libro de rock, samuel cifuentes

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James Marshall Hendrix, nació el 27 de noviembre de 1942 en Seatle, Washing-

ton. Desde el primer momento, Hendrix oyó música de blues y R&B de la colección de discos de su padre. LE reglaron una armó-nica con cuatro años, una guitarra acústica a los diez y una eléctrica a los doce. Sus principales influencias iniciales fueron gui-tarristas de Blues como Elmore James, B.B. King y Muddy Waters. En 1962 era ya un profesional y trabajo con mucha gente im-portante de la música negra como Wilson Pickett. The Isley Brothers o Ike y Tina Tur-ner. Dado de baja en el ejército por motivos de salud. Hendrix cogió su nombre artísti-co y formó su propia banda, Jimmy James and The Blue Flames. Se dedicó a tocar por los bares y clubes de Nueva York. Las actuaciones de Hendrix ya eran muy bue-nas, Bob Dylan, al que había visto tocar en Greenwich Village, era en ese momento su principal inspiración, también le inspira-ban guitarrista como Pete Townshend y Eric Clapton. En esa época Hendrix ya era capaz de entrar en un club y unirse a una banda e improvisar. Un año después, Chas Chan-dler, bajista de The Animals, oyó que Hen-drix tocar en el Café Wha? De Greenwich Village y lo convenció para que se fuera a Inglaterra y siguiera allí su carrera. Hendrix llega a Inglaterra en septiembre de 1966 y poco a poco gracias a Chas Chandler se va introduciendo en el mundo musical de Londres, Causo sensación desde el primer

momento, Hendrix había asimilado muchos recursos escénicos, como tocar con la guita-rra a la espalda o hacer sonar con los dien-tes. Su personalidad se reflejaba con fuerza en su forma de tocar. Muchos músicos im-portantes, empezando por Los Beatles y Los Rolling Stone, quedaron sorprendidos por su energía y su intensidad. Con la ayuda de Chandler, Hendrix empezó a hacer audicio-nes de músicos buscando formar un grupo del que él sería el guitarrista. Finalmente escogió a Noel Redding como bajista y a Match Michell como batería. El grupo se llamó The IIMI. Hendrix Experience y Chas Chandler lo convenció para que creara sus propios temas y cantara.Después de muchos ensayos tocaron por primera vez en directo en Francia duran-te el mes de octubre y empezaron a gra-bar. Con Chas Chandler como productor, la banda entro en los estudios De Lane Lea en Kingsway, Londres, en octubre de 1966. Grabaron una versión de “Hey Joe”, una canción de la letra trágica como cara A de un single. Es una balada con un solo de guitarra vocal y de blues. Para la cara B, Hendrix, hizo “Stone Free”, absoluta-mente diferente a “Hey Joe”, con muchas distorsiones, con un energético ritmo funky y un solo rápido. El single salió en diciem-bre mientras el grupo hacia su primera gran gira británica. El segundo single fue “Pur-ple Haze” con 51st Aniversary” en la cara

B, se grabó en enero de 1967. Justo antes de la grabación. Hendrix conoció a Roger Mayer, un ingeniero en electrónica que aca-baba de hacer unos efectos nuevos de guita-rra. Son estos los que aparecían en “Purple Haze”, un potente tema de rock caracteriza-do por un sonido de guitarra duro. Al trítono con que se inicia la canción, siguen fuertes riffs, ruidosos acordes y fills de octavas “ The Wind Cries Mary” es una balada con acordes ascendentes que se grabó en enero siendo el tercer single del grupo. Entre octubre de 1966 y abril de 1967, la banda tenía acumulado material para su primer disco, Are Yu Experienced? (1967), que recoge varias y originales composicio-nes de Hendrix, tocadas con su estilo. Sus grabaciones están llenas de técnicas y efec-tos que acentúan variaciones de tono que consigue con la palanca de trémolo, además hay sonidos procesados con distorsión, eco y reverb y retoques en la grabación que in-cluyen cambios en la velocidad de repro-ducción e inversión de lectura de las cintas en algunos trozos, haciendo sonidos poco corrientes creando una sensación futurista.“Fox Lady” se inicia con notas chirriantes y un acople. Hay pequeñas entradas con bending que se alargan. En “Love Or Con-fusion” las notas se hacen sonar con la pa-lanca de trémolo.

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A finales del año Hendrix formó un grupo nuevo que se llamó The Band Of Gypsys, con Billy Cox al bajo y Buddy Miles a la batería, El disco “ Bando f Gypsys” (1970), grabado en directo en Filmore East, Nueva York, la víspera de año nuevo de 1970, es el concierto de la presentación del grupo. La batería es más sencilla , el sonido es gra-be y más pesado comparado con el de The Experience. “ Machine Gun” comienza con un duro solo y el guitarrista toca un stacca-to que recuerda a los disparos de un arma. “Power Tol ove” es más alegre por las notas que va haciendo con el wah wah.

El pausado “Red House” esta lleno de ex-presivos breaks de blues y lleva efectos de eco. Las canciones dejan claro que Hen-drix, como compositor, era individualista y sabia de la importancia de los arreglos.En su segundo disco “ Axis Bold As Love” (1967) Hendrix se adentra aún más en la experimentación con elementos electróni-cos en el tema de “EXP” y usa wah wah en “Up From The Skies”. Una de las mejores canciones es “Little Wing” por sus acor-des melódicos, apoyados con hamer-ons y pull-offs y una desafinación antes del solo. “Castles Made Of Sand” esta formada por slides en un fondo de acordes e improvisa-ción de guitarra “If 6 was 9” es un rock con pasajes experimentales. “Little Miss Lover” tiene diferentes timbres chirriantes y un wah wah casi vocal. En “You Got Me Floa-tin” aparecen ritmos rock funky y rasgueo rápido. Cuando Hendrix, vuelve a Estados Unidos en junio de 1967 para tocar en el Monterrey Pop Festival decidió sobrepasar los límites. Uno de los mejores momentos del concierto fue “Wild Thing” tema en el que Hendrix golpeó la guitarra contra el amplificador para conseguir acordes atona-les antes de empaparla con liquido inflama-ble y prenderle fuego. En agosto de 1969, Hendrix tocó en el Festival Woodstock con Billy Cox, que sustituyó a Noel Redding al bajo, Hendrix montó una buena actuación llena de improvisaciones. Como protesta contra la guerra de Vietnam tocó una fuerte versión de “ The Star-Spangeld Banner”, usando acoples haciendo una parodia.

Como protesta contra la guerra de Vietnam tocó una fuerte versión de “ The Star-Spangeld Banner”,usando acoples haciendo una paradoia

Pocas semanas después de tocar en el festival de la Isla de Wight, Ingla-terra, en agosto de 1970, Jimmy Hen-drix murió en Nothing Hill, por una mezcla de drogas y alcohol.

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Fue un creativo uso del equipo lo que permitió a Hendrix inventar una nueva

manera de ver la guitarra eléctrica. Además de las stratocaster, utilizaba otra guitarra como la Flying V a la cual llama-ba mi ángel volador o la Les Paul para los blues, acústicas e incluso bajo eléctrico.Todas sus guitarras eran para diestro y él las utilizaba al revés, cambiando el orden de las cuerdas. En cuanto a efectos usaba un pedal fuzz, wah wah, Octavia y Uni-Vibe, con modelos de fabricados por Roger Mayer. Su revolucionaria experimentación en el procesamiento del sonido, que in-cluían saturación, acoples, phasing, Leslie o incluso efectos de estero, además de su técnica de trémolo, crearon un colorido de sonidos no conocidos hasta el momento.Hendrix solía bajar mucho la afinación de las cuerdas, las raspaba con la púa para buscar sonidos chirriantes e incluso golpea-ba la guitarra para simular tormentas o ex-plosiones. Componía originales secuencias de acordes y rifs, tanto rítmicos como me-

lódicos, eran originales e imaginativos. Sus solos tienen expresividad, bendings, trinos, slides y efectos con la palanca de trémolo.

La técnica de Hendrix de púa de su mano izquierda era más que precisa, la longitud de sus manos hacia que pudiera tocar notas de bajo extra tras los acordes de fills.

Como amplificación solía usar seis bafles Marshall de 4 X 12, un monitor de 4x 12 y cuatro cabezas de amplificador Marshall de 100 watios. Los técnicos solían tener pro-blemas para mantener el equipo en funcio-namiento durante las actuaciones, ya que siempre los tenía forzándo al máximo.

Todas sus guitarras eran para diestro y él las utilizaba al revés

Amplificador y pantallas Marhsall Jimi Hendrix Signature

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La primera Flying V fue lanzada por Gi-bson en 1958. En 1965 apareció un se-

gundo modelo con el clavijero remodelado y con nuevas incrustaciones. La guitarra de la imagen, recientemente restaurada, fue pro-piedad de Hendrix desde1967 y el mismo la decoró con motivos florales.

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Aparecieron en 1962 y estaban destinados a cambiar la historiamúsical y a asegurar la superioridad de la guitarra en el pop.

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Jon Lennon (1941-1980) y Paul McCart-ney (1942) empezaron a tocar juntos

como guitarristas en 1957 en un grupo lla-mado The Quarry Men, al año siguiente se les une George Harrinson (1943) también como guitarristas y McCartney pasa a ser bajista. La estructura del grupo quedaba así; guitarra solita, rítmica, bajo y batería, para la cuel escogieron a Ringo Star ( Richard Starkey, 1940). Tras firmar un contrato con EMI, el grupo empezó a evolucionar bajo la dirección del productor George Martin, que intervenía en las grabaciones y colaboraba en los arreglos. En esos momentos, Lennon y McCarney componían casi todos los temas empleando guitarras acústicas.

El primer single de los Beatles “Love Me Do” grabado en junio de 1962 en los estu-dios de Abbey Road de Londres, es poco representativo de sus futuras guitarras: Ha-rrison y Lennon tocan acordes sencillos con guitarras acústicas, no hay fills melódicos ni solos y el tema no refleja las cualidades de sus componentes. El segundo single “ Please, Please Me” (1963) presenta ya una

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rítmica eléctrica y armonía que conducen y complementan las voces en lo que será ya la esencia de Los Beatles. En 1963 el grupo trabaja las guitarras con solos empe-lando arreglos rítmicos diversos y mezclan-do sonidos acústicos y eléctricos: los solos de “ I Saw Her Stanging There” y “Twist And Shout” fueron los primeros que Harri-son grabó con una guitarra eléctrica. En “ Hall My Living” Lennon toca rápidos tre-sillos sobre la rítmica del Harrinson, dando energía al a canción. En 1964.Los Beatles continuaron experimentando y asimilando influencias que se reflejaban en su música. En la primera época en que el brasileño Antonio Carlos Jobim alcanzaba su fama, ellos utilizaban ritmos latinos alterando la guitarras de cuerda de mailon con las acús-ticas en sus guitarras; Harrison toca con cuerdas de mailon en “ And I Love Her” incluido el solo, basado en la melodía vocal. Cuando el grupo grabó el disco Help! en 1965, McCartney se reveló como guitarrista además de bajista en “Yesterday” toca una acústica sin púa, haciendo una secuencia de acordes sobre un bajo y partes melódi-

cas, también graba los Riggs de entrada en “ticket to Ride”. Con el nuevo disco gra-bado en 1965, Robber Soul, Los Beatles siguieron experimentando McCartney graba un innovador solo con slide en “Drive my Car”, en “Nowhere Man” Harrinson añada brillo a sus arreglos de guitarra con una melodía de acordes que acaba en un agu-do armónico. En “If I Hended Someone” se pueden escuchar arpegios de guitarras de doce cuerdas en “Wait” hay un uso conti-nuo de pedales de volumen. El single “Day Tripper” se iniciaba con uno de los rifs más conocidos de Los Beatles interpretado con dos guitarras doblando al bajo.

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Al mismo tiempo que Los Beatles grababan el álbum Revolver sa-caron el single “Paperback White” al que Lennon llamaba “Son Of Day Tripper” por tener como base un riff de guitarra de “Day Tri-pper”. La innovadora cara B “Rain” está conformada por guitarras que resuenan con un zumbido continuo. Con la grabación de “ Strawberry Fields Forever” a finales de 1966. Los Beatles llegaron a crear nuevas atmósferas, en esta canción de la guitarra se introduce en arpegios y se pueden escuchar notas sueltas manipuladas con efecto. Este nuevo enfoque adelanta el papel de la guitarra en su músico a lo largo de 1967, ya que el grupo iba a cambiar radicalmente la función de la guitarra dentro de la música. Al disponer de tiempo todos reinventaron su modo de escribir y de entender la música la guitarra entonces dejó de estar ligada a las normas convencionales de acordes, solos y melodías adicionales. En 1967, tras terminar Sgt. Pepper’s Loney Heard Club Band, Los Beatles grabaron algunos singles y el EP Magical Mystery Town, que continuaba la línea trazada en las sesiones de Sgt. Pepper: “Hello, Goodbye” presenta expresivos y melódicos riffs distorsio-nados “Magical Mystery Tour” y “The fool On The Hill” se sus-tentan en una guitarra acústica sobre la que se graban elementos rítmicos electrónicos, el tema instrumental “Flyeing” presenta a George Harrison tocando ráfagas de varios notas con un exagerado efecto trémolo.

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El disco fue grabado entre abril y junio de 1966 en los estudios de Abbey Road, en Londres. Revolver representa una etapa im-portante en la evolución de Los Beatles. Se puede presenciar las influencias clásicas.

Con Georff Emerik como ingeniero. Se usaron técnicas como el es-téreo, reverb, aco, compresión, flanger, caja Leslie y trabajos pione-ros de ADT (doblado de pista artificial). En la fase de producción se grabaron y reprodujeron guitarras al revés y a distintas velocidades. Alguno de los temas experimentales requirió muchas tomas y hasta diez horas de trabajo.

Porta de Revolver

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I Want To Tell You(Harrison) Es una de las pocas partes del álbum con sonido sin procesar. Comienza con fade-up y sigue con un melódico riff con un claro sonido nasal de reveb

Go To Get Into My Life(Lennon/McCartney)Los arreglos de metal dominaban este tema.

Tomorrow Never Knows(Lennon/McCartney)Tiene un toque monótono y un bajo repe-titivo. Hay breves fills de guitarra con un sonido peculiar. La última parte del corte instrumental incluye el solo de “Taxman”, solo que a trozos, enlazado y retardado has-ta caer un tono y reproducirlo al revés.

Taxman (harrinson)El ritmo eléctrico de Harrison, esta basado en armonías sencillas, la entrada del tema da una sensación de directo. McCartney toda dos pequeños fills de guitarras-fuzzque aportan un estilo oriental.

Eleanor Rughy (Lennon/McCartney)Es uno de los pocos cortes grabado sin gui-tarra. Los arreglos para cuartetos de cuerda fueron escritos por George Martín.

I’m Only Sleeping(Lennon/McCartney)John Lennon toca un acompañamiento con una acústica. En el tema aparecen fills de eléctrica y un solo reproducido al revés. Se tardaron seis horas en trabajar el arreglo de la guitarra, escribirlo al revés, grabarlo y reproducirlo al revés. También se incluyen guitarras limpias

Love You To(Harrison)En la primera toma Harrison cantaba acom-pañado de su propia acústica. La eléctrica se usa como fondo para añadir espesura a los efectos de las cuerdas de acompaña-miento.

Here, There And Everywhere(Lennon/McCartney)Este tema tiene un acompañamiento de acordes y una fluida secuencia armónica de escalas. El breve fill lo toca una guitarra pasada por una caja Leslie.

Yellow Submarine(Lennon/McCartney)El acompañamiento de acordes con acústi-cas está interpretado por John Lennon.

She Said She Said (Lennon/McCartney)Lennon toca una rítmica imaginativa en una canción con un ritmo de ¾. La guitarra de Harrison tiene un efecto Leslie y sirve de eco a la melodía de la voz.

Good Day Sunshine ( Lennon/Mc-Cartney)Dominado por el piano y otros instrumen-tos, los acordes de guitarra quedan muy en el fondo.

And Your Bird Can Sing ( Lennon/McCartney)Aparece uno de los riffs más característi-cos y originales de Los Beatles, tocado con partes armonizadas y un todo de Fuzz con distorsión.

For No One (Lennon/McCartney)Es una de las canciones de Revolver donde apenas se escucha la guitarra, es la famosa canción de solo de trompeta.

Doctor Robert(Lennon/McCartney)Este tema tiene un ritmo entrecortado y a contratiempo. Las guitarras entrelazadas son características de estilo Beatles. Apa-recen fill tipo country tocados con acordes de dos notas.

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SGT. Pepper’s lonely hearts club band (1967) marcó el paso de Los Beatles

hacía la experimentación y la sofisticación.Estuvieron 129 días en el estudio entre fi-nales de 1966 y 1967. Algunos de los cor-tes no tienen separación. El álbum tiene unas guitarras engañosas, aparecen en un segundo plano, no suelen escucharse gui-tarras predominantes. Los Beatles pidieron a los técnicos que procesaran la guitarra para que sonara extraña y en algunos casos irreconocible. Los temas no basan en ella su soporte armónico. Este disco tiene pocos momentos destacados de guitarra al contra-rio que en sus otros discos.

Porta de SGT. Pepper’s lonely hearts club band

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SGT. Pepper’s lonely hearts club band (Lennon/McCartney)Consigue el efecto del directo. Las guitarras de McCartney, al contrario que el resto de temas, suenan convencionales y atractivas. McCartney toca una guitarra de rock direc-ta, con sonido de fuzz saturado. Al princi-pio, unos acordes partidos y un riff distor-sionado de notas agudas dan paso a la voz.

Whit A Little Help From My Friends (Lennon/ McCartney)Esta canción empeza en un fade-out de la anterior, con unos glissandos en picado so-bre armonías descendentes. Tras la voz, la guitarra toca acores en estacceto y hay un efecto rítmico de vaivén.

Lucy In The Sky With Diamonds (Lennon/McCartney)La guitarra permanece en Segundo plano. Hay teclados y otros instrumentos grabados con efectos como un Leslie, variador de ve-locidad, eco y reverb.

Getting Better (Lennon/McCartney) Tiene un aire positivo debido a la guitarra rítmica. Abre con guitarras tocando acordes sencillos en staccato, yuxtaponiendo octa-vas y acordes. La contra melodía descen-dente de dos notas se suma la voz.

Fixing A Hole (Lennon/McCartney)Hay un buen equilibrio entre los acordes. Hay buenos pasajes de fills de dos notas. En un solo breve, doblado y fuera de fase. Harrison muestra un sonido de fuzz como contraste a la melodía de la voz.

She’s Leaving Home (Lennon/McCartney)Es una de las mejores canciones del disco, es el unico corte sin guitarra.

Being For The Benefit Of Mr. Kite! (Lennon/McCartney)Es un tema complejo con armonías produ-cidas por instrumentos poco usuales. Las partes de guitarra están muy en el fondo.

When I’m Sixte Tour (Lennon/McCartney)No esta basada en acordes de guitarra. Al final del corte aparecen divertidos fills de guitarra casi country muy poco percepti-bles.

Lovely Rita (Lennon/McCartney)Esta formada por acordes de acústica secos y metálicos, que le dan un tono optimista a la canción

Good Morning, Good Morning (Lennon/McCartney)El confuso solo de guitarra fuzzy los fills le dan presencia a este corte, los acordes de guitarra aparecen bajos en la mezcla final.

Sgt Pepper’s Lonely Hearts Club Band (Reprise) (Lennon/McCartney) Es similar al tema inicial, esta continuación tiene tres guitarras más contundentes y bre-ves fills que responden a la voz. Se funde con el tema posterior.

Lenno A Day In The Life (Lennon/McCartney)Al principio se escucha la guitarra sola por primera vez en el disco John Lennon toca una secuencia de acordes acústicos, has-ta que progresivamente entra el piano y el bajo. Paul McCartney interrumpe con un ritmo sordo y rápido de guitarra hasta volver a la parte principal.

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A partir de 1968 Los Beatles volverán a traer la guitarra a un primer plano a medida que se incrementaban las influencias

del blues y del rock en su música. En sus canciones llegaron a introducir arreglos de guitarra sofisticado y complejo. En su última época de cambios importantes. Los Beatles, variaron el estilo de los arreglos en sus canciones y eliminaron algunos instrumentos, su música se hizo más dura. En esta misma época, a principios de 1968 grabaron el single “Lady Madonna”. Esta canción construida sobre una estructura de blues, con sus arreglos de guitarra de rock distorsionada apunta ya el nuevo rum-bo que el grupo está tomando con el uso cada vez mas frecuente de guitarras combinas con teclados.

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El disco doble The Beatles, conocido como el “Disco Blanco”, se grabó entre mayo y octubre de 1968. Se trata de un trabajo

variado y fragmentado en el que cada miembro del grupo grabó sus propias composiciones sin ayuda de los demás. Las guitarras van desde el rock más duro al más limpio sonido acústico. En “Back In The USSR” encontramos ritmos y solos de rock “ Birthday” presenta un cortante riff frente a “Everybody’s Got Something to Hide Except Me And My Monkey” con una introducción de acordes staccato y figuras rápidas y roqueras, por otra parte la versión de “Revolution” es lenta y relajada en comparación con el single y esta construida sobre una guitarra acustica. Los Beatles intentaron parodiar las tendencias vigentes, la irreverencia de Lennon es es-pecialmente evidente en “Yer Blues” la canción tiene un chirriante y repetitivo riff y un exagerado fraseo de blues, la chillona “Welter Skelter” nos muestra a un Lennon a Harrison y a McCartney tocan-do distintos pasajes en una canción que anticipa tendencias pos-teriores por su sonido metálico y exagerado en “Apiñes Is A Warn Gun” hay cambios complicados. El Disco Blanco le dio a Los Beat-les la ocasión de escribir canciones que combinaban la diversión con la guitarra. Hay incluso una insólita entrada flamenca en “The Continuing Stone Of Baungalow hill” y un acompañamiento country en “Rock Bacón” “Wild Money Pie” tienen un breve solo de jazz. Uno de los más conocidos pasajes de guitarra lo toca McCartney en “Blackbird” con una acústica Folck en la canción “Julia” con dos pistas de guitarra distintas. Uno de los temas más brillantes del disco es “While My Guitar Gentil Weeps” de George Harrison”. Se invitó a Eric Clapton a grabar los arreglos y el solo que retocado en las mezclas, posee un timbre especial. Después de este disco, Los Beaatles graban el single “Get Back” (1969) un ritmo de grove también alejada de su estilo en que la guitarra se compacta con el piano eléctrico. Lennon introduce fraseos que responden a la voz que sugiere una rara mezcla de country y blues.

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Los Beatles decidieron volver a trabajar como grupo, con George Martín como pro-ductor, para grabar Abbey Road entre julio y agosto de 1969. Fundamentalmente en este disco es la contribución de Harrison, que retoma material y formas de sus inicios, metiendo fills estilo country en “Maxwell’s Silvers Hammer”, “Octopu’s Garden” y “She Came In Trought The Bathroom Win-dow”, destacando sobre todo en “Oh Dar-ling” por sus guitarras rock, sus slides y su arpegio en staccato sobre la secuencia de acordes. Es Harrison quien parece ser más creativo con el original sonido en los slides de “Come Together” empleando varias pis-tas “You Never Give Me Your Money” se graba con multitud de elementos distintos efectos, arpegis, arreglos de blues y tam-bién de rock “ I Want You” se abre con el arpegio típico y muy efectivo del momento. El principio de “ Here Comes The Sun” es el más conocido de las intros acústicas de la última época del grupo y “Something” pasa por ser una de las más memorables composiciones de Harrison. “Because” de Lennon lleva una secuencia de arpegio ins-pirado en Beethoven que se repite doblada

por un clave eléctrico y un sintetizador moog; en contraste “Sun King” tiene unos relajados rasgueos y su singular atmósfera.

“The End” proporciona personalidades de los tres guitarristas de Los Beatles, inter-cambiaban solos en breaks de dos compases, contrastan el timbre metálico de McCartney con las influencias blues del momento que tenia Harrison y con el sonido distorsiona-do, rítmico y agresivo de Lennon. El último single que grabaron juntos fue “Let It Be” (1970) tienen ecos de gospel, Harrison intro-duce un melodioso solo, cuyo sonido obtiene combinando la caja Leslie y la distorsión que funde con el órgano.

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“Let It Be” se lanzó en Gran Bretaña justo antes de que Los Beatles hieran oficial su separación en abril de 1970. En menos de una década habían grabado la más extensa variedad de guitarras que jamás ha tocado un grupo de pop. Tras la separación de los Beatles, George Harrison continuó trabajando sobretodo en su capacidad para el slide, el cual se puede observar claramente en sus disco en solitario como “All Things Must Pass” (1970) o incluso en “Ima-gine” (1971) de John Lennon. Él jugó un papel muy importante dentro del grupo.

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El Rock de los años 70’s“El sueño a terminado”. Con esta frase que se incluye en la can-ción God de John Lennon, da inicio a la década de los años 70’s en el rock. Luego del festín experimentado en el decenio anterior, el nuevo no pintaba nada bien y desde el mismo amanecer se daban muestra de ella. Jimi Hendrix y Janis Joplin, dos símbolos de la generación de los 60’s, mueren en 1970 a causa de una sobredo-sis. En este mismo año, Paul McCartney anuncia oficialmente la separación de The Beatles, el grupo que, como alguna vez dijera Lennon, era casi tan popular como Jesucristo. Un año más tarde, en 1971 Jim Morrison, cantante de The Doors y uno de los princi-pales iconos visuales y sex-symbols de la historia del rock, muerte también de una sobredosis. Con esos malos augurios, la primera mitad de la década del rock experimenta su masificación y el es-tablecimiento de la parafernalia visual en grandes escales en los conciertos Led Zeppelin reinará a lo largo de la década y detrás de ellos vendrán The Rolling Stones y Pink Floyd, con espectáculos realmente impresionantes. El heavy metal, el hard rock y el Glam rock se apoderan del gusto de las masas a lo largo de la primera mitad de la década, por lo que grupos como Deep Purple, Black Sabbath, Queen, Kiss, Bad Company viven sus momentos de gloria. Sin embargo, toda esa masificación, glamour, parafernalia visual y en el caso del rock progresivo, virtuosismo, aleja al rock de sus raíces callejeras y de rebeldía por lo que los jóvenes ya no en-cuentran una identificación y una bandera en él. Es entonces que en los suburbios neoyorquinos surge el punk, derivado del rock que retoma esa rebeldía acompañado con una dosis de anarquismo, hedonismo y politización, con lo que convierten en otro de los mo-mentos trascendentales de la historia del género. El punk nace en Nueva York engendrando por los ahora míticos The Ramones, por los ingles The Sex Pistols lo llevan al extremo. Otras bandas de no-toria trascendencia son The Clash, The Damm, Generation X, The Misfits y Black flag. Asi, mientras el rock estaba en un abismo y la música disco reinaba en las listas de popularidad, el último gran movimiento del género se hacia presente.

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Richards hace un continuo uso de las afinaciones abiertas (Open Tunings). Causantes de que tantos guitarristas del mundo hayan intentado duplicar el sonido Richards sin conseguirlo.

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Los Rolling Stones fue fundado por Mick Jagger y Keith Richards (1943) en 1962.

Hill Wyman se unió como bajista y Charlie Watts a la batería. Jagger y Richards me-tieron a Brian Jones (1942-1969) como se-gundo guitarrista. El grupo con unos inicios confusos a llegado a convertirse en el más influyente de la historia. El grupo comen-zó basándose en la mezcla de Richards y Jones, mezclando sus estilos con elementos de la música negra americana, el sonido de Los Stone desarrolló con rapidez su iden-tidad. El primer single del grupo “Come On” de Chuck Berry, se grabó en los estu-dios Olympic de Londres en mayo de 1963 con sonidos de guitarra extraños. Para su siguiente single. Los Rolling hicieron una versión de “I Wanna Be Your Man” (1963) de Lennon y McCartney. La versión incluía un solo distorsionado y guitarras con slide. Con la canción “Not Fada Haway” (1964)

el grupo experimento con el pop y el rock de los 50. En un principio, Los Stones gra-baron en los estudios Chess Chicago, allí el grupo moldeo su identidad a base de grabar versiones de canciones americanas “It’s All Over Now” (1964), lleva un contraste fuerte de guitarras grabadas en eco con reverb, los arreglos consisten en acordes arpegiados sobre una rítmica en staccato que acaba en un intenso solo de rock’n’roll, en la canción “Little Red Roaster” (1964) Brian Jones construyó fraseos con slide que respondían a las melodías de la voz.

“The Last Time” (1963) es una de las pri-meras canciones compuestas por el grupo en la que Brian Jones repite pegadizos riffs de blues sobre la rítmica y los fills de Ri-chards en “Satisfacction” (1963) Keith Ri-chards experimenta con un pedal fuzz con el que interpreta un riff que emula un ins-

trumento de viento. La fuerza de “Get Off Of My Cloud”, de Jagger y Richards, supu-so un paso hacía un sonido más duro y cer-cano al rock; en le tema, la rítmica es ener-gética, va muy marcada por la batería y esta grabada con una distorsión cortante. “19th Nervons Breakdown” es un tema irregular que comienza con guitarras entrecortadas.

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La siguiente época de los Rolling Stones se caracteriza por los arreglos con un aire pop, en los que la guitarra no siempre es

elemento clave. A partir de 1968, Keith Richards tiene un papel cada vez más importante mientras que Brian Jones se queda en se-gundo plano. En el álbum Beggars Banquet (1968), Richards deja clara su facilidad para combinar frases blues a la hora de hacer solos: así se puede apreciar en “Spray Cat Blues” o en “Simpaty For the Devil”, Richards empieza también a experimentar y a em-plear afinaciones abiertas para inspirarse cuando compone. Uno de los elementos esenciales en su forma de tocar será el uso de ese tipo de afinaciones que le permiten introducir riffs de acordes, con frecuencia pegadizos, que terminaban llevando en el peso de las canciones. Sus introducciones más interesantes en este sentido se encuentran al principio de “Street Fighting Man” y en el single “Jumpin’Jack Flash” (1968), los dos grabados con equipo de registro muy básicos y empelando una guitarra acústica. La irregularidad con que se registra el sonido en estos equipos da a las canciones un esti-lo especial. Al principio de “ Gimme Shelter” (1969). Richards mete armónicos sobre afinación abierta con vibrato para crear un ambiente tenso. La habilidad de Richards supera a la de los otros

guitarristas rítmicos., eso queda claro en el principio de “Midnight Rambler” (1969), donde hay un sonido nuevo con acordes corrien-tes en, “Honky Tonk Women” (1969) las notas de introducción son bruscas. Los Stones no meten fills de blues o country en sus cancio-nes, cuando lo hacen es anecdótico. Durante este periodo, la adopción por Richards de una afinación abierta, básica y eliminando el bordón, se aprecia en los energéti-cos riffs de “Brown Sugar” (1971),Keith Richards lleva más allá la capacidad de expresión de su guitarra al utilzar la afinación Nash-ville en el tema country-rock “ Wild Hrose” (1971); en esta canción las cuatro cuerdas más graves tienen una afinación una octava más aguda. Ha hecho varios trabajos en solitario, Talk is Cheap (1988), Live at the Hollywood Palladium (1991) y Main Offender (1992).Richards utiliza todo tipo de guitarras pero por lo general se lo ve con una Telecaster de los 50’s de color madera y pickguard negro.

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Existen incontables maneras de afinar las cuerdas. En general, las afinaciones alternativas se pueden clasificar en dos cate-

gorías. Pueden ser afinaciones “abiertas” (Open Tunings), es decir que cuando todas las cuerdas se pulsan al aire suena un acorde o pueden ser adaptaciones de la afinación tradicional, pensadas para interpretar piezas en las que una o dos cuerdas se tocan al aire.Afinaciones abiertas, las utilizadas por Keith RichardsSe trata de afinar las cuerdas de manera que formen un acorde cuando se toca el aire. Los más usados son el Sol menor (Open G) el de Re mayor (Open D) Una de las principales ventajas de esta afinación es que los demás acordes se pueden tocar con sólo poner una cejilla con el dedo índice sobre las seis cuerdas. Con la guita-rra afinada en Sol, por ejemplo, basta con poner una cejilla en el 2º traste para formar el acorde de la mayor.Keith añadió una innovación a la afinación open G, sacó la 6ª cuer-da para poder tener la raíz del acorde – en este caso Sol – en la cuerda más grave, de manera que la 5ª era la última cuerda, Ri-chards llegó al punto de hacerse construir especialmente varias guitarras de 5 cuerdas para tocar en esta afinación.

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Sin duda el mejor Bluesman blanco que jamás existió.Apodado como Dios en Londres.

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Eric Clapton nació en Ripley, Surrey, el 30 de marzo de 1945 y se crió con sus abuelos. Recibió su primera guitarra a los trece

años, pero no se mostró entusiasmado por ella. Después de cursar estudios primarios, asistió a la Escuela de Arte de Kingstone, pero tuvo que abandonarla debido a su total fata de interés y a que se le consideraba una mala influencia para los otros estudiantes. Se interesó por la música escuchando blues en la radio y se dedicó a buscar discos de músicos americanos como Muddy Water y Big Hill Broonzy. Pronto empezó a tocar su vieja guitarra acompañando los discos. Como los músicos de su edad también están entre sus in-fluencias Chuck Berry y Buddy Holly. El año 1963 fue un año muy agitado en el ambiente del Rhythm& Blues inglés. Aleix Corner era el padre del movimiento, por Los Stone se habían convertido en el foco de atención, sobre todo cuando su primer single.

“Come On” DE Chuck Berry, entró en las listas. A mediados de aquel año aparecieron los Yardbirds y Clapton se unió a ellos, su característico vibrato pulsado con el dedo, su sonido expresivo y con sutain y su calidad alternando los tonos con hending se precian en Five Live Yardbirds (1964) grabado en el Marquee de Londres y en el single “Good Morning Little Schoolgirl”, con “I Ain’t Got

You” en la cara B. Los Stones acababan de abandonar el círculo de pequeños clubs y los Yardbirds heredaron su puesto los sábados por la noche en el Cradaddy Club de Richmond.En 1965, apenas dos años después, Clapton deja el grupo tras gra-bar el melódico y original single de pop “Four your love”. Todos ex-cepto Clapton consideraron el single perfecto. Una revista juvenil llamada Rave publicó por unas declaraciones en las que Clapton decía que el quería tocar música para y sincera, no corrompida. En ese momento John Mayall entro en contacto con Clapton para que se uniese a la banda de Los Bluesbreakers (1965).

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Clapton ya tenía por entonces una masa de seguidores. Aunque ya había uno o dos buenos guitarristas de blues, Clapton des-

tacaba, Había perfeccionado las notas mantenidas a base de fee-dback y el sonido saturado con amplificadores. Marshall de válvu-las. En esa época no existían cosas como un juego de cuerdas finas, con la 3º sin entorchado. Clapton recurrió a una cuerda de banjo como sustituto de la 3ª cuerda, con lo que logró ampliar la gama de agudos de sus solos, además de poder doblar notas más fácilmente.Eric Clapton sustituyó a Roger Deanen en los Bluesbreaker de John Myall Multiinstrumentista y cantante, Mayall era ya un nom-bre esencial de blues en GRn Bretaña. Poco después de que Clap-ton se uniera al grupo, grabaron un single “I’m Your Witchdoctor” con “Telephone Blues” en la cara B.Tras una breve gira y habiendo asimilado ya Clpaton gran cantidad de ideas, graban el álbum Blues Breakers-Whit Eric Clapton en abril de 1966 en los estadios West Hampstead de la Decca. La guitarra de Clapton siempre se hacia notar. Sí los Bluesbreakers tocaban más de 20 minutos sin que se oyera a Clapton el publico empezaba a gritarle a Mayall “ Dale a Dios un solo”, pues de la aprobación del jefe tocaba una increíble versión de “Hideaway” de Freddi King o algo similar. La canción “Hideaway” de Freddie King, contiene una gran riqueza en vibrato pulsando con el dedo, y un tono suave que contrasta con partes de acordes distorsionados. En el disco se puede observar una madurez de blues, en diferentes

momentos Clapton plasma su influencia aunque por ejemplo, “All Your Love” de Otis Rush, es muy similar a la versión original de 1958 “Steppin’Out” destacar por le fuerte riff y el estupendo solo con hending y sustain. Las composiciones del propio Mayall “Have Your Heard” y “Key To Love” tiene también solos muy buenos y muy buenos arreglos, trinos, vibrato, martillados y pull-offs. En “What I’d Say” Clapton introduce el riff de “Day Tripper” de Los Beatles tocado con más fuerza.En el mismo año Clapton abandonó el grupo, Mayall se vio en pro-blemas para encontrar a un sustituto. Aunque ya había muchos jó-venes tocando en el estilo de Clapton nadie tenia el mismo impacto. Con el tiempo el grupo encontró a buenos guitarristas como Peter Green (que más tarde formó Fleetwood Mac) y Mick Taylor (que pasó a formar parte de Los Rolling Stones).Eric Clapton fue pionero en el uso del wah-wah este pedal apareció en 1966. Se puede apreciar el uso de este pedal en “White Room” donde Clapton va tocando fills por detrás de la voz y en el solo que se apaga progresivamente al final del corte. En otras piezas lo utilizaba como control de tono. Además de wah wah. Clapton usaba Leslie y distorsión en “What A Brigdown”.

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A principios de 1969, Eric Clapton y Ginger Baker se unieron con el bajista Rick Grech y el cantante-teclista Steve Winwo-

od, para formar Blind Faith. El grupo se disolvió y Clapton toca un tiempo con Delaney & Bonnie and Friends. Después de Cream Clapton se dedicó a trabajar como músico de sesión. Participó en la grabación del álbum de John Lennin Cold Turkey (1969).

En 1970, Clapton formó por primera vez su propia banda, incluía a Carl Radle (bajista) George Ferry (guitarra) y el cantante Yvo-ne Elliman. La banda se llamó Derek and the Dominoes. Clapton llevó la banda a los estudios de Criteria de Miami para grabar un álbum. A los tres días, decidieron tomarse una tarde libre para ir a un concierto al aire libre de los Allman Brothers. Eric había oído en discos la guitarra de Duane Allman y quería verle en direc-to. Después del concierto, Clapton invitó a los Allman a una jam session en el estudio. Duane Allman se quedó y al cabo de diez días tenía material para el doble álbum “Layla and Other Assorted Love Songs”. La grabación del álbum estuvo marcada por el con-sumo continuo de drogas, sobretodo heroína. Clapton no hizo caso de las advertencias y cuando regresó a Inglaterra se encerró en su casa de Surey, manteniendo una adición a la heroína que le costaba 1000 libras a la semana. En este período apareció en el concierto que George Harrison organizó en el Madison Square Garden en beneficio de Bangla Desh, su actuación estuvo por debajo de lo habitual. En Nueva York fue incapaz de encontrar heroína y se paso la semana de ensayos con el síndrome de abstinencia. Pete Towns-bend, preocupado por el estado de Clapton, organizó el concierto de regreso de Clapton, en el Rainbow de Londres, el 13 de enero de 1973. Clapton no se liberó de su adicción hasta el 1974 con una cura de acupuntura. Volvió a trabajar grabando “461 Boulevard” que incluía una versión de “I shot The Sheriff” de Bob Marley y reanudando las actuaciones en directo.

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En abril de 1975, Clapton graba There’s one In Every Crowd y un álbum en directo en agosto titulado E.C.Was Here, al que sigue No Reason To Cry en agosto de 1976, en el que colaboraron el grupo The Band, Ron Wood y Bob Dylan. Pero el verdadero éxito comercial como artista en solitario llega en noviembre de 1977 con el álbum Slowhand. El LP contiene los éxi-tos “Lay Down Sally”. “Wonderful Toninght” y el clásico “Cocaine” y vendió más de tres millones de copias en U.S.A En noviembre de 1978, Clapton edita Backless que entra en el Top 10 con la canción “Promises”. A finales de los 70, la carrera de Clapton empezó a sentir los efectos de su adicción a la bebida. En mayo de 1980, pú-blica el magnifico doble álbum en directo, Just One Night grabado en Japón a finales de 1979.En abril de 1981, se edita Another Ticker y de nuevo llega al Top 10 con “ I Can’t Stand It”. En febrero de 1983, Clapton firma por la compañía discográfica Warner Brother y publica Money And Ci-garrettes. En marzo de 1985, graba Behind The Sun que incluye “She’s Waiting” “Same Old Blues” y “Forever Man”. En noviembre de 1986, se publica August que incluye los éxitos “It’s in The Way That You Use It” (que también aparece en la banda sonora de la película The Color Of Money” y “ Tearing Us Apart” (con Tina Turner ). En noviembre de 1989, se publica Journeyman, ese LP está consi-derado como su regreso a las raíces blues-rock que fue la principal característica de la música de Clapton en las décadas de los 60 y 70. Podemos destacar principalmente “Pretending” y “Bad Love”. En octubre de 1991, se publica el doble álbum en directo, 24 Nights que recoge varias actuaciones en directo en el Royal Albert Hall de Londres en 1900 y 1991. En agosto se publicó el concierto acústico con el titulo Unplugged, que contiene los éxitos “Tears in Heaven” dedicada a su hijo y

un nueva versión acústica del clásico “Layla”. En septiembre de 1994, se edita From The Cradle, que es el primer álbum completa-mente de blues grabado por Clapton, en él se recogen una colección de temas clásicos del blues. En 2004 publica un álbum homenaje al mejor bluesman de la his-toria: Robert Johnson. “Me And Mr Johnson” incluye 14 versiones de los 29 temas que grabó el maestro del blues de Mississipi duran-te su breve carrera en los años 30. En los ochenta, Clapton utiliza tres Stratocasters en sus conciertos. Su favorita es una guitarra negra de 1956 a la que llama “Blackie”. Las otras dos son modelos de 1954 y 1965. Actualmente usa un am-plificador Music Man HD-130 Reverb, con bufles especiales abier-tos por detrás. También tiene un baffle Leslie con altavoces JBL.

Clapton desarrollo el estilo americano de guitarra eléctrica de blues en el que los ampli-ficadores de válvulas se usan como una prolongación del instrumento. No sólo sirven

para la amplificación si no que contribuyen al sonido. En 1965 Clapton empezó a usar Les Paul Standard con un combo Marshal 1962 2 x 12 válvulas KT 66. El sonido que conseguía con esta combinación era espeso, rico y saturado. Clpaton fue uno de los primeros guita-rristas en darse cuenta de que las antiguas guitarras Les Paul eran perfectas para estilo de música. Este conjunto de guitarra y amplificador se puede apreciar especialmente en el disco Blues Breakers, en la canción instrumental “Hideaway”. El estilo de Clapton resalta por encima del grupo con la ayuda de este equipo. Esta combinación del equipo significó tener una nueva visión del sonido en el blues rock y muchos guitarristas decidieron imitar su sonido. En el estudio. Con el productor Mike Vernon y el ingeniero Gus Dudgeon, Clap-ton insistía en grabar la guitarra a un volumen muy alto, de directo. Este procedimiento anormal le dio a su sonido una gran intensidad. La distorsión y un sutain aportaban un apoyo extra a sus riffs y solos.

Con Cream empezó a utilizar cajas de altavoces separadas de 4 x 12, combinadas con amplificadores individuales. Cuando

en 1968, oyó el álbum “Music From Big Pink” de The Band, le impresiono su modo de tocar de una manera compacta y también el trabajo de guitarra de Robbie Robertson, Robertson usaba gui-tarras Fender Stratocaster y Telecaster que tienen un sonido más limpio, Clapton al poco tiempo tocaba Stratocaster con preferencia a cualquier modelo. Su Gibson SG la compró Clapton poco después de perder su Les Paul en 1966. Fue pintada de forma psicodélica por The Fool, un grupo de artistas Holandeses sin la palanca de Trémolo. Clapton la usó para grabar el solo de “Crossroads” en Winterland, San Francisco, en marzo de 1968, se puede oír en el doble álbum Wheeles of Fire (1968) de Cream.

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Con la aparición de Led Zeppelin en 1968 surgió un estilo de rock duro, sus canciones están muy bien elaboradas y hoy en día tres de sus temas “Stairway To Heaven”, “Rock’n Roll” y “Whole Lotta Love” aparecen entre las diez mejores canciones de rock de la historia.

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Jimmy Page (1944) es un músico clave aparecido en los años 60 que definió el

Heavy rock. Page tocó blues folck y county y se hizo un importante músico de sesión, grabando por ejemplo para Them y Los Kinks. También trabajo como productor de I’m Your Witchdoctor” (1965) de John Ma-yall, donde ya tocaba Eric Clapton.Entró en los Yardbirds en 1966, el grupo se separó en el verano de 1968. Page re-unió a Robert Plant (cantante), John Paul Jones y John Bonham (batería). Page utilizó ideas que había desarrollado en los Yard-birds y reunió una de las primeras bandas de heavy-rock en las que la guitarra se apo-yaba en una parte rítmica grave, con bajos y baterías fuertes. El grupo comenzó a tocar en directo en el otoño de 1968 y tras unas pocas actuaciones como The New Yard-birds, pasaron a llamarse Led Zeppelin. EL nombre estaba inspirado en Keith Monn, de The Who, el dijo que el grupo se caería como un globo dirigible, como un zepelin.Page empleó su talento como arreglista y productor para crear una síntesis de blues y rock. En octubre de 1968 grabaron su primer disco “Led Zeppelin” en los Olym-pic Studios de Londres. Las canciones son claras, con arreglos originales y diferentes sonidos de guitarra. Page emplea diversos ejemplos, que incluyen distorsión, wah wah

Jimmy Page con su Les Paul Standard del 59 en 1976

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y caja Leslie y un pequeño amplificador su-pro. La grabación e innovadoras mezclas se llevan a cabo introducción reverb, eco (na-tural y invertido) y delays. Las guitarras de “Good Times Bad Times” tienen potentes acordes metálicos con un solo blues rápi-do y frases que imitan al sonido de un vio-lín. “Comunication Breakdawn” tiene una rítmica repetitiva que engancha. Para los solos de otras canciones Page busca soni-dos fuertes y slides e introduce frases que responden las líneas de voz . En “Danzed And Confused” y en “How Many More Ti-mes” utiliza un arco de violín para tocar al-gunas partes de la guitarra. “Danzed And Confused” es una canción muy interesante porque esta formada por partes muy distin-tas con diferentes coloridos hasta que en-tra en un tempo acelerado en el que Page interpreta el solo central de la canción. En directo la canción se alargaba enormemente ya que había partes diferentes y más largas teniendo como resultado una canción con una enorme calidad musical. “Your Times Is Gonna Come” y “Babe I’m Gonna Leave-You” llevan guitarras acústica. El tema instrumental “Black Mountain Side” tiene una gran influencia del Folk británico, esta tocada con acústica, tocada con una afina-ción abierta con un fondo de percusión con tablas hindúes. En esta canción se muestra

una sorprendente guitarra acústica con muy buenos arreglos en el arpegio.En 1969 Led Zeppelin ya era una banda que ya había llegado al éxito, eran súper estrellas de rock “Led Zeppelin II” grabado en 1969 tiene algún pasaje acústico pero está básicamente construido con duros riffs eléctricos el de “Whola Lotta Love” es rít-mico, tiene un sonido innovador, slides de guitarra con efectos que consiguen sonidos especiales para dar paso a una improvisa-ción libre con acordes potentes “ Bring It On Home” comienza con un estilo blues y evoluciona en crescendos hasta llagar a un ambiente orquestado de rock duro.“Heartbreaker” tiene un riff con un tempo que da una sensación de tensión. Se basa en un motivo pentatónico ascendente con una quinta Bernal extra que de golpe pasa a una sexta, este patrón se repite con gran empuje rítmico, se sube un tono y vuelve a caer a la nota inicial. Page se introduce en un solo muy inspirado sin acampamientos. La canción esta basada en la escala penta-tónica de blues. Después de entrar el grupo Page comienza otro solo aun más elaborado y más complejo.

Page reunió una de las primeras bandas de heavy-rock

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En 1970 se publicó “Led Zeppellin III”, el álbum tiene un carácter más acús-

tico que los anteriores a pesar de que se abre como “Immigrant Song”, canción muy heavy con un riff muy potente y duro al cual le sigue el bajo que se repite durante toda la canción. En su día hubo parte del público que no acabó de aceptar el álbum por ser más acústico y la critica no perdono al gru-po. Hoy en día “Led Zeppelin III” esta con-siderado como otra obra de arte del grupo. En este disco Page introdujo las guitarras de doce cuerdas para conseguir un sonido más especial.

“Lez Zeppelin IV” (1971) está considera-do como uno de los mejores discos de rock de la historia. El álbum contiene “Stairway To Heaven”. La canción tiene un entra ar-pegiada con la acústica, las secuencias de acordes se va repitiendo enganchando al oyente desde el principio de la canción. Continuación entre la voz y después de esta entra la sección rítmica donde Page usa una Fender XII de doce cuerdas. Los rasgueos de acordes eléctricos y una subida pro-gresiva del tempo dan paso a una entrada de potentes acordes que comienzan en un Re mayor y sigue con variaciones de este acorde con un ritmo complicado antes de dar paso al solo. El solo esta basado en la esta pentatónica de La menor, el tempo va subiendo hasta que unos acordes rítmicos acaban cerrando la canción.

El heavy rock se puede apreciar en “Black Dog” la canción que abre el álbum, que contiene una frase de guitarra muy pegadiza basada en los diferentes patrones de la es-cala pentatónica de La menor. En “Rock ‘n’ Roll los riffs principales están basados en

”Led Zeppelin IV” está con-siderado como uno de los mejores discos de rock de la historia

secuencias de acordes simples pero com-binados con el elaborado solo y la batería energética que suena durante toda la can-ción hacen de esta canción todo un clásico. En el álbum también hay temas acústicos como “Going To California” y “ The Batle Of Evermore”. En los discos que siguieron. Page continuó componiendo temas para el grupo en los diversos estilos que había de-sarrollado, su capacidad para tocar la gui-tarra aumentó, asimilando nuevos sonidos, al tiempo que Led Zeppelin evolucionaba hacia el hevy rock. Totalmente estableci-dos como una de las bandas más grandes del mundo en 1973 apareció “Houses Of The Holy”. Page muestra ritmos funkies en canciones como “The Grunge” o “D’yer Mak’er” Page se muestra como un músi-co fuera de lo normal con los arreglos de guitarra de “The Rain Song”, La canción esta formada con una afinación abierta en la que se van entrelazando arpegios con breves rasgueos consiguiendo un ambiente emotivo “The Song Remains The Same” es un tema con mucha fuerza con introducción de acordes cortados para que a lo largo del tema vayan apareciendo pequeños solos muy bien elaborados. “Physical Graffin” (1975) es un doble álbum en el que el gru-po dio lo mejor de si. Fue el primer álbum en salir de su recién discográfica Swang Swing. En temas como “Custard Pie”, “The Rover” o “Houses Of The Holy” se puede

observar el potente heavy rock del grupo. El primer disco se cerraba con “Kashmir” la cual tenía un ambiente árabe con la voz como principal protagonista. En el segundo vinilo se podía encontrar el sorprenden-te tema acústico “Bron-Yr-Aur” en la que solamente parece la guitarra de Page. En “Presence” (1976) aparece “Nobody’s Fault Bat Min” donde Bonham demuestra su cali-dad como batería. Page utiliza efectos para su guitarra para conseguir unas pegadizas frases junto a la voz de Plant. En septiem-bre de 1976 de público de “The Song Re-mains The Same”, concierto de 1973 en el Madison Square Garden. Contenía cancio-nes como “Danzed an Confused” “Stairway To Heaven” y “Whole Lotta Love”.

A finales de los sesenta la explosión del punk había dañado la las bandas de los 70 pero Led Zeppelin en 1979 publicó “In Through The Outdoor”.En el disco los te-clados (Jhon Paul Jones) tenían gran parte de peso rítmico de mucha canciones “Fool in the Rain” tiene un ritmo regge. En 1980 Bonham se emborrachaba y moría, de ma-nera que el grupo se acabó ya que su puesto era irremplazable. Posteriormente en 1982 “Coda” daba una especia de homenaje al batería con versiones de canciones inéditas hasta entonces.

Las Gibson Les Paul doradas eran las fa-

voritas de Page. Las de la serie original, producida entre 1958 y 1960, tie-nen un gran sustain y son ideales para un sonido Blues-rock. A finales de los años 50, las Sunburst Les Paul Standards eran

unas guitarras veneradas por todos los guitarris-tas, y que no necesitaban modificación alguna, la guitarra de serie ya era espectacular. Saltándose toda regla no escrita, el guitarrista de Led Zeppe-lin, Jimmy Page, modifi-có la guitarra añadiendo

a sus pastillas la posibi-lidad de transformarlas de doble bobinado a sim-ple. También puede con-seguir sonidos fuera de fase subiendo y bajando los controladores de vo-lumen y tono.

La Gibson EDS-1275 o Gibson Double Neck es una guitarra eléctrica de do-

ble mástil fabricada por la Gibson Guitar Corporation. El primer modelo fue fabrica-do entre los años 1958 y 1962, y era bási-camente una versión de doble mástil de la semi-sólida ES-175. El año 1963 la com-pañía Rickenbacker se había acreditado la fabricación de la primera guitarra eléctrica de 12 cuerdas, pero fue Gibson, con este modelo el que fabricó este tipo de guitarra 5 años antes. Luego se cambiaría a un di-seño sólido inspirado en la SG, siendo esta la versión más popular. Se dejó de fabricar durante la década de 1980, pero regresó en 1990, tomando las características que tie-ne hoy en día. En la actualidad solo está disponible en la Gibson Custom Shop y no se fabrica con regularidad. Epiphone, la compañía subsidiaria de Gibson, fabricó su propia versión de la EDS-1275, con el

nombre de G-1275. La marca Ibanez fabri-có una copia muy popular, pero su produc-ción fue descontinuada. Page ocupaba esta guitarra cuando presentaba en vivo la can-ción “Stairway to Heaven” y también la usó en las canciones “The Song Remains The Same”, “Gallows Pole” y “The Rain Song” como se puede notar en el dvd en vivo de la banda en el Madison Square Garden. Nunca llegó a utilizarla en el estudio sal-vo por la canción “Carouselambra”, él solía usar su Les Paul del 59 o su Stratocaster.En Stairway to Heaven Page comenzaba la canción en el mástil de 6 cuerdas en la siguiente parte de la canción, cambiaba al mástil de 12 cuerdas hasta el solo donde

regresaba, al mástil de 6 cuerdas para faci-litar los bendings, slides y otros estilos que solía usar en sus solos, después del solo ter-minaba con el mástil de 12 cuerdas.

La EDS-1275 de Page tiene pequeñas dife-rencias, ya que Gibson con el paso del tiem-po suele cambiar los diseños ligeramente.

Page ocupaba esta guitarra cuando presentaba en vivo la canción “Stairway to Heaven”

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El Rock de los años 80’sAl igual que su antecesora, la década de los 80 inicia con muer-

tes y separaciones. John Lennon, líder y fundador de Los Beat-les, activista político y social es asesinado fuera de su departamen-to en Nueva York el 8 de diciembre de 1980. El mundo entero lo llora, la canción Imagine suena por todo el globo terráqueo y el rock y la cultura popular occidental están de luto. John Bonham, baterista de Led Zeppelin, muere por una congestión alcohólica el 25 de mayo de 1980; meses mas tarde, Jimmy Page inicia la sepa-ración del grupo. Bob Marley, máxima figura de la música reggae, muere el 11 de mayo de 1981 victima del cáncer. The Eagles, uno de los grandes grupos de country-rock de los años 70 anuncian su separación en mayo de 1982, dicen que sólo se unirán “hasta que el infierno se congele” (cosa que “sucedería” en la primavera de 1994, cuando se juntaron nuevamente).

La década de los 80 se caracterizó por la amplia diversidad de mú-sica en estilos, propuestas, formas y estética, gracias al nacimiento de varios subgéneros del rock (new wave, post-punk, techno, dark, electrónico, rap, breakdance, dark metal, new romantic…), que se fueron incorporando a la escena a lo largo del decenio, algunos con características masivas, en cuanto a su exposición, otros más bien subterráneos o alternativos. Dentro de la primera mitad de la década destacaría un trío británico nacido del punk, pero que había evolucionado y transformado el sonido: The Police, que con su mezcla de rock, reggae y jazz se convirtió en la mejor banda del mundo, hasta que se separaron en 1985, justo cuando experi-mentaba su punto más alto, autística y comercialmente hablando. Ante la desintegración de The Police, quienes toman la delantera son los irlandeses de U2, que para finales de los 80 ya se habían convertido en el grupo más importante de rock del mundo, a niveles de los grandes como The Beatles, The Rolling Stones Led Zeppelin entre otros. Talking Heads, Simple Minds, The Pretenders, XTC, Men an Work, Madness, The Cors, The cure, The Smiths, Bauhaus, Depeche Mode, Tears For, Fear, OMD, Pet Shop Boys, Ultrabox, Duran Duran, son tan solo algunos de los muchos protagonistas de la década. Un par de años antes de que se extinguieran los 80, una banda de Los Ángeles llegaría a darle una nueva inyección de vita-lidad al rock, Guns N’ Roses, que con su hard rock, su apariencia entre Glam y desaliñada, la personalidad de su cantante Axi Rose y su disco debut “Apetite for destruction” conquistarian el mundo.

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El rock cambió de marcha cuando Van Halen apareció en escena en 1978, con una estilo basado en técnicas que le permitían tocar un vocabulario nuevo. Su velocidad revolucionó la guitarra.

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A: Nota la.Acoples: realimentación o feedback rui-do estridente producido por un micrófono o pastilla al recibir y amplificar su propia señal procedente de un altavoz.Acorde: Un acorde es una combinación de más de una nota tocadas juntas, en la música tonal se basa en la triada formada por la primera, tercera y quinta notas de la escala: por ejemplo, el acorde de Do mayor consiste en Do (lo fundamental del acorde) Mi y Sol. Los acordes pueden estar en posi-ción fundamenta o sea con la fundamental con notas más baja, o en inversiones, que usan otras notas del acorde, como la nota del bajo. Adornos: apoyaturas, notas, breves de adorno que se tocan justo antes de la nota principal de una melodía. Afinación abierta: afinación de las cuer-das según un determinado acorde en lugar de la tradicional EADGBE (Mi, La, Re, Sol, Si, Mi).Amplificadores: dispositivo electrónicos para amplificar la señal procedente de una pastilla o micrófono.Armónico: nota de carácter etéreo con un tono más alto que el de la propia cuerda producidas al tocar suavemente la cuerda en determinados puntos.Arpegios: literalmente “como un arpa”, to-car las notas de un acorde una tras otra y no a la vez. También llamado acorde roto.

B: Nota si.Bebop: estilo de jazz de los años 40 que empleaba rápidas líneas melódicas sobre

amplias armonías. Con la influencia del blues, en los años 50 comenzó a hablarse de “hard bop” Bemol: Símbolo (b) que se emplea para ba-jar una nota un semitono.Bendings: forzar una cuerda hacia arriba o hacia abajo con la mano izquierda, alteran-do el tono de la nota. Blues notes: el descenso de medio tono del tercer, séptimo y, eventualmente, quinto grados de una escala mayor diatónica forma de tres blue notes características del blues y del jazz. Boggie (-woogie): estilo de blues y jazz con una figura rítmica de bajo repetitiva que proviene de la antigua forma de tocar el piano en el jazz. Blues: estilo hibrido afro-americano que usa una escala de terceros, quintos y sép-timos alteradas, blues notes, dentro de una estructura de doce compases. Bottlemeck: Técnica de guitarra que usa una barra metálica en lugar de los dedos de la mano izquierda para tocar notas y acor-des, haciendo slide de unas a otros. Breaks: breve pasaje sin acompañamiento que suele suceder al final de una frase.

C: nota sol. Clavija: Dispositivo mecánico para ajustar la afinaciónClavijero: Sección donde van las clavijas.Controles: Normalmente son potenciado-res giratorios o conmutadores que se em-plean para controlar las señales eléctricas.Cromática; las notas cromáticas son las que caen fuera de la tonalidad; la escala

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cromática es una escala de doce notas que aumentan en semitonos.

D: nota re.Diapasón: Pequeña horquilla de dos pun-tas utilizada por los músicos para obtener, al golpearla, un sonido o tono fijo con el que se afinan los instrumentos. Se fábrica con una aleación de cromo, miquel y acero. Produce un sonido puro, casi sin armónicos, que no varía con los cambios de temperatura. Los diapasones que no dan el tono preciso pue-den mejorarse limándolos con cuidado. En experimentos físicos y acústicos se utiliza también el diapasón, a veces con caja de resonancia. Fue inventado en 1711 por el trompetista y lautista inglés John Shore. En tiempos recientes se han fabricado diapa-sones electrónicos que sintetizan la curva sinuosidad pura. Éstos tienen la ventaja de producir cualquier frecuencia, mientras que el tradicional sólo vibra en una. La ma-yoría de los diapasones se afina a la = 440 Hz (la 4).Diapasón (2): Sección de madera con tras-tes sobre la que se toca con la mano izquier-da.Dominante: Nota o acorde de quinto grado de una escala diatónica.

E: nota Mi.Efectos: Se pueden conseguir múltiples efectos en la guitarra eléctrica, entre los que están: Armonizador: efecto tipo chorus que aña-de un sonido que está en armonía con la señal original.

Chorus: simula el efecto de más de un ins-trumento tocando la misma nota.Compresor: la compresión aumenta las notas con poco volumen y reduce la señal de las más fuertes, dando homogeneidad al sonido de los pasajes rápidos. Delay (eco): imita el efecto de eco pro-duciendo una copia retardada de la señal original. Distorsión: cambio en la tonalidad del tono, con un sonido claro duro obtenido al saturar un amplificador o utilizando un pe-dal de distorsión o de fuzz. Expander: efecto contrario al del compre-sor y que sirve para aumentar la gama de volumen.Flager: efecto tipo choros que usa una se-ñal retardada y con una ligera variación en la tonalidad o modulación.Fuzz: un tipo de distorsiónOverdrive: un tipo de distorsiónPedal de Volumen: forma de alterar el vo-lumen, útil para crear efectos de la fade in o pedal de crescendo. Reverberación ( Reverb): imita el efecto de eco, bien sea mediante una unidad inter-na o mediante simulación electrónica.Trémola: palanca de trémolo pequeña y rápida variación del voumen de una nota. Wah Wah; el pedal de wah wah controla los graves y los agudos de una señal pisando a fondo se produce un sonido muy agudo, completamente levantado el sonido es muy grave. El característico sonido wah wah se consigue pisando y levantando alternativa-mente.

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Escala: seria de notas ascendentes y des-cendentes en una determinada tonalidad, base de las composiciones en el sistema tonal.

F: nota Fa.Fade-up fade-in: lo contrario de fade-out el sonido entra paulatinamente mediante un control de volumen.Fill: Frase normalmente melódica e impro-visada, que rompe con el ritmo original.Flanger: El efecto denominado Flanger tiene sus orígenes en las grabaciones mag-netofónicas de cinta abierta. Consiste en mezclar la señal original con una copia re-tardada en el tiempo, con la particularidad que el retardo es muy breve pero varía de forma periódica. Flatpicking: técnica de púa usada prin-cipalmente en folk y country, en la que se combinan rasgueos de acordes abiertos con notas de bajo en una sola cuerda. Frase: sucesión de notas. Fundamental (domianate): Nota o acor-de de quinto grado de una escala. .Diatónica Funk: es un estilo musical, muy popular durante los años 70, que se generó en el ambiente nocturno de las co-munidades afroamericanas en Estados Uni-dos, Nacido como una evolución de algunos elementos del Soul y el Jazz anteriores, el funk se consolidó como un estilo propio y marcó el camino de la música bailable de ahí en adelante. El Funk es fácilmen-te reconocible por su ritmo sincopado, sus maracas líneas de bajo, fraseos de guitarra rítmica y un énfasis casi sexual en la inter-pretación vocal.

G: nota sol.Golpeador: Placa que protege la caja de guitarra Gospel; la música gospel, en sus definición más restrictiva, es la música re-ligiosa que surgió de las iglesias afroameri-canas en los años 1930. Más generalmente, suele incluirse, también la música religiosa compuesta y cantada por cantantes cristia-nos sureños, independientemente de raza. Groove: patrón rítmico de repetición de jazz y rock. Se usa también para todo lo que va bien, lo que marcha sobre ruedas y con-tagia el ritmo. Glissando: deslizando de una nota a otra.Guitarra-fuzz:

Hammer-on o martillado: notas que se tocan golpeando la cuerda con los dedos de la mano izquierda en lugar de pulsarla con la derecha.Hambucker: pastilla de dos bobines que reduce el ruido de fondo y produce un soni-do más pastoso.

Intervalo: distancia entre dos notas. Por ejemplo, de Do a Sol hay un intervalo de quinta, de Do a Mi uno de terceras y de Do a Do uno de octava.

Jazz: música de origen afro-americano ca-racterizada por la improvisación, las blue notes y los ritmos sincopados.

Línea: sucesión melódica de notas.

Mod: Movimiento de origen británico y al contrario que los rockers sus preferencias apuntan a la música negra, aunque sus

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principales ídolos son blancos, como por ejemplo Tho Who. Sus principales rasgos es que vestían de forma elegante aunque visto-sa y llamativa: pelo corto, chaquetas estre-chas, corbatas finas….Con la aparición de bandas como Blur los máximos adoradores del estilo colorista de los años sesenta han recuperado todo su esplendor. Melodía: Sucesión organizada de notas de tono y duración especificas, enlazadas jun-tas en el tiempo para producir una expre-sión musical coherente. En términos de la música occidental. La melodía es (junto con el ritmo) el aspecto “horizontal” de la músi-ca que avanza en el tiempo, mientras que la armonía es el aspecto “vertical”, el sonido simultáneo de tonos distintos. En muchas de las culturas musicales del mundo, la ar-monía no es tan importante y la melodía es el único centro de la actividad tonal.

Pentatónica: escala de cinco notas. Pedal (nota): nota de bajo repetida que apoya una secuencia cambiante de armo-nías. Pastilla en las guitarras eléctricas: arte-facto que recoge y trasmite el sonido desde las cuerdas del amplificador.Púa: Objeto con el que se pulsan las cuer-das. Se sujeta con la mano derecha.Puente: sección en la que se fijan y sus-tentan las cuerdas de una guitarra acústica. Quintas: En música, acorde sin la nota central. Ejemplo quinta de Do: Do Sol.

Regge: reggae es un estilo de música de origen jamaicano. El reggae puede ser usado en un amplio sentido para referirse

a la mayor parte de tipo de música jamaicana, incluyendo ska, rocksteady, Dah, danceball y ragga. El término también se puede usar para distinguir un estilo particular que se desarro-lló a mediados de los años 1960. Se asa en un ritmo que se caracteriza por cortes regulares sobre back beat toado por la guitarra rítmica conocido como “golpe” y la batería a menu-do es golpeada cada tercio de cada medida. Característicamente, este ritmo es más lento que en los precursores de reggae; el ska y el rockesteady.

Rbythm & Blues: música pop afroameri-cana que data de los años 40, precursora del rock’n’roll.Riffs: en jazz y rock, una frase melódicos bre-ve que se repite. Rock progresivo. Rock’n’n roll: el rock’n’roll surgió en los años 50 a partir del rhythm and blues y en lso años 60 empezó a conocerse simplemente como rock.

Sostenido: Simbolo (#) para subir una nota un semitono.Semitono: el intervalo más pequeño en la es-cala diatónica por ejemplo, la distancia entre Mi y Fa o entre Si y Do. Sintetizadores: Un sintetizador es un instru-mento musical electrónico diseñada para pro-ducir sonido generado artificialmente, usando técnicas como síntesis aditiva, substractiva, de modulación de frecuencia, de modelado oficio o modulación de fase para crear sonidos. Slide ( portamento): técnica de guitarra que consiste en deslizar los dedos de la mano izquierda para tocar varias notas. También, técnica de guitarra donde se usa un cuello

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de botella (bottleneck) y donde las notas y acordes se deslizan de uno a otro.Staccato: separado: las notas o acordes en staccato son breves y están entrecortados, no ligados entre sí.Soul: El soul es un estilo musical de ori-gen religioso del sur de EE.UU. Más que cualquier otro género en la música popular norteamericano, el soul ayudó a definir lo que significa ser negro en los EU, con pa-sión, orgullo, optimismo y sentimiento. Ele-mentos que son muy raros en cualquier otra forma de expresión. El soul proviene de la combinación y unión de estilos y subestilos anteriores, como el gospel, R&B y pop.Steal Guitar: guitarra que se toca en po-sición horizontal, sobre las rodillas o sobre un soporte. Las cuerdas, muy separadas del trastero, se pisan con una vajilla o tubo de acero. Swing: estilo juzzistico de los 40 practican-do sobre todo por las big bands. También una indicación para tocar los ritmos libre-mente. Staccato separado: las notas o acordes en staccato son breves y están entrecortados, no ligados entre sí. Sustain: (sostenimento) profundidad y pe-netración del sonido.

Traste: Tiras metálicas que atraviesan el diapaón para determinar distancian de un semitono.Tapping: Técnica en la que las notas se produce al dar golpecitos sobre las cuerdas con la mano derecha, en lugar de pulsar cuerdas.Tempo: La velocidad de una determinada

pieza musicalTonal: Tonalidad relativo al sistema de to-nos mayores y menoresTono: Tonalidad relativo al sistema de to-nos mayores y menoresTraste: se denomina traste a cada una de las divisiones del mástil de una guitarra u otro instrumento de cuerda similar. Tresillo: grupo de tres notas que se ejecu-tan en el tiempo correspondiente a dos de la misma figura.

Unisono: exactamente en la misma nota. Por ejemplo, en una guitarra de 12 cuerdas, los pares de cuerdas están afinados al uni-sono, osea en la misma nota. En jazz, la me-lodía del arreglo oral o head se suele tocar con varios instrumentos al unisono.

Voicing: la distribución de la notas en una acorde con una determinada finalidad me-lódica.

libro de rock, samuel cifuentes

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