labradores, 17 03002 alicante. españa...labradores, 17 03002 alicante. españa +34 965 218 024 /...

Labradores, 17 03002 Alicante. España

+34 965 218 024 / +34 617 050 603 [email protected] | www.auralgaleria.com

> 2

La galería Aural participa en ARCO 2019 en el programa general de galerías. Ubicada en el Pabellón 9 en

el stand F15, participamos con los artistas: Anna Bella Geiger, Concha Jerez, Fernando Sinaga, Javier

Vallhonrat, José Maldonado, Luis Gordillo, Máximo González y este año marcamos una presencia

especial a Bruno Munari.

Presentamos un proyecto que incide en una reflexión sobre conceptos y planteamientos muy diversos

basados en la investigación, la experimentación y el pensamiento crítico. Ocho artistas significativos de la

escena contemporánea española e internacional que han contribuido con gran coherencia y significancia,

a configurar el contexto actual con sus aportaciones.

Aural Gallery participates in ARCO 2019 in the general program of galleries located at Hall 9 booth F15

where we will show the work of the artists: Anna Bella Geiger, Concha Jerez, Fernando Sinaga, Javier

Vallhonrat, José Maldonado, Luis Gordillo and Máximo González and this year especially of Bruno Munari.

We present a project focused on a reflection of very diverse concepts and approaches in research,

experimentation and critical thinking. Eight significant artists of the contemporary Spanish and

international scene who have contributed with great coherence and meaning, to shape the current

context.

mailto:[email protected]

http://www.auralgaleria.com/



> 3

Anna Bella Geiger (Río de Janeiro, 1933) es una de las artistas brasileñas más valoradas en la escena

internacional, considerada una de las pioneras en utilizar medios no convencionales para experimentar otros

modos de planteamientos y cuestionamientos sobre lo que acontecía en el Brasil de los años 70. Un tiempo

ansioso de libertades en el que la práctica del arte se entendió como un espacio de cuestionamiento e

indagación, en el que afloraba una nueva sensibilidad y que supuso una ruptura respecto a los lenguajes

tradicionales: transversalidad de disciplinas, la integración en el proceso creativo de mecanismos relativos a

la filosofía, la sociología, el psicoanálisis, la política, la tecnología, la cultura popular, la ciencia, la

arquitectura, la música o el lenguaje. Los años 70 son una etapa de debate profundo en la relación entre la

cultura brasileña (periférica) y las culturas europeas y norteamericanas (centralizada). Toda su obra refleja la

idea de la descolonización.

Estimulada por las cuestiones suscitadas por el arte conceptual y el momento político vivido, su producción

de la década de 1970 está marcada por un carácter eminentemente experimental. El fotograbado, la

fotografía, el fotomontaje y fotocopia, la serigrafía, las tarjetas postales, el vídeo, el Súper 8 son algunos de

los medios a través de los cuales se sirve para poner en cuestión la liberación de la autonomía del arte y de

la especificidad de los medios como géneros cerrados manteniendo el pulso con cada uno de ellos en la

tentativa de establecer interdependencias, lo que la lleva posteriormente a trabajar toda una serie de formas

híbridas (objeto-esculturas, grabado-objeto, fotografía-objeto, foto-collage, foto-instalación, video-

instalación). Anna Bella Geiger adopta una postura crítica elaborada mediante la serie, la variación,

mutación y repetición, constituyendo la configuración formal de su trabajo. El medio es sólo una herramienta

para aproximarse a sus grandes temas -las relaciones espaciales y sus propuesta de reescritura del mundo,

los espacios sociales y las corrientes culturales.





> 4

Anna Bella Geiger (Rio de Janeiro, 1933) is one of the most valued Brazilian artists on the international scene,

considered one of the pioneers in using unconventional media to experience other ways of approaching and

questioning what was happening in Brazil. 70s. An anxious time of liberties in which the practice of art was

understood as a space for questioning and inquiry, in which a new sensibility emerged and which supposed a

rupture with respect to traditional languages: transversality of disciplines, integration into the creative process

of mechanisms related to philosophy, sociology, psychoanalysis, politics, technology, popular culture, science,

architecture, music or language. The 70s are a stage of deep debate in the relationship between Brazilian

culture (peripheral) and European and North American cultures (centralized). All his work reflects the idea of

decolonization.

Stimulated by the questions raised by conceptual art and the political moment lived, its production of the

1970s is marked by an eminently experimental nature. Photogravure, photography, photomontage and

photocopy, serigraphy, postcards, video, Super 8 are some of the means through which it is used to question

the liberation of the autonomy of art and art. specificity of the media as closed genres keeping the pulse with

each of them in the attempt to establish interdependencies, which subsequently leads to work a whole series

of hybrid forms (object-sculptures, engraving-object, photography-object, photo- collage, photo-installation,

video-installation). Anna Bella Geiger adopts a critical stance elaborated through the series, variation,

mutation and repetition, constituting the formal configuration of her work. The medium is only a tool to

approach its major themes-spatial relationships and their proposals for rewriting the world, social spaces and

cultural currents





> 5

Local com ondas e meridianos, 2004 Aguafuerte, aguatinta y pan de plata sobre papel

52,5 x 77 cm mancha 70 x 95 cm Enmarcada

Ed. 45/60

_________

Local com ondas e meridianos, 2004

Etching, aquatint and silver bread.

51,5 x 77 cm each | 70 x 95 cm Framed Ed. 45/60





> 6

…com Hirosige para os mares e águas, 1976

Fotograbado en metal, serigrafía, lápiz de color y pande oro.

57 x 57 cm Ed. 16/60

________

…com Hirosige para os mares e águas, 1976

Photoengraving in metal, serigraphy, color pecil

and gold bread.

57 x 57 cm

Ed. 16/60





> 7

___________

Local da Açao 1500 - 1996, 1996 Serigrafía, lápiz de color y pan de oro. 37,5 x 48 cm P.A. V Ed. De 100

Local da Açao 1500 - 1996, 1996 Serigraphy, color pecil and gold bread. 37,5 x 48 cm A.P. V Ed. De 100





> 8

Local da Açao nº 2, 1979

Serigrafía, fotograbado y grabado en metal sobre papel.

38,5 x 39 cm

12/60

Local da Açao nº2, 1979

Serigraphy, photoengraving and metal engraving on paper.

38,5 x 39 cm

12/60





> 9

Local da Açao nº 8, 1980

Serigrafía y grabado en metal sobre papel.

68 x 57,5 cm Ed. 36/60

________ Local da Açao nº 8, 1980 Serigraphy and metal engraving on paper. 68 x 57,5 cm Ed. 36/60





> 10

Local da Açao nº9, 1980 Serigrafía y grabado en metal sobre papel. 68 x 57,5 cm

Edición 44/60

Local da Açao nº9, 1980 Serigraphy and metal engarving on paper. 68 x 57,5 cm Ed. 44/60





> 11

_________

Local da Açao nº1, 1979 Aguafuerte sobre papel. 40 x 46 cm P.A. V Ed. 60

Local da Açao nº1, 1979 Etching on weel paper. 40 x 46 cm A.P. V Ed. 60





> 12


Fotograbado en metal sobre papel lana.

75 x 55,5 cm | 96 x 76 cm (enmarcado)

Edición 18/60


Photoenging on metal on paper

75 x 55,5 cm | 96 x 76 cm (framed)

Ed. 18/60





> 13

__________

Espaço social da arte, 1977 Fotoserigrafía y teto escrito con máquina de escribir. 70 x 90 cm enmarcado. Edición 18/50 Espaço social da arte, 1977 Typewrited photoserigraphy on paper. 70 x 90 cm framed. Ed. 18/50





> 14

_________

Variáveis, 2009

Serigrafia y borado a máquina sobre tela

25 x 30 cm c/u | 84 x 94 cm (enmarcada) Edición 12/25

Vairáveis, 2009 Machine embroided silkscreen on canvas 25 x 30 c/u | 84 x 94 cm (framed) Ed. 12/25





> 15

Equaçoes #5, 1978 Grafito, lápices de colores y frottage sobre hoja pautada de cuaderno escolar. 24 x 32 cm Única.

Equiaçoes #5, 1978 Graphite, color crayons and frottage technique on paper. 24 x 32 cm Unique.





> 16

Equaçoes #13, 1978 Grafito, lápices de colores y frottage sobre hoja pautada de cuaderno. 24 x 32 cm Única.

Equaçoes #13, 1978 Graphite, color crayons and frottage technique on paper. 24 x 32 cm Unique.





> 17

‘El mapa destaca en señalar el espacio político el lugar de la acción, dispuesto para buscar ese papel-espacio y materia, vivido por el espctador aquí y ahora. El papel hace hincapie en señalar el espacio de la obra cuando el lugar d ela accion, dispuesto para ser politico, es el mapa – espacio y representación donde mora la artista. Espacios ambivalentes que requieren un espiritu de mirada plural. Capaz de leer la obra y situarla, como parte integrante de su ser, en su compresión del momento histórico. Momento que se localiza en Rio/brasil/america del sur. Lugar de acción a la vez significante a la vez significado. Semiótica de un espacio ambivalente. La universidad de estoss trabajos tiene lugar en el arte. Arte que se hace aquí: donde vive la artista y donde pone el ojo, - dialogo entre dos tiempos: hacer y ver como momentos de construccion del arte. El arte es intermediario de un momento. Disyunción del espacio, establecimiento de una heterotopia. Aquí es donde yo actuo no alli. Lugar de accion-espacio politico o espacio del ojo -este es el estadio del homo faber. La acción, el conjunto de lugares (las obras) en la construcción de un sistema. Tópica y topológica. Lugar de la alógica. Lugar de acción -debajo del Ecuador, trópico, aquí. Aquí no habita el espacio de poder del arte internacional. Aquí no se hicieron las teorias, no se establecieron las lecturas, no se construyo la historia. Aquí esta el margen. Ex -colonia periferica. Pues aquí nos dice que lo internacional no es necesariamente universal. Y aquí se hace arte. Paulo Herckenhoff





> 18

The map emphasizes in pointing out the political space the place of action, willing to look for that paper-space and matter, lived by the spiker here and now. The paper emphasizes the space of the work when the place of action, ready to be political, is the map - space and representation where the artist dwells. Ambivalent spaces that require a spirit of plural look. Able to read the work and situate it, as an integral part of his being, in his understanding of the historical moment. Moment located in Rio / Brazil / South America. Place of action that is both significant and meaningful at the same time. Semiotics of an ambivalent space. The university of these works takes place in art. Art that is made here: where the artist lives and where she puts her eye, - dialogue between two times: do and see as moments of construction of art. Art is an intermediary of a moment. Disjunction of space, establishment of a heterotopia. This is where I acted not there. Place of action-political space or eye space -this is the stadium of the homo faber. The action, the set of places (works) in the construction of a system. Topical and topological. Allogical place. Place of action - below the equator, tropic, here. Here does not inhabit the space of power of international art. Here the theories were not made, the readings were not established, history was not constructed. Here is the margin. Ex-peripheral colony. Well here it tells us that the international is not necessarily universal. And here art is made.

Paulo Herckenhoff





> 19

Rrollos, 2011 Fotoserigrafía, grabado en metal y collage. 24,5 x 34 x 3 cm Única

Rrollos, 2011 Photo-serigraphy, metal engraving and collage. 24,5 x 34 x 3 cm Unique





> 20

____________

Rrolihno #2, 2001 Tinta china, grafito, frottage sobre papeles diversos y plomo grabado. 7 x 29 x 3 cm Única

Rrolihno #2, 2001 Black ink, graphite, frottage on diverse papers and engraved lead. 7 x 29 x 3 cm Unique





> 21

Los rollos son especialmente importantes. En principio, se hicieron en papel vegetal (años 82 – 83), donde el dibujo

prácticamente crea el rollo, y donde aparecen algunos signos casi como jeroglificos imaginarios (según lo descrito

por el artista) en una forma incipiente. En ese mismo curso, dejan de ser motivo de abstracciones para incorporar

otras cosas: comienzan a ser narraciones. Este priceso de creación de una imagen más compleja le permite

incorporar una superposición de información en capas (varios idiomas, varios mapas, varios planos) y materiales

(papel, plomo, grabado, dibujo). Ahora la matriz y el resultado de la imagen, su negativo y positivo, conectan otras

referencias y dan un sentido temporal que las listas anteriores no tenían.

La nueva serie de rollos sigue siendo un tipo especial de libro – objeto, un vistazo al libro con otro libro de lectura

multiplicativa. Aún más cuanto en los pergaminos convergen en un libro, el mapa y dos instancias culturales: la

lectura de la representación del mundo y de la creación del mundo, a través de una representación geográfica y la

forma cultural de la Tora, donde se encuentra configurada la historia sagrada como un libro del mundo y la geografía

del libro como la génesis de la imagen. Así, el libro – mapa, el territorio – libro, el objeto – mapa, el objeto – libro

convergen, agitando nociones en el área que no es solo plástica sino también intercultural.





> 22

Rolls are specially important in Anna Bella’s work. At the beggining, they were made with vegetal paper ( years 82

– 83), where the drawing practically cretes the scroll, and where some signs almost as imaginari hieroglyphs (as

described by the artist) appear in an incipient form. In that same course, they cease to be grounds for abstractions

to incorporate other things: they start to be narratives. This process of creating a more complex image allows you

to incorporate an overlay of information in layers (several languages, maps, shots) and materials (paper, lead,

etching, drawing). Now the matrix and the result of the image, its negative and positive, connect other references

and give a temporary sense that the previous rolls did not have.

The new series of scrolls are still a special type of book – object, a look at the book with another book of multiplier

reading. Even more when on the scrilles converge in a book, the map and two cultural instances: the reading of the

representation of the world and of the creation of the world, through a geographical representation and the cultural

form of the Tora, where it is configured Sacred history as a book of the world and the geography of the book as the

genesis of the image. Thus, the map-book, book-territory, object-map and object-book converge, stirring notions

in the area that are not plastic but intercultural.





> 23

Concha Jerez (Las Palmas de Gran Canaria, 1941), galardonada con el Premio Nacional de Artes Plásticas 2015, y el

Premio Velázquez en 2017, presenta una de sus piezas relacionadas con la prensa y los medios de comunicación,

que ha venido produciendo desde mediados de los años setenta hasta hoy. Desde 1976, Jerez centra su trabajo en

el desarrollo del concepto de instalación, por lo que concibe sus proyectos como un diálogo entre obra y espacio.

Este planteamiento genera una idea de diálogo temporal y cronológico, donde la ruptura con las prácticas artísticas

convencionales se pone en cuestionamiento para dar paso a otras preocupaciones relacionadas con el momento

histórico y las vivencias del propio artista. Sus puntos en común: el trabajo de arte, como una actividad reflexiva,

tanto mental como experiencial.

La trayectoria de Concha Jerez abarca cuarenta años de actividad artística. Pertenece a la primera generación que

en España se adscribe al arte conceptual en diálogo con la producción Fluxus –especialmente Wolf Vostell– y con

el pionero grupo español ZAJ. Desde 1976 explora el territorio de la instalación in situ a través de proyectos de gran

envergadura, muchos de los cuales adoptan un carácter intermedia. Su trabajo se caracteriza por la utilización de

un amplio repertorio de intereses y medios que abarcan la imagen fija y en movimiento, el texto impreso y el trazo,

la palabra y el silencio, el ruido y la música, los objetos encontrados o construidos, las acciones y la performance, el

arte radiofónico y la interactividad a través de sensores, así como la producción específica para Internet y, siempre,

el diálogo y la interacción con los espacios físicos. Desde la práctica artística Jerez traza estrategias de resistencia y

desmantelamiento de los discursos dominantes, introduciendo a menudo el concepto de interferencia.

Un aspecto común a todo su trabajo es el diálogo e interacción con el espacio físico. A través de todos estos recursos

ha abordado temas de profundo calado social desde una perspectiva crítica: ha analizado los mecanismos de

censura y autocensura, la sociedad de consumo, la cultura del espectáculo, el poder de manipulación de los medios

de comunicación para moldear el pensamiento, el impacto de la publicidad, las diversas formas de control que el

poder político y económico ejerce sobre los individuos, la vigilancia y el sofisticado control que se practica en las

sociedades desarrolladas, o los estrechos márgenes de libertad que permiten los sistemas democráticos.





> 24

Concha Jerez (Las Palmas de Gran Canaria, 1941), winner of the National Prize for Plastic Arts 2015, and the

Velázquez Prize in 2017, presents one of its pieces related to the press and the media, which it has been producing

since mid from the seventies until today. Since 1976, Jerez has focused its work on the development of the

installation concept, which is why it conceives its projects as a dialogue between work and space. This approach

generates an idea of temporal and chronological dialogue, where the break with conventional artistic practices is

put into question to give way to other concerns related to the historical moment and the experiences of the artist

himself. Their common points: the work of art, as a reflexive activity, both mental and experiential.

Concha Jerez's career spans forty years of artistic activity. It belongs to the first generation that in Spain is ascribed

to conceptual art in dialogue with the Fluxus production -especially Wolf Vostell- and with the pioneering Spanish

group ZAJ. Since 1976, it has explored the territory of the on-site installation through large-scale projects, many of

which have an intermediate character. His work is characterized by the use of a wide repertoire of interests and

media that include the fixed and moving image, the printed text and the stroke, the word and silence, noise and

music, found or constructed objects, actions and performance, radio art and interactivity through sensors, as well

as specific production for the Internet and, always, dialogue and interaction with physical spaces. From the artistic

practice Jerez draws strategies of resistance and dismantling of dominant discourses, often introducing the concept

of interference.

A common aspect to all his work is the dialogue and interaction with the physical space. Through all these resources,

it has addressed issues of deep social importance from a critical perspective: it has analyzed the mechanisms of

censorship and self-censorship, the consumer society, the culture of the spectacle, the power of manipulation of

the media to shape thought , the impact of advertising, the various forms of control that political and economic

power exert over individuals, the vigilance and sophisticated control practiced in developed societies, or the narrow

margins of freedom that democratic systems allow.





> 25

Disjointment of a Political Party #2 1974-1976 Collage, pencil, tape y Mercurochrome on paper 79 x 110 cm each Exhibitions Galería Shüppenhauer , Köln. ARCO Madrid, 1999. Interferencias en los medios, MUSAC, León (Spain), 2014. Artissima, Galeria Aural, Torino, Italy, 2015. Pori Museum, Finland, 2016. Las Palmas de Gran Canaria, 2018

Desarticulación de un partido político #2, 1974-1976 Collage, lápiz, cinta y mercromina sobre papel 79 x 110 cm c/u Políptico 240 x 330 cm Exhibitions Galería Shüppenhauer , Köln. ARCO Madrid, 1999. Interferencias en los medios, MUSAC, León (Spain), 2014. Artissima, Galeria Aural, Torino, Italy, 2015. Pori Museum, Finland, 2016. Las Palmas de Gran Canaria, 2018





> 26

This is one of the first conceptual pieces produced by Concha Jerez. In an elliptical way the work reflects facts that were common during the final years of Franco’s dictatorship, when the arrests of members of political parties (still illegal at the time) appeared in the press without mentioning the fierce interrogations and tortures that many of them suffered. The illegible texts, which Jerez describes as self-censored, allude to the gag order imposed on the media by the government, as well as to self-censored language used by the media to avoid fines and the seizure of print runs.

Esta es una de las primeras piezas conceptuales producidas por Concha Jerez. De manera elíptica, el trabajo refleja hechos que fueron comunes durante los últimos años de la dictadura de Franco, cuando los arrestos de miembros de partidos políticos (aún ilegales en ese momento) aparecieron en la prensa sin mencionar los feroces interrogatorios y torturas que muchos de ellos sufrieron. . Los textos ilegibles, que Jerez describe como autocensurados, aluden a la orden de mordaza impuesta a los medios por el gobierno, así como al lenguaje autocensurado utilizado por los medios para evitar multas y la incautación de tiradas impresas.





> 27

Intersección autocensurada #1, #2 #3, 1975

Collage y tinta Rotring sobre papel blanco y cartulina negra.

Tríptico de 56 x 64 cm cada una | Única Obra realizada a partir de la rotura de textos ilegibles autocensurados generados a partir de situaciones concretas vividas por la autora durante el franquismo. Exposiciones Transversales Masters, SUMMA Art Fair, Madrid, 2013 | Back to the future, ARTISSIMA-Torino, Galería Aural, 2015. ____________ Self-censored Intersection #1, #2, #3, 1975 Collage, Rotring ink on white paper and black cardboard. 56 x 64 cm (each) | Unique

Broken self-censored illegible texts based on specific situations the artists lived during Franco’s dictatorship. Exhibitions Transversales Masters, SUMMA Art Fair, Madrid, 2013 | Back to the future, ARTISSIMA-Torino, Galería Aural, 2015.





> 28

PUNTO SINGULAR 2016

Intervención directa con tinta negra, dorada y

plateada sobre impresión digital en papel

Parte de los originales en papel pergamino

42 x 29,5 cm | Originales 59 x 42 cm

1989-2016

Edición 7 + 3 A.P.

Edición Punto Singular | Aural Ediciones

SINGULAR POINT, 2016

Direct intervention with black, gold and silver ink on

digital printing on paper

Part of the originals on parchment paper

42 x 29.5 cm | Originals 59 x 42 cm

1989-2016

Edition 7 + 3 A.P

Singular Point Edition | Aural Editions





> 29

Tiempo Mental, 2016 Textos ilegibles y letras de latón diseminadas sobre el papel lanzando varias veces el dado al azar 97 x 114 cm Única

Mental Time, 2016 Unreadable texts and bronze letters scattered on paper by tossing the dice successively at random 97 x 114 cm Unique





> 30

Fernando Sinaga (Zaragoza, 1951) es heredero de los debates –conceptuales y postminimalistas -que alejaron a

la escultura de la figuración. Inconformista y apasionado, forma parte del selecto grupo de escultores que, a partir

de la segunda mitad de los años 80 y 90, crea un nuevo espacio para la escultura.

Un autor clave para la aproximación al conocimiento del arte y su práctica artística, que habita en un territorio

singular y de “difícil” acceso, pues surge de la profundización de un vocabulario escultórico preciso donde se dan

cita referencias cruzadas a la historia del arte, la sociología, o las teorías de la percepción. Un trabajo que ha sido

calificado de “elaborada escenificación para el desmantelamiento de las concepciones de estilo, autorías,

disciplinas, o teorías de comunicación y significación”, en palabras de Fernando Illana, así como de reflexión en

torno a la “memoria perceptiva”, o elaborado imaginario hermético plagado de trampas de citaciones sucesivas

-que se inician en un espacio de “resistencia”, el de la propia práctica, en la que el autor inscribe sus obras.

“Desde Schwitters, Tatlin y Malevich, el arte europeo trata de reordenar las ruinas y crear un nuevo orden con

los escombros de nuestros recuerdos” afirma Fernando Sinaga, frase recogida en “La poética de lo informe a flor

de piel” por Simón Marchán Fiz (1998). Una afirmación realizada desde la responsabilidad y la consciencia de estar

inscrito –y formar parte- de una historia de las formas en permanente re-construcción, y que atraviesa

cíclicamente crisis sucesivas, en especial a partir de los procesos abiertos con la inclusión de los discursos de un

arte sujeto a condiciones deducidas de la reproducción mecánica. Una reflexión que conduce a la elaboración de

un trabajo que incorpora ecos y resonancias a movimientos artísticos como el constructivista o el post-minimal

–desde una práctica que, paradójicamente, puede ser calificada de (neo)barroca-, y que hace uso de la geometría,

el azar, o la literatura “alquimista” –espejos negros, piedras, metales, sólidos, luz, simultáneos y dobles-, así como

de la sinestesia, o el automatismo –en la selección de lo disponible en el “archivo retiniano”. Una obra que es la

construcción de aquello que transita en los márgenes de lo “no visto”, pero que, sin embargo, es omnipresente.

Un territorio “oculto” plagado de artefactos cuya función principal será precisamente la de ser -si no vistos-

inevitablemente “revelados” o “reconocidos”.





> 31

Fernando Sinaga (Zaragoza, 1951) is heir of the debates - conceptual and postminimalists - that moved to the

sculpture of the figuration. Unconventional and passionate, he is part of the select group of sculptors who, from

the second half of the 80s and 90s, creates a new space for there.

A key author for the approach to the knowledge of art and its artistic practice, which dwells in a unique territory

and "difficult" access, as it arises from the deepening of a precise sculptural vocabulary where cross references to

the history of art, Sociology, or theories of perception. A work that has been described as "elaborated staging for

the dismantling of conceptions of style, authorship, disciplines, or theories of communication and meaning", in

Fernando Illana's words, as well as reflection on "perceptive memory" Or elaborate hermetic imagery plagued by

traps of successive citations - which begin in a space of "resistance", that of the practice itself, in which the author

inscribes his works.

"From Schwitters, Tatlin and Malevich, European art tries to rearrange the ruins and create a new order with the

debris of our memories," says Fernando Sinaga, a phrase collected in "The poetics of the report with leather" by

Simón Marchán Fiz (1998). An affirmation made from the responsibility and the awareness of being inscribed - and

forming part of - a history of forms in permanent re-construction, and that cyclically crosses successive crises,

especially from the open processes with the inclusion of the speeches Of an art subject to conditions deduced from

mechanical reproduction. A reflection that leads to the elaboration of a work that incorporates echoes and

resonances to artistic movements as the constructivist or post-minimalist - from a practice that, paradoxically, can

be described as (neo) baroque - and that makes use of Geometry, chance, or "alchemist" literature - black mirrors,

stones, metals, solids, light, simultaneous and double - as well as synesthesia, or automatism - in the selection of

what is available in the "retinal file". A work that is the construction of that which transits on the margins of the

"not seen", but which, however, is omnipresent. A "hidden" territory plagued with artifacts whose main function

will be precisely to be-if not seen-inevitably "revealed" or "recognized."





> 32

Las bodas de Christian Rosenkreutz, 2005-2013

Madera de pino, teca de Indonesia y cristal estriado.

222 x 160 x 100 cm

Única

Christian’s Rosenkreutz weddings, 2009-2013

Pine wood, Indonesian teak and fluted glass.

222 x 160 x 100 cm

Unique





> 33

El objeto escindido (Block Pininfarina), 2013 - 2016 Latón, acero y DM. 55 x 37,4 x 19,6 cm Única + P.A

The split object (Block Pininfarina), 2013 - 2016 Brass, Steel and DM 55 x 37,4 x 19,6 cm Unique





> 34

‘Existen momentos súbitos que exudan conflictos. Son transferencias inscritas en ciclos donde lo subjetivo atado por lo político se desangra. Momentos, donde todo sucede como un vertedero de afecciones que anticipan y prefiguran las crisis internas de lo social. En la situación actual, el arte como dispositivo emocional dibuja un mapa psíquico que trata de paliar el trastorno mental de nuestro tiempo. Una membrana fotosensible de procesos psicopolíticos instalados en una subjetividad precaria e indefensa. Al capitalismo productivo ya solo le interesa la impotencia social y la crisis del sujeto. Un sujeto infartado, dañado y quebrado que sea incapaz de reaccionar frente a las condiciones y las exigencias actuales. Vivimos ya en un avance hacia una concepción de la vida que actúa desde una globalización de sesgo productivista y consumista que conviene al actual sistema opresivo. El arte entretanto subsiste abarrotado de conflictos inscritos en una subjetividad dañada. La época presente actúa como la horma donde se configura segundo a segundo un adoctrinamiento social y educativo que intenta doblegar al sujeto a través de un estatuto laboral que incorpora recortes sociales cada vez más duros. Unas condiciones y exigencias que están desactivando cualquier posibilidad de protesta y emancipación’.

Fernando Sinaga, 15 de enero de 2016





> 35

'There are sudden moments that exude conflicts. These are the transfers inscribed in the cycles where the subjective and the political are bled. Moments, where everything happens as a dumping ground for affections that anticipate and prefigure the internal crises of the social. In the current situation, art as an emotional device draws a psychic map that tries to alleviate the mental disorder of our time. A photographic membrane of psycho-political processes in a precarious and defenseless subjectivity. Productive capitalism is only interested in social impotence and the crisis of the subject. A subject infarcted, damaged and broken that the sea can not react to the current conditions and demands. We already live in an advance towards a conception of life that works from a globalization of productivity and consumption that suits the current operating system. The meanwhile art remains crammed with conflicts inscribed in a damaged subjectivity. The present era works like the hormone where a social and educational indoctrination is configured second by second, which tries to duplicate the issue through a work statute that incorporates the increasingly hard social cuts. Conditions and demands that are deactivated in any possibility of protest and emancipation. "

Fernando Sinaga, 15 de enero de 2016





> 36

Javier Vallhonrat (Madrid, 1953) desde sus inicios ha trabajo en el campo de la fotografía de moda, de ahí su actitud

frente al arte: el dominio de los códigos y del lenguaje fotográfico. Así, su obra, al mostrar una actitud reflexiva,

puede provocar sorpresa, incluso cierta incomodidad. Sus fotografías pueden no ser amables pero poseen una

belleza formal a caballo entre el esteticismo y el compromiso; no en vano se sirve de métodos procedentes del

minimalismo y del arte conceptual para formular una reflexión sobre los límites del lenguaje y la percepción

fotográfica: la fotografía como lenguaje se coloca en un límite escurridizo e impreciso. Vallhonrat reivindica para la

fotografía una memoria visual y plástica propia pero común a la pintura en lo que se refiere a forma y textura. De

este modo pretende relativizar el lenguaje y obligar a mirar una foto de la misma manera, pausada y cuidadosa. Se

observa en la obra de Javier Vallhonrat un profundo análisis de la fotografía como objeto de reflexión artístico.

Javier Vallhonrat

Javier Vallhonrat (Madrid, 1953) has been working in the field of fashion photography since its inception, hence his

attitude towards art: the mastery of codes and the photographic language. Thus, his work, by showing a reflective

attitude, can cause surprise, even a certain discomfort. His photographs may not be friendly but have a formal

beauty halfway between aestheticism and commitment; not in vain it uses methods from minimalism and

conceptual art to formulate a reflection on the limits of language and photographic perception: photography as a

language is placed in an elusive and imprecise limit. Vallhonrat vindicates for photography a visual and plastic

memory of its own but common to painting in terms of shape and texture. In this way he tries to relativize the

language and force to look at a photo in the same way, slow and careful. Javier Vallhonrat's work shows a deep

analysis of photography as an object of artistic reflection.

Javier Vallhonr





> 37

Políptico 496, 2017 Políptico de cuatro fotografías color, impresión de tintas pigmentadas sobre papel de archivo y Dibond. 146 x 183 cm Edición 1/2 + 1 P.A.

Políptico 496, 2017 Four color photography poliphtic, pigmented ink printed on paper and Dibond. 146 x 183 cm Edition 1/2 + 1 P.A.





> 38

“La sombra incisa”, 2016-2018 Durante las últimas dos décadas, Javier Vallhonrat se ha interesado por explorar distintos aspectos de la relación hombre- naturaleza, poniendo el foco en la conciencia de la experiencia, la vulnerabilidad y la incertidumbre, experiencias que parecen perderse en la hipertecnificada sociedad actual, donde la necesidad de control y predicción se hace dolorosamente visible en el creciente e insensato intento de domesticar la naturaleza. Los proyectos que desarrolla en espacios naturales definidos por sus particulares condiciones geofísicas y meteorológicas exploran aspectos fenoménicos de su experiencia en ellos, siendo los conceptos de itinerario, permanencia, fragmento, contexto y proceso sus principales argumentos. “La sombra incisa" (2016-2018), se desarrolla como modelo provisional de relación -de orden afectivo y metafórico- con el Glaciar de la Maladeta, en los Pirineos, reducto glaciar único en la Europa meridional. En un tiempo acelerado de espejismos de instantaneidad y virtualidad, las condiciones del medio imponen lentitud y experiencia de lo físico, prolongada en la acción de permanecer en el borde del glaciar - un gesto infantil, poético y absurdo- llevando a cabo simultáneamente registro, itinerario, permanencia y acompañamiento de esta entidad única que desaparece inevitablemente. Madrid, enero 2019





> 39

"La sombra incisa", 2016-2018

During the last two decades, Javier Vallhonrat has been interested in exploring different aspects of the man-nature relationship, focusing on the awareness of experience, vulnerability and uncertainty, experiences that seem to be lost in today's hyper-technified society, where The need for control and prediction becomes painfully visible in the growing and foolish attempt to tame nature. The projects developed in natural spaces defined by their particular geophysical and meteorological conditions explore phenomenal aspects of their experience in them, being the concepts of itinerary, permanence, fragment, context and process their main arguments.

"La sombra incisa" (2016-2018), is developed as a provisional model of relationship -of affective and metaphorical order- with the Maladeta Glacier, in the Pyrenees, the only glacial redoubt in southern Europe. In an accelerated time of mirages of instantaneity and virtuality, the conditions of the environment impose slowness and experience of the physical, prolonged in the action of remaining on the edge of the glacier - a childish, poetic and absurd gesture - carrying out simultaneously record, itinerary , permanence and accompaniment of this unique entity that inevitably disappears.

Madrid, January 2019





> 40

José Maldonado (Madrid, 1962) se autocalifica como productor de sentido estético (des_artista). Pertenece a

esa generación de artistas autodidactas cuyo trabajo comenzó en el '82, el mismo año en que se fundó ARCO.

Su carrera y su nivel de relevancia continúan en aumento desde entonces siendo cada vez más

multidisciplinario: música, sonido, video, fotografía, imagen digital, instalaciones, etc. Aunque en 2009 vuelve

a la pintura, una actividad que abandonó a finales de los80, sus últimos trabajos son cada vez más

multidisciplinares: música, sonido, vídeo, fotografía, imagen digital, instalaciones, manteniendo un creciente

interés por la hibridación entre pintura, dibujo, el arte procesual y de concepto, admás de las tecnologías y

soportes tecnológicos en desuso.

El proyecto de arte que ha estado desarrollando durante los últimos 15 años se centra en la imposibilidad de

construir una imagen y una representación de la realidad que sea completa e íntima, a la vez que se puede

establecer un vínculo de comunicación profundo. Su trabajo surge de la sospecha, pero también de la

convicción de la extrema dificultad de la lectura y del malentendido dado, la obra de arte y el trabajo del artista

que trata de evitar la suposición de un vacío o hiancia, un espacio en blanco o un agujero negro, donde la

comunicación se produce de una manera no regulada (explosiva e implosiva).





> 41

Jose Maldonado (Madrid, 1962) he describes himself as a producer of aesthetic sense (des_artista). He belongs

to that generation of self-taught artists whose work began in '82, the same year that ARCO was founded. His

career and his level of relevance continue increasing since then being more and more multidisciplinary: music,

sound, video, photography, digital image, installations, etc. Although in 2009 he returned to painting, an

activity that he abandoned at the end of the 80s, his latest works are increasingly multidisciplinary: music,

sound, video, photography, digital image, installations, maintaining a growing interest in the hybridization

between painting, drawing, procedural and concept art, besides the technologies and technological supports

in disuse.

The art project he has been developing for the last 15 years focuses on the impossibility of building an image

and a representation of reality that is complete and intimate, while at the same time establishing a bond of

profound communication. His work arises from suspicion, but also from the conviction of the extreme difficulty

of reading and the misunderstanding given, the work of art and the work of the artist who tries to avoid the

assumption of a vacuum or a blank, a blank or a black hole, where communication occurs in an unregulated

manner (explosive and implosive).





> 42

Bola de cristal #1, 2005

Infografía, impresión sobre papel Lambda montaje Diasec

bajo metacrilato, forex sobre estructura de

aluminio.

Única

Bola de cristal #1, 2005

Infography printed on Lambda paper assembly

Diasec under methacrylate, forex on structure of

aluminum.

100 x 100 cm

Unique





> 43

Espejo Obscuro #2, 2005

Infografía, impresión sobre papel Lambda

montaje Diasec bajo metacrilato, forex sobre

estructura de

aluminio.

100 x 100 cm

Única

Espejo Obscuro #1, 2005

Infographic printed on Lambda paper assembly

Diasec under methacrylate, forex on structure of

aluminum.

100 x 100 cm

Unique.





> 52

In ictu oculi... finis gloriae mundi

‘La serie de trabajos infográficos realizados a partir del año 2003 surgen de un proyecto previo que se desarrolló a finales de los años 90 en torno a la idea de reflexión y difracción de la luz, y por tanto de la imagen, y de la grabación,

recuerdo mecánico y archivo, de la misma.

En estos trabajos, además, giran, orbital, en torno a la idea de un "Futuro Ciego” ( Futuro Ciego. Kuntshalle Innsbruck. 1998. Proyecto colectivo comisariado por José Luis Brea ): hay un presente, la imagen reflejada, un pasado, la imagen grabada… pero, pudiendo haber un futuro, este es ciego, pero “imaginable”. La formalización de este proyecto ( Futuro Ciego ) quedaba expresada a través de grandes muros cubiertos por cinta de vídeo, VHS, que contenían la grabación de alguien, un sujeto anónimo, que trata de leer, ver, e interpretar el futuro en una bola de cristal… no hay más futuro que el “imaginado” en base a todo lo que lo impulsa y proyecta… amplitud de probabilidad. Tanto los espejos obscuros como las bolas de cristal forman parte de esta idea en desarrollo durante esos años. Aún hoy sigo trabajando en este asunto que se construye en torno a la dificultad de lectura y los procesos entrópicos, es decir el tiempo, su flecha, y el destino ( aquello que tiende a frio y se aleja de la luz que todo lo da a ver )

Tanto “Bola de cristal” como “Espejo obscuro” son objetos que muestran alteraciones al ser re-expuestos a la luz. Esta se refleja y difracta en ellos transformando su apariencia y mostrándonos estados diferentes de una misma sustancia-imagen al ser expuesta a una radiación Lumínica inesperada intensa y cercana… el espejo se vuelve ciego y obscuro al devolver tanta luz como recibe, se bloquea y solo quedan marcas de polvo y grasa que por su distancia a la superficie, ínfima, se reflejan duplicándose (reflejo por refracción). Solo nos queda como testigo la difracción arco iris de La Luz en el bisel del espejo, un plano inclinado, un ángulo que deviene punto de vista, como el polvo refractado; en la bola de cristal La Luz, al realizar un viaje de ida y vuelta en el interior de la bola produce una interferencia por difracción y una línea de luz horizontal refractada que tratan de llevar el objeto a un estado plano en lo real de la imagen… a un presente con un futuro, aún otra vez, ciego y probable… pero aun así, incierto. Los objetos están tan vacíos como cuando todavía no eran… pero iluminados y vueltos a presentar en un estado otro:“diferido”‘ Vanitas vanitatum, et omnia vantas.





> 53

In ictu oculi ... finis gloriae mundi ‘The series of infographic works made since 2003 arise from a previous project that was developed at the end of the 90s around the idea of reflection and diffraction of light, and therefore of the image, and of the recording, mechanical memory and file, of it. In these works, moreover, they revolve, orbital, around the idea of a "Blind Future" (Blind Future, Kuntshalle Innsbruck, 1998. Collective project curated by José Luis Brea): there is a present, the reflected image, a past, the recorded image ... but, being able to have a future, this one is blind, but "imaginable." The formalization of this project (Blind Future) was expressed through large walls covered by videotape, VHS, which contained the recording of someone , an anonymous subject, who tries to read, see, and interpret the future in a crystal ball ... there is no future other than the "imagined" based on everything that drives and projects ... amplitude of probability. As crystal balls are part of this idea in development during those years, I am still working on this issue that is built around reading difficulty and entropic processes, that is, time, arrow, and destiny ( what t it goes cold and it moves away from the light that gives everything to see) Both "Crystal Ball" and "Dark Mirror" are objects that show alterations when being re-exposed to light. This is reflected and diffracted in them transforming their appearance and showing us different states of the same substance-image when exposed to an intense and close unexpected light radiation ... the mirror becomes blind and dark when it returns as much light as it receives, blocks and only there are marks of dust and grease that, due to their distance to the surface, are tiny, they are reflected doubling (reflection by refraction). Only the rainbow diffraction of La Luz in the bezel of the mirror, an inclined plane, an angle that becomes a point of view, like the refracted dust; in the crystal ball The Light, when making a round trip inside the ball, produces a diffraction interference and a refracted horizontal line of light that try to bring the object to a flat state in the real thing of the image ... to a present with a future, yet again, blind and probable ... but still, uncertain. The objects are as empty as when they were not yet ... but illuminated and re-presented in a different state: "deferred" ‘. Vanitas vanitatum, et omnia vantas.





> 54

Bruno Munari (Milán 1907 - 1998). Considerado uno de los más grandes protagonistas del arte y el diseño del siglo XX,

ha aportado contribuciones fundamentales en diversos campos de la expresión visual (pintura, escultura,

cinematografía, diseño industrial, diseño gráfico) y a la escritura, poesía, didáctica con una investigación polifacética

sobre temas como el movimiento, la luz y el desarrollo de la creatividad o la fantasía en la infancia mediante el juego.

Munari constituye una figura "leonardesca" dentro del Novecento italiano s. XX. Participa a una edad muy temprana en

el futurismo, del cual se destacan su sentido del humor y ligereza, inventando la Máquina Aérea (Macchina Aerea, 1930),

el primer "móvil" de la historia del arte, y las "Máquinas Inútiles" (Macchine inutili, 1933), mecanismos presentados

como modelos experimentales que investigan las posibilidades de percepción, lo que lo convierte en un precursor del

arte óptico. En 1948, junto a Gillo Dorfles, Gianni Monnet, Galliano Mazzon y Atanasio Soldati, funda el MAC

(Movimiento de Arte Concreta) que sirve como punto de encuentro de las muestras abstractas italianas en una

prospección de "síntesis de las artes", en grado de incorporar a la pintura tradicional nuevos instrumentos de

comunicación y de demostrar a los industriales y 'artistas-artistas' la posibilidad de una convergencia entre arte y técnica.

En 1947 realiza "Cóncavo-convexo", casi en paralelo aunque de forma precedente, a los ambientes negros que Lucio

Fontana presentó en 1949 en la Galleria Naviglio de Milán. Es la señal evidente de una maduración de la problemática

de un arte que se hace ambiental y en el que el usuario está exhortado, no sólo mentalmente, sino también de un modo

multi-sensorial.

En 1950 realiza la "pintura proyectada" mediante composiciones abstractas encerradas dentro de diapositivas y

descompone la luz mediante el uso de un filtro Polaroid, realizando en 1952 la "pintura polarizada", que presenta en

el MoMA en 1954 con la muestra "Munari's Slides". Es además considerado uno de los protagonistas del arte

programado y cinético, pero sobresale por la multiplicidad de sus actividades y por su grande e intensa creatividad.



https://es.wikipedia.org/wiki/Movimiento_futurista

https://es.wikipedia.org/wiki/Gillo_Dorfles

https://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Gianni_Monnet&action=edit&redlink=1

https://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Galliano_Mazzon&action=edit&redlink=1

https://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Atanasio_Soldati&action=edit&redlink=1

https://es.wikipedia.org/wiki/Museum_of_Modern_Art



> 55

Bruno Munari (Milan 1907 - 1998). Considered one of the greatest protagonists of art and design of the 20th century, he has contributed fundamental contributions in various fields of visual expression (painting, sculpture, cinematography, industrial design, graphic design) and writing, poetry, didactics with research multifaceted on topics such as movement, light and the development of creativity or fantasy in childhood through the game.

Munari is a "leonardesc" figure in the Italian Novecento. XX. He participates at a very early age in futurism, which highlights his sense of humor and lightness, inventing the Air Machine (Macchina Aerea, 1930), the first "mobile" of art history, and the "Useless Machines" (Macchine Inutili, 1933), mechanisms presented as experimental models that investigate the possibilities of perception, which makes it a precursor of optical art. In 1948, together with Gillo Dorfles, Gianni Monnet, Galliano Mazzon and Atanasio Soldati, he founded the MAC (Concrete Art Movement) that serves as a meeting point for Italian abstract exhibitions in a "synthesis of the arts" prospecting, in degree to incorporate new communication tools into traditional painting and to demonstrate to industrialists and 'artists-artists' the possibility of a convergence between art and technique. In 1947 he made "Concave-convex", almost in parallel but in a previous way, to the black environments that Lucio Fontana presented in 1949 at the Galleria Naviglio in Milan. It is the evident sign of a maturation of the problematic of an art that becomes environmental and in which the user is exhorted, not only mentally, but also in a multi-sensorial way.

In 1950 he made the "projected painting" by means of abstract compositions enclosed within slides and decomposed the light by means of the use of a Polaroid filter, realizing in 1952 the "polarized painting", which he presented at the MoMA in 1954 with the sample "Munari's Slides" . He is also considered one of the protagonists of programmed and kinetic art, but stands out for the multiplicity of his activities and for his great and intense creativity.

.





> 56

Negativo-Positivo, 1957 Silkscreen on paper. 27.8 x 24.6 cm Unique Color proof. Signed and dated “Munari 1957” COA by the artist n. 0594 290

Negativo-Positivo, 1957 Silkscreen on paper. 30.3 x 25 cm. Unique color proof Signed and dated “Munari 1957” COA by the Artist n. 0594 289

Negativo-Positivo, 1957 Serigrafía sobre papel. 27,8 x 24,6 cm Única Prueba de color única Firmada y fechada“Munari 1957” COA by the artist n. 0594 290

Negativo-Positivo, 1957 Serigrafía sobre papel. 30,3 x 25 cm Única Prueba de color única Firmada y fechada“Munari 1957” COA by the artist n. 0594 290





> 57

Negativo-Positivo, 1957 Silkscreen on paper

31.3 x 25 cm Unique color proof Signed and dated “Munari 1957”COA by the artist n. 0594 286

Negativo-Positivo, 1957 Silkscreen on paper

22.2 x 22.9 cm Unique color proof Signed and dated “Munari 1957” COA by the artist n. 0594 280

Negativo-Positivo, 1957 Silkscreen on paper 30 x 25 cm Unique color proof Signed and dated “Munari 1957” COA by the artist n. 0954 284

Negativo-Positivo, 1957 Serigrafía sobre papel 31,3 x 25 cm Única Prueba de color única. Firmada y fechada“Munari 1957” COA by the artist n. 0594 290

Negativo-Positivo, 1957 Grabado sobre papel 22,2 x 22,9 cm Única Prueba de color única. Firmada y fechada“Munari 1957” COA by the artist n. 0594 290

Negativo-Positivo, 1957 Grabado sobre papel 30 x 25 cm Única Prueba de color única. Firmada y fechada“Munari 1957” COA by the artist n. 0594 290





Composizione a luce polarizzata n. 5 y n. 6 1953-1960 Polarized light photographs (series composed by two pieces) 30 x 30 cm each | Unique piece

Composizione a luce polarizzata n. 5 and n. 6 1953-1960 Polarized light photographs (two pieces) 30 x 30 cm each Unique

Composizione a luce polarizzata n. 5 y n. 6 1953-1960 Fotografías de luz polarizada (dos piezas) 30 x 30 cm c/u Única





> 59

…Fatto sparire il campo…, 1930 aprox. Collage y técnica mixta sobre cartulina 19,5 x 16 cm Única Sello de Studio Boggeri S.A. Milano en la parte trasera y selllo del Ministerio de la Aeronautica – Cabinetto del ministerio

...Fatto sparire il campo…, 1930 circa Collage and mixed media on cardboard 19.5 x 16 cm Unique On the back a stamp by Studio Boggeri S.A. Milano, and a stamp by Ministero dell’aeronautica – Cabinetto del ministero





> 62

Scultura da viaggio 524, 1987 Cardboard 65.5 x 53 cm Unique Unique piece Signed and dated COA by the artist

Quadrati Rotanti, 1986 Copper, iron and rotating electric motor 90 x 28.5 cm Edition 5/6

Macchina inutile, 1948-95 Iron, aluminum and rope 89 x 10 x 30 cm Edition 1/6

Scultura da viaggio 524, 1987 Cartulina 65,5 x 53 cm Única Pieza única firmada y fechada COA por el artista.

Quadrati Rotanti, 1960-1986 Cobre, hierro y motor eléctrico giratorio 90 x 28,5 cm Edición 5/6

Machina inutile, 1948-95 Hierro, aluminio y cuerda 89 x 10 x 30 cm Edición 1/6





> 61

Luis Gordillo (Sevilla, 1934), es uno de los pintores españoles más destacados, referenciales e influyentes de la

creación pictórica española de los últimos 50 años. Obtiene algunos de los más altos reconocimientos como

son Premio Velázquez (2007), Premio Nacional de Artes Plásticas (1981) y Premio Nacional de Arte Gráfico

(2012). Luis Gordillo inicia su trayectoria en los años cincuenta cuando viaja a París y entra en contacto con el

arte europeo de entonces, en especial con autores como Wols, Dubuffet, Michaux y Fautrier. En sus primeras

obras se puede apreciar la influencia del surrealismo y de Tàpies para más tarde incorporar una iconografía

que lo asocia a principios de los años 70 con el pop art.

Su trayectoria, marcada por un permanentemente caracter renovador del lenguaje pictórico, por su afán

experimental y el cambio de registros en su producción, ha sido enmarcada dentro de la abstracción, una

definición que encorseta su trabajo que va más allá, en un afán de descubrimiento de nuevos horizontes

plásticos. El uso de diferentes medios en su proceso de trabajo como la fotofrafía, entre otros, le ha llevado a

desarrollar un universo paralelo donde, superando la abstracción, conviven en el mismo plano referncias a la

realidad, o a partes de la misma, con elementos imaginados, plenamente abstractos, simbólicos o narrativos.

En definitiva, un lenguaje propio, rico y complejo, donde plasma sus obsesiones ye incertidumbre

repetidamente, a modo de cartografía mental.

Para esta edición de Arco presentamos una obra única y muy especial de reciente creación que se configura

dentro de una idea que permanece en sus últimas creaciones y que forma parte de su proceso pictórico más

genuino.





> 62

Luis Gordillo (Sevilla, 1934), is one of the most outstanding Spanish painters, referential and influential of the

Spanish pictorial creation of the last 50 years. He obtains some of the highest awards such as the Velázquez

Prize (2007), the National Plastic Arts Prize (1981) and the National Graphic Art Prize (2012). Luis Gordillo

began his career in the fifties when he traveled to Paris and came into contact with European art at the time,

especially with authors such as Wols, Dubuffet, Michaux and Fautrier. In the first works you can see the

influence of Surrealism and Tàpies to later incorporate an iconography that associates it at the beginning of

the 70s with pop art.

His trajectory, marked by a permanent and renovating character of the pictorial language, by its experimental

condition and the change of registers in its production, has been framed within the abstraction, a definition

that encloses his work that goes beyond, in a moment of discovery of new plastic horizons. The use of different

media in their work process such as photofraph, among others, the development of a parallel universe, the

overcoming of abstraction, coexist on the same plane references to reality, or parts of it, with imaginary

elements, fully abstract, symbolic or narrative. In short, a language of its own, rich and complex, where he

repeatedly captures his obsessions and uncertainty, a way of mental mapping.

This edition of Arco presents a unique and very special work of recent creation that is configured within an

idea that remains in his latest creations and that is part of his most genuine pictorial process.





> 63

Keops Psychoanálisis, 2013 Acrílico sobre lienzo

149 x 189,5 cm

Única

Keops Psychoanalisis, 2013

Acryclic on canvas

149 x 189.5 cm

Unique





> 64

S/T , 2011 Ténica mixta sobre cartulina 75 x 78 cm Única _____________

Untitled, 2011 mixed technique on card 75 x 78 cm Unique





> 65

… actua de modo similar al subconsciente, en el que, siguiendo al psicoanálisis conviven todos los estratos de la psique del individuo. Esta paradoja se une a inesperados cambios de registro o, incluso a la aplicación simultánea de grafías y estilos opuestos en un mismo período creativo… …Gordillo se centra en una acumulación visaceral, una corporalidad blanda que se confunde con imágenes que muestran geometrías alteradas y mecánicas disfuncionales… …La hibridación que empaña la pintura de Gordillo remite a las múltiples facetas de la psique humana y relaciona su obra con el concepto de “rizoma”…

... Action in a similar way to the subconscious, in which, following psychoanalysis, all strata of the psyche of the individual coexist. This paradox is linked to unexpected changes in the registry or, even in the simultaneous application of spellings and styles in the same creative period ... ... Gordillo focuses on a visaceral accumulation, a white corporation that is confused with images that show altered geometries and dysfunctional mechanics ... ... The hybridization that tarnishes Gordillo's painting refers to the multiple facets of the human psyche and the relationship with the work with the concept of "rhizome" ...





> 66

Máximo González (Paraná, Entre Ríos, Argentina, en 1971), estudió en el Instituto de Arte Josefina Contte, en

Corrientes, donde obtuvo la licenciatura en Artes Visuales. Ha trabajado intensamente creando proyectos artísticos

públicos en toda Argentina. Desde 2003, Máximo vive y trabaja en la ciudad de México y Alicante.

Sus instalaciones, murales y tejidos hechos de billetes de divisas mundiales, videos, objetos simbólicos y performance,

despliegan una gran variedad de materiales y mensajes. Infundiendo a los objetos cotidianos una delicadeza artesanal, la

obra de González genera nuevas e inesperadas reflexiones en relación a la utilidad y el valor. Transforma lo mundano en

objetos bellos y preciados que se convierten en símbolos del momento que estamos viviendo. Relacionando procesos

tradicionales como tejidos de telar y recorte de papel con la política y la historia social contemporánea, González utiliza

la artesanía para generar nuevas narrativas a partir de eventos históricos y de la memoria colectiva.

“El artista se mueve entre temas del poder, la economía, la globalización y las culturas familiares. En proceso

transformativo, reutiliza y recicla materiales e ideas para crear un concepto y lenguajes nuevos y, por ende, expresar

ideas nuevas para, finalmente, inducir a reflexiones nuevas”.

Texto en catálogo exposición “POGO” por el Instituto Cultural Cabañas (2015).





> 67

Máximo González (Paraná, Entre Ríos, Argentina, in 1971), studied at the Art Institute & nbsp; Josefina Contte,

in Corrientes, where she obtained a degree in Visual Arts. He has worked intensely creating public artistic

projects throughout Argentina. Since 2003, Máximo lives and works in Mexico City and Alicante.

Its facilities, murals and fabrics made from world currency notes, videos, symbolic objects and performance,

display a wide variety of materials and messages. Infusing everyday objects with a delicacy of craftsmanship,

González's work generates new and unexpected reflections in relation to utility and value. Transforms the

mundane into beautiful and precious objects that become symbols of the moment we are living. Linking

traditional processes such as weaving looms and cutting paper with politics and contemporary social history,

González uses handicrafts to generate new narratives based on historical events and collective memory.

"The artist moves between issues of power, economy, globalization and family cultures. In a transformative

process, it reuses and recycles materials and ideas to create a new concept and languages and, therefore, to

express new ideas to, finally, induce new reflections".

Text in catalog exhibition "POGO" by the Cabañas Cultural Institute (2015).





> 68

Ejercicio de proyección #2, 2019 Alambres, clavos, lienzo, enamel Díptico 130 x 80 cm c/u Única

Projection exercise # 2, 2019 Wires, nails, canvas, enamel Diptych 130 x 80 cm each Unique





> 69

BIOGRAFÍAS ANNA BELLA GEIGER (Río de Janeiro, 1933) reside y trabaja en Rio de Janeiro.

Geiger se embarcó en su carrera artística a principios de los años 1950 al asistir a las clases de dibujo, pintura y grabado impartidas por Fayga Ostrower (1920-

2001) en Río de Janeiro. Al mismo tiempo, estudió Lingüística, Lengua y Literatura Anglo - germánica en la Facultad Nacional de Filosofía (UFRJ -Universidade

Federal do Rio de Janeiro). Siguiendo el ejemplo de Ostrower, Geiger estableció su propio estilo en la abstracción informal y participó en la I Exposição Nacional

de Arte Abstrata (Primera Exposición de arte abstracto), que se celebró en el Hotel Quitandinha de Petrópolis, en 1953. Para entonces, eran pocos los artistas

brasileños que seguían las tendencias artísticas abstractas, que no experimentarían un auge significativo hasta finales de la década.

En 1954 vive en Nueva York, donde acude a clases de historia del arte, con Hannah Levy, en el Metropolitan Museum of Art - MET (Museo Metropolitano de Arte)

y, como oyente, a cursos que se imparten en la New York University. La artista imparte aún docencia en la Escuela de Artes visuales Parque Lage y en el Instituto

Superior de Bellas Artes en HISK, Belgium. Regresa a Brasil al año siguiente y entre 1960 y 1965 participa en el taller de grabado en metal del Museu de Arte

Moderna do Rio de Janeiro - MAM/RJ (Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro), donde pasa a impartir clases después de tres años. En ese periodo,

completamente dedicada al grabado, ella pasa a desarrollar una figuración de base abstracta. De 1965 a 1968, atraviesa la que se conoce como su fase visceral,

que contienen la investigación de la realidad orgánica, mediante la representación fragmentada del cuerpo, como referencia a un posible mapa del microcosmos.

Ha ganado premios internacionales, como el de la Casa de las Américas (La Habana), de la primera Bienal de Dibujo de Buenos Aires, de la Bienal de Pintura de

Cuenca y el Premio de Crítica de la Asociación Brasileña de Críticos de Arte (ABCA) por su trayectoria artística. En 2004, recibió la insignia de la Orden de la Cruz

del Sur del Ministerio de Asuntos Exteriores de Brasil, y en 2010, la insignia de la Orden del Mérito Cultural por representar la tradición, la vanguardia y las distintas

corrientes de creación cultural y artística de Brasil. La artista imparte aún docencia en la Escuela de Artes visuales Parque Lage y en el Instituto Superior de Bellas

Artes en HISK, Belgium. Anna Bella Geiger ha participado en numerosas exposiciones y bienales en Brasil y en todo el mundo, entre ellas, las bienales de Sao Paulo

(desde 1961, ha participado en la VI hasta la XV ediciones), Venecia (1980), La Habana y Porto Alegre (1997).





> 70

Entre sus individuales destacan “Geografía física y humana” CAAC de Sevilla en 2016 y en La Casa Encendida en 2017; Circa MMXVI New and previews works,

Mendes Wood DM, São Paulo, Brasil en 2016; Gaveta de Memórias, Espaço Cultural Municipal Sérgio Porto, Rio de Janeiro, Brasil en 2016; PINTA. London, Solo

Project, Galería Aural (2014); ARCO’14. Solo Project, Galería Aural (2014); Anna Bella Geiger-CIRCA MMXIV; Ni más ni menos, en la galería Aural de Alicante (2014);

Anna Bella Geiger-Circa MMXIV, A Imaginação é um Ato de Liberdade, Mendes Wood DM, Sao Paulo (2014); Retrospectiva da Coleção João Sattamini, MAC Niterói

(2012); CIRCA MMXI, SESC. Flamengo, Río de Janeiro (2011); Fotografía além da Fotografía, Paço Imperial do Rio de Janeiro ; CIRCA 2006 creó la video-instalación

para el proyecto Breath para la Eva Klabin Foundation de Río de Janeiro; On a Certain Piece of Land –The Red Gate Gallery Beijing (2005); ANNA BELLA GEIGER –

Arbeiten von 1975 bis 1995, Galerie Bernd Slutzky de Frankfurt (1995); Instalación O pao nosso de cada dia, Bienal de Venecia (1980); PROJECTIONS XXI The

Museum of Modern Art N.Y., EEUU. (1978).

En 2011 participa en exposiciones internacionales como Radical Women: Latin American Art, 1960–1985 Hammer Museum- Los Angeles; ENCONTROS COM

ARTISTAS DO RESPIRAÇÃO Casa Museu Eva Klabin Foundation, Río de Janeiro en 2017; Europalia en Bélgica; en Modern Women Single Channel en el MOMA y PS1

de New York; en Como nos miran en el CGAC de Santiago de Compostela; Mercosul Biennial Geopoéticas, Porto Alegre; La idea de América Latina, en el CAAC de

Sevilla; Elles @, en el Centro Georges Pompidou de París; La Mancha Humana colecciones, en el conceptual CGAC de Santiago de Compostela; Lectura 1: Brazil, en

el MACBA de Barcelona; Homeland-Kraj-OPOLE, en la Sztucki Gallery en Polonia (2008); When ever it starts is the right time, en la Kunstverein de Frankfurt; Feminist

Art Revisited 1960-1980, Galeria Lelong, París(2007).

La obra de Anna Bella Geiger está presente en los mejores museos y colecciones internacionales, tales como el MOMA de Nueva York, el Centro Georges Pompidou

de París, La Getty Collection de los Angeles, Frac Lorraine de Metz, Victoria & Albert Museum y Tate Gallery de Londres, en el Museo Reina Sofía de Madrid, el

MACBA de Barcelona y el CGAC de Santiago de Compostela, Frac Lorraine de Metz en Francia. Así como en colecciones privadas en Latinoamérica, EEUU y Europa.

Recibe la beca del Guggenheim Award, New York en 1982, Bolsa Vitae 2000 de São Paulo y el SESC –Prize 2010, entre otras.



http://www.auralgaleria.com/anna-bella-geiger-radical-women-latin-american-art-1960-1985-hammer-museum-los-angeles/

http://www.auralgaleria.com/anna-bella-geiger-encontros-com-artistas-do-respiracao-casa-museu-eva-klabin-rj/

http://www.auralgaleria.com/anna-bella-geiger-encontros-com-artistas-do-respiracao-casa-museu-eva-klabin-rj/



> 71

ANNA BELLA GEIGER (Rio de Janeiro, 1933) lives and works in Rio de Janeiro. She is considered one of the most important contemporary Brazilian artists of the twentieth century. She has devoted her entire career to research and the artistic experimentation around the debate between art and society, and as a teacher to the formation of the new generations. She was one of the first conceptual artists and a pioneer in the use of video in Brazil. Stimulated by the questions raised by conceptual art and the political moment lived (military dictatorship 1964-1985), her production of the 1970s is marked by a highly experimental nature: gravure, photography photomontage, screen printing, photocopying, postcards, video, Super 8, which subsequently leads to work on a variety of hybrid forms (object-sculpture, engraving-object-subject photography, photo-collage, photo-installation, video installation), in that bluring of boundaries between themselves and with the idea of passage, of the returning to the nomadic exile and to continuous motion. Perhaps, being the daughter of immigrants and living in Rio de Janeiro, trigered her to deal with the problems of adaptation, mimesis, exchange and ubiquity, finding the global in the local and vice versa. In the works that dialogue with the conceptual aspects, she investigates the ontological character of art. Anna Bella Geiger also examines the cultural and political systems that create and perpetuate the art. Among solo exhibitions we highlight PINTA in London, Solo Project, Aural Gallery (2014); ARCO'14. Solo Project, Aural Gallery (2014); Anna Bella Geiger-CIRCA MMXIV. Ni Más Ni Menos, in Aural Gallery, Alicante (2014); Anna Bella Geiger-Circa MMXIV, A Imaginação é um Ato de Liberdade, Mendes Wood DM, Sao Paulo (2014); Retrospective da Coleção João Sattamini, MAC Niterói (2012); CIRCA MMXI, SESC. Flamengo, Rio de Janeiro (2011); Fotografía além da Fotografía, Paço Imperial do Rio de Janeiro ; She participated in the 8th São Paulo Bienale; CIRCA 2006 created the video installation for the Breath Project for the Eva Klabin Foundation in Rio de Janeiro; On a Certain Piece of Land -The Red Gate Gallery Beijing (2005); ANNA BELLA GEIGER - Arbeiten von 1975 bis 1995, Galerie Bernd Slutzky of Frankfurt (1995); O pao nosso de cada dia, installation for the Venice Biennale (1980); PROJECTIONS XXI The Museum of Modern Art N.Y., USA. (1978). In 2011 she participates in international exposiciciones such as Europalia in Belgium, Modern Women Single Channel at MoMA and PS1 in New York, Como Nos Miran at the CGAC of Santiago de Compostela, the 8th Mercosul Biennial Geopoetics Porto Alegre, La idea de América Latina en el CAAC, Seville. Elles @ at the Centre Georges Pompidou in Paris; La Mancha Humana colecciones en el conceptual, CGAC of Santiago de Compostela; Lectura 1: Brazil at the MACBA in Barcelona; Homeland-Kraj-OPOLE in Sztucki Gallery in Poland (2008) Whenever It Starts Is The Right Time at the Kunstverein in Frankfurt; Feminist Art Revisited 1960- 1980, Lelong Gallery, Paris (2007). Her works are in collections such as the MoMA-New York, Centre Georges Pompidou in Paris, Victoria Albert Museum in London, Los Angeles Getty Collection, The Collection of Harvard Fogg, MACBA Barcelona, MAM Rio de Janeiro and Sao Paulo, USP MAC, Tate Modern in London, and received the Guggenheim Fellowship Award, NewYork in 1982, The Bolsa Vitae 2000 of São Paulo and the SESC Prize 2010. She studied philosophy, Anglo-Germanic languages, linguistics and literature. She still teaches at the School of Visual Arts Parque Lage and tat he Higher Institute of Fine Arts in HISK, Belgium.





> 72

CONCHA JEREZ (Las Palmas de Gran Canarias, 1941) Vive y trabaja en Madrid.

Artista InterMedia. Diploma de High School en la Washington Lee High School (Estado Unidos). Concha Jerez se licenció en Ciencias Políticas y cursó la carrera de piano en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid. A partir de 1970 se dedica profesionalmente al Arte. Ha compaginado su producción con la docencia, siendo profesora asociada de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Salamanca entre 1991 y 2011. Desde 1989 ha desarrollado importantes proyectos internacionales en colaboración con el artista y compositor José Iges.

Realiza obras individuales diversas, de forma continuada, desde 1973 hasta el momento actual en España, Portugal, Francia, Bélgica, Holanda, Dinamarca, Suecia, Finlandia, Italia, Alemania, Austria, Polonia, República Checa, Estados Unidos, Mexico y Argentina. Desde 1976 centra su trabajo en el desarrollo del concepto de Instalación, como obra In Situ, en espacios concretos de gran envergadura -muchos obras con caracter InterMedia-, ampliando desde comienzos de los 80 su actividad a la Performance y desde princípios de los 90 a Conciertos InterMedia y a la creación de obras de Arte Radiofónico. En esta línea ha realizado obras de Arte Radiofónico para emisoras como la ORF, Radio France, RAI, BBC, YLE, la ABC de Australia, la WDR de Colonia y RNE.

Entre sus actividades individuales, caben destacar un gran número de Instalaciones de gran formato (muchas de ellas Instalaciones InterMedia en las que se incluyen el vídeo y el sonido entre otros medios), Exposiciones, Acciones, Performances, muchas de las cuales con el compositor y artista InterMedia José Iges, con quien también trabaja en muchos proyectos desde 1989. También con este artista ha realizado obras de Arte para internet, Conciertos InterMedia, e Instalaciones InterMedia sonoras y visuales. A partir de 1998 la interactividad desarrollada a través de sensores ocupa un lugar esencial en las obras con Iges.

Tiene obra permanente en museos como el Moderner Kunst Museum de Nörkoping (Suecia), Museo Vostell de Malpartida, Staatsgalerie de Stuttgart, Museum Wiesbaden, ARTIUM , Museo Centro de Arte Reina Sofía (MCARS), Museo de Bellas Artes de Santander, Museo Jovellanos, MUSAC de León, Museo de Villafamés y en colecciones como la de la Fundació Caixa de Pensions de Barcelona, la de la Comunidad de Madrid, Brigitte March de Stuttgart, Schüppenhauer de Köln, Colección Pilar Citoler, Colección Lafuente, entre otras.

2011 fue galardonada con la medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes.

2015 con el Premio Nacional de Artes Plásticas. Y en 2017 obtvo el Premio Velázquexz de Artes Plásticas.

Sus obras forman parte de las colecciones permanentes de importantes museos europeos como el Moderner Kunst Museum de Nörkoping (Suecia), Museo Vostell

Malpartida (Cáceres), Staatsgalerie Stuttgart, Museum Wiesbaden, ARTIUM (Vitoria) , Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, Museo de Bellas Artes de

Santander, Museo Casa Natal de Jovellanos, Museo de Arte Contemporáneo de Vilafamés, Colección de Arte Contemporáneo Comunidad de Madrid, Caja Burgos,

Biblioteca Nacional, MUSAC de León, CAAM (las Palmas de Gran Canaria). Así como en diferentes colecciones corporativas y privadas: Colección “La Caixa”, Brigitte March

de Stuttgart, Schüppenhauer de Colonia, Pilar Citoler y Archivo Lafuente, entre otras.





> 73

CONCHA JEREZ (Las Palmas de Gran Canaria, 1941) lives and works in Madrid. Concha Jerez´s path covers forty years of artistic activity. She belongs to the first generation in Spain ascribed to conceptual art in dialogue with the production of Fluxus, mostly with Wolf Vostell- and the pioneering Spanish group ZAJ. Since 1976 she explores the territory of on-site installation through large projects, many of which take an intermedia character. Her work is characterized by the use of a wide range of interests and media, covering the still and moving image, the printed text and the trace, the word and the silence, noise and music, objects found or constructed, actions and performance, radio art and interactivity via sensors and the specific production for Internet, and always in dialogue and interaction with the physical spaces. From the artistic practice, Jerez traces strategies of resistance and dismantels the dominant discourse, often introducing the concept of interference. A common aspect in of all her work is a dialogue and interaction with the physical space. Through all these resources she has addressed issues of deep social significance from a critical perspective, she has analyzed the mechanisms of censorship and self-censorship, the consumer society, the culture of spectacle, the manipulating power of the media to shape thinking, the impact of advertising, the various forms of control that the political and economic power have on individuals, the sophisticated surveillance and control that is practiced in developed societies, and the narrow margins of freedom that the democratic systems allow. Concha Jerez has studied Political Science and piano at the Madrid Royal Conservatory. She has combined her praxix with teaching, being associate professor at the Faculty of Fine Arts of the University of Salamanca between 1991 and 2011. In the last twenty years she has developed important international projects in collaboration with artist and composer José Iges. In 2011 she was awarded the Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes, and in 2015 the National Prize of Visual Arts. She has exhibited in galleries such as Galerie Schüppenhauer Köln, Angel Romero Gallery, Galerie Brigitte March Stuttgart, Gallery Evelio Gayubo of Valladolid, Lüpke Gallery of Frankfurt, Sandman & Haak Gallery of Hannover, Saro León Gallery of Las Palmas de Gran Canaria, Adora Calvo Gallery of Salamanca, and Aural Gallery of Alicante. Her works are in the permanent collections of major European museums like the Museum Moderner Kunst Norkoping (Sweden), Museo Vostell Malpartida (Cáceres), Staatsgalerie Stuttgart, Museum Wiesbaden, ARTIUM (Vitoria), Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía in Madrid Museum of Fine Arts of Santander, Museo Casa Natal de Jovellanos, Museum of Contemporary Art in Vilafamés and MUSAC in León. As well as in various corporate and private collections: "La Caixa" Foundation Collection Madrid, Caja Burgos, National Library, Brigitte March Stuttgart, Cologne Schüppenhauer Collection Citoler Pilar and Archive Lafuente, ZKM (Zentrum Karlsruhe für Medientechnologie), among others.





> 74

FERNANDO SINAGA (Zaragoza, 1951) Vive y trabaja en Salamanca.

Su formación artística transcurre en la ciudad de Zaragoza hasta el comienzo de sus estudios de Bellas Artes en Barcelona donde obtiene la Beca Amigó Cuyás en 1972 y la Beca

Castellblanch en 1973. En 1976 finaliza sus estudios en la Escuela Superior de Bellas Artes de Madrid y recibe el Premio de la Dirección General de Bellas Artes. En 1983, y debido

a su interés por los estudios goetheanos, obtiene una beca de la Fonds für freie Erziehung, de Zürich, para proseguir sus estudios sobre la teoría del color. En 1984 recibe una nueva

beca de Investigación para estudiar la Escultura Pública en USA y a su vuelta de Estados Unidos obtiene una plaza de profesor en la Facultad de Bellas Artes de Salamanca, fijando

su residencia en esta ciudad hasta el momento presente.

La exposición de Sinaga El Desayuno Alemán (1986), celebrada en la Galería Villalar de Madrid reveló la obra de este artista dentro de la escena española de los 80 y desde entonces

su trabajo se ha expuesto en diferentes galerías y museos de España, Francia, Bélgica, Alemania y U.S.A., habiendo expuesto su obra en Mincher /Wilkox Gallery de San Francisco

(1990); en la Galería Donald Young de Chicago (1988) y en las Galerías m-Bochum (1989) y Friebe en Lüdenscheid (1991), Alemania. En 1989 participa en la XX Bienal International

de Sao Paulo, Brasil y en A ras du sol, le dos au mur, Centre Albert.

Borschette, Bruxelles, Bélgica. En 1990 en Cadran Solaire, Troyés, Francia; en 1991 en Kunst Europa, Staatliche Kunsthalle Berlín y en 1992 en la 5. Triennale Fellbach, Alemania. Su

trabajo ha representado a nuestro país en el Pabellón de España de la Expo de Hannover 2000 y su obra "Cuerpo Diamantino” fue expuesta en la exposición Arte en España, 1997-

2002, Obras de la Colección Arte Contemporáneo del Patio Herreriano en la Sala de Exposiciones Manege de Moscú (2002). En el año 2005 fue incluido en la exposición celebrada

en Nueva York, Elevage de poussière and other optical labyrinths en The Annex y en el año 2010 participó en la exposición El ángel exterminador del Palais de Beaux Arts, BOZAR,

Bruselas. Su exposición Ideas K del MUSAC de León (2011), se presentó en el CACGM de Braganza y en el MACA de Alicante en el año 2013. Ese mismo año su obra se incluyó en la

exposición Mínima resistencia. Entre el tardomodernismo y la globalización: prácticas artísticas durante las décadas de los 80 y 90 del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía,

Madrid. Su trayectoria artística ha recibido el reconocimiento público de la Fundación Valparaíso de Almería, del Premio Villa de Madrid a la mejor exposición de escultura celebrada

en esta ciudad en el año 2001 y del Premio Aragón Goya 2010, otorgado por el Gobierno de Aragón a su trayectoria artística destacada.

Su obra está representada en colecciones tanto privadas como públicas como en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS); Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM); Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (MUSAC); Kunstsammlung der Ruhr-Universität Bochum, Alemania; Instituto Aragonés de Arte y Cultura Contemporánea (IAACC) Pablo Serrano de Zaragoza; Museo Patio Herreriano de Valladolid; Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo de Badajoz (MEIAC); Fundació Pilar i Joan Miró de Palma de Mallorca; Colección Alexander von Berswordt-Wallrabe, Bochum; Museo Vostell, Malpartida de Cáceres; Colección Centro de Arte y Naturaleza de Huesca (CDAN); Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo de Vitoria-Gasteiz (ARTIUM); Colección Banco de España, Madrid; Centro de Arte Contemporânea Graca Morais, Braganza; Colección Domus Artium de Salamanca; Fundación Coca Cola de Madrid; Fundación Caja Madrid; Museo Regional de Arte Moderno de Cartagena, Murcia (MURAM); Colección Oliva Arauna de Madrid; Colección Mincher-Wilkox de San Francisco; Colección Luis Adelantado de Valencia; Colección Prosegur de Madrid; Colección Fernando Latorre de Madrid; Colección Karen & Gianni Giacobbi de Palma de Mallorca; Colección Adolfo Sobrino de Santiago de Compostela; Colección Salvador Díaz de Madrid; Colección Elvira González de Madrid; Colección Max Estrella de Madrid; Colección Fernando Illana de Vitoria; Colección olorColor de Barcelona, Colección Asociación de la Prensa de Aragón de Zaragoza; COLECCIÓNNORTE, Gobierno de Cantabria de Santander; Colección Goldman and Sachs, Londres; Colección Adora Calvo de Salamanca; Colección Meana-Larrucea, Colección Pilar Citoler.





> 75

FERNANDO SINAGA (Zaragoza, 1951) Lives and works in Salamanca.

His work has been exhibited in galleries and museums in Spain, Germany and the United States. His solo shows in galleries include El Desayuno Aleman, Gallery Villalar de Madrid (1986) and has since then exhibited in galleries like Miguel Marcos Gallery, Bochum Gallery in Germany (1989), Mincher / Wilcox Gallery in San Francisco, U.S.A. (1990), Oliva Arauna Gallery, Gallery Luis Adelantado, Juana Aizpuru Gallery, Gallery Gianni Giacobbi, Salvador Diaz Gallery, Galeria Fernando Latorre, Bores & Mallo Gallery, Galería Max Estrella, Gallery VGO, Vanguard Gallery, Blue Cube Gallery, Galería SCQ, Trayecto Gallery, Adora Calvo Gallery, Aural Gallery. He has participated in shows such as Art Los Angeles, Art Cologne, Art Basel, ForoSur, Artissima, ArteSantander, ArtValencia, Art Lisbon and ARCO, since 1986. In 1989 he participated in the XX International Biennial of São Paulo, Brazil; in 1992 at the V Triennale Felbach, Germany; Agua Amarga, Fundació Pilar i Joan Miró, Mallorca (1996); Polaroids 1995-1997, Sala Robayera, Miengo, Santander (1997); Double Reverse, Palacio de los Condes de Gabia, Granada (1998); Fernando Sinaga, Sculptures 1991-1999, Sala Amárica, Vitoria-Gasteiz (1999); Exhibition at the Pavilion of Spain in the Universal Exhibition of Hannover (2000); Cor Duplex Pablo Serrano Museum of Zaragoza, La estancia inhóspita at the IVAM, Valencia and On Prediction, Museo Vostell Malpartida de Cáceres (2005); Area, Domus Artium (DA2), Salamanca (2006); Pantallas espectrales sobre el Ebro, Auditorium, University of Zaragoza (2009); A Ras de Suelo, Palau Solleric, Palma de Mallorca and Fernando Sinaga Ideas K, Museo de Arte Contemporaneo de Castilla y Leon, MUSAC, León (2012); Fernando Sinaga. Ideas K, Contemporary Art Center Graca Morais, CACGM, Bragança and Museum of Contemporary Art of Alicante, MACA, Alicante (2013). Interested in public art, he has carried out several projects, often in collaboration with architects. The latest: El escalofrío retiniano located in the City of Arts and Sciences of Valencia, with Santiago Calatrava, Viombo in the Botanical Garden od Gijón (2002) and Pantallas Espectrales sobre el Ebro in Zaragoza (2008). His works are in the permanent collections Centro de Arte Reina Sofia National Museum, Madrid; Instituto Valenciano de Arte Moderno, Valencia; Kunstsammlung der Ruhr-University, Bochum, Germany; Museo Pablo Serrano, Zaragoza; Museo Patio Herreriano, Valladolid; Extremaduran and Latin American Museum of Contemporary Art, Badajoz; Museum Vostell Malpartida, Cáceres; Collection CDAN, Huesca; Artium, Basque Centre-Museum of Contemporary Art, Vitoria-Gasteiz; Museum of Contemporary Art Aragon, Monasterio de Veruela, Zaragoza. Government of Aragon, Zaragoza; National University of Distance Education, Madrid; Diputación Provincial de Zaragoza; Prosegur Collection, Madrid. Castilla y Leon, Valladolid; Community of Murcia; Domus Artium, Salamanca; Collection Ayuntamiento de Alcobendas, Madrid; Collection Ibercaja, Zaragoza; Collection Caja de Burgos; Ministry of Education and Science, Zaragoza; Collection City of Miengo, Santander; Sports Council Collection, Madrid; Fundació Pilar i Joan Miró a Mallorca; Collection Press Association of Aragon, Zaragoza; Coca Cola Foundation, Madrid; Fundación Caja Madrid; Collection City of Alcaniz, Teruel; Professional Football Foundation, Madrid; Cortes de Aragon, Zaragoza; Collection and Goldman Sachs, London; Collection Bank of Spain, Madrid; Esséncies Collection, Barcelona.





> 76

JAVIER VALLHONRAT (Madrid, 1953) Vive y trabaja en Madrid.

Licenciado en Bellas Artes y en Psicología, este artista elige la fotografía como su medio privilegiado de investigación, explorando sus límites como lenguaje, y haciéndolo dialogar

con la pintura, el vídeo, la performance, la palabra o la instalación.

A lo largo de más de tres décadas, ha simultaneado el desarrollo de su obra con una actividad docente impartida en instituciones públicas y privadas de Austria, Bélgica, Canadá,

España, Francia, Finlandia, Italia, Japón, Méjico y Reino Unido. Durante los últimos cinco años ha trabajado en entornos donde se dan condiciones y procesos geoclimáticos

particulares, llevando a cabo proyectos de prolongada duración que continúa desarrollando en la actualidad. En este contexto se inscribe el proyecto "Eolionimia", 2011-2015,

perteneciente al conjunto de trabajos que lleva por título "Interacciones".

Entre sus individuales en galería podemos destacar galería Buades y galería Aele (1983), Les Somnambules Gallery, Toulouse (1987), Van Melle Gallery, Paris (1988); Parco

Photographers Gallery, Tokyo (1990); L.A. Galerie, Frankfurt, Alemania (1091); Hamiltons Gallery, Londres (1992); Prinz Gallery, Kyoto (1993); Galería Juana Mordó, Madrid (1994);

Hamiltons Gallery, London (1995); Gilbert Brownstone Gallery, Paris y Hamiltons Gallery, Londres (1997); Galería Helga de Alvear, Madrid (1999); Galerie Emmanuel Perrotin,

París (2002); Galeria Pelaires, Palma de Mallorca (2014); Galeria Aural, Alicante y galería Juan Silió (2015).

Expone individualmente en el Pori Taidemuseo, Pori de Finlandia y Museo Nacional de Bellas Artes, Caracas, Venezuela (1986); Monasterio de Veruela, Zaragoza (1993); Museo

Santa Mónica, Barcelona (1996); Centre National de la Photographie, Paris (2003); Fundación Telefónica, Madrid (2004); Sala del Canal de Isabel II. PhotoEspaña y Macedonian

Museum of Contemporary Art, Tesalónica, Grecia (2014); Interacciones en el Museo Universidad de Navarra de Pamplona y en el CGAC de Santiago de Compostela, y La Senda y

La Trama en el Casal Solleric de Palma de Mallorca (2015).

La obra de este artista se encuentra en colecciones como la del Museo Reina Sofía de Madrid, , Colección Banesto de Madrid, Colección Fondo de Cultura de Vigo, Fondos de Arte

Contemporáneo Universidad Politécnica de Valencia, Fundación Tous-de-Pedro de Barcelona, Museo de Badajoz, Museo de Bellas Artes de Álava, Museo Palacio de Sátago de

Zaragoza, Colección Banco de España de Madrid, Colección de Fotografía de la Comunidad de Madrid, Colección Pilar Citoler, Colección Fondos Museo Universidad Navarra,

Collection Paris Audio-Visuel, Paris. FRAC Rhône-Alpes, Lyon, (Francia); Maison Européene de la Photo, Paris; Musée Cantini, Marseille, (Francia); Musée Réattu, Arles, (Francia);

el Gran Duc Jean de Luxemburgo, International Polaroid Collection, Boston, (USA); Philadelphia Museum of Art, Philadelphia, (USA); The Beulh Collection, (USA); The Marsh

Collection, Londres; Claudia & Michael Loulakis Collection, Frankfurt (Alemania).

Se han publicado 16 monografías de su obra, habiendo sido reconocido su trabajo con numerosos galardones, entre los que cabe destacar el Premio Nacional de Fotografía, el

Premio de Fotografía de la Comunidad de Madrid, el Premio de Fotografía del Ayuntamiento de Madrid y el Premio Bartolomé Ros de PhotoEspaña. Ha

sido galardonado con el Silver Award of New York Times Magazine, 1994; Award of Excellence. The Society of Newspaper Design, 1995; Premio Nacional de Fotografía, Ministerio

de Cultura, 1995; The Art Directors Club 76th Annual Awards, New York, 1997; Premio PhotoEspaña, 2007; Premio Villa de Madrid de Fotografía, 2009; Premio Comunidad de

Madrid de Fotografía, 2009.





> 77

JAVIER VALLHONRAT (Madrid, 1953) Lives and works in Madrid.

Bachelor of Fine Arts and Psychology, this artist chooses photography as his privileged means of research, exploring its limits as a language, and making it dialogue with painting, video, performance, speech or installation. Throughout more than three decades, he has combined the development of his work with a teaching activity in public and private institutions in Austria, Belgium, Canada, Spain, France, Finland, Italy, Japan, Mexico and the United Kingdom. During the last five years he has worked in environments where particular geoclimatic conditions and processes are present, carrying out projects of long duration that he continues to develop at present. In this context, the "Eolionimia" project, 2011-2015, belongs to the group of works entitled "Interacciones". Among his individual gallery we can highlight Buades Gallery and Aele Gallery (1983), Les Somnambules Gallery, Toulouse (1987), Van Melle Gallery, Paris (1988); Parco Photographers Gallery, Tokyo (1990); THE. Galerie, Frankfurt, Germany (1091); Hamiltons Gallery, London (1992); Prinz Gallery, Kyoto (1993); Juana Mordó Gallery, Madrid (1994); Hamiltons Gallery, London (1995); Gilbert Brownstone Gallery, Paris and Hamiltons Gallery, London (1997); Helga de Alvear Gallery, Madrid (1999); Galerie Emmanuel Perrotin, Paris (2002); Galeria Pelaires, Palma de Mallorca (2014); Aural Gallery, Alicante and Juan Silió gallery (2015). Exhibits individually in the Pori Taidemuseum, Pori of Finland and National Museum of Fine Arts, Caracas, Venezuela (1986); Monastery of Veruela, Zaragoza (1993); Santa Monica Museum, Barcelona (1996); Center National de la Photographie, Paris (2003); Fundación Telefónica, Madrid (2004); Channel Room of Isabel II. PhotoEspaña and Macedonian Museum of Contemporary Art, Thessaloniki, Greece (2014); Interactions at the University of Navarra Museum in Pamplona and at the CGAC in Santiago de Compostela, and La Senda and La Trama at the Casal Solleric in Palma de Mallorca (2015). The work of this artist is found in collections such as the Reina Sofía Museum in Madrid, the Banesto Collection in Madrid, the Vigo Culture Fund Collection, Contemporary Art Funds, the Polytechnic University of Valencia, the Tous-de-Pedro Foundation in Barcelona, the Museum of Badajoz, Museum of Fine Arts of Álava, Palace Museum of Sátago de Zaragoza, Collection Bank of Spain of Madrid, Collection of Photography of the Community of Madrid, Pilar Citoler Collection, Collection of Wallpapers Museo Universidad Navarra, Collection Paris Audio-Visuel, Paris . FRAC Rhône-Alpes, Lyon, (France); Maison Européene de la Photo, Paris; Musée Cantini, Marseille, (France); Musée Réattu, Arles, (France); the Grand Duc Jean of Luxembourg, International Polaroid Collection, Boston, (USA); Philadelphia Museum of Art, Philadelphia, (USA); The Beulh Collection, (USA); The Marsh Collection, London; Claudia & Michael Loulakis Collection, Frankfurt (Germany). 16 monographs of his work have been published, his work having been recognized with numerous awards, including the National Photography Prize, the Photography Prize of the Community of Madrid, the Photography Prize of the Madrid City Council and the Prize Bartolomé Ros of PhotoEspaña. He has been awarded the Silver Award of New York Times Magazine, 1994; Award of Excellence The Society of Newspaper Design, 1995; National Photography Prize, Ministry of Culture, 1995; The Art Directors Club 76th Annual Awards, New York, 1997; PhotoEspaña Award, 2007; Villa de Madrid Award for Photography, 2009; Madrid Community of Photography Award, 2009.





> 78

JOSÉ MALDONADO (Madrid, 1962) Vive y trabaja en Valencia.

Licenciado en Bellas Artes (Universidad de Salamanca) e inicia su actividad docente en la Facultad de Bellas Artes de Cuenca de la Universidad de Castilla-La Mancha. Actualmente es profesor de Nuevos Medios en La Facultad de bellas artes de la Universidad Miguel Hernández de Altea. Alicante.

Desarrolla su actividad creativa en galerías de ámbito nacional e internacional como Galería Villalar, Galería Juana Mordó, Galería Siboney, Galerie Denise Van de Velde de Aalst

(Bélgica), Galería Miguel Marcos, Galería Antoni Estrany, Galerie Froment et Putman de París, Galería Estrany de la Mota, Galería Palma Dotze, Galería Helga de Alvear, Galería

Trayecto, Galería Aural., así como en numerosas instituciones públicas o privadas, representando a España en diferentes muestras internacionales:

La exposición Imágenes tradicionales & Nuevas imágenes tradicionales (Juana Mordó, 1989) hace patente el viraje intelectual que imprime que a su obra. Abandona sus

propuestas iniciales para adoptar una pintura de tesis, con la, a partir de referencias no figurativas y una lectura lingüística de la disciplina, entra en el análisis de los mecanismos

de percepción y representación pictórica. 15/20 OK (Capilla de Oidor de Alcalá de Henares, 1990), 2 Cegazones (Antoni Estrany, 1991) y Cámaras Hidráulicas (1992) ejemplifican

el grado de complejidad formal y significante que alcanzan sus instalaciones, soluciones tridimensionales en las que escenifica y hace transitables los juegos perceptivos y

conceptuales que insinúa en sus pinturas, desafíos intelectuales para los que se vale de las fisuras que el lenguaje y la mirada presentan como sistemas de interpretación

y vías de conocimiento.

De forma individual se ha mostrado su obra en Museo Municipal de Bellas Artes de Santander (1985); Espacio Caja Burgos y Fundación Espai Poble Nou de Barcelona (1993); La

Gallera, Consorcio de Museos de La Generalitat Valenciana en Valencia (1999); Espai Cuatre / Casal Solleric. Palma de Mallorca (2009).

Ha participado en exposiciones colectivas en instituciones públicas como Arte Sonoro en España: 1961-2016 en la Fundación Juan March (Mallorca-Cuenca-Madrid); Carnet de

Voyages, Fondation Cartier, Jouy-en-Josas (1990); Última Visión, España, Cuatro Jóvenes Artistas, Exposición itinerante, Instituto de Cooperación Iberoamericana, Buenos Aires,

Caracas, Santiago de Chile y Sao Paulo (1991); Pabellón Español, Expo 92, de Sevilla, en Historia Natural (El doble hermético), Centro Atlántico de Arte Moderno, Las Palmas de

Gran Canaria (1992); Prospect 93, Frankfurter Kunstverein, Schirn Kunsthalle, Frankfurt (1993); Architecture(s), CapcMusée d'art Contemporain, Bordeaux, Francia (1995);

Introversions, Museu d'Art Contemporani de Barcelona (MACBA), Barcelona (1997); Essays & Embryos. 13 Contemporary Spanish Artists. Enzo Gallo Fine Art, Inc. Florida (1997);

El punto ciego. Spanische Kunst der 90er, Kunstraum Innsbruck, Innsbruck. Austria (1998); Mínima resistencia. Entre el tardomodernismo y la globalización: prácticas artísticas

durante las décadas de los 80 y 90. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS). Madrid (2013); y en ferias internacionales como Art Cologne, Köln (Alemania), Kunst

Rai 89, Amsterdam, FIAC, Art Athina 3'95, Atenas, Art Basel, Art Chicago, Art Forum Berlin, ARTISSIMA-Turín, ARCO desde 1985 hasta hoy.

Su obra está reprresentada en las colecciones del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, Colección la “Caixa” de Barcelona, Banco de España de Madrid, BMG Ariola

de Madrid, Caja de Ahorros Municipal de Burgos, Ayuntamiento de Pollensa de Mallorca, Fundación Alemana para el Desarrollo Científico de Köln, Fundación Colegio del Rey de

Alcalá de Henares, General Mills, Inc. De Minneapolis, Minnesota. USA, Marugame Hirai Museum de Manugame, Japón, Milestone Inc. USA, Museo Municipal de Bellas Artes de

Santander, Museo de Álava en Vitoria, Museo de Arte Contemporáneo de Lérida, Ulster Museum de Belfast. Irlanda, Colección Helga de Alvear, etc.



https://es.wikipedia.org/wiki/Juana_Mord%C3%B3

https://es.wikipedia.org/wiki/Intelectual

https://es.wikipedia.org/wiki/Tesis

https://es.wikipedia.org/wiki/Ling%C3%BC%C3%ADstica

https://es.wikipedia.org/wiki/An%C3%A1lisis

https://es.wikipedia.org/wiki/Percepci%C3%B3n

https://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Representaci%C3%B3n_pict%C3%B3rica&action=edit&redlink=1

https://es.wikipedia.org/wiki/Complejidad

https://es.wikipedia.org/wiki/Significante

https://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Juegos_perceptivos&action=edit&redlink=1

https://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Juegos_perceptivos&action=edit&redlink=1

https://es.wikipedia.org/wiki/Fisura

https://es.wikipedia.org/wiki/Lenguaje

https://es.wikipedia.org/wiki/Sistema

https://es.wikipedia.org/wiki/Interpretaci%C3%B3n

https://es.wikipedia.org/wiki/Interpretaci%C3%B3n

https://es.wikipedia.org/wiki/Conocimiento



> 79

(

JOSÉ MALDONADO (Madrid, 1962) Lives and works in Valencia. Its activity started in the early years of the eighties, in which he develops a painting that draws on the aesthetics of urban graffiti close to the work of Keith Haring, A. R. Penck or Anselm Kiefer. In parallel, he concludes his studies in Fine Arts (University of Salamanca) and began teaching at the University of Castilla-La Mancha. He develops his creative activity in galleries aclaimed nationally and internationally such as Villalar Gallery, Gallery Juana Mordo, Siboney Gallery, Galerie Denise Van de Velde in Aalst (Belgium), Miguel Marcos Gallery, Gallery Antoni Estrany, Froment et Putman Galerie Paris Gallery Estrany de la Mota, Dotze Palma Gallery, Galería Helga de Alvear Gallery Path, Aural Gallery. The exhibition Imágenes tradicionales & Nuevas imágenes tradicionales (Juana Mordó, 1989) makes clear the intellectual shift to his work. He abandons his initial proposals to adopt a painting of thesis, from a reading of linguistic disciplines and non figurative references, entering an analysis of the mechanisms of perception and pictorial representation. OK 15/20 (Chapel Oidor of Alcala de Henares, 1990), 2 Cegazones (Antoni Estrany, 1991) and Cámaras Hidráulicas (1992) exemplify the degree of formal complexity and signification that reach his installations, which are three-dimensional solutions in which he stages and makes transitable the perceptual and conceptual games that hinted in his paintings; intellectual challenges in which he uses the cracks in language and the gaze as systems of intrepresentation and ways of knowing. Individually he has shown his work at Municipal Museum of Fine Arts of Santander (1985); Space Foundation Caja Burgos and Espai Poble Nou in Barcelona (1993); La Gallera, Consortium of Museums of the Generalitat Valenciana in Valencia (1999); Espai Cuatre / Casal Solleric. Palma de Mallorca (2009). He has shown his work in public institutions in group exhibitions such as Carnet de Voyages, Cartier Fondation , Jouy- en-Josas (1990); Última Visión, Spain, four young artists, traveling exhibition, Ibero-American Cooperation, Buenos Aires, Caracas, Santiago de Chile and Sao Paulo (1991); Spanish Pavilion, Expo 92, Seville, Historia Natural (El doble hermético), Atlantic Centre of Modern Art, Las Palmas (1992); Prospect 93, Frankfurter Kunstverein, Schirn Kunsthalle, Frankfurt (1993); Architecture(s), CapcMusée d'art Contemporain, Bordeaux, France (1995); Introversions, Museu d'Art Contemporani de Barcelona (MACBA), Barcelona (1997. Essays & Embryos 13 Contemporary Spanish Artists Enzo Gallo Fine Art, Inc. Florida (1997); El Punto Ciego Spanische Kunst der 90er, Kunstraum Innsbruck. Innsbruck Austria (1998); Mínima Resistencia. Entre el tardomodernismo y la globalización: prácticas artísticas durante las décadas de los 80 y 90. Centro de Arte Reina Sofía National Museum (MNCARS) Madrid (2013). He has taked part in international fairs such as Art Cologne, Köln (Germany), Kunst Rai 89 in Amsterdam, FIAC in Paris, Art Athina 3'95 in Athens, Art Basel, Art Chicago, Art Forum Berlin, ARCO from 1985 to today. His work is represented in the collections of Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía in Madrid (Spain), Collection of the "Caixa" in Barcelona (Spain), Bank of Spain of Madrid (Spain), BMG Ariola of Madrid, Caja de Ahorros Municipal of Burgos (Spain), City of Pollensa in Mallorca (Spain), German Foundation for Scientific Development of Köln. Fundación Colegio del Rey of Alcala de Henares (Spain), General Mills, Inc. of Minneapolis, Minnesota (USA), Marugame Hirai Museum of Manugame (Japan), Milestone Inc. (USA), Museum of Fine Arts of Santander, Museum of Alava in Vitoria, Museo de Arte Contemporaneo of Lleida (Spain), Ulster Museum in Belfast, North Ireland.





> 80

BRUNO MUNARI (Milán 1907 - 1998) Considerado uno de los más grandes protagonistas del arte y el diseño del siglo XX, ha aportado contribuciones fundamentales en diversos campos de la expresión visual y a la escritura, poesía, didáctica con una investigación polifacética sobre temas como el movimiento, la luz y el desarrollo de la creatividad o la fantasía en la infancia mediante el juego. Bruno Munari nace en Milán, pero su infancia y adolescencia transcurrieron en Badia Polesine donde llega con seis años de edad. En 1925 regresa a Milán y en 1927 comenzó a relacionarse con Marinetti y el movimiento futurista, exponiendo con ellos en varias muestras. Tres años más tarde se asoció con Riccardo Ricas Castagnedi, con quien trabajó como diseñador gráfico hasta 1938. Los años 30 son los primeros años de investigación de arte en movimiento de Munari durante los cuales realizó la estructura que se considera el primer “móvil” de la historia del arte, la Macchina Aerea, llevandole más tarde a la Macchine Inutili. Destaca en 1948 su ya inmersión en el arte con la Fundación del grupo MAC ( Movimiento de Arte Concreta) junto a Gillo Dorfles, Gianni Monnet, Galiano Mazzon y Atanasio Soldati. Sin duda los años 50 son los que marcan a Munari como el “artista totale” que ahora conocemos. Sus investigaciones visuales le llevan a la experimentación fotográfica con negativos-positivos, La experimentación cinética evoluciona hasta presentar las Macchine Aritmiche en las que el movimiento repetitivo de la máquina, en este caso, se interrumpe por casualidad mediante intervenciones humorísticas. Cabe destacar especialmente la creación de los Libri illegginili en los que el relato deja de tener valor literario-informativo para ser puramente visual. En 1955 crea el Museo immaginario delle isole Eolie a partir de una investigación que recupera objetios modificados por el mar. Finalmente presenta las famosas sculturas da viaggio que constituyen una revision revolucionaria del concepto de escultura en un mundo ya en proceso de globalización. Los viajes que realiza con frequencia a Japon en los años 60 dejarán una afinidad palpable entre el artista y el pais nipon debido a su interés por el espiritu zen, la asimetria, el diseño y el empaque de las tradiciones japonesas. Durante esta década, se dedica a la realización de obras seriales, a la experimentación cinematográfica que más tarde desembocará en la cineteca di monteolimpono ( centro internazionale del film di ricercar) y a la experimentación fotográfica con el uso de impresoras. No hay que olvidar la faceta educativa de Munari. Además de crear juegos para niños, en 1977 crea el primer laboratorio para niños en un museo (la Pinacoteca di brera de Milán) conviertiendose de alguna manera en el precursor de la didáctica museística en cuanto a la formación y acercamiento al público infantil. Entre los 80 y los 90 la creatividad de Munari sigue latente y se desarrolla mediante la creación de diversos ciclos de óperas. El creador realizó su ultima obra pocos meses antes de fallecer a los 91 años en su ciudad natal. La obra de Munari no esta depositada en un Museo o una Fundación específica dedicada a su conservación y estudio pero, si existe una colección privada dedicada unicamente al artista italiano. Ha participado en diversas exposiciones en: Museum of Modern art of Hayama (Japón), Andrew Kreps Gallery (New York), Kaufmann Repetto (Milano), Estorick collection of Modern Italian art (London), Museum für Gestaltung (Zurich), Museo de Arte Moderno Fundación Soto (Bolivia), Kunstgewerbeschule (Basel), Howard Wise Gallery (new York), Museum of Moder Art Tokyo y MoMa (new York).





> 81

BRUNO MUNARI (Milán 1907 - 1998) Considered one of the greatest protagonists of twentieth century art and design, he has made fundamental contributions in various fields of visual expression and writing, poetry, didactics with a multifaceted research on topics such as movement, light and the development of creativity or fantasy in childhood through the game. Bruno Munari was born in Milan, but his childhood and adolescence were spent in Badia Polesine where he arrived when he was six years old. In 1925 he returned to Milan and in 1927 he began to interact with Marinetti and the Futurist movement, exhibiting with them in several exhibitions. Three years later he partnered with Riccardo Ricas Castagnedi, with whom he worked as a graphic designer until 1938. The 30s are Munari's first years of art research in movement during which he made the structure that is considered the first "mobile" of art history, the Macchina Aerea, later taking him to the Macchine Inutili. It stands out in 1948 his already immersion in art with the Foundation of the MAC group (Concrete Art Movement) together with Gillo Dorfles, Gianni Monnet, Galiano Mazzon and Atanasio Soldati. Undoubtedly the 50s are those that mark Munari as the "totale artist" that we now know. His visual investigations lead him to photographic experimentation with negative-positive, kinetic experimentation evolves to present the Macchine Aritmiche in which the repetitive movement of the machine, in this case, is interrupted by chance through humorous interventions. Particularly noteworthy is the creation of the Libri illegginili in which the story ceases to have literary-informative value to be purely visual. In 1955 he created the Museo Immaginario delle Isole Eolie, based on an investigation that recovers objects modified by the sea. Finally he presents the famous sculptures of Viaggio that constitute a revolutionary revision of the concept of sculpture in a world already in the process of globalization. The trips he makes frequently to Japan in the 60s will leave a palpable affinity between the artist and the Japanese country due to his interest in the zen spirit, asymmetry, design and packaging of Japanese traditions. During this decade, it is dedicated to the realization of serial works, to the cinematographic experimentation that later will lead to the cineethe di monteolimpono (international center of the film of ricercar) and to the photographic experimentation with the use of printers. Do not forget the educational side of Munari. In addition to creating games for children, in 1977 he created the first laboratory for children in a museum (the Pinacoteca di brera in Milan) becoming in some way the precursor of museum teaching in terms of training and approach to children. Between the 80s and the 90s, Munari's creativity continues to be latent and develops through the creation of various operas cycles. The creator made his last work a few months before dying at age 91 in his hometown. Munari's work is not deposited in a Museum or a specific Foundation dedicated to its conservation and study, but if there is a private collection dedicated solely to the Italian artist. He has participated in several exhibitions in: Museum of Modern art of Hayama (Japan), Andrew Kreps Gallery (New York), Kaufmann Repetto (Milano), Estorick collection of Modern Italian Art (London), Museum für Gestaltung (Zurich), Museum of Modern Art Modern Art Soto Foundation (Bolivia), Kunstgewerbeschule (Basel), Howard Wise Gallery (New York), Museum of Modern Art Tokyo and MoMa (New York).





> 82

LUIS GORDILLO (Sevilla, 1934) Vive y trabaja en Madrid.

Tras pasar por la Facultad de Derecho, comienza su formación artística en la Escuela de Bellas Artes de Sevilla. Durante el desarrollo de su carrera, ha sabido asimilar de un modo personal los nuevos lenguajes creativos de las últimas cinco décadas. Cuenta con numerosas exposicionesindividuales como LUIS GORDILLO Confesión xeral. CAAC Sevilla y CGAC Santiago de Compostela en 2017; Cabezas. Luis Gordillo en el Alcázar, Sevilla en 2014-15; Implantación de sueños , Luis Adelantado, Mexico; Luis Gordillo. XXL / XXI , Artium, Vitoria en 2014; Luis Gordillo, Galeria Aural Alicante en 2013; Tocata y fuga, Marlborough Gallery, Madrid; Contraespejo-s, Galería Rafael Ortiz, Sevilla ; Horizontalia, CAC Centro de Arte Contemporáneo, Málaga; Galeria Fernando Santos, Porto; Oxigenando, Galería Luis Adelantado, México D.F.; Luis Gordillo Centro Municipal de Arte y Cultura, Guatemala; Pintura Interrogada, Centro de Arte Contemporânea de Bragança, Itinerancia Palácio da Galeria - Museu Municipal de Tavira, Centro Cultural de Cascais (Fundação D. Luis I) en 2012; Contrastes, Galeria Malborough, Madrid y Policéntrico, centrífugo, vulnerable Luís Adelantado, Valencia en 2010; Imágenes una voz. Luís Gordillo. Obra gráfica 1972-2008, MGEC Fundación Museo del Grabado Español Contemporáneo, Marbella en 2009; Luis Gordillo - Iceberg total, Kunstmuseum, Bonn, Alemania en 2018; Pluri Galeria Maior, Palma de Mallorca, ICEBERG TROPICAL, Luís Gordillo. Antológica 1959-2007, MNCARS, Madrid en 2007; Luis Gordillo - Retrospectiva, Museo de Arte de Zapopan, Guadalajara, México, Galerie Michael Hasenclever, Munich, Alemania, Un bosque de semáforos en ámbar Galería Aural, Alicante; Instituto Cervantes, París, Francia; Galería Marlborough, Madrid en 2006; Gordillo Duplex, Museu d´Art Espanyol Contemporani, Fundación Juan March, Palma de Mallorca; Museo de Arte Abstracto Español, Cuenca; Galería Siboney, Santander; Retrovisor, Procesos fotograficos de los 70’s, Circulo de Bellas Artes de Madrid Galerie Rolf Hengesbach, Colonia, Alemania en 2004; ARTIUM Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo, Vitoria-Gasteiz, Duplex Vertical, Galería Antonio Machón, Madrid; Digital, Estiarte, Madrid; Galería Fernando Latorre, Zaragoza; Dahl Gallery of contemporary art, Lucerna, Suiza en 2003.

Entre sus colectivas destacan DISLOCATION 2017, Hengesbach Gallery, Wuppertal; 2015 Maestros españoles de la segunda mitad del siglo XX, Colección Mariano Yera, Centro del Carme, Valencia; De Zurbarán a Picasso. Artistas andaluces en la colección Abelló , Espacio Santa Clara, Sevilla; 2014 Uno de cada, Centro de Arte Contemporáneo Domus Artium 2, Salamanca;; Mitos del Pop / Pop Art Myths , Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid; 2013 On Painting, CAAM. Las Palmas de Gran Canarias; Air_port_art, Colección AENA de Arte Contemporáneo Fundacion Luis Seoane, A Coruña; Hola Spain, Seongnam Arts Center, Seoul; 2012 De la revuelta a la posmodernidad (1962 -1982), MNCARS, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid; 2011 La imag en del sonido, MACBA, Museu d’Art Contemporani de Barcelona; Libertad, Igualdad, Fraternidad, Centro de Arte Contemporáneo, Huarte, Navarra; Los Esquizos de Madrid, Fundació Suñol, Barcelona; 2009 Paisajes Cruzados, Miradas a la colección de Es Baluard, Es Baluard, Museu d’art modern i contemporani, Palma de Mallorca; Los Esquizos de Madrid. Figuración madrileña de los 70, MNCARS, Madrid; Antes de ayer y pasado mañana; o lo que puede ser pintura hoy, MACUF Museo de Arte Contemporáneo Unión Fenosa, A Coruña; Óptica pictórica. Colección de arte contemporáneo Fundación La Caixa, Palacio Almudí de Murcia; 2008 Spagna 1957- 2007. L’arte spagnola da Picasso, Miró, e Tapies ai nostri giorni, Palazzo Sant’Elia, Palermo, Italia; “…einen AUGEN-Blick, bitte!” “Please cast an eye…!”, Kunstverein Bad Salzdetfurth e.V., Bodenbug, Alemania; Luis Gordillo e Manolo Quejido, Museo de Bellas Artes Cuba, Habana, Cuba y Caracas, Venezuela; Museo de Arte de Sao Paulo Assis Chateaubriand, Sao Paulo, Brasil; Arte Contemporánea



http://hengesbach-gallery.com/wp/gallery/dislocation-2017/



> 83

Española; Colección 1970-2001, Fundación Suñol, Barcelona; 2007 Itinerancias; Diez x Diez, Bach Quatre Art Contemporani, Barcelona; Secuencias - 1976-2006,

Arte contemporáneo en las colecciones públicas de Extremadura, MEIAC, Badajoz; Los colores del Pop Art, Fundación Caja V ital Kutxa, Vitoria-Gasteiz; Colección Circa XX- Pilar Citoler, Fundación Antonio Pérez, Cuenca; 2006 La movida, Alcalá 31, Sala de Exposiciones, Madrid; 33 Artists, Spanish Prints, Zhu Qizhan Art Museum, Shanghái, China; Tejidos. Óseos, pictóricos, arquitectónicos, La Casa Encendida, Madrid; Salvador Dalí and a Century of Art from Spain: Picasso to Plensa, Salvador Dalí Museum, St. Petersburg, EEUU; Homenaje a Chillida, Museo Guggenheim, Bilbao; Arte Español del siglo XX en la Colección BBVA, Palacio del Marqués de Salamanca, Madrid, La vida es un bosque de semáforos en ámbar Sea Castillo Santa Bárbara y Galería Aural, Alicante; 2005 Naturalezas del Presente, Museo Vostell, Malpartida de Cáceres; Vivir en Sevilla, CAAC Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, Sevilla; EL POP ESPAÑOL – LOS años sesenta. El tiempo reencontrado, Museo Esteban Vicente, Segovia; El arte del dibujo / el dibujo en el arte, Fundación BBK, Bilbao; 2004 Kun stler der Galerie, Michael Hasenclever, Munich, Alemania; Variaciones en España - Fotografía y Arte 1900 - 1980, Centro Atlántico de Arte Moderno CAAM, Las Palmas de Gran Canaria; Contemporánea Arte, Colección Pilar Citoler, Sala Amós Salvador, Logroño; España Fragmentos del Arte del Siglo XX al XXI - Colección de Pilar Citoler, Centro Cultural de la Villa, Madrid; Rumbos - La Colección III, ARTIUM, Vitoria-Gasteiz; Labirinti e memoria, Casa Falconieri, Oristano, Italia; Malerei; Gordillo, Obholzer, Laura Owens, Mark Schlesinger, Galerie Rolf Hengesbach, Colonia, Alemania.

Su obra está representada en las coleciones: Banco Exterior de España, Madrid. Banco Sabadell Banco Santander, Madrid. Banco Zaragozano Bankinter. Biblioteca Nacional, Madrid. BBVA Caja de Ahorros del Mediterráneo Caja de Ahorros El Monte, Sevilla. Caja Madrid Caja San Fernando CaixaForum Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, Sevilla. Centro Atlántico de Arte Moderno, Las Palmas de Gran Canarias. CAB, Centro de Arte Caja de Burgos, Burgos. Colección Amigos del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid. Colección Argentaria, Madrid. Colección Asociación de Amigos del Arte Contemporáneo, Madrid. Colección Central - Hispano, Madrid. Colección de Arte Contemporáneo de la Diputación de Granada. Colección Helga de Alvear. Colección Patio Herreriano-Museo de Arte Contemporáneo, Valladolid. Colección Peter Stuyvesant, Holland. Colección Pilar Citoler. Colección Presidencia del Gobierno, Madrid. Col·lecció Testimoni de la Caixa, Barcelona. Congreso de los Diputados, Madrid. Colección de Arte Contemporáneo del Patrimonio Nacional. Comunidad de Castilla la Mancha, Toledo. Folkwang Museum, Essen, Germany. Fundaçao Gulbenkian, Lisbon. Fundación AENA. Fundación Botí, Diputación Provincial de Córdoba. Fundación Coca Cola. Fundación Juan March, Palma de Mallorca. Fundación La Caixa, Barcelona. Fundació Suñol, Barcelona. Fundación Pilar y Joan Miró, Palma de Mallorca. ICO, Instituto de Crédito Oficial, Madrid. IVAM, Instituto Valenciano de Arte Moderno, Valencia. Junta de Andalucía, Consejería de Cultura, Sevilla. MIAC, Museo Internacional de Arte Contemporáneo, Arrecife, Lanzarote. Museo Casa de la Moneda, Madrid. Museo de Arte Abstracto, Cuenca. MACBA, Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona. Museo de Bellas Artes de Álava, Vitoria. Museo de Bellas Artes, Bilbao. Museo de Ciudad Real. Museo de Torrelaguna, Madrid. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid. ARTIUM, Museo Vasco de Arte Contemporáneo, Vitoria. Entre sus premios destacan Premio Nacional de Artes Plásticas en 1981; Premio Andalucía de Artes Plásticas Premio de la Comunidad de Madrid a la Creación Plástica en 1991; Premio de la CEOE a las Artes Plásticas en 1992; Medalla de oro al mérito en las Bellas Artes en 1996; Premio Tomás Francisco Prieto de la Casa de la Moneda en 1999; Premi Ciutat de Barcelona d’Arts Plàstiques en 2000; Premio Aragón-Goya de Pintura en 2003; Medalla del Círculo de Bellas Artes de Madrid y El Público de Canal Sur radio en Artes Plásticas en 2004; Medalla de la Ciudad de Sevilla en 2005; Caballero de las Artes y las Letras de Francia y Premio Velázquez de Artes Plásticas en 2007; Doctor Honoris Causa, Universidad de Castilla la Mancha y Premio Sevilla Abierta en 2008; Premio Comunidad de Madrid Feria Estampa 2009; Premio Artes Plásticas El Correo de Andalucía 110 Aniversario en 2010.





> 84

LUIS GORDILLO (Sevilla, 1934) Lives and works in Madrid. After completing his studiers at the Faculty of Law, he began his artistic training at the School of Fine Arts in Seville. During the development of his career, he has been able to assimilate in a personal way the new creative languages of the last five decades. It has numerous individual exhibitions such as ‘LUIS GORDILLO Confesión xeral’. CAAC Sevilla and CGAC Santiago de Compostela (2017); ‘Heads. Luis Gordillo’ at the Alcázar, Seville (2014-15); ‘Luis Gordillo XXL/XXI’, Artium, Vitoria (2014); ‘Horizontalia’, CAC Centro de Arte Contemporáneo, Málaga; ‘Luis Gordillo’ Centro Minicipal de Arte y Cultura, Guatemala; ‘Painting Interrogated’, Contemporary Art Center of Bragança, Itinerancia Palácio da Galeria - Municipal Museum of Tavira, Cultural Center of Cascais (Fundação D. Luis I) in (2012); ‘Images a voice. Luís Gordillo Graphic work 1972-2008’, MGEC Foundation Museum of Contemporary Spanish Engraving, Marbella (2009); ‘Luis Gordillo - Total Iceberg’, Kunstmuseum, Bonn, Germany (2008); ‘ICEBERG TROPICAL, Luís Gordillo’. Antologia 1959- 2007, MNCARS, Madrid (2007); ‘Luis Gordillo – Retrospective’, Museo de Arte Zapopan, Guadalajara, Mexico, ‘ La vida es un bosque de seméforos en ámbar’ SEA, Castillo de Santa Bárbara, Alicante (2005); Instituto Cervantes, Paris, France; ‘Gordillo Duplex’, Museu d'Art Espanyol Contemporani, Juan March Foundation, Palma de Mallorca; Museum Español de arte abstracto, Cuenca; ARTIUM Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo, Vitoria- Gasteiz. Among his collective highlights ‘DISLOCATION’ (2017), Hengesbach Gallery, Wuppertal; ‘Spanish masters of the second half of the 20th century’, Mariano Yera Collection, Centro del Carme, Valencia (2015); ‘From Zurbarán to Picasso. Andalusian artists in the Abelló Collection’, Espacio Santa Clara, Sevilla; ‘Uno de cada’, Domus Artium Contemporary Art Center, Salamanca; ‘Entre el cielo y la tierra. “0 miradas del Greco 400 años más tarde’, Museo Nacional de Escultura, Valladolid, real academia de Bellas Artes de San Fernando, Madrid; ‘Mitos del Pop / Pop Myths’, Thyssen-Bornemisza Museum, Madrid (2014); ‘On Painting’, CAAM. Las Palmas de Gran Canarias (2013); ‘Air_port_art’, AENA Collection of Contemporary Art Luis Seoane Foundation, A Coruña(2013); ‘Hello Spain’, Seongnam Arts Center, Seoul; From the revolt to postmodernity (1962-1982), MNCARS, Reina Sofía National Art Center Museum, Madrid (2012); ‘La imagen del sonido’, MACBA, Museu d'Art Contemporani de Barcelona (2011); ‘Libertad, Igualdad y Fraternidad’, Centro de Arte bContemporáneo, Huarte, Navarra (2011); ‘Los Esquizos de Madrid’, Fundació Suñol, Barcelona;’Paisajes cruzados. Miradas a la Colección de Es Baluard, Es Baluard, Palma de Mallorca (2009); ‘Los Esquizos de Madrid. Figuración madrileña de los 70’, MNCARS, Madrid (2009); ‘Antes de ayer y pasado mañana; o lo que puede ser pintura hoy’, MACUF Museo de Arte Contemporáneo Unión Fenosa, A Coruña (2009); ‘Óptica Pictórica. Colección d Arte Contemporáneo de Caixa Foundation’, Almudí Palace of Murcia (2009); ‘Spagna 1957-2007. L'arte spagnola da Picasso, Miró, e Tapies ai nostri giorni’, Palazzo Sant'Elia, Palermo, Italy (2008); ‘... einen AUGEN-Blick, bitte!" "Please cast an eye ...!’, Kunstverein Bad Salzdetfurth e.V., Bodenburg, Germany (2008); ‘Pasiones Privadas. Visiónes Públicas’, MARCO, Vigo; Luis Gordillo and Manolo Quejido, Museum of Fine Arts Cuba, Havana, Cuba (2008); Sao Paulo Art Museum Assis Chateaubriand, Sao Paulo, Brazil (2008); ‘Arte Contemporáneo Español. Collection 1970-2001’, Fundación Suñol Barcelona; (2008), ‘Itinerancias. Luis Gordillo and Manolo Quejido’, Museo de Bellas Artes, Caracas, Venezuela (2007); ‘Diez x Diez’, Bach Quatre Art Contemporani, Barcelona (2007); ‘Secuencias - 1976-2006’, Arte Contemporáneo en las colecciones de Extremadura, MEIAC, Badajoz (2007); ‘Los colores del Pop Art’, Caja Vital Kutxa Foundation, Vitoria-Gasteiz (2007); ‘Circa XX- Pilar Citoler Collection’, Fundación Antonio Pérez, Cuenca (2007); ‘33 Artists, Spanish Print’s, Zhu Qizhan Art Museum, Shanghai, China (2006); ‘Óseos, Pictóricos, Arquitectónicos’, La Casa Encendida, Madrid (2006); Salvador Dalí and a Century of Art from Spain: Picasso to Plensa’, Salvador Dalí Museum, St. Petersburg, USA (2006); Tribute to Chillida Guggenheim Museum, Bilbao (2006); Arte Español del s. XX BBVA Collecction, Palacio del Marqués de Salamanca, Madrid (2006); ‘Naturalezas dl Presente’, Vostell Museum, Malpartida, Cáceres (2005); ‘Vivir en Sevilla’, CAAC Centro Andaluz de Arte





> 85

Contemporáneo, Seville (2005); ‘POP ESPAÑOL – Los 60. El Tiempo reencontrado’, Esteban Vicente Museum, Segovia (2005); ‘El arte del dibujo / El dibujo en el arte’, Fundación BBK, Bilbao (2005); ‘Kun stler der Galerie’, Michael Hasenclever, Munich, Germany (2004); ‘Variaciones en España. Fotografía y Arte 1900 - 1980, Atlantic Center of Modern Art CAAM, Las Palmas de Gran Canaria (2004); Contemporary Art, Pilar Citoler Collection, Sala Amós Salvador, Logroño (2004); ‘España fragmentos de arte de los siglos XX al XXI. Collection of Pilar Citoler’, Centro Cultural Villa deMadrid (2004); ‘Rumbos - The Collection III’, ARTIUM, Vitoria-Gasteiz (2004); ‘Labirinti e memoria’, Casa Falconieri, Oristano, Italy (2004); Malerei; Gordillo, Obholzer, Laura Owens, Mark Schlesinger, Galerie Rolf Hengesbach, Cologne, Germany (2004). He has exhibited in the galleries Siboney, Santander; Galería Antonio Machón, Madrid; Estiarte, Madrid; Galería Fernando Latorre, Zaragoza; Dahl Gallery of contemporary art, Lucerna, Suiza; Galerie Michael Hasenclever, Munich, Alemania. He is represented by Galería Marlborough, Madrid-NY; Galeria Fernando Santos, Porto; Galerie Rolf Hengesbach, Colonia; Luis Adelantado, México-Valencia; Galería Maior, Pollença, Mallorca; Galería Rafael Ortíz, Seville; Galeria Joan Prats, Barcelona; Galería Aural, Alicante. His work is represented in the collections: Banco Exterior de España, Madrid; Banco Sabadell Collection, Santander- Madrid; Banco Zaragozano Bankinter; Biblioteca National Collection, Madrid; BBVA Collection; Caja de Ahorros del Mediterráneo (CAM); Monte de Piedad, Sevilla; Caja Madrid Collection; Caja San Fernando; CaixaForum Collection; Centro Andaluz de Arte Contemporáneo CAAC), Seville; Centro Atlántico de Arte Moderno CAAM), Las Palmas de Gran Canaria; Centro de Arte Caja Burgos (CAB), Burgos; Amigos del Museo Cetro de Arte Reina Sofía Collection, Madrid; Asociación Amigos del Arte Contemporáneo Collection, Madrid; Central - Hispano Collection, Madrid; Collection of Contemporary Art of the Diputación de Granada; Patio Herreriano -Museo de Arte Contemporáneo Collection, Valladolid; Presidncia dl Gobierno Collection, Madrid; Col·lecció Testimoni de la Caixa, Barcelona; Congreso d los Diputados, Madrid; Collection of Patrimonio Nacional de Arte Contemporáneo; Communidad de Castilla la Mancha Collection, Toledo; Folkwang Museum, Essen, Germany; Fundação Gulbenkian, Lisbon; AENA Foundation; Botí Foundation; Diputación Provincial de Córdoba; Coca Cola Foundation; Juan March Foundation, Palma de Mallorca; La Caixa Foundation, Barcelona; Fundació Suñol, Barcelona; Pilar and Joan Miró Foundation, Palma de Mallorca; ICO, Official Credit Institute, Madrid; Valencian Institute of Modern Art (IVAM), Valencia; Junta de Andalucía, Ministerio d Cultura, Seville; Museo Internacional d Arte Contemporáneo (MIAC), Arrecife, Lanzarote; Casa de la Moneda Museum, Madrid; Museum de Arte Abstracto, Cuenca; Museo de Arte Contemporáneo, Barcelona (MACBA); Museo d Bellas Artes, Álava, Vitoria; Museo de Belllas Artes, Bilbao; Ciudad Real Museum; Torrelaguna Museum, Madrid; Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS), Madrid; Museo Vasco de Arte Contemporáneo (ARTIUM), Vitoria; Helga de Alvear Collection; Peter Stuyvesant Collection, Holland; Pilar Citoler Collection, Zaragoza; Mariano Yera Collection, Madrid; Mardel Collection, Alicante. Between its prizes they emphasize Premio Nacional de Artes Plásticas (1981); Premio de Andalucía de Artes Plásticas (1991); Premio Comunidad de Madrid d Creación Plástica (1991); Award of the CEOE to the Plastic Arts (1992); Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes (1996); Tomas Francisco Prieto Award Casa de la Moneda (1999); Premi Ciutat de Barcelona d'Arts Plàstiques (2000); Premio de Pintura Aragón-Goya (2003); Medalla del Círculo de Bellas Artes, Madrid and El Público of Canal Sur radio in Plastic Arts (2004); Medalla de la Ciudad de Sevilla (2005); Knight of the Arts and Letters of France (2007); Premio Velázquez de Artes plásticas (2007); Doctor Honoris Causa, University of Castilla la Mancha and Premio Sevilla Abierta (2008); Premo Communidad de Madrid, Feria Estampa (2009); Premio de Artes Plásticas El Correo de Andalucía 110th Anniversary (2010).





> 86

MÁXIMO GONZÁLEZ

(Parana, Entre Ríos, Argentina, 1971)Vive y trabaja en México D.F.

Estudia en el Instituto de Artes e Idiomas Josefina Contte, Corrientes, Argentina, donde obtiene el grado de Maestro en Artes Visuales.

En 1996 realiza su primera exposición individual en la Ciudad de Corrientes, Argentina. En 1998 vive en la Ciudad de Córdoba, Argentina, donde crea junto con

otros artistas Apeyron (Centro de investigación y experimentación escénico-plástica). De 1999 a 2003 vive en la Ciudad de Buenos Aires, Argentina.

Desde hace 12 años vive y trabaja entre México DF.

Cuenta con 40 exposiciones individuales. Destacan: “POGO”, Hospicio Cabañas, Guadalajara, México; "Magnificent Warning", Stanlee & Rubin Center for the Visual Arts, El Paso (USA); "Playful", CAFAM, Los Angeles (USA); "Camino entre Mundos", Casa América Madrid (ES) y Fowler Museum, Los Ángeles (USA); "Algo como respuesta a Algo", Artane Gallery, Estambul (TUR); "Proyecto para la reutilización de vehículos obsoletos después de la extinción del petróleo", Travesía Cuatro, Madrid (ES) y en Project B, Milán (ITL); "Wait", Haydeé Rovirosa Gallery, Nueva York (USA); "Chignahuapan", Skestos Gabriele Gallery, Chicago (USA) y en Voges und Partner, Frankfurt (DE); "PISAR", Galería Ruth Benzacar, Buenos Aires (ARG); "Efecto Invernadero" en Art&Idea, México DF (MX). Lo Cíclico, Museo de la Cancillería (Secretaría de Relaciones Exteriores), Ciudad de México, México.

Participa en 127 exposiciones colectivas. Destacan: “The possibility of everything", Scotiabank Nuit Blanche, Toronto, Canada;“¿A dónde se han ido las flores?" Poetics of the handmade, MOCA LA (USA); "The tree: from the sublime to the social", Vancouver Art Gallery (Canadá); "Fine Line", Museo de las Américas, Denver (USA); "Las líneas de la mano", MUAC Museo Universitario de Arte Contemporáneo, México DF (MX); "2daTrienal Poligráfica de San Juan, América Latina y el Caribe, Puerto Rico", Puerto Rico; "México: Política/Poética", San Francisco State University, San Francisco (USA) y en Nordic Watercolor Museum, Gothenburg (Suecia); "Tiempo de Sospecha", Museo de Arte Moderno, México DF (MX).





> 87

MÁXIMO GONZÁLEZ

(Parana, Entre Ríos, Argentina, 1971) Lives and works in Mexico D.F. Born in Entre Ríos, Argentina (1971). He studied at the Institute of Art Josefina Contte in Corrientes, Argentina, where he obtained a Teaching Degree in Visual Arts. In 1996 Máximo had his first solo show in Corrientes, Argentina. In 1998 he moved to Córdoba where created Apeyron (a plastic and scenic experimentation research center). From 1999 to 2003 lived in Buenos Aires, Argentina. Máximo has been living and working in Mexico City for 14 years He has completed 41 solo shows: ‘POGO’, Hospicio Cabañas Museum, Guadalajara (MX); Magnificent Warning at Stanlee & Rubin Center, El Paso TX (USA); Playful, CAFAM, Los Angeles (USA); ‘Walk among Worlds’ at Casa de América, Madrid (ES) y Fowler Museum, Los Angeles CA (USA), ‘Something like an answer to something’, Artane gallery, Istanbul (TUR); ‘Project for the reutilization of obsolete vehicles after the extinction of petrol’ at Travesía Cuatro Gallery, Madrid (ES) and Project B, Milano (IT); ‘PISAR’ at Ruth Benzacar, Buenos Aires (ARG); ‘Greenhouse effect’ at Art&Idea, Mexico City (MX). He has participated in 140 group exhibitions including: ‘The possibility of everything’, Scotiabank Nuit Blanche, Toronto, (CA) ‘Where have all the flowers gone?’, Poetics of the handmade exhibition at MOCA LA (USA); ‘The tree: from the sublime to the social’ at the Vancouver Art Gallery, (CA); ‘Fine Line’ at Museo de Las Americas, Denver (USA); The lines of the hand at MUAC, Mexico City (MX); ‘2nd Polygraphic Triennial of San Juan’, Latina America and the Caribbean, Puerto Rico; ‘Mexico: Poetry/Politics’, San Francisco State University, San Francisco CA (USA) and at Nordic Watercolor Museum, Gothenburg (SE); ‘Tiempo de Sospecha’, Museum of Modern Art, Mexico City (MX). Founder of the Changarrito Project.



http://changarritoprojectwhat.blogspot.mx/



> 88

CONTACTO

Begoña M: Deltell

Directora

Galería Aural

www.auralgaleria.com

[email protected]





labradores, 17 03002 alicante. españa...labradores, 17 03002 alicante. españa +34 965 218 024 /...

Documents