historia de la musica
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Historia de la Música
ORIGEN AL ROMANTICISMO
Homero Raul Vargas Cruz
Introducción
Si existe algo que podemos asegurar que ha acompañado al hombre desde sus
inicios, sin hacer distinción entre sexos, razas, culturas, creencias etc. es la música. Y
no podemos dudar del papel tan importante que ha jugado entre los individuos tanto
en sus relaciones sociales como en el ámbito espiritual. Sin embargo a diferencia de
otras manifestaciones artísticas como lo es el caso de la pintura, la arquitectura,
la escultura y la literatura, que nos han proporcionado evidencia explicita sobre como
se fue dando su desarrollo a lo largo de la historia, la Música solo nos
ha proporcionado vestigios muy remotos sobre la producción musical, los cuales solo
los podemos tomar como referencia para imaginarnos bajo mucha incertidumbre la
realidad sobre la historia de la música.
La pregunta de ¿Qué?, ¿Cómo?, ¿Cuando?, y ¿Donde?, solo reflejaran una
mera especulación sobre lo que los estudiosos han deducido a lo largo de sus
investigaciones antropológicas y arqueológicas.
Su origen se remite a vagas explicaciones sobre la idea de la imitación de los sonidos
de la naturaleza, el golpeteo rítmico de algún trabajo, las modulaciones producidas al
emitir llamadas entre los clanes.
Una de las hipótesis mas representativas se basa en la idea de que en
los orígenes de los pueblos, existía un tipo de lenguaje que consistía en sonidos, los
cuales variaban de entonación con la finalidad de comunicar cosas distintas, y
en algún momento dichas variaciones en la entonación producían una
línea melódica completa que en e trascurso del tiempo y atendiendo a la evolución del
lenguaje, se desprendieron la melodía de la palabra, dando como origen a la música
propiamente dicha.
Lo cual le proporciono cualidades distintivas entre estos dos elementos, donde por un
lado la palabra contenía el mensaje, y la música contenía la emoción, con la cual iba a
ser trasmitido dicho mensaje.
LA MÚSICA PRIMITIVA
La Etnomusicología, ciencia que estudia la música de los distintos pueblos, ha
centrado su búsqueda entre las tribus o poblaciones que viven actualmente a un nivel
de subdesarrollo semejante al de la Edad Media.
Un elemento indispensable ha sido el invento del fotógrafo y
su utilización alrededor de 1890, para registrar los cantos de los pueblos primitivos,
además de otras herramientas como el magnetófono y los aparatos digitales actuales,
no es posible elaborarse una idea exacta de como era a música hace 1000, 2000, o
5000 años a. C. debido a que se ha observado que pueblos con apariencia primitiva
tienen diferentes niveles de evolución musical.
La búsqueda de cantos primitivos se remonta a entre los pigmeos que viven en las
pantanosas fuentes del Nilo, donde se repite mucho un cántico a dos voces en el que
la segunda no es mas que la repetición de la primera pero retardada "Martinillo -
Escuela de Notre-Dame, gemelo de aquel Frére Jaques -(Fray Martín el
Campanario".
Una característica principal de los cantos primitivos es su sencillez, el sentido
instintivo y mimético.
Las Civilizaciones Totémicas
Un momento de principal interés en el estudio de la historia de la música es sin lugar a
duda lo que dio origen a esta. Entre las teorías más aceptadas está la de la imitación,
la cual surge junto con el hombre en las pequeñas comunidades más primitivas, las
cuales son conocidas como civilizaciones Totémicas, las cuales rendían culto al
Tótem, quien era la representación de cada uno de los dioses que daban origen a las
cosas. Es decir había el dios-agua, el dios-oso, el dios-viento, el dios-león, a los
cuales les realizaban rituales mediante la imitación de aquello que representaban, y
con ello el sonido.
De esta manera y a medida que fueron evolucionando sus rituales la complejidad de
los sonidos paso a ser melodías con ritmo, hasta llegar a la creación de todo un
repertorio de ceremonias, danzas y cantos, que a medida que se enriquecieron con
nuevos elementos, se organizan en esquemas y fórmulas fijas.
Los Primeros Instrumentos Musicales
Los primeros instrumentos musicales fueron los objetos o el mismo cuerpo del
hombre.
Curt Sachs clasifica los instrumentos musicales en:
Instrumentos autófonos: Producen el sonido por medio de la materia con la que
están construidos. Desde piedras golpeándose entre sí, pasando por una amplia
gama de instrumentos de percusión hasta llegar al xilófono que en l actualidad
algunos lo llegan a comparar con la potencialidad instrumental de piano.
Instrumentos Membranófonos: A este grupo pertenecen tambores, hechos con una
membrana tirante sobre una nuez e coco, un recipiente cualquiera o una verdadera y
auténtica caja de resonancia. Después estos instrumentos fueron perfeccionados
mediante la implementación de cuerdas tensas o modificadas mediante la adición de
otros elementos a la caja de resonancia.
Ortófonos: Instrumentos de cuerda, los cuales eran característico de civilizaciones
avanzadas.
Aerófonos: En sonido se origina en ellos por la vibración de una columna de aire, la
flauta es un buen ejemplo de estos instrumentos. Existe reporte de flautas con más de
20 mil años de antigüedad. También se emplearon cuernos de animales, caracoles y
troncos ahuecados.
La música en el antiguo oriente medio
Hace más de 5000 a.C Una de las primeras culturas que influencio en gran medida la
evolución de la sociedad humana es Mesopotamia y por ende lo hizo por igual en el
ambiente de la música, donde tuvo gran influencia para culturas como la Griega y la
Romana
Los pueblos mesopotámicos concedían una importancia fundamental a la música que
se interpretaba en los templos, muchos de sus dioses que eran herencia de las
civilizaciones totémicas y tenían cono símbolo un instrumento musical.
Además se ha averiguado que también utilizaban instrumentos musicales aparte del
canto.
En contraposición a la música sagrada, en las ceremonias públicas se realizaban
interpretación musical profana. Se tiene registro del Estandarte de Ur, del S.XXV a.C
que representa un cantor y a una citara durante un banquete real.
También los pueblos del Nilo creían que la música era objeto de especial atención
entre los dioses. Plutarco escribió que Osiris había propagado la cultura sirviéndose
del canto y de la música.
La cultura egipcia poseía un gran desarrollo tanto coral como instrumental
Después de ver florecer la música en Mesopotamia será oportuno pasar del Oriente
Mediterráneo a los pueblos hebreos, en donde como principal fuente se tiene la
Biblia.
Antes del asentamiento de las tribus Nómadas en Palestina durante el II milenio a.C
tuvieron un patrimonio musical semejante a los bedunios o al de los primitivos grupos
árabes.
En los pueblos hebreos se tiene una brillante proliferación de cánticos religiosos en el
templo. Los Salmos se acompañaban de instrumentos musicales, mientras que el
canto era dialogado y muchas veces el pueblo intervenía para entonar el Aleluya o el
Amen.
En el S. VI a.C con la destrucción del templo de Jerusalén y la deportación del pueblo
hebreo hay un periodo de estancamiento tanto cultural como musical, sin embargo es
con este pueblo donde se notaran las bases de la liturgia Cristiana.
La música profana, dado el eminente carácter religioso no tuvo tanta importancia sin
embargo el Cantar de los Cantares a pesar de distintas y contradictorias
interpretaciones puede ser considerado como monumento de la poesía amorosa.
INDIA
La musicología ha dividió el estudio de la música en la India en 4 partes:
El primero pertenece a los pueblos de lengua "mundo" que viven en la selva que viven
hasta hoy costumbres totalmente primitivas.
El segundo interés musical es el llamado "shivaita" atribuido a la diosa Shiva, donde
se tiene informe de la utilización de una escala de cinco sonidos.
El otro es sobre la salmodia védica, practicada hoy igual que hace cuatro mil años,
donde uno de los cuatro libros Vedas -tesoro de la sabiduría religiosa pre budista-
está dedicado a la música.
El cuarto sistema musical corresponde a los pueblos de la india Mediterránea y tiene
orígenes más recientes aunque apenas conocidos.
CHINA
Los orígenes de la música en China se remontan al momento de mayor crecimiento
de la civilización china, habiéndose almacenado documentos y artefactos que prueban
que hubo un desarrollo musical importante en la Dinastía Zoo, entre 1200 a.C
No hay pruebas prácticas que confirmen que anteriormente la música ya estuviera
extendida en el país, pero las dudas en este caso son comprensibles.
Algunas de las piezas musicales más antiguas datan de la época de Confucio, lo que
ha ayudado a que pasen a la posteridad.
Pero la primera pieza de música china bien documentada y estudiada con el paso del
tiempo fue del ring y data de la Dinastía Tang, si bien el instrumento se sabe que tuvo
una importancia mayor antes de la Dinastía Han.
Hay un buen número de instrumentos musicales que desde tiempos remotos han
tenido un papel fundamental en la historia de la cultura china, complementándola con
sonidos característicos. Por ejemplo el zheng, el mencionado qin, el sheng y xiao, el
erhu, la pipa, y muchos otros.
Algunos de estos instrumentos todavía se utilizan hoy día y sobre todo se pueden ver
en museos dedicados a la música y la historia del arte y la cultura del país.
Grecia y Roma
La palabra “Música” tenía un significado mucho más amplio que el actual.
Para Pitágoras, la música era inseparable de los números (clave de todo el universo
espiritual y físico). Pensaba que el sistema de sonidos y ritmos musicales, al estar
ordenados numéricamente, se correspondía con la armonía del cosmos.
Para Ptolomeo, La música guarda una estrecha relación con la astronomía. Pensaba
que los intervalos musicales se regían por leyes matemáticas y que ciertos modos, o
incluso ciertas notas, se correspondían con determinados planetas, las distancias
entre ellos y sus movimientos.
Platón recoge esta idea en el mito de la “Música de las esferas”.
Para los escritores griegos la música poseía cualidades morales y podía afectar al
carácter y el comportamiento, a esto se la ha llamado la “Doctrina del Ethos”.
Aristóteles, explicó que, la música imita las emociones la dulzura, la ira, el valor, la
templanza y sus opuestos; en consecuencia, cuando alguien escucha una música que
imita cierta pasión, resulta contagiado por esa misma pasión. Estos filósofos eran
conscientes de que la música ejercía un gran poder sobre la mente y los sentimientos,
de donde se derivan los modos griegos.
En el campo de la teoría musical los romanos mantuvieron la teoría griega.
EDAD MEDIA
En los Síglos II y III d.C Roma que se había levantado como una de las culturas mas
fuertes, muestra ya los signos de su avanzada decadencia, a su vez que escucha
junto al clamor de excitadas multitudes una música nueva que resuena desde las
entrañas de la tierra, es el cántico de un pequeño grupo de hombres que han venido
desde Oriente la costumbre de rezar cantando y que se definen como seguidores de
Cristo, un profeta de oriente que vivió y murió en Palestina.
Quienes afirman que la las voces humanas don el único instrumento digno para
entonar alabanzas a Dios. Su fe ejemplar, ejerce una atracción sobre las multitudes,
haciendo cada vez mas densa su fila de seguidores; ha nacido un nuevo arte, cuyo
camino nos llevara hasta la cima de Bach.
En estos primitivos himnos Cristianos que indudablemente rescataron principios de a
cultura Romana ya en decadencia, se revela la sinceridad y sencillez tan
conmovedora que brindan los testimonios llegados hasta nosotros del arte
paleocristiano.
Después de Constantino, quien pone fin a la persecución de los cristianos, se
multiplican las basílicas y los demás centros de culto, es de esta manera como una
población Romana confundida después de presenciar la caída de tan portentoso
imperio voltearon a ver a cristo como su salvador.
La función civilizadora de la Iglesia aparece todavía mas clara con San Benito, donde
por toda Europa se construyen monasterios, señalados como oasis de paz y luminosa
vida espiritual en medio de un mundo atormentado por las guerras y la violencia.
Paralelamente a los cristianos se difunde el canto litúrgico. Los cánticos cristianos,
trasmitidos de generación en generación, se van enriqueciendo con nuevas formas,
hasta que a finales del siglo VI un gran pontífice, dotado de excepcionales cualidades
de organizador, da a la Iglesia una serie de sabias reformas en el aspecto político y
religioso, entre ellas la coordinaron de la liturgia cristina.
En la Iglesia del antiguo Imperio Romano, en cada lugar se realizaba una liturgia con
cantos diferentes, el Papa Gregorio Magno realizó una unificación de los cantos que
se daban en las diferentes liturgias de toda Europa, razón por la cual este tipo de
canto recibirá el nombre de CANTO GREGORIANO.
CARACTERÍSTICAS DEL CANTO GREGORIANO:
Es el canto oficial de la Iglesia Católica. Es música vocal sin acompañamiento
instrumental. Es canto monódico, ya que aunque lo interprete un coro de monjes,
todos cantan la misma melodía. Es canto en latín, ya que ese es el idioma oficial de la
Iglesia Católica. Tiene ritmo libre, que viene marcado por el propio texto.
TIPOS DE CANTO GREGORIANO:
Según las formaciones de los cantores:
ANTIFONAL: dos coros de monjes alternaban el canto.
RESPONSORIAL: coro y solista alternan el canto.
DIRECTA: No hay alternancia. Siempre canta un coro o un solista.
Según la relación de texto y notas:
SILÁBICO: a cada nota le corresponde generalmente una sílaba del texto.
NEUMÁTICO: dos a tres notas por cada sílaba de texto.
MELISMÁTICO (adornado): muchas notas para una sílaba de texto. En cuanto
al sistema musical del Gregoriano, se basa en ocho modos (escalas) derivadas de los
modos griegos que veíamos en el tema anterior.
También dentro de los antecedentes de la liturgia cristiana tenemos os Cantos
Ambrosianos que su origen, y por ende su nombre, se suele atribuir al por entonces
arzobispo de Milán, San Ambrosio, aunque no hay evidencias científicas que
corroboren dicha relación.
Se usaba en las ceremonias de rito ambrosiano, localizadas en ese siglo en esa zona,
que fueron sustituidas por la Iglesia por el rito romano, excepto en Milán y sus
inmediaciones.
En la iglesia de Ambrosiano de Milán se promovió el canto anti fónico de los salmos,
los cuales eran cantados con dos coros que alternaban sus intervenciones. Ésta
práctica era heredada de los cantos rituales de Siria y Palestina.
El canto ambrosiano es música vocal monódica, sin ningún tipo de acompañamiento
instrumental. La rítmica del canto viene determinada por el texto, no existe un ritmo
determinado que sea escrito independientemente para su melodía.
Mientras que en el canto gregoriano predominaba una estructura rítmica uniforme,
consistente mayormente en una sucesión de notas de similar valor, raramente
interrumpida por notas de distinto valor, en el canto ambrosiano el ritmo se ajustaba al
texto en modo recitativo, y poseía una estructura rítmica relativamente marcada.
HISTORIA DE LA POLIFONÍA
A finales del siglo XI aparece en la música occidental la polifonía (varias voces que
suenan a la vez realizando melodías distintas).
POLIFONÍA PRIMITIVA
ORGANUM: Es la más primitiva y rudimentaria forma polifónica. Consiste en añadir
una voz paralela al canto gregoriano. Esta segunda voz debe estar a distancia de 4ª o
de 5ª por debajo de la principal y se le llama "vox organalis", mientras que el antiguo
gregoriano recibe el nombre de "vox principalis". Poco a poco el organum se irá
complicando y se añadirán nuevas voces.
DISCANTUS: Surge en el siglo XI. Las dos voces, ya no se mueven de forma paralela
como en el organum, sino en movimiento contrario, es decir, mientras la melodía
principal asciende la organal desciende o viceversa.
GYMEL Y FABORDÓN: El gymel (canto gemelo) pudo cronológicamente coincidir con
los anteriores en las islas británicas, difundiéndose por el continente a partir del siglo
XIII: en este caso es un intervalo de tercera el que separa dos voces que caminan de
forma paralela. En el fabordón se añade una segunda voz que forma un intervalo de
tercera inferior con la voz principal; además, la voz añadida se duplica a la octava
superior. Con esto tenemos que las voces caminan formando intervalos de terceras y
sextas.
EL ARS ANTIQUA
Es así como se denomina al periodo que comienza hacia la mitad del siglo XII y se
extiende hasta finales del siglo XIII.
Durante esta época, Europa vive tiempos de extraordinaria prosperidad cultural. París
se convierte en la capital cultural del continente. Se construye la Catedral de Notre
Dame, en la que se creará una escuela musical que acogerá a los mejores músicos
del momento.
En este centro se desarrollarán todas la evoluciones de la polifonía de esta época,
como LEONIN y PEROTIN.
En este periodo van a evolucionar tanto la notación como la técnica musical, lo que
facilitará el desarrollo de la polifonía.
Las formas de composición más importantes de la época son:
ORGANUM: que aunque había existido en el periodo anterior se va a desarrollar en
gran medida hasta crearse "organum triplum" (a tres voces) y "organum cuadruplum"
(a cuatro voces).
Las voces ahora ya van a ser mucho más libres, sin tener que respetarse el
paralelismo del organum primitivo.
El organum melismático es aquel en el que la voz principal (del antiguo gregoriano) se
mueve con notas muy largas mientras que las otras voces van haciendo melismas
(adornos). Esto se puede ver en la obra de Perotin: "Sederunt Principes".
MOTETE: Es una forma polifónica que consta de dos o tres voces, cada una de la
cuales canta un texto distinto y tiene también un ritmo diferente.
EL CONDUCTUS: El nombre se venía utilizando desde el siglo XI para designar un
canto a una sola voz usado en las procesiones litúrgicas. Ahora, dentro de la acepción
polifónica, conductus significará que el tenor es una melodía de composición nueva.
No se basa por tanto en un canto gregoriano previo. Nos hallamos ante el primer caso
de la historia de la polifonía en que el compositor crea todo sin tema dado. Menos
complejo que el organun.
Dos, tres o cuatro voces que se mueven más o menos con el mismo ritmo (textura
homofónica)..
EL ARS NOVA
Es el último periodo de la música religiosa en la Edad Media. Ocupa el siglo XIV. La
polifonía va a seguir su desarrollo y se van a crear una serie de nuevas teorías
musicales que irán concediendo cada vez más libertad al compositor.
El nombre de Ars Nova viene dado por un compositor llamado Philippe de Vitry, quien
tituló así un tratado musical en el que se establecían las nuevas pautas para escribir
música. A partir de este tratado, a esta época se le conoce con este nombre.
En el Ars Nova, la polifonía medieval alcanza su máxima perfección. Algunos
compositores, además de Vitry, destacados de esta época son Guillaume de Machaut
o Francesco Landini.
Entre las formas más importantes de la época está el Motete, que sigue
desarrollándose hasta llegar al punto en que cada voz puede tener un texto distinto; o
el Canon, composición contrapuntística en la que todas las voces cantan la misma
melodía pero realizan su entrada de forma progresiva.
Contra las nuevas teorías musicales expuestas por Vitry en su tratado, reaccionaron
violentamente los músicos más conservadores, por lo que en esta época podemos
hablar de una contienda entre los músicos más tradicionalistas que veían los últimos
adelantos como fuera de lugar y los modernistas que seguían desarrollando la
polifonía.
A.) Se abandonan los seis modos rítmicos medievales. Aparece un nuevo tipo de
notación (ampliación de la notación Franconiana) que posibilitará nuevos recursos
rítmicos:
La moderna división binaria o imperfecta adquirirá tanta importancia como la ternaria o
perfecta que había dominado absolutamente durante los siglos anteriores.
Se introdujeron dos nuevas figuras para indicar valores más pequeños que el de la
semibreve: La MINIMA y la SEMIMINIMA.
Uso abundante de las síncopas y del hoquetus (notas de la melodía repartidas entre
dos voces alternando notas y silencios, con un efecto parecido al del hipo).
Los compositores se sintieron fascinados por la técnica y al tratar de explorar sus
posibilidades llegaron, sobre todo algunos compositores tardíos, a escribir piezas de
una enorme dificultad interpretativa (ARS SUBTILIOR).
B. ) Textura tipo CANTINELA: lenguaje más formulado en términos de melodía y
armonía: voz solista con dos partes instrumentales acompañantes. (G. Machaut).
C. ) Sentido de organización ARMONICA cada vez mayor:
Consonancias imperfectas (3ª y 6ª) comienzan a aparecer con mayor frecuencia
aunque la sonoridad final es aún al unísono, a la 8ª o a la 5ª vacía.
Aparecen pasajes de 3ª y 6ª paralelas mientras que los ásperos y rudimentarios
paralelismos de 5ª y 8ª se tornan más raros.
Se extiende el uso del canon (aparecido en el siglo XIII) y los procedimientos
imitativos entre las voces.
Empleo de notas alteradas en algunas condiciones: para evitar el tritono siempre que
aparecía en una melodía o siempre que se producía armónicamente entre una parte y
el tenor, por motivos de belleza, etc. Se llama música ficta porque supone emplear
notas que no están localizadas en la mano Guidoniana: reino de la música vera o
recta que solo permitía el si bemol como nota alterada.
D. ) Desarrollo de nuevas formas de composición: MADRIGAL, CACCIA, VIRELAI,
BALLADE y RONDO.
E. ) Importancia creciente de los intereses profanos: la música profana adquiere un
cultivo y una importancia desconocida hasta entonces favorecido por el debilitamiento
del prestigio y poder de la iglesia.
MÚSICA PROFANA
Aunque la música religiosa es la que más importancia va a tener durante la Edad
Media, bien es cierto que existió otro tipo de música que no tenía ninguna relación con
el culto o la religión. Estamos hablando de la música profana. Este tipo de música se
desarrolla de manera paralela a la religiosa y será interpretada por dos tipos de
personajes diferentes: los trovadores y los juglares, que recibían distintas
denominaciones dependiendo del territorio en el que se encontraban.
El primer trovador conocido fue Guillermo IX rey de Aquitania (1071-1126). Su nieta
Leonor de Aquitanía hizo la contribución de extender el arte trovadoresco por el norte
ya que acabó casada con Enrique II de Inglaterra. Una hija de ambos, María, atraería
a numerosos trovadores a la corte, como Chretien de Troyes fundador de toda la
tradición artúrica
Surge el Espíritu Cotés: la cortesía (sociabilidad, buenas formas, etc.) pero sobre todo
un cambio con respecto a la consideración de la mujer: se convierte en objeto de un
verdadero culto, de lo que es testimonio un gran florecimiento literario y musical,
cuando hasta ahora solo había sido vista como objeto de placer, como proveedora de
retoños varones, o como modo de agrandar los estados.
TROVADORES
Los trovadores fueron poetas músicos que normalmente pertenecían a la nobleza.
Tuvieron una gran importancia durante la Edad Media, sobre todo en Francia y en
España. Su nacimiento se sitúa en una zona del sur de Francia denominada Provenza
a finales del siglo XI.
Estos personajes utilizaban la lengua provenzal en sus composiciones, y el tema
principal de sus poemas es el tema del amor platónico. También cantaban y recitaban
sobre temas caballerescos.
Los troveros también surgieron en Francia, pero en el norte (en las regiones de Artois
y Champagne). Surgen en el siglo XII y sus obras están escritas en la lengua d'Oil
(que más tarde dio origen al francés actual). La temática de los cantos es similar a la
de los trovadores. También contaron con gran prestigio entre las clases sociales
actuando en diferentes palacios y castillos del norte de Francia.
El movimiento trovadoresco se irá extendiendo por toda Europa y adquiriendo
diferentes denominaciones en cada lugar. Así, por ejemplo, en Alemania eran
denominados Minnesinger y escribían en su lengua vernácula (el alemán). En
España, los trovadores alcanzaron gran importancia sobre todo en la zona de Galicia
donde las canciones se denominan Cántigas.
Entre los trovadores más importantes podemos nombrar a personajes como Adam de
la Halle, Jaufre Rudel, Ricardo Corazón de León o Guillebert de Berneville, además
de los españoles, el gallego Martín Codax, el catalán Rimbaut de Vaqueiras o el
mismísimo Alfonso X el Sabio, al que se le atribuyen (de manera más o menos
acertada) las Cántigas de Santa María.
En cuanto a la composición trovadoresca, podemos decir que se trata de una música
de textura monódica con acompañamiento instrumental. Se basan en los modos
gregorianos pero con un ritmo más marcado, ya que son obras más rápidas y alegres.
JUGLARES
Los juglares eran músicos ambulantes que no sólo tocaban instrumentos y cantaban
canciones, sino que además realizaban todo tipo de actividades para divertir al pueblo
(chistes, magia, acrobacias,...) Eran de clase baja y no eran compositores, ya que se
limitaban a copiar y plagiar las canciones de los trovadores.
Desde el principio fueron muy criticados tanto por la nobleza como por la iglesia, ya
que en sus canciones utilizaban un lenguaje vulgar. No actuaban en castillos ni
palacios, sino que lo hacían en las plazas de los pueblos. eran personajes itinerantes
que viajaban de pueblo en pueblo sin un lugar de residencia fijo.
Eran en definitiva una especie de saltimbanquis con bastante mala reputación. Sin
embargo, algunos de estos juglares, con el tiempo llegaron a convertirse en artistas
importantes, se asentaron en las ciudades y refinaron su estilo dejando atrás el
espíritu jocoso y perfeccionando su interpretación musical.
Minnesänger
A mediados del siglo XII se denomina la poesía alemana de la edad media con el
nombre de cantar de amor (minesang). Esta a cargo de la nobleza y la caballería. Con
el auge de las ciudades, los gremios, y el maestro de canto (meistersang) releva al
minnesang. Destacamos a Walther von der Vogelweide que escribió la canción de
palestina para la cruzada de 1228 (Palestinalied). Una fuente importante para el
conocimiento de las música de los minnesänger es el:
Los Meistersinger
Aparecen a partir de 1300 con el fortalecimiento de las ciudades como entidades
sociales nuevas. Utilizaron las melodías de los minnesänger recopilándolas y
ampliándolas. Los maestros cantores se agrupaban en escuelas de canto con
reglamentos y estatutos y llegaron a existir hasta el siglo XVII. En sus reuniones
semanales el cantor presentaba una nueva canción que los marcadores juzgaban si
era correcta y se ajustaba a unas leyes muy estrictas. Como maestros cantores
destaquemos a Hans Sachs zapatero en Nuremberg que llegó a escribir más de 4500
canciones.
INSTRUMENTOS DE LA ÉPOCA MEDIEVAL
En la Edad Media encontramos gran cantidad de instrumentos, algunos provendrán
de la Antigüedad y otros vendrán de Oriente, introducidos a raíz de las cruzadas.
Vamos a citar algunos de los más importantes.
CORDÓFONOS:
o LAÚD: Instrumento de cuerda con clavijero hacia atrás y caja de resonancia en forma
abombada. Se tocaba con los dedos. Es de origen árabe.
o LA VIELA: Instrumento de arco. Será el prototipo del violín moderno.
o ORGANISTRUM: También denominado Zampoña. Es un instrumento de tres cuerdas
que se toca girando una manivela.
o EL ARPA: De forma triangular y pequeño tamaño. Se toca con las dos manos, una
pulsa las cuerdas y la otra acorta su longitud.
VIENTO:
o PLATERSPIEL: Es una especie de gaita con forma de cuerno. Está hecho de
madera y tiene seis agujeros.
o CHIRIMIA: Especie de oboe de mayores dimensiones muy usado en los desfiles y
actos relevantes.
o CORNAMUSA: Parecido a las gaitas actuales.
PERCUSIÓN:
o PANDERO: Compuesto por un arco de madera y una o dos membranas tensas. Se
percutía con la mano.
o TEJOLETAS: Rudimentarias castañuelas hechas con trozos de teja que se
entrechocan.
o DARBUKA: Tambor con forma de copa y una membrana tensa en la parte superior.
Normalmente está hecho de cerámica y se golpea con la manos.
RENACIMIENTO
Con el Renacimiento da comienzo la Edad Moderna.
Es un periodo que abarca los siglos XV y XVI, cronológicamente se sitúa entre la
Edad Media y el Barroco. Es una etapa corta, pero de las más importantes dentro del
mundo cultural y artístico.
En esta época se van a dar cita personajes de la talla de Miguel Ángel, Leonardo Da
Vinci, Rafael, El Greco, Cervantes, Shakespeare, que desarrollarán la cultura y el arte
como nunca antes había ocurrido.
CONTEXTO HISTÓRICO:
Es una época en la que el poder está en manos de las monarquías absolutas,
terminando con el feudalismo medieval (excepto en Italia, donde surgirán ciudades
estado). Los grandes nobles y aristócratas van a ser los mecenas de los artistas, que
trabajarán en sus cortes a costa de un salario.
Es una etapa de gran desarrollo económico, mejorarán los medios de comunicación y
los transportes, lo cual facilitará la movilidad de los músicos y el intercambio y
propagación de ideas musicales. Por otro lado, en el ámbito religioso, la Reforma de
Lutero y la Contrarreforma Católica serán importantes para la evolución de la música.
CONTEXTO CULTURAL:
En el ámbito cultural uno de los ideales que van a triunfar en este periodo es el del
Humanismo, que considera al hombre como el centro de todas las cosas, dejando
atrás las ideas teocentristas del medievo. Algunas de las características culturales de
esta etapa se resumen a continuación:
Progresiva laicización del arte: las obras de arte dejan de concebirse como alabanzas
a Dios, los artistas buscan como fin la belleza y el placer de los sentidos en sus
obras.
El nacimiento de la imprenta, que permitirá un mayor desarrollo de la cultura en todos
sus ámbitos.
El concepto de autor: dejamos atrás al artesano anónimo de la Edad Media para
hablar a partir de ahora de artistas que firman sus obras.
Vuelta a los ideales clásicos: el periodo de la Edad Media es visto por los
renacentistas como una época oscura y sin interés artístico, por lo tanto, van a
despreciar el arte de ese periodo para tomar como referencia el arte clásico sobretodo
de Grecia y Roma.
CONTEXTO MUSICAL:
Dentro del ámbito de la música se darán las siguientes características:
Incremento de la cultura musical, que viene establecido por las ideas humanistas
sobre la importancia de la cultura, además de por la invención de la imprenta, ya que
ahora se empiezan a imprimir las primeras partituras.
Desarrollo de la música profana e instrumental, también influidos por el espíritu
humanista.
Cada vez se crea más música de carácter no religioso y en detrimento de la música
sacra.
Recordemos que la iglesia había menospreciado la música instrumental, y ésta ahora
experimentará un gran desarrollo.
Profesionalización de los músicos: la música sigue creciendo en complejidad, como ya
lo había hecho en los últimos siglos de la Edad Media. Esto obliga a los músicos a
especializarse y a dedicar su vida a este arte.
CARACTERÍSTICAS MUSICALES DEL RENACIMIENTO
La música del Renacimiento suena distinta a la música medieval. Esto se debe a que
se van a producir una serie de cambios, de los cuales destacamos los siguientes:
Desarrollo de la técnica polifónica: ya en el Ars Nova la polifonía había alcanzado una
gran complejidad; ahora en el Renacimiento el uso de grupos de voces con diferentes
timbres y tesituras se generaliza. En este periodo podemos hablar ya de las cuatro
voces que llegarán hasta nuestros días (soprano, contralto, tenor y bajo). Dentro del
ámbito polifónico destacan dos técnicas de composición, una contrapuntística (en la
que las voces se mueven de manera independiente) y otra homofónica (en la que las
voces se mueven de manera homogénea).
Sustitución del ritmo irregular: debido a la complejidad que ha alcanzado la polifonía,
los sistemas de notación tienen que desarrollarse en cuanto a la métrica, por ello se
abandona totalmente el ritmo libre del gregoriano para establecer una música con
medidas fijas, en la que las duraciones de los sonidos son absolutas.
Cambios en la armonía: los compositores van a empezar a introducir en sus obras
voces a distancias de terceras superpuestas, que en la Edad Media no eran utilizadas.
Este uso de terceras será el antecedente de los acordes de nuestro sistema tonal
actual.
PERIODOS DE LA ÉPOCA RENACENTISTA
El Renacimiento hemos dicho que abarca los siglos XV y XVI, dentro de este periodo
podemos distinguir tres etapas:
Primer Renacimiento: comprende la primera mitad del siglo XV. Conocido también
como el periodo franco-flamenco, ya que los duques de Borgoña (que poseían
territorios en los Países Bajos, Bélgica, parte de Francia y Luxemburgo) actuaron
como mecenas de un grupo de artistas que se convertirán en los más importantes de
esta época. Entre los compositores más destacados de esta etapa podemos nombrar
a Dufay, Ockeghem y Desprès. La mayor parte de la música de estos autores será
religiosa (misas y motetes). Durante este Primer Renacimiento será muy frecuente la
técnica compositiva denominada contrapunto imitativo, que se basa en proyectar un
tema ó motivo repetidamente entre las distintas voces.
Alto Renacimiento: comprende la segunda mitad del siglo XV y primera del XVI. Los
músicos franco-flamencos se extienden por Europa, cada territorio acoge las
novedades musicales y las adapta a su estilo compositivo. Se crean, por lo tanto, los
denominados estilos nacionales. En Italia el género que más se cultivará será el
madrigal; en Alemania se desarrollará el lied (canción) y en Francia destaca la
chanson.
Bajo Renacimiento: se desarrolla durante la segunda mitad del siglo XVI. Italia se
convierte en el país más importante musicalmente hablando, las innovaciones más
interesantes vendrán dentro de la música profana; sin embargo, las dos figuras más
destacadas en este periodo se dedicarán a la música religiosa, y son Giovanni
Pierluigi Palestrina y el español Tomás Luis de Victoria. Los géneros más importantes
siguen siendo el motete y la misa. En esta época también tenemos que destacar al
italiano Claudio Monteverdi, maestro indiscutible del madrigal (del cual escribió ocho
tratados) y figura decisiva en el nacimiento de la ópera, con su Orfeo de 1607.
MÚSICA RELIGIOSA DEL RENACIMIENTO
Durante el Renacimiento, la iglesia cristiana sufre luchas internas que acabarán con la
unidad del catolicismo. En Alemania, Martín Lutero rompe con Roma en el año 1519,
ya que no comparte algunas de las formas de comportamiento de la iglesia vaticana;
va a crear así el protestantismo, que se convertirá desde entonces y hasta nuestros
días en la religión mayoritaria de Alemania. A este hecho se le conoce como la
Reforma Protestante, ya que Lutero llevará a cabo una serie de cambios, alguno de
los cuales afectará a la música. Hemos de saber que Lutero era un gran estudioso de
la teoría musical.
Entre los cambios más importantes destacamos los siguientes:
Utilizar el alemán en las celebraciones religiosas, ya que para Lutero era muy
importante que la gente comprendiese lo que se decía en la liturgia y que incluso
pudiese participar cantando. Esto no era posible si las celebraciones se seguían
realizando en latín, debido a que era una lengua que sólo era utilizada por la iglesia,
no por el pueblo.
Evitar la polifonía compleja, desarrollando la música homofónica, ya que el gran
desarrollo al que había llegado la polifonía hacía que no se entendiese el texto. Lutero
creará una nueva forma musical: EL CORAL, que será el género más importante de la
iglesia protestante. Esta forma suele ser una composición sencilla, escrita
normalmente a cuatro voces, que se canta en alemán y presenta una textura
homofónica.
En Inglaterra, el rey Enrique VIII también se separa de la iglesia de Roma y crea la
iglesia anglicana, de la cual se proclama máximo mandatario, y así acapara todo el
poder político y religioso de su país. A partir de este momento, la iglesia anglicana
desarrolló una nueva forma musical denominada ANTHEM, que es un motete a cuatro
voces, el cual se cantaba durante las celebraciones litúrgicas.
La iglesia católica, preocupada por estas luchas internas, decide reunirse para tratar
de arreglar los males en los que está sumergida. Desde 1545 hasta 1563 se celebra
"El Concilio de Trento", en el que se tratan de establecer las directrices de la nueva
iglesia católica. Algunas de las novedades afectarán al terreno musical, de las cuales
destacamos las siguientes:
Seguir utilizando el latín en sus celebraciones, ya que para ellos es un signo de
unidad cristiana. Esta norma seguirá vigente hasta el Concilio Vaticano II.
Evitar la polifonía compleja a la que se había llegado, ya que no era posible entender
los textos religiosos, y recordemos que la principal finalidad de la música religiosa era
la de transmitir el mensaje cristiano.
Prohibir los cantos profanos en los templos, ya que son territorios sagrados en los que
sólo se debe interpretar música religiosa. Esta norma, en teoría, hoy en día continúa
vigente.
Los géneros más importantes de la música religiosa católica serán el motete y la misa
(forma musical compleja resultado de la unión de todas las piezas de la liturgia), en
los que se evitará la complejidad polifónica. Los compositores principales de la iglesia
católica son los italianos Giovanni Pierluigi de Palestrina y Orlando di Lasso (que
también realizó numerosos madrigales), y los españoles Tomás Luis de Victoria y
Cristóbal Morales.
MÚSICA VOCAL PROFANA
A diferencia de la música vocal religiosa, que tiene un estilo internacional ya que en
todos los territorios se escribe bajo las mismas pautas, la música vocal profana va a
tener un estilo propio en cada país; es lo que se denomina como los "Estilos
Nacionales".
Algunas de las características, que al comienzo del tema citábamos como generales,
se van a mantener, pero cada país desarrollará diferentes tipos de canciones escritas
en las lenguas vernáculas (propias de cada territorio) y no en latín como sucedía en la
música religiosa. A continuación se exponen los géneros más importantes de algunos
países:
ITALIA: El género más importante es el MADRIGAL. Se trata de una forma de
polifonía compleja escrita para cuatro o cinco voces. Normalmente es música "a
capella", aunque se le pueden añadir algunos instrumentos. Es música de carácter
descriptivo escrita en italiano. Suele constar de cinco frases en las que se intercala un
ritornello (breve estribillo). Entre los compositores más importantes destacan: Luca
Marenzio, Orlando Di Lasso y Claudio Monteverdi.
FRANCIA: La forma más importante de este país es la CHANSON. Es una forma
polifónica normalmente con acompañamiento instrumental. También es descriptivo. El
compositor más destacado es Clement Janequin.
ESPAÑA: El género que destaca es el VILLANCICO, que es un género que en su
origen no tiene nada que ver con la Navidad. Es una forma a cuatro voces de textura
homofónica con estructura de estribillo-copla-estribillo. El compositor más
representativo de este tipo de música es Juan Del Enzina y se conservan muchas de
estas piezas en un libro que lleva por título "El cancionero de Palacio". Junto con el
villancico en España también habrá otros géneros importantes como el Romance o la
Ensalada.
MÚSICA INSTRUMENTAL
Una de las características más importantes del Renacimiento fue el resurgir de la
música instrumental que hasta entonces había estado marginada. Ahora poco a poco
irá ganando prestigio y relevancia debido en gran medida a la laicización de la música
promovida por el pensamiento humanista. Por primera vez en la historia se va a
componer música instrumental pura, sin ningún otro fin que el deleite del oído. Este
tipo de música evolucionará en campo profano ya que la Iglesia continúa con su
prohibición del uso de instrumentos en los actos religiosos.
Otro aspecto importante es que con la invención de la imprenta se van a difundir
muchos libros con partituras y teoría musical, por lo que mucha gente va a poder
acercarse al mundo de la música y aprender a tocar un instrumento.
Podemos hablar de cuatro apartados en los que clasificar la música del Renacimiento:
PIEZAS ADAPTADAS DE OBRAS VOCALES: Son obras que primitivamente estaban
escritas para varias voces y que serán adaptadas para poder interpretarlas con
instrumentos polifónicos como el órgano y otros instrumentos de teclado. Destacan en
este grupo formas como el ricercare o la canzona.
PIEZAS BASADAS EN LA IMPROVISACIÓN: Estas piezas podían ser de dos tipos: o
bien se improvisaba a partir de una melodía dada o se improvisaba sin ningún tipo de
referencia, inventando todo sobre la marcha. A este tipo de música corresponden
géneros como la fantasía o la toccata.
PIEZAS BASADAS EN LA VARIACIÓN: Se trata de que el intérprete parte de un tema
sencillo que va repitiendo sucesivamente incorporando variaciones de todo tipo.
Dentro de este grupo destacan las diferencias; éste fue el nombre que recibió en
España el tema con variaciones en el cual destacó el compositor español Antonio de
Cabezón.
PIEZAS CREADAS PARA LA DANZA: Para este tipo de música vamos a crear una
apartado especial titulado la danza renacentista.
INSTRUMENTOS MUSICALES
Algunos instrumentos de la época medieval siguieron utilizándose durante el
Renacimiento, perfeccionándose y adaptándose a las nuevas exigencias de los
compositores. Como hemos visto en el punto anterior, durante el Renacimiento se
compone mucha música instrumental, esto va a hacer que muchos instrumentos
adquieran una gran importancia.
A continuación citamos algunos de los más importantes:
AERÓFONOS:
Flauta de pico o flauta dulce: hoy en día se usa con fines educativos; fue uno de los
instrumentos más populares de la época. También existían las flautas traveseras de
madera.
Cromorno: es un instrumento de madera, de lengüeta doble (como la dulzaina) que
termina en forma de U.
Trompetas rectas y enrolladas: Eran fabricadas en metal y se usaban con fines
militares y en desfiles.
Chirimía: instrumento formado por un tubo de madera y lengüeta doble (parecido a los
oboes pero de mayor tamaño).
Sacabuche: es el antecedente del trombón de varas actual. es fabricado en metal.
CORDÓFONOS:
La viola da gamba: Es un instrumento de arco que parece una mezcla de guitarra y
violonchelo. En España recibió el nombre de vihuela de arco.
La guitarra: Se estableció en España procedente de los países árabes y pronto se
extendió por toda Europa. Las primitivas tenían cuatro cuerdas.
La vihuela: Es un instrumento típico español parecido a la guitarra. Gozó de gran
prestigio en nuestro país de la mano de compositores como Luis de Narváez o Luis de
Milán, los cuales se especializaron en este instrumento.
El laúd: Es un instrumento que llega de la Edad Media, pero en el Renacimiento se
convierte en uno de los más importantes.
El clavicémbalo: Es un instrumento de teclado con cuerdas punteadas. Se comenzó a
fabricar en Italia en el siglo XVI.
COMPOSITORES DEL RENACIMIENETO
ANDREA Y GIOVANNI GABRIELI
1510-1586 y 1557-1612 Italia
Familia de célebres compositores venecianos, tío y sobrino. El primero fue Chantre de
San Marcos de Venecia y discípulo de Willaert, aunque permaneció algunos años en
Verona como organista de su Catedral. Durante el resto de su vida fue organista en
San Marcos, como segundo de Claudio Merulo y después, en sustitución de su
sobrino Giovanni. Entre otras muchas obras, compuso la música con que su ciudad
celebró la victoria de Lepanto en 1571. Escribió especialmente música religiosa,
aunque también madrigales profanos. En sus obras queda reflejada la particular
arquitectura de simetrías de la iglesia de San Marcos, que se traduciría en coros
enfrentados.
Su sobrino Giovanni fue su más ferviente admirador y siguió sus pasos, estudiando
con Roland de Lassus. En Venecia desempeñó el cargo de primer organista de San
Marcos y fue profesor de destacados alumnos italianos y extranjeros, como Grillo,
Tadei y especialmente Heinrich Schutz, desde donde su influencia se extendería
hasta Johann Sebastian Bach.
PRINCIPALES OBRAS:
Andrea Gabrieli
Canciones Sagradas - 1565
Primer libro de Misas - 1572
Madrigales a tres - 1575
Primer libro de Canciones Eclesiásticas - 1576
Salmos a David - 1583
Coros de Edipo Rey (para la inauguración del Teatro Olímpico de Vicenza) - 1585
Giovanni Gabrieli
Concerti - 1587
Sinfonía Sagrada - 1597
Sinfonías Sagradas - 1615
ORLANDO DI LASSO
1532-1594 Bélgica-Francia
Llamado originalmente Roland de Lassus, fue el más importante compositor de la
escuela franco-flamenca del siglo XVI. Se crió en la ciudad de Hainaut, siendo
miembro del coro de la iglesia de San Nicolás. Siguió al virrey de Sicilia por sus viajes
por Europa, quedando impresionado por el arte italiano en Milán, Sicilia y Nápoles.
Después se afincaría en Munich como maestro de capilla del duque de Baviera,
realizando frecuentes viajes a Alemania e Italia, y relacionándose con los principales
personajes de la época, desde el editor Adrian Le Roy a músicos de las cortes
alemanas, recibiendo condecoraciones y gratificaciones de príncipes extranjeros.
Parece que conoció a Palestrina y tuvo varios discípulos, entre ellos Giovanni Gabrieli.
En su juventud abundan las obras sobre textos profanos, mientras que en la madurez
se vuelca hacia el estilo religioso.
PRINCIPALES OBRAS:
Primer ciclo de motetes - 1556
Segundo ciclo de motetes - 1562
Bicinia - 1577
Psalmi David i poenitentiales - 1584
Tricinia - 1588
Cantiones sacreae sex vocum - 1594
Lagrime di San Pietro (edición póstuma) - 1595
Prophetiaes Sybillarum chromatico more (edición póstuma) - 1600
Magnum opus musicum (edición póstuma) - 1604
GIOVANNI PERLUIGI DA PALESTRINA
1525-1594 Italia
Compositor italiano de música sacra, género para el que compuso 102 misas, unos
300 motetes y 133 madrigales con textos profanos. Fue un brillante organista que
estudió con Mallapert y Lebel y quizás con Arcadelt, que impresionaría al cardenal
Giovanni María del Monte, luego papa Julio III, que lo contrata como maestro de coro
y a quien Palestrina dedica su primer libro de misas.
Aunque trabaja como cantor de la capilla Sixtina, debe renunciar al puesto cuando se
casa por primera vez (lo hace otra vez más y tiene hijos que serán víctimas de la
peste). En 1577 el papa Gregorio XIII le encarga (junto con Aníbal Zoilo) la corrección
del repertorio gregoriano.
Su estilo es muy característico en el tratamiento de la prosodia de los textos
(acomodación de sílabas a notas), siempre sujeto a su propiedad de cantable.
PRINCIPALES OBRAS:
Primer libro de madrigales a cuatro voces - 1555
Missa Papae Marcelli - 1563
Repleatur os meum - 1570
Primera colección de madrigales espirituales - 1581
Cánticos de Salomón - 1583
Stabat Mater - 1590
TOMÁS LUIS DE VICTORIA
1548-1611 España
Compositor español. Fue alumno de Escobedo en Segovia y luego de Morales. A los
veinte años fue enviado a Roma con una pensión de Felipe II, para ingresar como
cantor en la capilla del Colegio Germánico que los jesuitas crean para combatir el
protestantismo. En sus trece años en la ciudad trabaja como capellán cantor y
después como maestro de capilla de San Apolinar.
La viudedad de la emperatriz hace que retorne y se instale en Madrid a su servicio,
primero como maestro de capilla y luego como organista del convento de las
Descalzas Reales, gozando además de la protección del cardenal Michele Bonelli. Su
estilo sigue fielmente las pautas de la escuela romana de Palestrina, entre el
dramatismo y ascetismo. La independencia de las voces no sólo responde a
planteamientos armónicos de conjunto, sino a la propia musicalidad de la música
melódica.
PRINCIPALES OBRAS:
Missa pro Victoria (escrita para conmemorar la batalla de San Quintín).
Alma Redemptoris Mater.
Missa Ave Regina coelorum.
Missa Pange Lingua.
O magnum mysterium.
O vos omnes (motete).
Missa Ave María Stella.
Officium Hebdomadae Sanctae - 1585
Oficium Defunctorum - 1605
PERIODO BARROCO
Se conoce con el nombre de Barroco al periodo que va desde 1600 hasta 1750. Está
encuadrado entre el Renacimiento y el Clasicismo. Los hechos musicales que
encuadran esta etapa son la creación de la primera ópera "Orfeo" del italiano Claudio
Monteverdi (1607) y la muerte de Johann Sebastian Bach(1750), que será el genio
indiscutible de esta época.
CONTEXTO HISTÓRICO
Las monarquías absolutas dominan el panorama político de una Europa que está
sumida en un continuo de luchas políticas y guerras. El poder sigue estando en
manos de la aristocracia y de la Iglesia que quieren mostrar su autoridad organizando
grandes espectáculos en los que la música siempre estará presente. Se convierten,
para ello, en mecenas de los mejores artistas, los cuales trabajarán en sus grandes
cortes y palacios.
CONTEXTO CULTURAL
El Barroco es una época de gran fecundidad para el mundo de la cultura, el arte y la
ciencia. En esta época se darán cita personajes importantes en el mundo de la
literatura como Lope de Vega, Calderón, Cornielle o Moliere; en la pintura contaremos
con artistas como Velázquez, Murillo, Rubens o Rembrant; además de destacar
científicos como Galileo Galilei, Torricelli o Newton.
La palabra Barroco significa recargado, excesivo o adornado, por lo que es común
encontrar obras de arte en las que no queda ni un espacio que rellenar. A esto se le
conoce con el nombre de "Horror Vacui" (miedo al vacío).
El hombre barroco no persigue la belleza, tal y como se había hecho en el
Renacimiento, sino que fundamenta su pensamiento en torno a dos aspectos
opuestos: la RAZÓN y el SENTIMIENTO. La razón en cuanto que intentan buscar la
lógica y el lado científico de todo. El sentimiento del ser humano que se hará evidente
en todos los campos; en el musical sobretodo en la ópera.
CONTEXTO MUSICAL
Este pensamiento barroco (razón-sentimiento) se va a hacer muy patente en el
panorama musical. Así pues, en este periodo se busca una codificación de todos los
parámetros musicales (ritmo, tonalidad,...) como forma de ordenar y racionalizar la
música. Esto lo podemos constatar en la siguiente frase de J. P. Rameau
(considerado el fundador de la moderna armonía):
"...la música es una ciencia que debe disponer de unas reglas bien establecidas;
dichas reglas deben derivar de un principio evidente, principio que no puede revelarse
sin ayuda de las matemáticas...."
Pero además, se van a crear nuevas técnicas para poder expresar de la mejor
manera posible los sentimientos (monodía acompañada, contrastes tímbricos, uso de
dinámicas,...). La ópera será el género que más desarrolle la expresión de los
sentimientos.
CARACTERÍSTICAS MUSICALES
Dentro del lenguaje musical barroco se van a dar una serie de importantes novedades
que darán a este periodo una sonoridad característica indiscutible. A continuación
destacamos las más importantes:
LA MONODÍA:
Los compositores de Barroco consideraron excesiva la complejidad a la que había
llegado el contrapunto renacentista, ya que así no se podía expresar ningún tipo de
sentimientos. Por ello, una de las innovaciones que van a crear es el uso de la
monodía acompañada (una sola melodía con acompañamiento instrumental). Esta
técnica les permite comprender el texto y transmitir una mayor expresividad. En el
campo donde más se desarrolló fue en la ópera.
EL BAJO CONTINUO:
Es una línea de notas graves que se interpreta de manera ininterrumpida desde el
inicio hasta el final de la canción. La melodía principal es acompañada por esas
sencillas notas del bajo, pero el intérprete puede improvisar sobre las mismas
(manteniendo su estructura), creando un relleno armónico que va cambiando durante
toda la obra. Normalmente, los instrumentos que se encargarán del bajo continuo
serán instrumentos polifónicos como el órgano, el clave o el arpa.
ESTABLECIMIENTO DE LA TONALIDAD Y DEL RITMO:
En el Barroco se establece el concepto de tonalidad tal y como lo conocemos hoy. Se
formulan tratados de armonía en los que se establecen unas estrictas normas sobre
las tonalidades y la formación de acordes. Además, a lo largo del siglo XVII se
generaliza la escritura de la música utilizando compases. La música quedaba medida
por completo y atrás se dejaba cualquier atisbo de ritmo libre.
NACIMIENTO DEL ESTILO CONCERTATO:
Es una técnica que nacerá sobretodo para la música orquestal. Se basa en
contraponer distintos planos sonoros y timbres de un grupo de instrumentos (tutti,
concertino, soli,...). Es un recurso para dar mayor expresividad a la música.
PERIODOS DE LA MÚSICA BARROCA
Podemos hablar de tres subperiodos a la hora de estudiar la música barroca:
PRIMER BARROCO:
Ocuparía la primera mitad del siglo XVII. Se da un mayor predominio de la música
vocal sobre la instrumental. Los compositores realizan experimentos armónicos que
más tarde darán lugar a la música tonal en cierto modo producido por el nacimiento de
la ópera. En esta época se produce un rechazo al contrapunto renacentista. Los
compositores más destacados son: en Italia C. Monteverdi, J. Peri, G. Frescobaldi, y
en Alemania M. Praetorius.
BARROCO MEDIO:
La música instrumental gana terreno y se pone a la altura de la vocal. Se abandona
poca a poco la música modal y hay una vuelta hacia el contrapunto. Los compositores
más relevantes de esta época son: H. Purcell en Inglaterra y J.B. Lully en Francia.
BARROCO TARDÍO:
Se da un predominio de la música instrumental sobre la vocal. La tonalidad queda
totalmente establecida. Las figuras más representativas son: los italianos A. Vivaldi, D.
Scarlatti y los alemanes J.S. Bach, G.F. Haendel y G.P. Teleman.
MÚSICA RELIGIOSA
La música religiosa, aunque ha perdido su gran hegemonía, sigue teniendo un gran
peso en el Barroco. Tanto la iglesia protestante como la católica aprovecharán las
innovaciones que se dan en la música profana para crear nuevas formas.
Una de las técnicas que más se desarrollará dentro de esta música será el
"policoralismo", que se dará sobretodo en la escuela veneciana. Esta técnica surge en
la iglesia de San Marcos (Venecia), cuyo espacio arquitectónico permitió la colocación
de dos coros contrapuestos. En Roma evolucionará exigiendo varios coros que se
colocan en distintos lugares de la iglesia. El ejemplo más espectacular lo encontramos
en "La misa de la catedral de Salzburgo", compuesta para 53 voces que se colocan
en distintas posiciones ocupando todo el perímetro de la iglesia. Esta misa se le
atribuye a Orazio Benevoli.
La iglesia protestante sigue manteniendo el coral como forma más representativa, y la
católica continúa cultivando motetes y misas. Sobre estos géneros se aplicarán las
novedades de la música barroca.
En este periodo, hay tres géneros nuevos que estudiaremos a continuación:
EL ORATORIO
Es una especie de ópera religiosa, ya que cuenta con los mismos apartados que ésta
(arias, coros, interludios, recitativos...). Además, tiene otras similitudes como la gran
extensión y el carácter dramático; sin embargo en el oratorio encontramos
características propias:
Los textos son religiosos, normalmente extraídos de la Biblia.
El oratorio no se escenifica.
Se interpreta en un lugar de culto sagrado.
Existe la figura de un narrador que va explicando la acción mediante el recitativo.
Los grandes compositores de este género son G.F.Haendel, cuyo oratorio más
conocido es "El Mesías" y J.S.Bach, con obras como el "Oratorio de Navidad".
LA CANTATA
El término cantata significa etimológicamente "música para cantar" y surge en
contraposición a la sonata (música para sonar). Es un género que nace dentro de la
música vocal profana, destinado a ser interpretado en los salones de la aristocracia;
sin embargo, fueron los músicos de la iglesia protestante los que lo convirtieron en
una forma de música religiosa, cambiando el texto, que ahora se basará en
fragmentos del Evangelio, salmos y otros temas religiosos.
La cantata tiene los mismos elementos musicales que el oratorio, pero se diferencia
de éste en que será más breve. Las melodías solían estar divididas en frases que
finalizaban con un calderón (influencia del coral).
Entre los compositores más destacados podemos nombrar a J.S.Bach y su cantata
147 (Jesús la alegría de los hombres) y a G.P.Telemann.
LA PASIÓN
Es un oratorio que trata exclusivamente de la pasión y la muerte de Jesucristo,
inspirándose en los Evangelios. En cuanto a la forma, la pasión también tiene
recitativos, arias, coros e interludios.
La figura del narrador es el evangelista que relata mediante un recitativo todos los
acontecimientos. Los personajes importantes del Evangelio son interpretados por los
solistas, mientras que otros personajes (discípulos, pueblo...) son interpretados por el
coro.
El compositor más destacado de este género es J.S.Bach, con dos obras
fundamentales: "La pasión según San Mateo" y "La pasión según San Juan".
LA OPERA BARROCA
LOS ORÍGENES DE LA ÓPERA
A finales del siglo XVI, en Florencia surge un grupo de artistas e intelectuales que
trabajarán financiados por el conde Bardi. A este grupo se le conocerá como "La
Camerata Fiorentina". Estos artistas están en contra del desarrollo polifónico que
habían alcanzado las composiciones del Renacimiento, que por su complejidad,
perdían la esencia principal que debe cumplir la música, que no es otra que la de
conmover al oyente y hacer brotar en él todo tipo de sentimientos.
Van a llevar a cabo un trabajo de investigación, intentando retomar las raíces de la
música griega. Llegan a la conclusión de que en Grecia la música era monódica y con
un acompañamiento instrumental; esta música estaba cargada de una gran
expresividad. Basándose en estos principios nacerá la técnica de la monodía
acompañada, que será la base fundamental de la ópera posterior. Los artistas de la
Camerata buscaban un género capaz de abarcar todas las formas artísticas posibles y
por ello denominarán a la ópera como "la obra de arte total", ya que va a reunir en una
sola forma a las distintas artes: poesía, música, teatro, danza,...
La ópera se convirtió en el género más representativo de la época, ya que lograba
una gran expresividad gracias a la unión ideal entre música y palabra; se consolidará
como uno de las formas con más protagonismo a lo largo de los posteriores siglos.
EL NACIMIENTO DE LA ÓPERA
La ópera es un género musical profano que va a surgir en Italia a comienzos del siglo
XVII. El antecedente más significativo de la ópera lo encontramos en "entremezzo",
que eran pequeñas actuaciones musicales que se desarrollaban en los intermedios de
los dramas teatrales. Estos intermedios poco a poco irán tomando importancia y cada
vez serán mas largos, hasta que de manera autónoma se confirmen como un nuevo
género musical.
La primera ópera de la que tenemos noticia es "Dafne", de Jacobo Peri, estrenada en
1597; pero esta obra no se conserva en su totalidad, ya que algunos fragmentos se
han perdido. En 1600 se estrenan dos versiones de "Eurídice", una del mismo J. Peri
y otra de G. Caccini.
Pero será en 1607 cuando C. Monteverdi cree "Orfeo", que se confirmará como la
primera gran ópera debido a que va a cumplir con todos los requisitos tanto técnicos
como estructurales de la ópera que se desarrollará en años posteriores. Esta obra,
será tomada como referencia por todos los compositores que le sucederán. Además,
el propio Monteverdi, creará otras óperas que alcanzarán una gran fama como "La
coronación de Popea" y "El retorno de Ulises".
Este género fue tomando mucha importancia en toda Italia. Varias ciudades se
convirtieron sucesivamente en capitales operísticas (Roma, Venecia, Nápoles,...),
añadiendo cada una sus propias innovaciones. El resto de Europa adoptó el estilo
operístico italiano, excepto Francia que creará su género propio.
PARTES DE LA ÓPERA
En la ópera se pueden distinguir las siguientes partes:
OBERTURA:
Es la parte inicial de una ópera. Es instrumental. Normalmente es breve y sirve como
introducción al espectáculo. Lamúsica comienza con el telón cerrado, que se abre en
el transcurso de la obertura para que los espectadores tengan su toma de contacto
con el escenario.
RECITATIVOS:
Son partes cantadas por solistas en las que se desarrolla la acción. Para que esto sea
posible se debe realizar con un texto casi declamado y sin adornos. Existen dos tipos
de recitativo: Secco ( acompañamiento sólo de bajo continuo) o Acompagnato (con
acompañamiento de orquesta).
ARIAS:
Son las partes más importantes y más vistosas de la ópera. Realizadas por solistas;
ahora la acción se para y el cantante expresa sus sentimientos por medio del
lucimiento de su voz. Es el máximo exponente de la monodía acompañada.
COROS:
Son fragmentos en los que canta un numeroso grupo de personajes.
INTERLUDIOS:
Partes instrumentales que se intercalan entre todos los fragmentos anteriores.
También se denominaron "ritornellos".
Además de estos apartados, en la ópera también puede haber dúos, tríos,...
En la ópera participaban muchísimos personajes: los músicos de la orquesta, los
cantantes del coro, extras que no cantaban,... Entre los personajes que más
sobresalían en las óperas figuran los castrati. Pincha aquí para conocer algunos datos
sobre los castrati.
LOS CASTRATI
El siglo XVIII fue la era del cantante castrato y el tiempo en el que desarrolló su mayor
actividad. Sin embargo, durante varios siglos se recurrió a la castración masculina
para que el cantante pudiera conservar la voz clara y aguda (blanca) en su edad
adulta. Esta práctica tiene su origen en la Edad Media, debido a que a las mujeres les
estaba prohibido cantar en la iglesias. En el siglo XVI el papa Pablo IV prohibió las
voces femeninas en la catedral de San Pedro y con ello comenzó la hegemonía de los
castrati.
Algunas características de estos cantantes, en el periodo barroco, son las siguientes:
No se dedicaban sólo a la música religiosa, como en su origen, sino que cantaban
óperas y todo tipo de música profana.
Los castrati ganaban sumas fabulosas. Eran muy famosos y su sueldo hoy lo
podríamos equiparar con lo que cobra un famoso, por ejemplo un futbolista de élite.
Trabajaban mucho la técnica de la respiración diafragmática, por lo que algunos
podían aguantar hasta un minuto manteniendo una misma nota y sin respirar.
Era frecuente que la gente, al oírlos rompiera a llorar o se desmayara de la emoción.
El más famoso de todos fue Farinelli, que trabajó en la corte del rey español Felipe V,
al que dicen que curó de su melancolía cantándole todas las noches, durante 10 años,
las mismas cuatro canciones.
TIPOS DE ÓPERA
Podemos distinguir dos grandes tipos de ópera:
ÓPERA SERIA:
Basada en argumentos mitológicos y heroicos. Es el primer tipo de ópera que va a
existir y será el preferido por la aristocracia debido a su refinamiento. Es muy
compleja debido a sus argumentos y a su gran despliegue técnico. A este tipo
pertenece la primera ópera: "Orfeo".
ÓPERA BUFA:
Es posterior a la seria. Los argumentos son cotidianos y fáciles de entender. El
despliegue de medios de este género no es demasiado grande, se convertirá en la
ópera preferida del pueblo, ya que además de ser más asequible económicamente y
más fácil de entender para todo tipo de personas, era bastante típico que el
argumento fuese una crítica social hacia las clases poderosas. La primera ópera de
este tipo fue escrita por un autor italiano llamado G.B. Pergolesi, titulada "La Serva
Padrona" en 1733.
Además, podemos distinguir las diferencias territoriales que fue adquiriendo la ópera
en los distintos territorios en los que se desarrollaba:
FRANCIA: Se llamará "Tragidie Lyrique". Las características principales serán la
introducción del ballet dentro del espectáculo y el gran despliegue de medios que
utilizarán los franceses en sus creaciones. El compositor más importante será J. B.
Lully.
INGLATERRA: Sienta sus bases con la obra de H. Purcell "Dido y Eneas" estrenada
en el año 1689.
ALEMANIA: Aunque también van a desarrollar ópera seria, hay un género que parte
de la ópera bufa italiana y que alcanzará un gran desarrollo: el Singspiel.
ESPAÑA: Se creará un género que se denominará Zarzuela y cuya característica
más significativa será la sucesión de partes cantadas y habladas.
MÚSICA INSTRUMENTAL DEL PERIODO BARROCO
La música instrumental en el Barroco logra la total autonomía que había empezado en
el Renacimiento. En este desarrollo, desempeñarán un papel decisivo la evolución
técnica de los instrumentos y el nacimiento de la orquesta como grupo organizado.
Los intérpretes se especializan debido a la complejidad que irá adquiriendo este tipo
de música, surgiendo la figura del virtuoso.
Con este desarrollo, los compositores van a lograr en sus obras la máxima
expresividad.
Podemos hablar de tres formas musicales dependiendo de las agrupaciones
instrumentales que los interpreten:
MÚSICA PARA INSTRUMENTOS SOLISTAS:
Los compositores empezaron a escribir pensando específicamente en un instrumento
concreto, que elegían por sus cualidades técnicas y su timbre. Las piezas para
instrumentos solistas permitían al intérprete hacer gala de un gran virtuosismo,
luciendo su habilidad técnica y su expresividad musical. Uno de los géneros más
importantes de música para solistas será "la fuga" (forma contrapuntística por
excelencia), que será desarrollada por autores como J.S.Bach. Dentro de los
instrumentos solistas destacarán el órgano, el violín, el clave...
MÚSICA DE CÁMARA:
Se denomina así a la música interpretada por dos o más instrumentistas sin llegar a
ser un grupo numeroso. Es música de carácter íntimo destinada a ser interpretada en
pequeñas salas. Será el género preferido por la nobleza. Normalmente, en este tipo
de música, un instrumento realizará los acordes del bajo continuo, mientras que los
otros se encargarán de las distintas melodías.
MÚSICA PARA ORQUESTA:
La orquesta es un conjunto de instrumentos de las tres familias. Hasta este momento
no se indicaban los instrumentos que debían interpretar cada parte de la obra, ya que
no había normas que regulasen el número y la composición de la orquesta, y la
elección de los instrumentos dependía de las circunstancias y de las posibilidades del
concierto. A partir del siglo XVII los compositores empezaron a especificar en la
partitura guión cuántos y cuáles eran los instrumentos que debían interpretar cada
parte; uno de los primeros fue Claudio Monteverdi, que indicó incluso la colocación de
los mismos en su obra Orfeo.
FORMAS DE LA MÚSICA ORQUESTAL
La A partir de mediados del siglo XVII surgirán las grandes formas instrumentales
barrocas, que marcarán no sólo este periodo sino toda la música posterior.
LA SUITE:
Es una forma compleja compuesta por la sucesión de danzas de distinto carácter. El
número y la disposición de las danzas es variable. Aunque existen suites escritas para
un solo instrumento, la forma se desarrollará más dentro de la música orquestal,
siendo uno de los principales compositores J.S.Bach.
LA SONATA:
El significado de la palabra sonata es "música para sonar" (tocada por instrumentos).
Es una forma compleja, ya que se desarrolla en cuatro movimientos que contrastan en
cuanto al tempo. La estructura de ésta fue establecida por Arcángelo Corelli.
EL CONCIERTO:
El término deriva de la palabra concertare, que quiere decir contraponer cosas
distintas. Es una forma compleja, normalmente de tres movimientos contrapuestos en
cuanto al tempo. Según como intervengan los instrumentos el concierto puede ser:
Concerto Grosso:
En el que se establece un contraste entre un grupo de solistas (concertino) y el resto
de la orquesta (tutti), que van alternándose en la interpretación de la obra. Destacan
los "Seis Concerti Grossi" de Haendel o los "Conciertos de Brandenburgo" de
J.S.Bach.
Concerto a Solo:
Compuesto para un solo instrumento solista que contrasta con la orquesta. Podemos
destacar a A.Vivaldi, al que se le atribuyen más de 300 conciertos para solista, como
las "Cuatro Estaciones", compuesto para violín.
INSTRUMENTOS MUSICALES
En el Barroco hay una serie de instrumentos que van a destacar:
FAMILIA DE VIENTO:
El oboe: aparece en Francia hacia 1650 como adaptación a la chirimía renacentista.
El clarinete: los primeros clarinetes comienzan a construirse a principios del siglo
XVIII.
El órgano: es el instrumento más espectacular del Barroco. Autores como J.S. Bach
desarrollarán la técnica de este instrumento hasta límites insospechados.
FAMILIA DE CUERDA:
El violín: comienza su apogeo en esta época. Los mejores luthiers, como la familia
Stradivarius, van a realizar los mejores violines de la historia. La familia de cuerda
frotada (violín, viola, violonchelo y contrabajo) será la gran protagonista de la música
barroca.
COMPOSITORES DE LA MÚSICA BARROCA
JOHANN SEBASTIAN BACH
1685-1750 Alemania
Uno de los mayores genios musicales de todos los tiempos, la obra de Bach es
enorme y abarca gran cantidad de géneros, aunque siempre reverente con la fe que lo
inspiraba. Descendiente y progenitor de una amplia familia de músicos, compuso en
un estilo algo pasado de moda para su época, pero con una maestría y un lenguaje
complejo a la vez que accesible.
Durante el periodo clásico cayó en una especie de olvido del que lo rescataría casi un
siglo más tarde Félix Meldelssohn. Fue conocido en su época como virtuoso organista
e improvisador, aunque hoy su figura trascienda como creador. Desde niño demostró
un interés y talento espectacular para la música, una pasión que le hizo ir a pie a
Hamburgo para oír y conocer las obras que allí se interpretaban. Fue organista en
Weimar y Maestro de Capilla en Leipzig.
PRINCIPALES OBRAS:
Seis conciertos de Brandenburgo - 1721
El clave bien temperado (libro I) - 1722
Pasión según San Mateo - 1729
Misa en si menor - 1733 a 1738
Oratorio de Navidad - 1734
Variaciones Goldberg - 1742
El clave bien temperado (libro II) - 1744
ARCANGELO CORELLI
1653-1713 Italia
Compositor y violinista italiano que contribuyó a la cristalización del Concerto Grosso.
Autor de numerosas obras instrumentales (Concierto de Navidad, La Follia,
sonatas,...), padre de la sonata para violín e inspirador de un grupo de compositores
posteriores para este instrumento. Era hijo de una acaudalada familia de
terratenientes. Estudió en Bolonia donde tomó lecciones de violín de uno de los
discípulos de Ercola Gaibara. Desarrolló su actividad principalmente en Roma, salvo
dos viajes que realizó a Alemania, donde fue director musical y compositor de cámara
del cardenal Ottoboni (que luego sería nombrado papa como Alejandro VIII)
En la sonata antigua fue un continuador de la obra de Legrenzi y Vitali, entre otros.
Compuso 48 sonatas en trío (para dos violines y un bajo continuo), además de doce
para violín y continuo, que hasta la llegada de Haydn batían récords de publicación y
reedición.
PRINCIPALES OBRAS:
Doce sonatas en trío Op. 1 - 1681
Once sonatas de cámara en trío y una chacona Op. 2 - 1685
Once sonatas en trío Op. 3 - 1689
Doce sonatas solistas Op 5 - 1700
Doce Concerti Grossi Op. 6 - 1713
GIROLAMO FRESCOBALDI
1583-1643 Italia
Compositor y organista italiano, creador de escuela en su instrumento y en la música
vocal del primer barroco. Tenía una inmensa fama, reconocida por los críticos y
tratadistas de la época, y muchos años después (hasta entrado el siglo XIX) su
música seguía utilizándose como ejemplo en la enseñanza musical.
Poco se sabe de su infancia; hay autores que afirman que su padre era también
organista. Ferrara era entonces uno de los centros más progresistas de Europa y su
duque Alfonso II d'Este, un gran melómano. Seguidor de las innovaciones de
Gesualdo y Monteverdi en el campo del madrigal, Frescobaldi se concentró además
en el órgano, trabajando a las órdenes de importantes mecenas como Bentivoglio, el
cardenal Aldobrandini y, en Florencia, para los Medici. Así mismo, desempeñó una
importante labor de organista en la Accademia della Morte de Ferrara, en Santa María
de Trastevere y en San Pedro de Roma. Compuso obras vocales y piezas
instrumentales para órgano.
PRINCIPALES OBRAS:
Tre canzoni - 1607
Madrigales - 1608
Toccate - 1614
Ricercari y canzone - 1615
Capricci - 1624
Segundo libro de Toccate - 1626
Canzone - 1628
Dos libros de Arie musicali - 1630
Canzone instrumentales - 1635
GEORG F. HAENDEL
1685-1759 Alemania-Inglaterra
Compositor alemán nacionalizado inglés a los 42 años. En su familia no había
músicos, pero el talento de Haendel de niño hizo que estudiara con Zachow, con
quien se convirtió en organista e intérprete de clave, además de dominar el violín y el
oboe. Emprende varios viajes por toda Europa y conoce importantes compositores.
Hacia 1715 su fama es enorme, pero quince años más tarde cae en el olvido, del que
renace al cumplir los cincuenta años, cambiando su género favorito de la ópera al
oratorio. Más tarde, la ceguera le impediría seguir componiendo, aunque no
interpretando música en el órgano. Fue un compositor muy prolífico, que en
comparación con J.S.Bach ponía más el acento en la melodía que en el contrapunto.
Fue un maestro del contraste, especialmente en música coral. Su estilo maduro,
inclinado al oratorio, ha servido de modelo al subgénero del oratorio inglés.
PRINCIPALES OBRAS:
Almira (ópera) - 1704
La resurrección (oratorio) - 1708
Rinaldo (ópera) - 1710
Música acuática (orquesta) - 1717
Radamisto (ópera) - 1720
Julio César (ópera) - 1724
Orlando (ópera) - 1733
Seis Concerti Grossi Op. 3 - 1734
Saúl (oratorio) - 1739
El Mesías (oratorio) - 1741
Música para los reales fuegos artificiales (orquesta) - 1749
JEAN-BAPTISTE LULLY
1632-1687 Italia-Francia
Compositor francés de origen italiano (Giovanni Batista Lulli). De cuna humilde,
consiguió llamar la atención del caballero de Guise, que lo lleva a París, donde
serviría al rey Luis XIV, que pone a su disposición una orquesta de violines donde
crece su fama como violinista, como compositor y director. Fue el encargado de
componer muchos ballets de corte, a los que el rey era muy aficionado.
También destaca su colaboración con Molière en la música de varias
representaciones. Otro colaborador habitual suyo fue Quinault, que escribió la
mayoría de los libretos de sus óperas. Consiguió fortuna y poder, llegando a ser
secretario real.
Su estilo operístico aboga por el abandono del recitativo secco, que sustituye por otro
más elaborado en su acompañamiento. Respetaba mucho la prosodia natural de las
palabras musicales. Fue uno de los creadores de la obertura francesa y ejerció una
gran influencia sobre otros contemporáneos como Purcell.
PRINCIPALES OBRAS:
Ballet de las estaciones - 1661
Ballet de las artes - 1663
Música para "El marido forzado" (de Molière) - 1664
Ballet de las musas - 1666
Ballet Flora - 1669
Música para "El burgués gentilhombre" - 1670
Alceste (ópera) - 1674
Proserpina (ópera) - 1680
Faetón (ópera) - 1683
CLAUDIO MONTEVERDI
1567-1643 Italia
Compositor italiano que revolucionó el mundo de la música aplicando medios
tradicionales con nuevos fines. Considerado uno de los padres del género operístico,
fue el responsable de los drásticos cambios que tendrían lugar en la música a partir
de 1600.
Sus primeras óperas están llenas de artificios, mientras que sus madrigales, motetes y
música sacra en general son más tradicionalistas. Su invención más importante es el
denominado "Stile Concitato", es decir, la reproducción realista de batallas y otros
escenarios afectivos, que tendría influencia sobre Merulo en Italia y Schütz en
Alemania.
Fue un maestro en el uso de las emociones humanas en música. De su Cremona
natal trascendió primero a la corte de Mantua y luego a la capilla de San Marcos en
Venecia. Hacia el año 1600 su reputación había quedado bien establecida, cuando
comienzan a aparecer críticas a su estilo, que pone a la música al servicio de las
palabras.
PRINCIPALES OBRAS:
Sacrae Cantiunculae (motetes) - 1582
Segundo libro de madrigales - 1590
Orfeo (ópera) - 1607
Arianna (ópera perdida) - 1608
Tirsi e Clori (ballet) - 1616
Il Combattimento di Tancredi e Clorinda (diálogo dramático) - 1624
Mercutio y Marte - 1627
La finta pazza licori (ópera perdida) - 1627
Scherzi Musicali (piezas para una o dos voces) - 1632
La coronación de Popea (ópera) - 1642
GIOVANNI BATTISTA PERGOLESI
1710-1736 Italia
A pesar de la brevedad de su vida, este compositor italiano tuvo una gran influencia
sobre los posteriores compositores galantes y clasicistas, especialmente en Mozart.
Aunque trabajó tanto la ópera seria como la cómica , es en este último subgénero
donde destaca su genio, especialmente en el intermedio "La serva padrona", cuya
representación póstuma en París desencadenó la llamada Guerra de los Bufones,
entre los que defendían y se oponían a la italianización de la ópera.
Su familia se apellidaba Draghi y provenían de la zona de Pergola, adoptando más
tarde el apellido Pergolesi. Tenía una malformación física en la pierna y era de salud
endeble. Después de estudios iniciales en Jesi, se traslada a Nápoles, donde aprende
música con de Matteis, Greco y Durante, que lo nombra ayudante de maestro. Contó
con la protección del príncipe de Stigliano y los duques Caracciolo.
PRINCIPALES OBRAS:
Questo è il pianto e questo è il riso (cantata) - 1731
Lo frate 'nnamorato (comedia) - 1732
La serva padrona (intermedio) - 1733
Adriano in Siria (ópera con libreto de Metastasio) - 1734
L'Olinpiade (ópera con libreto de Metastasio) - 1735
Stabat Mater - 1749
Livietta e Tracollo - 1753
Misa en fa mayor - 1805
Salve Regina – 1845
HENRY PURCELL
1659-1695 Inglaterra
Compositor y organista inglés, iniciador de una tradición musical insular. Era hijo de
un músico de la Capilla Real y maestro de coros de la Abadía de Westminster, por lo
que desde niño aprendió los fundamentos de la música, trabajando luego al servicio
del obispo y del rey. Con once años, se le atribuye la composición de una oda en
honor de Carlos II. A partir de 1673 trabaja con Hingeston en la restauración y
conservación de instrumentos reales y como copista. En 1679 sucede a su maestro
Blow como organista, conservando este puesto hasta su muerte.
Sus primeras obras combinan elementos tradicionales con otros innovadores,
componiendo músicas para acompañar representaciones teatrales, aunque sin
abordar directamente la ópera hasta "Dido and Aeneas" 1689. También compuso
música instrumental, religiosa y canciones.
PRINCIPALES OBRAS:
In nomine (4 pavanas a tres voces) - 1680
Primera Oda a Santa Cecilia - 1683
Dido and Aeneas (ópera) - 1689
Distressed Innocence (música para teatro) - 1690
King Arthur, or the British Worthy (música para teatro) - 1691
Música fúnebre para la reina María II - 1692
The Double Dealer (para teatro) 1693
Te Deum e Jubilate - 1694
The Indian Queen (para teatro) - 1695
ALESSANDRO Y DOMENICO SCARLATTI
1660-1725 y 1685-1757 Italia
Familia de compositores (padre Alessandro, hijo Domenico) italianos de óperas,
música vocal sacra y profana, así como de obras instrumentales. El padre llegó a ser
uno de los más renombrados compositores napolitanos de su época, mientras que el
hijo fue un prolífico autor de 555 sonatas para clave que innovarían la armonía del
siglo XVIII con aportes de ritmos de baile italianos, portugueses y españoles.
Del padre se ha sostenido, a veces exageradamente, que es el fundador de la escuela
napolitana de ópera del siglo XVIII, así como el inventor del aria da capo, la obertura
italiana y el recitativo acompañado. Domenico fue maestro de capilla de San Pedro,
compositor de música sagrada para la capilla pontificia, autor de óperas para la reina
de Polonia, habiendo residido en Londres, Lisboa y Madrid, siendo considerado como
uno de los precursores de la sonata clásica.
PRINCIPALES OBRAS:
Alessandro Scarlatti
o Gli equivoci nel sembiante (ópera) - 1679
o La Rosaura (ópera) - 1690
o Il Pirro e Demetrio (ópera) - 1694
o La caduta dei Decemviri (ópera) - 1697
o Il trionfo della libertà (ópera) - 1707
o Il trionfo dell'onore (ópera) - 1718
o La Griselda (ópera) - 1721
Domenico Scarlatti
o Esercizi per gravicembalo - 1738
o Sonata K175 en la menor - 1752
o Sonata K513 en do mayor - 1756
ANTONIO VIVALDI
1678-1741 Italia
Compositor y violinista italiano. Hijo de un violinista consagrado de la capilla de San
Marcos en Venecia, da sus primeros pasos musicales con Legrenzi. Una vez
ordenado sacerdote, es nombrado maestro de violín del Orfanato de la Piedad, cuya
orquesta de señoritas se convierte en uno de los mejores conjuntos instrumentales de
la época, dirigidos por el petre rosso (el cura rojo), nombre con el que se conocía a
Vivaldi por el color de su pelo.
Se le conoce principalmente por sus obras instrumentales, entre las que destacan
varios ciclos de conciertos con violines solistas, pero además compuso para otros
instrumentos conciertos y música de cámara, además de óperas. Su estilo de forma
clara, impulso rítmico y flujo de ideas musicales influyó en el lenguaje concertístico de
J.S. Bach y otros compositores posteriores. Compuso unas 770 obras, entre ellas
destacan 46 óperas y 477 conciertos de los que se conservan 443.
OBRAS IMPORTANTES:
L'estro armónico (doce conciertos para 1-4 violines, arcos y bajo continuo) - 1712
La Stravaganza (doce conciertos para violín, arcos y bajo continuo)- 1713
La veritá in cimento (ópera) - 1720
Concierto para flauta nº 2 en sol menor - 1724
Il cimento dell' armonia e dell' invenzione (incluye las cuatro estaciones) - 1725
Orlando (ópera) - 1727
La cetra (doce conciertos para violín ,arcos y bajo continuo) - 1728
L'Olimpiade (ópera) - 1734
Il pastor fido (sonatas para flauta) - 1737
Seis sonatas para violonchelo y bajo Op. 14 - 1740
PERIODO CLÁSICO
INTRODUCCIÓN
El Clasicismo es un periodo que se enmarca entre el Barroco y el Romanticismo.
Suele fecharse convencionalmente entre 1750 (muerte de J.S.Bach) y 1827 (año en el
que muere Beethoven). Es una etapa corta que marca la transición de la Edad
Moderna a La Edad Contemporánea.
CONTEXTO HISTÓRICO:
Es la época de la ascensión de la burguesía a amplios sectores del poder político y
económico, lo cual tendrá consecuencias en el mundo de la cultura y de la música. En
la 2ª mitad del siglo XVIII se van a dar una serie de acontecimientos históricos
importantes y reformas sociales que darán lugar a violentos movimientos de masas,
destacando entre ellos "La Revolución Francesa" de 1789, hecho que romperá con las
monarquías absolutas. El lema revolucionario de "Libertad, Igualdad y Fraternidad"
será llevado a todos los contextos, también al de la música.
CONTEXTO CULTURAL:
El Clasicismo es la época de la Ilustración, un movimiento intelectual promovido por la
burguesía y la pequeña nobleza, cuya principal manifestación fue La Enciclopedia de
Diderot y D'Alambert que divulgará la cultura en amplias capas de la población. En
Francia, al movimiento de la Ilustración se le denomina Enciclopedismo. Este
movimiento encabezará la Revolución Francesa.
Los artistas, encontrarán en la burguesía un nuevo público que paga por apreciar sus
obras y al que debían satisfacer con creaciones entretenidas y naturales; de esta
forma se van liberar poco a poco de las obligaciones de trabajar supeditados al gusto
de los mecenas, obteniendo así una mayor independencia creativa pero contando con
el reto de tener que depender del público para rentabilizar sus ingresos.
CONTEXTO MUSICAL:
La música irá abandonando los círculos eclesiásticos y palaciegos para desenvolverse
en casas privadas de la burguesía y en espectáculos públicos.
En este periodo se produce una vuelta a los ideales de la cultura clásica
grecorromana, basados sobretodo en el equilibrio, la sencillez y la belleza (dejando
atrás el estilo recargado del Barroco); por ello, en el resto de las artes se conoce a
este periodo como "Neoclasicismo". No sucede esto con la música, ya que no pueden
copiar los modelos clásicos porque no nos han llegado; sin embargo, sí van a
compartir la búsqueda de la belleza y la perfección formal.
Entre los precursores de la música de este periodo podemos nombrar a dos de los
hijos de Bach: C.P.E. Bach y J.C. Bach, pero los tres compositores que se van a
convertir en las grandes figuras de este periodo son Haydn, Mozart y Beethoven, que
trabajarán en Viena, ya que ésta es considerada la ciudad más importante dentro del
contexto musical.
CARACTERÍSTICAS MUSICALES DEL CLASICISMO
Los compositores de este periodo orientan su música hacia un equilibrio basado en la
proporción y el orden, una claridad que se transmite a través de melodías y armonías
simples y una sencillez que permite al oyente una gran facilidad de comprensión.
Estos son los tres ideales de la música del Clasicismo, que quedan plasmados en una
nueva forma de componer.
La música de esta época es refinada, elegante, contenida y equilibraba. Para lograr
una música de estas características los compositores trabajarán sobre todo dos
aspectos:
MELODÍA:
Las melodías de Barroco adoptaban estructuras irregulares. Por el contrario, en el
Clasicismo se ajustan a una estructura ordenada y regular. La melodía se articula en
una frase bien diferenciada de un nº determinado de compases. Siguiendo el principio
de proporción, cada frase puede dividirse en partes de igual duración respetando la
simetría. Los compositores buscan concentrar todo el interés en la melodía principal.
Las otras voces tienen un papel de acompañamiento, de soporte armónico
ARMONÍA:
En el Clasicismo se suprime el bajo continuo tan usado en el periodo anterior. Se
siguen desarrollando los principios armónicos que se habían establecido en el Barroco
tardío. Las funciones tonales (tónica, subdominante y dominante) organizan toda la
obra.
MÚSICA RELIGIOSA DEL CLASICISMO
Como ya habíamos adelantado, la música religiosa va a estar en declive en esta
época, ya que tanto la música instrumental como la ópera se van a convertir en
géneros mucho más solicitados por el público en general.
En el terreno de la música religiosa, no cabe señalar grandes cambios musicales
respecto a la época anterior. Se seguirán creando prácticamente los mismos géneros,
dentro de los cuales destacará la misa. Un tipo de misa especial que va a adquirir
gran importancia en este periodo es el Réquiem.
El Réquiem es la música compuesta para la misa de los difuntos de la Iglesia católica.
Dicha música es ligeramente distinta de la de otras misas, ya que se prescinde de las
partes consideradas demasiado alegres para una ocasión de duelo.
Dentro de este tipo de género, podemos destacar "El Réquiem de Mozart", obra
maestra de la música clásica. Según cuenta la leyenda, esta obra le fue encargada a
Mozart por un desconocido. El compositor, que entonces ya estaba gravemente
enfermo, creyó que se trataba de un encargo del más allá para su propio funeral y
murió componiendo la séptima parte de la obra que lleva por título Lacrimosa. Esta
parte termina con la palabra Amen, palabra que se utilizaba al final de la misa, algo
extraño teniendo en cuenta que a Mozart aún le quedaba la mitad del réquiem por
componer. La obra sería completada , siguiendo las instrucciones que el compositor
dejó escritas, por su alumno Süsmayr.
OPERA
LA ÓPERA SERIA
El clasicismo fue uno de los periodos históricos más importantes para el género
operístico. Este género, nacido en el Barroco dentro de los círculos aristocráticos,
experimentará durante el Clasicismo un cambio, ya que se eliminarán los excesos
barrocos y se tenderá a la naturalidad y acercamiento del argumento al público.
Los teatros se multiplicaron, el público aumentó en gran medida y los compositores
encontraron en la ópera una de sus formas favoritas de expresión.
A mediados del siglo XVIII, y especialmente en Francia, la ópera seria había
alcanzado una gran complejidad y artificiosidad: los argumentos sobre temas
mitológicos eran demasiado sofisticados y difíciles de entender, los cantantes se
inventaban partes enteras debido a la complejidad de las arias,... Esto hacía que el
público cada vez estuviese más descontento con este tipo de ópera.
En 1752 se produjo un cambio, ya que una compañía ambulante de ópera se instaló
en París y presentó la famosa ópera bufa de Pergolesi "La serva padrona". Su éxito
fue muy grande, hasta tal punto que se crearon dos bandos, uno que va a defender
este tipo de ópera y otro que va a estar en contra. A este enfrentamiento se le conoce
como "La querella de los bufones".
En una lado estarán los que defendían la tradición de la ópera seria francesa, mucho
más elaborada que la bufa italiana, a la que acusaban de frívola y superficial.
Encabezaba este grupo Rameau. En el otro bando, estaban los defensores de la
nueva ópera que había llegado desde Italia, la cual consideraban que se ajustaba
mejor a los ideales del Clasicismo de sencillez y claridad. Era mucho más fácil de
entender para todo tipo de público, ya que sus argumentos eran mucho más cercanos
al pueblo y además destacaban por la belleza de sus melodías. Al frente de este
grupo estaba Rouseau y algunos otros enciclopedistas.
En este contexto de enfrentamiento surgió la figura de W.C. Gluck, que buscó la
reconciliación de ambos grupos, realizando una reforma de la ópera seria para que se
acercase más a lo que el público pedía. En el prefacio de su ópera "Orfeo y Eurídice"
expone los principios de la reforma que la ópera seria debía adoptar, que se resumen
en los siguientes puntos:
Utilizar música sencilla, dejando de lado la complejidad a la que había llegado la
ópera seria.
Evitar los contrastes entre recitativo y aria haciendo las arias más simples y los
recitativos más expresivos.
El argumento debe ser más sencillo y verosímil, desechando los elementos
fantásticos y artificiales de Barroco.
La música debe estar siempre al servicio del libreto y de los personajes.
Bajo estos parámetros se va a componer la mayor parte de la ópera seria en Europa.
LA ÓPERA BUFA
Es en esta época cuando la ópera bufa va a ganar importancia gracias, sobretodo a la
llegada de la burguesía al poder. En Nápoles era habitual intercalar fragmentos
cómicos entre los diferentes actos de las óperas serias. Estos fragmentos se fueron
desarrollando y acabaron independizándose, dando lugar a un género nuevo llamado
ópera bufa. Esto sucedió a finales del Barroco y principios del Clasicismo.
Pronto se convirtió en el género preferido del público, que tomará el modelo de la
Serva Padrona de Pergolesi y alcanzará su máximo esplendor en las óperas de W.A.
Mozart. A pesar de utilizar las mismas características musicales que la ópera seria, la
ópera bufa contaba con algunas particularidades:
Los argumentos recogen temas de la vida cotidiana, dándoles un carácter cómico y en
ocasiones sentimental.
Utilizan el idioma de cada país y en ocasiones sustituye los recitativos por partes
habladas.
Los dúos y los conjuntos vocales se fueron haciendo cada vez más habituales.
En los finales de acto los personajes entraban de manera gradual, de forma que la
tensión iba en aumento y se resolvía cuando todos cantaban al final.
El lenguaje que utilizaban era asequible, sin grandes grandilocuencias.
Se trata por lo tanto de una ópera mucho más fresca y alegre que la seria. Esto no es
extraño si tenemos en cuenta que su principal misión era la de entretener al público,
cada vez más amplio y sin conocimientos musicales. Mozart, que como hemos dicho
será uno de los principales compositores de este género, escribirá óperas bufas tanto
en italiano (Las bodas de Fígaro) como en Alemán (La flauta Mágica). La ópera bufa
italiana llegó a toda Europa. En Alemania se denominó Singpiel y en Francia se llamó
Ópera Cómique.
MÚSICA INSTRUMENTAL EN EL CLASICISMO
La música instrumental del Clasicismo va a girar en torno a tres agrupaciones
características:
LA MÚSICA DE CÁMARA:
Llamamos así a la música compuesta para un reducido grupo de instrumentos, en
contraposición a la música de orquesta. El nombre viene de los lugares en los que
ensayaban pequeños grupos de músicos durante la Edad Media y el Renacimiento. A
esas habitaciones, no muy grandes, se les llamaba cámaras.
Relegada hasta entonces a los salones de la aristocracia, la música de cámara
comenzará poco a poco a difundirse en pequeñas salas de concierto y en casas
particulares. Esto viene provocado por el acceso de la burguesía a la práctica
instrumental y a los conocimientos musicales y también porque económicamente una
agrupación de cámara era mucho más rentable que una orquesta.
Con frecuencia, los compositores recibían encargos de música sencilla que pudiera
ser interpretada por aficionados.
Las obras de cámara podían ser para un instrumento solista (como el piano o la
guitarra), para un trío (por ejemplo un violín, un piano o un violonchelo),…; pero sin
duda las agrupaciones de cámara que se convirtieron en favoritas fueron el cuarteto
de cuerda (dos violines, viola y violonchelo) y el quinteto (que sumaba a esos
instrumentos del cuarteto un instrumento de viento)
Sin embargo, dentro de este tipo de música caben todas las posibilidades de
instrumentos y agrupaciones que podemos imaginar, siempre que no sean grupos
demasiado numerosos.
LA MÚSICA DE ORQUESTA:
Durante el Clasicismo, la orquesta evoluciona hasta convertirse en uno de los medios
de expresión más utilizados por los compositores.
La constitución de las orquestas va a seguir dependiendo de las posibilidades
económicas y de la disponibilidad de instrumentistas. Sin embargo, las orquestas
poco a poco se fueron uniformizando, de manera que hacia finales del siglo XVIII ya
podemos hablar de un modelo de orquesta clásica con una sección de cuerda
(violines, violas, violonchelos y contrabajos), una de viento (flautas, oboes, clarinetes,
fagots, trompas,…) y una de percusión (timbales, platillos,…)
En esta concreción de la orquesta hubo un personaje que influye en gran medida:
Johann Stamitz. Este hombre fue promotor y director de La Escuela de Mannheim,
una escuela de música situada en esa localidad alemana que en su época contó con
la mejor orquesta del mundo.
Dentro de las novedades que Stamitz introduce en el mundo de la orquesta podemos
destacar las siguientes:
Disciplina en el estudio: a su orquesta se le conocía con el sobrenombre de “Ejército
de generales” Trabajo por secciones instrumentales: antes de comenzar con los
ensayos generales. Búsqueda y desarrollo del color orquestal: la orquesta se debe
comportar como un solo instrumento, no como un conjunto de instrumentos.
Incorporación de nuevos recursos que aumentan las posibilidades tímbricas de la
orquesta como el Crescendo y el Diminuendo. Muchas de estas y otras innovaciones
que Stamitz introduce en el mundo de la orquesta siguen vigentes hoy en día.
FORMAS MUSICALES
LAS FORMAS INSTRUMENTALES
Durante el Clasicismo, los compositores van a trabajar innumerables formas
musicales, que adaptaban a las necesidades de sus pedidos o a sus gustos. Algunas
formas que destacaron fueron el divertimento, la serenata o la casación. Sin embargo,
las tres formas más importantes de la época fueron las siguientes:
LA SONATA:
Esta forma instrumental surgida en el Barroco, se convertirá durante el Clasicismo en
el principal modelo de composición para la música instrumental de la época.
Se trata de una obra musical compuesta para un teclado o para otro instrumento
acompañado normalmente por un instrumento de teclado. La sonata consta de cuatro
partes denominadas movimientos. Cada uno de esos movimientos se distingue por su
tempo y por su estructura, distinta de los demás.
Rápido (Allegro) En la tonalidad principal
Lento (Andante o largo) En una tonalidad vecina.
Ligero (suele ser un Minueto) Tonalidad libre.
Rápido (Allegro o presto) Tono principal.
LA SINFONÍA:
Podemos decir que es una sonata construida para una orquesta completa aunque de
manera más compleja. Tenía, en principio, tres partes o movimientos que luego se
convertirán en cuatro. Se considera a Haydn como el compositor que dio la forma
definitiva a este género, aunque los músicos de la Escuela de Manheim también
desarrollaron este género en gran medida.
Las orquestas sinfónicas reciben este nombre, ya que en principio eran concebidas
para interpretar sinfonías.
Para nombrar sinfonías se emplea el número de orden en el que se ha escrito. Por
eso hablamos de la 5º sinfonía de Beethoven o la 83 de Haydn. Muchas de ellas
también tienen un sobrenombre; por ejemplo, la tercera de Beethoven se conoce
como la heroica y la 101 de Haydn se conoce como la sinfonía del reloj.
Entre los mejores compositores de sinfonías podemos nombrar:
Haydn: que compuso más de 100.
Mozart: que compuso 41.
Beethoven: que creó 9 sinfonías.
CONCIERTO PARA INSTRUMENTO SOLISTA Y ORQUESTA:
Es una forma musical basada en la alternancia entre un instrumento solista y toda la
orquesta. Generalmente, la forma del concierto es la misma que la de la sinfonía pero
prescinde del tercer movimiento.
Este tipo de obras se convirtió en uno de los favoritos de los compositores del
Clasicismo, ya que va a aunar en una sólo forma los nuevos avances de la orquesta
(timbre orquestal y novedades de la Escuela de Manheim) y el virtuosismo del solista.
En un principio, el instrumento que más utilizaban los compositores para realizar el
papel de solista era el violín. Sin embargo, poco a poco se fueron escribiendo
conciertos para otros instrumentos (violonchelo, flauta travesera, trompeta, clarinete).
INSTRUMENTOS MUSICALES
Durante el periodo del Clasicismo los instrumentos experimentan cambios notables.
Algunos de los instrumentos de la época barroca van cayendo en desuso. Por ejemplo
el clave es reemplazado por el piano, que posee mejores posibilidades dinámicas que
el primero. Otros como el laúd, la flauta de pico o la viola de gamba tienden a
desaparecer, ya que sus características tímbricas no se adecuaban al nuevo estilo
musical.
Otros instrumentos, sobretodo los de viento, mejorarán sus posibilidades ya que serán
mejorados técnicamente por los constructores. Esto permitirá ampliar registros,
mejorar timbres,… Una de las grandes aportaciones del Clasicismo fue la mejora e
incorporación del clarinete a la orquesta. Este instrumento de viento fascinó a Mozart,
que compuso para él uno de sus más bellos conciertos.
COMPOSITORES DEL PERIODO CLÁSICO
LUDWIG VAN BEETHOVEN
1770-1827 Alemania
Nació en Bonn, tuvo una infancia problemática. Su padre era cantante de capilla del
Elector de Bonn, adicto al alcohol y violento, que al descubrir el talento musical de su
hijo, le puso bajo un estricto régimen de estudios de piano. Más tarde sufriría la
pérdida de su madre. En Viena conoce a Mozart, que no se entusiasma mucho con el
joven talento de Beethoven. Posteriormente conoce a Haydn, quien lo invitó a estudiar
con él en Viena, donde acude en 1792 para instalarse definitivamente.
Pero el genio indomable y rebelde de Beethoven busca nuevos horizontes y pasiones
de creación musical, por lo que acude a nuevos profesores y nobles que lo apoyen.
En 1801 comienzan los primeros síntomas de sordera, a los que seguirán problemas
psicológicos, por lo que en 1812 redacta el conocido como Testamento de
Heiligenstadt, casi al borde del suicidio.
De espíritu perfeccionista, hizo múltiples correcciones de sus manuscritos, por lo que
su catálogo de obras no es tan abundante como cabría esperar. Su estilo sinfónico
influiría en las siguiente generaciones de compositores y se proyecta hasta bien
entrado el siglo XX.
PRINCIPALES OBRAS:
Sonata para piano nº 7 - 1798
Septeto para cuerda y viento, opus 20 - 1799
Sonata para piano nº 8 - 1799
Sinfonía nº 1 - 1800
Sonata piano nº 14 "Claro de luna" - 1801
Sonata violín y piano nº 5 "Primavera" - 1801
Sonata piano nº 17 "Tempest" - 1802
Sinfonía nº 3 - La heroica - 1803
Sonata nº 21, op.53 "Waldstein" - 1804
Fidelio (ópera) - 1805
Sonata piano nº 23 "Appassionata" - 1805
Sinfonía nº 9 - Himno a la alegría - 1824
LUIGI BOCCHERINI
1743-1805 Italia
Compositor y virtuoso del violonchelo, era hijo de un contrabajista de la capilla
palatina de su ciudad natal, Lucca. En su juventud conoció a Gluck y Sammartini, que
influirían en su estilo.
Cuando llegó a Madrid no fue bien recibido por los músicos de la corte de Carlos III,
pero sí por el hermano del rey, que llegaría a cardenal, aunque luego renunciaría y se
retiraría hasta su muerte a Arenas de San Pedro, llevándose consigo al compositor,
que pasó muchas penurias económicas y murió en la más absoluta de las miserias.
También compuso encargos que se editaban en París y tocaba el violonchelo en la
Real Capilla. Tiene un catálogo de casi quinientas obras, entre sinfonías, conciertos,
cuartetos de cuerda, quintetos (muchos de los cuales son para dos violonchelos),
obras para guitarra y una zarzuela titulada "La Clementina. Tuvo un papel histórico
destacado en la literatura para guitarra, instrumentos para el que compuso obras de
cámara originales y transcripciones de obras suyas anteriores.
PRINCIPALES OBRAS:
La Confederazione dei Sabini (Cantata) - 1765
Tríos Op. 1 y Cuartetos Op. 2 - 1767
Seis sonatas para clavicémbalo y violín Op. 5 -1769
Sinfonías Op. 35 - 1782
Villancicos de Navidad (para cuatro voces y cuerda) - 1783
La Clementina (zarzuela) - 1786
CHRISTOPH GLUCK
1714-1787 Alemania
Compositor alemán de origen bohemio, renovador de las formas operísticas francesas
y opositor del estilo imperante italiano, cuyo máximo representante era Piccini. Su
familia vivía en el campo, pero el joven Gluck se hizo cantor ambulante, cantando en
coros y tocando el violín.
A finales de 1735 entró a formar parte de los músicos del príncipe Lobkowitz y en
1736 del príncipe Melzi, que costeó sus estudios musicales en Italia bajo la tutela de
Sammartini, famoso compositor de óperas. En Londres conoce a Haendel, pero éste
detesta su estilo. Mientras tanto, sigue componiendo hasta llegar a 107 óperas.
Su controversia con Piccini se traduce en el encargo simultáneo de dos óperas del
mismo contenido a ambos compositores (Ifigenia en Táuride), que consagra el drama
de Gluck y hace fracasar al italiano. El estilo de Gluck se caracteriza por una
simplicidad no exenta de momentos sublimes.
PRINCIPALES OBRAS:
Semiramis reconstruida - 1748
La inocencia justificada - 1755
La Tetide - 1760
Ballet Don Juan - 1761
Orfeo y Eurídice - 1762
Alcestes - 1767
Paris y Elena - 1770
Ifigenia en Aulide - 1774
FRANZ JOSEPH HAYDN
1732-1809 Austria
Compositor austríaco. Junto a Mozart y Beethoven, es una de las figuras claves del
Clasicismo, considerado padre de la sinfonía, la sonata y el cuarteto de cuerdas
(aunque estas formas ya existían antes, fue él quien las desarrolló con éxito). De
origen humilde, estudia música con un pariente de apellido Frank y luego en Viena.
Más tarde, recibirá clases de Porpora, a través del cual conoce la obra de Gluck.
Sin embargo, su mejor amigo fue el joven prodigio Mozart, veinticuatro años menor
que él. Fue profesor de Beethoven, pero no llegaron a congeniar. Su talento maduró
lentamente y fue modelo de la evolución del lenguaje artístico. Su música se
caracteriza por su buen humor y picardía, aunque también ha creado pasajes de gran
profundidad. Su amplio catálogo abarca 108 sinfonías, 68 cuartetos de cuerda, 47
sonatas para piano, 26 óperas, algunas misas y un Stabat Mater.
PRINCIPALES OBRAS:
Sinfonía nº 31 en re menor (con la llamada de la trompa) - 1760
Sinfonía nº 45 en fa sostenido menor (Los adioses) - 1772
Concierto en re mayor para clave y orquesta Op. 21 - 1783
Sinfonía nº 88 en sol mayor - 1787
Sinfonía de los juguetes - 1788
Sinfonía nº 92 en sol mayor (Oxford) - 1791
Cuarteto en do mayor (Emperador) - 1798
La Creación (oratorio) - 1798
Las estaciones (oratorio) - 1801
Dos movimientos del cuarteto de cuerdas Op. 103 - 1803
WOLFGANG AMADEUS MOZART
1756-1791 Austria
Compositor austríaco considerado el más grande genio de la música de todos los
tiempos. Con una vida de sólo 35 años fue capaz de cultivar con excelencia todos los
géneros, desde la música sacra y coral hasta la ópera, pasando por la sinfonía y la
música de cámara, representando junto a Haydn y Beethoven la cúspide del
Clasicismo musical.
Su padre, Leopoldo, ejerció una notable influencia en él, como maestro de
composición y violín, dedicado en exclusiva a la educación y el sueño precoz de su
hijo. Siendo niño, exhibió sus habilidades interpretativas y creativas en Francia,
Inglaterra, Holanda, así como en las principales ciudades austríacas y alemanas.
Su enorme catálogo alberga más de 600 obras, que empezó a componer a los 7 años
de edad. Otros músicos que ejercieron influencia en Mozart fueron Johann Christian
Bach, el padre Martini de Bolonia y Joseph Haydn.
PRINCIPALES OBRAS:
Cinco conciertos para violín - 1775
La finta giardinera - 1775
Concierto en mi bemol mayor para piano y orquesta - 1777
Concierto para dos pianos en mi bemol mayor - 1779
Idomeneo (ópera) - 1781
Cuartetos Haydn - 1782
Las bodas de Fígaro (ópera) - 1785
Don Giovanni (ópera) - 1787
Eine Kleine Nachtmusik - 1787
Sinfonías nº 39 en mi bemol mayor y nº 40 en sol menor - 1788
Sinfonía nº 41 "Júpiter" - 1788
La flauta mágica (ópera) – 1791
Época del Romanticismo
INTRODUCCIÓN
Delimitamos cronológicamente el Romanticismo entre los años 1800 y 1890, aunque
hay corrientes que presentan características románticas antes de estas fechas y en
algunos países se extenderá hasta bien entrado el siglo XX. Entre el Clasicismo y el
Romanticismo no hay una línea divisoria estricta, sino una lenta y poco definida
transición que nos permite hablar de continuidad.
CONTEXTO HISTÓRICO:
En 1815 se celebra el congreso de Viena, que dibuja las nuevas fronteras políticas
europeas. La burguesía ha tomado el poder social y sus ideales de libertad quedarán
patentes en todos los ámbitos de la sociedad. La revolución industrial se impone en
todos los lugares con sus enormes consecuencias económicas, sociales y culturales.
Nos encontramos con una nueva sociedad, surgida de la Revolución Francesa, que
exalta la libertad del ser humano por encima de todas las cosas.
El movimiento nacionalista surge en la última época del Romanticismo y con él se
refuerza la idea de individualidad. El nacionalismo afectará a todas las artes y muy en
especial a la música.
CONTEXTO CULTURAL:
Los artistas románticos, cansados de la perfección formal del Clasicismo, buscan
nuevas formas de expresión que les permitan dar rienda suelta a su impulso creador.
En esta época de anhelo de libertad, los artistas se independizan de los mecenas y
van a crear obras para un público que en ocasiones le adora y, a menudo, tarda en
comprenderle. El principio fundamental del Romanticismo es la búsqueda de la
exaltación de las pasiones en todas sus obras.
Otro concepto que triunfa en la época es el de "el arte por el arte", sin condicionantes
y sin tener que respetar todas las normas formales y estructurales que se habían
impuesto en el periodo anterior. Los artistas van a ser genios creadores que son
reconocidos como tales por el resto de la gente.
CONTEXTO MUSICAL:
El Romanticismo es quizá la época más brillante de la historia de la música, ya que
por primera vez, este arte adquiere la categoría de lenguaje privilegiado por encima
del resto de las artes; la música es capaz de transmitir la verdadera esencia de las
cosas.
En el campo de la música también se dejan ver los ideales de libertad de la
Revolución Francesa y por ello los compositores van a hacer obras sin encargo y
según sus propios gustos, lo que llevará a muchos músicos a la ruina.
El fundamento básico de la música romántica es "la exaltación de las pasiones"; los
músicos románticos tratan, con su música, de influir en el ánimo del oyente
implicándole emocionalmente. Para conseguir este propósito, el vehículo más
apropiado será el piano, que se convertirá en el instrumento estrella del periodo, ya
que con él se logra una atmósfera íntima.
En esta época brillarán numerosos compositores, que seguirán, sobretodo en la
primera parte del Romanticismo, el modelo de Beethoven, que será el compositor que
sirva de enlace entre el Clasicismo y este nuevo periodo.
En el Romanticismo la música va dirigida al corazón.
PERIODOS DE LA MÚSICA ROMÁNTICA
En este periodo podemos hablar de tres etapas:
ROMANTICISMO TEMPRANO (1800-1830)
Beethoven será la figura que sirva como puente entre las dos épocas. Surgen las
primeras manifestaciones que combinan innovación y continuidad con el Clasicismo.
En esta etapa destaca Schubert, que logrará la expresión plena del lirismo romántico
en sus piezas para piano y en los lieder.
ROMANTICISMO PLENO (1830-1850)
El movimiento romántico se extiende por toda Europa. París se convierte en un centro
importante de cultura musical. Es la época del virtuosismo instrumental con autores
como Listz (piano) o Paganini (violín). Se asientan nuevas formas compositivas como
la Música Programática (descriptiva).
ROMANTICISMO TARDÍO (1850-1890)
Los grandes operistas de la época, Wagner y Verdi, escriben sus mejores obras.
Destacan compositores de la talla de Brahms. Aparecen las nuevas corrientes: Post-
romanticismo y Nacionalismo.
CARACTERÍSTICAS MUSICALES
Durante este periodo podemos destacar las siguientes novedades en el ámbito de la
música:
Independencia del autor, cada vez menos sujeto a las normas de los mecenas y más
relacionado con los editores de partituras, lo que le permite mayor libertad de
expresión y composición.
Aparición de nuevos géneros, como el lied, los poemas sinfónicos o el drama musical
(ópera de Wagner)
Búsqueda de la expresividad, los sentimientos y los estados de ánimo en el oyente.
La melodía ocupará un lugar privilegiado dentro de la obra. Dichas melodías ya no
serán tan regulares como en el Clasicismo y estarán cargadas de contratiempos y
síncopas, ritardandos y cambios de dinámica,...; todo ello con la finalidad de expresar
en mayor medida los sentimientos.
La armonía, al igual que la melodía apoyará la expresividad de la música y para ello
usará frecuentes cambios de tonalidad y cromatismos.
IDEALIZACIÓN DEL ROMANTICISMO
Muchos de los compositores románticos van a cumplir las siguientes características:
Tienen como modelo de creación a Beethoven; sobretodo los músicos de la primera
época.
La música para ellos es un medio de liberación del alma, en un mundo materialista y
cada vez más consumista.
Son "genios" creadores, verdaderos artistas. Los intérpretes simplemente llevan a
cabo una ejecución mediante un ejercicio mecánico. Sin embargo, el compositor es
quien crea, quien hace música de la nada.
Muchas veces, su talento no es comprendido por la sociedad, por lo que se aislan y
sufren continuamente enfermedades psicológicas o físicas. Muchos acaban
arruinados.
Escriben obras sin encargo, según lo que les dicte su corazón. Esto les llevará en
ocasiones a sufrir penurias.
Crean música para la eternidad, ya que aún sabiendo que durante su vida la gente no
va a comprender sus obras no cesan en el intento, pensando que el día de mañana
(seguramente cuando hayan muerto) alguien se dará cuenta de su talento.
Normalmente pertenecen a la clase media ilustrada.
LA ÓPERA ROMÁNTICA
Durante el Romanticismo la ópera experimenta una gran evolución que lleva a este
género a su cumbre más alta y lo convierte en el espectáculo preferido de la
burguesía. Se construyen teatros por toda Europa y los cantantes se convierten en
verdaderos divos (dioses) gracias al lucimiento vocal de sus arias.
Vamos a ver el desarrollo operístico en los países más importantes:
ITALIA
En Italia, cuna de la ópera, es donde surgen las principales escuelas que marcarán el
desarrollo del género operístico en el resto de Europa. Podemos destacar dos
corrientes de este género que se van a dar a lo largo del Romanticismo:
BEL CANTO
Esta ópera tiene como objetivo la exhibición del cantante mediante pasajes melódicos
de gran exigencia técnica que se desarrollaban en el registro agudo de la voz. Los
cantantes, sobretodo en sus arias, desarrollaban un gran virtuosismo vocal ligado a
una gran expresividad.
Dentro de la ópera belcantista podemos destacar algunos compositores como G.
Donizetti con "El elixir del amor" y V. Bellini con "Norma". Estos dos compositores
fueron los máximos representantes del estilo belcantista. Otro personaje destacado
fue G. Rossini con "EL barbero de Sevilla" que fue la ópera más representada en todo
el siglo XIX y que trata sobre un tema típico español. No podemos olvidar a G Verdi,
que se convertirá, junto con el alemán R. Wagner, en el mejor operista del
Romanticismo. Algunas de sus obras destacables son "Nabucco", "Rigoletto", "La
Traviata", "Aida" o "El trovador".
VERISMO
Surge a finales del siglo XIX muy unido a las corrientes del realismo y naturalismo
literario. Los argumentos de la ópera se centrarán en personajes de la vida cotidiana,
reflejando sus emociones de forma realista sin idealizaciones románticas.
Los máximos representantes de este tipo de ópera son P. Mascagni con "Caballería
rusticana" y G. Puccini con óperas como "Tosca", " La Boheme" o "Madame Butterfly".
FRANCIA
París se convirtió en el siglo XIX en una importante capital de la actividad operística
europea. En Francia también existen dos estilos de ópera:
LA GRAN ÓPERA
Caracterizada por sus grandes montajes escenográficos, profusión de ballets, grandes
coros y escenas multitudinarias. Entre los autores más destacados de este género
podemos nombrar a G. Meyerbeer con "Los Hugonotes" o G. Bizet con "Carmen"
basado en un tema español en la que el autor utiliza danzas y temas populares.
LA OPERETA
Estilo de ópera en la que se intercalan fragmentos cantados con otros hablados y
normalmente sus argumentos son de carácter humorístico. Destacan compositores
como J. Offenbach con "La bella Helena" y "Los cuentos de Hoffmann"
ALEMANIA
Durante la primera mitad del siglo XIX se desarrolló en Alemania una ópera inspirada
en los ideales expuestos por los poetas y filósofos alemanes. Serán óperas con
argumentos legendarios en los que la naturaleza y lo sobrenatural adquieren un papel
protagonista. Destaca en esta época la obra de C. M. von Weber, al que podemos
considerar el iniciador de la ópera romántica en Alemania. Su obra más conocida es
"El cazador furtivo".
Sin embargo, la gran figura de la ópera alemana es Richard Wagner, que en una
primera época enlaza con la tradición romántica, pero dará paso después a una gran
reforma del género de enorme trascendencia en toda la música posterior. La idea de
Wagner es crear un "drama musical" continuo y con ese nombre se conocerán las
creaciones operísticas de este autor. Algunas de las características de su drama
musical son las siguientes:
La ópera para Wagner es "La obra de arte total", ya que busca la fusión de todas las
artes (poesía, música, escenografía, acción,...) que se aglutinan de manera
inseparable en sus obras.
Utilización de técnicas como el leitmotiv, que es un motivo musical recurrente para
representar personajes, hechos, situaciones,...
Utiliza la melodía infinita, que no se interrumpe, sin un fraseo regular que marque
candencias claras, para dotar de mayor dramatismo a su obra.
La música está al servicio de la expresión dramática. La orquesta tiene un papel
principal en el desarrollo y explicación de la acción.
Larga duración, ya que muchas de sus obras pueden sobrepasar las cinco horas sin
interrupciones.
Algunos de los dramas musicales más importantes de Wagner son "Tristán e Isolda",
"Tannhauser" y "El anillo de los Nibelungos" , esta última es una tetralogía, es decir,
es un ciclo de cuatro obras juntas.
ESPAÑA
En España, hasta el siglo XIX hay una gran influencia de la ópera italiana, hasta el
punto de que muchos compositores e intérpretes italianos van a presentar sus obras
en las cortes y teatros de nuestro país. Pero hacia el segundo cuarto de siglo se
intenta revitalizar un género propio que hasta ahora no había tenido gran éxito: La
Zarzuela.
Recordemos que la zarzuela española no es una ópera como tal, ya que intercala los
fragmentos cantados con los hablados. Los argumentos de este género suelen ser
cotidianos y cercanos al público, con notas cómicas abundantes. El lenguaje que se
usa es también sencillo y asequible para espectadores sin grandes conocimientos
musicales.
Francisco Asenjo Barbieri es uno de los compositores que inicia la recuperación del
género con la llamada "Zarzuela Grande", obras largas en tres actos con frecuente
uso de coro y predominio de las partes cantadas sobre las habladas. Estas obras
contaban con un amplio despliegue de medios técnicos y escenográficos. Entre sus
obras podemos destacar "El Barberillo de Lavapiés", "Jugar con Fuego" y "Pan y
toros".
A partir de mediados de siglo y en gran parte por motivos económicos, la zarzuela se
hace más simple y popular. Se crea así el denominado "Género Chico", que se
desarrolla en un sólo acto, reduce el número de personajes y el despliegue de
medios. En este género predominan las partes habladas sobre las cantadas. Es por lo
tanto una zarzuela más económica que hizo furor entre las clases más populares.
Los autores principales de este género son Federico Chueca con zarzuelas muy
conocidas, como "La Gran Vía" y "Agua, azucarillos y aguardiente", Tomás Bretón con
"La verbena de la paloma" y Ruperto Chapí con "La Revoltosa" entre sus obras más
destacadas.
GÉNEROS MUSICALES
EL LIED
Se trata de un género menor (de poca duración) que se convirtió en una de las
principales formas vocales de la música romántica ya que normalmente era
compuesta para el disfrute en veladas musicales íntimas.
El lied (lieder en plural) es una denominación alemana que significa canción. Es una
forma breve escrita para voz y piano sobre un texto poético ya existente. Su principal
característica es la fusión entre el texto y la música. El lied era muy apreciado por el
público porque en los conciertos creaba una atmósfera íntima propiciada por la
belleza y expresividad de sus melodías. El piano se ponía al servicio de la melodía del
cantante.
Existen varios tipos de lied, siendo el más frecuente el estrófico, caracterizado por
repetir la misma música en todas las estrofas (A-A-A,..). También es común la forma
bipartita de dos secciones que se van repitiendo (A-A-B-B) y la forma tripartita en la
que la tercera parte era repetición de la primera (A-B-A)
Entre los compositores más destacados de lieder hay que citar a F. Schubert, que a lo
largo de su vida realizó más de 600. Más tarde cultivarán esta forma otros autores
como Hugo Wolf o Gustav Mahler.
LA MÚSICA DE CÁMARA
La música de cámara en el Romanticismo alcanzó su máximo desarrollo, debido, en
gran parte, a que se hizo accesible a la burguesía y a la constante demanda de obras
para interpretar en familia o entre amigos.
A lo largo del siglo XIX, la mayoría de los compositores escribió obras de cámara,
desde dúos (para dos instrumentos, como por ejemplo el piano y la flauta), tríos
(piano, violín y violonchelo),...hasta nonetos (nueve instrumentos de cuerda y viento);
sin olvidar el cuarteto de cuerda típico del Clasicismo (dos violines, una viola y un
violonchelo), que siguió ocupando un lugar destacado en esta época.
Muchas de estas obras eran sencillas y así las podían interpretar grupos de
aficionados en las reuniones íntimas que realizaban en sus propias casas.
LA MÚSICA PARA ORQUESTA
La orquesta del siglo XIX se convirtió en la gran protagonista de la época. Casi todos
los compositores escribieron obras musicales para este tipo de formación.
La orquesta romántica, denominada orquesta sinfónica, estaba integrada por un
número de intérpretes que solía oscilar entre los 60 y 75 instrumentos de las tres
familias. No es extraño, sin embargo, encontrar a finales de siglo obras que requerían
100 o más músicos. Los mecanismos técnicos de los instrumentos de viento se
perfeccionaron y los compositores comenzaron a considerarlos tan importantes como
los de cuerda.
Debido a la constante demanda de conciertos públicos el número de orquestas se
multiplicó por toda Europa, hasta el punto de que las grandes ciudades contaban con
varias orquestas sinfónicas que realizaban giras por toda Europa con una acogida
extraordinaria.
Las tres grandes formas de orquesta que se van a dar en el Romanticismo fueron:
LA SINFONÍA
Durante el siglo XIX continúa cultivándose esta forma que en el Clasicismo había
estructurado perfectamente su contenido. Todos los grandes autores componen en
este periodo numerosas sinfonías. Poco a poco, los compositores se van a ir
liberando de los esquemas formales clásicos explotando con gran efectividad la
riqueza técnica de los instrumentos.
Las sinfonías serán cada vez más largas y complejas aspirando a conseguir el
máximo rendimiento de los recursos tímbricos de las grandes orquestas sinfónicas de
la época.
Entre los compositores más importantes de sinfonías destacamos a F. Schubert, F.
Mendelssohn, A. Bruckner, J Bramhms y como no, la figura protagonista,
L.V.Beethoven, que creó sus últimas sinfonías en las que deja ver un gran espíritu
romántico.
EL CONCIERTO PARA SOLISTA
El Romanticismo es un periodo muy fructífero para este género instrumental. Se
escribieron numerosos conciertos para solista y orquesta, en los que el solista podía
ser cualquier instrumento. Se conservan conciertos para clarinete, oboe, flauta,
violonchelo,...; sin embargo los instrumentos más destacados y para los que más
música de este tipo se compuso fueron el violín y el piano.
CONCIERTO PARA PIANO Y ORQUESTA:
Los conciertos de piano destacan por los extraordinarios momentos de lucimiento que
se esperaban de la parte solista. Era el preferido de los compositores románticos, ya
que era capaz de aunar en una sola forma la riqueza tímbrica de la orquesta, el
virtuosismo del instrumento solista, el carácter íntimo y expresivo del piano y las
grandes posibilidades técnicas de este instrumento polifónico. Entre los compositores
del siglo XIX que escribieron conciertos para este instrumento destacan L.V.
Beethoven, F. Chopin, R. Schumann, F. Liszt o J. Brahms.
CONCIERTO PARA VIOLÍN Y ORQUESTA:
Aunque menos numerosos que los de piano, también los conciertos para violín y
orquesta ocuparon un lugar destacado. A partir de la revolución técnica del violín,
propiciada por N. Paganini, las exigencias de virtuosismo del instrumento se
multiplicaron. Como en el caso del piano, las obras para violín exigían un gran lirismo
en la interpretación de sus melodías además de una virtuosa técnica instrumental.
Entre los compositores que escribieron obras para este instrumento podemos
destacar a L.V. Beethoven, P.I. Tchaikovski, J Brahms o N. Paganini, conocido, este
último, por ser el mejor violinista de la época y en ocasiones el único capaz de
interpretar sus propias obras.
LA MÚSICA PROGRAMÁTICA
La búsqueda de músicas más libres y abiertas, y en definitiva más adecuadas para la
expresión romántica, dará lugar al desarrollo de la música programática o descriptiva,
que ya no se construye a partir de criterios formales sino de criterios extramusicales
(novelas, historias,...).
Ya sabemos que el hecho de utilizar la música como lenguaje descriptivo no es una
novedad (recordemos "Las cuatro estaciones" de Vivaldi), sin embargo, es ahora
cuando surge como género nuevo capaz de materializar ese poder de la música.
Nacen así dos nuevas formas de música programática: la sinfonía programática y el
poema sinfónico.
LA SINFONÍA PROGRAMÁTICA:
Es una sinfonía que en lugar de basarse en una estructura formal, se desarrolla en
torno a la descripción de un programa o argumento, generalmente de carácter
literario. El creador de este género es el compositor francés H. Berlioz con su obra
"Episodios de la vida de un artista. Sinfonía fantástica", en la que narra su amor no
correspondido hacia una actriz inglesa a la que convierte en música. La sinfonía
programática es una obra de larga duración (varios movimientos) y normalmente el
autor introduce el texto al principio de la obra que sirve de guía de la misma.
EL POEMA SINFÓNICO:
Es una composición en un sólo movimiento basada en elementos poéticos o
descriptivos. El creador de este género es F. Liszt que en su obra "Preludios" describe
unos poemas de Lamartine titulados "Meditaciones poéticas". Este nuevo género de
música será cultivado por compositores románticos y en especial nacionalistas, entre
los que destacamos a Mussorgsky, N. Rimsky-Korsakov, R.Strauss, C. Saint-Säens o
P. Dukas.
LA MÚSICA DE PIANO
El piano, era el instrumento preferido de los compositores románticos y de muchos de
los amantes de la música de ese periodo. Ello era debido a las siguientes razones:
La burguesía accedía, en gran medida, a la práctica y los conocimientos musicales.
Era frecuente que en los hogares de las familias con cierta cultura hubiese un piano
puesto que era sinónimo de elegancia y poder. Los familiares solían reunirse para
interpretar música o para celebrar tertulias en torno a él.
Por ser un instrumento armónico, tenía la posibilidad de tocar varias notas a la vez y
esto le permitía interpretar reducciones de obras de orquesta, coro o cámara.
Muy pronto, por sus cualidades sonoras y técnicas, los románticos vieron en el piano
un medio de comunicación ideal para expresar sus pasiones y sus sentimientos
mediante la música.
A lo largo del Romanticismo coexistieron dos tendencias en la interpretación
pianística:
Virtuosismo: Se trata de explotar al máximo las posibilidades técnicas del instrumento.
Solían ser obras de larga duración que buscaban ante todo el lucimiento del artista
desarrollando plenamente el colorido sonoro del instrumento. Se trata generalmente
de piezas de difícil ejecución. Algunas de estas formas son los estudios (piezas para
desarrollar una determinada técnica), sonatas (mucho más libres formalmente que las
del Clasicismo), variaciones (en las que la improvisación jugaba un papel
protagonista),...; algunos de los compositores más representativos de este género
fueron F. Liszt, reconocido por algunos como el mejor pianista de la época, o F.
Chopin, que también abordará el piano lírico.
Lirismo: Los compositores no buscan la complejidad, sino expresar estados de ánimo
o sensaciones en obras muy poéticas. Suelen ser obras cortas y en apariencia
sencillas de ejecución, que transmitían el verdadero carácter romántico de la época.
Entre los compositores más destacados de este género podemos hablar de F. Chopin
o de R. Schumann que crearon piezas que se denominaron momentos musicales,
escenas de niños, baladas, nocturnos,...
Algunos compositores, promovidos por el espíritu nacionalista, realizaron obras en las
que recurrían a danzas o temas populares de sus territorios como los valses, las
polonesas o las mazurcas.
