemente haya registrado su obra. Puede ser escrita o no, pero para ser registrada debe ser escrita en partitura.

- Surge en medio urbano, es decir en ciudades

- Dirigida al ocio

- Persigue una difusión masiva a través de medios los medios como la radio, televisión,

cine...

- Es un gran negocio que mueve mucho dinero y que está controlado por una industria

liderada por las grandes compañías, pero en el que se están haciendo hueco independiente y piratas

5.4.4 INSTRUMENTAL

Proceden de tradiciones aristocráticas del pasado que se han conservado hasta nuestros

días. La música clásica solía estar presente en palacios y grandes teatros y era sólo

accesible a una minoría elitista. Desde el siglo XVIII (Clasicismo) los compositores

intentan que la música llegue a todos y guste a todos, rompiéndose poco a poco los

límites aristocráticos de esta música. Sin embargo, incluso hoy día sigue siendo una

música minoritaria, aunque no tanto por cuestiones socioeconómicas sino por nivel

cultural (un público mayoritariamente culto). Afortunadamente la música clásica está

ampliando sus horizontes y cada vez su contexto es más amplio y diverso. Un rasgo muy

característico es que la música clásica se escribe con una notación muy precisa que ha

permitido su conservación y ha facilitado su evolución y la aparición de toda una teoría musical.

5.5 NATURALEZA DEL SONIDO

El sonido (del latín sonĭtus, por analogía prosódica con ruido, chirrido, rugido, etc.), en

física, es cualquier fenómeno que involucre la propagación en forma de ondas elásticas

(sean audibles o no), generalmente a través de un fluido (u otro medio elástico) que esté

generando el movimiento vibratorio de un cuerpo.

El sonido humanamente audible consiste en ondas sonoras que se producen cuando las

oscilaciones de la presión del aire, son convertidas en ondas mecánicas en el oído

humano y percibidas por el cerebro. La propagación del sonido es similar en los fluidos,

donde el sonido toma la forma de fluctuaciones de presión.1 En los cuerpos sólidos la propagación del sonido involucra variaciones del estado tensional del medio.

Representación esquemática del oído, propagación del sonido. Azul: ondas sonoras.

Rojo: tímpano. Amarillo: Cóclea. Verde: células de receptores auditivos. Púrpura: espectro de frecuencia de respuesta del oído. Naranja: impulso del nervio.

La propagación del sonido involucra transporte de energía sin transporte de materia, en

forma de ondas mecánicas que se propagan a través de un medio elástico sólido, líquido

o gaseoso. Entre los más comunes se encuentran el aire y el agua. No se propagan en el

vacío, al contrario que las ondas electromagnéticas. Si las vibraciones se producen en la

misma dirección en la que se propaga el sonido, se trata de una onda longitudinal y si las vibraciones son perpendiculares a la dirección de propagación es una onda transversal.

La fonética acústica concentra su interés especialmente en los sonidos del habla: cómo

se generan, cómo se perciben, y cómo se pueden describir gráfica o cuantitativamente.

5.5.1 ALTURA

La altura, o altura tonal, indica si el sonido es grave, agudo o medio, y viene determinada

por la frecuencia fundamental de las ondas sonoras, medida en ciclos por segundo o

hercios (Hz).

Vibración lenta = baja frecuencia = sonido grave.

Vibración rápida = alta frecuencia = sonido agudo.

Para que los humanos podamos percibir un sonido, este debe estar comprendido entre el

rango de audición de 20 y 20.000 Hz. Por debajo de este rango tenemos los infrasonidos

y por encima los ultrasonidos. A esto se le denomina rango de frecuencia audible. Cuanta

más edad se tiene, este rango va reduciéndose tanto en graves como en agudos.

En la música occidental se fueron estableciendo tonos determinados llamados notas, cuya

secuencia de 12 (C, C#, D, D#, E, F, F#, G, G#, A, A#, B) se va repitiendo formando

octavas, en cada una de estas se duplica la frecuencia. La diferencia entre distintas notas se denomina intervalo.

5.5.2 INTENSIDAD

Es la cantidad de energía acústica que contiene un sonido, es decir, lo fuerte o suave de

un sonido. La intensidad viene determinada por la potencia, que a su vez está determinada por la amplitud y nos permite distinguir si el sonido es fuerte o débil.

La intensidad del sonido se divide en intensidad física e intensidad auditiva, la primera

está determinada por la cantidad de energía que se propaga, en la unidad de tiempo, a

través de la unidad de área perpendicular a la dirección en que se propaga la onda. Y la

intensidad auditiva que se fundamenta en la ley psicofísica de Weber-Fechner, que

establece una relación logarítmica entre la intensidad física del sonido que es captado, y la intensidad física mínima audible por el oído humano.

Los sonidos que percibimos deben superar el umbral auditivo (0 dB) y no llegar al umbral

de dolor (140 dB). Esta cualidad la medimos con el sonómetro y los resultados se expresan en decibelios (dB) en honor al científico e inventor Alexander Graham Bell.

5.5.3 TIMBRE

Una misma nota suena distinta si la toca una flauta, un violín, una trompeta, etc. Cada

instrumento tiene un timbre que lo identifica o lo diferencia de los demás. Con la voz

sucede lo mismo. El sonido dado por un hombre, una mujer, un niño tienen distinto timbre.

El timbre nos permitirá distinguir si la voz es áspera, dulce, ronca o aterciopelada.

También influye en la variación del timbre la calidad del material que se utilice. Así pues, el sonido será claro, sordo, agradable o molesto.

5.5.4 DURACIÓN

Es el tiempo durante el cual se mantiene un sonido. Podemos escuchar sonidos largos,

cortos, muy cortos, etc. Los únicos instrumentos acústicos que pueden mantener los

sonidos el tiempo que quieran, son los de cuerda frotada, como el violín, y los de viento

(utilizando la respiración circular o continua); pero por lo general, los instrumentos de

viento dependen de la capacidad pulmonar, y los de cuerda según el cambio del arco producido por el ejecutante.

5.6 ELEMENTOS CONSTITUTIVOS DE LA MÚSICA

La riqueza del arte musical está en el esmero que el compositor tenga en sus

composiciones, cuidando que los elementos que la componen sean exquisitos. Estos elementos son: ritmo, melodía y armonía.

5.6.1 RITMO

Se dice que es el primer elemento constitutivo de la música que el hombre descubre; al

escuchar los sonidos que le brinda la naturaleza puede apreciar que en ocasiones la

lluvia, el viento, el sonido que hacen los animales al caminar o correr, son másrápidos o

más lentos y empieza a imitarlos golpeando palos o huesos, con palmadas, chocando dos piedras, etc.

La música es un arte de tiempo; las notas musicales se pueden ordenar en cortas o en

largas según su duración; débiles o fuertes según su intensidad. A estas combinaciones

de sonidos y silencios, duraciones y acentos se les estudia dentro de lo que se denomina ritmo.

5.6.2 MELODIA

Es el mejor medio de expresión, ya que la melodía muestra la esencia de las obras

musicales. Si a la melodía se le pone letra, va a expresar literalmente, a través del lenguaje, lo que se desea.

En la músicasólo hay doce sonidos diferentes, pero estos sonidos básicos se repiten en

siete distintos rangos de altura. Esto significa que se puede combinar más de 80 tonos diferentes, desde el más grave hasta el más agudo.

La melodía es la sucesión de sonidos simples, diferentes entre sí por su altura, intensidad y duración.

5.6.3 ARMONIA

Es el medio de expresiónmás moderno. Este elemento es el último en descubrirse o

inventarse. Acompaña al ritmo y a la melodía. Para poder disfrutar una obra musical en todo su esplendor es fundamental que existe la armonía.

En la historia de la música han existido pueblos que no utilizan la armonía, en otros se

desconoce también la melodía, pero en ninguno se ha dejado de utilizar el ritmo. Cuando

un músico toca una guitarra, otro canta y otro más aplaude, podemos decir que el que

canta lleva la melodía, el que aplaude lleva el ritmo y el que toca la guitarra hace la armonía.

Ritmo con movimiento, melodía con línea y armonía con profundidad. La armonía es la

relación mutua entre una serie de sonidos simultáneos. A estos sonidos simultáneos se les llama acordes.

5.7 CLASIFICACIÓN DE LOS INSTRUMENTOS MUSICALES

Un instrumento musical es un objeto compuesto por la combinación de uno o más

sistemas resonantes y los medios para su vibración, construido con el fin de reproducir

sonido en uno o más tonos que puedan ser combinados por un intérprete para producir

música. Al final, cualquier cosa que produzca sonido puede servir de instrumento musical,

pero la expresión se reserva, generalmente, a aquellos objetos que tienen ese propósito específico.

Existen muchas divisiones alternativas y subdivisiones de instrumentos. Generalmente, al

estudiar los instrumentos musicales es frecuente encontrarse con la clásica división de los

instrumentos en cuatro familias: viento, cuerda, percusión y los instrumentos eléctricos

(creados por el hombre hace aproximadamente 50 años). Sin embargo, debido a que esta

clasificación está orientada a los instrumentos de la orquesta sinfónica, adolece de ciertas

restricciones y defectos. Debido a ello, algunos musicólogos sencillamente amplían esta

clasificación añadiendo hasta tres categorías adicionales: voz, teclados y electrónicos. Sin

embargo, en 1914 los músicos Curt Sachs y Erich Hornbostel idearon un nuevo método

de clasificación que, atendiendo a las propiedades físicas de cada instrumento, pretendía

ser capaz de englobar a todos los existentes. Una tercera clasificación, muy seguida en el

este de Asia, clasifica los instrumentos atendiendo a sus materiales de construcción: metal, madera, barro, cuero, entre otros.

La clasificación más usada de manera convencional es la de viento, cuerda y percusión.

Viento: saxofón, flauta, clarinete, etc.

Cuerda: guitarra, arpa, violín, piano (el piano es de cuerda percutida), etc.

Percusión: timbal, tambor, platillos, bombo etc.

Instrumentos eléctricos: bajo eléctrico, guitarra eléctrica, teremin, sintetizador, etc.

5.7.1 SEGÚN SU EJECUCIÓN

El vínculo de la música con la medicina y la creencia en su poder mágico y curativo se

remonta a tiempos muy antiguos; pero sin duda fue Pitágoras, al afirmar que la música

ejerce sobre el espíritu un poder especial, quien comenzó a darle una aplicación curativa

y medicinal. La música era admirada y considerada un elemento de purificación; por eso

los pitagóricos purificaban el cuerpo con la medicina, y con la música el alma. Afirmaban

que la proporción y equilibro de las notas produce harmonía y orden, creando un lazo

indisoluble entre salud y música. No sólo establecieron una especie de medicina musical

para el alma, sino que al tener la creencia de que la música contribuía importantemente a la salud, la empleaban también para la curación de ciertas enfermedades.

A través de la historia se ha comprobado que la música tiene la capacidad de influir en el

ser humano en todos los niveles: biológico, fisiológico, psicológico, intelectual, social y espiritual.

EVOLUCIÓN DE LA MÚSICA Y CAMBIOS EN SU FUNCIÓN SOCIAL

Antes de comenzar a hablar del valor formativo que posee la música, y de los efectos

benéficos que ésta ejerce sobre el individuo, es de suma importancia dejar aclarado a qué tipo de música nos estaremos refiriendo.

En las sociedades primitivas la música formaba parte de las actividades comunitarias. No

había autor, no había obra, no había público. Los asistentes eran casi todos participantes,

y las reglas de ejecución, selección de instrumentos, ritmos utilizados, etcétera, estaban supeditados a las circunstancias de la vida social y religiosa.

Por muchos siglos la música continuó siendo una manifestación cultural colectiva, pero

llegó un momento en que la comunidad comenzó a delegar su práctica a grupos

especializados, dándose así la división entre músicos activos y público oyente. Sin

embargo, la música seguía siendo accesible a la mayoría de las personas, dado que aún

estaba asociada con los rituales y con las tradiciones sociales, por lo que, generalmente,

el público era altamente receptivo y manifestaba su placer o su descontento ante el músico bueno y el músico improvisado.

La industria musical se encuentra en manos de un grupo de controladores que se ha

atribuido la facultad de fijar las normas de la "buena música" y de decidir lo que le

conviene al público, imponiendo, en nombre de un pensamiento o "gusto superior", lo que

la mayoría debe escuchar. Esto ha llevado a que las multitudes estén cada vez menos

cultivadas y sean totalmente sumisas a la presión de los medios de comunicación.

Actualmente, la forma de escuchar de la mayoría de los públicos está condicionada por

una apatía cultural. Lo que comenzó siendo un alimento para el espíritu de todas las

sociedades, el arte de la música, hoy en día se haya limitado a un círculo reducido de

audiencia; mientras que la "música" que producen los comerciantes, y que consumen las

mayorías, se ha vuelto un excitante, una droga que a mayor volumen, mejor aturde. Su

función ha quedado limitada a sonorizar un ambiente y a sobrestimular al público para condicionar sus respuestas a un consumismo inconsciente, inmediato y frenético.

5.7.2 SEGÚN SU ESTRUCTURA

La forma se distingue incluso de la estructura musical, en el sentido de que una misma

forma puede de hecho ―según la obra proyectada, según el compositor, según los usos de la época, etc.― adoptar tal o cual estructura.

Así, el «preludio», cuando designa la forma introductoria de una ópera: el preludio de

Carmen de Bizet reviste la «estructura» de un rondó (ABACAD), mientras que el de El oro

del Rin de Wagner teje libremente un «decorado sonoro» adecuado, sin seguir una

«estructura» particular. En su sentido original, el preludio designaba solamente lo que

precedía a la parte más importante de una obra ―cf. los preludios y fugas de Bach―.Los

aspectos estructurales asociados a una forma, deben de ser considerados como

constituyendo un simple esquema no constriñente. El no respeto de las reglas no excluye forzosamente una obra de la forma tomada como modelo.

Por ejemplo, la «sinfonía», forma característica de los periodos clásico y romántico, es

tradicionalmente descrita como la sucesión de los cuatro movimientos siguientes: allegro,

lento, menuet y rondó. Ahora bien, es muy fácil encontrar sinfonías en que el marco se

aleja poco o mucho de este «plan ideal» ―por ejemplo, la Sinfonía n° 34 en do mayor K.

338 de Mozart no tiene más que tres movimientos, mientras que la Sinfonía Pastoral de

Beethoven tiene cinco―: a pesar de estas excepciones estructurales, tales obras deben

evidentemente ser consideradas como pertenecientes claramente a la forma «sinfonía”.

Desgraciadamente, es necesario señalar que el término de «forma» es a menudo

empleado como sinónimo de «estructura», lo que entraña fatalmente algunas nuevas confusiones: por ejemplo, «forma binaria» por «estructura binaria».

Por ejemplo, si se dice que el segundo movimiento de tal sinfonía está escrito en «forma

de lied», esto no significa de ningún modo que se trata de la «forma lied» ―que es una

muestra a las claras de música vocal y no de música sinfónica―, sino más bien que «su

arquitectura sigue la estructura musical habitualmente asociada a esta forma vocal», a

saber: A B A'. Se aprecia que una expresión tal que «forma lied» puede, según el

contexto, aludir a una verdadera forma, o bien a una simple estructura. Si el término forma

es utilizada como un puro sinónimo de «estructura musical», alude de hecho a la

definición misma de la estructura, organización de los elementos constitutivos de una

obra: su arquitectura compositiva, su desarrollo, la disposición de las ideas musicales, sus

imitaciones, sus re exposiciones, etc.

De hecho, la célebre teoría de las formas musicales, elaborada en el siglo XVIII por J.

Mattheson, J.A. Scheibe, Joseph Riepel y Heinrich Christoph Koch, es de hecho una «teoría de las estructuras musicales».

Para evitar confusiones, parecería preferible utilizar el término de «estructura», más bien

que hablar de «forma lied», de «forma binaria», de «forma sonata», etc. Se hablaría así

de «estructura lied», de «estructura binaria», de «estructura sonata», etc. En este

momento, el término «forma», tomado en el sentido de «estructura», es empleado todavía

de forma muy frecuente.

5.8 CONJUNTOS MUSICALES

Una agrupación, conjunto, ensamble, banda o grupo musical se refiere a dos o más

personas que, a través de la voz y/o de instrumentos musicales, interpretan obras

musicales pertenecientes a diferentes géneros y estilos.

En cada género musical se han ido conformando diferentes normas o tradiciones respecto

al número de participantes, tipo y cantidad de instrumentos, y repertorio de obras musicales a ejecutar por estos grupos:

En la música clásica cabe distinguir principalmente: El conjunto de cámara: pequeño

grupo de instrumentistas, como pueden ser los tríos, cuartetos, quintetos, etc. Pueden

mezclar instrumentos musicales de diferentes características, como lo son la familia de

cuerdas, la de viento y la de percusión, o utilizar los instrumentos de una sola familia. En

tríos, son típicas las combinaciones de violín - flauta travesera - piano, violín - clarinete -

piano, o violín - piano - violonchelo, mientras en cuartetos el más habitual es el cuarteto

de cuerda. Entre los conjuntos de cámara de renombre internacional cabe citar el

Paganini Quartet, el grupo Seizansha [cita requerida], el Trío Musicalia, Stradivariuss, el Trío Iucundam, etc.

La orquesta de cámara: pequeña orquesta de entre 10 y 20 miembros aproximadamente.

Además de por su tamaño, se distingue de la orquesta sinfónica en que cada músico toca

una parte única, y en que no hay un director. Suelen estar formadas principalmente por instrumentos de cuerda más algún instrumento de otro tipo (teclado, viento...).

Las orquesta sinfónica o filarmónica: agrupación grande en la que normalmente están

presentes las cuatro familias de instrumentos (cuerdas, maderas, metales y percusión), acompañadas a veces de un solista (piano, voz...) o de un coro.

En bandas de música, ya sean profesionales, municipales, militares o de otro tipo, se

conforma un conjunto de viento metal (trompetas, trombones, cornetas...), viento madera

(flautas, clarinetes, oboes...), y percusión (tambores, bombos, platillos...). Desde hace

unos años se han incorporado otros instrumentos de estas tres familias como tubas,

bombardinos, fliscornos, etc. Mencionar por último el caso de algunas bandas, como las sinfónicas, que añaden también instrumentos de cuerda.

En grupos de jazz, se agrupan instrumentos solistas generalmente de viento (uno o más

saxofones, trompetas, flautas incluso clarinetes), instrumentos acórdicos (guitarra, piano u

órgano), un instrumento bajo (bajo eléctrico o contrabajo), y un instrumento rítmico

percusivo (generalmente la batería). Cuando es una formación con muchos miembros y cuentan con un director se les denomina orquestas de jazz o big bands.

En conjuntos de pop/rock, normalmente se usan una o dos guitarras (las cuales pueden

ser eléctricas o acústicas), bajo eléctrico, teclados de diferente índole como

sintetizadores, pianos electrónicos u órganos electrónicos, y batería o caja de ritmos.

Incluyen también vocalista y coristas, que pueden simultanear esa función con la de tocar

un instrumento.

En música tradicional, las agrupaciones pueden ser vocales y/o instrumentales, y los

instrumentos son los típicos de la región a la que pertenece dicha agrupación. No se

emplean instrumentos eléctricos, salvo que se trate de una formación de música folk (música folclórica moderna).

Agrupación vocal: aquella formada exclusiva o principalmente por voces. Existen tanto en

el ámbito de la música clásica como de la popular, y pueden ser desde un simple cuarteto hasta una gran coral.

5.9 LA VOZ COMO INSTRUMENTO MUSICAL

La voz es un instrumento de viento, componente de la música que se crea mediante las

cuerdas vocales de una persona. La voz humana se puede utilizar de distintas maneras

en la música, por ejemplo el canto. Un vocalista es un músico que interpreta mediante la

voz, y un cantante es un vocalista que se expresa mediante el canto.

La voz humana como medio de producción del sonido musical

Los seres humanos, desde tiempos muy antiguos, han utilizado su propia voz para producir música.

En cada cultura la voz se maneja de manera diferente de acuerdo con el estilo musical

propio. Cada voz humana es distinta y, por tanto, la clasificación no siempre es fácil. En

occidente las voces humanas se clasifican con base en dos conceptos: La tesitura y el timbre.

La tesitura es la gama de notas en la que una voz canta más cómodamente. El timbre,

como se menciona al tratar las cualidades del sonido, es la característica especial que

distingue una voz de otra. Generalmente una voz de tesitura aguda tiene un timbre

delgado o claro, mientras que una de tesitura grave tendrá un timbre grueso u oscuro.

Como se dijo antes, cada voz es diferente y puede haber excepciones en cuanto a la

correspondencia tesitura-timbre. Aunque existen clasificaciones más detalladas que

ocupan los especialistas, a continuación se presenta la clasificación general de las voces humanas.

En la voz masculina las voces claras están constituidas por: las voces de Tenor y

Contratenor, y las oscuras por las voces de: Barítono, Bajo. Sin embargo he aquí algunas

excepciones, pudiendo encontrar tenores con un timbre más oscuro, como el Tenor dramático o el Lírico - Spinto que formarían también parte de las voces oscuras.

En el caso de las voces femeninas, la voz clara está constituida por la Soprano,

encontrándose también, como en el caso masculino, excepciones en cuanto a sub-

clasificaciones determinadas, (Soprano dramática - Soprano lírica-Spinto) Y las voces

oscuras la integran la cuerda de: Mezzosoprano y Contralto. Siendo la última

extremadamente difícil de encontrar, se estima que sólo un 2 % de las mujeres son contralto.

Es importante mencionar que la voz es un instrumento de nacimiento. Por tanto, cada

persona tiene ya un determinado tipo de voz y lo que se hace es trabajar con ella. Los

tipos de voz son determinantes para los personajes de la ópera. Sin embargo, un cantante

sólo podrá cantar representando al personaje que vaya de acuerdo con su tesitura y tipo

de voz. En el caso de los coros, sólo se utilizan cuatro voces: soprano, contralto, tenor y

bajo; mientras que las voces intermedias se representan con las otras dos.

La voz es el sonido producido por el aparato fonador humano. La emisión consciente de

sonidos producidos utilizando el aparato fonador es conocida como canto. El canto tiene

un rol importante en el arte de la música, porque es el único instrumento musical capaz de integrar palabras a la línea musical.

El sonido vocal se produce en una acción física combinada. Las partes son el apoyo, la

función combinada de mucosidad, cuerdas y músculos vocales (messa di voce) y de la

resonancia y supresión de los armónicos del sonido emitido de la laringe al tracto vocal (boca, cabeza).

El espectro de armónicos se llama timbre. Es individual en cada persona. En la pedagogía

de canto, el proceso de despertar ciertos armónicos para hacer la voz brillante se

denomina comúnmente resonancia. Sin embargo, del sonido inicial de la laringe, solo un

20 % es emitido efectivamente como sonido vocal, el resto está suprimido por el tracto

vocal. Por lo tanto, es más correcto hablar de filtración parcial del sonido inicial.1 Mientras

que la formación ósea de cada persona es predefinida, la forma correcta de emitir el

sonido al tracto vocal se puede aprender a través de entrenamiento constante. Resulta

que las voces percibidas como prominentes y brillantes son las que tienen una fuerte proporción del formante entre 2.800 Hz y 3.200 Hz.2

Una voz se deja distinguir por el ámbito, el timbre vocal y la forma de vibrato. La

conformación individual de laringe y tracto vocal es la razón por la cual el cantante

individual es más distinguible por su sonido vocal, que un instrumento musical de otro del

mismo tipo. La técnica vocal no enfoca primariamente el virtuosismo instrumental, sino la

formación de la emisión correcta del sonido. Como el aparato fonador y el diafragma no

son accesibles a través de sensaciones nerviosas, el profesor de canto tiene que usar

métodos indirectos de influenciar la voz, como imágenes, sensaciones musculares en

órganos adyacentes y el entrenamiento del tracto vocal. El método más eficaz es la

interferencia entre el sistema auditivo y la laringe, o sea: la atención al sonido mejora el

sonido.

5.10 LA MUSICA EN MEXICO

La música de México forma parte de la cultura mexicana que se nutre de modos de vida

diversos, supone un repertorio de contextos culturales tan diferentes como sus modos y

creencias. Muchas canciones populares mexicanas son bien conocidas alrededor del

mundo, tales como: «Bésame mucho», «Cielito lindo», «El rey», «La bamba», «María Bonita» y muchas más forman parte de la cultura mexicana.

Música ligera

Géneros cultivados en la música tradicional ligera:

Instrumental: -Vals, marcha, fox, chotís, polka

Vocal: -Canción sentimental (danza)

Compositores:

Macedonio Alcalá

Juventino Rosas

Genaro Codina

Miguel Lerdo de Tejada

Tipos de ensamble de música ligera:

Piano, piano y voz, orquesta típica, cuartetos, quintetos, sextetos, pequeña orquesta.

5.10.1 ORIGEN DE LA MUSICA POPULAR EN MEXICO

Al referirse los historiadores de la música mexicana a los comienzos de la música popular

en México, indican al año 1785 como el de la primera salida pública de los llamados

“sonecitos del país” durante el gobierno del virrey Bernardo de Gálvez y Madrid. Desde

aquel momento se fue abriendo durante el siglo siguiente un vasto abanico de estilos y

géneros musicales autóctonos, como jaranas, huapangos, valses o corridos. Con el inicio

del siglo XX, y principalmente desde los años 30, aparecen nuevos estilos de música que

se ganan rápidamente gran favor del público y se van apoderando del continente

americano. Estas canciones lograron obtener una gran popularidad y llegaron a ejercer

notable influencia en la cultura latinoamericana. Se trata de los tangos, boleros y de las

rancheras que se difunden velozmente por los hogares latinoamericanos gracias a los

nuevos inventos de la época, el cine y la radio.

Pero, ¿qué es lo que convierte una manifestación cultural en “popular”? Comenta García

Medina: “Más allá del concepto oficial, viene siendo aquello que es favorecido,

consentido, venerado y promovido por la misma gente; que se ha enraizado en el pueblo,

que es creado o adoptado como propio, y que juega un papel importante en la cultura.

Así, al hablar de música y canciones urbanas populares, nos referimos a aquellas que en

nuestras calles (…) tuvieron, y tienen, tanta presencia, que al hablar de ellas, estemos refiriéndonos a nuestra biografía común.

Los orígenes de la ranchera hay que buscarlos en la canción campirana del siglo XIX,

pero no es hasta los años treinta que llega a cobrar mayor importancia al llegar los

músicos autóctonos a la urbe en el contexto de los cambios sociopolíticos en la sociedad

mexicana. Aunque las rancheras modernas tengan sus autores, los medios por los que se

expresa se asemejan mucho a las composiciones populares líricas. Al fijarse en las letras

de las canciones rancheras no se puede dejar de pensar en su origen popular;

externamente los elementos que recuerdan las composiciones líricas son su brevedad,

ritmo, uso de rimas, división estrófica y empleo de estribillo. Y no es solamente por su

forma externa, sino también, por la temática y los motivos con los que trabaja. Las voces

de los más conocidos y apreciados compositores y cantantes como Javier Solís, Pedro

Infante, Jorge Negrete o José Alfredo Jiménez cantan lo que le preocupa y alegra al

hombre desde tiempos eternos: los amores y desamores, las obligaciones laborales y la

situación económica, el qué dirán, y, no se nos olvide, la tortuosa relación del hombre con el alcohol.

La canción ranchera: origen, estética y recursos del género

La denominación ranchera proviene de la palabra rancho que en contexto mexicano

significa una finca grande en el campo con latifundios adjuntos, que, parcialmente, se

inspira en los cortijos andaluces. La ranchera representa uno de los más señalados

géneros de la música mexicana de raíz popular. Sus orígenes datan del siglo XIX cuando

evoluciona de la tradicional música campirana cobrando fuerzas especialmente tras la

Revolución Mexicana. Logró su fama en Latinoamérica gracias a los grupos de mariachis,

cuya tradición floreció en el siglo XX, y a la influyente industria cinematográfica. El cine

mexicano, que en las décadas de los cuarenta, cincuenta y sesenta vivió su etapa de

auge, se aprovechó de las melodías y letras enganchadoras de estas composiciones y las usó para imprimir a las escenas un espíritu “típicamente mexicano y rural.”

La ranchera llegó a constituir un género musical independiente, con sus características

dadas y una tradición instaurada entre la gente. Tiene un ritmo de ¾ semejante al vals y

en la letra de las canciones encuentra inspiración en los sentimientos y los problemas

cotidianos de la comunidad rural y urbana mexicana.

Monsivás añade al respecto: “En su adjetivo, la canción ranchera elige el estilo y la

calidad de las emociones al alcance de su auditorio y opta por aquellas inscritas en la idea

del “rancho“, de lo anterior a lo industrial y lo tecnológico. El rancho: cuando la gente

gozaba y sufría (en medio de la naturaleza) pasiones en serio, impulsos propios de la vida

al aire libre sin adornos o recatamientos, fulgores como el despecho, la venganza, la

confesión de abandono, el espectáculo en un acto de capricho o la depresión.“15 De

hecho, las canciones rancheras reflejan las emociones de la gente, sea de la ciudad, sea

del campo, y sus preocupaciones diarias. Abundan en ellas temas que giran en torno del

amor y desamor y los sentimientos correlacionados, pero también temas más

existenciales, como dudas acerca del futuro del hombre, la oposición entre el campo y la

ciudad, y otros. Al igual encontramos un ciclo dedicado al trabajo que incluye las

relaciones entre el peón y el patrón. Por otro lado, aparecen ciclos dedicados a las fiestas

en el vecindario, o canciones patriotas que cantan a la tierra mexicana, su gente y su

paisaje. En cuanto al aspecto formal, se trata de composiciones que siguen la métrica y

los recursos propios de la poesía popular, o sea, emplean metros regulares con rima varia

y regular. El verso predominante es octosílabo, aunque encontramos variantes.

Usualmente, las canciones rancheras cuentan con un estribillo o una moto que se repite

que lo ligan también a la herencia de la poesía popular. A nivel de figuras retóricas, en las

letras de las rancheras son empleadas las más sencillas, como las repeticiones, contradicciones o metáforas elementales que igualmente conocemos de la lírica popular.

5.10.2 MUSICA ESPAÑOLA LLEGA A MEXICO

La inmigración española en México es el éxodo de ciudadanos españoles que partieron

de España, dispersándose por toda la geografía del territorio mexicano, incluso en

pequeñas poblaciones del país. Según el instituto nacional de estadística español (INE)

en 2014 la población de ciudadanos españoles nacidos en España residentes en México

era de 17.387 ciudadanos, mientras los residentes en México con nacionalidad española y

mexicana son un total de 108.314 ciudadanos, datos publicados desde el 1 de enero de

2014,1 convirtiéndose este grupo en la segunda comunidad extranjera y la primera de europeos inmigrados hacia territorio mexicano.

Aunque la mayor comunidad española se encuentra concentrada en la Ciudad de México

y su zona metropolitana, en otras grandes ciudades del país también existen

comunidades bastante numerosas y activas; así, en Guadalajara, Monterrey, Puebla,

Querétaro, León, Torreón, San Luis Potosí, Cuernavaca, Veracruz, Xalapa, Tijuana,

Tampico, Mérida, Oaxaca, Cancún, por su parte, existe el Centro Deportivo España que

hace evidente la presencia de los ibéricos en suelo veracruzano.2 donde la comunidad

española es muy destacable a través de sus asociaciones civiles que suman más de cien por todo el país.

A pesar de la fuerte influencia indígena entre la sociedad mexicana, la cultura española

prevalece de igual modo casi intacta entre los mexicanos, especialmente en aquellos

mexicanos con antepasados ibéricos. Se considera que aproximadamente viven en

México 80 millones de hispano-mexicanos, es decir, tanto ciudadanos españoles como

mexicanos con algún antepasado ibérico desde el inicio de la Conquista española, hasta

los grupos de exiliados y residentes españoles formados en nuestros días; se trata de la

mayor proporción genética entre los mexicanos descendientes europeos que radican en el país.

5.10.3 INFLUENCIA NEGRA EN LA MUSICA MEXICANA

La música afroamericana (también llamada música negra) es un término dado a una serie de músicas y géneros musicales, como son el blues, el ragtime, el jazz, el góspel, el soul o el hip hop, que provienen de o están influenciados por la cultura de la comunidad afroamericana. Esta comunidad desde hace siglos ha constituido una minoría étnica de la población estadounidense. Algunos de sus antepasados fueron traídos originalmente a Norteamérica a la fuerza para trabajar como pueblos esclavos, trayendo con ellos canciones típicamente polirítmicas de grupos étnicos tanto de África occidental como del África subsahariana. En los Estados Unidos, como se fusionaron las culturas, múltiples tradiciones culturales africanas fueron fusionándose progresivamente con otras músicas tradicionales europeas, como la polka o el vals. Más tarde se dieron periodos de considerable innovación y cambio. Los géneros afroamericanos han sido muy influyentes a través de distintas clases socio-económicas y raciales internacionalmente, disfrutando de popularidad a nivel global. La música afroamericana y todos los aspectos de la cultura afroamericana son celebrados durante el Mes de la Historia del Negro en febrero de cada año en los Estados Unidos. Los años 1990 y 2000 El R&B contemporáneo, como el post-disco versión de la música soul llegaron a ser conocidos como fue popular en todo el decenio de 1980 y 1990. Grupos masculinos en el estilo soul como The Temptations y The O'Jays son especialmente populares, entre ellos New Edition, Boyz II Men, que terminó siendo el disco más vendido de R&B en el género masculino de todos los tiempos, Jodeci, Blackstreet, y, más tarde, Dru Hill y Jagged Edge. Los grupos femeninos , incluido el TLC, Destiny's Child, y En Vogue, también fueron un gran éxito. Destiny's Child podría pasar a ser el disco más vendido del grupo vocal femenino de todos los tiempos. En el 2000, el R&B se había desplazado hacia un énfasis en artistas solistas, entre ellos Usher y Alicia Keys, aunque grupos como B2K y Destiny's Child siguen teniendo éxito. La línea entre el hip-hop y el R&B se difuminó gracias a productores como Timbaland y Lil Jon, y artistas como Nelly, y André 3000, quien, con su amigo Big Boi, ayudó a popularizar la música Southern hip hop como Outkast. La "Música urbana" y el "radio urbano" son términos de raza neutral, también son sinónimos con el hip hop y el R&B y está asociada a la cultura hip hop que se originó en la ciudad de Nueva York. El término también refleja el hecho de que son populares en las zonas urbanas, tanto en centros de población negra y la población en general (especialmente las audiencias más jóvenes).

En febrero de 2004, se anunciaron planes para una afiliación al Museo Nacional de Arte Africano (Washington) y de la música americana en el Instituto Smithsoniano que se construye en Newark, Nueva Jersey. Groundbreaking está prevista para 2006.

Para mayor apoyo revise el siguiente video:

https://www.youtube.com/watch?v=Vak3I3UVUFE

Practica 5:

Del video realice un resumen de lo más importante.

Guarde el archivo en Word como: 5. LA MÚSICA

Practica 5.1:

De la unidad investigue una canción de cada género, realizando una recopilación de

estas en un archivo de Word, donde incluya: presentación, canciones y conclusión del

tema. Guarde el archivo en Word como: 5.1. LOS TIPOS DE MUSICA