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LA IMAGEN DEL HEROE, ESCULTURA ROMANTICA

David D' Angers, se situó en un punto intermedio entre clasicismo y romanticismo al tratar de individualizar a escritores y artistas a través de 500 medallones. Su cabeza de Chateaubriand, es una muestra del deseo de captar la interioridad del retratado. Con el especial tratamiento de los rasgos físicos, pretendía captar los valores del alma, el espíritu del genio romántico. D' Angers también realizó obras para edificios públicos como el frontón para el Panteón de París, o el monumento funerario al General Bonchamps, que con su desnudo heroico y una cabeza inspirada en las obras de Lisipo, muestra la pervivencia de los modelos griegos.

Lorenzo Bartolini, que se había formado como artista bajo la influencia de David y de Canova, puso en marcha un eclecticismo que bebía de la tradición "quattrocentista" en la tumba de la condesa Sofía Zamoyska en la iglesia de Santa Croce de Florencia. Antes había realizado Esperanza de Dios en donde el desnudo femenino posee un realismo y una naturalidad, muy alejada ya del desnudo clásico.

Théodore Géricault, después de su estancia en Italia y guiado por su admiración por la obra de Miguel Ángel, acomete hacia 1818 un tema que ya había tratado en dibujos anteriores: Ninfa y Sátiro, un bloque de piedra dura con aspecto de "non finito" con el que experimentó la tridimensionalidad y la captación del momento sin

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un ensayo previo. Para la composición de determinados cuadros como La Balsa de la Medusa, construyó maquetas de reducidas dimensiones con figuras moldeadas en cera que representaban a los diferentes personajes. Con estas obras menores rompió con los cánones que pesaban sobre la escultura desde antiguo.

Por los mismos años en Madrid el catalán Antonio Solá Llansás realizó el grupo de Daoiz y Velarde, los héroes del parque de Monteleón que lucharon contra los franceses en 1808, un tema ensalzado por sus connotaciones patrióticas que sin embargo, retoma una tipología antigua, el grupo de los Tiranicidas, los dos militares son representados en actitudes similares aunque vestidos con ropajes modernos.

Francois Rude supo reflejar el valor y la lucha por la libertad en los relieves para el arco de I'Etoile de París, Partida de los voluntarios en 1792, posee la teatralidad y un impulso romántico semejante al que Delacroix plasmó en La Libertad guiando al pueblo hacia las barricadas. En los dos casos los modelos son barrocos pero se recurre al desnudo clásico para elevar el sentido épico, un efecto logrado por Rude, ya que su obra fue rebautizada como "La Marsellesa"por las connotaciones de arenga que tiene la escena.

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El romanticismo también dio lugar a una escultura menos solemne en la que se renunciaba a la belleza idealdel clasicismo al abordar temas cotidianos realizados en menor tamaño con un claro objetivo decorativo más adaptado a las nuevas residencias burguesas.En el Salón de 1831 tuvo un indiscutible éxito el Pescador Napolitano, de Francois Rude que trataba una escena amable: un jovencito que juega con una tortuga. Igual puede decirse de las esculturas casi siempre en bronce de Antoine-Louis Barye, que representó animales salvajes luchando entre sí como Leòn y serpiente o Pantera devorando un ciervo.

Pero junto a los que cultivan los temas exóticos o pintorescos también hay artistas que manipularon el canon clásico para agradar a un público ya no tan interesado por la belleza ideal de la escultura antigua. James Pradier en Odalisca sentada, recurrió al orientalismo, que claramente enlaza con la fórmula de las "odaliscas" de IngresJunto a estas obras claramente decorativas están los relieves inclasificables de Auguste Préault que pretenden expresar las más diversas sensaciones con sus figuras abigarradas como en La Matanza.

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Desde mediados del siglo XIX la escultura se conviefle en el acompañamiento de la arquitectura a la que contribuye a llenar de significado. Ya sean arcos de triunfo o edificios públicos, las alegorías de la Industria, la Justicia,la Agricultura, etc... pueblan cornisas, frontones o flanquean las puertas de acceso con relieves, grupos o figuras aisladas que contribuyen a la imagen de magnificencia del conjunto. El monumento exento dedicado al prohombre de la patria cargado de sentido alegórico o de fervor nacionalista se populariza en todos los países y puebla plazas o parques. En él la escultura, a pesar de su importancia, es frecuentemente el complemento de una estructura arquitectónica imponente.

Inglaterra, el país en que más monumentos se han levantado a la memoria de sus próceres, erigió entre 1863 y 1875 un espectacular monumento en Hyde Park de Londres dedicado al esposo fallecido de la reina Victoria, Albert. El Albert Memorial se convirtió en una empresa ambiciosa que tenía el objetivo de demostrar el poderío y la gloria del imperio Británico con un discurso grandilocuente propio de la moda de la Inglaterra victoriana. Fue concebido por el arquitecto George Gilbert Scott, como un templete neogótico inspirado en modelos italianos con el empleo de mosaicos y mármoles de variado colorido y rematado por una buena cantidad de cresterías y pináculos. La aguja de remate está poblada de esculturas de ángeles y de las figuras de las virtudes Prudencia, Justicia, Fe, Esperanza, etc .. que acompañan a la figura dorada del príncipe al que el escultor representó sentado en actitud pensativa, para algunos en la misma postura que el Ares Ludovisi. El templete se eleva sobre un imponente friso con 161 esculturas de destacados artistas, pintores, escultores y arquitectos del Imperio Británico, de los más variados lugares y épocas. En los ángulos, pedestales con conjuntos que representaba la Industria, la Técnica, la Agricultura y el Comercio, las bases de la polìtica victoriana. Al pie de las escaleras y en los ángulos, los cuatro continentes: Asia, América, África yEuropa con figuras que los identifican.

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En Francia Jean Baptiste Carpeaux que llegó a escultor de Corte de Napoleón III, consiguió en sus conjuntos para edificios tan representativos como la ampliación del Louvre o el edificio de la Ópera de París realizados en la década de los sesenta, una grandiosidad y un sentido decorativo que ayudan al realce de construcciones que, como la Ópera de Garnier, son verdaderos emblemas de la sociedad del Segundo Imperio francés. Carpeaux como ganador del ansiado Premio de Roma, viajó a Italia, donde quedó admirado por la escultura de Miguel Ángel. En el Salón de 1863 presentó El Conde Ugolino y su hijos, un bronce con la patética escena sacada del Infierno de Dante que atrajo todas las alabanzas cuando se presentó en el pabellón de Francia en la Exposición Universal de París de 1867. No obstante su altorrelieve para la Ópera de Garnier, el conjunto de La danza, presenta ya desde su modelo en yeso, el deseo de romper con el academjcismo escultórico y apostar por factores como el dinamismo y la sensación de inestabilidad que proporcionen agilidad al baile de bacantes que adornaba el acceso al teatro.

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En los años 80 un artista belga Constantin Meunier, dedicará parte de su tarea escultórica a representar el mundo del trabajo; sus héroes serán los mineros de la región de Walonia, los protagonistas de la sociedad industrial. Sus personajes son figuras poderosas ataviadas con sus trajes de faena y sus herramientas.Miembro del Partido Socialista belga, trabajó en el Monumento al Trabajo de Bruselas, en él su Maternidad es una matrona que recuerda la escultura de Miguel Angel por sus majestuosas proporciones. El pocero, es un poderoso representante del mundo del trabajo captado, aún con el casco puesto, en un momento de descanso, por el contrario el grupo Le grisou, muestra la tragedia del trabajo en la mina.