IB DP Visual Art Exhibition 2016

Congratulations to the class of 2016 visual arts students!   This exhibition is the culmination of more than 18 months of thinking, earning, experimenting, planning and refining. Our 15 IB DP visual artists also had the dubious honor of being the first cohort to undertake the ‘new’ DP course, which required them to create artwork and curate their own exhibition, in addition to compiling a process portfolio demonstrating their ability to apply the creative cycle, and complete a comparative study of artworks from different cultural contexts. SL students could exhibit a maximum of 7 works, HL a maximum of 11, which were carefully selected from a broader portfolio on the basis of conceptual or visual cohesion.    The private view of Inside the White Box (named for the gallery space we constructed) was a great success thanks to the support of the school community, including our talented music de‐partment. A short film of the evening was produced by Asia Life Magazine and is available on their YouTube channel.   The work on display represents many hundred hours of work, but only scratches the surface of what our students undertook. It has been a privilege to work with such a committed, interest‐ing and thoughtful group of young people and I hope that wherever your future takes you re‐member that you are most empowered when you take the opportunity explore, reflect, refine and learn from experience as you have this year.                                          Laura Thomson 

         

 

 

 

 

The 2016 DP Visual Art Show, 

Inside The White Box, was 

exhibited in a pop‐up gallery at 

the heart of the school site and 

was planned, curated and 

marketed by our students. 

 

The private view invita on and 

poster campaign, comprising 15 

personalized posters, were created 

by HL student Dai as part of his 

exhibi on work. 

My exhibi on is inspired by the erup on of Mt Vesuvius in AD79. It started when I got a chance to read Pliny 

the younger’s le er to his friend, describing the erup on of Mount Vesuvius. It came to my mind the mysteri‐

ous behind a ermath of Pompeii. Pliny the younger’s sense percep on and language described the disaster. I 

thought it’s mysterious to think that if the le er lacks in reliability, I would use my imagina on to describe 

the Pompeii in terms of mystery. 

I had an experience in which using pumice, a volcanic rock, as a main material for the art pieces. I applied the 

experience to emphasize the texture of Pompeii. The work starts by petrified individuals to the landscape of 

the Pompeii. Overall, the pieces have an atmosphere of mystery behind the dreadful catastrophe.  

JAEWOO 

SL Student 

Pompeii, Spray Paint, acrylic paint, pumice medium and plaster on canvas, 100 x 100 cm This work is a landscape of mountain Vesuvius which was the reason for disaster in Pompeii. I used Plaster relief to add graffiti originated from Pompeii. It is to show people in Pompeii’s daily life that will emphasize the atmosphere of sorrow. It is thestarting point of the mysterious atmos‐phere. 

 

Ambivalence of Unknown,  Wire, mod roc and spray paint, 49cm x 45.5cm  I intended creating mysterious and creepy atmosphere work. During the research, I was inspired by Pompeii. The texture and pos‐es of dead bodies in the photograph were very similar to my concept mystery. Especially, I questioned myself. Who are they? What are they feeling? This inspired me to focus on the emotion that shows lonesome and desolate feeling of people facing their death in Pompeii.  

Vanish I, II & III, Paint, pumice medium on can‐vas, 60 x 40cm  My aim was to produce piece that contains gloomy, mystery atmosphere. It was inspired by photo of my other work and also an artist Phillipe Rillon. He uses various materials to visual‐ize his work. I followed his way to produce stony and rough texture that’s similar to my photo but in different style. That is, focusing on specific individual in Pompeii’s and to induce an audience to question on mystery atmosphere in my work. Pumice medium was used because it is a volcanic rock.   

Last Stand, Mod roc, glass, sand, 41x13x13 cm Last Stand is a sculpture of last survivor in Pom‐peii. The sand represents the ash from the Mount Vesuvius, creating desperate atmosphere by isolating. Audience will see fragments of the figure through an image of the same figure which will increase the atmosphere of despera‐tion and loneliness and create a sense of looking through layers of time.   

SEOKYOON 

SL Student 

The pivotal concept that I have chosen is the truth. I, myself, as a human think that main goal of whole hu‐manity is to find the truth. So, I wanted to express the willingness of the truth with creating pieces such it includes indescribable phenomena that we experience in our daily life. Thus, I tried to show things related to the philosophical thinking in area of truth. I started with my personal interest on space, where it is not dis‐covered in the time, and then I have developed my thinking to the religion, without escaping from the pivotal concept.  I wanted to show my artworks that it could relate to my pivotal concept so that they can be displayed in or‐der to show development of my thinking and to show the story of how our humanity should approach in the future. I noticed that my artwork shows different spaces such as sky, land, ocean, hell, and universe. So I de‐cided to display them in order of how people usually look at the space. This will help people to understand the concept that my pivotal idea is about the truth.    

Take Off,  Paper sculpture,  41cm x 38cm x 20cm I was inspired by the paper sculp‐ture of Anna Wili Highfield. I de‐cided to make my own horse pa‐per sculpture to express the leap. I have decided to create black horse with cutting out each parts of the horse. I choose horse be‐cause it was one that I have used at the previous artwork and it expressed the leap, where I want‐ed my self to takeoff like a horse to become a better person.         

Cubearth,  Acrylic paint on canvas,   60.5cm x 40.5cm The concept of the movie of the same name shows the gravity on the planet is lower than the planet Earth, resulting some of lands are floating in the air. I found out that the floating lands were similar with the Tetris blocks so I wanted to express the floating lands and Tetris blocks in harmony. I also decided to add landscapes on the Tetris blocks. Adding waterfall to the landscape on the block supports the harmony and the nature of the planet.        

Levitation, Acrylic paint on canvas,  40cm x 95cm I was inspired from my previous art‐works and my dream itself. I wanted to express a dimension of dream where people could imagine when they’re in sleep. I used pots to represent man’s identity because pot is an object that is purposed to put things inside and I thought this would be a human’s mind, which is originated from ocean of mind and the colours and sizes represent each individual’s characteristic and sense of value.    

God’s Man,  Photoshop CS6,  56cm x 42cm I was inspired from animation called “One Piece”. Since I wanted to use religious symbol, I chose Jesus, Buddha, and Muhammad. I had the idea that I might use dices as symbol of god, since dice is matter of randomness. Also I choose to use space as a background since space is unrevealed.     

Demon, Photoshop CS6, 42cm x 26cm I was inspired by “Pan’s Labyrinth” so want‐ed to express a devil as a face‐less monster, so I decided to create my own model. Since, my previous artworks were related to reli‐gion, I wanted to contrast it by showing the devil.  

The Gamer,  Installation, 36.5cm x 36.5cm x 36.5cm I was inspired from movie “Avatar”. I expressed the space with a 3 dimensional black plastic box with one open side. I used chess hors‐es, dices, and cards to ex‐press the galaxy and planets, which symbolize the space in terms of randomness, proba‐bility and plans. I have added LED lighting system to ex‐press the stars while the components inside the box are receiving those lights. 

The Light House,  Clay, acrylic paint, light bulb 36cm x 12cm x 12cm A metaphor for goodness.   

JUNSUK 

SL Student 

My main theme that linked to all of my works is stereotype. I have divided the idea of stereotype into differ‐ent concepts. From these ideas, I have applied different ideas to the each exhibition works in order to cover the most aspects of stereotype. Basically, each exhibition work contains different messages related to stereo‐type. Mostly, I have handled the issues of prejudice in society. Furthermore, I have focused on the human's cognition in the past and present. Several art pieces show a combination of different stereotypes for the comparison. Therefore, my exhibition has an intention to convey different society stereotypes through art‐works which were created using different techniques. 

Desire for the freedom Aluminium wires and glass pollen 89cm x 68cm x 30cm  This piece shows the impact of religion on the woman. Using the steel wire sculpting technique, it shows a sculpture work about a woman, who desperately wants freedom, but impossible to ex‐press in reality due to the repression of religion rules. I used aluminium wires to create a suffocating mood. Then use the hard textures of wire to emphasize that mood, but also made hair movement dynamic to make different mood.      

Sins and Punishments Carved modelling paste on canvas, acrylic paints 30cm x 100cm This piece handles the issues that hap‐pened in the past and current society. I carved the texts from a story in the Bible about a woman who had an adultery sin and Jesus forgiving that sin. The main in‐tent is to criticize a situation when people try to convict others due to the minor mis‐takes through the Internet.      

Historical modernized building, Water colour and acrylic paint on the paper, 51.3cm x 41cm Inspired by intaglio printing artists, I used their etching and printing technique to create a half of my painting with intaglio printing. This artwork shows a Historical building and contrast with modern days building in order to break the stereotype of current look of Gwang Hwa door that Korean people have. Fur‐thermore, the barcode on the bottom of painting shows the historical years for Gwang Hwa door.   

Modernized History, Mixed media on Korean traditional paper , 56.5cm x 68cm Using the oriental painting style and collage technique, I narrowed the gap between old tradi‐tional culture and today’s culture. Then remove the dishar‐mony mood by com‐bining two factors into one portrait. I changed dignified look of the historic general to look more casual. Also, combi‐nation of Mondrian works and traditional eastern art allow people to change their stereotype of eastern and western art.         

Life of Emptiness, Photoshop CS6, 100cm x 50cm This piece shows a tired person wearing a traditional Korean cloth with a pose of laziness. Message in this work is, current middle class people and past middle class people live in the same society structure; situation of people living in a suffo‐cating capitalism. Therefore, the art work shows the desire of people to be free from the society. Using the Photoshop technique, overlaps of layers with different colours made it similar to oriental painting.        

Reflection of perspectives, Opaque glass, acrylic paints, mirror fragments, 45cm x 38cm This piece is a mosaic of ‘Starry Night’, which created by Vincent Van Gogh. The intention is to reflects and criticize people and the society who ignore fantastical pieces due to their stereotype. Also, it conveys message to people to judge art pieces not by the popularity.         

MIA 

SL Student 

This body of work is centralized on women’s identities and aspirations. One of the most symbolic analogies in Surrealism is the portrayal of women as female mantises/sex devourers. However, through this symbol‐ism, surrealists also demonstrated their admiration for women’s unlimited capabilities. This thought leads me to connect it with women empowerment in the 21st century. Growing up in Vietnam, a country that was heavily affected by the patriarchal structure, I have witnessed the marginalization of women in the society. Therefore, through this exhibition, I want to empower women to be independent and be curious about the world around them. 

The exhibition consists of six pieces intimately related to one another. It is a journey that begins with the early analogy between women and praying mantises, develops with women’s ability to unite with nature, and ends with their aspirations to explore. 

  

Fear,  Wire, modroc, acrylic paint,  46x51x41cm 

Inspired by European surrealists’ portrayal of women as man‐tises, “Fear” illustrates Salvador Dalí’s nightmare of his wife, Gala, becoming a grasshopper. This insect in Dalí’s artwork, such as “The Great Masturbator” (1929). This symbolic analo‐gy magnifies women power in relationships. “Fear” illustrates not only Dalí’s personal relationship with Gala, but also his fear for an authoritarian figure.    

Captivity,  Watercolor on paper,  48x31cm  “Captivity” conveys European surrealists’ admiration for wom‐en’s versatility. The hat, the wand, and the orb in the back‐ground illustrate women’s abilities to be magicians and proph‐ets. Additionally, detached men’s body parts in the foreground depict mantises’ savagery. The prison‐like window epitomizes the victims’ captivity during which they are castrated brutally. Therefore, praying mantises were portrayed as being both magi‐cal and destructive.   

  Coexistence,  Intaglio mixed media 25x20cm  “Coexistence” portrays the amiability between humans and nature. Inspired by Giorgio de Chirico and the idea of present‐ing mundane objects in unfa‐miliar ways, I utilize soft cotton to enhance the dreamlike ele‐ment. Using collage, “Coexistence” depicts the merging of dream and reality. Pondering on Roger Caillois’s thoughts about the mimétisme of female mantises, I praise women’s ability to break boundaries and unite with na‐ture.      

Wonderland Watercolor on paper,  50x35.8cm  “Wonderland” epitomizes the land replete with mysteries and enlightening ideas that humans haven’t yet discovered. Inspired by the characterization of Alice in Lewis Car‐roll’s “Alice’s Adventures in Wonderland”, the artwork empowers women to travel, to be brave, and to never stop adding layers to their identities. Salvador Dalí’s famous dis‐torted clocks are integral components of the artwork as they embody Wonderland’s mis‐conception about time.           

Lights, Watercolor and acrylic on paper,  32x44cm Inspired by the magical realism of Rob Gonsalves, I am trying to capture a moment of coincidence in everyday life. In this case, the basketball amalgam‐ates with the moon.  A yellowish tint creates har‐mony within the painting, depicting the idea of how nature is compatible with the manmade world.    

Homes, Acrylic paint on canvas,  50x50cm Inspired by René Magritte’s “The False Mirror”(1928)’s composition, “Homes” depicts desires to travel and learn about cultures. The reflec‐tion in the lens is derived from photographs taken in New York City, which is deeply connected with my growth in maturity. The skyline reflected in my eye is the view from my room’s window.  The artwork is titled “Homes” because home can be anywhere as long as I am stud‐ying my interests and surrounded by my loved ones.     

ESTHER 

HL Student 

The key idea of my exhibition is portraiture. My love from this theme roots not only from admiration of works by Gustav Klimt, Chuck Close, Nick Knight and Marlene Dumas whose styles have inspired me, but also from my fascination with people. I believe that human as subjects provide endless possibilities in portrayal. With portraiture, I can explore both the ‘’insides’’ and ‘’outsides’’ of my subjects. By ‘’insides’’ I mean things that are not apparent to the human eye like a person’s thoughts, emotions, or culture, and by ‘’outsides’’ I mean their aesthetics, race and potential stereotypes based upon gender or social standards.    Over the course, I developed ideas in my tendency to include distortion. This is an interesting concept be‐cause, just like portraiture, it can be explored differently. Consequently I find that the pieces I have created come together successfully as a body of work, visually and conceptually, using the concept of portraiture and color schemes as well as my bold artistic style.   

 

Facial Eclipse, Acrylic paint on paper,  70x29cm I was inspired by Rembrandt’s mysteriously illuminated self‐portraits. They led me to experiment with light sources and traditional portrai‐ture since I’ve been fascinated by the concept of ‘bad lighting’ and how  photographers use specific lighting. I aim to capture the distor‐tion in facial aesthetics when illuminated from four different angles.   

    

The Escape, Modroc, acrylic, marker on canvas,  29.7 x 42.0cm My intentions were to comment on how social norms and expectations are significantly ingrained and pres‐sured upon women nowadays and that as independents individuals; we should strive to look past those stand‐ards, to ‘escape’ them –hence my title‐ and create identi‐ties of our own.   What originally inspired me to create a 3D piece was Marlene Dumas’s ‘Naomi’ because of the misleading 3 dimensional effect that the subject has.    Flourish,  

Acrylic paint, markers, spray paint on paper,  50x70 cm    

Distorted Beauty series Acrylic paint on paper,  55x37cm Originally inspired from Jenny Saville, known for her disproportionate paintings of transgendered people, this painting is a self‐portrait of a selfie I took on my Iphone. My intentions were to challenge the idea of a standard photo portrait by creating an ‘’ugly’’ portrait: where instead of a using photo editing software to enhance facial qualities, I use it to enlarge parts of my face I do not like and make myself more ‘’ugly’’.   

Paper Warp, Paper cut,  42x60cm Inspired by Emma Van Leest and Peter Callesen’s works, this paper cut is based on one of the photographs used in ‘’Facial Eclipse’’. Similarly to that piece, ‘’Paper Warp’’ Aims to explore how lighting effects and dis‐torts the human face by this time using paper cutting instead of acrylics. In this piece I aimed to incorporate Callesen’s bold cuts to represent shade along with Van Leest’s intricate cuts for details.    

Les twins miserables,  Acrylic paint and pen on canvas,  40x30cm x 2 This duo aims to explore the marks of society. The warm colors of the skin represent human flesh at its purest and the nakedness repre‐sents vulnerability.  The mark making on both subjects displays the traces that society leaves on individuals and the silence that it causes them, emphasized by the shut lips. The seriali‐zation of this piece por‐trays the phrase ‘’you are not alone’’ and the importance of relying on one another to live.    

Boyhood, Acrylic paint on paper,  29x70cm Conceptually linked to Gustav Klimt’s ‘’Mada Primavesi,’’ by their com‐mon theme of childhood, this piece theme aims to portray how when one grows up, there are so many different options and possibilities one could chose to become. Originally as a screen print, I refined this piece by add‐ing warm toned acrylics to create a contrast with the cool blue back‐ground, a symbol for ‘’Boyhood.’’     

ELLE 

HL Student 

The concept of my art works is modern vintage. Modern vintage looks old school like but it fuses with modern atmosphere. Myinspiration was Frida Kahlo and contemporary artists. I usually create dark creepy mood but some soft and comfy mood are melted to this creepy mood. To make creepy mood I experiment with many different material. Usually I love to draw with acrylic, color pencils, and watercolor. To create my artworks I used many different techniques and materials to create dynamic look. I always wanted to create dark mood piece but there was always limit between my idea and materials. I didn’t know what to use and how it will go to look like. But after choosing concept I could choose what material to use and how it will look like.   My main inspira on is Frida Kahlo and her art pieces are dark, and strong. I thought charcoal is easy to achieve both because I can create both so  and strong using charcoal. I also like to use colorful materials. Because I want to show contrast of Frida Kahlo’s life. Her past life was very fine, and happy. But a er car accident, her life is full of sadness. So to show this contrast I used both colorful materials and black materials. The main col‐orful piece that I have is prosthe c leg. I added Mexican tradi onal pa ern to show her past happy life. And Mexican culture is her life, as she is Mexican and she love to wear tradi onal dress that’s why I chose Mexican tradi onal pa ern.   

We Hurt, Clay, wire, acrylic, color pencil on board, 84 x 59.4 cm I was inspired by Frida Kahlo’s life. After her accident she couldn’t move her body how she want. I thought it will feel similar people with braces. People can’t move their mouth how they want because of pain. For this reason, I used braces and window cleaners. Also, I used animals that about to extinct because they all had painful life because of humans. Kahlo wore a back brace, so by using braces I made her experience more possible to imagine.       

Saigon, Charcoal on paper, 54.5 x 39.4 cm Jan 2016I took a photo of a cleaner in District 1. Everyone was returning home and this cleaner was observing the human traffic. I saw a tiredness and loneliness in this humble worker and so I decided to create this piece to capture this sense of isolation. I used charcoal to create this piece because the greys and blacks were perfect for capturing the mood of this mo‐ment.           

Hug guy, 4B Pencil on paper, 50 x 50 cm I took a photo of this xe om driver to record the loneliness I saw on his face. Om means Hug and xe means motorbike so xe om means hug motorbike in Vietnamese, he gives hug to everyone. In this piece I tried to show the contradiction between the possible intimacy of a xe om ride and the obvious alienation this driver feels.         

Communication, 4B pencil on paper, 54.5 x 3.94 cm This piece is to express communication by using hand gesture. The left side resembles the speaker and the right side symbolizes the listener. In the middle, I drew two hands as if one hand is giving something to anoth‐er to express the importance of conveying the correct meaning.         

Real Me, Acrylic, ribbon, watercolor, fake eyelashes on board, 42 x 59.4 cm I was inspired by Greek mythology Argus Panoptes. Peacock's fancy feather was originally Argus' eyes. This style of painting is inspired by Frida Kahlo symbolism of animals where parrots are a symbol that protect her. The peacock is a bird that I feel is close to me.       

New Life, Mixed media, 23 x 23 x60 cm Inspired by Claes Oldenburg’s big pop art sculptures and Frida Kahlo’s back brace and her life after accident. The plaster bandage creates the both soft and rough texture witch significance of hu‐man’s life. This piece shows the beauty of every human with or without handicaps. The patterns are traditional Mexican pattern and represent women’s desire to be beautiful and happy in con‐trast to a sad life.        

Dream, Acrylic, marker pen on paper, 60 x 40 cm Inspired by Romero Britto and Tim Walker’s photograph, created using Acrylic, and marker pen, by using acrylic I could achieve vibrant colors. The mood of Tim Walker’s photograph shows in this painting by using main character as a clown which symbolises madness. To show more fun and colorful mood, I added colorful pattern on her hair and clothes. I painted ground as a chess board because I wanted to achieve Alice in wonderland like mood.   

Eat Me!, Modroc, acrylic paint, cardboard, felt tip pen, apples, 84 x 59.4x 43.2 cm Every men wants pure, clear, and virgin women. So I used the symbol of the chess game. The chess pieces are manipulated by mean. Apple repre‐senting virgin woman and other bitten apples are not virgins. This shows how men crave one virgin and this is the reason why I floated clean apple on the top of the hands. It is about stereotypes and hypocrites.    

All about Korea, Mixed media on board, 59.4 x 60 cm I was inspired by modern Korean artist Hyun Jung Kim. Haechi is one of Korea’s famous legendary animal and it represent strong power and brave. I added animal and human’s feet to represent balance, and the black moon phase represent Asia’s moon calendar. So this piece shows about Korean and Asian culture.        

Still life, 4B Pencil on paper, 54 x 39 cm Inspired by Frida kahlo’s personal items which were recently discovered I used a combination of old shoes, old coke bottle, and roses. Still life drawing is very traditional and links to what I saw of Kahlo’s clothing which was very traditional. Personal objects represent our lives. So this is reason why I chose these items as a main subject. Lots of artist depict shoes as they represent the life of the wearer. This is my father’s shoes which to me represent his difficult life including losing his job, divorce and car crash.   

Harmony Acrylic paint and silk screen on canvas, 30 x 40 cm Tattoo and henna are always being popular these days. It is two different type but its same that it is drawing on our body. I have several tattoo on my body, and I think it represent myself. As Frida Kahlo used herself in her painting, her painting is very unique. So I tried to show myself, and show self‐love in my painting. 

DONGHYEON 

HL Student 

This exhibition work is about architecture.  Reasons why I choose this theme are due to the personal interest in architecture.  I was the person who likes to draw and has an interest in becoming a structural engineer. I like to research about it, also sometimes I draw buildings from my imagination for my hobby.  But one day I saw an art work has a unique and impossible structure of buildings.  By watching this art work I felt that ar‐chitecture can also express the feelings or the mood, not just show a building where we live or use.  The art work that I see was a piece called ‘Relatives’ by M.C Escher.  He put his own meaning about the struggle of people by an infinite stairs and unknown directions. Hence, I wanted express a mood of strangeness and cu‐riosity through the architectural structures I created.     

Pictures of Han Ok,  Photoshop CS6, 40cm x 40cm This artwork has been developed from a previous work. It is inspired by Escher’s artwork ‘Relatives’ which uses stairs as a metaphor for the cycle of struggle. The dark background color, represents a mood of sadness, tiredness and struggle, but the neon colors express a mood of modern‐ism, happiness and hope.    

Night in Korea, Black acrylic, pencil, water colours and acrylic paint on canvas, 30cm x 40 cm  This piece, inspired by Escher, Kim Hong Do and the technique of Catherine Yass portrays traditional ar‐chitecture, stairs and dark colors. Inspired by Esch‐er’s infinite patterns I responded by producing an image of stairs. I used dark colors and shadow to create mood in this piece.  I connect strongly with the image of the stairs: to me stairs symbolizes we are trying to reach. 

Modernism architecture and Han Ok, Watercolors, 2B pencil, marker on paper, 65 x 45 cm  Korean cities are a mix of tradi‐tional and modern urban land‐scapes and in this piece I have tried to represent that contrast.  Blue represents the repose we feel in homes both new and old. The use across old and new buildings underlines the similari‐ty in their usage. Dorrie Rifkin’s watercolour technique inspired this work. She often paints glass windows and I wanted to cap‐ture the beauty of the sun on the ocean because that feeling makes me feel serene.    

Abstract City 1,  Oil on canvas, 81cm x 62cm  Inspired by Cubism I wanted to demonstrate techniques to show light reflecting off sky scrapers.  The blue areas are the traditional glass panels, but the rest of the colors are bright, unlike the colors used in Cubism. Because bright colors represent modernity and white symbolizes hope using white to‐gether with bright colors is my way of show‐ing hope for the future in my work. 

Two Inner Side,  Photoshop, 35 x 35 cm  Inspired by Kim Hong Do an artist who uses traditional ar‐chitecture; this work also references the infinite loops of Escher’s designs. In my piece the stairs represent an escape such as ascending to heaven. I wanted to show Korea’s break neck development in the 1960’s as a path to a better place. I have used unique shapes of the stones and roofs which represent the architecture.        

Unknown city,  Acrylic, 4B pencil, brushes on canvas, 50 x 50 cm This piece combines the abstract style of Escher with the more grounded style of traditional Korean architecture. This image is also based on Korea of the 1960s, a time of struggle. It is a paint‐ing based on a previous work which I cut up to create fragments and rearranged to make this composition. The bright colours rep‐resent the opportunity to know and the black is hurt. I wanted to express that struggle is not always bad.   

Puzzle, Photoshop CS6, 35 x 35 cm I took a photo of apartment, I create through Pho‐toshop and it gives a chaos and reminisce effect. I broke down the pictures and combined back together randomly in order create a theme of abstract architec‐ture.  The stair represents, a level of chaos my inten‐tion is to puzzle pieced the pictures and put them back together to make one piece.     

Space station, Styrofoam, assemblage, 60x50x30 cm  3D sculpture is created by the idea of space station using toilet paper. The base shape is toilet paper and the inside as space station.  The back‐ground represents a universe. The intention of this piece is expressing a personal image of space station and shows future Korea in contrast with history and present.    

HANNA 

HL Student 

A physiological experience, emotion, is which each and every person has in his or her life. It can be seen through a certain behavior such as speech, body language or nonverbal behavior. Nonverbal behavior in‐cludes body gestures, postures and facial expressions. In accordance with this, I was interested to explore the concepts of expressing emotions through portraits with different media types and techniques. I started my journey of exploration with a photograph of my grandfather. As the process went on, I thought that it would be more meaningful to focus on people who have been an important part of my life. Though, I consid‐ered that by using different media types and techniques for the same topic would give more of efficiency to show the development in my art skills and understanding knowledge. In all my artworks, I deliberated an overall theme in a range of techniques to embrace the emotion expressions through portraits of the people I mostly adore. The majority of the whole journey is based on one particular photograph of my grandfather. Through this, my developments are more likely to be recognized as the progresses are emphasized and spe‐cialized. Most of my works were inspired by printmaking artists such as Lucien Freud, Alberto Giacometti. Expressive art allows access to subconscious material to define the artist’s innermost self.  

Fierce, 

Lino print on paper, 42 x 30 cm   In this piece, I wanted to ex‐plore emotion in portraiture. It took my grandpa as inspiration to show the maturation through the development of my artworks.  Inspired by the Ger‐man Expressionists Conrad Felixmüller, I used lino to create high contrast, toughness and seriousness. The German Ex‐pressionists did not exaggerate facial expressions, but ex‐pressed emotion through line and contrast which is what I intended to do here. 

   

My Grandpa Sculpture, Modroc and acrylic paint, 11 x 20 x 26.5 cm I created a 3D sculpture referring to the previous artworks of my grandfa‐ther with the inspira on from the hu‐man face sculptures by Jessica Wil‐liams and Gabriella Bullen. The idea of using the mask came from the theme, symbolized emo ons being hidden beneath a surface with the bold, dark‐ness and intensity through black brush strokes.  

The Untitled,  Ink & charcoal on paper, 84.5 x 60 cm  This project was inspired by Alberto Giacome ’s con nuous line drawing technique. The drawing is based on a photograph of my grandfather that I have used in my previous artworks. In this work, I intended to embrace and to deliberate my admira on to‐wards my grandpa through scale so that he was larger than life like a god.    

The Man, Black pen on construc on paper,  50 x 36cm  This project was inspired from John Singer Sargent, who is known for his big collec on of self‐portraits of strangers, though he sketched them with such passion and was not discouraged to con nue his by con‐flicts against him. Inspired from his fasci‐na ng techniques with light and drawing, I created a sketch of my grandpa express my respect for him like how the ar st did for the people that sat for his portrait.     

My Grandpa, Intaglio print on paper, 30 x 21 cm  Inspired by conveying emo on, I de‐cided to create a print of my grandpa based on his portrait photograph. The project aimed to convince the expres‐sion of human natural with the tones being intensified. The intaglio tech‐nique allowed me to express the inner corner of emo ons in details on the character face through using line to show fine details like wrinkles and worry lines. 

My Grandpa,  Intaglio print on paper, 30 x 21 cm  Lucien Freud and Alberto Giacometti are the two artists who captivate me the most because of the detail and contrast in their work. I also noticed that their most powerful portrait are the ones where you can see the eyes looking at you. In this intaglio print I wanted to build up more layers of tone and texture and add more realistic detail but also have eye contact with the viewer so they can experi‐ence empathy with him. 

My Sister,  Photography & Photoshop,  42 x 30cm  Inspired by Vermeer “Woman Reading A Le er”, I recon‐structed a photo of my sister into an old oil pain ng by using Photoshop. The window is used as mo f, symbolic of closure to the odd, simultaneous, a strangely but familiar sensa on of insignificance because of the power of the sunlight.    

Art Through Time,  Make‐up,  42 x 30 cm This project presents a completely different type of art, which is inspired by Rick Baker and Kazuhiro Tsuji. I wanted to show aging as a performance, and increased sensi vity with ad‐vanced techniques in performance art to value the quality of art in older persons.  

Self‐portrait,  Intaglio print on paper,  30 x 21 cm Inspired from Ludwig Meidner, my inten on was to exemplify an atmosphere of mysterious through the s llness of portraiture and the look of sounds absenc‐es. Repea ng the same technique allows me to convey the rela ons between my grandpa and I.   

DAI 

HL Student 

The underlying concepts and  ideas  in my compositions mainly revolves around the stylish black and white, psychedelic thriller elements of Hollywood film noir seen in films of the 1940s and 1950s. Elements such as femme fatales, dramatic shadows, masculine detective characters, sexual motivations and cynical attitudes are essential icons of what is known as Film Noir.  In addition to exploring the myriad concepts of Film Noir, I delve into Neo‐Noir, a derivative style which consists of updated visuals, concepts, content and themes from the original and is depicted in a vast array of science fiction movies and thrillers.   Graphic novel and comic book artwork is also a big influence in many of my pieces as I tend to draw inspira‐tion from a lot of the art from popular artist figures in the comic book industry including Frank Miller, Geoff Johns and Mark Millar. These artists were most renowned  for their stylish, dark and grim detective comic book stories and art. In my work the idea of Film Noir and Neo‐noir combine with my interest in graphic de‐sign including posters, comic covers, pop art and action figures to create a dramatic and dark visual.     

Justice is blind, Plaster, 25x70 cm  A plaster sculpture entitled “Justice is blind”, depicting the blind superhero, “Daredevil” from Daredevil comics.  The work is inspired by one of Frank Miller’s many dark portrayals of the character.  Like many of the sketches of the character by Miller, the sculpture is my own adaptation of the character and it emphasizes film noir themes of masculine power through pro‐jecting a muscular and toned image of the character.    

Harley, Plaster, 25x70cm A work of art entitled "Harley" depicting a sculpture of a femme fatale, which are iconic of film noir, inspired by the many personas of "Harley Quinn from the batman comics. The work is made and sculpted with plas‐ter. Unlike, the original depictions of the character the work envisions A  dark approach to the character,  seeking to convey the dark qualities of femme fatales seen in Film Noir and capture the themes of female attrac‐tion and stereotypes.   

The Devil of Hell’s Kitchen, Adobe Photoshop CS6, 9.98x17.7cm, A digital piece of Art depicting my Daredevil sculpture in a noir graphic novel like context. Created Using Photoshop, the work employs the conventions of a powerful ink drawing panel seen in graphic novels.  The dramatic effect of the graphic pen sketches and the vintage paper texture serves to add dramatic edge to the char‐acter’s quality to create an image a masculine tough and gritty crime fighter.    

Lost to music, Adobe Photoshop CS6, 67.7x38.1cm A double exposure entitled “Lost to Music”. Created using Photoshop.  I got the idea when I played “wish you were here” by Pink Floyd. The work is a self‐portrait playing guitar blended with random city and mountain landscapes created using Photoshop. The artwork reflects an artist’s internal struggle to escape the melancholy of life by the portrayal landscapes and music as a metaphor to shows their desire to es‐cape that life.   

The Captivity of Negativity, Adobe Photoshop CS6, 67.7 x 38.1cm Three Double exposure artworks inspired by True De‐tective TV show graphic art created with Photoshop. The work is a self‐portrait blended with an industrial town and a dark image of decayed trees as well as crime alleys and femme fatales. Inspired by stereotypi‐cal crime stories from Film Noir, the artwork examines the concept of societal decay in a dark industrial crimi‐nal underbelly context. 

Shifting Realities, Adobe Photoshop CS6, 67.7x38.1cm  The work is influenced by the brooding visuals seen in dark crime thriller films. It depicts a self‐portrait blended with a city and a subway. Artwork is about false memories and ex‐periences that I clearly remem‐bered happening, but have never happened before. It rep‐resents my speculation on “shifting realities”.    

Pulp Fiction Covers, 

Adobe Photoshop CS6, 

31.8x44.5cm 

 Inspired by one of the many 

retro‐Noir magazine covers 

of the 1950s, the work de‐

picts the posterized self‐

portraits as the “Man In The 

High Castle” and my friends 

as other iconic Film Noir 

characters.  However, the 

work it takes structure of a 

Visit Tattooine, Adobe Photoshop CS6, 7.03x4.38cm A travel/tourism promotional billboard/ video game load‐ing screen work of art entitled “the adventures of Han Solo on Tatooine” created using Photoshop. Inspired by the many loading screen artworks of the video game GTA 4, the work depicts a cartooned version of Han Solo and the planet of Tattooine from star wars. The work is combina‐tion of the aesthetics of vintage art in 1960s and retro Noir art in comic books.    

The Endless River, Adobe Photoshop CS6, 43.2x63.5cm, 21.7x12.19cm, 55.9x35.6cm Three pieces of 60s‐70s psy‐chedelic concert posters inspired by the vintage tex‐ture, posterization tech‐niques of the 60s and 70s psychedelic art movement. The artwork is made using Photoshop and depicts icon‐ic musicians in history such as David Gilmour and John Lennon. Furthermore this work also reflects and acknowledges the populari‐ty and the prominence Ret‐ro Art by emphasizing on contrast of each figure.    

KATIE 

HL Student 

The concept of my art is identity. The notion of ‘identity’ can be interpreted in several of ways, depending on the receptors’ perspective or how they choose to perceive it. For me, I was able to distinguish this concept in two ways: unveiling and concealing identity.  Unveiling iden ty can be depicted in several of ways. Many of my works incorporate this concept in associa‐on to media. These artworks that I’ve created tackle topics such as female objec fica on, social expecta‐ons of beauty, and the tormen ng effects of media on individuality.  

As an adolescent  I am  s ll exploring my  true  iden ty, and o en adjust depending on whom  I am with or where I am, as if I hold many personali es.  In one of my works, I’ve expressed the insignificance of iden ty because of the life cycle, which is a sequence of stages that an organism undergoes from birth to death. This expresses the no on that no ma er what po‐si on we hold in society, culture, or religion, we inevitably go through the same process of growth.     

Depthless,  Oil and acrylic paint on paper,  59.4 x 84.1cm Inspired  by  Harmen  Steenwyck,  this  piece  depicts  the significance of  life. The skull  is a  reminder of death, and the candle represents the unmanageable passage of  me. Referring to the piece, these objects are placed in a form of cigare e‐pack. It conveys the message of despite what we make of our life and iden ty we begin to decay as in‐

Faked,  

Digital photography,  42.0 x 59.4cm 

Inspired by the ar sts Bruno Metra and Laurence Jeanson, these pieces focus on the significance of individualism, and how cos‐me c surgery conceals a part of the iden ty. I wanted to reveal how females in par cular are molded to confine to the expecta‐ons media reinforces. The cutout parts of a magazine symbolize the mark of cosme c surgery, the model represents the fragility 

of her character, and the tape signifies the destruc on of her iden ty.  

Masked,  Acrylic paint on canvas,  42.0cm x 59.4cm  Inspired by Alexa Meade artworks ‘Unseen’, and Liu Bolin’s way of addressing poli cal issues in his art, my piece symbolizes the libera on of the female figure. Building on historian Laura Mul‐vey’s  idea of the male gaze, I wanted to show the portrayal of women  in media, adver sing and art as sexualized and almost anonymous. The painted  face  represents  the  layers  (make‐up, 

Dichotomy, Collaged photographs, 29.7 x 42.0cm  Inspired  by  John  Stezaker,  this  piece  is  intended  to  communicate  the way  the same  face  captured  from different  angles  can portray  a  different  iden ty.  The two artworks convey the message of how we possess many personali es within ourselves; we  adjust  depending  on whom we’re with  and where we  are.  This piece made me interested in using photographs in different ways and eventually led to me combining photography with other media.     

Deceitful, Digital photography, 29.7 x 42.0cm  This piece  represents how mass  communica‐tions restrict those to expose their true identi‐ty  through  media  platforms.  This  piece  dis‐plays the tormenting effects of media on indi‐viduality.  The  subject  represents  those  who feel or are pressured by the media, the news‐paper  in  the  background  and  covering  the mouth  symbolizes  the  indoctrinating effect  it holds, as if it molds the subject to conform to the  values  and  whilst  silencing  them  in  the spotlight.     

John Doe, Acrylic paint on paper, 21cm x 29.7cm  My interest in identity led me to the idea of skulls because we are all the same beneath the skin. I looked at skulls from a range of artists including Van Gogh and Cezanne be‐fore discovering Vanitas paintings. The piece conveys a message through the symbol of the skull and its scale to expose the true signifi‐cance of the lives we possess, and how death is inevitable. The loss of identity when we die is reflected in the title John Doe. 

Complex‐ion,  Charcoal and acrylic on canvas,  30 x 42cm Inspired by KwangHo Shin who aims to merge the inner states to the outer appearance of the being.  Iden ty  is complex and we are defined by our appearance. This piece aims to address society’s’ pluralis c a tude  towards  race, as  the  colors used convey  the  triviality  of  racial  dis nc ons.  I  realized  that  to paint skin you have to use many unexpected colors.   

Restrained,  Acrylic paint and stitch on canvas,  42.0 x 59.4cm Thinking  again  about  the male  gaze,  the  s tches  emphasize the parts of the body that are mostly sexualized in the media. Focusing  on  these  parts  removes  the women’s  iden ty.  The color blue is very significant in this piece, as it’s been associat‐ed  as  a  “male  color”,  therefore  it  signifies  rebelliousness  of women.    

Wounds  Collage and stitch, 14.8x21.0cm Annegret  Soltau,  whom  incorporates  collage and sewing in her work, inspires these series of artwork. The magazine bits signify the way we alter  our  physique  to  conform  to  society throughout  time. The  stitches  signify  the  con‐cept of ‘repairing’ oneself, by covering our phy‐sique with  the  social  ideal  of  beauty.  The  art convey a message of regardless of the physical change of our  identity,  the essence of our be‐ing shall always remain.    

KSENIA 

HL Student 

Being interested in biology and the greater cause to bring people closer to their surroundings, I have chosen nature to be my theme throughout my exhibition. Ranging from artworks which try to show the beauty of nature to ones showing the horrifying impact humanity has on it, the display engages the audience to inter‐act with the art. Many of the displays encourage the viewer to touch or in another way interrelate with the pieces. I find it important for the audience to touch my work as I think that by involving more than one sense I can make the experience more memorable.  The memorability of my work is vital to accomplish the spread and fulfillment of my message to preserve our planet.  I was inspired by the constant encounters with pollution, destruction of habitat and other harmful actions to the environment. People rarely seem to notice or understand what damage they do by e.g. just throwing one plastic cup into the river. It excites me to use everyday objects that we often regard as waste in my art, to show the forgotten magnificence of the earth’s flora. Through this recycling I not only metaphorically repre‐sent my theme but also physically help reduce the rubbish disposal by using objects which would have been thrown away.   

Spreading Seeds of Happiness, Installa on, 64x58x41cm This interac ve installa on was inspired by Andre Kurtscheraurer’s “Dandelion of Screws” and built from recycled materials with the purpose to spread posi ve thoughts. Each seed holds a happy mes‐sage collected in a survey, allowing par cipants to plant a seed of happiness into the hearts of others, showing that people should take a closer look at nature and those around them, as the  niest messag‐es can lighten up someone’s mood.     

Tropics from a different angle, Mixed media, 57x57 cm The touchable 3D snapshot of a Brazil nut tree symbolizes the symbiosis between the tree and the bee, helping each other survive. The dark colours with no visible accents rep‐resent the importance of every single piece without the highlight of one party. Inspired by the textured work of An‐ton Tapier I have created an interac ve piece for you to ex‐plore through the sense of touch rather than sight.     

Overcoming boundaries, 

Acrylic paint on paper cups, 40x50x17 cm Through the use of always as rubbish regarded paper cups, I want to portray the beauty of nature overcoming every limit set. The representa on of pollu on damaging nature, through paint running down the cups should be a shout out to change the way humanity treats flora. In‐spired by impressionist art I have created a personal pain ng style, using visible brushstrokes to allow a gloomy and mysterious effect of the dull city. 

Animal Lens, Photoshop, 48x32 cm Inspired by Henry Horn’s idea to bring people closer to ani‐mals by portraying their point of view, I have created a table represen ng the views of a bird, dog and fish. Manipula ng the original photograph in different styles allowed me to show all aspects of hue and satura on percep on of the three animals. The lilac in the picture represents the begin‐ning of spring. The table allows us to see how these animals experience the fresh colours of spring. 

Inside Out, Installa on, 40x 40 x 40 cm The piece encourages the audience to look closer. I wanted to show the importance of the big picture without the sole fo‐cus on single aspects. Incorpora ng the bright colours of ba k on tex le I have cre‐ated an image similar to one seen through a microscope. A slide of the work is viewed through the micro‐scope. 

Back to the Roots, Mixed media Installa on , 45x45x90 cm By pain ng an office chair in the tradi on‐al Maori pa ern I want to link their be‐liefs to our plain everyday lives. The chair symbolizes our comfort in using unsus‐tainable materials. Maori respect nature and value the things it offers. Using whiteout to paint their design I link the two cultures together. Through this piece I hope to bring people closer to the an‐cient beliefs and be more respec ul to‐wards their surroundings.  

Office dreams, Watercolour on paper, 257x95 cm  By transferring an office chair into a green forest, I want to show what magnificence is outside of our white office walls. The transpar‐ency of the watercolours add to the surreal situation of the office chair in the midst of a forest clearing. The choice to place the chair in between trees instead of another biome links to the deforestation which occurs to offer wood for desks and paper used in an office.    

Quiet after the Storm, Mixed media on paper, 149x126 cm The image water a er a tsunami, represents the destruc on nature can bring. The use of real life objects in the pain ng make the scene more lifelike and personal, as each object por‐trays a stage in life and bears a story behind it. Inspired by Carol Nelson to use the impasto technique, achieved through the use of modelling paste and a pale e knife, I have a ained the unique texture which brings the water to life. 

Under the Sea, 

Acrylic Paint on Paper, 

73x75 cm 

This piece symbolises human impact on the underwater world. 

Inspired by the Oceans Founda on’s project against illegal fish‐

ing I have created this piece to portray the beauty hidden in the 

depths. The piece is also drawing a en on to the high numbers 

of fish stock deple on, threatening the global sustainability. The 

uneven shape of the artwork represents the steps from the col‐

ourful sea life to empty oceans full of fishing nets. 

  

 As a Vietnamese girl, I’m always proud of how my country developed into the modern place that tourist want to ex‐plore: technological development, glamorous buildings, and successful entrepreneurs. However, I witnessed con‐trasting scenes such as beggars sleep on roadside next to cars, or some throw food while others pick up to survive. As developing close relationship with parents’ workers, I understand more about how the extravagant outlook seemed to blur people away from the reality. This intrigues 

The Human Lapse, Time‐lapse video, 5.41minutes Showing the evolution of the world through simple painting , this work shows how a natural landscape develops and is then destroyed by human interaction. In the end the painting is cov‐ered with ink and burned, demonstrating what awaits nature if we are not more sustainable.   

SUSAN 

HL Student 

As a Vietnamese girl, I’m always proud of how my country developed into the modern place that tourist want to explore: technological development, glamorous buildings, and successful entrepreneurs. However, I witnessed contrasting scenes such as beggars sleep on roadside next to cars, or some throw food while oth‐ers pick up to survive. As developing close relationship with parents’ workers, I understand more about how the extravagant outlook seemed to blur people away from the reality. This intrigues me how the world that seemed so perfect in beauty yet buried beneath the immaculateness are lies, iniquities and imperfections.  

Researching artists including Paul Nash and Fairfield Porter, I recognized how landscape and emotion per‐fectly embrace my overarching idea: the land of a country holds traces of its history and the trauma people suffered in the past to present. The heroisms of Vietnam and the endurance of citizens to overcome Ameri‐can War disastrous consequences led me to think about how, since the war ended, not just people but the whole country experiences a wide range of growth‐might be viewed appositively. If we zoom in each corner instead of observing from far away, we could see dark and humiliating scenes which require us to contribute as citizens living in the same society. 

Escape the Imperfect Reality, Acrylic on canvas , 61x80cm   Inspired by Marc Chagall and Fair‐field Porter, I intended to depict an idealized, fantasy landscape. It adopted the childlike style as com‐bination of abstract‐dream to con‐vey the positive atmosphere to‐wards the audience. The imagery of pleasantness is getting away instead of facing the issues.  The traumas occurring in a town seemed to be blurred away from a distance‐ symbolizes an outsider’s perspectives from imperfect reali‐ty.    

Loss in the Ordinary, Watercolor, acrylic paint, screen‐print on paper, 38x46cm Inspired by L.S. Lowry and Paul Nash, I intended to illus‐trate the impact of American War on rural Viet Nam‐ human loss. My faded portrait is a focus point surround‐ed by the gloomy and silent atmosphere. Landscapes can be filled with the emotion of the people who lived in them.      

Ancient‐Modern Indispensable Capture,  Acrylic paint on canvas, 50x50cm    As I mimic vendors from own observational drawings into one unique diagonal landscape composition, I invite audience to dif‐ferent angles and viewpoints‐ epitomize messiness as part of the mixture between rural‐modern lives. The division of society is blurred as modern people still purchase food and products from these vendors. An analogy for a journey in eyes of a tourist visits a country that seemed united and harmonized.  

The Destruction World, Pastel, sewing, image transfer on cotton 77x56cm Inspired by Gwen Hedley and Shelley Rhodes, I intended to illustrate the hideous physically‐ emotionally devastation of American War. A cross‐sitting woman emphasized mood of anguish, lonely, and suffocated. Threads (texture) are meta‐phorical tie people and places, associate with fabrics that are worn or decaying. The ironic scenes are captured to audience: people were isolated and migrated, bomb damaged land‐scape, soldiers fought.  

Heroic Revolution,  Acrylic paint and mixed media on paper, 71x51cm   As Vietnam changed from rural with ashes to modern with extravagant buildings, I capture the vibrant revolution through colors’ transitions and architecture as inspired by Brenda Fer‐rimani. This acts as a background for dove to fly. It portrays Vietnam heroisms, war positivity.     

The Constitution of Paradise, Modroc, clay and mixed media, 40x60x42cm An inexhaustible emblem of hope during war through most cul‐tures inspired by Hirst and Picasso, a dove depicts its powerful spirit, cares, devotions to nurture Vietnam’s reborn after war. Shades signify scars but its wings’, tails’ layers symbolize a peace’ messages that is spread to citizen. I depict the desire of freedom; honor the heroic‐ lead us to “paradise”‐ modern victory.   

Every day, I’m sweeping, Acrylic paint on canvas, 40x58cm    Sweeping metaphor for social segregation: those privileged in modern jobs while others aren’t, or some in cars throw trash while others clean up at night.     

The Beauty of Nature, Acrylic paint and watercolours on paper,  35x50cm   Inspired by Arshile Gorky, I epitomize the peace, calm atmosphere of Vietnam’s nature. I illustrat‐ed trees and rivers during the yellow‐orange dawn by tones using acrylic and watercolor. 3D texture of grass and kite with thread symbolizes the traditional hobby of countryside kids as well as portrays the connection of nature and nurture. Audience are invited to the real easing landscape during pre‐war period.      

Post‐work, Clay and mixed media, 30 x 15 x 15cm I intended to de‐pict the familiar scene connecting countryside and modern city. The tranquil landscape conveys nostalgia. This work empha‐sizes hardworking farmers who make rice and their re‐laxation‐ encour‐age people to no‐tice the diligent effort and to ap‐preciate the fortu‐nate lives.    

The Exploitation of Youth,   Watercolor, pastel, screen‐print on paper, 30x65cm   Inspired by Helen Lundeberg, I portray a pitiful woman murmurs to her youthful soul, represented by the screen‐print portrait. The artwork is an analogy for how modest people are left behind while country is developing economically and traditionally in values. Eyes contact in two different face expressions represent past‐present time, invites audience to the need of comfort‐zone in the mysterious‐gloomy atmosphere.  

NAOMI 

HL Student 

The overarching theme of this exhibition is ‘Growth’. I chose this topic as it carries no single meaning and I felt I could express it through multiple concepts and visual mediums. ‘Growth’, to me, can be applied to anything from growth of nature or personal growth to industrial growth, all of which I wanted to express through my work. With such a broad topic, I found that I had to strongly rely on symbolism and put extra thought into conceptualizing to ensure that my work portrayed deeper meanings, as from a purely visual standpoint my artwork can be quite simplistic. The interpretation of growth that I feel I have attached my work most strongly to is life, generally the passing of time and the different perspectives and approaches that we adopt through‐out our own, as individuals or as a body of humans. These are prominent elements, as I see that with growth, there must also come decay or change.   Most of my pieces link to growth of humans as either individuals or as a society. Recurring themes include Vanitas, water, nature and manufactured industries. To compliment these concepts, I put immense thought into the materials that I would use to best represent them. For some of my simpler pieces that used only one media, I ensured that my choice of materials were not only relevant to the message of the piece, but also con‐tributed another layer of meaning.     

Droplets, Adobe Illustrator, 31x59cm Compositionally inspired by John William Waterhouse’s Ophelia, this piece draws from the symbolism of water, the element that forms us, howev‐er, also evaporates. This piece links the individual human life to the droplet regarding how, no matter what we achieve, we will all evaporate. The girl por‐trayed in this piece may appear to stand out and be unique, but no different to those around her, merely what you are forced to focus on as represented through colour.   

Encased, Video, wire sculpture, ice, 5mins Drawing from Sam Taylor‐Wood’s still‐life films, this piece is a tree sculpted of wire encased in water and filmed as it melts. The pieces of wire reflect a perception of trees; pure and growing independently. The water adds movement while depicting my perception of time and imperma‐nence.  The shattering of the ice illustrates the uncertainty of when and how quickly life can end by breaking the predictability and flow of the piece.    

Beginning, Middle, End, Mixed media, 32 x 42cm (x3) Drawing from the tradi onal Van‐itas symbols found in pain ngs by ar sts such as Antonio de Pereda, I have photographed a girl with three objects. Each item symbol‐ises different stages of life: the burden of  me, loss of self in pos‐sessions and the end. The black background emphasizes the se‐verity of each phase and the jew‐elry is in the middle to signify its allure and how easy it is to be‐come lost in it.    

Angel Vines, Wire, Candles, 25 x 25 x 25 cm Inspired by Henrique Oliveira’s installations of wooden, tree‐like forms, and Swedish Angel Chimes, I intended to create a piece that embodied the organic elements of the growth of a tree with a strong and unnatu‐ral material. I portrayed the nature of the tree with the winding motion of the wire as the tree develops into more delicate branches. This concept is also present in how the tree is made from a single amount of a single material.     

Gilded, Oil paint and gold leaf on canvas, 30x25cm Drawing from Georgia O’Keeffe and Rosie Sanders’ water‐color paintings, I created a painting that realistically empha‐sized the light and shadow found within the delicacy of a rose. I used brushstrokes that I found dramatic to make the rose more modern and lively. The contrasting gold borders bring out the pinks and contrast the short life of the rose while representing the strength and permanence of gold, both of which are organic.   

Élever Papercut, 90 x 40cm Inspired by Peter Callesen’s paper cuts, this piece com‐municates the relevance of industrial growth as well as individual growth. The tower is an icon for development, a concept in which we are trapped in as a race, with the mindset that the more we build, the be er we become.  

Lost Roots, Graphite, watercolor, watercolor pencils on paper, 30x42cm Embodying my perception of the growth of the human race, I drew a woman who is conflicted by the two aspects of human nature: organic origins and reliance on structure. The materials were chosen due to their coherence to what they display; the marker is a modern and blunt material, whereas, watercolors are soft and tonal. Inspiration was drawn from Rosie Sanders’ and Georgia O’Keefe’s style of painting.    

Lost Roots 2, Graphite, watercolor and watercolor pencils on paper, 30x42cm The foundational themes of organic roots and reliance on structure remain the same, but representing a specific aspect of life: romance. With roses being strong symbols, this is coun‐tered by the geometric. This reflects the unrealistic standards set for romantic relationships and the severity of when they are broken. This piece depicts the journey from expectations to the reality of come romantic encounters.    

Reverse, Wood, image transfer, ink, 21 x 29.7cm Inspired by puzzles and children’s games, I chose to evolve one of my early pieces into an interac ve piece. I feel that this piece embodies the impermanence of human growth as audience members of all ages can reverse their ‘growth’ by returning to their childhood and playing with the puzzle.  

YASMIN 

HL Student 

I have always been an opinionated and expressive person, and I found through art that there are many ways to express, whether it’s through facial expressions, playing with the facial structure, how you can merely ex‐press an emotion through specific parts of the face and not just as a whole, merging that with the elements of art, color, tone, space, they all have a meaningful outcome. I at times struggled to find the words to ex‐press how  I felt about social  issues many of us constantly go through.  I  like expressing, by sculpting meta‐phors and symbols within the medium of watercolor, the beauty of color, and experiment with its different hues and merge  them with  the many concepts  that go on  in my mind. The portraits  that  I create, usually evokes an uncomfortable feeling towards the viewer,  letting them observe my unnatural use of skin tones and melancholy expression painted within the subject. I’d like to think my work illustrates a sense of raw hid‐den emotion with the subjects I paint.      

Slap in the Face, Mixed media, 42cm x 30cm This  series  shows  verbally  abusive words hurt  like the slap of a hand. The words on three of  the people are different depend‐ing  racial  background  where  words  vary depending on the person. I was inspired to photograph  my  friends  and  myself  from Chuck Close as he photographs people he personally  knows.  I  enhanced  the  image and  added  my  own  handwri ng  for  the words,  some  boldly  large,  some  small  to deploy  how  even  the  insignificant  words can hurt.    

Through The Looking Glass, Watercolor on paper, 41.7cm x 29.7cm The  two  pain ngs  have  a  significant  difference,  where  one  is  shown emo onally teary eyed for a sad effect while the contrast of the bright sunglasses are to mask emo on while s ll pu ng on a disguise or a vi‐brant emo on  to mask our sadness and symbolizes how we cannot al‐ways perceive how  a person  feels hence  the  tle meaning  ‘nothing  is what it seems’ inspired by Ian Cumberland’s photo‐realis c portrayals of difficult lives.   

Stick em, Shoot em, Interac ve installa on, 30cmx43cm We do not realize at  mes, we hand over abusive words to people as if we are handing over  free s ckers.  Insults handed over to people with a  ght  lipped smile, whether we did not ask for it, they are handed to us anyway. The words can s ck,  later turned  into scars.  I have  incorporated the words  into s ckers to  represent  it  as  a weapon  and  how  they  can  s ck  and mere words  that might not seem abusive, could be.   

Both Ways, Watercolor on paper, 53cm  x  42  cm  &  37cm  x 42cm Taking  the  concept of  verbal abuse,  I  wanted  to  express through  different  genders where  the  female  and male tend  to  say  the  same words but are expressed differently. The  perspec ve  of  the  sub‐jects will be facing the viewer as if they are verbally abusing the viewer. Male’s verbal are usually expressed aggressive‐ly,  while  female  uses  physi‐cality,  in  a  non‐threatening way.  I was  inspired by Chuck Close  to play with scales and body language.    

Not a Racial Thing, Watercolor on paper, 42cm x 30cm My subject is how people judge people based on their race. The primary colors represent the core in ourselves and how we are our own person. took  inspira on from my own ex‐periences with  friends where we struggle  to  iden fy what we regardless of race.     

Yellow,  Watercolor on paper,  54.5cm x 50cm I  decided  to  play  with  color schemes  of  yellow with  hues  and blues  where  yellow  represents joyous  personality  and  mixing  it with  the  turquoise  blues  would have a weird look to represent the weird  character  of  the  subject.  I took  inspira on  to  illustrate  the character  of  my  subject  and  his vibrant  personality  through  the conflic ng hues.    

Perceiving Expression, Coffee and watercolor paint on paper, 52cmx40cm In this piece I was focusing on the expressive quali es of indi‐vidual facial features. I added hands to emphasize my eyes, as hands also hold an important role in expression. The pale pink and purple tones of the skin and eyes, creates a creepy expres‐sion.  Inspired by Carnes Griffith’s use of mixed media, I had done similar here, with coffee on the hair, to contrast the de‐tailed eyes & hands.    

Blue, Watercolor on paper, 50.4cm x 40.5 cm I wanted to use colors that would contradict feelings. Beaming, smil‐ing with dimples showing through and it shows how happy he is but the blue  tones of  the  skin  tone  connotes  to  sadness and  conflicts the viewer. Some mes we do not show others how we feel, it con‐tradicts to what we see, as emo ons are a private thing, leaving you to wonder how we feel  is different to how we look.    

See Through,  Watercolor on paper, 45cm x 45cm My watercolor self‐portrait “See Through” aims to illus‐trate  my  transparent  self,  a  loose  image  with  pastel colors  to  illustrate  how  certain  people  can  “see through” me and  that  I  choose  to  let  see me as  I am. This  image can provide dual meaning as the  loose pale shades of the watercolors obstruct the image of myself, which also brings  in another perspec ve where  some‐mes, it is hard for people to “see” me or read me. 

   

SANGBIN 

HL Student 

The key theme for this exhibition is Violence, defined as a behavior to physically hurt or kill someone. Vio‐lence maybe defined as being a physical factor, however in my perspective, it can be a behavior to hurt or kill an individual mentally. An emotional breakdown or such nonphysical factors is another type of violence. Dur‐ing the two years of research and experiments I have been influenced by a lot of artists. Artists such as Banksy, a street artist and Salvador Dali a surrealist artist have influenced me the most. Collaborating both classical artworks and modern artworks has been a very interesting experience. During the process of devel‐oping and making art pieces, there were few changes to the style and concept of my work. At first I started off my work from obvious pieces, displaying war, blood and chaos; which the theme “violence” was clearly seen on the pieces. As I developed my ideas, displaying the obvious were too plain and arid. Also the obvious had a limitation; therefore I found a sophisticated way to present my work, moreover I wanted people to think about the work and guess the topic of my exhibition. Since I wanted the audience to think deeply and find the meanings behind my artwork, I found metaphors behind the theme “violence” and made artworks based on metaphors.     

Violence is a dark cloud, 

Pencil and watercolor on paper, 

29.7 x 42.0cm 

This piece was a drawing of photography of my own. The place 

had very complex stairs which were being overgrown with trees. 

Here violence is between nature and man‐made buildings. 

  

 

Melting Point,  Acrylic paint & colored pencil on board, 29.7 x 42cm Inspired by Salvador Dali's “The Persistence of Memory”, I was trying to express that time and memories leave pain in our lives.  The melting clocks represent the flow of the time and pain people go through. As there is a certain melting point for metal, there will be a certain melting point or stressful moment for people.    

Urban, Color pencil, pencil on paper, 56x 39cm This art piece of a drawing of an electric pole in Vietnam was a photography I did in town. I have used color pencils and a normal pencil to express this drawing. Because of the theme urban, I went out to the city and took some photos to draw or render from and this popped out the best. I wanted something that could represent Vietnam the best and coiled wires and the Viet‐namese letters attracted me to do a drawing of this.    

Ghetto, Ink, acrylic paint and pen on paper, 42.0 x 59.4cm The work inspired by the theme urbanization, my inter‐ests in skateboarding, tattoo and graffiti was drawn all in one piece. The strong and valuable objects were painted with acrylic paint to make it dominant. Graffiti is expressed through words behind in the background.  

Reach, Mixed media on paper, 80x110cm The work inspired by urbanization, I found a metaphor of violence in the word urbanization. Our world has come to a world of vio‐lence, such as war which causes mass pollution. The hand reaches for the city, saving it from all the pollution. Pollution was expressed through the oil leak and the smoky look of the whole piece.     

Hope, 

Acrylic paint on glass, 

29x 21 x 29 cm 

The glass symbolizes how sensitive my mind of state was, 

glass breaks easily and I was as sensitive as glass.  The eyes 

were painted in black and white which represents the sorrow. 

The girl represents my actions and pose when I was in sor‐

row.  

  

 

Playing with the Shadows, Color pencil, graphite pencil on paper, 56 x 39 cm The concept of this was objects casting shadows that don’t look like the object. The shadows are coiling on the hands as if it is inter‐acting with it. The shape of the shadow is based on a motif of suf‐fering people I designed for my mural.      

Bloodshed, Mixed media on walls, 1200 x 200cm approx. Inspired by the artist’s Picas‐so and Banksy my theme was violence and war. Through this artwork I wanted the audience to think deeply about the violence and chaos that is happening around the world, not only war, but how every individual goes through pain.   Destructive Point, 

Acrylic paint, color pencil on board, 29.7 x 42.0cm (x 3) This piece was inspired by the ants in the painting of Salvador Dali. It represents a symbol of destruction, the tree on the cubes mimics from Goya’s “Disaster of War etchings, on which a human head is impaled.  

Old‐school Marker pens, acrylic paint on paper, 59 x 84 cm This piece was inspired by tattoo flashes by Quyen Dinh. Traditional old school tattoos are known for their simple designs. This piece is about being restricted from being open about tattoos because of cultural perspectives.