la pintura-barroca-española
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ESCUELA DE ARTE Y SUPERIOR DE DISEÑO Y DE CONSERVACIÓN Y RESTAURACIÓN DE BIENES CULTURALES DE BURGOS
LA PINTURA BARROCA ESPAÑOLA
RIBERA, ZURBARÁN, MURILLO Y VELÁZQUEZ
La pintura barroca española Podemos señalar las siguientes características definidoras:
• El mecenazgo de la Corte y la Iglesia. • Ausencia de lo heroico y los tamaños superiores al natural.
Se prefiere un equilibrado naturalismo, se opta por la composición sencilla y nada teatral o escenográfica.
• Predominio de la temática religiosa, especialmente en su expresión ascética o mística, tratada con sencillez y credibilidad.
• Ausencia de sensualidad. • Influencia del realismo y del tenebrismo de origen italiano. • Otros temas son: el retrato, la mitología, el bodegón, sobre
todo en Zurbarán y Sanchéz Cotán, Velázquez incorpora el paisaje, la fábula pagana y el género histórico.
• Tres son los focos artísticos: Valencia (Ribera y Rivalta), Sevilla (Zurbarán, Murillo y Valdés Leal) y Madrid (Velázquez).
La corriente naturalista: Ribalta, Ribera y Zurbarán.
Durante el reinado de Felipe III subsistían todavía las últimas influencias del manierismo italiano. Los pintores se reunían en torno al monasterio del Escorial, pero poco a poco se fue dejando sentir la influencia de Caravaggio en lo que ha venido a llamarse la escuela tenebrista española.
Cristo abrazando a San Bernardo
óleo sobre lienzo 158 x 133 cm
Museo del Prado, Madrid
La figura más destacada del momento es Francisco Ribalta (1564-1628). Es probable que su aprendizaje se realizara junto a Navarrete el Mudo, en el Monasterio del Escorial y donde conociera las obras de los pintores italianos en las colecciones reales, quizás viajara a Italia entre 1616 y 1620 y que conociera directamente las obras de Caravaggio y sus seguidores
San Francisco reconfortado por un ángel
óleo sobre lienzo 204 x 158 cm
Museo del Prado, Madrid
Lo más interesante de su colección es el tratamiento de los temas místicos, donde el tenebrismo suele ser ostensible, además del brillante colorido y de la seguridad en el dibujo.
José de Ribera (1591-1662)
A mediados del siglo XVII, Felipe IV y su valido, el Conde-duque de Olivares, convirtieron la corte en el principal centro artístico de la Península. El mejor exponente de la corriente tenebrista española fue José de Ribera, nacido en Játiva (Valencia) Establecido en Italia desde1611, recibió el apodo de “Il Spagnoleto”, nunca más volvería a España, instalándose definitivamente en Nápoles en 1616. Quizá pudo haber trabajado en el taller valenciano de Ribalta, pero su obra se desarrolla plenamente en Italia.
Arquímedes1630
óleo sobre lienzo 125 x 81 cm
Museo del Prado, Madrid
El naturalismo temático de Ribera se centra en la pintura de personajes ancianos, mendigos, santos, pero siempre pintados con una gran dignidad, sin exacerbar el sentido cruel o morboso, demostrando un perfecto dominio de lo anatómico.
San Andrés1630-32
óleo sobre lienzo 123 x 95 cm
Museo del Prado, Madrid
Algunos estudiosos han notado en Ribera un afán constante de representar la ruina del cutis humano. Aparecería como el pintor de las frentes arrugadas, los dedos ásperos, los muslos delgados que permiten la visión de los huesos como ocurre en el San Andrés.
San Onofre1637
óleo sobre lienzoEl Hermitage,
San Petersburgo
El martirio de San Andrés
1628óleo sobre lienzo
209 x 183 cmMuseum of Fine Arts,
Budapest
Martirio de San Bartolomé
o San Felipe1630
óleo sobre lienzo
234 x 234 cmMuseo del
Prado, Madrid
Se trata de una de las obras maestras de Ribera. Una
compleja composición, de
extremado realismo. El horror del
martirio aparece reflejado en la carne trémula
del santo.
El sueño de Jacob1639 óleo sobre lienzo, 179 x 233 cm - Museo del Prado, Madrid
La mujer barbuda1631
óleo sobre lienzoHospital de Tavera, Toledo
A veces como retratista no tiene pudor en representar las deformidades humanas.Lo feo puede ser representado con dignidad. La representación de lo extremo de forma naturalista es un rasgo de clara raíz caravagiesca.
El patizambo1642
óleo sobre lienzo 164 x 92 cm
Musée du Louvre, Paris
La imagen del pícaro respondeal arquetipo de la época plasmadotambién en las novelas picarescas.Los ropajes raídos, la mellada dentadura, el defecto físico, no son mostrados de manera indigna, sino con cierta ternura.La imperfección con Rivera alcanzala majestad que sólo la pintura puede dar.
El tema mitológico: Apolo y Marsyas
1637 Oil on canvas, 202 x 255 cmMusées Royaux des Beaux-Arts, Bruselas
La Sagrada Familia1639
óleo sobre lienzo 253 x 196 cm
Museo de Santa Cruz, Toledo
En su repertorio figuraron también protagonistas femeninos que destacan por su encanto, la Virgen en la Inmaculada (1635), el triunfo de María Magdalena (1636), y algunas santas como Santa Inés (1641), que corresponden al periodo más crucial de su carrera artística, a partir de la década de los 40, cuando su visión naturalista se disgrega cada vez más hacia una mayor sensualidad, el color se vuelve más refinado y la luz más difusa, superado el tenebrismo inicial.
María Magdalena penitente1640-41
óleo sobre lienzo
226 x 181 cm
Museo del Prado, Madrid
Francisco deZURBARÁN
(1598 - 1664)
Nacido en Fuente de Cantos, se traslada a Sevilla, en 1614, formándose en el taller de Pedro Díaz de Villanueva, un pintor de imágenes.
Su obra es muy abundante, y se puede distinguir un primer periodo en que hay una presencia del tenebrismo y del espiritualismo ascético pasando en un segundo periodo a partir de la mitad de siglo a las formas suaves y delicadas propias de la escuela sevillana de ese periodo; esta etapa coincide con una crisis en la carrera artística de Zurbarán, que vió disminuir su clientela habitual y buscó en los conventos hispanoamericanos nuevos encargos (Convento de San Francisco de Lima y Convento de la Buena Muerte de Lima), la crisis de Zurbarán coincide con el apogeo de Murillo.
• Las obras más conocidas de Zurbarán son los santos de las Ordenes Religiosas. Dota a sus figuras de un gran naturalismo y de un profundo espíritu religioso, subrayado por su evidente tenebrismo.
• En cuanto a las obras conventuales, se pueden destacar tres conjuntos:
1. La serie del Convento de la Merced (desde 1628), en el que sobresale la Visión de San Pedro Nolasco (1629) en la puede apreciarse ese tratamiento individualizado y el tan característico modelado de los tejidos,
2. La serie de la Cartuja de Jerez (desde1637) y
3. La serie el Monasterio de Guadalupe (1638-1645).
Autorretrato con el crucificado
Meditación de San Francisco1632
óleo sobre lienzo 114 x 78 cm
Shaw Collection, Buenos Aires(Argentina)
Los santos son tratadoscon gran respeto y dignidad,
sumidos en una profunda introspección
mística que los presenta aislados y
ajenos al mundo, habitando dentro de una atmósfera mística.
Sus composiciones son reposadas y tranquilas, sin excesos dramáticos. La luz
parece emanar de las figuras, tratadas de forma muy
naturalista.
Meditación de San
Francisco
Rostros y miradas degran fervor místico,acordes con las demandasde los clientes conventualespara los que trabajaba Zurbarán. Son figuras austeras y solemnes.
LA VISIÓN DE SAN PEDRO NOLASCO1629ÓLEO SOBRE LIENZO , 179 x 223 cm Museo del Prado, Madrid
La aparición de san pedro a San Pedro Nolasco1629óleo sobre lienzo, 179 x 223 cm - Museo del Prado, Madrid
San Hugo de Grenoble en el refectorio de
la Cartujac. 1633
óleo sobre lienzo
102 x 168 cmMuseo de
Bellas Artes, Sevilla
Es el pintorde los hábitos
blancos de los
Monjes. Escena de
gran austeridad y
de pobreComposición.
La pintura de santas y mártires:Santa Margarita
c. 1631óleo sobre lienzo
194 x 112 cmNational Gallery,
Londres
En estas series el pintor expresa la
calidad de las telas, mostrando a las
santas o mártires ataviadas a la moda de la época, como grandes damas.
Santa Casilda
Naturaleza muerta. Óleo sobre lienzo, 46 x 84 cm
Museo del Prado, Madrid
La exposición de objetos inanimados sirve para que el pintor demuestre su destreza en la representación de calidades, texturas, brillos y juegos de luces. Los objetos se destacan sobre un fondo negro para así dar mayor realce a sus
volúmenes.
Naturaleza muerta con limones, naranjas y rosa.1633 - óleo sobre lienzo, 60 x 107 cm
Norton Simon Museum of Art, Pasadena(EEUU)
En estos austeros y sencillos bodegones está contenida la España del s. XVII
El tema histórico:
La defensa de Cádiz frente a los ingleses
1634óleo sobre
lienzo 302 x 323 cm
Museo del Prado, Madrid
AGNUS DEI
Bartolomé Esteban Murillo (1618-1682)
Nació en Sevilla, donde vivió la mayor parte de su vida. Inicio su formación a los diez años con Juan del Castillo, aunque sin duda conoció las obras de Zurbarán y de Ribera, ya que la influencia de estos maestros es evidente en las obras de su juventud, además de las influencias de la pintura flamenca y veneciana. Su éxito fue enorme.
Es uno de los pintores que más popularidad han alcanzado dentro y fuera de España; debido, quizás, a que su pintura delicada y suave satisface el gusto imperante en toda Europa en el S. XVIII. Murillo no pintará santos ascetas y viriles, su pintura se acerca más a lo familiar, a lo íntimo.
AUTORRETRATOÓLEO SOBRE
LIENZO NATIONAL
GALLERY DE LONDRES
En sus primeras obras queda de manifiestos su formación realista, con predominio de tonalidad ocres y terrosas, un tratamiento de la luz muy marcado por el tenebrismo, con modelos compactos e individualizados. Destaca la serie del convento de San Francisco (1645), su primer encargo importante; a partir de la mitad de siglo, el uso de la luz se hace más generalizado y su colorido se enriquece, Sagrada Familia del Pajarito (1650), Adoración de los Pastores (1655), en 1658 Murillo viaja a la Corte, entra en contacto con Velázquez y conoce las colecciones reales, a su regreso en 1660, fundó la Academia de Dibujo, siendo responsable de la dirección de la misma hasta noviembre de 1663, en que fue sustituido por Valdés Leal.
LA ADORACIÓN DE LOS PASTORESÓLEO SOBRE LIENZO 1650-55 187 x 228 cm Museo del Prado, Madrid
LA SAGRADA FAMILIA DEL PAJARITO óleo sobre lienzo, 1650 144 x 188 Museo del Prado, Madrid
LA HUIDA A EGIPTOóleo sobre lienzo,
1655-60155,5 x 125 cm
Museum of Fine Arts, Budapest
La Anunciaciónóleo sobre lienzo, 1660-65
125 x 103 cmMuseo del Prado, Madrid
Murillo se va a interesar por los problemas atmosféricos y la captación del espacio, abandona el estatismo anterior y ahora sus cuadros son suavemente dinámicos, sus modelos de canon más pequeño, adquieren la suavidad, la gracia y la elegancia que caracterizan la plenitud del pintor, cercano ya al gusto rococó.
CRISTO COMO BUEN PASTOR
óleo sobre lienzoc. 1660
123 x 161 cmMuseo del Prado, Madrid
Refleja en sus pinturas una religiosidad intimista, amable y sentimental.
Expresa de forma genial la belleza infantil y juvenil, siempre impregnada de gracia y dulzura. En este Jesús como pastorcillo
forja uno de sus iconos más populares. Niño perfecto, de carnosos labios y cabellos al viento, envuelto por esa
atmósfera vaporosa poblada de luz.
JESÚS CON SAN JUAN BAUTISTA
LA ASUNCIÓN DE LA VIRGEN
óleo sobre lienzo 1670El Hermitage, San
Petersburgo
Son numerosas las representaciones de temas marianos; las Inmaculadas son una de sus creaciones
más afortunadas; envuelve a María en un manto azul, que
cubre parte del hábito blanco, rodeándola de ángeles. Es
una imagen de gran belleza y clasicismo, idealizada. El rostro joven, casi niña.
LA INMACULADA CONCEPCIÓN
óleo sobre lienzo 206 x 144 cm
Museo del Prado, Madrid
El blanco de la vestimentasimboliza la pureza virginal deMaría, mientras que el azul delmanto simboliza la eternidad.La actitud contemplativa de la
Virgen, su riqueza cromática y la pincelada suelta son rasgos
distintivos de su estilo.
Joven pordioseroóleo sobre lienzo, c. 1645
134 x 100 cmMusée du Louvre, Paris
Sin embargo en su pintura de niños de carácter totalmente
profano , presenta una interpretación amable
de realidades más bien crueles, plasmando la
vitalidad del mundo picaresco, con un
incomparable virtuosismo técnico.
Niños jugando a dados
Niños comiendo frutaóleo sobre lienzo
1650Alte Pinakothek, Munich
EL ASEOóleo sobre lienzo
1670-75147 x 113 cm
Alte Pinakothek, Munich
DOS MUJERES EN LA VENTANA
Una mujer con su “dueña”
1670óleo sobre lienzo
106 x 127 cmNational Gallery of Art,
Washington(EEUU)
LAS ALEGORÍAS DE LAS POSTRIMERÍAS
El noble sevillano don Miguel de Mañara fue nombrado en 1663 Hermano Mayor de la Santa Caridad, poniendo todo su empeño en la tarea de concluir las obras de la nueva iglesia de la Hermandad que se estaban realizando desde 1647. Para ello contó con los mejores artistas de su tiempo: el retablista Bernardo Simón de Pereda, el escultor Pedro Roldán y los pintores Murillo y Valdés Leal. El propio Mañara diseñó el programa iconográfico que decoraba el templo, programa destinado a los hermanos de la Caridad, proclamando la salvación del alma a través de la caridad, encargando las pinturas que recogen las obras de caridad a Murillo. Sin embargo, el programa iconográfico se inicia con una reflexión sobre la brevedad de la vida y el triunfo de la muerte, siendo Valdés Leal el encargado de realizar estos trabajos.
JUAN DE VALDÉS LEAL
(1622-1690)
IN ICTU OCULI(EN UN ABRIR Y
CERRAR DE OJOS)
(ALEGORÍA DE LA MUERTE)
1672Óleo sobre lienzo
220 x 216 cmHospital de la
Caridad, Sevilla
Estas pinturas estaban en el sotocoro de la iglesia de la Caridad sevillana y hoy todavía se encuentran in-situ. Se denominan los "Jeroglíficos de las Postrimerias" y en ambas obras se hace una referencia al dilema de conseguir la salvación o la condenación eterna. En el friso del sotocoro había un texto en letras capitales que recoge las palabras de Cristo en el Juicio Final la dirigirse a los bienaventurados: "Escuchad la palabra del Señor: Venid benditos de mi padre, tomad posesión del reino preparado para vosotros desde la creación del mundo porque tuve hambre y me disteis de comer, tuve sed y me disteis de beber, peregriné y me acogisteis, estaba desnudo y me vestisteis, enfermo y me visitasteis, preso y vinisteis a verme". Por lo tanto, sólo conseguirán la salvación eterna aquellos que hayan practicado las obras de caridad. Con este mensaje es más fácil la comprensión de los "Jeroglíficos" denominadas In Ictu Oculi y Finis Gloriae Mundi.
En la obra que contemplamos aparece la muerte llevando debajo su brazo izquierdo un ataúd con un sudario mientras en la mano porta la característica guadaña. Con su mano derecha apaga una vela sobre la que aparece la frase "In Ictu Oculi", en un abrir y cerrar de ojos, indicando la rapidez con la que llega la muerte y apaga la vida humana que simboliza la vela. En la parte baja de la composición aparecen toda una serie de objetos que representan la vanidad de los placeres y las glorias terrenales. Ni las glorias eclesiásticas escapan a la muerte -por lo que aparece el báculo, la mitra y el capelo cardenalicio- ni las glorias de los reyes -la corona, el cetro o el toisón- afectando a todo el mundo por igual ya que la muerte pisa el globo terráqueo. La sabiduría, las riquezas o la guerra tampoco son los vehículos para escapar de la muerte. La filosofía barroca de la "vanitas" difícilmente puede plasmarse mejor en un lienzo. El cuadro está rematado en un arco de medio punto y compositivamente sigue un esquema triangular en el que se inscriben un amplio número de diagonales que dotan de mayor ritmo al conjunto. El fondo en penumbra crea un efecto más dramático y simbólico al sugerir que la muerte sale de las tinieblas y avanza hacia el espectador, dotando de mayor teatralidad a la escena. El contraste entre el negro del fondo y la viveza del colorido de los objetos y las telas también tiene un sentido alegórico. Debido a estos trabajos, Valdés ha cosechado una fama de pintor de la muerte que no merece ya que sólo se preocupó de cumplir a la perfección el encargo de su cliente, obteniendo un resultado de gran impacto visual y espiritual.
FINIS GLORIAE MUNDI
Óleo sobre lienzo, 270 x
216 cm 1671-72, Sevilla,
Hospital de la Caridad
JUAN VALDÉS LEAL
• Los Jeroglíficos de Valdés Leal nos presentan el espectáculo de la muerte y suscitan el problema de la salvación. El término "postrimerías" (término teológico que se refiere a la muerte, el juicio, el infierno y el cielo) pone de relieve cuál era su tema. Las telas representan la muerte y el juicio, mientras que el cielo o el infierno dependen de la balanza. Con el alma pendiente de la balanza, los actos de caridad se convierten en imprescindibles para garantizar su salvación. La idea de la caridad como antídoto de la muerte y camino de salvación conecta las telas de Murillo y el retablo mayor con los Jeroglíficos, unificando su temática.
• En la parte superior de Finis Gloriae Mundi existe un motivo que conecta los Jeroglíficos con las otras obras existentes en la iglesia. Se trata de una mano estigmatizada que aguanta una balanza, alusión simbólica al juicio final. En el platillo de la izquierda están representados los siete pecados capitales mediante animales simbólicos, en el de la derecha los libros de oración y las penitencias (disciplinas, cilicio, cadena). Nos presentan pues los dos aspectos de la muerte, como fin y como principio. La Muerte (In ictu oculi) hace de la existencia terrenal algo fútil y sin sentido, pero al mismo tiempo libera el alma para que sea juzgada según su existencia terrenal (Finis Gloriae Mundi). Pero las oraciones y el arrepentimiento no son suficientes para alcanzar la salvación: implícitamente se nos dice que falta algo para inclinar la balanza del lado de la salvación, y ello está representado por las pinturas de Murillo, las obras de misericordia. Así, el ciclo adquiere un sentido global: la salvación por el ejercicio de obras de caridad.
RESUMEN DE IMÁGENESBarroco
Pintura española
Claseshistoria
Historia del Arte© 2006 Guillermo Méndez Zapata
José de Ribera1ª fase
La mujer barbuda
Características de Caravaggio: tenebrismo (incidencia de la luz)
y naturalismo (realismo personajes).
Inscripción en latínque explica el caso
de Magdalena Ventura
Temas de fenómenos raros de la naturaleza
Pincelada minuciosa y apretada
Pocos personajes en las escenas
Fondos muy oscuros
Claseshistoria
Historia del Arte© 2006 Guillermo Méndez Zapata
José de Ribera (2ª fase)Inmaculada Concepción
Convento de las AgustinasSalamanca
Fusión del tema de la Inmaculada con el de la Asunción
De la Inmaculada tradicional mantiene las letanías
Virgen dinámica que asciende rodeada
de ángeles
Presencia de Dios en la diagonal superior
Etapa influida por colorido neoveneciano (diversidadcromática y luminosidad)
Fuerte influencia en autores españoles
como Murillo
Sustitución del fondo negro por paisajes (cielos, vegetación, etc.)
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Historia del Arte© 2006 Guillermo Méndez Zapata
José de RiberaApolo desollando a Marsias
Profunda diagonal
Contraste Apolo impasibleMarsias sufrimiento extremo
Abundancia de escorzos, diagonales y zigzags
Desequilibrios vacíos - masas
Riqueza cromática
Teatralidad: impotenciaPersonajes secundarios
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Historia del Arte© 2006 Guillermo Méndez Zapata
José de RiberaEl martirio de San Felipe
Ralentización para aumentar dramatismo:
preparación del martirio.Lenta elevación
Amplios espacios vacíos.Contrastes amplio cielo:
azul intenso con blanco y dorado
Zonas personajes apretados atentos
a la acción
Gran corporeidad de las figuras
Escorzos profundos
Realce de ropas rojas del verdugo frente al predominio de
tonalidades oscuras ( marrones, verdes, grises, etc.)
Zonas personajes apretados indiferentes a la acción (destaca
madre con hijo)
Líneas de fuerza ascendentes en mástil y cuerdas
Contraste tensión verdugos y el abandono del santo
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Historia del Arte© 2006 Guillermo Méndez Zapata
José de RiberaEl sueño de Jacob
Cielo ocupa casi dos tercios de la altura
del cuadro
Gran intensidad lumínica
Ropajes del siglo XVII
Predominiode zig-zag
Diagonales
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Historia del Arte© 2006 Guillermo Méndez Zapata
José de RiberaEl patizambo
Personaje deforme y pobre tratado con amabilidad
(simpatía del rostro)
No oculta lodeforme
Abundante paisajeCielo azul con
numerosas nubes
Figura de tamañonatural
Punto de vistaBajo que lo realza resaltado sobre el
cielo del segundo término
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Historia del Arte© 2006 Guillermo Méndez Zapata
Francisco de Zurbarán Apoteosis de Santo Tomás
Composición en tres niveles
Terrenal
CelestialPadres iglesia
CelestialEspíritu Santo
Composición equilibrada
Preocupación porCalidades matéricas
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Historia del Arte© 2006 Guillermo Méndez Zapata
Francisco de ZurbaránFray Gonzalo de Illescas
Equilibrio Horizontalidadalféizar y
mesa
Verticalidad:edificios columna
Volumen de cortinaje equilibra composición
Escena exterior simboliza la caridad
Estudio psicológico del personaje
Simbología:
Juego de lucesExterior-interior pivota en torno a contraluz de columna central
Libros: conocimiento
clépsidra y cráneo fugacidad del tiempo
Perro: fidelidad
Captación del instante(sorprendido trabajando)
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Historia del Arte© 2006 Guillermo Méndez Zapata
Santa Casilda Santa MargaritaFranciso de Zurbarán
Fondos neutros
Figuras de cuerpo entero
Retratos de damas de la época “a lo divino”
Ropajes del siglo XVII
Abundantespliegues Dragón marginado
Armonía cromática
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Historia del Arte© 2006 Guillermo Méndez Zapata
Bodegón de cacharrosFrancisco de Zurbarán
Sobre eje horizontal se desarrollan ejes verticales de los objetos
Fondo oscuro
Incidencia de la luz
Calidades matéricas
Importancia individualizada de cada objeto
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Historia del Arte© 2006 Guillermo Méndez Zapata
Francisco de ZurbaránSan Hugo en el refectorio
Tres planos
1º San Hugo y paje
2º mesa connaturaleza muerta(platos, jarras, pan
adquieren gran protagonismo)
3º San Bruno (centro) y resto de los frailes.
Cuadro en el cuadro:Colores más vivos que contrastan con
blancos de mantel y sayos
Apertura lateral con edificio sobrio
cartujo
Características generales:Contornos nítidos,
estatismo, geometrización, calidades matéricas,
equilibrio líneas horizontales y verticales
Virgen y San Juan(eran protectores de
los cartujos)
Diversidad deblancos
Monjes ajenos a presencia de obispo
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Historia del Arte© 2006 Guillermo Méndez Zapata
Diego Rodríguez da Silva y VelázquezPeriodo juvenil
Vieja friendo huevos
Naturaleza muerta con personajes
Calidades matéricas
Multiplicidad de objetos
Composición en diagonal
Conexión de personajes: mano con botella (vertical)
yy mano con cucharaPredominio de tonos cálidos:
Naranjas, amarillos, ocres, etc.
Contornos todavíaprecisos, de dibujo
firme.
Tenebrismo: contrastes luz-sombra muy marcados.
Joven sale de sombras del fondo
naturalismo Actiutdes reposadas
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Historia del Arte© 2006 Guillermo Méndez Zapata
Diego Rodríguez da Silva y VelázquezEl aguador de Sevilla
Composición basadaen las verticales
Reflejo tres edades del hombre:Anciano ( de perfil) Adulto ( de frente)Joven ( oblicuo)
Nexo de unión:Las manos con la copa.Simbología: transmisión
de la sabiduría
Características generales de primeras obras: contornos precios, tenebrismo acusado, naturalismo, calidades matéricas, tonalidades
cálidas, actitudes reposadas
Gusto por elDetalle: arrugas
y pliegues
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Historia del Arte© 2006 Guillermo Méndez Zapata
Diego Rodríguez da Silva y VelázquezLos borrachos
Naturalismo de personajes: estado de embriaguez, actitudes
Desvergonzadas, gusto por lo feo, ropajes del s. XVII
Personaje de espaldas a contraluz realza
figura iluminada de Baco.Además crea mayor
profundidad en diagonal
Composición centralizada
Se aclaran los fondos
Realce de Baco porluz y por colores cálidosblanco de ropa, rojo de
manto y encarnado luminoso
Contornos nítidos
Predominiode tonos cálido,
terrosos.
Composición en diagonal recesiva
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Historia del Arte© 2006 Guillermo Méndez Zapata
Diego Rodríguez da Silva y VelázquezLa fragua de Vulcano
Composición en veritcal. Cada personaje escalonado para incrementar sensación
de profundidad espacial
Personajes agrupados en una elipse
Estudio anatómicode desnudos
Luz genera
Espacio real: Vulcano y ayudantes tratados con naturalismo
(colores ocres)
Espacio fantasioso:Apolo inundado de luz sobrenatural
Colores anaranjados
Predominio de colores cálidos
Calidades matéricas:Metal incandescenteBruñido de armadura
Características barrocas:Teatralidad, captación del
instante, etc.
Multiplicidad de objetos
Claseshistoria
Historia del Arte© 2006 Guillermo Méndez Zapata
Diego Rodríguez da Silva y VelázquezRetratos ecuestres
Conde-duque de Olivares Príncipe Baltasar Carlos
Caballo en corveta
Coloresplateados
Paisaje en diagonal
Terroso suelo
Verde arboleda
Azules y blancosSierra de
GuadarramaPerspectiva aérea
(escena batalla)
Punto deVista muy
bajo. Proporcionesadaptadas ( iba
encima de puerta)
Contraste masaMarrón del caballo
y ropajes tonos cálidos con fondo
Predominio curvas: patas, grupas, cola
DireccionesOpuestas:crines-fajín
Retratopsicológico
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Historia del Arte© 2006 Guillermo Méndez Zapata
Diego Rodríguez da Silva y VelázquezRendición de Breda
“Las lanzas”
Caballos en oblicuoamplían la profundidad
Lanzas verticalesEjército español bien organizado
(acotan primer término)
Diagonales enmarcan escena principal
Picas irregularesEjército holandés
desordenado
Posible (discutido) autorretrato
Justino de Nassau-Siegen
Ambrosio de Espínola
Gesto amable y generoso
Retratos de personajes de
la época
Perspectiva aérea(fondos verdes
y azules plateados)
Primer plano situado en un espacio de luces y sombras
Riqueza y armonía cromática
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Historia del Arte© 2006 Guillermo Méndez Zapata
Diego Rodríguez da Silva y VelázquezVilla Médicis
Pincelada muy suelta
Pintados alaire libre
Contrasteslumínicos
Paisajeintrascendente
Fusión de colores,dibujo y atmósfera
Claseshistoria
Historia del Arte© 2006 Guillermo Méndez Zapata
Diego Rodríguez da Silva y VelázquezVenus del espejo
Composición basada en diagonal curva(símbolo relajación)
Temática: desnudo en pintura española
Sensualidad y erotismo
Formas curvas
Riqueza cromática
Cortinajerojo
Piel nacarada
Tafetán negro
Sábana blanca
Espejo sostenido por amorcillo:Contraste rostro difuminado, de
facciones groseras y belleza rotunda del cuerpo
Claseshistoria
Historia del Arte© 2006 Guillermo Méndez Zapata
Diego Rodríguez da Silva y VelázquezLas Meninas
perro
Nicolasito Pertusato(pie en animal = anecdótico)
Maribárbola
Mariana Agustina Sarmiento(ofrece agua en búcaro sobre
plato de oro)
Autorretrato(cruz roja de Santiago
pintada con posterioridad)
Reflejados en el espejolos reyes Felipe IV yMariana de Austria
Aposentador real José Nieto
Dama de honorMarcela de Ulloa
GuardadamasDiego Ruiz de Azcona
Isabel deVelasco
Claseshistoria
Historia del Arte© 2006 Guillermo Méndez Zapata
Diego Rodríguez da Silva y VelázquezLas Meninas
Punto de fuga en puerta del fondo
(donde aparece unsegundo foco
de luz)
Foco de luz principalEn ventana lateral de
primer término.
La progresiva gradación de la luz en los personajes
Irán señalando la profundidad a la que se encuentran (mientras más al fondo más oscuros y contornos más
desdibujados = perspectiva aérea
Mitad superior del cuadroDestinado al techo y aCuadros mitológicos
En mitad inferior seDistribuyen personajes
Brazo deAposentador creaLinea de tensión
que nos lleva hasia reflejo de
los reyes
Al aparecer los reyesen reflejo, se introduce
a espectador en escena, pues monarcas quedan detrás
del observador
Figuras de primer término agrupadas de tres en tres
Salón muyelevado
Resto ventanas laterales no dejan pasar la luz,
salvo la última
Pincelada fluida y larga (sólo algunos
detalles con pincel fino)
Gran riqueza cromática
Claseshistoria
Historia del Arte© 2006 Guillermo Méndez Zapata
Diego Rodríguez da Silva y VelázquezLas Meninas
Interpretación A: Velázquez está pintando a los reyes cuando irrumpen en la estancia
la infarta Margarita con su séquito
Interpretación B: Reivindicación de laPintura como arte intelectual
Velázquez aparecePintado junto a los
reyes (inusual).
Dos cuadros de la pared son: Atenea y Aracné (copia de Rubens),
y Apolo y Marsias
El aposentador real, al apartar elcortinaje y parecer estar retirándose
parece invitar al observador a dirigirse hacia él atravesando la profunda estancia
Le fue concedida la cruz de Santiago por empeño del rey (no podían formar parte
de esa orden los que sededicasen a actividades
manuales: la pintura estaba catalogada
como manual))
Bastidor cierraLateral del cuadro
Claseshistoria
Historia del Arte© 2006 Guillermo Méndez Zapata
Diego Rodríguez da Silva y VelázquezLas hilanderas
Tema mitológico principal (Minerva y Aracné)Relegado a un segundo plano
Iluminación del fondo desde
Haz brillante diagonal(espacio irreal)
Escena costumbristaoculta temática mitológica
(AteneaAracné)
Mujeres en distinta posición(escorzo, frente, espaldas, perfil)
Mujer aparta cortinaje como presentando
la escena
Tapiz con el tema el rapto de Europa
(homenaje a Tiziano)
Escena situada anivel superior
como de un escenario
Captación del movimiento
Perspectiva aérea(la figura en sombra del centro potencia
la distancia respecto al fondo iluminado)
Pinceladasuelta
Riqueza cromática
Claseshistoria
Historia del Arte© 2006 Guillermo Méndez Zapata
Diego Rodríguez da Silva y VelázquezLas hilanderas
Significado: superioridad de lasBellas artes sobre las artes manuales
Puttis se dirigen hacia Aracné (símbolo de su
triunfo por lo que Atenea la convertirá en araña)
Damas con ropajesdel s. XVII
representan artes liberales (la música
con violoncelo porquese pensaba que curaba
picaduras de araña
Dama que mira a hilanderasconecta escena del fondo
con primer plano
Aracné triunfadora aparece brillantemente iluminada
Atenea está semioculta por las sombras(pierna desnuda
la delata)
Mujeres forman círculo en ambas composiciones
Claseshistoria
Historia del Arte© 2006 Guillermo Méndez Zapata
Bartolomé Esteban MurilloPeriodo juvenil (frío)
La sagrada familia del pajarito
Fuertes claroscuros
Pinceladas lisas con dibujoBastante preciso
Escena religiosaPresentada como
Costumbrista(naturalismo)
Gusto por loAmable, sereno
Y dulce frenteAl sentido trágicode la mayoría dela pintura barroca
española
distribución equilibrada de masas y vacíos
Predominio deEstructuras piramidales
Claseshistoria
Historia del Arte© 2006 Guillermo Méndez Zapata
Bartolomé Esteban MurilloPeriodo cálido
Visión de San Antonio de Padua
Enormesproporciones
5`6 m.
Mitad inferior organizada según reglas perspectiva lineal renacentista.
Fondo exterior clasicista
Espacio organizado en relación con el espacio arquitectónico que iba a ocupar (capilla San
Antonio de catedral de Sevilla)
Contraste espacio terrenal bien definido
y luz realista
San Antonio en punto de fuga
Zona celestial sinreferencia espacial y luz sobre natural
Obscuridad en círculo donde afloran angelotes
y en el centro la luz dorada envolviendo
al niño
Diagonal dominante
Luz terrenal ilumina deforma realista la estancia
(mesa acontraluz, baldosas, frontal del santo
Claseshistoria
Historia del Arte© 2006 Guillermo Méndez Zapata
Bartolomé Esteban Murillo
Niños comiendo empanadas(periodo vaporoso)
Niños comiendo uvas y melón(periodo frío )
Captación de un momentoque permite adivinar el antes
y el después
Color más transparente y difuminado
Calidadesmatéricas
Mancha verdosa sobre fondo oscuro
realzan niño con el melón
Un foco de luz daunidad, creando
volúmenesy distancias
Trata temas de miseria de forma amable
Mirada cómplice
Claseshistoria
Historia del Arte© 2006 Guillermo Méndez Zapata
Bartolomé Esteban MurilloPeriodo vaporoso
San Francisco abrazando al crucificado
Paisaje simple en la distancia
Inscripición en latínsobre renuncia a
bienes del mundo
Bola del mundo como símbolo
de renuncia a placeres terrenales
Gama de colores muy austera
Escasez de elementos secundarios que distraigan la atención del abrazo
Claseshistoria
Historia del Arte© 2006 Guillermo Méndez Zapata
Bartolomé Esteban MurilloEl buen pastor
Colorido cálido
Formas dulces, invitan
a la ternura
Perspectiva atmosférica los contornos de los objetos
lejanos se difuminan
Características generales
Claseshistoria
Historia del Arte© 2006 Guillermo Méndez Zapata
Bartolomé Esteban Murillo
Inmaculada Concepción del Escorial
Inmaculada Concepciónde Soult
Influencia de Ribera. Inmaculada
dinámica
Rostro idealizadocasi niña
Formas movidas reflejo de
fuerza interior
Elementos simbólicos casi siempre: luna cuarto
creciente con cuernos hacia arriba, angelotes y
túnica blanca con capa azul
Diagonal del manto y angelitos
Otros símbolos a veces:Azucenas, palmas, olivos.
Luz doradasobrenatural
Movimiento acensional acentuado por la
disposición de multitudde angelotes
Desaparecen símbolos superfluos (estaban
en el marco)
Zona de sombra refuerza diagonal
de angelotes
Claseshistoria
Historia del Arte© 2006 Guillermo Méndez Zapata
Bartolomé Esteban MurilloPeriodo vaporoso
Los niños de la concha
Niño Jesús San Juanito
Luz dorada, suaviza contrastesy difumina los contornos
Cordero contempla la escena
(carácter simbólico)
Inscripción: “Ecce Agnus Dei”
Armonía de colorescálidos y fríos
Diagonalldominante