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Blog Comunicación ITESO http://blogs.iteso.mx/comunicacion/ Investigación y redacción de artículos periodísticos en materia cultural para el blog de la carrera de Ciencias de la Comunicación del Instituto Tecnológico de Estudios Superiores de Occidente (ITESO). (2010- )TRANSCRIPT
Patriotismo visual de
Gabriel Figueroa en
el Museo de Arte de
Zapopan
“Estoy seguro de que si algún mérito
tengo, es saber servirme de mis ojos,
que conducen a las cámaras en la
tarea de aprisionar no sólo los
colores, las luces y las sombras, sino
el movimiento que es la vida.”
Gabriel Figueroa, 1971
Hablar del cinefotógrafo mexicano Gabriel Figueroa es rememorar una trayectoria vigente en
luminosidad, oscuridad, horizontes y patriotismo. El repaso crítico de la realidad nacional visto
desde el lente de éste retratista capitalino abarca más de medio siglo en la historia de la
cinematografía mexicana. Figueroa nos brinda la posibilidad de reflexionar sobre el cine como obra
colectiva, esfera urbana y expresión universal.
Gabriel Figueroa fue oriundo de la Ciudad de México, nació en el año de 1907 y falleció en 1997.
Sus primeras intervenciones en el cine datan de labores como stillman (fotógrafo de tomas fijas) en
cintas nacionalistas como “Revolución” de Miguel Contreras. El reconocimiento de ésta tarea fue
de índole internacional, al ser contratado, un año más tarde, como uno de los 20 camarógrafos que
participaron en la producción de Howard Hawks, Viva Villa!
Tras algunas participaciones como iluminador,
el afamado director de fotografía de la película
Citizen Kane, Gregg Toland, vio en Gabriel
Figueroa un ferviente discípulo en tareas
enfocadas a la dramatización de la luz, el
empleo de la profundidad de campo, la
aplicación creativa de la óptica y una avanzada
composición.
Figueroa fue el encargado de la estructura
visual, el manejo del encuadre y estética en
claroscuros de un total de 211 filmes,
obteniendo múltiples galardones. Conjuntamente a las películas que realizó a lado de Emilio "El
Indio" Fernández, dos de sus compromisos más notables fueron "Los Olvidados" en 1950, de Luis
Buñuel, y "La Noche de la Iguana" en 1964, del director estadounidense John Huston, cinta que le
valió una nominación al Premio Óscar por mejor fotografía. Finalmente, en 1971, fue condecorado
con el Premio Nacional de Bellas Artes.
Su multifacética labor emblemática fue definitiva en la cimentación de un panorama visual sobre el
cual, hasta la fecha y por muchos años más, se expondrán los imaginarios de un México post-
revolucionario.
Desde el 15 de marzo y hasta el 15 de junio del presente año, El Museo de Arte de Zapopan (MAZ),
junto con el Festival Internacional de Cine en Guadalajara, Fundación Televisa, el municipio de
Zapopan y Cultura U de G, colaboran en una exposición llamada “Gabriel Figueroa, Cinefotógrafo”
que alberga 350 obras del fallecido retratista, a través de 17 núcleos temáticos comunicados entre sí.
Además, MAZ Cine invita al público a un ciclo cinematográfico de Gabriel Figueroa. Las
proyecciones se están llevando a cabo en un horario especial (6 pm.) los martes en el Auditorio Juan
José Arreola del MAZ, y el acceso es totalmente gratuito, mientras que los sábados las funciones
inician a las 12:00 horas, contando con el boleto del Museo.
El Museo de Arte de Zapopan (MAZ) se encuentra ubicado en Andador 20 de Noviembre #166 en
el centro histórico de ese municipio y abre sus puertas de martes a domingo de 10 am. a 6 pm.
LCC. Alejandro Oliveros Acosta
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14.05.2010
Pete Rock’s ¡Sal Del Garage! Concurso de Bandas en
Guadalajara en Aloha Bar
¿Qué hace diferente a tu propuesta musical de
las demás promesas? Ésta es la primera pregunta
que todo aspirante a ésta convocatoria tiene que
hacerse por ley. PETE ROCK’S es un concurso
que tal vez se perciba como uno más del montón
en la ciudad, pero la característica especial de
este evento es la firme intención de apoyar a las
bandas que van empezando desde abajo. ¡SAL
DEL GARAGE! es el eslogan de ésta
convocatoria y el banderazo al primer paso de
interacción de bandas “desconocidas” con los
medios de comunicación y celebridades del
género, y lo más importante, invitar al
participante a ahondar en la autoexploración y
explotar la originalidad con el fin de
profesionalizar sus habilidades en la escena
musical.
PETE ROCK’S ofrecerá apoyo a sus
participantes con grabaciones de estudio
profesional, caso contrario a otros concursos en
donde comúnmente se ofrecen grabaciones
caseras y promesas extraordinarias que rayan en
la fantasía comercial. Además se celebrarán
convivencias, semana a semana a lo largo de un
mes, con bandas de rock consolidadas y medios
de comunicación de la ciudad.
La primera eliminatoria será el sábado 26 de junio de 2010, siguiendo cada sábado por semana
hasta finalizar con el gran cierre el día 24 de julio. Todas las eliminatorias comenzarán a las 5 de la
tarde y culminarán a las 10 de la noche. Los premios consistirán en:
Primer Lugar: 3 Días de Grabación, 24 Horas de Estudio.
Segundo Lugar: 2 Días de Grabación, 16 Horas de Estudio.
Tercer Lugar: 1 Día de Grabación, 8 Horas de Estudio.
Podrán participar todas aquellas bandas que estén enfocadas al género rock en todas sus
dimensiones, sin importar la edad de los integrantes, ni género sexual de estos. Tendrán que
participar con 2 canciones totalmente originales y un cover libre, teniendo sumo cuidado en los
puntos creativos y disciplinarios a calificar:
Presencia Escénica.
Desenvolvimiento Escénico.
Letra.
Composición Musical.
Técnica.
Métrica.
Originalidad.
De las bandas participantes en las 4 eliminatorias, surgirá el quinto, sexto, séptimo y octavo lugar,
los cuales conseguirán un tema a grabar por cada grupo, al mismo tiempo que se realizará un
copilado de las mejores 8 bandas que hayan participado. El material se hará llegar a cada
agrupación una vez terminado el tiempo de grabación de las 8 bandas. Al final, cada banda será
acreedora a un diploma por su participación dentro del primer concurso de rock PETE ROCK’S.
La inscripción tiene un costo de $1600.00 pesos por banda, cantidad que se podrá recuperar en base
a ventas de boletaje, tarea que se manejará de la siguiente manera:
Se entregarán 40 boletos a cada agrupación con un costo de $40.00 pesos cada uno; el dinero de la
inscripción se tendrá que solventar máximo con una semana de anticipación, el boletaje será para
que las bandas puedan recuperar dicha cantidad. Se permitirá liquidar la venta de boletos el día de
su presentación en el exterior de las instalaciones donde se realizará el concurso, sin embargo, sí se
tendrá que aportar el dinero con una semana de anterioridad, cantidad que será destinada para
costear la renta del lugar, el tiempo de estudio, la renta del equipo y la publicidad.
Básicamente, PETE ROCKS’ busca apoyar la originalidad de las bandas nuevas que están luchando
por abrirse puertas con sus propios temas. La gente admira lo original, porque al serlo se está
manifestando la credibilidad en uno mismo, en la forma de asumir los retos, se afirma la posibilidad
de cambiar un orden determinado a voluntad. Se deja claro que no se necesita imitar ya que existe la
capacidad de construcción de un producto propio. Nosotros ofrecemos a los aspirantes la
explanación de ésta alternativa, con el plus de que nuestro jurado contará con destacados integrantes
de los medios de comunicación y el ámbito de la música rock, comprometidos al 100% con el
apoyo a las nuevas propuestas.
PETE ROCK’S se realizará todos los sábados entre el 26 de junio y el 24 de julio de 2010 en Aloha
Bar, ubicado en Periférico Sur #75, entre Av. López Mateos y el ITESO.
Inscripciones y más informes:
René Moisés Guillén Rodríguez
Cel. 044 331 247 5506
LCC. Alejandro Oliveros Acosta
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14.05.2010
Le Tigre, resistencia electro-punk-feminista en
Guadalajara
Uno de mis temas favoritos del Indie Rock, “New Kicks”, no sólo es una interesante pieza musical
construida con las voces auténticas de protesta mediante riffs de guitarra e irregulares ritmos de
tambor, también es un lustroso ejercicio de protesta radical, un homenaje a la resistencia, y por
consiguiente, un reflejo de la profunda convicción que Le Tigre muestra ante las demandas
artísticas, políticas y los múltiples intereses que intervienen en los medios de comunicación ante las
constantes construcciones ficticias de la realidad social.
El concepto de proceso democrático
también se describe cómo el
desempeño laboral en conjunto,
situación que hace tan difícil el
atribuir papeles fijos a los
miembros individuales de ésta
agrupación. Cada pista es el trabajo
en equipo. Los discos van y vienen,
pero cuando se consuma la
creatividad en ritmos, teclados,
guitarras y voces, no hace falta más
que 3 álbumes concisos para
criticar el sistema económico-
político-social occidental: Le Tigre
(1999), Feminist Sweepstakes
(2001) y This Island (2004).
Éste último álbum estampó erróneamente en Le Tigre el adjetivo de feminista en el mal sentido de
la palabra, sólo por tratarse de 3 mujeres al frente del concepto creativo, hecho que algunos sectores
de crítica refieren como música de protesta minoritaria a partir de insulsas letras de mujeres
izquierdistas e inadaptadas. Pero esto solo demuestra el desconocimiento de la banda por parte de
éstas fracciones de críticos al ignorar que Le Tigre está complementado por DJ’S de sexo
masculino, cuyo resultado de esa estrecha colaboración es un sonido híbrido de gran atractivo que
se hace llamar "música punk-electrónica feminista".
Le Tigre ahonda en la ideología de un
progresismo necesario y la indagación de la
igualdad social a través de los derechos de la
gente, frente a acaparamientos privados y a un
enfoque tradicional de la sociedad, personificados
por la clásica derecha. En general, la ideología de
ésta banda tiende a promover una sociedad
intercultural, laica, liberal e igualitaria, a través de
historias terribles que rayan en la ficción, pero que
no dejan de ser parte de la esfera social. Toda ésta
tendencia de Garage Rock Conceptual en sus
letras está acompañada de un sinfín de mezclas y
descargas de cajas de ritmos, sintetizadores,
zumbidos y loops de guitarra que provocan que el mensaje se haga vigente en sus receptores a
través de múltiples sensaciones corporales.
Es muy notoria la intención de Le Tigre en recabar mayor influencia en la cultura general, ya que
cada miembro de la banda también participa en otros proyectos y mantiene estrechos vínculos con
la superposición, el arte feminista y la escena musical: Kathleen Hanna, pionera del movimiento
Grunge noventero Riot Grrrl con Bikini Kill, JD
Samson, fundadora de grupos de perfomances
artísticos y Johanna Fateman, editora de una revista de
contra-cultura y miembro de colectivos artísticos en
pro de la mujer.
Cuestiones polémicas y fundamentales en la sociedad
actual como el matrimonio de homosexuales, el
derecho al aborto y una guerra estadounidense que no
ha ganado la paz sino más que en el corazón del
debate, son muestras que hacen vigente la presencia de
Le Tigre en la cultura occidental por ya 11 años, aún
tras un período sabático de los estudios musicales.
JD Samson de Le Tigre, acompañada de The Wookies y el live act tapatío Monstruo se presentarán
en Bar Américas Werehouse (Calle 2, Parres Arias esq. Periférico) éste miércoles 12 de Mayo de
2010 a las 21:30 hrs.
LCC. Alejandro Oliveros Acosta
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11.05.2010
¡Adiós, Querido Cuco! Duelo en la puesta en escena
Para un niño, la pérdida de un ser amado es uno de los
sucesos más significativos de su vida y puede originarle un
conflicto emocional de grandes magnitudes. Tras el deceso
de alguien apreciado, el niño percibe una etapa de dolor
que incluso puede ser más intensa que para un adulto. El
infante puede experimentar ésta situación por primera vez
en su vida al perder a su más fiel cómplice de travesuras y
juegos: su perro. Tristeza, culpa, negación, desesperación y
shock son emociones comunes ante dicha pérdida. Puede
ser que el niño no esté listo para el rigor y la persistencia
de estas emociones o la precipitación con que su estado de
ánimo puede variar. Pero, ¿cómo demostrarle a un
pequeño que dichas emociones son sanas y apropiadas y le
extenderán la mano para desafiar su pérdida?
El argumento, escrito por la periodista mexicana Berta
Hiriart, sugiere un método de fácil comprensión, a través
de una obra nacida en la mismísima Guadalajara, ¡Adiós,
Querido Cuco!, la cual es llevada a escena por la directora
Susana Romo, cuyo propósito vital es apoyar a los nuevos
talentos del teatro enfocados a la dirección escénica. Cabe
mencionar que para la realización de ésta obra, Susana
Romo ha sido asistida por expertos en teatro como Perla
Szuchmacher, perita en propuestas orientadas al público
infantil, además de estar aconsejada por Fausto Ramírez,
director de la agrupación A la Deriva Teatro.
La historia parte de cuatro personajes, acontece a lo largo
de un año y se encuentra conformada por siete escenas. La trama, entre risas y sentimientos
encontrados, dirige a los niños al reto de una fábula en la que sólo se pueden obtener ganancias
confiando en los demás y procediendo responsablemente. Para los pequeños, la alternativa de
situarse a fondo en las entrañas de un personaje, favorece una interacción profunda con el mensaje
meta de la obra.
¡Adiós, Querido Cuco! describe cómo una niña de siete años, y su abuela sobrellevan la muerte de
su perro Cuco. Mientras el animal parte hacia una nueva esfera, la niña, muy a su manera, narra una
madura postura de cómo los seres humanos nos despedimos de la vida progresivamente mientras
existimos, hasta que finalmente, los personajes reconocen la pérdida de su querida mascota.
El sentido de ésta obra es de suma importancia para un individuo, ya que la muerte es una etapa
inevitable en la que cualquier ser humano (y no solo un pequeño) debe permitirse la expresión de
las emociones que éste acontecimiento trae de la mano. Comúnmente, la muerte es una cuestión que
se evita, se ignora o se niega su presencia. Al principio puede parecer ventajoso alejarse del dolor,
pero lo que no se puede evitar es el sufrimiento a lo largo de mucho tiempo. En algún momento,
esas emociones requerirán ser afrontadas o, de lo contrario, podrían llegar a causar un malestar
físico o emocional.
¡Adiós, Querido Cuco! abre sus puertas en la ciudad de Guadalajara y el Estudio Diana es la sede,
ubicada en Av. 16 de Septiembre #710, cada domingo de mayo a las 13 hrs. Tiene un costo de $80
general y $60 para niños, estudiantes y personas de la tercera edad.
LCC. Alejandro Oliveros Acosta
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05.05.2010
Cine experimental, lenguaje cinematográfico sin normas
Ballet Mecánique del francés Fernand
Leger es considerada la primera película
de cine arte de la historia. Leger era un
pintor loco, dadaísta, que hace una
película sencilla de cinco minutos con
collage y círculos; se trata de una
bailarina moviéndose con fotos
estáticas. Era una sinfonía poética con
imágenes y sin narrativa alguna. 1
Experimentalismo se puede definir
mejor por la negación. A los cineastas
experimentales no los une más que la
marginalidad, y esta característica les
permite autonomía, así como repensar la
historia y la situación de todo el cine.
El cine experimental es aquel que se encamina en busca de un lenguaje cinematográfico propio, de
desarrollar un arte inseparable del propio medio de expresión elegido y que utiliza los medios para
poner en imágenes éstas ambiciones.
Algunas de sus características generales de éste tipo de cine son: a) la expansión de las normas
restrictivas y arbitrarias del cine comercial (género, duración, soporte). Cada filme experimental se
organiza de acuerdo con una lógica que le es propia; b) posee una narración compleja, fragmentaria,
no construida e inexistente; y por último, c) la concepción del filme aflora a lo largo del filme:
experimentación y reflexión; el rodaje y la escritura van de la mano. 2
El filme es ante todo algo personal: el cineasta
no sólo integra todas las líneas creativas del
filme sino que muchas veces las efectúa él
mismo (tomas de cámara o de sonido, edición,
desarrollo). La autoproducción y el presupuesto
son mínimos; la distribución y la difusión son
mediante vías cooperativas.
El cine experimental toma distancia respecto a
los criterios normativos del cine tradicional, pero
necesariamente, se inscribe en un sistema de
producción y distribución comercial a la vez.
El cine corporal comprende todas las tendencias de los años setenta, como el cine del yo, los diarios
filmados, los filmes militantes, el cine underground, el cine de la materialidad y todos aquellos que
reivindican un cine personal. El cine estructural comprende las grandes vanguardias de los años
veinte, el llamado cine estructural de los sesenta y otras aproximaciones seriadas o minimalistas, el
cine conceptual, el que interroga al propio cine y todos aquellos que reclaman un cine de formas. 3
Un filme experimental es creado por una persona, ocasionalmente un pequeño colectivo de trabajo,
que trabaja con muy poco presupuesto, muchas veces proveniente del propio bolsillo del director o
de pequeñas empresas. Se realiza desde la pasión personal del creador y con el convencimiento de
1 http://www.laprensa.com.bo/fondo_negro/20050116/art01.htm, La Prensa Editores S.A., 2001 2 S., Kofman, El nacimiento del arte. Una interpretación de la estética freudiana, Siglo XXI, Buenos Aires, 1973, Cf., p. 37 3 S. Zunzunegui, Pensar la imagen, Cátedra, Madrid, 1989, Cf., p.71
que el éxito masivo y los beneficios económicos son poco probables. En otras palabras, muy poco
presupuesto significa algo muy diferente de lo que significa para el cine narrativo de estreno en las
salas comerciales como Cinepolis. En el caso del cine experimental, se refiere a cifras de cientos o
de miles y, en muy raros casos, a decenas de miles de dólares.
Estas películas evaden el modelo de producción usual, en el cual las diversas funciones de un
realizador están divididas entre diversos individuos o grupos. Aquí el cineasta es productor,
director, guionista, director de fotografía, camarógrafo, editor, grabador y editor de sonido, o hace
cuando menos dos de éstas funciones.
Este tipo de historias no intentan ofrecer una
trama lineal que se desenvuelva en el espacio
teatralizado de la narrativa convencional. Más
bien, las películas emplean de manera
consciente los instrumentos del lenguaje
cinematográfico para llamar la atención sobre
todo lo demás, y no lo hace en escenas aisladas
o por otras más realistas, todo de un modo que
las primeras sean vistas cual secuencias
alucinadas o fantásticas. Por lo tanto, el filme
mantiene una relación de oposición con las
características estilísticas de los medios de comunicación y con los sistemas de valores de las
culturas tradicionales.
Nunca se ofrece un mensaje claro y unívoco. Mucho más que un filme vanguardista o experimental
se detiene en ambigüedades conscientes, estimula la interpretación múltiple y propone técnicas y
sujetos contradictorios para crear una obra que requiera la participación activa del espectador. Este
tipo de tramas juegan con el espectador de tal forma que lo hacen pensar e incluso resolver dicha
historia a partir de sus propios criterios.4
Éste cine es por naturaleza marginal, aunque su calidad tampoco es proporcional a su grado de
ventaja. La prioridad del videoarte consiste entonces en reconocer al cine por su valor, su historia y
sus aportes, tanto en la historia del cine como en la historia del arte. El cine experimental es ante
todo una práctica y una estética. Es un fenómeno internacional. Pertenece tanto al campo del cine
como al de las artes plásticas.
Históricamente hablando, de 1910 a 1920, toda película que contribuyó al descubrimiento y
perfeccionamiento de un lenguaje en busca de sus medios expresivos, puede ser considerada
también como experimental, aunque haya formado parte o no de la producción corriente. En 1928,
Luis Buñuel fundó el primer cine club, al que le siguieron otros. A partir de ese momento, un estilo
completamente diferente a lo que se había visto hasta el momento apareció en las pantallas. Todo
fue llevado a cabo de la mano del surrealista Salvador Dalí. A partir de entonces, directores como
Andrei Tarkovsky, David Lynch, Peter Greenaway, Maya Deren, Andy Warhol, entre otros,
continuaron con la tarea de cambiar el sentido a lo que comúnmente muchos llaman CINE.
El cine experimental conforma desde la auténtica obra de arte hasta el peor experimento. Lo que
más abunda, desde luego, son las cintas realizadas por individuos que se consideran a sí mismos
tremendamente vanguardistas, y que con sus filmes intentan sorprender a la gente en lo posible, y si
no comunican nada con su obra, tanto mejor. Contrario a éste vacío de profundidad experimental,
existen cintas clásicas sobresalientes como La Jetée, Meshes of the Afternoon, Woman In The
Dunes, Weekend o Un Chien Andalou.
El cine experimental es tan viejo como el cine mismo. Sin embargo, esa característica no le impide
tener todavía mucho terreno por recorrer, ya que hay gran variedad de temas que aún no han sido
abordados por el cine común. Así, ésta corriente puede practicar aún distintos modos de usar
4 Ch.Metz, Lenguaje y cine, Planeta, Barcelona, 1974, Cf., pp. 101-102
imágenes y formas sin preocuparse de contar una historia ni de crear personajes. Lo interesante
reditúa en que generalmente realizan sin contar con la gran industria. Ni con los códigos de censura.
Ni con sindicatos. Ni con los grandes circuitos de exhibición. Ni con las estrellas. Ni con las modas.
Ni con muchos otros recursos que para otros es indispensable. El mensaje está antes que las
ganancias.
BIBLIOGRAFÍA
KOFMAN, S., El nacimiento del arte. Una interpretación de la estética freudiana, Siglo XXI, Buenos Aires,
1973
METZ, Ch., Lenguaje y cine, Planeta, Barcelona, 1974
ZUNZUNEGUI, S., Pensar la imagen, Cátedra, Madrid, 1989,
http://www.laprensa.com.bo/fondo_negro/20050116/art01.htm, La Prensa Editores S.A., 2001
LCC. Alejandro Oliveros Acosta
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26.04.2010
Eduardo Garrido, cuerdas hispano-contemporáneas
en Guadalajara
Poseer profundas influencias de intérpretes de música clásica
contemporánea de la talla del austriaco Arnold Schoenberg,
György Ligeti o Toru Takemitsu habla de un personaje con
amplio criterio en cuanto a técnica y dimensiones musicales
se refiere. Minimalismo y vanguardia en segmentos para
piano, sonidos etéreos y guitarra eléctrica son los ejes del
elaborado trabajo de uno de los mayores exponentes europeos
en composición de música para cuerdas; Eduardo Garrido.
Garrido es originario de Granada, España y es egresado
honorífico del Real Conservatorio Superior de Música de
Madrid. Su guitarra ha dejado huella en múltiples intérpretes
de cuerdas y ha desfilado por festivales en países como
México, Estados Unidos, Francia, Perú, Australia, Canadá y
desde luego, su natal España.
A lo largo de un par de décadas, Eduardo ha perfeccionado su
técnica gracias al apoyo de guitarristas y compositores como
Dusan Bogdanovic o Leo Brouwer, maestros y compositores
para música de cámara de Yugoslavia y Cuba,
respectivamente.
Las sutiles composiciones de Garrido se caracterizan por el uso aleatorio de formas en sus piezas.
Su extenso trabajo incluye diversos segmentos para guitarra, percusiones, piano preparado y no
preparado, ballet, coros, harpa y varias piezas orquestales. Algunas de sus piezas reflejan la
intención de imaginar varias guitarras fusionándose en una sola y viceversa, hasta el fin de lograr un
sonido comprimido pero de largas escalas.
Gracias a su pasión e inspiración por la pintora Frida Kahlo, en
el año 2006 Garrido fue condecorado con el 1° Premio en el 1°
Concurso Hispano-Luso de Composición para Guitarra “Ciudad
de Bajadoz” en España por su labor en “Pies Para Que Los
Quiero Si Tengo Alas Pa’ Volar”; hecho determinante para
enamorarse de la cultura mexicana.
El maestro Eduardo Garrido reside y deambula constantemente
por diversos estados de la república mexicana como Jalisco,
Nuevo León, Estado de México, Ciudad de México, Puebla o
Coahuila, desempeñándose como docente de composición para
guitarra en el INBA y en la UNAM y como precursor de varios
proyectos para cuerdas, concentrando la música clásica
contemporánea y el folklor español con el espíritu azteca.
Una muestra de éstas composiciones originales llevará el nombre de “Paisajes y Atmósferas:
música para guitarra de Eduardo Garrido” latente en Guadalajara éste próximo 22 de abril de 2010
en el Paraninfo Enrique Díaz de León (Juárez #975) a las 20:30 horas.
LCC. Alejandro Oliveros Acosta
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19.04.2010
Rock psicodélico-experimental, Porcupine Tree en Guadalajara
Adentrarnos en el concepto
Rock Progresivo involucra no
designar un estilo musical
establecido sino diferentes
híbridos de música
experimental elaborada,
comúnmente, con instrumentos
clásicos del rock, y determinada
por una orientación
compositiva e instrumental
peculiarmente ecléctica.
En la última etapa de la década
de los sesenta, nacieron
numerosas bandas innovadoras,
integradas por sólidos músicos
instruidos, que unieron estilos
diversos, formando un nuevo
esquema musical. Había una intención de liberarse de los convencionalismos de los estilos
preponderantes (Pop, Rock & Roll, Jazz, Blues), concentrando componentes que van desde los
propios de la música clásica contemporánea hasta los sonidos folklóricos y étnicos de cualquier
parte del mundo. Esto supone primordialmente la creación de expresiones musicales y líricas
únicas, sin igual en la música ordinaria. Bajo este argumento de revolución estética musical, se
formaron agrupaciones británicas, pioneras en su género: Pink Floyd, Genesis, Deep Purple, King
Crimson, Jethro Tull y Emerson, Lake & Palmer, además de bandas de Kraut Rock alemán, pasando
por renombrados héroes del género de los años ochenta como Peter Gabriel, Kansas, Robert Fripp y
Ozric Tentacles.
La prominencia de ésta constelación de
experimentalistas dio pie a que el Rock
Progresivo mutara en nuevos conceptos
relacionados con el género: El Space Rock, la
Neo-Psychedelia, el Avant-Prog y el Math
Rock, y demás tendencias minimalistas o
electrónicas. Es éste el momento en que
surge Porcupine Tree en cuna de oro
londinense. La evolución y la casi
interminable diversidad de su música revelan
que la idea de “progresividad” presume una
identidad musical enfocada a la exploración
de nuevos horizontes estilísticos más que una
ansiedad por alcanzar un género formal o razonable. De esta forma, el trabajo de Porcupine Tree
fundamentalmente implica un determinado posicionamiento ante el material auditivo, eternamente
inadaptable y exploratorio, más que un estilo en concreto. Con todas sus características, la supuesta
ideología de Porcupine Tree (si es que la hay) parece consolidar los logros más meritorios del
género: el afán de su Rock Progresivo en la búsqueda de crear una democracia entre los géneros
musicales.
La atmósfera de Porcupine Tree, en ocasiones propensa a la imaginación o incluso a la nostalgia
auto-explorativa, corresponde al carácter pacífico y soñador de su guitarrista Steven Wilson, quien
tras separarse de sus colegas de No-Man, retoma sus influencias empíricas y psicodélicas, muy a la
David Gilmour, con la obertura de álbumes del grupo: “On The Sunday Of Life”, realizado entre
1988 y 1991, en compañía del baterista John Marshall.
Tras la inclusión al grupo de un clan de músicos
vanguardistas como Richard Barbieri, Gavin
Harrison, Colin Edwin y Chris Maitland, a lo largo
de sus siguientes cinco obras y a través de la
década de los noventa, Porcupine Tree consigue
con “Stupid Dream” en 1999 su mayor
reconocimiento a nivel mundial gracias a la fusión
con Rock Progresivo setentero (en momentos
asimila los excesos energéticos y a su vez
reflexivos de Rick Wakeman), algo de Jazz y
arreglos orquestales, combinado también con aires
electro acústicos, con una resonancia muy
contemporánea. Material muy recomendado por su originalidad, añoranza y composición sonora
escasamente comercial entre los mexicanos.
La década del 2000 fue bastante fructífera para el grupo ya que consiguieron producir siete
proyectos casi de manera consecutiva y de mayor resonancia ante listas de popularidad
internacional como Billboard. Sobresalen joyas del género como “In Absentia”, “Fear Of A Blank
Planet” y su último material del 2009 “The Incident”, el cual evoca a un “Hemispheres” del grupo
canadiense Rush; un especie de viaje en el que se modula una composición totalmente abierta, y ya
más ordenada mediante movimientos como en la interpretación de un concierto y a la vez logrando
manifestar una línea de progreso gradual y cambiante con el complemento gradual de timbres y
sonidos que toman relevancia en partes concretas de cada segmento o “canción” sin perder sentido
y coherencia en la intención, claro está.
A pesar de sus ya pasadas dos décadas de vida, Porcupine Tree es considerado parte del Post-Rock
internacional, catalogado a menudo como la música clásica futurista, recolocándose intensamente a
partir del comienzo del tercer milenio, conquistando una cantidad de seguidores que sube día a día y
siendo cada vez más reconocida como una de las agrupaciones más profundas del Rock Progresivo
actual. Para fortuna de los tapatíos, éste aventurado pronóstico podremos comprobarlo el próximo
domingo 11 de abril de 2010 a las 20:00 Hrs. en el Teatro Diana de nuestra ciudad.
LCC. Alejandro Oliveros Acosta
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09.04.2010
Fischerspooner en Guadalajara, glamour y perfomance electrónico en el Teatro
Estudio Cavaret
Como parte de la oleada de agrupaciones
alternativas, Guadalajara contará con la presencia
del dueto neoyorkino Fischerspooner, conformado
por Warren Fischer, compositor de profundos
estudios en música clásica y Casey Spooner,
videoasta e intérprete de teatro experimental. Su
actual gira “Between Worlds” atravesará la ciudad
de México y por supuesto tierras tapatías, siendo
ésta la primer presentación del dúo en la ciudad y
que se llevará a cabo éste miércoles 7 de abril de
2010 en el Teatro Estudio Cavaret a las 20:30 hrs.
Éste singular dúo de new wave y electro pop vio la luz gracias a sus intervenciones en galerías de
arte y clubs estadounidenses, entre1998 y principios de la década del 2000, caracterizándose por
incorporar a sus presentaciones extraña indumentaria hecha a mano, sofisticado equipo multimedia,
bailes, glamour, fotografía y demás performances artísticos. Apoyados regularmente por múltiples
interpretes en el escenario, bailarines y vocalistas invitados, Fischerspooner fusiona composiciones
electrónicas digeribles, basadas en pop comercial ochentero de figuras como Kraftwerk, Depeche
Mode, New Order o los primeros trabajos de Pet Shop Boys, con el Neo Electro, resurrección de un
género electrónico creativo de sólidas influencias vanguardistas.
Su single “Emerge” subió hasta el tope en la
preferencia del público europeo, ganando así múltiples
invitaciones a eventos internacionales de moda, arte y
sociedad. El constante deleite por el camaleónico dúo
derivó en la producción de su álbum #1 en 2002, un
sedativo viaje por las arterias de un provocativo mix
de Techno Glitch. Para fortuna de los amantes del
género New Wave, “Emerge” retoma soplos acústicos
muy a la manera de The Human League o Giorgio
Moroder, a la vez que explora acentuadas travesías
minimalistas a la Brian Eno o Autechre.
En 2005, su material Odyssey deambula en terrenos del Indie Rock, fusionado con su particular
Electro Clash, a través de hilarantes piezas de rockeros como David Byrne o los Boredoms, además
de temas propios cuyas letras son más poéticas, reflexivas y ambiciosas, dejando atrás la
personalidad fashionista-irreverente por la que fuesen catalogados y aclarando que su trabajo puede
ser enteramente creíble a tímpanos ajenos al género.
“Entertainment”, su último trabajo producido en 2009, conglomera todas sus influencias del Glam
Rock hasta el más estilístico son de sintetizadores. Todo esto demuestra que el sonido de
Fischerspooner, finamente elaborado en métrica y ritmo, crea atmósferas hipnóticas e impredecibles
perfectas para noctámbulos en busca de nuevas experiencias excitantes, intención primordial del
género Neo Electro, que explora la sensualidad, lo prohibido y la superficialidad de su contenido
lírico.
LCC. Alejandro Oliveros Acosta
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05/04/2010
Estabilidad, Anotaciones Sobre la Gravedad, exaltación a la belleza y al
equilibrio humano: Omar Gámez al desnudo en Casa Escorza
Casa Escorza, Espacio para la Imagen se
viste de gala por la adopción temporal de la
manifestación artística del fotógrafo y
director académico de la Academia de Artes
Visuales (AAVI) ubicada en México, D.F.,
Omar Gámez, célebre por su proyecto del año
2009, The Dark Book, perteneciente a la
colección del Museo Universitario de Arte
Contemporáneo (MUAC) de la UNAM y que
alterna 28 fotografías a blanco y negro que
proponen el rompimiento esquemático de los
encuentros esporádicos entre homosexuales
masculinos en la capital del país, a través de
la sutil y, en ocasiones, ininteligible invasión a la privacidad de sus protagonistas, determinando así
la alegoría de pluralidad sexual de éstos y su proceder en ambientes específicos.
Estabilidad, Anotaciones sobre la Gravedad es el nombre que lleva la actual exposición de
Omar Gámez en Guadalajara, celebrada entre el 18 de marzo y 18 de abril de 2010, con la finalidad
de exteriorizar la belleza del ser humano y su determinación moral y equilibrada en el contexto que
habita. La inestabilidad emocional de tipos físico, psicológico y emocional del ser humano es
representada metafóricamente bajo la influencia de Aleksandr Lyapunov y su Teoría de Estabilidad
de Sistemas Dinámicos.
Amistades del propio fotógrafo son
los actores de las imágenes, concebidas en un
conjunto de paisajes naturales y neutros,
detallados como espacios escultóricos; todo
esto aunado a la desnuda y escasamente
protagónica identidad de los figurantes. Esto
provoca la concentración en la figura humana
y su posición corporal transgresora de toda
ley gravitacional.
La belleza física expresada en su
máxima tensión y serenidad manifiesta la
constante capacidad del ser de sobrevivir en distintos medios, y soportar la tempestad, los retos y
estímulos excesivos, conservando siempre su plena estabilidad física y mental, a través de una
fusión armoniosa entre cuerpo y alma. La representación “real” de los cuerpos mostrados permite
vincular a sus receptores a través de expresivas experiencias íntimas, que se transforman a fin de
cuentas en espejos de sí mismos.
Gámez induce a rehuir, tanto a la cotidianeidad del medio como a la conformidad
dominante en la conducta y los gustos, sugiriendo, por otro lado, amenizar lo más posible el medio
en que vivamos. La alteración de la estabilidad de todas esas figuras desnudas perturba el contenido
moralizante de la manifestación clásica del cuerpo, haciendo hincapié en la inmensa distancia que
existe hacia el perfeccionismo humano.
Estabilidad, Anotaciones sobre la Gravedad sugiere que la naturaleza civilizada del ser no
debe pensarse como “algo” que hay que retener intacto ni como “alguien” cómodamente sumiso y
explotable. Sino que lo ideal sería percibirla como un edén en el que el hombre pueda labrar
pertinentemente a su propia condición. Una utopía en la que el ser humano y naturaleza se
ensamblasen en un orden funcional creativo y anti represivo.
Ésta exposición es de entrada libre y se lleva a cabo de lunes a sábado de 9 a 21 hrs. y los
domingos de 10 a 18 hrs. en Casa Escorza, Espacio para la Imagen, ubicada en Calle Escorza 83-
A.
LCC. Alejandro Oliveros Acosta
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29/03/2010
Circo TV en Guadalajara, una sátira al salvajismo humano
¿Qué es lo que nos diferencia a los humanos de
los animales? El constante instinto de
supervivencia de los animales tiene una finalidad
distinta a la de los seres humanos: el despotismo
y el hambre por la manipulación de nuestros
semejantes a nuestra conveniencia es lo que
faliblemente nos cataloga como los “mejores” y
“más inteligentes” seres vivos.
Circo TV trata específicamente temáticas
de ésta índole. Éste montaje, dirigido por Esteban
García, es una sátira cómica e irreverente que expone terminantemente la metáfora de cómo los
seres humanos poseen una naturaleza brutal por conseguir lo deseado e inevitablemente “necesario”
pésele a quien le pese.
Despectiva, concreta y metafóricamente los seres humanos son representados por una
familia de payasos que residen en una bizarra carpa de circo. La problemática surge cuando
después de registrar a la hija en un famoso reality show televisivo, las incongruencias y ridiculeces
de éste caricaturesco grupo de personas quedan al aire, y al ser elegida ésta por la producción del
programa, el conductor y su insulsa asistente personal se dirigen con los protagonistas para emitir el
evento en vivo con todo lo relacionado a la petición de mano de la novia.
La trama toma su rumbo al arribar la
extraña pareja de la joven; un sujeto cruel,
afeminado y de lento desenvolvimiento,
acompañado por su asfixiante madre,
añadiendo así un exasperante humor negro a
las circunstancias. El surrealismo crece al
intervenir un representante del orden,
encomendado a esclarecer las múltiples
desapariciones que se han llevado a cabo a lo
largo del tiempo en dicho lugar. Lo
inesperado viene cuando las pruebas van
floreciendo poco a poco, manifestando las
turbulentas prácticas de la familia de payasos.
Ésta obra de 90 minutos de duración, cuenta con la participación de los actores Marisol
Gómez, Jesús Hernández, Carmen de León, Elizabeth Solís, Marisol Méndez, Adán Delgado,
Marisa Larios, Memo Hernández, Rafael Cazares, Julio Ávila, y con el presentador Augusto
Carriles.
La representación, apoyada por GayGDL y Cultura UDG, se está llevando a cabo desde el
mes de febrero en el Teatro Experimental, ubicado en Calzada Independencia Sur S/N, col. Núcleo
Agua Azul en Guadalajara, Jalisco. Las funciones que prosiguen se llevarán a cabo el martes 30 de
marzo a las 20:30 hrs. y el miércoles 31 de marzo a las 21:00 hrs.
LCC. Alejandro Oliveros Acosta
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26/03/2010
Roberto Rochín, plegarias por un cine nacional en purgatorio comercial
“El tiempo es más pesado que la más pesada carga que puede soportar el hombre”.
Juan Rulfo
Juan Rulfo, nada más y nada menos que transportado a la pantalla grande a través de tres
narraciones distintas de un México experimentando la modernidad de mediados del siglo XX. Pedro
Armendáriz Jr., Ana Claudia Talancón, Miguel Rodarte y Dolores Heredia son los intérpretes de
Purgatorio, película dramática mexicana, producida y distribuida por Roca Motion Control,
IMCINE y FOPROCINE entre el año 2008 y 2009, bajo un guión a manos de Elías Nahmías,
Tomás Pérez Turrent y el tapatío Roberto Rochín, encargado a su vez, de dirigir éste filme. En estos
relatos, Juan Rulfo aborda temas muy característicos de un México inexperto por asumir los efectos
sociológicos de la modernidad de aquellos entonces: la miseria de un hombre que lo arrastra a
emigrar a los Estados Unidos, una prostituta que razona los efectos de la vida que lleva hasta el día
de su muerte y la obsesión de un hombre por amar a sus seres queridos aún más allá de la muerte.
Orgullosamente
nacido en Guadalajara
Jalisco hace 55 años,
Roberto Rochín se traslada
a Mazatlán Sinaloa, donde
crece la mayor parte de su
infancia y juventud. Cine y
fotografía fueron los
enfoques que dio a sus
estudios en la carrera de
Artes de la Universidad
Loyola Marymount
California, dando como
resultado su primer
cortometraje reconocido,
Stephane Mallarme.
Es muy notorio el hecho de que Roberto Rochín haga hincapié en sus participaciones, tanto
en cine como en teatro, la influencia que el escritor y fotógrafo jalisciense Juan Rulfo ha tenido
sobre él. La multi-dimensionalidad del hábitat del ser humano y la singularidad de los problemas
sociales que ha sufrido el mexicano, son ya temáticas clásicas de la visión y el sentir de Rulfo que
producen una sensación expresionista única y con alma poética en el trabajo de Roberto.
Ulama, el juego de la vida y la muerte (1986) es reconocida internacionalmente por ser su
primer largometraje documental y ganadora de 5 premios arieles, incluyendo mejor filme. A
mediados de los años noventa, Rochín continúa incursionando como director y escritor en
documentales y cortometrajes dramáticos como El misterio de los mayas (1994) y Un pedazo de
noche (1995). A la par, continuó trabajando y colaborando con distintos sistemas de efectos visuales
para animación de cortometrajes mexicanos: Sin sostén (1998) y Hasta los huesos (2001) del
itesiano René Castillo, e Invasión del planeta Mercurio (2004) de Gerardo A. Álvarez. En éste
mismo eje de trabajo, participó en el largometraje ganador de dos óscares, Frida, en 2002.
Más de 5 pesados años fue el tiempo que transcurrió la búsqueda de financiamientos para
que los cortometrajes Un pedazo de noche y El paso del norte cumplieran su proceso de
producción. La carencia de solvencia económica y ayuda por parte del gobierno mexicano, no fue
impedimento para que Rochín, en colaboración con la iniciativa privada e IMCINE, uniera en uno
sólo sus 3 cortometrajes basados en Rulfo, y solventará lo que sería su primer largometraje gracias a
las remuneraciones que distintos festivales le hicieran llegar.
Así, a lo largo de un poco más de dos décadas, Rochín ha recibido distintas
condecoraciones otorgadas por instituciones de alto prestigio como la Academia Mexicana de
Ciencias y Artes Cinematográficas y en distintos festivales como el de Amover de Bélgica, el
World Fest Houston y el Festival Internacional de Cine de Séanle en Estados Unidos, el de Huelva
en España, el Festival Internacional de Cortometraje de Brasil y el Festival Internacional de
Expresión En Corto de San Miguel Allende, Guanajuato.
Desgraciadamente, toda la labor que éste jalisciense ha llevado a cabo a lo largo de más de
dos décadas ha quedado en las sombras gracias a terceros. Su gran talento no se mide con el
ostentoso armatoste en que se han convertido los intereses comerciales progresivamente. Por lo
tanto, Roberto Rochín se une a la constante y triste voz de cineastas mexicanos truncados por la
apatía de los distribuidores y exhibidores en México que sólo dan cabida a filmes comerciales
extranjeros. Purgatorio corrió la lamentable pena de pasar casi desapercibida por las salas de
exhibición nacionales; diez años duró la planeación de ésta cinta, una semana su exposición.
Roberto reconoce que mientras las autoridades no regularicen el proceder de éste sector comercial
ávido de faenas estadounidenses, el cine mexicano contemporáneo continuará en una cruda
desventaja en audiencia popular.
LCC. Alejandro Oliveros Acosta
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26/03/2010
La expresión de una discapacidad, exhibición interactiva
en Trompo Mágico
Niños pequeños de cuatro años hasta muchachos de 23 años son los protagonistas de ésta
exposición de 55 obras realizadas en papel, óleo, tela, acrílico, entre otros materiales, mostrados en
los muros del Museo Interactivo Trompo Mágico. La galería, abierta al público en general desde el
21 de enero de 2010, muestra las habilidades gráficas de niños y jóvenes del Centro de
Rehabilitación Infantil Teletón (CRIT).
Las imágenes proponen
un vestigio ingenuo en la
manipulación de distintas
formas, en la aplicación del
color, la designación de
materiales y por supuesto, en la
elección temática, pero todos
estos elementos surgen desde
una consistencia estilística
particular que ofrecen esa
fascinación en las imágenes de
los pequeños y jóvenes. Las
travesuras ingenuo-visuales en la
construcción de sus temáticas
conceden a las imágenes de sus
singulares autores una simpatía,
chispa e interés visual. Estos componentes, ligados a la fuerza del color y la dinámica presentación
compositiva manifiestan el sello auténtico de La expresión de una discapacidad. Apasionados de
los animales y la naturaleza, éstos jovencitos exteriorizan posturas y determinaciones profundas que
captan la simpatía del observador, siendo la misma emoción que embarga a sus hacedores.
Las representaciones en base a círculos, líneas y formas heterogéneas facilita el proceso de
actividad mental en apreciación del entorno. La percepción de sus autores no es del todo pasiva,
sino que procede como arquitecta de la imagen, que se conforma desde la fantasía vacilante por la
construcción social. Las personas con disposición mental alterada profundizan en realidades a
través de los efectos de su imaginación, permitiéndoles en relación a esto, con las representaciones
pictóricas, la creación de un mundo muy personal que atrapa al sentido común de sus espectadores.
Esto hace de La expresión de una discapacidad una exposición muy particular para el
público en general, ya que no sólo aborda el deleite visual de sus receptores, sino que los hace
partícipes al facilitarles el ingreso al taller Los colores de todos, donde se podrán confeccionar
dibujos a la par de simular diversas discapacidades.
La exhibición permanecerá abierta al público en general hasta el jueves 25 de marzo de
2010 dentro del Museo Interactivo Trompo Mágico, ubicado en Avenida Central #750, en Zapopan,
Jalisco.
LCC. Alejandro Oliveros Acosta
http://blogs.iteso.mx/comunicacion/
24/03/2010