esquemas 1er parcial hacu libro nuevo
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COLABORADORES DE LOS ESQUEMAS: TEMA 1 –A ……………….. FRANCISCA SASTRE
TEMA 1 –B ……………………….. MARÍA JESÚS MARTÍNES
TEMA 2 –A ………………..……. FERNANDO F. S. CORDERO
TEMA 2 -B…………………..……. FERNANDO F. S. CORDERO
TEMA 3 –A …………… PEDRO ÁNGEL PAÑOS
TEMA 3 –B …………………… CARMINA MAGDALENO
TEMA 4 ………………… ROSA DE LA TORRE
TEMA 5 …………………. Mª ISABEL GARRIDO
TEMA 6 …………….. ANA MARÍA HERMIDA
TEMA 7 -A …………………Mª JUNCAL CARRASCOSA
TEMA 7 -B …………………Mª JUNCAL CARRASCOSA
TEMA 8 ……………………….. JSCINTO MERCADO
TEMA 9 ……………….. ELIA RODRIGUEZ
TEMA 10 –A …………… ALFONSO LLORENS
TEMA 10 –B …………… Mª LUZ LAPUERTA
Frontispicio de la Encyclopédie ou Dictionnaire Raisonnée des Sciences des Arts et des Métiers 1751
Dibujo del Templo de Neptuno en Paestum. 1794. Isidro González Velázquez Biblioteca Nacional de Madrid
Antichitá Romane G.B. Piranesi
TEMA 1-A. LA CRISIS DEL CLASICISMO Y LA IMAGEN DEL IMPERIO
Las ideas de la Revolución Francesa de 1789 y los cambios a consecuencia de la 1ª Revolución Industrial en Inglaterra.
El espíritu ilustrado y la proyección de la Encyclopedie como renovación de los ideales estéticos porque Diderot había pedido una moral artística y los artistas como artífices de esa moralización.
Importancia de las clases medias con sus ideales políticos: democracia y patriotismo, asociado a moralidad pública. Nuevos ideales difundidos con los ejemplos que mostraban la historia antigua. Los artistas son los encargados de darlos a conocer, en un papel educativo en la sociedad.
Los artistas, en un nuevo status, con su nueva clientela, la burguesía. Importancia creciente de las Academias de Bellas Artes, a través de las
exposiciones y de los Salones, del comercio artístico o de la crítica del arte, el artista es más autónomo aunque sometido al mercado.
El fracaso de la Revolución provoca desilusión que propicia el rechazo al Clasicismo, desconfianza a la Razón, esto marca una nueva orientación de las artes, una nueva sensibilidad, brota de la individualidad del artista.
1. INTRODUCCIÓN
2. EL MITO DE LA ANTIGÜEDAD Y LOS MODELOS ALTERNATIVOS
FACTORES DECISIVOS EN LA CONFIGURACIÓN DEL
MUNDO CONTEMPORÁNEO:
NEOCLASICISMO El arte de la época del Imperio vivió de los logros de la manía arqueológica y del
interés de recuperar el pasado, creían que en la antigüedad clásica estaba lo auténtico, y que ella podía inspirar el modelo de belleza y autenticidad en las artes. Roma era ya considerada la meca del arte, pues encerraba los restos de la
Antigüedad, del Renacimiento y de las glorias de la Roma Barroca, aparte de ser punto de reunión de los viajeros del Grand tour, reunión de artistas de todas las procedencias:-Pintores:J.Reynolds,A.R.Mengs, J.L.David, F.Goya...;
-arquitectos: Soufflot, José de Hermosilla, Juan de Villanueva... Descubrimientos en las excavaciones de las ciudades sepultadas de Herculano
y Pompeya inspiraron a los artistas. También de la ciudad de Paestum. Grecia también se puso de moda, luego siguieron Siria, Egipto (lo puso de moda el Imperio de Napoleón), Líbano, Turquía, Sicilia y Yugoslavia…
Giovanni Battista Piranesi (1720-1778) publicó Carceri en 1745 donde ofrece un repertorio de soluciones con perspectivas imaginativas e inventadas que nada tienen que ver con la ortodoxia clásica. También en su libro Della magnificenza de architettura de’romani (1761) reprodujo las imágenes de las ruinas de la antigua roma, como un catálogo auténtico de las más variadas tipologías de monumentos. Su huella quedará en artistas tan diversos como Goya, Soane o Fuseli.
NEOGÓTICO
La busqueda del pasado se remontó también a las raíces medievales, producido en parte por el desencanto de los logros de la Revolución y de la razón. Fue el movimiento del Sturm und Drang el que vindicó el pasado histórico buscando las raíces: exaltación de la naturaleza, de los sentimientos y de la libertad, reivindicando lo germánico y popular como una liberación de reglas y de la imitación del pasado.
En los inicios del XIX la manía arqueológica se convierte en un convencionalismo que aportará nuevos modelos al eclecticismo estilístico que gusta a las clases burguesas: Clásico, medieval, egipcio, chino o hindú; resultando un cierto eclecticismo pintoresco.
ECLECTICISMO PINTORESCO
Téoricos y artistas buscan la modernidad revisando el pasado, el resurgir de las artes y pondrán las bases del arte contemporáneo alejado de las normas del clasicismo.
INGLATERRA
3. NUEVAS SENSIBILIDADES
Edmund Burke (1729-1797) en su libro Indagación filosófica acerca del origen de nuestras ideas sobre lo sublime y lo bello (1757)Las emociones y las pasiones ante la contemplación estética son fuente creativa, desconfia de la razón que busca la belleza ideal.
El gran dragón rojo y mujer vestida de sol 1806-1809 -William Blake (representa lo sublime)
El Laocoonte. Museo Pío Clementino Vaticano. Roma
Distinguía entre lo bello: placentero, delicado y sutil asociado a la simetría y el equilibrio de lo clásico; y lo sublime, ligado a los sentimientos de terror, infinitud, dificultad y pena. Su incidencia se sentirá en el Romanticismo.
Uvedale Price (1747-1829) publica Ensayo sobre lo Pintoresco, comparado con lo Sublime y lo Bello: Incluye una nueva categoría de belleza lo Pintoresco, entre lo bello y lo sublime. Y la
aplica sobre todo al paisaje y a la arquitectura de jardines inglesa: rudeza, irregularidad, variación de formas, colores, luces y sonidos.
A fines del siglo XVIII la arquitectura ha cumplido su misión en la nueva sociedad (a burguesía se conforma como un poder ascendente) de diseñar un nuevo escenario urbano donde el progreso técnico va a ser primordial.
La arquitectura no será un repertorio de distintos tipos, sino que desde la teoría se debatirá la forma de la ciudad y el destino de sus edificios como parte de un escenario urbano grandioso. Además de diseños de palacios o templos, proliferan de hospitales, cementerios, museos, teatros…para los nuevos y necesarios servicios de la ciudad.
La Encyclopédie había dado a la arquitectura un carácter moralizador. Desde mediados del s.XVIII teóricos y arquitectos han buscado el estilo verdadero. Los cánones del barroco ya no valen, había que recurrir a los orígenes, incluso a Vitrubio, aún puesto en entredicho por la falta de concordancia con los nuevos descubrimientos.
Desde el punto de vista formal, la recuperación arqueológica del clasicismo y la fascinación por las ruinas hizo que edificios de la antigüedad romana como el Panteón de Agripa se convirtieran en parte del repertorio tipológico. El templo de Vesta (pequeño templo circular períptero), fue imagen pintoresca o como remate de otras construcciones. Lo mismo sucedió con modelos griegos, como los Propileos de la Acrópolis de Atenas, imitados en construcciones a la moda como la berlinesa Puerta de Brandeburgo.
En el cosmopolita ambiente romano los arquitectos y los aprendices de arquitecto, absorben el legado antiguo y elaboran un nuevo lenguaje no necesariamente copiado de la tradición.
Revisión del clasicismo, racionalismo, pintoresquismo y el gusto por lo arqueológico son elementos de la nueva arquitectura.
ALEMANIA
Ambas posturas se pueden resumir en los conceptos de lo clásico y lo romántico lo clásico asociado a Winckelmann y Mengs, lo otro a los partidarios del renacimiento del gótico y de los pensadores alemanes como los hermanos Friedrich y August Wilhelm von Schlegel, Joham Ludwig Tieck y Wilhelm Heirinch Wackeroder.
Desde 1795 los límites entre las dos posturas neoclasicismo y romanticismo se difuminan e imposibilita su clasificación; esa ambigüedad es la característica del arte entre siglos.
Joachim Winckelmann (1717-1768) publica Historia del Arte en la Antigüedad (1764): Sistematiza el proceso artístico desde la Antigüedad a los romanos. Elogia el clasicismo griego y postula el concepto de belleza absoluta,
estima al arte en función del espacio en el que nace, y considera al sentimiento como condición indispensable para realizar la obra de arte. El arte adquiere su valor creado en libertad, será el ideal de la Revolución. Su concepto de belleza se centra en la imitación del arte griego como
representación de la misma naturaleza. Fija la forma de representar en pintura y escultura en el Neoclasicismo:
distanciamiento y falta de expresividad de las obras reflejo de la pasión contenida “la noble ingenuidad”. Su apreciación estética es subjetiva, expresión de su propio sentimiento, lo que caracterizara al romanticismo.
Gotthold Ephraim Lessing (1729-1781) publica Laocoonte o de los límites de la pintura y de la poesía (1766): Influido por Winckelmann (belleza=griego), aporta un concepto nuevo del
arte desde un punto de vista nacionalista, alejado de los modelos franceses. Tuvo incidencia en las corrientes neoclásicas, muestra a la escultura como
contención en la expresión del dolor (no así la poesía), que debía mantener la armonía del gesto, algo propio de las obras neoclásicas.
CONTRADICCIÓN: CLASICISMO Y
ROMANTICISMO (FIN DE SIGLO)
4. ARQUITECTURA Y CIUDAD: LA IMAGEN DEL PODER
Panteón de Agripa. Roma Puerta de Brandenburgo. Berlín Templo de Vesta. Roma
DESDE VENECIA
Franceso Milizia (1725-1798) como discípulo de Carlo Lodoli (1696-1761), recoge sus teorías en el libro Principi di Architettura Civile (1781). Visión racionalista de la arquitectura, que debe responder a la función para la
que está destinada, así como el concepto de lo innecesario del ornamento. Su discurso lleno eclecticismo muestra por donde discurren las artes al final del
s.XVIII y fue muy utilizado en la Europa de esa época. Se hizo eco de las teorías de Laugier, con la idea de que la arquitectura podía producir emociones.
DESDE FRANCIA
El abate Marc-Antoine Laugier (1713-1769) publica Essai sur l’Architectura (1753), que fue seguido por Observations sur l’Architecture (1765). Verdaderos catecismos sobre la misión de la arquitectura en la sociedad. Manifiesto para la regeneración de la arquitectura vuelta a la naturaleza, pues
su origen está en la cabaña primitiva, principio y medida de toda la arquitectura. Sus teorías sobre la ordenación de la ciudad marcarán la orientación del
urbanismo, sus ideas sobre el ornato de la ciudad no se pondrán en práctica hasta la reforma de París de Haussemann a mediados del siglo XIX.
Sus teorías tuvieron una gran difusión en toda Europa.
5. FRANCIA ENTRE EL CLASICISMO Y LA UTOPÍA
Existe una corriente normativa que imita el clasicismo grandioso del reinado de Luis XIV, pero en la década de los 80 se desarrolla una corriente puramente neoclásica, de perfiles severos y gran monumentalidad: Gran Teatro de Burdeos (Víctor Louis), o el Théatre del’Odeon (Peyre y Charles de Wailly). Pero también existen unos “arquitectos revolucionarios o visionarios”: Boullée, Ledoux, Durand…que intentan regresar a la naturaleza, se desarrolla fijándose en las formas de la geometría elemental (esfera, cono, cubo…) en un entorno natural, aunque no renuncian a la simetría y a la monumentalidad e incluyen elementos pintorescos.
Étienne-Louis Boullée (1728-1799): Se distingue sobre todo por su labor teórica: L’Architecture recoge proyectos y textos donde trata la
responsabilidad de los arquitectos en la sociedad. Le importa la combinación de masas de forma efectiva y cree que la arquitectura puede producir sensaciones. Tendrá gran incidencia en el siglo XX.
Su diseños: El Cenotafio de Newton (1784): Esfera en cuyo interior se sitúa el sarcófago, que recibe luz por
diferentes aberturas que reproducen las constelaciones con iluminación cambiante según las horas. La Biblioteca (1788) destaca su distribución de masas, que configura un escenario de luces y sombras
Teatro del Odeón (1782) Gran Teatro de Burdeos (1773-1780) Dibujo Cenotafio de Newton (1784) Diseño de Biblioteca, (1788) Peyre y Charkes de Wailly Victor Louis (1731-1807) E.L. Boullée Biblioteca Nacional de Francia E.L. Boullée Biblioteca Nacional Francia Claude-Nicolas Ledoux (1736-1806): No imita los modelos históricos y se sirve de las formas geométricas para sus obras, autor de edificios: Sus 45 “barrières o fielatos” para París (1785-1788) con ayuda de un discípulo suyo. El proyecto del conjunto industrial de las Salinas cerca de Chaux (1789), construido algo, fueron el
ensayo de ciudad ideal, construcciones con formas geométricas, en actitud “parlante” (revelan su destino). Conforma un centro de producción para vivir en armonía en un entono natural. Sus edificios representativos (puerta de acceso y casa del director) más monumentales auque manipulando los órdenes y consiguiendo detalles pintorescos.
Rotonde de la Villete Diseño de las Salinas de Chaux Puerta de acceso al Casa del director del (1784-1787) París (1789) publicado en 1804 conjunto de las Salinas conjunto de las Salinas Ledoux Ledoux Ledoux Ledoux
6. HACIA UN NUEVO PROYECTO ARQUITECTÓNICO: DURAND
Funcionalismo, clasicismo y pasión por la arqueología. Los proyectos de estos años quieren establecer una imagen que reflejara el poder de Napoleón como un nuevo emperador romano.
Se internacionaliza gracias a Napoleón. Los ingenieros cobraron gran importancia y realizaron grandes obras públicas y reformas
urbanas que consolidan la imagen de progreso del poder centralista de Napoleón. École Polytechnique (1794) forma a los ingenieros e impulsa una arquitectura basada en recursos técnicos y científicos, muy pragmática que realiza los programas de este nuevo poder central.
Quatremère de Quincy (1755-1859) secretario de la Academia de Bellas Artes (1816-1839) perpetua el clasicismo convencional con sus obras para recuperar los modelos de la Antigüedad como principios de validez universal, ignorando el pasado medieval y hasta el barroco.
ESTILO IMPERIO
JEAN-NICHOLAS-LOUIS DURAND (1760-1834)
Discípulo de Durand, construye con el modelo de museo de su maestro en Múnich la Gliptoteca para guardar piezas antiguas.
LEO VON KLENZE (1784-1864)
Figura capital en la enseñanza y difusión de la nueva concepción técnica de la arquitectura. Recogió sus lecciones en Precis des lecons d’architecture, utilizado durante el siglo XIX en las escuelas de arquitectura.
Rechaza la doctrina de imitar los modelos anteriores y el canon antropométrico y utiliza el sistema métrico decimal (1795) y fijar un nuevo concepto de proyecto arquitectónico.
Publica Recueil et parallèe des édifices de tout genre anciens et modernes (1800)Repertorio de tipologías arquitectónicas históricas aplicando un módulo fijo que se combina a voluntad, se basaba en el ángulo recto, el cuadrado y una retícula de la que, combinada surgía la planta y el alzado. Será muy importante en la arquitectura de los ingenieros y las construcciones metálicas.
JEAN BAPTISTE RONDELET (1734-1829)
Profesor en la École des Beaux-Arts moderniza la técnica constructiva. Publica un tratado de construcción donde expone nuevas técnicas constructivas y el empleo del hierro como material en la edificación empleando el sistema métrico decimal.
JACQUES GONDOIN Y JEAN-BAPTISTA LÈPERE
(1734-1829)
Levantaron en la plaza Vêndome la columna de la Grande Armée (1806-1810) destinada a narrar las campañas el Emperador imitando la trajana de Roma.
Palacio de Malmaison Arco de Carrouse (1806-1808), Dormitorio de Josefina París
Rue de Rivoli París Galería de Orleans (1829), París
Jardines de Stowe Park Crescent, Bath, Buckinghamshire Avon William Kent (1685-1748) John Wood padre (1704-1753)
Park Crescent (1812) Londres El Capitolio John Nash (1752-1835) Washington
La Casa Blanca La plaza del Palacio (1820) Washington San Petersburgo (Rusia) Kart Ivánovich Rossi (1775-1849)
CHARLES PERCIER (1764-1838) Y PIERRE-FRANCOIS LÉONARD FONTAINE (1762-1853) Creadores del llamado estilo Imperio. Arquitectos que
trabajaron para Napoleón y recibieron encargos de monarcas de toda Europa, ricos burgueses y banqueros.
Publican Recueil de Décorations intérieurs, muestrario de sus obras que recogía hasta la decoración y mobiliario.
Sus exteriores son sobrios y algo arqueológicos pero sus interiores derrochan fantasía con mezcla de estilos: ej.: decoración de la finca de la Malmaison para Josefina.
Su obra más importante: el plan para unir el palacio del Louvre con las Tullerias. Levantaron el arco del Carrousel (1806-1808) siguiendo un modelo antiguo de Roma que sirvió de basamento para unos caballos griegos. Diseñaron el trazado de las calles y las viviendas de la rue Rivoli y de otras más, caracterizado por la sucesión de arquerías en la parte baja y la repetición del mismo modelo de vivienda, cubiertas con mansardas. En su tipo y decoración recuerdan las construcciones italianas del renacimiento. Son autores de los pasajes cubiertos más antiguos de París la Galería de Orleans (1829) y la Galería Colbert (1825); esta tipología con estucados con motivos pompeyanos y las cubiertas de hierro y cristal será muy imitada a lo largo del s. XIX.
7. PALLADIO Y OTRAS IMÁGENES DEL PASADO
En Inglaterra el pintoresquismo fue una corriente que se promoverá más aún en el s.XIX. El jardín paisajístico ingles desplazaría al francés, se adecua al terreno e incorpora pequeños edificios o ruinas. Proyectistas: William Kent, William Chambers, James Stuart.
La arquitectura palladiana, fue una constante en la arquitectura anglosajona, se creó un gupo de “diletantes” para dar a conocer su obra en la 1ª mitad del s.XVIII: Richard Boyle y Colin Campbell, proporcionaron modelos palladianos, de ellos naceran los modelos para las villas campestres inglesas y para construcciones urbanas en Inglaterra y en América, como en el ensanche de la ciudad balneario Bath. John Wood padre: tipo de viviendas unifamiliares dispuestas en hilera con fachadas de columnas, a modo de telón. Modelo reutilizado por John Nash en Regent’s Park de Londres (1812).
El palladianismo inglés continuará y se desarrollará como propio en los Estados Unidos, su presidente T.Jefferson realiza su residencia con este modelo de amplios pórticos de columnas. Las Universidades y edificios gubernamentales siguieron estos modelos como en el Capitolio y la Casa Blanca en Washington. También las casas coloniales siguieron los modelos de las villas palladianas con elementos ya propiamente americanos.
Tuvieron una continuidad tardía en la remodelación de San Petersburgo por el Zar Alejandro I. Creando enclaves urbanos monumentales como la plaza de palacio (1820) que parece un telón de grandes columnas.
ARQUITECTURA PALLADIANA
En el reinado de Jorge IV (1820) se quiere convertir a Londres en un escenario urbano grandioso imitando a París. La finca de Marylebone se convirtió en un gran parque pintoresco, a su alrededor se dispusieron viviendas unifamiliares adosadas con jardines delante y atrás como una sucesión de escenarios residenciales con aspecto majestuoso.
Se unifica las distintas tramas urbanas con construcciones de fachadas uniformes que enlazaban puntos clave de la ciudad, aunque sin ejes de simetría.
ARQUITECTURA MONUMENTAL
Osterley Park (1761) Londres Robert Adam (1728-1792)
Fonthill Abbey (1795) James Wyatt (1746-1813)
Banco de Inglaterra Lincoln’s Fields Londres (1812)
John Soane(1753-1837)
Prisión de Newgate (Londres) George Dance (1741-1796)
Casita de El Príncipe El Escorial Casita de El Príncipe de El Pardo (1771) (1784)
IMITANDO LO ANTIGUO La moda arqueológica también llegó a Inglaterra, proliferaron las decoraciones a la moda que los hermanos Adam, Robert y James convirtieron en “Adam Style” como en Syon House y Osterley Park en Londres.
Fue otra constante en la arquitectura inglesa, sobre todo en ciertas tipologías y simbología: Los “colleges”, ejemplo en los de Oxford y Cambridge que continua en el s.XIX.
Ganara fuerza desde 1770 con la publicación de estudios sobre el arte medieval con ilustraciones, ej.:el de James Bentham (1771), del que se sirvió James Wyatt en Fonthill Abbey, lugar de descanso y reunión campestre con un historicismo latente y gusto por lo exótico
INNOVACIÓN Y ECLECTICISMO Otros arquitectos elaboraron un lenguaje
propio que no imitaba el pasado: George Dance (1741-1796) y construyó una arquitectura parlante, expresa su destino. Ej.: la prisión de Newgate en Londres.
Fue John Soane el que supera todas las categorías del arte y lo regenera: su propia residencia en Lincoln’s Inn Fields en Londres (1812), muestra eclecticismo: mezcla arqueología, racionalidad arquitectónica y pintoresquismo. Los juegos de luces, los efectos escenográficos al modo piranesiano y la esquematización de los elementos constructivos son su característica, como también lo demostró en su remodelación del Banco de Inglaterra (1788).
EL GÓTICO
8. AQUITECTURA RENOVADA Y TRADICIÓN ESPAÑOLA
ACADEMIA DE LAS NOBLES ARTES DE SAN FERNANDO (1752)
Aunque a finales del XVIII España entró en la onda internacional al viajar sus arquitectos, conocer las ruinas y estudiar la tratadística para adaptarse a los deseos de la nobleza y la incipiente burguesía, fue realmente la Academia la que internacionalizó a España, tanto en los modelos como en el método de enseñanza más científica.
Como controladora de las artes, institucionalizó un barroco clasicista para imagen de la grandeza de la Monarquía y como comisionario Ventura Rodríguez (1717-1785) fue su conductor en esta evolución.
Deseaba recuperar a los grandes artistas españoles como Herrera para renovar la grandeza de las artes en España. Anclada en su clasicismo no logra renovar las artes, serán los arquitectos de una generación más adelante los que
elaboren un nuevo lenguaje fruto de la revisión del pasado, del conocimiento de las ruinas y del intercambio entre artistas de distintas nacionalidades como Juan de Villanueva, Silvestre Pérez o Isidro González Velázquez.
JUAN DE VILLANUEVA(1739-1811) Tras estar en Roma viaja por Granada y Córdoba conoce del arte islámico y la capilla Real de Granada entre otros.y publica Las Antigüedades Árabes de España con grabados.
Nombrado arquitecto del monasterio El Escorial (1768), realiza obras que remiten al modelo del Monasterio y se adecuan al marco urbano: Casas de Oficios, aunque en la casita del Principe (1771) mezcla un clasicismo riguroso con palladianismo y recuerdo herreriano en sus cubiertas.
Plaza Mayor Madrid Gabinete de Ciencias (1785) (1790) (1784)
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BIBLIOGRAFÍA: El arte del siglo XIX ESQUEMA REALIZADO POR: Francisca Sastre Agustín Centro Asociado: Gregorio Marañón FOTOS: http://es.wikipedia.org- http://www.artehistoria.jcyl.es/historia/obras-Varios
GENERACIÓN POSTERIOR A VILLANUEVA
Ignacio Haan sigue los principios neoclásicos y emplea un lenguaje severo que recuerda a Villanueva por el uso de paramentos de ladrillo. Sus obras en Toledo conviven en un contexto urbano con arquitecturas históricas: Universidad de Toledo, el Hospital de Dementes o la puerta Llana de la Catedral.
Silvestre Pérez un poco más moderno, planteó un neoclasicismo que hunde sus raíces en la arquitectura de los revolucionarios con obras integradas en sus marcos urbanos como su Iglesia de Motrico, con líneas severas que esquematizan el modelo clásico. Sus obras en las ciudades del País Vasco son propuestas con un nuevo concepto de ciudad en consonancia con una sociedad burguesa.
Otros arquitectos como Isidro González Velázquez (1765-1840) y Antonio López Aguado (1764-1831), ambos discípulos de Villanueva continuaran en el clasicismo convencional.
Universidad de toledo Iglesia de Motrico 1798 Casita del Labrador de Aranjuez Ignacio Haan (1758-1810) Silvestre Pérez (1797-1825) Isidro González Velázquez (1765-1840)
Combina materiales tradicionales y composición esquemática a base de módulos independientes de perfiles severos: la Casita de El príncipe de El Pardo (1784). Otro rasgo es el carácter urbano de sus edificios, intenta realizar una escenificación monumental como en su intervención en Madrid: Plaza Mayor, Paseo del Prado; con obras como el Observatorio astronómico (1790), el Jardín botánico o el Gabinete de Ciencias (1785). Todo, en un lenguaje hispano e internacional a la vez, lleno de elementos clásicos y recuerdos palladianos sin pintoresquismo y con sus rasgos característicos.
A.R. Mengs. El Parnaso
TEMA 1. LA CRISIS DEL CLASICISMO Y LA IMAGEN DEL IMPERIO
1 Titulo apartado 1.1
Pintura, escultura y/o artes decorativas van a servir como: .-Vehículo para la educación de los ciudadanos .-Reflejo de nuevos gustos y sensibilidades Academias, museos y salones van a tener diferentes funciones:
.-Formación de nuevos artistas .-Exposición de obras y centros de reunión social Destacar la importancia que tienen las piezas obtenidas en las excavaciones de Herculano y Pompeya,
los grabados que las reproducen y los libros de viajes. También fueron fuente de inspiración artistas más cercanos como Rafael, Tiziano, Miguel Ángel o
Correggio Se produjo un auge en la representación de motivos menores, al gusto de la burguesía emergente En la pintura de historia se representan personajes contemporáneos que reflejan las virtudes cívicas Se vuelve los ojos hacia los personajes de la literatura, ya sea clásica o inspirada en las sagas y autores
anglosajones
El arte entre la norma y la rebeldía
Trayectoria
David y el arte comprometido
1748. Nace el 30 de Agosto 1764. Ingresa en la Real Academia 1792. Participa en la Convención Nacional 1794. Es arrestado, encarcelado y después liberado 1799. Se convierte en el pintor oficial de Napoleón 1815. Exilio en Belgica tras la caída de Napoleón 1825. Muere en Bruselas
.- Antíoco y Estratónice .- Muerte de Séneca .- Belisario pidiendo limosna .- El juramento de los Horacios .- El juramento del Juego de Pelota .- Muerte de Marat .- El rapto de las sabinas .- Retrato ecuestre de Napoleón en el monte San Bernardo .- La coronación de Napoleón .- Napoleón en su estudio «Los lictores llevan a Bruto los cadáveres de sus hijos»
Sus composiciones se basan en una clara simplicidad y en el predominio de la línea sobre el color, en
consonancia con la nueva tendencia a la austeridad y el estoicismo Presenta contornos precisos, formas cinceladas, virtuosismo en la reproducción de la diversidad de
texturas y superficies perfectamente acabadas. Predominan los temas de historia clásica y las escenas bíblicas. Las pinturas históricas están llenas de teatralidad y están concebidas con el fin de ennoblecer y moralizar. Colocaba a las figuras políticas de la época en papeles heroicos del pasado lo que le permitía presentar a
los líderes del país como gobernantes legítimos, con la misma categoría que los de la antigüedad. Sus retratos idealizan siempre a sus modelos. Alcanzo gran renombre por la claridad con que transmitía al espectador el mensaje moral de sus cuadros.
Estilo
Obras principales
Discípulos e influencias
Jean Auguste Dominique Ingres
Trayectoria
1780. Año de 1797. Estudia con David 1801. Gana el Premio de Roma 1834. Director de la Academia Francesa de
Roma 1845. Recibe la Legión de Honor 1867. Muere el 14 de enero
Estilo
Trazo lineal y suave. Su tratamiento de los temas transmite una
sensación de fría objetividad Atención meticulosa al detalle, acabado
minucioso Los desnudos femeninos crean un efecto de
austera sensualidad Famoso sobre todo por sus retratos
Monsieur, Madame y Madeimoselle Riviere Napoleón I en el trono imperial La bañista de Valpincon Jupiter y Tetis La gran odalisca El baño turco
Obras principales
Visionarios y rebeldes
Pintor de origen suizo (1741-1825) Se instala en Roma en la década de 1770 para estudiar a Miguel
Ángel y los manieristas De ellos toma: los gestos arrebatados, músculos contorsionados,
sombras plúmbeas y distorsiones ópticas Elaboró su propio código plástico influido por su conexión con el
movimiento STURM und DRANG y Winckelmann Manifiesta su fascinación por las ruinas clásicas y los grabados de
Piranesi Gusto por la estética de lo sublime: terror misterio angustia
Heinrich Füssli
A-J Gros. Admirador de Rubens, introducirá elementos románticos en sus obras. Imitado por Delacroix y Géricault
Prud´hom Gerard Girodet
Filósofo, poeta y grabador. Figura imprescindible en el nacimiento del mundo romántico. Visionario centrado en su propio mundo, fue desde su más tierna
infancia víctima de visiones celestiales. Renuncia a los cánones clásicos para crear un nuevo sistema
plástico. Consideraba el grabado, la acuarela y la pintura al temple, medios
mucho más adecuados que la pintura al oleo, para transmitir la espiritualidad.
Se inspiró en la Biblia, Shakespeare, Divina Comedia y sus propios poemas.
Obras principales: .-Poemas iluminados .-Newtón .-Nabucodonosor .-Imágenes sobre el trato a los esclavos negros
Obras principales: .-El artista conmovido por la grandeza de las ruinas
.-Ilustraciones del Infierno de Dante .-Ilustraciones de Macbeth de Shakespeare .-Juramento sobre el Rütli .-La Pesadilla. Su obra más divulgada.
William Blake
Otto Runge
Uno de los mayores exponentes del romanticismo alemán Poseía una visión panteísta del universo que le llevó a buscar en todas
las cosas el espíritu que las animaba. Flores y niños figuran entre los motivos preferidos del artista Obras destacadas:
.-El proyecto sobre los momentos del día del que sólo nos ha quedado La Mañana
La excepción de Goya
Trayectoria
Pintor de éxito a partir de unos comienzos difíciles en Zaragoza. Pintor del rey a partir de 1786, Goya retrata a la alta sociedad madrileña. En 1789 es nombrado pintor de cámara de Carlos IV En 1792 y a raíz de una grave enfermedad queda sordo En 1808 la monarquía española se derrumba. Goya representa la
ferocidad humana en la serie Los desastres de la guerra, y los dos lienzos maestros del Dos y Tres de mayo de 1808
Características y estilo
Obras principales
En 1814 el rey Fernando VII vuelve a Madrid y Goya es restituido en su cargo de pintor oficial.
En 1819 compra la Quinta del Sordo, que decora con escenas fantasmagóricas e impactantes.
Muere en su exilio voluntario en 1828
Caprichos. Reflejan la sociedad de finales del S XVIII, sus vicios y supersticiones, la situación de las mujeres…También están presentes las obsesiones del artista. Unas inscripciones establecen el mensaje moralizador de estos grabados didácticos. .-Ej. Grabado número 43: El sueño de la razón produce monstruos
Retratos pintados hasta el inicio de la Guerra de la Independencia. .-Condesa de Chinchón
.-La familia del Infante Don Luis .-La familia de Carlos IV Los desastres de la Guerra. Conocidos muchos años después de la muerte del pintor,
constituyen una serie de escenas terribles y pesimistas. Cuadros de historia tras el drama bélico
.-Carga de los mamelucos .-Fusilamientos del tres de mayo Serie sobre Tauromaquia. Disparates. Vuelve sobre los vicios, la intolerancia y las supersticiones de la sociedad. Pinturas de la quinta del Sordo. También llamadas Pinturas Negras.
.-Saturno devorando a sus hijos .-El Aquelarre .-Las Parcas
Se considera uno de los románticos más puros y geniales, al mismo tiempo que es citado como representante del neoclasicismo.
La crisis política y social, los desengaños y la sordera transforman su percepción amable de la vida en una crítica pesimista.
Fiel al espíritu del siglo de las luces, condena los vicios y la perversión. Como retratista se muestra cruel y lúcido, pero tierno con la infancia. Abandona la imitación de la naturaleza para entremezclar en sus obras razón y sin razón. Introduce elementos propiamente románticos: lo extraño, exótico, grotesco, ,misterioso, sobrenatural,
fantasmas, vampiros… Buscó encuadrar sus obras en escenarios fantásticos e irreales y ganar expresividad con la menor cantidad
posible de elementos. Sus cuadros históricos desmitifican el heroísmo de las batallas y muestran su fiereza, sustituyendo la gloria
por el horror. Asocia de manera satírica el animal con el hombre. Introduce en sus escenas a multitudes anónimas Las superposiciones de color recuerdan a Rembrandt y las pequeñas pinceladas entremezcladas anuncian la
técnica impresionista.
Técnica de aguafuerte (plancha metálica cubierta de barniz, se dibuja (araña) con punta metálica y se mete en ácido nítrico que muerde sólo la zona sin barniz, dejando un dibujo. Se
entinta y se hacen las copias)
Técnica de aguatinta: se granula la plancha esparciendo granos de resina o betún que
por calentamiento se adhieren a la superficie metálica. A la vez se hace el dibujo y se protege con barniz
las zonas que quedarán en blanco. Cuando se mete en ácido, éste actúa en los
huecos dejado entre los granos y en el rayado del dibujo que puede hacerse con una gran variedad
de tonalidades grises, rompiendo el claroscuro continuo.
Luz vibrante, que potencia contraste entre blancos
intensos y oscuridad extrema (refuerza la tensión)
Líneas más perfectas con gran
carga expresiva
Estampas satíricas. Crítica a la sociedad
de su época. Censura los retiró
“Los Caprichos”: El sueño de la razón
Bibliografía: UUDD. ARTE CONTEMPORANEO-SIGLO XIX. UNED Realizado por Mª Jesús Martínez Muñoz
TEMA 2 EL ROMANTICISMO, UN NUEVO SENTIMIENTO ARTISTICO 1.- LAS LÁGRIMAS DEL ROMÁNTICO
ROMANTICISMO Y REVOLUCIONES
o EN ALGUNOS PINTORES, LÍMITES DIFUSOS : CLASICISMO vs ROMANTICISMO DAVID vs GOYA DAVID vs FÜSSLI
CARÁCTERÍSTICAS o DEL ESTOICISMO VARONIL AL HOMBRE… o Sensible, que llora, se estremece… o La pureza de corazón (Los sufrimientos de Werther) o Rechazo a las normas clásicas o Inspiración literaria y revalorización de lo medieval o Individualidad creadora
Espontaneidad y vitalismo La naturaleza Sensibilidad frente a raciocinio La nostalgia Contemporaneidad Exaltación de la libertad Subjetividad intuitiva
Experiencia de los sentidos Las vivencias personales
NUEVOS MOTIVOS, NUEVOS TEMAS
o Los niños y el pueblo o La sensibilidad femenina, la belleza, lo sublime, la fealdad o El boceto y la caricatura o La acuarela
2.- COLOR Y RIESGO: EL ROMANTICISMO FRANCÉS NEOCLASICISMO
o Revolución e Imperio o Antigüedad greco-romana para legitimar el presente o J. L. David
ROMANTICISMO o Derrota del heroísmo nacional. Napoleón o Inestabilidad política o Nueva estética
LOS DISCÍPULOS DE DAVID ANTOINE-JEAN GROS (1771-1835)
o Del Napoleón hierático (David, Ingres) al romántico. o Retratista.
o EL TENIENTE CHARLES LEGRAND (1810)
Lleno de vida Cumbres nevadas Fortaleza medieval y cascada al fondo Tópicos del paisajismo romántico
FRANCOIS GERARD (1779-1837)
o Sensualidad blanda, “relamida” (Amparo Serrano de Haro) o LOS CANTOS DE OSSIAN (1760)
Ambiente de penumbra y fantasmagórico
TEHODORE GERICAULT (1791-1824) o Romántico de leyenda o LA CARGA DEL HUSAR o EL CORACERO HERIDO
Dinamismo y escorzo audaz Pincel brioso y colorido cálido Simbolismo
o LA BALSA DE LA MEDUSA
Salón de 1819 Inspirada en un hecho real y contemporáneo Crítica política y sensacionalismo del horror Composición piramidal y tratamiento clásico del desnudo (M. Ángel) Contraste estético
o RETRATOS DE LOCOS o MIEMBROS AMPUTADOS
EUGENE DELACROIX (1798-1863) o Temas literarios o Expresión de sentimientos fuertes
Odio y temor Piedad y erotismo Reflejar el momento de la emoción
o Delacroix vs Ingres Miguel Ángel – Rafael Colorismo, temas arriesgados - libertad de línea, ensoñación pictórica Lo romántico frente a lo académico
o LA BARCA DE DANTE
Salón de 1822 Influencia la Balsa de la Medusa de Gericault Influencias literarias
Dante, V. Hugo, Byron, etc. Exhibición de anatomías (Rubens) Tópicos del romanticismo
Ciudad en llamas y cielos tormentosos Hervidero de cuerpos
Gros y Thiers lo elevan a la categoría de geniO
o LA MUERTE DE SARDANÁPALO (1827)
Terrorífica y sensual Orgía en la que Eros y Tanatos se dan la mano Ritmo endiablado de las figuras Crítica negativa
Falta de perspectiva Deficiencias del dibujo
o LA LIBERTAD GUIANDO AL PUEBLO (1830)
Vuelta a cánones compositivos tradicionales La composición triangular
Imagen realista y alegórica
o ETAPA ORIENTALISTA Y EXÓTICA Viajes por Marruecos y Argel Vivos colores en las acuarelas que se pierden en sus óleos Riqueza expresiva en la pincelada Importancia del color pero muy ligada a los tonos oscuros Uso del betún y las sombras marrones
o DECORACIÓN DE EDIFICIOS
Ayuntamiento, Senado, Louvre, etc. Temas bíblicos y de la antigüedad
JEAN-AUGUSTE DOMINIQUE INGRES (1780-1867)
o Vida distinta de Delacroix o Triunfa en la madurez o Largas estancias en Roma. Director de la Escuela Francesa o Estilo personal
Lo importante es la línea Precursor de los deformadores Uso peculiar del color
A veces recupera los tonos claros del rococó No usa el marrón propio de la época
Equilibrio plástico en su dibujo Análisis psicológico Originalidad creativa Dibuja cuerpos soñados pero no, por ello, menos verdaderos Ubicado, críticamente, en el neoclasicismo puro, frente al romanticismo y las
vanguardias. Era “como un chino extraviado en las ruinas de Atenas”, decía de él Theodore Silvestre
o Obras sobre artistas del renacimiento RAFAEL Y LA FORNALINA MUERTE DE LEONARDO DA VINCI PIO VII EN LA CAPILLA SIXTINA
o Mitológicas
JUPITER Y TETIS LA APOTEOSIS DE HOMERO
o Retratos
COMTESSE D´HAUSSONVILLE PRINCESSE DE BROGLIE MME. DE SENNONES
o LA GRAN ODALISCA (1814) o EL BAÑO TURCO (1862) Enlazan con
Degas y de éste a Picasso y Matisse
3.- UNA BELLEZA DISTINTA, LOS ARTISTAS ROMÁNTICOS INGLESES
LOS PAISAJISTAS o El amor a la naturaleza o La amenaza de la industrialización o La nostalgia de lo rural
JOHN CONSTABLE (1776-1837)
o CARACTERÍSTICAS El paisaje como género (menor) Reconocimientos de Delacroix y Gericault Germen de Barbizón e impresionistas Paisajes de Suffolk Las nubes y el valor de la luz Pincelada suelta y ligera Composición armoniosa y dibujo previo Evocación del deleite del paseante campestre Los pequeños detalles en una visión general
o OBRAS LA BAHÍA DE WEYMOUTH EL CARRO DE HENO CATEDRAL DE SALISBURY DESDE LA RESIDENCIA DEL OBISPO
JOHN ROBERT COCENZS (1717-1786) o Las manchas “Blots” o Dibujos semiabstractos o Influye en Constable, Turner y Girtin
TOMAS GIRTIN (1775-1802)
o Lucha por el reconocimiento de la acuarela
JOSEPH MALLORD WILLIAN TURNER (1775-1851) o PRIMERA ETAPA
Pintor precoz, sin formación pictórica Facilidad para el dibujo y la acuarela Paisajes y arquitecturas realistas Pintoresquismo “El Gran Tour”
o SEGUNDA ETAPA Contactos con Delacroix y los románticos franceses Experimentación con el color y percepción visual: Creciente abstracción Desprendimiento del dibujo por el color
LA ÚLTIMA SINGLADURA DEL FIGTHIN TEMERAIRE (1838) o Homenaje a aquellos que han de alcanzar la gloria
o ULTIMA ETAPA. Influido por: Análisis de Goethe Descubrimientos científicos M. Faraday. Relaciones entre materia y energía
LUZ Y COLOR (1843) TEMPESTAD
LOS VISIONARIOS
o Mas ilustradores que pintores o Sesgo poético y misterioso al dibujo neoclásico
o Ilustraciones de libros de sagas medievales y religiosos: la Biblia, Dante, Milton o Imaginación: Visiones alucinadas o Simbolismo del inconsciente colectivo
WILLIAN BLAKE (1757-1827) o Visionario y poeta místico o Ilustra sus obras con grabados
Lo esotérico y lo fantástico. Libro de Job. La Divina Comedia EL PECADO ORIGINAL
FÜSSLI (1741-1825)
LA PESADILLA
LA HERMANDAD DE LOS PRERAFAELISTAS o Fundada en 1848. Pintores y poetas o “The germ”, La semilla
o Polémica por el tratamiento de libros sagrados: Dickens o Protegidos de John Ruskin o Recuperar la mirada limpia de los pintores anteriores a Rafael o Frente a la Academia de Bellas Artes y su director, Joshua
Reynolds o Buscan el advenimiento del arte religioso o Colores vivos y formas alargadas (Aspecto de vitrina gótica) o Obras basadas en literatura, fábulas moralizantes, etc. o Decoración y artes aplicadas:
Papeles pintados, muebles, vitrinas, cerámica, etc.
DANTE GABRIEL ROSSETTI (1828-1882) o Formas alargadas o Suave curva (A veces formando arabescos) o PROSERPINA (1874)
Ideal femenino y decorativo de la Hermandad
FORD MADOX BROWN (1821-1893) EDUARD BRUNE-JONES (1833-1898) WILLIAN HOLMAN HUNT (1827-1910) JOHN EVERETT MILLAIS (1829-1896) WILLIAM MORRIS (1834-1896)
o GINEBRA
4.- EL ARTISTA ALEMAN Y EL PAISAJE DEL ALMA
Sustitución de la pintura histórica por el paisaje El lenguaje heroico y retórico por la naturaleza y el silencio Creación de un simbolismo natural eterno PHILIP OTTO RUNGE (1777-1810)
o Teoría sincrética sobre el arte del paisaje romántico Se pueden expresar los estados anímicos mediante símbolos y alegorías naturales
o Basada en la teoría de los colores de Goethe o Influyó poco en otros pintores
LOS MOMENTOS DE LA MAÑANA Fusión de símbolos cristianos y paganos La luz: fenómeno natural y mensaje espiritual
GASPAR DAVID FRIEDRICH (1774-1840) o Simbolismo natural:
Las estaciones Las horas del día Elementos verticales y horizontales
o Ambiente de desnudez franciscana
o Alegorías y espiritualidad ascética o Motivos aislados envueltos de soledad o El hombre enfrentado al cosmos
MONJE A ORILLAS DEL MAR o La religiosidad no puede encerrarse en cuatro paredes
ABADÍA EN EL ROBLEDAL
ROCAS CALCAREAS EN RUNGEN CAMINANTE SOBRE MAR DE NIEBLA
o Obras de mirada interior o Perfecta composición y dominio de la luz o Realismo en los detalles o Influido por intelectuales y poetas. Novalis o Influye en:
CARL GUSTAV CARUS (1789-1869)
EL MONUMENTO A GOETHE
GEORGE FRIEDRICH KERSTING (1785-1847) ERNS F. OEHME (1797-1855)
o Que buscan: Alegorías sencillas y naturales Estilo realista y contenido Dibujado más que pintado y detallista El paisaje como motivo principal
LOS NAZARENOS
o Viena 1809 o Se rebelan contra el neoclasicismo de la academia o Se van a Roma o Buscan restablecer la pintura religiosa anterior a Rafael, en la línea de Fra Angélico y
Durero. o Cuadros algo ingenuos. o Dibujo sereno y colorido local
JOHN FRIEDRICH OVERBECK
o ITALIA Y GERMANIA (1828) CARL SPITZWEG
o EL POETA POBRE (1839)
5.- LA ESPAÑA ROMÁNTICA
Tarda tiempo en calar y de manera limitada Mito e imagen de viajeros concuerdan con ideales románticos Fuerte control de la Academia Liceos, Ateneo, revistas y nueva clientela burguesa favorecen las nuevas actitudes Límites imprecisos Convive varias décadas con otros estilos y objetivos Proclama de la generación romántica
o UNA LECTURA DE VENTURA DE LA VEGA EN EL ESCENARIO DEL TEATRO DEL PRÍNCIPE (1845) ANTONIO ESQUIVEL (1806-1857)
LOS NAZARENISTAS
o JOAQUÍN ESPALTER o GERMAN HERNÁNDEZ AMORES
RETRATISTAS
o FEDERICO MADRAZO (1815-1894) Demanda de aristocracia y burguesía Crea ambientes delicados y exquisitos Se aleja del aparato neoclásico Composición serena Interés por el dibujo (Ingres)
o OBRAS LA CONDESA DE VILCHES (1833) CAROLINA CORONADO
COSTUMBRISTAS
o Motivos populares y folclóricos o Difunden los tópicos y el mito romántico de España o Cuadros de pequeño y medio tamaño
ESCUELA SEVILLANA o VALERIANO DOMÍNGUEZ BECQUER (1833-1870) o Imágenes andaluzas y expresiones festivas o Colorista y realidad amable
LA FUENTE DE LA ERMITA (1867)
ESCUELA MADRILEÑA o Más crítica o Imágenes amargas y violentas o Colorido más sombrío y terroso o Influidos por Goya
LEONARDO ALIENZA o Prototipo de artista bohemio e incomprendido o Muere joven o Satírico
SUICIDIO ROMANTICO POR AMOR (1830)
EUGENIO LUCAS (1817-1870) o Critica a la Inquisición o Escenas corrosivas y violentas o Técnica suelta, sin dibujo o Empaste característico del expresionismo Goyesco
PAISJISTAS
o JENARO PÉREZ VILLAMIL (1807-1854) Influencia pintores británicos Escenas y rincones de España Escenarios monumentales, medievales, ruinas Connotaciones históricas Luminosidad
SEVILLA EN TIEMPOS DE LOS ÁRABES (1848) SAN JUAN DE LOS REYES
Realizado por: Fernando Fabian Sanchez Cordero.
Gustave Doré (London: A Pilgrimage (1872) Bajo el ferrocarril)
TEMA 3-A. LA TRANSFORMACIÓN DE LA CIUDAD
La Ciudad en el Siglo XVIII
- Es el escenario de la Modernidad, seno de todos los cambios históricos, sociales, culturales y económicos. - Es la revolución Francesa y la era Napoleónica la que sientan la concepción de la idea de CIUDAD MODERNA. - Carlo Aymonino es quien nos habla del poder de la burguesía como parte de la transformación de la ciudad.
1. INTRODUCCIÓN
La Ciudad en el Siglo XIX
Los estilos arquitectónicos que nacen del historicismo de la Ilustración y el Neoclasicismo van a producir en la ciudad un cambio según Graragnuolo, pasando de ciudad-monumento a ciudad-servicio.
La funcionalidad de la ciudad va ha verse presionada por la constante afluencia de población proveniente del campo debido a las mejores agrícolas, que van ha hacer menos necesaria la mano del hombre produciendo excedente poblacional, que aprovechando las mejoras en las comunicaciones (ferrocarril) se traslada a los núcleos urbanos causados problemas de aglomeración urbana.
Se comienza entonces a diseñar las ciudades del progreso que a pesar de la búsqueda de la modernidad, va a mantener el planteamiento de restauración y adecuación de la ciudad antigua, debate que llegará al siglo XX.
Desde este momento se va a intentar dar solución a esa masa obrera descontenta que es un peligro, se intentará desde planteamientos utópicos o socialistas y dará al debate que planificara la ciudad del futuro.
- Hay un interés en mejorar el trazado. - Se renuncia a una concepción unitaria de la ciudad para ver una ciudad diseñada por partes, gracias a las teorías de Laugier (Essai Sur L´Architecture). - Francesco Milizia plantea a finales del siglo la necesidad de infraestructuras de saneamiento, alcantarillado, empedrado, etc., y la necesidad de extraer de la ciudad cementerios y hospitales. - Se cree como conveniente la aparición de calles y avenidas amplias que faciliten el transito comercial y laboral y el asueto de la población. - Se derriban las antiguas murallas al perder la función defensiva.
W.N. Pugin (Contraste Entre ciudad moderna y ciudad católica)
2. LOS PROBLEMAS DE LA CIUDAD INDUSTRIAL Y LAS PROPUESTAS ALTERNATIVAS
Se va a producir la transformación de la ciudad antigua a la ciudad industrial, ciudad donde van a convivir estructuras antiguas junto con nuevas.
Se produce una aceleración en la transformación de la ciudad que no habia sucedido antes, impulsado por unos factores nuevos: Aumento demográfico (duplicación de la población entre 1800 y 1900). Las ciudades
importantes acapararán el mayor crecimiento como Londres y Paris. Se producirán consecuencias que afectan a la masa obrera:
Problemas de saneamiento y abastecimiento de agua. Hacinamiento en las viviendas.
Todo esto unido a los bajos salarios y unas malas condiciones laborales haran detestar a la ciudad industrial y dar soluciones diferentes.
Médicos , políticos y filósofos comienzan el estudio de precariedad surgida en la urbe. Estos estudios médicos revelan una mayor mortalidad urbana que rural. Toda esta precariedad lleva a el planteamiento de leyes que luchen contra ello, como la Public Health Act. En otros ambitos se estudia la imposibilidad de proporcionar felicidad que tiene la nueva ciudad industrial, planteando los autores en sus obras una añoranza de la ciudad antigua, ensalzando sus valores y criticando los males de la nueva ciudad industrial. Es en este momento cuando todas las tendencias intentan dar solución a los problemas aparecidos con el impulso de la ciudad industria.
3. DESDE LA UTOPIA
New Lanark
New Harmony
Falansterio
Aparecen tendencias utópicas que no solo niegan la ciudad tradicional sino que cargan contra la sociedad surgida de la revolución industrial y plantean um cambio em El que El dinero no actue sobre la sociedad.
- Crea New Lanark que ligada a una fábrica de hilado en la que no se explota al obrero en un intento de crear una comunidad en la que la educación y el trabajo mejoren al individuo y a la producción. - Plasma su pensamiento en el diseño de Harmony en el que una comunidad vive en una parcela cuadrada, con una casa con espacio para una pareja con dos hijos (los hijos que se excedan viviran en otra residencia aparte). Pero su idea no prosperará.
Robert Owen
También nos encontraremos con personajes como Charles Fourier y Etiene Cabet dos socialistas utópicos, que no solo redactaron diseños urbanos sino que incluyeron nuevas formas de organización social y política.
- Realizo un análisis de la sociedad capitalista y la posibilidad de un nuevo orden social.
- Creía en la existencia de una Ley Universal que nos lleva a la asociación.
- El plantea que tras superar la sociedad competitiva y tras unos periodos de perfeccionamiento, se puede llegar a la armonía.
El Falansterio será su obra, una sociedad formada por 1620 individuos que funcionarían autónomamente y cada uno de sus miembros obtendría beneficio según la participación en el capital y en el trabajo de la comunidad. Se estructura como un edificio central de administración y dos laterales, uno haría la función de vivienda y el otro de industria de forma simétrica y articulado por un patio central.
Charles Fourier
Diseña un mundo comunitario sin propiedad privada. Tuvo seguidores en Cataluña como Antonio Monmany, el cual propuso la creación de comunas, ubicándolas en las desamortizaciones eclesiásticas como el de la Cartuja de Montalegre.
Etiene Cabet
Planteo otra propuesta distinta, una ciudad obrera, construyo en su fabrica viviendas para los obreros con terreno cultivable a los que otorgo además un sistema de seguridad social y de reglas sociales con el fin de mejorar las condiciones de sus obreros.
André Koechlin
4. LAS INTERVENCIONES TÉCNICAS EN LAS CIUDADES
La crítica al urbanismo y a la situación de este en la primera mitad del XIX, con grandes problemas de aglomeración y con graves problemas de saneamiento, echos que hacen reflexionar a técnicos y funcionarios que vieron en este hacinamiento un caldo de cultivo para huelgas y revueltas. Se realizan normas y se realizaron intervenciones con el fin de controlar el desarrollo de las urbes. Comienzan los grandes planes para las poblaciones en paises con gobiernos fuertes como Francia, Inglaterra y Alemania.
Thomas Cole “El sueño Del arquitecto”
Ludwig Von Zanth “Pabellón de Villa Vilhema”
Ildefonso Cerda publica su teoría de la urbanización, que aunque no sigue la idea trazada , si que plantea una nueva forma de urbanización en los ensanches de Barcelona uniendo lo científico y lo artístico sin respetar lo tradicional, se plantea una urbanización mas pensada para la higiene y la movilidad. Crea una maya ortogonal que incluye lo antiguo y que aunque es monótona es ampliable según el diferente auge económico y funcional. Otra creación de las grandes urbes son las grandes avenidas que unen el centro con la periferia.
5. NUEVAS TIPOLOGÍAS Y “REVIVALS”
La obra de Thomas Cole “El Sueño del Arquitecto” muestra todo con lo que cuenta un arquitecto a la hora de llevar a cabo una construcción, desde la arquitectura egipcia a la neoclásica, pasando por todo los grandes periodos constructivos. La obra de Cole enlaza con la de Durand, en donde todos se entremezclan los edificios de todas las épocas. Durand fue el codificador de la tipologías arquitectónicas que incluyen tanto templos como palacios, como hospitales, museos, bancos, escuelas, cementerios, edificios de viviendas, etc, adecuando la elección del etilo a la función del edificio. Los estilos mas exóticos, como el chino, el indio o el árabe serán utilizados para la elaboración de edificios de diversión o descanso, Por ejemplo “El pabellón de villa Vilhema” realizado en estilo policromo árabe. Parques, Alamedas, Bulevares arbolados, van a ocupar un espacio necesario en los trazados de las ciudades burguesas, en estos jardines se colocaran ruinas, templos, kioskos o incluso enormes lagos artificiales, en un intento de acercar la naturaleza a los habitantes de la urbe. El neogótico va a ser la representación del edificio religioso aunque va a chocar con las tradiciones nacionales y con las arquitecturas civiles.
Henri Labrouste “Biblioteca de Sainte-Genevieve”
.
William Inwood “Iglesia de San Pancras”
6. REVIVALISMO DE LO CLASICO
El clasicismo fue el estilo que mejor se adapta a la arquitectura oficial, aunque el uso del Renacimiento fue muy común debido a que las academias de arquitectura lo utilizaban como modelo de enseñanza. Desde la academia Beanux-Arts de Francia, se enseña los modelos de la antigüedad apareciendo obras como la iglesia de la Madelaine, el arco de la estrella o el palacio de justicia de Lyon. Aunque esta muy presente el gusto por el Renacimiento gracias a los arquitectos de Napoleon, Piercer y Fontaine, arquitectos jóvenes que proponen nuevos modelos sin apartarse del renacimiento que queda reflejado en obras como la Biblioteca de Sainte-Genevieve de Paris.
Incorpora a su iglesia de Saint-Vicents de Paul y a otros edificios civiles, decoraciones pictóricas, que recuerdan su interés por la arqueología. Sus estudios le llevan a demostrar que la decoración pintada de la arquitectura griega esta relacionada con la importancia de las formas arquitectonicas
Jacques Ignace Hittoff
Narciso Pascual y Colomer “Congreso de los Diputados”
La ciudad de Londres se convirtió en el escenario del reinado de Jorge IV y de una floreciente burguesía que construyeron con estilo neogriego y un clasicismo no canónico. Aparecen en este momento obras como la iglesia de San Pancras con un pórtico de cariatides. William Wilking termino la Nathional Gallery con un convencional clasicismo, al igual que Robert Smirke termina el British Museum, espirandose ambos en un clasicismo griego. En Edimburgo prolifera el gusto por lo neogriego siendo resaltado por la piedra blanca de Craigleith.
Desarrollo un estilo donde se combinaban perfectamente lo romano, griego, renacentista y barroco, realizando importantes edificios en Bristol y Liverpool para entidades bancarias.
Charles Robert Cockerell
En España se vive hasta muy tarde de los modelos Neoclásicos que eran enseñados hasta la apertura de la Escuela de Arquitectura en Madrid. Los textos de Formes y Gurrea no tienen que ver con los proyectos de Durand y si con la tradición, sus modelos de plaza porticada se observan en la Plaza Nueva de Bilbao de Silvestre Pérez y Goicoechea. No fue abundante la construcción en la primera mitad del siglo XIX. El Congreso de los Diputados de Madrid construido por Narciso Pascual y Colomer, es el inicio del periodo isabelino con un clasicismo al igual que el de los países de nuestro entorno.
7. ALEMANIA, ENTRE EL NEOGRIEGO Y LA BUSQUEDAD DEL ESTILO NACIONAL. SCHINKEL Y KLENZE
Los reinos que componen Alemania a pesar de su diversidad geográfica y política se compartía un modelo estético salido del Romanticismo y del gótico como símbolo del nacionalismo aleman.
Proclama su admiración por los templos de Paestum, pero también por la arquitectura romana y por la figura de Palladio. Su obra Baukunst persiste en la idea de crear una arquitectura alemana que podría ser parecida a la griega.
Johann Wolfang von Goethe
Karlsruhe Markgräfliches Palais
«Altes Museum» en Berlin
Karl Friedrich Schinkel's Elisabethkirche in Berlin
La influencia de Durand y la Ecole Polytechnique de Paris en la formación de los jóvenes arquitectos alemanes, sobre todo influenciando su visión de proyección y diseño de las ciudades. Las numerosas obras en los estados ricos alemanes se acercan a un estilo convencional estraido del renacimiento italiano y del medievalismo que dan a un estilo ecléctico adaptable al destino de cada edificio.
Realiza un proyecto para la ciudad de Karlsruhe que habia experimentado un gran desarrollo urbano en el primer cuarto del siglo XIX, trazo un eje monumental desde el palacio a la puerta sur con la sucesión de plazas de varios diseño. La Markplatz de planta rectangular en la que se sitúa el ayuntamiento, la iglesia y edificios de estilo clásico, uniéndose a las demás construcciones por medio de pórticos.
Friedrich Weinbrenner
Dio vida en Prusia a un estilo que se podría decir era genuinamente alemán. Atendió a una variada clientela con un gusto por lo ecléctico, lo cual le permitió realizar los edificios adaptándoles los distintos estilos históricos. Consiguió fama como arquitecto neogriego gracias a sus obras realizadas en Berlin, “Neve Wache, Schauspielhass y el Altes Museum” pero en esa arquitectura severa, racional y funcional no encontramos nada arqueológico. Acometió también el proyecto del palacio del rey de Grecia en la Acrópolis de Atenas, y el palacio de Orianda en Crimea, donde se deshace de la severidad berlinesa para utilizar mas artísticamente los modelos griegos. Es también interesante el trabajo que realiza en residencias campestres en las que se escabulle de la severidad del clasicismo. En el Schloss Glienicke trabaja con el recuerdo de las villas italianas donde en los jardines aparecen arquitecturas antiguas y medievales. Para la arquitectura religiosa elige el gótico.
Karl Friedrich Schinkel
Leo von Klenze “Gliptoteca”
Al igual que schinkel pero en Babiera utiliza un estilo genuinamente alemán. Se formo en Paris y fue arquitecto de Maximiliano I y Luis I, recibio el encargo de la Gliptoteca de Munich, una monumental construcción de severo pórtico columnado de orden jonico. Recurrió a arquitecturas próximas al Renacimiento utilizando los diseños de palacios florentinos Pitti y Rucellai en el Alte Pinakothek y la Konigsbau.
Leo von Klenze
Sucesor de Klenze, contribuyo con su obra a la consecuencia de un estilo verdaderamente nacional por el uso del arco redondo, un estilo ecléctico en el que se juntan el Románico, Bizantino, Gótico y un primer Renacimiento italiano siguiendo el funcionalismo planteado por Durand.
Friedrich von Gartner
Maximiliano II quiso colocar Munich como banco de pruebas para la construcción de una nueva vía, la Maximilianstrasse. Se convoco un concurso para la construcción del Ateneo cultural, obra que se convertirá en el símbolo de la arquitectura nacional, el ganador del concurso lo diseño con cierto tono gótico que no gusto construyéndose al final en estilo renacentista.
El nacionalismo bávaro tiene su máxime con las fantasías de Luis II, el cual construyo verdaderos escenarios basados en lã obra de Richard Wagner. Como ejemplo se puede destacar el castillo de Neuschwanstein de Eduard Riendel y Georg Dollman momento que recuerda a la obra Parsifal.
Golfried Semper trato con obras en toda Alemania, de liberar a la arquitectura del historicismo para buscar un estilo propio presente. Elabora una teoría sobre la policromía a la cual considera ligada al pensamiento de la sociedad que la utiliza. Como no consigue reflejar el presente, opta por el empleo del renacimiento como asociación a la sociedad democrática.
Castillo de Neuschwanstein
BIBLIOGRAFÍA: EL ARTE DEL SIGLO XIX (Editorial Universitária Ramon Areces) – Mª Dolores Antiguedad, Victor Nieto, Amparo Serrano y Victoria Soto ESQUEMA REALIZADO POR: PEDRO ANGEL PAÑOS GARCIA. Centro Asociado de Cartagena FOTOS: http://www.wikipedia.es http://www.artehistoria.es
TEMA 3. LA TRANSFORMACIÓN DE LA CIUDAD -B
9. William Morris, la fascinación por el gótico
Pugin lo toma de la Edad Media, como modelo regenerador de la sociedad. Casas del Parlamento (1837-1860) junto con Charles Barry: Pugin la Torre del Reloj (Big Ben) Barry la estructura clásica junto al río Támesis y las dos Cámaras, de los Lores y de los Comunes.
A partir de 1850 el neogótico inglés se enriquece con materiales más ricos y polícromos que atraen los fieles a la iglesia renovada: All Saint de William Butterfield o St James the Less de G.E. Street.
John Raskin como Pugin consideró que lo medieval tenía el máximo nivel estético, religión y estética unidos para recuperar el pasado medieval originario: “Cuidad los monumentos y no habrá que restaurarlos”. Dirigió las obras del University Museum de Oxford, realizado por los arquitectos Deane y Woodward.
8. LA PREVALENCIA DEL NEOGÓTICO
10. Francia y la restauración de monumentos: Viollet-le-Duc
Gothic Revival o neogótico inglés
Figura capital del movimiento gótico inglés: arquitecto, decorador, escritor y político. Por el gótico contra la deshumanización del trabajo industrial.
Parte del socialismo utópico, amigo y colaborador de Edward Burne-Jones en la hermandad de los prerrafaelitas. Sólo cambiando la sociedad se podría hacer verdadero arte.
Concepción amplia de la arquitectura, desde la decoración hasta el entorno que rodea la existencia del individuo.
Junto a su ayudante Philip Webb funda una empresa: Marshsall, Faulkner and Co., dedicada al diseño de muebles, vidrios, telas, papeles.
Diseña vidrieras para templos y la decoración interior . La hermandad artística de Morris, Webb y los pintores prerrafaelitas se plasmó en la Red House, muros de
ladrillo rojo cubierta inclinada de teja, ventanas guillotina y chimeneas, de planta sencilla y funcional.
Con la revolución de 1830, con
Luis Felipe de Orleáns. La literatura romántica: Notre Dame
de París (Victor Hugo) se despierta interés por la
arquitectura gótica
1837 se crea la Comissión des Monuments Historiques, allí estuvo Viollet-le-Duc. Su tarea fijar una teoría para restaurar monumentos medievales teniendo en cuenta sus aspectos históricos y filológicos para el conocimiento detallado de la arquitectura gótica. Lassus y Viollet-le-Duc sientan las bases que servirán de modelo en toda Europa. Primeras obras:
Sainte Chapelle de París sobre un proyecto de Lassus. Había sido construido por deseo de Luis IX, San Luis para contener las reliquias de la Pasión de Cristo traídas de Constantinopla. Tenía dos pisos, la cripta estaba en muy malas condiciones. Le devuelve su riqueza primitiva:pinturas, vidrieras, mobiliario con el relicario y la flecha de 70 metros sobre el crucero.
En 1844 Viollet-le-Duc y Lassus comenzaron la restauración de Notre Dame, los hallazgos arqueológicos guiaron su trabajo. A la muerte de Lassus continuó solo. Edificó la flecha del crucero destruida en 1792.Con ayuda de artesanos mediante técnicas medievales se le devolvió su aspecto originario sirviéndose de los restos existentes. Construyó la Sacristía Nueva rodeada de vidrieras y rematada por gabletes y pináculos.
William Blake
12. El Ring de Viena
11. El Plan de París y la labor del Barón Haussmann
Viollet-le-Duc figura capital de la renovación arquitectónica. Sus obras: Dictionnaire raisonnée de l’architecture y Entretiens sur l’architecture, arte y técnica se funden, el uso del hierro como revolución de la arquitectura. Resaltar su investigación sobre la arquitectura militar medieval: La cité de Carcassonne. Sus teorías seguidas por Paul Abadie: Sacré Coeur de Montmatre.
Era necesario por el hacinamiento y degradación sanitaria de los barrios más antiguos.
El proyecto viable por confluir iniciativa privada y control público. Consistió en la aplicación de una red viaria sobre el antiguo trazado
mediante bulevares, vías radiales , se consolidaba la grand croisée con el eje Norte-Sur y Este-Oeste en la plaza Chatelet, se perfilan Étoile, Opera, Madeleine, Bastille, Alma, Trocadero… utilizando monumentos como centros focales.
Arquitecto jefe Victor Baltard al frente de un gran equipo. Árboles en las calles de la ciudad. Nuevos parques: Bois de Boulogne,
Bois de Vincennes, el de Buttes-Chaumont y el de Montsouris se diseñaron a la inglesa con caminos serpenteantes y lagos artificiales.
Nueva arquitectura: residencial, que le ha dado a la ciudad su imagen característica. Primero unir el palacio del Louvre con el de las Tullerías: altas cubiertas amansardadas y abundante decoración escultórica tipifican las realizaciones del Segundo Imperio.
Viena, capital Imperio Austro-Húngaro,modelo de expansión en zonas concéntricas, anillo (Ring). Francisco José I emperador. Tenía una estructura urbana amurallada desde la E.Media completado por un nuevo anillo amurallado, entre ambos un espacio sin edificar. En 1857 el emperador ordena el derribo de las viejas murallas para urbanizar la zona.
El plan de Viena se realizó con escasa ayuda privada, pues la mayor parte del proyecto era para uso público. La ordenación de la Ringstrasse, vía de circunvalación acogería varios conjuntos monumentales intercalados por parques y jardines. El ayuntamiento flanqueado por el Parlamento y la Universidad, el primero destaca por su goticismo (Friedrich von Schmidt) y la última por un neorrenacimiento muy decorado al gusto francés (Ferstel) autor también de la Iglesia Votiva, un gótico con agudos pináculos e inclinadas cubiertas de cerámica vidriada bicolor. La plaza de los museos: museo de Historia del Arte y de Hª Natural de un renacimiento tardío, planta longitudinal centrada por cúpula octogonal, rematada con balaustrada coronada por estatuas. Sorprende por su monumentalidad y arquitectura imperial.
1868 II República Francesa y en
1851 emperador Luis Napoleón III promoción obras
públicas, remodelación de la ciudad dirigida por Haussmann:
Plan de París
Biblioteca
Edificios representativos del París de Napoleón III Teatro de la Ópera de Garnier. Punto focal de uno de los
“Carrefours” de Haussmann. Riqueza escultórica, monumentalidad que consolida el estilo Segundo Imperio, estela seguida en el casino de Montecarlo, en Europa y en América con grandes almacenes en el estilo de La Samaritaine o la Belle Jardinière.
Ampliación de la Biblioteque National, donde Henri Labrouste añadió una sala de lectura y un pabellón para depósitos con novedades como la incorporación del hierro visto.
Mercado de Les Halles, totalmente edificado en hierro por Baltard. Vías de acceso a la ciudad: caminos, puentes, tendidos ferroviarios. El París de Napoleón III representa la nueva sociedad y la
modernidad
El arquitecto Camillo Sitte (Viena) criticó en su libro Construcción de ciudades según principios artísticos la uniformidad de las ciudades modernas y planteó la necesidad de recuperar la irregularidad de los espacios históricos, aunque reconoció el valor de la distribución y la arquitectura del Ring de Viena. Él defendía un diseño menos monumental de las plazas y encrucijadas de las calles. Era el debate sobre cómo conectar la ciudad antigua con la nueva urbe industrial.
Ayuntamiento
Museo de Historia Natural
BIBLIOGRAFÍA: Del Castillo-Olivares, Mª D., y otros: El arte del siglo XIX.Madrid,C.E.Ramón Areces,2010 Colección Hª del Arte, Tomo 15, Barcelona, Salvat, 2006 ESQUEMA REALIZADO POR: Carmina Magdaleno Florentín. Centro Asociado Elche FOTOS: http://www. Wikipedia.es
EL ENTIERRO DE ORMANS.- COURBET.
TEMA 4: El arte burgués y la revolución. El Realismo.
Nueva preocupación por lo real frente al sentimiento de lo objetivo y científico frente a lo subjetivo.
Pero el Romanticismo no desapareció. Permaneció con corrientes diferentes.
Al tiempo que el Romanticismo surge nueva concepción de la realidad (Augusto Conte y el Positivismo) observación de los fenómenos reales. GRANDES CAMBIOS:
Revoluciones de 1848: anteriormente Karl Marx formula: El materialismo dialéctico Socialismo científico
Y se producen: Gran ascenso de la Burguesía Desarrollo industrial. Transformación de las ciudades. Aparición proletariado urbano.
Tensión que afectó al proletariado por: Descontento político Crisis económica.
SE PRODUJERON CAMBIOS EN: El Arte:
Nuevo sentido de la descripción. La Filosofía:
Realidad frente a elucubración. La Literatura.
Se abandonan Modelos y Mitos antiguos
0. El nuevo valor de lo real: 1.
EL REALISMO: La Pintura:
La primera en adoptar esta nueva forma de hacer. Tuvo críticas y repulsa.
Con “El entierro de Orman”- Gustave Courbet, 1849 Delecluze afirmaba: “El realismo es un sistema de pintura salvaje donde el arte es envilecido y degradado.”
Idea que se prolonga hasta el siglo XX.
¿QUÉ ES EL REALISMO?
Su definición es compleja y se ha aplicado de forma incorrecta. A corrientes del Barroco. Preocupación por lo real frente a realismos anteriores.
Flamencos del XV Barrocos del XVII
Courbet rompe con: o Componentes pictóricos y o Los sustituye por otros realistas.
Parece que es preferible hablar de varios realismos.
Definidor del Realismo. Entre 1848 y 1850 realizó: L' après diner a Ornans (1849), El entierro en Ornans (1850) o Los paisanos de Flagey volviendo del campo (1850),
o En los que los personajes están representados con toda su vulgaridad, o con una sensualidad comprometedora.
o Sus cuadros fueron un escándalo debido a romper valores preestablecidos. o Ruptura ideales de perfección y belleza o Colores agresivos.
Aunque en Homme a la Pipe: o Demuestra que es capaz de mostrar la belleza. o Rechazo de lo convencional y preestablecido.
2. El problema del realismo y los inicios del compromiso.
3. Courbet y el realismo moderno.
L' après diner a Ornans El Enterro en Ornans Los paisanos de Flagey volviendo al campo
Hombre con pipa (Autoretrato)
4. La caída de las diosas.
Aceptación del nombre Realismo: Courbet lo aceptó en 1855, en una exposición suya que el pintor llamó: El Realismo de Gustav
Courbet. De todos los pintores realistas , PUES, el más importante es Gustave Courbet: (1819-1877), figura simbólica
y casi legendaria para los artistas del Realismo. Comenzó como pintor romántico pero pronto abandonó esa postura y buscó la realidad de los temas populares.
Sus dos obras más famosas: El picapedrero y Un entierro en Ornans, le valieron el despre¬cio y la segregación de la burguesía
francesa. Del último cuadro se dijo que “el realismo es un sistema de pintura salvaje en que el arte esta envilecido y
degradado”. Tanto horror causa en Francia la pintu¬ra realista de Courbet, produjo un auténtico escándalo entre la
socie¬dad burguesa, como lo producían las novelas de Eugene Zola. En la exposición de 1855 le fue rechazado su cuadro "Un entierro en Ornans” y la otra gran obra: El taller
del pintor. Entonces Courbet organiza su propia exposición que tiene un gran eco en toda Europa. Courbet causa extraordinaria impresión en algunos pintores que después serían los padres del Impresionismo
como Manet y Monet. En 1867 es desterrado a Suiza porque la burguesía "democrática y el pueblo de Francia no podían consentir tal
subversión de los valores sociales y morales de la tradición”. Courbet llega a virtuosismos técnicos sin precedentes. Pinta todo lo que se le pone por delante con igual
cariño: hombres, animales, bosques, naturaleza. Todo es digno de ser representado por este insobornable realista. Desde su técnica al Impresionismo sólo hay
un paso En 1830 se produce un movimiento de gran importancia que, aunque convive con la pintura romántica
francesa, se despega de ella en los temas y en la técnica, preparando el advenimiento de la pintura rea¬lista.
Unl entierro en Ormans El Taller del Pintor.
Autorretrato con perro negro, 1842
Una pintura dentro de este tema muy conocida es “El Origen del Mundo.”En él
prescinde de cualquier tipo de aleggoría.
Ver en comentario de láminas.
COURBET: Renovación ideolçogica.
DAUMIER: la expresividad de lo real.
Honoré Daumier (Marsella, 1808-1879), ilustrador, pintor y también escultor, un auténtico visionario de la realidad social,
partió del mundo político desde una posición republicana, de la historia presente, para hacer la crítica del gobierno del burgués Luis Felipe por medio de «chistes gráficos», a quien llegó a representar como si se tratara de Gargantúa, hasta su caída en 1848, y de la sociedad de la época.
Honoré Daumier No rechazó el valor futuro, la proyección secuencial en el tiempo, del hecho histórico actual;
simplemente lo sometería a un juicio de valor ético y hasta estético en muchas ocasiones, que la mayoría de las veces resulta divertidamente jocoso y negativo, y hasta demoniaco.
En este aspecto se acerca a Goya, por quien siempre sintió gran admiración, y también precede, prediciéndolo, al Expresionismo, al tiempo que estableció una síntesis algunas veces un tanto paradójica por forzada entre Romanticismo y Realismo. Realizó tal labor especialmente por medio de litografías y, asimismo, xilografías, caricaturas expresionistas, que aparecieron, sobre todo, en las revistas satírico-críticas Shilhouette (1829-1831), Caricature (1831-1835), periódico de la oposición, y Charivari desde 1832 hasta 1860.
Supo aprovechar, así, la fuerza expresiva de la prensa, que tanto incidía en la sociedad de su época para establecer la crítica a la política burguesa establecida. En este sentido siempre se han destacado sus litografías tituladas «Le Ventre Législatif» y «Rue Transnonain le 15 avril», ambas del año 1834. En la primera caricaturizó a base de rostros deformados a los ministros en el hemiciclo legislativo; en la segunda reflejó un horrendo crimen con el mayor de los realismos posibles acentuado a base de claroscuros y de escorzos barrocos al modo de Caravaggio.
Su héroe no suele ser, por lo general, individual, sino colectivo y anónimo, ni tampoco ejecuta grandes acciones memorables, sino que heroica y cotidianamente vive y sufre el mundo del trabajo con toda laboriosidad silenciosa y padece las desigualdades sociales.
Son obreros de profesiones dispares artesanales e incluso liberales, hombres sin nombres propios, auténticos arquetipos, que luchan por la supervivencia en medio de una vida tan sencilla como dura.
En sus cuadros, como en sus mismas ilustraciones, desfilan tanto muchedumbres de emigrantes en marcha, personas que esperan en la estación y después viajan soñolientos y hastiadas en vagones de tercera (lám. 35),
Personajes de profesiones, actitudes éticas y estéticas, y hasta aficiones muy dispares entre sí: ladrones, molineros, herreros, pintores de paredes, lavanderas, jueces y abogados vanidosos e hipócritas, músicos aficionados, cantantes, coleccionistas obsesivos, saltimbanquis, pierrots, actores, ajedrecistas, noctámbulos, espectadores de teatro.
- Daumier fue, el paralelo en las artes figurativas de la literatura de su amigo Balzac, el denunciante divulgador de la gran comedia humana. Ocasionalmente se ocupó de temas religiosos, como «Ecce Horno», donde una multitud casi abstracta contempla y niega a Cristo (lám. 36).
- No obstante, desde la crítica política y social de sus litografías, incluidas en la prensa periódica de la época, evolucionó temáticamente poco a poco hacia el costumbrismo, tal y como se refleja en algunas de sus pinturas. También en sus ilustraciones experimentó un notable cam-bio formal: desde la obra acabada dentro del sistema clásico y con claroscuros y escorzos barrocos hasta la simplicidad máxima de sus dibujos finales.
- También pintó algunos pocos temas literarios, auténticos prototipos culturales y psicológicos de valor universal. Sintió una clara preferencia por las obras tan sociales de Moliere «Crispín y Scapin», hacia 1860) y de Cervantes. Son de destacar aquí sus representaciones al óleo, realizadas entre los años 1865 y 1870, de Don Quijote y Sancho Pancha, emblemas del proyecto ideal siempre inalcanzable, que culmina en el fracaso, y de la realidad cruda, figuras que suelen ser representadas con siluetas elocuentes e identificables, pero sin rostros concretos para dar la posibilidad al espectador de representar y de ver en ellos innumerables caras hasta reconocibles, aunque con un colorido intenso.
Vagón de tercera clase Don Quijote Y Sancho Panza.
DAUMIER.
3.2. «Los Desastres de la Guerra».-
Millet: amante de la vida natural y propugnador de una auténtica religión de la
naturaleza, en sus cuadros los árboles, los animales, las hierbas y las piedras cobran un
sentido nuevo y desconocido.
Las obras más importantes de Millet son: El Angelus, El sembrador, El hombre de
la azada y Las espigadoras.
Todo son temas rústicos pero, a diferencia de sus compañeros de escuela, Millet
incluye la figura. humana en sus cuadros y de una forma además que intuye el
acercamiento de la estética realista.
Sembrador.
Mujeres cargando leña.
El Ángelus.. Las Espigadoras.
Millet
ha sido considerado como un bucólico pintor realista a quien le preocupaba la concreta situación presente, la cotidianidad social, y aunque reflejó la naturaleza y al hombre, tal y como era o cual él lo veía personalmente, lo dotó, no obstante, de un sentido idealmente piadoso y resignado.
Esta opción realista suya parece resultar más formal por la exactitud de lo representado que ideológica, pues rodeó un tanto románticamente a su obra de un halo religioso en algo tal vez místico. Bien es verdad que su preocupación casi obsesiva por representar el trabajo tan duro realizado por el campesinado, que viene a ser casi una bendición divina, lo circunscribe al realismo social; pero dándole a veces ya, además, un cierto matiz declaradamente costumbrista.
En este sentido Millet tal vez recuperase de alguna forma la tendencia de la pintura de la Ilustración que enmarcó al hombre en medio de la naturaleza, pero casi siempre supeditándola a él, la medida de todas las cosas.
Quizá también añorase roussonianamente un retorno a una sociedad rural y natural frente a la urbana e industrial predominante en la época, que Daumier describió.
Entre sus obras, tenemos:
o «Yendo al trabajo» (hacia 1851), «El sembrador» (1850), «Descanso de los segadores» (hacia 1850-1851), «Campesino cribando trigo» (hacia 1857-1858), «El aventador» (1853-1857), «Los gavilladores de heno» (hacia 1850-1851) «Las espigadoras» (1857) «La quemadora de hierbas»...
Pero, además, mostró otras ocupaciones laborales y cotidianas de estos mismos campesinos, quienes, a veces, tan sólo parecen descansar para rezar a Dios en silencio, tal y como ocurre en:
o «El Angelus» obra que tanta popularidad dio al artista: «Campesina amamantando a su hijo» (1845), «Mujer cociendo pan» (1854), «Campesinos recogiendo leña» (hacia 1865-1870), «La mantequera» (hacia 1870), «La costurera»... Asimismo, se ocupó de pastores, como «La pastora con rebaño» y de leñadores «El leñador y la muerte», 1857, «El cortador de leña».
Millet, En sus cuadros se encuentra el lirismo con notas totalmente épicas, que otorgan a sus campesinos la condición de heroicos trabajadores del campo por su esfuerzo ciclópeo. Ello ocurre, por ejemplo, en el tema del aventador, auténtico proletario rural, que muestra toda la dinámica de su esfuerzo físico.
Las sembradoras El Ángelus.
El Paisaje: BARBIZÓN
La escuela de Barbizón en Francia ya señaló esta transición del paisaje romántico al paisaje realista sobre todo en los cuadros de Millet.
Por la vía del paisaje camina este periodo de transición entre dos formas tan distintas de entender el Arte.
En 1830 se produce un movimiento de gran importancia que, aunque convive con la pintura
romántica francesa, se despega de ella en los temas y en la técnica, preparando el
advenimiento de la pintura rea¬lista. Es la Escuela de Barbizón o escuela de 1830, formada
principal¬mente por Theodor Rousseau, Jean Francois Millet, J. Dupré y G. Corot.
Ésta escuela supone la transición del romanticismo al realismo por el camino del paisaje y es
otro eslabón más de la cadena que se inicia en el paisaje holandés y flamenco, que pasa por
el paisaje romántico, luego por la Escuela de Barbizón, de ahí pasa al paisaje realista inglés y
termina en la pintura impresionista y postimpresionista.
La escuela de Barbizón ha tenido mucha importancia en la evolución del paisaje, desde el
punto de vista técnico, porque al obligarse a sí misma a pintar exteriores, rompió con los
convencionalismos lumínicos neoclásicos e incluso románticos.
Sus cuadros son exteriores ficticios, imaginados en un interior y resueltos en un interior. Sus
colores, su luz y sus sombras son imaginarios.
La Escuela de Barbizón extrae sus cuadros de la propia naturaleza, porque sus artistas están
convencidos de que la propia naturaleza tiene vida espiritual. Con esta escuela pasamos a
otra fase del Romanticismo.
El primer romanti¬cismo desprecia las cosas y se sumerge en la intimidad del espíritu. Este
segundo, Romanticismo proyecta esta intimidad sobre la naturaleza y cree ver en ella el latido
de un espíritu universal.
Cabassud en la Villa D´Avray. Catedral de Chartres.. Mujer con perla.
Esquemas Realizados por: Rosa Mª de la Torre Tercero. Bibliografía: UUDD. ARTE CONTEMPORANEO-SIGLO XIX. UNED
estableció un camino de transición en la pintura de paisaje entre la llamada tendencia romántica y la realista.
El tono melancólico que imprimió a sus cuadros nunca fue impedimento para tratar de representar la naturaleza tal y como se le mostraba, sin modificarla en busca del matiz idealista y pintoresco, o de tratar de reproducir sus más bellos ejemplos tras seguir un proceso selectivo. Quizá ya sea posible percibir en su obra una cierta influencia de la cámara oscura,
que reflejaba las cosas tal y como eran a través de un procedimiento técnico y científico susceptible de mejoras; pero de enfoque manipulable.
Sin embargo, su realismo, como opción estilística, se muestra en gran parte cual la consecuencia de pintar al aire libre, pues se inspiraba directamente en lo que veía y sin tratar nunca de recrearlo de una forma fantasiosa y a su capricho.
La mirada del público está tan acostumbrada a esas piezas brillantes, limpias y bruñidas que a Corot siempre se le reprocha que no sabe pintar.
Su técnica abocetada resultaba extraña al público, y habrá que esperar hasta el final de siglo para que el ojo se acostumbre a leer la realidad representada a través de manchas, que si bien dan una información menos exacta de las cosas en detalle, retratan con mayor
COROT: El Paisaje y la luz.
Máquina de vapor de Watt, procedente de la Fábrica Nacional de Moneda y Timbre,
expuesta en el vestíbulo de la Escuela Técnica Superior de Ingenieros
Industriales de Madrid.
La industria aportaba en este siglo, gracias a la industrialización, unos materiales nuevos, o por lo menos disponibles en grandes cantidades, que hicieron variar las posibilidades técnicas de arquitectos e ingenieros: CEMENTO PORTLAND: Produjo hormigones con una resistencia mayor que los utilizados
desde época romana; a finales de siglo aparece el hormigón armado reforzado por malla de acero. HIERRO: Conocido y empleado desde la antigüedad, fue utilizado habitualmente en la arquitectura desde
finales del siglo XVIII (gracias a su producción en masa), primero fundido, luego forjado, y más tarde convertido en acero. Elemento fundamental en el esqueleto de las construcciones.
Los primeros usos del hierro se circunscriben a la industria ( fábricas inglesas de hilados), a la fabricación de maquinaria o de elementos técnicos que facilitasen las tareas fabriles, a la vez que se investiga todo lo relacionado con sus posibilidades de uso y su resistencia → puente sobre el río Serven en Inglaterra (1775-1778) construido por Pritchard y Darby.
Boulton y el inventor de la máquina de vapor, Watt, construyeron en Salford una fábrica de hiladura (Manchester, 1801) con esquema totalmente metálico, donde las columnas y vigas de doble T forman una estructura reticular de siete plantas que luego se cubrió con muros de ladrillos → estructura empleada a lo largo de todo el siglo XIX en otros edificios.
A finales del siglo XVIII y comienzos del XIX en Inglaterra se generaliza el empleo de columnas de hierro fundido en los edificios → Royal Pavilion de Brighton (J. Nash, 1818-21).
En 1802 J. B. Rondelet publicó el Tratado teórico y práctico del arte de construir donde expuso las posibilidades que proporciona el hierro como sustituto de la madera en los forjados de los edificios → ya empleado en el pórtico de la iglesia de Sainte Genevière de París.
Así, la sociedad industrial generará nuevas tipologías arquitectónicas merced a los nuevos materiales y técnicas, destinadas principalmente a edificios públicos, en muchos casos novedosos y representativos de la nueva sociedad: puentes, faros, fábricas, almacenes, invernaderos, palacios de exposición, mercados, pasajes e incluso templos, al mismo tiempo que edifican pequeñas construcciones como quioscos, pérgolas… La extensión del ferrocarril amplió también los tendidos realizados con materiales férreos, estaciones ferroviarias. La construcción de viviendas sólo se servirá de estos materiales a finales del siglo XIX con el objeto de abaratar su coste.
La arquitectura en el siglo XIX refleja una dualidad, ya que resultará de la feliz simbiosis de arte y técnica y del empleo de los materiales que la industria proporciona. Sin embargo no será hasta bien avanzado el siglo cuando se reconozcan los valores estéticos de estas obras, verdaderas muestras de la modernidad.
El uso de nuevos materiales que requerían nuevas técnicas determinó que fueran los ingenieros los que prevalecieran sobre los arquitectos, en menoscabo de la estética de las estructuras y a favor de la funcionalidad.
Todo ello dará lugar a una imagen inédita de la arquitectura y de la ciudad.
Las nuevas tipologías arquitectónicas consolidaron la división de funciones en arquitectura y definieron la figura del ingeniero, el profesional que domina las nuevas tecnologías y que hace sombra al arquitecto formado en la tradición de las Academias.
El proyecto arquitectónico de los ingenieros está directamente tomado de: Las enseñanzas de Durand, quien a través de las lecciones recogidas en su libro
Preçis des leçons d´architecture (1802-1805) recomendó el empleo de un módulo fijo que se podía repetir y combinar y que permite la elaboración de piezas en serie que sólo adquieren sentido en el montaje final.
De la tradición neoclásica tomaron el principio de simetría que no sólo produce armonía, sino que encaja con las necesidades derivadas del cálculo de resistencia de los materiales.
LOS PUENTES son los ejemplos más característicos de la ingeniería decimonónica. Sus variantes tipológicas son el resultado de la experimentación tecnológica que permitió adecuarlos a su función. La mejora de las vías de comunicación y sobre todo la extensión del ferrocarril, disparó la demanda de puentes durante todo el siglo XIX:
Puente sobre el río Serven en Inglaterra (1775-1779), construido por Darby y Pritchard → cinco nervios de hierro fundido, ligero pero resistente.
El puente sobre el río Támesis de Londres, proyectado por Thomas Telford en 1801, y que tenía un solo arco metálico de 180 metros de luz formado por seis nervios, nunca llegó a realizarse; pero si construyó muchos otros, como el de Menai Bridge (1819-1824) en Gales → sostenido por medio de cadenas metálicas suspendidas de altas torres en forma de tronco de pirámide.
El arquitecto Philip Hardwick construirá en colaboración con el ingeniero Hartley el Albert Dock en Liverpool, inaugurado por Albert, esposo de la reina Victoria.
Francia se incorporó a la construcción de puentes metálicos en el gobierno de Bonaparte: el Pont des Arts (1803) proyectado por L. A. de Cessart → puente peatonal sobre el Sena para unir el Louvre con el Instituto de Francia, una estructura metálica de nueve arcadas, compuestas por cinco arcos que apoyaban en pilonos de albañilería. El modelo sirvió para levantar en Sevilla el puente de Isabel II o de Triana, proyectado por ingenieros franceses, pero levantado por el español Corroza e inaugurado en 1844.
Marc Séguin, inventor de la primera locomotora de caldera tubular,
y que llegó a construir más de ochenta puentes al frente de su propia empresa constructora, construyó en 1825 en Tournon uno sobre el río Ródano → puente colgante que sostenía la pasarela mediante cables metálicos → técnica que pronto se difundiría por Europa y Estados Unidos → J. A. Roebling, alemán que emigró a Estados Unidos, experimentó con un tipo de puente colgante que consistía en la transmisión de todas las cargas a un cable que corre a lo largo de toda la estructura, suspendido de torres de albañilería. El más famoso de sus puentes es el Brooklyn Bridge de Nueva York (1868-1883) que une la isla de Manhattan con Long Island, aún se mantiene en pie y es uno de los iconos de la ciudad.
En la segunda mitad del siglo XIX los adelantos técnicos y la experimentación aportaron innovaciones en la construcción de los puentes, entre ellas la incorporación del hierro forjado → puente sobre el estrecho de Menai, el Britannia Bridge (1845-1850), obra de los ingenieros ingreses Stephenson y Thomson. Gustave Eiffel (1832-1923) consiguió perfeccionar la técnica con el empleo del acero, al tiempo que logró que la forma final fuera consecuencia de la función de los elementos que integran la estructura del puente, prescindiendo del ornamento → viaductos de Busseau sur Creuse (1864), y sobre el Bouble (1871), viaducto de María Pía (1875) sobre el río Duero cerca de Oporto, y de Garabit (1880-1884) sobre el río Truyère, formado este último por un gran arco que salvaba lo angosto del paraje, sobre él se apoya un tramo recto destinado a sostener las vías, y como en los casos anteriores, los soportes son pilares troncopiramidales de celosía.
Aprovechando los logros de Eiffel, el ingeniero Arnodin creó una nueva tipología de puente, en este caso transbordador que fabricó para diferentes puertos fluviales de Francia, con una parte fija y otra móvil se instaló en Ruán, en Nantes y en el puerto de Marsella. Pero la patente del puente transbordador era española de 1888, obra del ingeniero bilbaíno Alberto de Palacio y Elissague → puente transbordador de Portugalete sobre la ría de Bilbao.
G. Eiffel: Viaducto de Garabit. A. de Palacio: Puente transbordador, Portugalete, 1888.
Brooklyn Bridge de Nueva York
A pesar de los interesantes primeros usos a los que se destina el hierro en arquitectura, será necesario ahondar en la investigación, tanto técnica y científica, como formal y estilística, para llegar a un uso libre e inédito que permita aprovechar todas las posibilidades que brinda el nuevo material. En este sentido giran los estudios de: J. B. Rondelet en Francia → diseño de estructuras metálicas para la construcción de cubiertas ligeras que evitaran la construcción de gruesos muros de sostén. Así se genera la aparición de tipologías nuevas en las que el hierro y el cristal son los protagonistas → la galería Vivienne en París, obra de Marchoux (1823) y que se iluminaba cenitalmente con luz de día, al igual que la Galerie Colbert y la Galerie d'Orleans, obra esta última de Fontaine, arquitecto de Napoleón. Se trataba de un innovador tipo de calle comercial, apta para el paseo protegido de las inclemencias del tiempo. Así, los modelos parisinos tuvieron muchos imitadores a lo largo del siglo: Gallerie Vittorio Emanuele de Milán, espectacular
con planta de cruz griega y cúpula, realizada por Giuseppe Mengoni; en Valladolid tenemos un ejemplo en el Pasaje Gutiérrez, que construido por Jerónimo Ortiz de Urbina en 1885 responde a la moda del momento.
Henri Labrouste (1801-1875), pionero en Arquitectura, iniciaba en París en 1844 la biblioteca de Sainte-Geneviève, con un esqueleto totalmente metálico, de tal manera que hacia 1850 la nueva arquitectura se identifica con la arquitectura en hierro. Así, con la sala de lectura y los depósitos de la Bibliothèque Nationale de París, da un paso más y el depósito de libros es una estructura con elementos metálicos verticales y horizontales formando galerías que dejan un espacio en el centro con pasarelas para comunicar las galerías de uno y otro lado. En esta línea Alarcón comenzó en Madrid en 1865 el palacio de Bibliotecas y Museos, e incorporaba un depósito de libros de estructura metálica, hoy desaparecido, con un planteamiento similar al depósito de Labrouste.
Otra tipología novedosa y que tendrá un desarrollo espectacular a expensas del hierro son los mercados cubiertos. Veugny proyectó en 1824 un ensayo temprano en la cubierta para el Mercado de la Madeleine en París. Proyecto sencillo concebido con el sistema de módulos de Durand. Con él se inicia un tipo de mercado cubierto, del que paulatinamente desaparecerá la albañilería para ser sustituida por estructuras prefabricadas totalmente metálicas → en Les Halles Centrales de París (obra de Baltard y Callet en la época de Napoleón III) la sobria estructura de hierro deja a la vista toda su sencillez funcional. En España se siguió el modelo francés → ejemplos madrileños de la Cebada, los Mostenses y Olavide, hoy desaparecidos y construidos por Mariano Calvo y Pereira a partir de 1867; el mercado del Born de Barcelona, que destaca por su espectacular cúpula ochavada y sus cubiertas a dos aguas; espléndidos mercados se construyeron también en Valladolid, Salamanca y Palencia, hoy en pie.
Algunos arquitectos llevaban la estructura metálica a las construcciones de estilos tradicionales (Louis Auguste Boileau, iglesia St. Eugène, acabada en 1855 en estilo neogótico). Por otro lado el empleo del hierro en las construcciones religiosas no siempre fue del agrado de todos. A pesar de las críticas, modelos de iglesias en hierro se exportaron a las colonias por la facilidad de su montaje. No obstante, en Inglaterra, surgió un movimiento fuerte en torno a Henry Cole, que trataba de hacer desaparecer las barreras entre arte e industria que llevará a los artistas hacia el diseño industrial. Pero sin duda, fueron las teorías del francés Viollet-le-Duc las que influyeron en el resto de Europa para la renovación del interés por el empleo del metal hacia finales de siglo. Él pensaba que si se cambia el material también debe cambiarse la forma arquitectónica, ideando una casa de estructura metálica → “arquitectura para el porvenir”. Entre 1871 y 1872, Jules Saulnier edificó en Noisiel, sobre el río Marne, la fábrica de chocolates Mènier, uno de los primeros edificios construidos con estructura metálica. La fachada estaba revestida de baldosines de colores en dibujos geométricos, tal y como Viollet-le-Duc la había ilustrado en Entretiens.
Pasaje Gutiérrez en Valladolid.
Gustave Eiffel consigue proyectar obras en las que las necesidades funcionales están
perfectamente atendidas con un adecuado manejo de las posibilidades que el progreso científico permite. Junto a L. A. Boileau iniciaron en 1869 le Magasin Au bon Marché en París en la Rue de Sèvres, consiguiendo que la estructura férrea y las cubiertas de cristal configurasen un modelo de espacio comercial. En todo el conjunto el hierro adopta formas decorativas y aparece un rasgo que se generalizará en los edificios comerciales → pabellón de esquina que se remata con elevada cúpula.
Las estaciones de ferrocarril fueron los monumentos más representativos de la nueva ciudad, en ellas la funcionalidad primará sobre otros aspectos. Al principio las estaciones son sencillas y con cubiertas en los andenes realizadas en madera. R. Stephenson y F. Thompson edificaron en Derby (1839-41) una de las primeras en la que se realizó una cubierta metálica. Duquesnay construyó la Gare de l'Est de París, encerrando las funcionales cubiertas metálicas en un edificio que quería recordar el Renacimiento. El rose-
tón de la fachada que proporciona luz al interior es un elemento innovador en las estaciones.
El ingeniero Barlow prescindió totalmente de los elementos historicistas en su cubierta para S. Pancras Station de Londres (1864). Su envoltura arquitectónica es una fantasía medievalizante realizada combinando ladrillo y piedra.
Las primeras estaciones ferroviarias fueron en España obra de ingenieros y arquitectos ingleses y franceses principal-mente. La estación de Delicias en Madrid (1879), es hoy Museo del Ferrocarril y fue
proyecto del francés Cacheliévre y la intervención de ingenieros españoles. Responde a la tipología de gran cubierta entre pabellones de acceso, y aunque sus paramentos son de ladrillo la estructura metálica se “trasparenta”. Pocos años después, en 1888, el ingeniero Alberto de Palacio comenzó la estación de Atocha, arquitectónicamente más tradicional.
Iglesia de St. Eugène. Boileau Molino Saulnier, Noisiel, 1871.
Gare de l'Est, París, 1847. F. A. Duquesney.
Desde 1880 El francés François Hennebique comenzó a experimentar con el cemento armado, cuyo uso se generalizará ya en el siglo XX. Hacia fin de siglo Anatole de Baudot aún dentro del movimiento neogótico, experimentó con el nuevo material, el hormigón armado. Como otros arquitectos del momento su idea era la de la regeneración de la arquitectura → iglesia de Saint-Jean de Montmartre de París. Hasta algún tiempo después no se utilizará este material visto que dará lugar a nuevas formas arquitectónicas.
INVERNADEROS: Thomas Hopper había construido en 1811-12 un invernadero en Carlton House (Londres) de estructura metálica y cristal (tradicionalmente eran de madera) con un aspecto propio del gótico inglés con tracerías y bóvedas de abanico. Posteriormente Fleury construiría sin connotaciones historicistas ya el Serre del Jardin des Plantes de París. En Inglaterra el gusto por la jardinería dio paso a interesantes conjuntos que se servían del material férreo → invernadero de planta rectangular abovedada en Chatsworth, diseñado por Joseph Paxton, jardinero del Duque de Devonshire; el Palm Stove (1845-47), aún en pie en los jardines de Kew, obra de D. Burton y el ingeniero R. Turner, estructura de formas redondeadas que prescindía de las formas clásicas.
EXPOSICIONES INTERNACIONALES: La primera exposición universal (1851) fue idea del esposo de la reina Victoria de Inglaterra,
Albert, por consejo de Henry Cole, entusiasta de la técnica y del diseño y convencido del liderazgo de Inglaterra para impulsar la industria y el comercio. El hierro debía ser el material utilizado para el edificio destinado a albergar la muestra por la facilidad y rapidez de montaje además de la posibilidad de desmontar y reutilizar sus partes. De todos los proyectos presentados a concurso se eligió el que había realizado el ingeniero y constructor de invernaderos Joseph Paxton → pabellón con nave longitudinal → el Crystal Palace → realizado con la técnica de los ingenieros → repetición y combinación de un módulo (de siete metros de lado), empleo de columnas de hierro y vigas de celosía; todo ello ensamblado con precisión resultaba una estructura ligera pero sólida, que integraba los árboles que el paraje tenía, y con decoración polícroma (rojo, amarillo, azul y blanco).
Interior del Crystal Palace. Galería de Máquinas. Exposición de París, 1889. París.
Torre Eiffel. París, 1889.
En el segundo cuarto de siglo el uso del hierro también dará lugar a soluciones nuevas como es el caso de los invernaderos, los “jardines de cristal”, que también se utilizan para realizar exposiciones y que a su vez pueden acoger el paseo ciudadano. De esta manera surgirá una tipología nueva, la de los pabellones de exposición, destinados a mostrar la pujanza industrial de las naciones a través de las Exposiciones Internacionales. Estas muestras servirán de escaparate para el intercambio comercial y tecnológico.
Después de algunos intentos franceses posteriores y a pesar de sus esfuerzos por recuperar el liderazgo en el progreso industrial, no será hasta la Exposición Universal de París de 1889, la más importante del siglo XIX, cuando tendrán resolución los experimentos formales y técnicos y cuando se logre una arquitectura nueva. Esta exposición se celebró en el Campo de Marte, ocupaba un terreno rectangular, y en un mismo eje desde el río Sena se alineaban las distintas edificaciones de carácter provisional, predominando el hierro en su arquitectura:
La torre símbolo de la muestra y obra de G. Eiffel. El proyecto de éste era el resultado de sus experiencias en la construcción de puentes. Con la ayuda del ingeniero suizo M. Koechlin, Eiffel levanta la torre a base de placas de acero prefabricadas y remachadas, con una base constituida por cuatro estructuras troncopiramidales independientes y separadas, que se elevan aproximándose y sobre ellas se sustenta la segunda plataforma, que continúa en una forma única que se eleva estrechándose hasta la terraza de remate a 304,80 metros del suelo, a la que se accedía gracias a ascensores y escaleras de caracol. La torre, muy polémica en su época, se aparta en su misma forma de las concepciones tradicionales a las que supera en altura y dimensio-
nes. En ella se han solucionado dificultades como la defensa contra la fuerza del viento y la resistencia de los materiales, y cuenta con motivos decorativos calados en hierro en la primera plataforma con formas cercanas al “art nouveau”. A pesar de los que pensaban que la torre rompía la imagen barroca de París, la torre Eiffel para otros se convirtió en símbolo de una nueva era, la de la arquitectura metálica, estandarte del progreso y del nuevo París. El Dôme Central obra de J. Formigé. Edificio ecléctico coronado por una cúpula bulbosa. Galerie des Machines, que cierra transversalmente el eje. Obra admirada en su tiempo y en la que culminaban anteriores propuestas que aquí alcanzan su pleno desarrollo, pero que sin embargo fue derribada en 1910. El arquitecto Dutert y el ingeniero Contamin cons-
truyeron con hierro y cristal una nave que superaba en dimensiones las obras anteriores. Arcos de hierro laminado parten del mismo suelo en el que se apoyan directamente. Han desaparecido los soportes, toda la armadura es una misma estructura que se sostiene sin necesidad de contrafuertes o tirantes y que consigue una amplitud de luz hasta entonces desconocida. Las grandes fachadas están cerradas con vidrios de distintos colores, su esquema es la repetición del perfil de los arcos. Amplias galerías latitudinales permitían la visión del gran espacio central donde se exhibía la maquinaría.
En España muy relacionados con los “jardines de invierno” y pabellones de exposición →
los madrileños Palacio de Velázquez y Palacio de Cristal del parque del Retiro. Ambos son obra de Ricardo Velázquez Bosco, el primero es una construcción ecléctica, y por el contrario, el segundo (Pabellón-estufa para la Exposición de Filipinas del año 1887) se trata de una verdadera construcción del hierro y el cristal, obra rara en nuestro país e inspirada en los invernaderos de Paxton.
La última etapa en el empleo de los nuevos materiales y en la creación de una arquitectura moderna se desarrollará en Chicago (Illinois → importante centro comercial en el último cuarto del s. XIX) entre los años 1883 y 1893, a raíz de la reconstrucción de la ciudad arrasada por un incendio en 1871. Aunque su desarrollo continuó hasta la Primera Guerra Mundial.
El centro comercial acaparará toda la atención de los arquitectos participantes en la reconstrucción, y en él se concentrarán los locales para oficinas y para almacenes, desplazándose a la periferia las zonas residenciales.
Las dimensiones cuadradas de las parcelas y su edificación hasta el límite de la calle dio lugar a un tipo de edificio en forma de paralepípedo, característico de la arquitectura de Chicago; al mismo tiempo que los edificios se construyeron buscando la mayor altura posible para aprovechar más el espacio, gracias al invento del ascensor que salvaba la limitación anterior a cinco plantas, y a las mejoras de las técnicas de construcción.
El pionero de la arquitectura de Chicago es William Le Baron Jenney, ingeniero militar, y en cuyo estudio trabajaron arquitectos de gran valía. En 1879 este ingeniero construyó el First Leiter Building, ya demolido. El edificio tenía seis pisos de altura además de la planta de la calle, y repite la malla regular de las primitivas construcciones fabriles inglesas. Casi sin decoración, este edificio fue construido sobre un armazón de metal, sólido y protegido del fuego con materiales cerámicos. Cuando construya el segundo Leiter Building (1889) el esqueleto será ya totalmente de acero, y al disminuir la función portante del muro pudo abrir vanos más amplios. Le Baron Jenney empleo miradores de forma circular y poligonal en el Manhattan Building.
El equipo formado por Burnham & Root tuvo también un importante papel en el desarrollo
de la arquitectura de Chicago. Una de sus primeras obras fue el Montauk Building (1881-1882), edificio comercial de diez plantas, en el que Root experimentó con el sistema de cimentación, la llamada balsa flotante, que salvaba la dificultad que suponían los suelos fangosos de Chicago → avance técnico que se generalizó. Otra de sus construcciones fue el Rookery Building, nuevo bloque de oficinas de esqueleto metálico, su estructura se organiza en torno a un gran lucernario central cubierto por un entramado de hierro y cristal. Como innovación el vestíbulo cuadrado en el centro del edificio, al que se accede desde la entrada principal. En realidad se trata de una galería comercial y todos los análisis han reconocido la influencia de los modelos franceses. El Monadnock Building era una edificación de 17 plantas, que al contrario que las otras anteriores tenía muros exteriores de ladrillo con función portante.
Como representante de excepción tiene la escuela de Chicago a Louis Sullivan (1856-1929), a la búsqueda de una arquitectura que fuera fiel reflejo de la sociedad de los Estados Unidos. Después de una sólida y variada formación, en Chicago entró en el estudio del arquitecto danés Dankmar Adler, que va a ser su colaborador durante bastantes años. Éstos mostraron durante los años 80 una cierta dependencia del representante del neorrománico americano,
Henry Hobson Richarson, inspirándose en uno de sus diseños para el Auditorium de Chicago → enorme edificio que debía acoger un auditorio, un hotel y pisos de oficinas. Con muros aún con función portante, se eleva sobre un basamento de aparejo rustico, y sobre la entrada del auditorio se sitúa una maciza torre cuadrada. Sullivan utilizó bastante decoración de formas naturalistas en los interiores.
BIBLIOGRAFÍA: Antigüedad del Castillo Olivares, Mª. Dolores, y otros autores. El ARTE DEL SIGLO XIX. Editorial universitaria Ramón Areces, 2010. ESQUEMA REALIZADO POR: M. ISABEL GARRIDO GÁMEZ. Centro Asociado de Elche. FOTOS: Internet.
La Feria Internacional de Chicago de 1893 fue un retorno en lo arquitectónico a la tradición clásica, con una estética que se traduciría en el modelo de la “beautiful city”, o la belleza como lo más importante en la arquitectura, pero desde la escuela de Chicago se avanzará una propuesta diferente. Así Sullivan estaba convencido de que la forma seguía a la función, insistiendo en la idea de que los altos edificios de oficinas, debían ser el reflejo veraz de sus funciones esenciales → primer piso de entrada y entreplanta muy suntuosos, un número indeterminado de plantas de oficinas parecidas, en las que la anchura de las habitaciones estaría determinada por el ancho de la ventana, y un ático reservado a los equipamientos mecánicos de toda la construcción; ideas éstas que manifiesta en sus edificios: el Wainwright de St. Louis y en el Guaranty Building de Buffalo. El ultimo edificio comercial de Sullivan, el Schlesinger & Mayer, supone la culminación de la búsqueda formal, con una estructura marcadamente horizontal, sólo rota por el pabellón de esquina a modo de torre circular, que tiene su entrada a través de un quiosco de hierro fundido, en el que Sullivan volcó su fantasía decorativa, con formas vegetales y curvilíneas próximas al “art nouveau”.
El sistema de construcción en acero al modo de Chicago tuvo una rápida expansión en los Estados Unidos sobre todo para los barrios de negocios, dando lugar a una “guerra de alturas”, fenómeno propiamente americano, que no pasó a Europa donde el hormigón armado se convirtió en el material más innovador para la construcción.
Exposición Internacional de Londres 1851. Crystal Palace. París. Antiguo palacio del Trocadero. Edificio ecléctico de
exposición permanente, destruido en 1937.
TEMA 6. EL CÍRCULO DE LOS IMPRESIONISTAS
El Paseo. RENOIR
El retrato de Madame Pissarro. PISSARRO
El Sena en Bougival. SISLEY
Impresión, sol naciente. MONET
La Grenouillere. RENOIR
Mediodía en el camino de Pointoise PISSARRO
La Cuna. MORISOT
Nieve en Louveciennes. SISLEY
Mujeres en el jardín. MONET
Mujer leyendo. RENOIR
Regata en Argenteuil. MONET
- El movimiento impresionista se formó en Paris entre 1860 y 1870 - se ha “usado” como primer paso en el llamado arte de vanguardias - Vinculación Impresionismo- modernidad en el arte:
- Parece romperse el tradicional equilibro entre el tema del cuadro y los aspectos formales (composición, dibujo, colorido). Ya no se va a dar prioridad al dibujo (=Neoclasicismo) si tomará como precedente la intuición sentimental del Romanticismo. La pintura va a centrarse en el desarrollo emocional del color
- Punto de vista social = el impresionismo nos ofrece, por una parte el primer retrato del pintor moderno ya que es en la personalidad, en la mirada del artista, dónde reside el valor del artista moderno, en el tema en sí.
- Victoria de un grupo de pintores contra la sociedad de su tiempo y frente el “juicio especializado” que ejercía de forma absoluta y continua la Academia (desde su propagación en el siglo XVI hasta la crisis impresionista).
- “impresión” que los pintores sienten frente a la naturaleza. Importancia de lo subjetivo - Triunfo de un nuevo modo de exponer y vender arte - Manet / Courbet : primas manifestaciones
1. Introducción: Aspectos históricos, pictóricos y sociales
2. Las exposiciones impresionistas. Cronología y criterios de inclusión
- Impresionismo = movimiento no-programático ni cohesionado de manera clara. Movimiento pictórico abierto, de muy diversas personalidades. - Características comunes en el Artista Impresionista:
- Estilísticas = importancia de la pincelada, de la luz, abocetamiento o aspecto inacabado de la obra
- Temáticas = la pintura de la vida cotidiana y el paisaje - Cronológicas o sociales = más o menos de las generaciones nacidas entre los años de
1830 a 1840 y que han estado ligados de manera constante a las exposiciones Impresionistas pero no existía interés ideológico ni político que los cohesionara.
- se habían puesto de acuerdo sobre algunos puntos: - Aversión por el arte académico de los Salons oficiales - Su orientación realista - Su desinterés total por el sujeto y su preferencia por el paisaje y la naturaleza muerta - El rechazo de las costumbres de atelier - El trabajo en plen-air
- Elemento aglutinador de los futuros impresionistas fue la oposición al criterio Académico. De tal manera que el modo de pintar quedaba libre y así se explica la diversidad estilística. - 1873 = Claude Monet, Auguste Renoir, Berthe Morisot, Alfred Sisley, Camile Pissarro y Edgar Degas, entre otros, crean la Sociedad Anónima de pintores, escultores y grabadores. - Primera exposición de esta Sociedad = 15 abril al 15 mayo de 1874 = Exposición de los Independientes = Monet, Renoir, Morisot, Sisley, Pissarro, Degas (estos seis artistas son el núcleo constante de los impresionistas), además Paul Cézanne y Eugène Boudin. - Siguientes exposiciones = 1876, 1877, 1879, 1880, 1881, 1882, 1883, 1884 (octaba y última exposición de los impresionistas). Otros artistas: Cassat, Caillebote, Marie Braquemonde, Paul Gaughin y Odilon Redon (ambos cercanos a una estética simbolista), Georges Seurat y Paul Signac (ambos de una fase Neo-impresionista). - 1881 = derrota definitiva del arte Académico
3. Los pintores Impresionistas: colores, pinceladas y significados
- Antecedentes = los pintores Delacroix y Courbet - Aspectos del Impresionismo:
1. protagonismo del golpe de pincel. No se busca la representación minuciosa 2. colores = verdes pálidos, rosas delicados, azules porcelana. El negro no existe para los
impresionistas 3. escenas y paisajes alejados de la tradición pictórica del pasado. Aparece sin embargo una
nueva influencia: la fotografía (se inventa en 1820) y la moda de las xilografías japonesas.
Édouard Manet (1832-1883):
- Figura bisagra entre el arte tradicional y el Impresionismo. - No participó en ninguna de las exposiciones impresionistas, pero es el que aglutina el movimiento de los independientes (posteriormente llamados impresionistas), desde su rebelión pictórica contra la pintura de Salón. - En España encontró a Velázquez y Goya su mayor inspiración Sobre una base “clásica” Manet juega a introducir variaciones en un complejo juego de equivalencias (ejemplo: cambia un perro dormido por un gato vigilante…) - Aceptación y rechazo en el Salón . El verdadero escándalo lo constituyen los impresionistas con los que nunca quiso exponer - Legado:
- Ausencia de “idealización” - Uso “personal” de las fuentes pictóricas y una ironía implícita
- Obras: Olympia, 1863. El bar del Folies Bergère, 1881-1882, etc.
Claude Monet (1840-1926):
- Autodidacta influenciado por los paisajistas (Boudin y Jongkind) - El más preocupado por el estudio de la luz, el más paisajista y también que produce una obra “más abstracta” pero desde unos presupuestos totalmente figurativos. - Gran colorista - Frecuencia en sus cuadros del tema cielo y agua - Obras: Efecto de otoño en Argenteuil, 1873, Hotel des Roches Noires, Trouville, 1870, etc.
Camille Pissarro (1830-1930):
- Sobre todo paisajista. Se preocupa por el equilibrio de la estructura, los motivos cotidianos y sólidos - Con el tiempo su paleta se aclara y deja atrás la influencia de Courbet por la de los pintores de paisaje ingleses como Constable y Turner. - Evolución: cada vez más impresionista (uso libre del pincel, composición y paleta) - Obras: Tejados rojos, rincón de pueblo, efecto invierno, 1877 y La charcutera. Escena de mercado, 1883, etc.
Pierre-Auguste Renoir (1841-1919):
- empezó su carrera como artesano pintando porcelana y luego trabajando en la decoración de telas y abanicos - Se deja influir por aquel de sus amigos a quien estuviese entonces más ligado - Fue sobre todo pintor de figuras, especialmente femeninas - Son famosas sus escenas de diversión popular y escenas de la calle - Renoir fue el más sensual y efervescente del grupo - Calor, deleite físico e intensa alegría de vivir son los perpetuos temas de Renoir - Como pintor, su toque es más suave y más espontáneo que el de Pissarro - En Italia recibe la impronta de Rafael y el clasicismo que conjuga con el impresionismo - No se preocupaba por el detalle como Pissarro - Obras: Almuerzo de remeros, 1880-1881, La Grenouillère, 1869, etc.
Alfred Sisley (1834-1899):
- En su paleta predominan los tonos grises - Influenciado por los artistas ingleses Gainsborough y Turner - Se dedicó a la pintura “plein air” siguiendo la estela de Monet - Ostracismo y soledad - Obras: La nieve en Louvenciennes, 1878, etc.
Edgar Dégas :
- Manifiesta su desprecio por la pintura al aire libre y la “espontaneidad” impresionista sin embargo su obra entronca con los presupuestos de este grupo - Se muestra como un excepcional retratista en la estela de Ingres - Se siente influido por Édouard Manet - Le interesan los lugares de diversión popular, cabarets y cafés donde ensaya ángulos inesperados y estudia la iluminación artificial. - Experimenta con nuevos medios y técnicas: guache, acuarela, grabado y sobre todo el pastel. - En 1874 iniciará sus series dedicadas a las carreras de caballos y a las bailarinas - a partir de 1890 va a dedicarse sobre todo a los desnudos de mujer - Obras: La clase de danza, 1873-1876, Mujer bañándose en una tina poco profunda, 1885, etc.
Pintoras del “Impresionismo” : Berthe Morisot, Mary Cassat, Eva Gonzalez (alumna de Manet), Marie Braquemonde
Berthe Morisot (1841-1895):
- Es la pintora, junto con Degas, que más veces expuso a lo largo de las ocho exposiciones del movimiento, sólo faltó una vez. - Predominio de la luz y la libertad de una pincelada audaz y personal que semeja una especie de caligrafía abstracta - Berthe, junto con su herman Edmée, se iniciaron en la pintura con un profesor particular de la escuela de Ingrés y luego con varios artistas del Salón. - En la primera de las exposiciones impresionistas Morisot presentó un cuadro “La cuna” (1872) en el que retrata a su hermana con su hijo recién nacido. - En la obra de Morisot encontramos desde siempre una fascinación por la luz y los colores claros, sus formas sin embargo con el tiempo van a hacerse gradualmente menos compactas, ganando en ligereza y el aspecto incompleto de muchos de sus cuadros es particualarmente osado.
Mary Cassat (1844-1926) : Le interesa la pintura de paisaje al aire libre Sus obras son aceptadas por el Salón de manera continua y es posiblemente allí donde conoció a Degas Se va a incorporar al grupo impresionista a partir de la cuarta exposición y sólo dejará de participar un año, por lealtad con Degas que se sentía traicionado por aquellos artistas que además de exponer con los impresionistas también exponían en el Salón. Temas: retratos de familia, reuniones informales, amistades femeninas, veladas en la Ópera, niños, compras de tocados, y su serie sobre “la maternidad”. A partir de 1890, una exposición de arte japonés tiene gran influencia en su obra, se simplifican sus composiciones y sus figuras adquiren mayor solidez. Esto la traslada también al grabado. Obras: Mujer de negro en la Ópera, 1877-1878, Niños en un jardín, 1878, etc.
D E G A S
D E G A S
M A N E T
M A N E T
M O N E T
M O N E T
P I S S A R R O
R E N O I R
R E N O I R
S I S L E Y
4. Los placeres y los días
-Sus obras se dirigen a un público burgués (revolución industrial) - Clientela de carácter urbano para la cual el campo empieza a representar el sueño nostálgico de un mundo mejor - los cuadros se hacen más pequeños y más ligeros en intención temática - Lugares destacados para el artista impresionista: París y sus alrededores, la costa Normanda. Hay que tener en cuenta que el arquetipo de cuadro impresionista es un paisaje o cualquier otro tema de exterior pintado total o casi totalmente del natural. - Situación económica y social difícil para los impresionistas - Nuevas modas: zona del Sena, bailes populares, nuevos conceptos de salud e higiene, el deporte, etc… - Pintura de aspecto agradable, lúdico, obras bellas pero sin mensaje como se ha opinado. Sin embargo aparecen implicaciones socio-económicas (lacayos, niñeras, cantantes, trabajadoras…)
BIBLIOGRAFÍA BÁSICA. TEMA 6: EL CÍRCULO IMPRESIONISTA EL ARTE DEL SIGLO XIX. El artista entre el sueño de la historia y la materia de lo real. Capítulo 6. Amparo Serrano de Haro Soriano y Otros. Ed. Universitaria Ramón Areces. UNED Bibliografía y Láminas: EL ARTE MODERNO. Del Iluminismo a los movimientos contemporáneos. Capítulo Segundo. Giulio Carlo Argan. Ed. Akal. ARTE. Frederick Hartt. Ed. Akal. Capítulo Cuarto. HISTORIA DEL ARTE. H. Honour y J. Fleming. Ed. Reverté. Parte 4. Ana María Hermida Rodríguez. Centro Asociado A Coruña
TEMA 7: EL POSTIMPRESIONISMO Y SUS DERIVACIONES
Grupo de pintores entre los impresionistas y las nuevas vanguardias Se enmarcan entre 1886 hasta los primeros años del S. XX Engloba a un conjunto de artistas de diversidad de estilos, tendencias y genialidades;
más complejos y confusos A diferencia de los impresionistas, éstos buscan el dialogo entre el pintor y la naturaleza,
provocando sentimientos y emociones en el espectador Vuelven a la temática religiosa, histórica, literaria y académica Huyen de la composición básica tradicional, de la perspectiva, el claroscuro, el volumen
o la profundidad Influencia en la pintura posterior, ofreciendo las bases al expresionismo, cubismo o la
abstracción
Líneas generales sobre el concepto de Postimpresionismo
1886 Última exposición impresionista a la que no asistieron algunos ilustres pintores El espíritu colectivo de los impresionistas se resquebraja. Enemistad entre ellos Creación del Grupo de Artistas Independientes, donde cualquiera podía exponer sus
obras con independencia de su estilo. Oportunidad a gente nueva. Bruselas se convierte en centro cultural y artístico de vanguardia en Europa Se publica El manifiesto del Simbolismo” de Jean Moréas acerca de la importancia de la
imaginación frente al realismo
1886: CRISIS Y SUPERACIÓN DEL IMPRESIONISMO
SEURAT Y EL IMPRESIONISMO
1886 Su obra “Una tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte” se expone en el Salón de los Independientes y abre un nuevo capítulo de la historia de la pintura
Georges Seurat (1859-1891) Estilo: PUNTILLISMO ó DIVISIONISMO Técnica que consiste en puntos diminutos de color para componer el tema Utiliza el color de forma científica, no intuitiva
Discípulo de Seurat:
Trabaja en taller y su pintura es elaborada como en un laboratorio Pinta con colores primarios Pintura con orden y geometría, unidad estructural sin animación. Las figuras humanas
son impersonales, de frente o en perfil, sin movimiento Estudia también las líneas y colores en la composición y las emociones que cada una
despierta en el espectador como alegría.
Paul Signac (1863-1935) Aplica el puntillismo Temas interiores y retratos, además de paisajes, temas marinos, playas o puertos
CÉZANNE: LA CONSTRUCCIÓN DE LA FORMA
Paul Cezanne (1839-1906) Fue uno de los fundadores del impresionismo, aunque su pintura fue más independiente Temática: paisajes, retratos y naturalezas muertas Usa solamente el color para dar volumen, sin dibujo ni línea, aislando los objetos con
contornos de color más claro Renuncia a la perspectiva tradicional, pero no a la profundidad mediante yuxtaposición
cromática De la observación de la realidad consigue simplificar las formas básicas de la naturaleza
VAN GOGH Y LA FUERZA DEL COLOR
Vincent Van Gogh (1853-1890) Autodidacta Primacía del color
1ª Etapa: Realista. Temas cotidianos y de contenido social (vida de obreros,
campesinos) Colores oscuros, sombríos, que acentúa el dolor y la miseria, pero con mucha expresividad.
2ª Etapa: Marcha a París y estudia el arte del momento. Le atrae la luz y los
colores brillantes, se acerca al impresionismo.
3ª Etapa: El puntillismo o divisionismo. Adopta la técnica de Seurat.
No le convence nada de lo anterior ni le interesa ninguna corriente de aquella década.
En París configura el lenguaje pictórico que después desarrollará, estudiando la estampa japonesa. Influencia oriental en sus grabados.
4ª Etapa: Se instala en Arles donde el paisaje y la luz le impresionan. Sus obras adquieren un color más vivo, luz dorada. Ha encontrado su camino y se desvincula de todo lo anterior y del toque impresionista. Temática variada desde paisajes, retratos, interiores, naturalezas muertas. Muy prolífico. La pincelada ya no es rápida y pequeña a base de toques (impresionismo), sino alargada, ondulada y circular. La gruesa pincelada la convierte en grandes líneas con gran movimiento. Le atrae el nocturno de los exteriores, buscando el colorido de la noche y las estrellas
5ª Etapa: caracterizada por su enfermedad mental que comienza con su relación con Gauguin y sus constantes peleas hasta su ruptura. Van Gogh se corta a sí mismo una oreja. Es internado en un psiquiátrico. Realiza posiblemente sus cuadros más famosos:
Última etapa: sale del hospital y vive en Auvers-sur- Oise. Reposa bajo la tutela de un doctor. No hay dibujo, ni forma, tan sólo color. Su trazo es apasionado, violento. En 1890 se suicida de un disparo, habiendo vendido tan sólo un cuadro en su vida en el Salón de los XX en Bruselas. Su obra recibió una muy buena crítica.
El Simbolismo no es un estilo, sino una corriente dentro del postimpresionismo más amplia, una expresión que nace en la Europa a comienzos de la 2ª mitad de siglo.
1886 Jean Moréas escribe “El manifiesto del simbolismo” Enfrentamiento a las corrientes tradicionales, muy academicista, como eran el
realismo y el impresionismo. El simbolismo busca la imaginación, el símbolo o la alegoría. El arte debe
ocuparse en las ideas y no en la vida cotidiana. Ideas que nazcan de la imaginación humana.
Temática muy heterogénea y siempre deben ser interpretadas. La mujer, por ejemplo, adquiere protagonismo como figura exótica, sensual, inocente, pero a la vez fascinante y peligrosa. Temas mitológicos y religiosos, abundantes.
Creación del Salón de la Rosacruz en 1892. Grupo de pintores fascinados por Allan Poe, Wagner o Nietzsche. Es el marco ideológico del simbolismo. Huyen ed las flores, los bodegones, las escenas rústicas, para desarrollar temas legendarios, mitos, alegorías y sueños.
Pintores simbolistas:
Gustave Moreau (1824-1898)
Puvis de Chavannes (1824-1898)
Odilon Redon (1840-1916)
EL SIMBOLISMO, UN MOVIMIENTO COETÁNEO
Arnold Bocklin (1827-1901)
Jean Delville (1867-1953)
Son pintores que se alejan del mundo moderno y buscan otras civilizaciones, lo
antaño y primitivo, los orígenes de la civilización humana.
Pont Aven era un pueblo en Bretaña donde se reunieron un grupo de artistas que encontraban la inspiración en lo tradicional, lo rural o primitivo. Cerca de los campesinos y sus familias, del paisaje, de la cultura religiosa y de los restos de lo medieval. Se evadían y trabajaban en este pueblo, que era mucho más barato que el gran París.
Paul Gauguin (1848-1903) fue siempre viajero y aventurero. Comenzó al lado de Pissarro en el impresionismo, pero lo abandonó cuando conoció a Cezánne. Interés absoluto por el arte primitivo de Egipto, Extremo Oriente y de América Central. Líder del grupo de Pont-Aven donde encuentra su propio estilo que repercutirá en el resto de la comunidad. Creó impacto su cuadro “La visión después del sermón: Jacob y el Ángel” Se interesa por la simbología cristiana Desvincula el color de cualquier función descriptiva, usándolo dependiendo de su estado de ánimo. No hay sombras, las figuras son hieráticas y toscas
Paul Gauguin se marcha a Tahití en 1891 (Polinesia), buscando lo primitivo y huyendo de la civilización europea. Pinta muchas mujeres de forma natural, en sus quehaceres cotidianos, con una gran sensualidad, belleza y ternura. Retoma la producción escultórica y cerámica.
LA NOSTALGIA DE LO PRIMITIVO: PAUL GAUGUIN, EL GRUPO DE PONT-AVEN Y LOS NABIS
Otros pintores de Pont-Aven fueron, por ejemplo:
Paul Serusier (1864-1927)
Aprende de Gauguin a exagerar el color que ve. Su gran obra “El talismán” es un anticipo del arte abstracto.
Maurice Denis (1870-1943): de estilo nabis
Los Nabis son considerados un movimiento simbolista que dominará el panorama artístico parisino en la década de 1890. Ignoran las tonalidades y el volumen, son colores distribuidos con un cierto orden. Temática tradicional de asuntos cotidianos, religiosos, escenas domésticas e íntimas.
OTROS PRECURSORES: HENRI TOULOUSE-LAUTREC Y HENRI ROUSSEAU
LA OBRA DE TOULOUSE-LAUTREC (1864-1901)
Su obra no se enmarca dentro de ningún estilo, ni movimiento ni grupo de pintores Su trabajo resulta decisivo para las vanguardias del siglo XX, como el Fauvismo y el
Expresionismo, y en el desarrollo de otras artes como la litografía, el grabado y el cartel
No le interesa nada el simbolismo, ni lo tradicional o religioso, sino el mundo en
el que vive. Temática del mundo del espectáculo, de la noche parisina, los bailes, los cabarets,
los prostíbulos, etc. Pinta sobre todo interiores, nocturnos con luz artificial, de trazo alargado que
parecen caricaturas. Estiliza las figuras de cantantes, bailarinas o prostitutas. Le gusta la mujer.
El color es influencia de las estampas japonesas. Primeros planos de figuras de perfil o de espaldas, con amplias superficies lisas de color. No hay mucha variedad cromática.
Además de oleo, pintó muchísimos dibujos Origen del cartel moderno publicitario como la serie de litografías como Moulin
Rouge Ha sido considerado el pintor de Montmatre
LA OBRA DE HENRI ROUSSEAU, EL ADUANERO (1844-1910)
Primer pintor calificado como naif y figura clave para la pintura del s. XX Pinta al margen de corrientes y su temática es de tradición y folclore. Obra de singular ejecución y un gran poder expresivo, transforma lo cotidiano en
algo irreal. No le interesa la atmósfera ni la luz sobre los objetos. Nitidez en el dibujo, gran
colorido de espacios planos, sin profundidad. No hay sombras, y lo claro y lo oscuro no se mezclan.
Temas variados de paisajes, retratos, junglas y bosques, naturalezas muertas, etc. Mundo de fantasía, enigmático y misterioso. Influencia en el Surrealismo.
Realizado por: Mª del Juncal Carrascosa Enjuto
TEMA 8. DEL MONUMENTO A LA ESCULTURA.
1. LA BÚSQUEDA DEL IDEAL: Canova y Thorvaldsen
El desarrollo de la arqueología del XVIII, proporciona modelos estéticos. Se recomienda el canon clásico: comedimiento y moderación. Modelo ideal →
Imitación de lo antiguo. (Winckelmann y Lessing) Todo se mantendrá así hasta bien entrado el siglo XIX.
Nace en Venecia y llega a Roma en 1779 → Descubre a Bernini. Apasionado por los descubrimientos arqueológicos del mundo clásico.
o TESEO Y EL MINOTAURO (1781-1783) Renovador de tipologías tradicionales. Retoma modelos de Bernini pero con
planteamientos diferentes en la forma y en el fondo. o MAUSOLEO DE CLEMENTE XIV (1783-1787) o MAUSOLEO DE CLEMENTE XIII (1792) o MAUSOLEO DE MARÍA CRISTINA DE AUSTRIA (1799)
Fue escultor de NAPOLEÓN o MARTE PACIFICADOR (1803-1806) o PAULINA BORGHESE (1804) o LETIZIA RAMOLINO (1804) Madre de Napoleón.
Virtuosismo técnico y aproximación al rococó. o AMOR Y PSIQUE (1793) o LAS TRES GRACIAS (1816)
Dificultad para representar la fugacidad del mundo contemporáneo. Menor libertad temática. (Encargos oficiales, ornamento,…)
Siglo XIX → Auge de la ESCULTURA. (Monumento Público y Ornamento Arquitectónico.
Continúan los temas clásicos y convencionales, aunque se amplía su repertorio formal.
LA ESCULTURA Difícil de encuadrar como
género artístico.
1.1. ANTONIO CANOVA (1757-1822)
ANTONIO CANOVA BERTEL THORVALDSEN
Nace en Copenhague. Marcha a Roma en 1797. Mantiene una escultura afín a los gustos germanos. Trabaja para Luís I de Baviera. Sus esculturas repiten los modelos griegos
con frialdad y distanciamiento, alejado de la sensibilidad mediterránea. o JÚPITER Y GANIMEDES (1818) o HEBE (1816) o LAS TRES GRACIAS (1817) o JASÓN Y EL VELLOCINO (1838)
Supo aplicar la grandeza del clasicismo a la estética cristiana. o CRISTO (1821-1827)
A veces se aleja de sus planteamientos neogriegos o EL LEÓN DE LUCERNA (1819-1821)
1.2. BERTEL THORVALDSEN (1770-1844)
DAVID D’ANGERS
LORENZO BARTOLINI
LORENZO BARTOLINI
FRANÇOIS RUDE DAVID D’ANGERS
Los escultores de principios del XIX siguieron la línea marcada por Canova y Thorvaldsen, alejándose poco a poco de los modelos clásicos
John Flaxman (1755-1826) Sublimación de los sentimientos. Busto de John Forbes (1821)
David D’Angers (1788-1856) Punto intermedio entre clasicismo y romanticismo. Deseo de captar la interioridad de los modelos. Cabeza de Chateaubriand (1829) Monumento funerario al General Bonchamps (1822)
Lorenzo Bartolini (1777-1850) Tumba de la Condesa Sofía Zamoyska (1837-1844) Esperanza de Dios (1835)
Théodore Géricault (1791-1824) Ninfa y Sátiro (1818) al modo non finito, como captación del instante,
con talla directa François Rude (1784-1855) Eclecticismo clásico + romántico Partida de los voluntarios en 1792 (1833-1836)
Antonio Solá Llansás (1780-1861) Daoiz y Velarde (1830-1831)
2. HACIA EL ECLECTICISMO
ÚLTIMOS NEOCLÁSICOS
JAMES PRADIER
AUGUSTE PRÉAULT F
J. B. CARPEUAX FF
HONORÉ DAUMIER
CONSTANTIN MEUNIER
La escultura se va haciendo menos solemne, y se renuncia a la belleza ideal del clasicismo. Se abordan temas más cotidianos, y se trabaja en tamaños reducidos.
Antoine-Louis Barye (1796-1875) Representa la naturaleza salvaje. León y serpiente (1832-1835) Pantera devorando un ciervo (1835)
James Pradier (1790-1852) Recurre al orientalismo. Odalisca sentada (1841)
Auguste Préault (1809-1879) Relieves inclasificables. La Matanza (1833-1834)
Honoré Daumier (1808-1879) Denuncia social. Parlamentaires, les célebrités du Juste Milieu (1831) Ratapoil (1850)
George Gilbert Scott (1811-1878) y George F. Teniswood (1840-1880) Arquitectura + Escultura = Monumento Albert Memorial (1863-1875)
Jean Baptiste Carpeaux (1827-1875) Ruptura clara con el academicismo. El Conde Ugolino y sus hijos (1863) La danza (1867-1868)
Constantin Meunier (1831-1905) El mundo del trabajo. Monumento al trabajo de Bruselas El pocero (1855) Le grisou (1890)
ROMANTICISMO
3. RODIN Y LA EMANCIPACIÓN DEL MONUMENTO
Se persigue superar el academicismo, bajo la visión de una sociedad dinámica.
Se huía de la contención del clasicismo hacia la idea del antimonumento Ricardo Bellver (1845-1924) Monumento al diablo. El ángel caído (1878)
Edgar Degás (1834-11917) Desvincular escultura de monumento. Pequeña bailarina de catorce años (1881)
OJETIVO: INDEPENDIZAR LA ESCULTURA
AUGUSTO RODIN (1840-1917). Primero en acabar con la lógica del monumento. Admirador de Miguel Ángel, de él capta la expresividad y la fuerza. Capacidad de elevar a la categoría de objeto artístico lo que podría
interpretarse como un mero esbozo. Edad de Bronce (1877) Se piensa que es un vaciado. Un hombre andando (1878) Captación del momento. Las Puertas del Infierno (1880-1890) Ruptura definitiva con el
clasicismo. - El Pensador o Dante (1880) Momento de reflexión sobre la vida. - El beso (1886) - Ugolino (1882)
Retrato de Camille Claudel (1886) Capacidad técnica. La Danaide (1900) Contraste de texturas. Retrato de Balzac (1897) El non finito. Los burgueses de Calais (1884) Captación del momento, sin narración.
4. MEDARDO ROSSO
OJETIVO: CAPTAR EL INSTANTE FUGAZ
MEDARDO ROSSO (1858-1928). Su obra es un grito de ruptura con el concepto estático. Comparte con los impresionistas la captación del instante. Hace de la expresión escultórica un nuevo lenguaje, busca hacer salir de la
masa informe una imagen. Sus personajes y temas son intrascendentes, de la vida cotidiana. Pretende convertir la escultura en algo inmaterial. o La Portinaina (1883) o Amor materno (1882) o Bambino ebreo (1892) o La risueña (1890) o Niño enfermo (1889)
5. LA ESCULTURA COMO ORNAMENTO
ART NOUVEAU RECREAR LA NATURALEZA
Las corrientes del Art Nouveau de fin del XIX, tuvieron escasa repercusión en escultura.
Se aplicó más bien a la decoración de objetos Fascinación por los efectos del movimiento, formas sinuosas que hacen
ablandar las superficies recordando la sinuosidad de la naturaleza. Figuras de Bailarinas Loïe Fuller (1900) – Pierre Roche (1855-1922) Monumento a Johann Strauss – Edmund Hellmer (1850-1919) Fuente de Silvio Bravo (1885-1887) – Jef Lambeaux (1852-1908) Palau de la Música de Barcelona
- Embocadura de escena – Pablo Gargallo (1881-1934) - Canción Popular – Miguel Blay (1866-1936)
Miguel Blay (1866-1936) - Eclosión - Los primeros fríos (1892) - Sensitiva (1910)
Joseph Llimona (1864-1934) - Monumento al Doctor Robert (1910) - Desconsuelo (1904)
Monumento a Alfonso XII. (1902-1922) Othmar Schimkowitz (1864-1947) Franz Metzner (18870-1919)
- El peso de la Pena (1913)
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Bética 1920 – Jacinto Higueras Fuentes (1877-1954)
BIBLIOGRAFÍA: El arte del siglo XIX. ANTIGÜEDAD DEL CASTILLO OLIVARES, Mª Dolores; NIETO ALCALDE, Victor; SERRANO DE HARO SORIANO, Amparo; SOTO CABA, Victoria.
ESQUEMA REALIZADO POR: Jacinto Mercado Pérez. Centro Asociado ÚBEDA – Jaén FOTOS: http://www.es.wikipedia.org
6. LA RECUPERACIÓN DE LA FORMA
DESDEÑO POR LA EMOTIVIDAD
Tras el abuso ornamental del Art Nouveau, los artistas desean recuperar lo significativo.
Se pretende olvidar los alardes del barro y se prefiere volver al bloque de piedra, recuperando la tridimensionalidad de la escultura del clasicismo. Adolf von Hildebrand (1847-1921) Destierro de la emotividad.
- Joven (1881-1884) Aristide Maillol (1861-1944) Rotundez sin texturas.
- Mediterránea (1901) - La noche (1902-1908)
Paul Gauguin (1848-1903) Regreso a lo primitivo. - Oviri, la salvaje (1891) - Maderas de la Maison du Jouir (1901)
TEMA IX. DESPERTAR DE UN NUEVO MUNDO
LIMNERS Pintores de muestras, artesanos itinerantes = Letreros de las tiendas Retratos. Núcleos Urbanos. Mercaderes, aristocráticos y latifundistas. ARTISTAS INGLESES: William Williams /Schmibert / Charles Bridges. : Benjamin West Pintura Historia / Mitología ). Viajaron a las Colonias. Retratos aristocracia local con imitación costumbres de nobleza Europea. ARTISTAS NORTEAMERICANOS. Benjamin West Pintura Historia / Mitología John Singleton Copley. Estilo Inglés. Retratos. Real Academia de Bellas Artes. Londres. Norteamérica = Maestros / Protectores de sus compatriotas.
1. INTRODUCCIÓN. UN ARTE NUEVO:.
Pintura Norteaméricana hasta la Declaración de Independencia ( 1776 )
= Nación
Época Colonial. Poco interés por las artes.
Indios Nativos y Protestantes Religiosos.
John. Singleton Copley: ( 1738 -1815 ). Primeras obras. Retratos virtuales, hombres y mujeres coloniales. Sobriedad, Realismo. Hijo de emigrante irlandés En 1774 pintó uno de sus lienzos.
“ Retrato de Paul Révere “: Sobriedad, Poco color y poco elemento. Artesano de metal.
Pose pensativa. Contraste de luz y sombra. Valores. Nuevo Mundo. Nueva Inglaterra Colonial. Recordado como uno de los Patriotas de la Independencia de los Estados Unidos. Prototipo de Estadounidense industrial.
Arquitectura = Neoclásico = Edificios Públicos.
Gilbert, Sutart: Retratista de la República. Pintor y retratista Estadounidense. . Entre sus retratos más destacados se encuentran los primeros seis presidentes de los EEUU. Vitalidad y naturalidad de sus retratosUno de sus obras más conocidas es el Retrato de George
Washington:
( Gran Estilo ). Lo importan de Europa. Romanticismo = Temas bíblicos y históricos. Autores como John Trumbull ( 1756 – 1847 ) y Washington Allston ( 1779 ). Rechazo De cuadros que exigían conocimiento especializado. Y retratos de pintura de género.
WEST:
High Style
John Thrumbull: Declaración De Independencia. Washington Allston
2.- EN BÚSQUEDA DE UNA IDENTIDAD ARTÍSTICA: LA AMBICIÓN DEL PAISAJE
Representación de la naturaleza.
Joshua C. Taylor.
Viaje a Europa de Artistas Americanos. En la madurez.
Movimiento Impresionista en Europa. Al volver de Europa pintaban en la zona del Río Hudson.
Cuadros de paisaje, de gran tamaño.
ESCUELA DEL RÍO HUDSON: Siglo XIX. Washington Allston vuelve a los EEUU---- Romanticismo Thomas Doughty y Alvan Fisher Artistas Locales.
Thomas Cole: ( 1801 – 1848 ) . Fundacional de la Escuela
del Río Hudson. Inglaterra / Norteamérica. Formación en Filadelfia y Nueva York. Pintura inteligible para el espectador. Salir del Estudio a pintar al Natural--- Paisaje como metáfora.
---- Paisaje como natural.
“ El Curso del Imperio . El Viaje de la Vida: 3 ó 4 escenas de narración. Principio, desarrollo y fin. Infancia, juventud y madurez . Borde de una cueva- Platón Mito de la Caverna. Ideas y Realidades. Oscuridad /Visión al natural
La pintura de Género, subsistió = Difusión Grabados. Caleb Bingham: Representante de la pintura narrativa del sur de los Estados Unidos
1. Sydney Mant George Cattlin ( 1796 -1872 ) . Rostro exótico Norteaméricano. Pinturas de Indios.
Documentalista. Sencillos pero expresivos. Europa -------------- Paralelo ---------------- Romanticismo Inglés --------- Constable y Turner.
Crea Tendencia en Norteamérica.
John Twatcmann
Henry Cheever Pratt / Henry Inman / Charles Codman /William Allen All --- Romántica y apasionada naturaleza .
Muerte de Cole Nueva Generación Asher B. Durand ( 1796 – 1886 ). Influjo de John Ruskin ( Naturaleza
Libro de Dios.). Pintura y disciplina. Paisaje. Narración Pictórica. Literaria Concluida. John F. Kensset ( 1886 – 76 ) / Thomas Wolthinton / Friederick Church ( Búsqueda objetiva. Sensacionalismo. Obras de teatro. Albert Biestad ( 1830 – 1902 ). Oeste Americano. Hugh Lane / Martin J. Heade.
IMPRESIONISTAS AMERICANOS:
Childe Hasson / J. Henry Taractman . Bárbara Novak - Pregunta por qué no ha surgido el Impresionismo. Exposición Impresionistas Franceses. Colección Durand – Ruel en N. York. Crítica dura con imágenes figurativas William Blair Bruce –> Emparentó con Manet. Mary Cassat Pintora Norteamericana en París. Impresionismo Francés. Consejera Artísitica.
Se fija en Monet. Moda al Aire Libre.
GRUPO DE LOS DIEZ - TEN AMERICAN PANTIERS
Impresionistas que se separaron en 1897 de la Society American of Artist. Childe Hassam ( 1859 – 1935 ) . Más cercano a Monet. Colorido. Estudio de la luz del
sol. Preocupación por lograr la belleza “ Arco de Washington “ Figura alargada en medio del Boulevard. Vista de New York.
John Twatcmann (1853-1902). Descubrimientos de la luz, color. Paisajes domésticos. Connéticut. Grises y colores suaves.
Otros miembros J. Alden Weir / Joseph Decamp /Thomas W. Dewing / Robert Reid.
Pinceladas respetuosas. Formas definidas. Color por valores tonales---- Postimpresionistas --- Influencia Gaugin
Thomas Eakins: “ La Clínica Gross “. 1875.
3. CAMPO Y CIUDAD. LA PARTICULAR DIALÉCTICA PICTÓRICA DE LA MODERNIDAD EN EEUU
S.XIX.
Paisaje. Movimiento
Plástico. Estilo propio
ARMORY SHOW 1913 Línea Divisioria. Hay un antes y un después Crearon su propio lenguaje artístico. Independientes.
THE EIGHT. LOS OCHO
Pintores de Filadelfia-- Robert Henri. Inspirador y creador. Se buscan escritos del poeta norteamericano Walt.
Whitman desprecia la teoría del arte por el arte. Whistler y Sargent Renegaban. John Sloan. Thomas Eakins ( 1844 – 1916 ) .Atrapar la verdad en
el arte. También fotografía. Formó en París y visitó Europa.. Colorido sobrio y convencional
James Abot Mcneill Whistler ( 1843 – 1903 ) . Conservador. Ingeniero del Ejército. Dibujos. Fue a París. . Ningún grupo. Figuras y paisajes tonalidades. Color difuminado. “ La Madre del Artista “
Generación que pretendía una reforma de la política, economía y las costumbres. Movimiento laboral norteamericano más militante. Sindicatos. Creación del partido socialista. Se enfrentaban con la Institución Académica. Salón de Mabel Doge en N. York. Surgieron nuevas ideas. Fusión entre el arte y política del Periódico The Masses. Colaboración. 1917 fin de los Ocho.
4. NUEVA YORK: MÁQUINA MODERNA
Introducción
GRUPO LOS OCHO. Nueva York. 1895. Robert Henri y Ferrer School = Anarquista / William Merrit Chase = Estilo a Manet. El resto del grupo de los Ocho fue atraído por trabajos a revistas a periódicos.
Zonas más pobres de la ciudad = Buscar humildes moradores. Alegría. Música. Amor.
Arte urbano y popular = técnicas artísticas secundario Artista involucrado en la ciudad. Oprimidos.
Henri ayudó al grupo de los Ocho a crear un puente entre los museos y arte cotidiano
John Sloan 1859-1924 Pintor, grabador, ilustrador gráfico. Influencia de Robert Henri.
Director de Arte Revista The Masses Capta los momentos cotidianos de la vida en la ciudad “ La estrella
del Transbordador “ . Cotidianidad. Espacio. Elegantes tonalidades
Maurice Prendergast 1859-1924
Artista comercial. París. Estilo personal. Influencia Francesa. Interesado en el color. Niña Sentada: mezcla pincelada autónoma de los Neoimpresionistas
Stieglitz 1864- 1846 Fotógrafo. Photo-Secession. Revista Cámera Work y Galería =
Legitimar la fotografía como arte y expresarse de manera abstracta 1951 --- Funda Galería con 7 Artistas. La Galería Íntima con artistas
como John Marin ( 1877-1943 ), Arthur G. Dove ( 1880 ), etc.. Exponía arte vanguardista europeo y pintores norteamericanos. Expuso arte figurativo y también obras de Kandinsky. Búsqueda filosófica Expuso a Matisse por primera vez en América. Primero en publicar a Gertrude Stein
Hermanos Stein Pintura salvaje y arriesgada en París. Leo y Gertrude Stein. Mecenas de las Vanguardias Parisinas, amigos artistas y
teóricos Leo = Pintura Moderna y experto en Cézanne De Leo a Gertrude fue con el Cubismo y Picasso. Alianza con
Picasso de Gertrude. Publicó textos para Camera Work en 1912. Carácter abstracto sin lógica ni emoción.
BIBLIOGRAFÍA: .- Serrano De Haro Soriano, Amparo ; Antigüedad, Mª Dolores ; Nieto, V ; EL ARTE DEL SIGLO XIX. EL ARTISTA ENTRE EL SUEÑO Y LA HISTORIA Y LA MATERIA DE LO REAL. MADRID (2010) Ed. Ramón Areces. .- Argan, Giulio Carlo ; EL ARTE MODERNO: DEL LUMINISMO A LOS MOVIMIENTOS CONTEMPORÁNEOS (2ª) EDICIONES AKAL, S.A ESQUEMA REALIZADO POR: ELIA RODRÍGUEZ MONTERO Centro Asociado A CORUÑA FOTOS: http://www.artehistoria.com Google Imágenes.
ARMORY SHOW. o 1913. Modos alternativos a la Academia. o Exposición Independiente – Macbeth Gallery. o Pintores y Escultores Americanos = Respaldor a los artistas Americanos Independientes. o Arthur Davies y Walter Khun --- Seleccionaban obras. o Carácter popular – N. York. o Lectura simbólica --- Obras de Duchamp. Logo Pino de Tenesse. o Primas Salas y exposiciones de artistas conocidos como Ingres, Delacroix., Los Ocho. o Los Ocho dimitieron y fueron desapareciendo.
Años 20 --- Nuevo modelo de Artista. Paisaje Urbano bajo influjo de Artistas extranjeros. LeCorbusier, y Picabia.
N.York --- Posibilidades--- Cuadros abstractos y figurativos.
TEMA 10 LOS MODERNISMOS Y LA UTOPIA DE LA UNIDAD DE ESTILO.
2. LA UNIDAD DE ESTILO.
Es un nuevo lenguaje artístico que: Renuncia a utilizar modelos del pasado Unifica e integra todas las artes en un lenguaje único y universal. Es la reacción contra el historicismo académico imperante. Se desarrolla principalmente en la arquitectura y las artes decorativas y aplicadas. Punto culminante del movimiento Arts & Crafts liderado por William Morris que defiende el retorno a la producción artesanal para luchar contra la monotonía de la producción industrial. DENOMINACIONES Art Nouveau en Francia; Modern Style en Gran Bretaña; Secesión en Austria; Modernismo en España; Jugendstil en Alemania.
3. LINEA, FORMA E ICONOGRAFIA.
Es arte en el que sus formas se extienden a todos los ámbitos de la vida: arquitectura, urbanismo, iluminación, orfebrería, ebanistería, tejidos, pintura, mobiliario, vidrio, cerámica, tipografía, etc. Recupera técnicas de elaboración anteriores (Arts and Crafts) que el Academicismo había dejado obsoletas. Con los mismos materiales intenta buscar otros resultados, otras dimensiones y sentidos pero dentro de lo real. La verdadera aportación del modernismo fue la integración de todas las artes en un único proyecto: todas las artes configuran el todo utilizando el mismo lenguaje. Presenta influencias del arte oriental que se interpreta de distinto modo. París se convertirá en el principal foco de difusión y creatividad.
La base de toda la decoración es la línea ondulada y fluida en forma de arabescos, motivos vegetales y estructuras asimétricas. La idea de movimiento se plasma en las obras: las formas se toman de la naturaleza. De esta forma los pilares son árboles, las verjas son ramas y hojas entrelazadas, los animales son picaportes y pasamanos, etc. Los artistas se inspiran en la naturaleza desvinculada de códigos estéticos.
Estació del Nord, València.
Pantalla para chimena de Emile Gallé, Nancy.
José Grases Riera, Palacio Longoria, 1902
4. ANTICLASICISMO Y EVASION.
El Art Nouveau es un arte netamente urbano, fruto del progreso y de la evolución de la sociedad. La burguesía es su principal mecenas a causa de su ascenso económico y social, que busca romper con la rigidez anterior. Bancos, palacetes, viviendas urbanas., estaciones, bibliotecas, casinos, círculos mercantiles y recreativos, hoteles, etc. se erigieron con el sello inconfundible de esta nueva clase social. El Modernismo se enmarca entre el abandono del pasado conflictivo y la perspectiva que ofrece un futuro dudoso. Por ello es real e irreal a la vez, emplea formas simples y puras para crear espacios nuevos nunca vistos anteriormente.
Vicente Pascual, Casa del Pavo, 1908.
5. ARQUITECTURA PARA LA SOCIEDAD MODERNA.
-Las formas arquitectónicas son la consecuencia del ornamento. -El Modernismo tuvo una existencia breve, aproximadamente desde 1890 hasta que termina la Gran Guerra. -Emplea el mismo estilo en la decoración y en el mobiliario. -Deriva del prerrafaelismo inglés, del simbolismo francés y de influencias arabescas, orientales, y de todos los influjos neo: neorrománico, neogótico, neobarroco, neorrococó... que conjuga en un estilo propio. -Es una arquitectura al servicio del ciudadano, preferentemente para los nuevos barrios de la ciudad (Ej. Passeig de Gràcia, Barcelona). -Emplea multitud de materiales tanto clásicos como nuevos: cemento armado, hierro, piedra, cerámica, porcelana, vidrio, madera. - Los primeros núcleos urbanos del Modernismo se dan en Bélgica y en Cataluña. -Evoluciona desde la línea curva y la asimetría hacia formas más lineales y ausentes de decoración (Mackintosh, Glasgow).
6. EL FOCO BELGA: LA OBRA DE VICTOR HORTA.
Los orígenes del foco belga se encuentran en las obras de Octavio Mars, Edmund Picard y Les XX. Sus exposiciones, conferencias y publicaciones mantuvieron una actitud de ruptura con el pasado abriéndose a la renovación. Víctor Horta se forma en la Academia de Bellas Artes de Bruselas y presenta influencias inglesas, neobarrocas y neorrococós. Su principal obra es la Casa Tassel, en Bruselas, una vivienda estructurada en torno a la escalera que parte del vestíbulo de entrada. En la fachada, muros curvados, hierro visto miradores y columnas otorgan una sensación de movimiento. Columnas y vigas se ofrecen al descubierto como elementos ornamentales. Es la primera casa adaptada a las necesidades del propietario. Otras obras suyas son el Hotel Savoy y la Casa del Pueblo, edificio en hierro y cristal de líneas sinuosas y formas florales.
Víctor Horta, Casa Tassel, Bruselas. Escalera interior y fachada principal. Héctor Guimard: Entrada a la Estación de Porte Dauphine, París.
Héctor Guimard. Son famosas sus entradas al Metro de París en hierro forjado y cristal, en forma de marquesinas que engullen al viajero como la de Porte Dauphine o con farolas que asemejan tallos vegetales como la boca de la estación de Parc Monceau. Los rótulos presentan caracteres tipográficos dinámicos, con letras que se encabalgan muy propio de la cartelística modernista. Henry Van de Velde promulga el nuevo estilo a través de numerosas publicaciones en las que expone sus teorías. En su propia casa en Uccle conjuga decoración y mobiliario en un mismo concepto de arte unitario, de unión entre arte e industria. Crea un taller para la producción de objetos cotidianos y en Alemania funda la Escuela de Artes y Oficios de Weimar, la futura Bauhaus. Otra obra suya es el Teatro de la Werkbund, en Colonia, donde plasma sus ideas de funcionalidad.
Towsend: St. Mary the Virgin
Mackintosh: Glasgow School of Art
Surge en Inglaterra siguiendo los pasos del movimiento Art and Crafts abandonando la línea curva característica del Modern Style. Se centra en la casa unifamiliar como un todo: elementos estructurales, elementos decorativos y mobiliario. Destinada a la burguesía, huye de los cánones arquitectónicos victorianos. Autores: -Mackmurdo, crea en 1882 la Century Guiad of Artists. -Voysey, construye casas unifamiliares adaptadas a la nueva sociedad renunciando a la decoración en pro de la sencillez, con cubierta a cuatro aguas en las que predomina la horizontalidad (The Orchard) -Towsend , es el autor que mejor enlaza con el Art Nouveau del continente. Sus edificios presentan una decoración naturalista: Bishopsgate Institute, Whitechapel Art Gallery, Horniman´s Museum destacando la iglesia rural de St. Mary the Virgin.
7. DOMESTIC REVIVAL Y GRUPO DE GLASGOW
El Grupo de Glasgow
Sigue los pasos del Art and Crafts y está formado por Mackintosh, Mac Nair y las hermanas Mac Donald. Su lenguaje arquitectónico es geométrico. El Grupo de Glasgow lleva a los objetos de decoración y a las artes gráficas diseños simétricos. Destaca Mackintosh que integra arquitectura y mobiliario, es un Arte Total. Son famosos sus salones de té y sus casas unifamiliares de Windy Hill así como la Glasgow School of Art..
El Modernismo en España incorpora elementos europeos principalmente en lo decorativo pues en lo estructural sigue las pautas académicas dictadas por las Escuelas de Arquitectura. Predomina el Eclecticismo con rasgos propios de la arquitectura española tradicional. Se extiende desde Madrid al resto de España, pero es en Cataluña y concretamente en Barcelona donde adquiere carácter nacionalista coincidiendo con el auge de la burguesía industrial y mercantil, hundiendo sus raíces en el gótico catalán. Se emplea tanto en viviendas como en edificios públicos. Sus principales autores son: Lluís Doménech i Muntaner, Josep Vilaseca y Josep Puig i Cadafalch. Doménech i Muntaner es el autor del Palau de la Música Catalana, de 1908 , de fachada colorista con multitud de elementos tanto decorativos como estructurales. Es un ejemplo de integración de las artes aplicadas. Su interior es diáfano con un techo sustentado mediante columnas que soportan bóvedas de abanico. Su elemento más característico es el enorme plafón de cristal de vivos colores que cierra el techo.
Doménech i Muntaner: Palau de la Música Catalana. Su obra adquiere una nueva dimensión conjugando estructura y ornato, tomando elementos reales de la naturaleza y plasmándolos en piedra, hierro, cemento, vidrio, madera...
ANTONI GAUDI I CORNET
8. EL MODERNISMO, ENTRE LA TRADICION Y LA MODERNIDAD
Con Gaudí el modernismo estructural cobra realidad: utiliza elementos de estilos artísticos anteriores y los transforma creando nuevos espacios, nuevas sensaciones que alcanzan lo espiritual. Es el paradigma del artesano medieval que trabaja sobre el terreno aportando soluciones conforme avanzan los trabajos. Sus principales obras son: Palacio , Parque y Colonia Güell, Casa Batlló, Casa Milà, Templo de la Sagrada Familia, en Barcelona; Casa Botines y el Palacio Episcopal de Astorga en León y el Capricho de Comillas en Santander.
Antoni Gaudí: Casa Batlló, Barcelona 1906.
Antoni Gaudí: Chimeneas en la azotea de la Casa Milà,Barcelona Antoni Gaudí: acceso Casa Milà Antoni Gaudí: Cripta Güell
J. Olbrich, La Sezession
9. LA SEZESSION VIENESA.
Nace en la Viena de fin del siglo XIX de la mano de un grupo de artistas que desean renovar las artes e integrar las artes decorativas. Este grupo de artistas se interesó por las Arts and Crafts, los grabados japoneses y el amor al vacío y a la línea recta. Cuando la Escuela de Glasgow expuso sus obras en Viena en 1900, la Sezessión eligió este estilo para sus obras.
Artistas
- Joseph Olbrich, famoso por ser el autor de la Casa de la Sezession 1899, edificio singular destinado a exposiciones y actividades culturales. Se trata de una acumulación de formas geométricas a base de cubos unidos y superpuestos que culminan en una cúpula cubierta por hojas de metal dorado. -Otto Wagner, dirigió el ensanche de Viena a partir de la Ringstrasse desarrollando anillos concéntricos bajo el precepto de la funcionalidad. Todos los elementos de la ciudad se integran en una obra de arte total. De entre sus edificios destacan la Iglesia de San Leopoldo en el psiquiátrico de Steinhof, inspirada en la barroca de San Carlos Borromeo de Von Erlach, con cúpula semiesférica dorada, dos torres flanqueándola y planta de cruz griega con decoración claramente sezessionista. En la Caja Postal de Ahorros de Viena logra un soberbio edificio en el que impera la línea recta y el carácter funcional, con un vestíbulo principal cubierto por un techo curvo de cristal. -Adolf Loos se enfrenta a la Sezession en cuanto al uso de elementos decorativos con obras precursoras del racionalismo. Sus viviendas son de carácter funcional, ausentes de adornos y con las fachadas enlucidas con argamasa blanca: Casa Steiner, Casa Horner y Villa Scheu. En el edificio Goldman & Salatsch ensaya una tipología nueva que desafía al clasicismo vienés ausente de decoración. En la zona inferior destinada a comercios emplea mármoles para la cubrición mientras que en los pisos superiores destinados a viviendas el protagonista es el enlucido al modo vienés. -Joseph Hoffmann, su obra es de líneas rectas y geometrismo: Palacio Stoclet en Bruselas y el Sanatorio de Purkesdorf.
BIBLIOGRAFÍA: Antigüedad del Castillo-Olivares, Mª. Dolores; Nieto Alcaide, Víctor; Serrano de Haro Soriano, Amparo; Soto Caba, Victoria. El Arte del Siglo XIX. Ed. CERA, Madrid.2010 VV.AA.: Historia del Arte, vol. 25. Ed. Salvat, Barcelona. 2000. VV.AA.: Gran Enciclopedia Universal, vol. 12. Ed. Espasa-Calpe, Madrid. 2004. CUADRO REALIZADO POR: Alfonso Llorens Picó C.A. Gandía UNED 2010
Otro proyecto es el de Ebenezer Howard y su Ciudad Jardín en forma de anillos concéntricos con capacidad para 32.000 habitantes. Es una ciudad de planta circular en cuyo centro se sitúa un jardín, le sigue un anillo de edificios públicos seguido de viviendas, zonas verdes, centros de producción, tierras de labor, etc. Del centro de su planta parten seis avenidas radiales para facilitar la comunicación. La ciudad de Letchworth en Inglaterra es el ejemplo de este tipo de ciudad.
A finales del s. XIX surgen iniciativas que luchan contra la especulación urbanística y combaten la congestión de la ciudad tradicional. Dentro de esta línea tenemos la Ciudad Lineal proyectada por el español Arturo Soria, una ciudad longitudinal de ancho limitado surcada en su eje por vías de comunicación que la vertebran. En la Ciudad Lineal cada casa contaría con un jardín y zona apta para el cultivo, contaría con hoteles, edificios destinados a servicios, jardines, edificios públicos, etc. Es una ciudad en la que las diferencias entre clases sociales se aminoran. Tan sólo se llevó a cabo una parte del proyecto en Madrid.
10. LA ALTERNATIVA A LA CIUDAD BURGUESA: LA CIUDAD LINEAL Y LA CIUDAD JARDIN.
TEMA 10. LOS MODERNISMOS Y LA UTOPÍA DE LA UNIDAD DE ESTILO
El Art Nouveau en Inglaterra sigue los pasos del movimiento Arts and Crafts, defendido por William Morris, con una con una concepción unitaria del arte y que es capaz de convertir la vivienda familiar en objeto artístico. Es la apuesta por una arquitectura bien hecha y sincera con los materiales, que da respuesta a la necesidad de viviendas confortables para burgueses acomodados. Está dominado por el geometrismo.
7. “Domestic Revival” y el Grupo de Glasgow
Arquitectos principales
Arthur H. Mackmurdo (1.851 – 1.942) Publica proyectos de viviendas de gran sencillez de líneas que suponen una renovación de la arquitectura doméstica. Charles A. Voysey (1.857 – 1.941) Construye numerosas casas unifamiliares buscando una arquitectura individual y económica. Prima la funcionalidad. Acentúa la horizontalidad con característicos tejados a 4 aguas, alero saliente, distribución asimétrica e hileras de ventanas.
Obras: Bishop’s Itching (1.888), The Orchard (1.899) y Tower House de Bedford Park (no realizada)
Casa Orchard, alzado y planos
Charles H. Townsed (1.852 – 1.928) También construye “cottages” con planteamiento asimétrico y naturalista. Ligado a las modas del art nouveau continental con la iglesia St, Mary the Virgin (1.902-1.904) de Warley, Essex, donde presenta todo el repertorio decorativo de este arte. En Londres construye Bishopsgate Institute (1.892), Whitechapel Art Gallery (1.896), Horniman’s Museum (1.892)
- Frances y Margaret Macdonal - Herbert Mac Nair - Charles R. Mackintosh (el más destacado)
Llevan a término el “arte total” con diseños geométricos en decoración, mobiliario y artes gráficas. Su obra más notable es la Glasgow School of Arts (1.897 – 1.909), en la que se solucionan las necesidades prácticas con originalidad y con un recuerdo a la tradición escocesa. Su fachada es asimétrica y con un esquema muy lineal.
Exterior Biblioteca Alcanza un gran éxito en la exposición de la Sezession Vienesa, donde logra un importante reconocimiento internacional. Otras obras son la cadena de Salones de Te de Miss Cranston en Glasgow, el Salón de Te de Willow (1.903-1.904) en el que realiza también el mobiliario y la decoración o las casas unifamiliares de Windy Hill y Hill Hause, también con la decoración. Igualmente diseña muebles que alcanzan gran repercusión.
Salón de Te de Willow Hill House
El Grupo de Glasgow. Los 4 de Glasgow
Es la corriente española del Art Nouveau, que aunque se extiende desde Madrid es en Cataluña (Barcelona) donde adquiere una personalidad propia y fuertes raíces nacionalistas, que se asocian a la Renaixença. Es un movimiento original e imaginativo, asimilado por completo hacia el 1.900 y que se produce por un deseo de modernización social y regeneración cultural y una opción frente al clasicismo vigente en el resto de España. Se desarrolla a partir del gótico, que era el estilo nacionalista y burgués catalán y conlleva igualmente, una profunda valoración de las artes aplicadas y los oficios artísticos. Los arquitectos más representativos son:
- Josep Vilaseca - Josep Puig i Cadafalch - Lluis Domenech i Montaner (1.849 – 1.923)
Es el representante del Modernismo de la Renaixença. Su obra principal es el Palau de la Música Catalana 81.905 – 1.908) donde desarrolla una mezcla de elementos y materiales en la fachada, donde destaca el grupo escultórico “Canço popular” y un interior muy decorado.
Vitral del techo Escenario Fachada principal
8. El modernismo entre la tradición y la modernidad.
Es la versión más singular del modernismo europeo, con una arquitectura de formas geológicas y orgánicas y tremendamente expresionista. En él se produce la conjunción entre estructura y ornamentación y proyecta con un planteamiento artesanal, lo que da a sus obras un gran preciosismo y sentido plástico. Igualmente, recoge motivos de diversa procedencia. Son característicos sus arcos parabólicos (Palacio Güell), la fragmentación de espacios, la utilización del hierro forjado (balcones casa Milá), el trencadís y los tejados y chimeneas como centinelas amenazantes. Realiza el Palacio Güell, el Park Güell (dentro de un proyecto de Ciudad – Jardín). Las casas Batlló y Milá en el Paseo de Gracia, esta última sin muros de carga, con una gran sensación de movimiento y una distribución irregular en planta.
Casa Batlló Chimeneas Casa Milá Patio interior Casa Milá Fuera de Barcelona hace obras como El Capricho de Comillas, la Casa Botines en León, el Palacio Episcopal de Astorga o los jardines Artigas en Pobla de Lillet. Sus últimos años vive una etapa de misticismo religioso que le lleva a ocuparse prácticamente en exclusiva de su gran obra, el templo expiatorio de La Sagrada Familia en Barcelona, que evoluciona desde un proyecto neogótico hasta lograr su propio mundo simbólico. El templo quedó sin terminar a la muerte de Gaudí.
Fachada del Nacimiento Interior Bóveda Central.
Antoni Gaudi i Cornet (1.852 – 1.926)
Entre los artistas están Gustav Klimt, Kolomar Moser, Joseph Hoffman y Joseph Olbrich
Nace en el Viena de fin de siglo y reúne un grupo de artistas diversos, que cuentan con la revista “Ver Sacrum” para difundir sus ideas. En ellos se da un deseo de renovación y de integración de las artes decorativas. Se interesan también por las artes japonesas y las realizaciones del movimiento Arts and Crafts, por lo que se impusieron las formas simplificadas y la preferencia por la línea recta y el “amor vacui”. Eligen el estilo de la Escuela de Glasgow. La Sezession se prolonga en Alemania, en Darmstadt, con Peter Behrens, que ejerce una gran influencia en la arquitectura posterior, ya que en su despacho trabajaron Gropius, Meyer, van der Rohe y Le Corbusier.
Otto Wagner (1.841 – 1.918) Es el máximo exponente de la Sezession y pionero del movimiento moderno. En sus obras se aprecia una intensa depuración formal y decorativa, vinculada a los elementos industrializados. Ejerció gran influencia en la arquitectura del siglo XX. Entre sus obras figuran el Metro de Viena, la iglesia de S. Leopoldo en Steinhof, las viviendas de Majolikahaus y la Caja Postal de Ahorros, innovadora en el empleo de materiales y funcionalidad interior.
Caja Postal. Interior Majolikahaus S. Leopold Metro
9. La Sezession Vienesa
Joseph Olbrich (1.867 – 1.908) Realiza la Casa de la Sezession en 1.898, sede de la asociación y sala de exposiciones. Es el verdadero manifiesto del estilo, a la vez que un desafío al pasado y una toma de postura de su opción estética. También realiza la decoración de las entradas del Metropolitano vienés.
Casa de la Sezession Adolf Loos (1.870 – 1.933) Se enfrenta a los postulados y conceptos que considera elitistas de la Sezession, para hacer una arquitectura precursora del racionalismo. Predica el geometrismo y la adecuación a las necesidades prácticas, en lo que define como coherencia funcional. Además, una total ausencia de adornos y blancas fachadas enlucidas de argamasa, como se ve en la casa Steiner (1.910), la villa Scheu (1.912) y la casa Horner (1.912). Con el edificio Goldman & Salatsch en 1.910, plantea una construcción atípica con ausencia de ornamentación, de clara influencia de la Escuela de Chicago, ya que Loos estuvo viviendo en Estados Unidos. Crea un nuevo lenguaje, ya en el paso de lo decimonónico a la modernidad.
Villa Scheu Goldman & Salatsch Casa Steiner
Durante este periodo surgen otras iniciativas de ciudad que pretenden luchar contra el control económico del suelo urbano y combatir la congestión y la degradación que se había producido en ellas, tanto por el rápido crecimiento demográfico como por la ubicación de las industrias en el interior de los cascos urbanos, con un hacinamiento cada vez más intenso y unas pésimas condiciones sanitarias. Ambas intentan acercar el campo, del que se tiene a veces una visión idílica, a los habitantes, mejorando de esta manera su entorno.
10. La alternativa a la ciudad burguesa: la Ciudad Lineal y la Ciudad Jardín.
La Ciudad Lineal de Arturo Soria (1.844 – 1.920)
Arturo Soria y Mata es un arquitecto español nacido en Madrid, y uno de los más destacados representantes del urbanismo contemporáneo. Propone una alternativa radical: una banda continua ilimitada, de anchura controlada y recorrida en su centro por una o más líneas de ferrocarril. La calle central, densamente arbolada, tendría una anchura mínima de 40 metros. Las calles transversales de 20 m. de ancho y 200 m. de longitud. Intentó llevar a la práctica su modelo y para ello creó la Compañía Madrileña de Urbanización. Diversos factores desvirtuaron el proyecto inicial, y solo se construyó una pequeña parte. Queda la conclusión de la anticipada visión que Arturo Soria tuvo de los medios de transporte cara al desarrollo de la ciudad futura.
BIBLIOGRAFÍA:
El Arte Del Siglo XIX. Mª Dolores Antigüedad et alts. Editorial Ramón Areces Historia de La Arquitectura moderna. J. Tietz. H.F. Ullman Historia de La Arquitectura. Jan Gympel. Ed. Koneman
ESQUEMA REALIZADO POR: Luz Lapuerta Diego. Centro Asociado Talavera de La Reina. FOTOS: http://www. De distintas páginas.es
La Ciudad Jardín de Ebenezer Howard (1.850 – 1.928) Es la creación de una ciudad – jardín de diseño circular, con un número máximo de 32.000 habitantes, de crecimiento controlado y rodeada por un cinturón verde, una comunidad que acercara el campo a sus habitantes. El Garden Movement se convierte en una propuesta urbana que tiene eco tanto en Europa como en América. Su modelo de barrios suburbanos y pequeñas ciudades periféricas con espacios verdes y equipamientos colectivos se repetirá con gran éxito en numerosos lugares.