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MAESTROS DE ALTA ÉPOCA II

Tras veinticinco años de andadura con la

misma ilusión del primer día y con las

ganas de reinventarnos presentamos, sin

perder la esencia que la marca Galeria

Bernat transmite, un catálogo que recoge

las mejores obras de la galería, tanto de

pintura como de escultura, especialmente

seleccionadas para este ambicioso

proyecto cuyo único fin reside en

obsequiar a cualquiera que pueda sentirse

atraído por éste, nuestro mundo.

Las piezas datadas entre los siglos XV y XVI

pertenecen a un período de España de

crecimiento exponencial gracias a la

unificación de los reinos de Castilla y

Aragón mediante el matrimonio de

Fernando II de Aragón e Isabel I de Castilla.

De ahí que la gran mayoría procedan de

Cataluña, Valencia, Castilla y Aragón.

Es importante recalcar la colaboración de

los mejores expertos en el sector sin los

cuales no hubiese sido posible para

nosotros documentar nuestra muestra.

MAJESTAD 6

TERCER CUARTO DEL SIGLO XII, CA. 1170 6

MAESTRO CASTELLANO 9

SIGLO XII 9

ESCUELA CATALANA (JAUME CASCALLS) 11

CA. 1340 11

GONÇAL PERIS 13

1430-1440 13

BLASCO DE GRAÑÉN 15

MEDIADOS DEL SIGLO XV 15

DIEGO DE LA CRUZ 17

SEGUNDA MITAD DEL SIGLO XV 17

DIEGO DE LA CRUZ 19


JORGE INGLÉS 21


MAESTRO DE SAN BARTOLOMÉ 23

CA. 1450 23

JOAN REIXACH 25

CA. 1455-1465 25

FERNANDO GALLEGO 27

FINALES DEL SIGLO XV 27

ALEJO DE VAHÍA 29

FINALES DEL SIGLO XV 29

PERE TERRENCS 31

CA. 1490 31

JUAN SÁNCHEZ DE CASTRO 33

ÚLTIMO CUARTO DEL SIGLO XV 33

NICOLÁS FALCÓ 35

PRIMER CUARTO DEL SIGLO XVI 35

MAESTRO ALEJO 37

PRIMER CUARTO DEL SIGLO XVI 37

PAOLO SAN LEOCADIO 39

PRINCIPIOS DEL SIGLO XVI 39

TOMÁS DE SIERRA 41

FINALES DEL SIGLO XVII 41

Majestad

Tercer cuarto del siglo XII, ca. 1170

Vic-Ripoll

Madera tallada y policromada

112,4 x 69,7 cm – 57,5 x 56,3 cm

Barcelona, colección privada

Fechada en el siglo XII, es una talla de

madera policromada. Sigue la iconografía

de los Cristos románicos en majestad,

vestidos con una túnica manicata (larga

hasta los pies y con las mangas hasta las

muñecas) policromada a base de figuras

geométricas en azules, rojos, verdes y

motivos vegetales de influencia bizantina.

Lo que define la figura de Cristo es la

solemnidad, conseguida con la rigidez de

su postura y la expresión de su rostro,

sereno y tranquilo, presidido por sus ojos

completamente abiertos y de inspiración

oriental. La representación de los ojos

abiertos se interpreta como el triunfo

sobre la muerte.

Vic-Ripoll

Carved wood with polychrome in tempera

112,4 x 69,7 cm – 57,5 x 56,3 cm

Barcelona, private collection

Dated in the 12th century, it is a

polychromed wood carving. It follows the

iconography of the Romanesque Christs in

majesty, dressed in a manicata tunic (long

to the feet and sleeves to the wrists)

polychrome based on geometric figures in

blue, red, green and plant motifs of

Byzantine influence.

What defines the figur of Christ is the

solemnity, achieved with the rigidity of his

posture and the expression of his face,

serene and calm, presided over by his eyes

completely open and of oriental

inspiration. The representation of open

eyes is interpreted as the triumph over

death.

Maestro Castellano

Siglo XII

Zamora

Virgen Entronizada

Talla de madera policromada

85 cm


Imagen de la Virgen entronizada, trabajada

con madera y un mantel dorado ricamente

decorado, nariz recta y boca pequeña y

fina. Presenta repintadas posteriores. La

serie de vírgenes románicas pertenece al

periodo cisterciense, siendo Zamora el foco

de atención hasta el siglo XIII.

Zamora

Enthroned Virgin

Polychromed wood sculpture

85 cm


Image of the Enthroned Virgin, worked with wood and a gilded mantle richly decorated, straight nose and small and fine mouth. It presents later repaints. The series of Romanesque Virgins belong to the Cistercian period, being Zamora the focal point until the 13th century.

Escuela Catalana (Jaume Cascalls)

Ca. 1340

Lleida-Tarragona

El profeta Daniel

Piedra Caliza con policromía original

107 cm


Jaume Cascalls nació en Berga (Barcelona), a comienzos del siglo XIV y se cree que murió en la misma ciudad, en 1378. Casado con la hija del pintor Ferrer Bassa, las dos familias monopolizaban todos los encargos de la corte. La obra más antigua que se le atribuye es el retablo de la Virgen María de la Iglesia de Cornellá de Conflent, que data del 1345 y lleva grabado su nombre. Pero a la que dedicó la mayor parte de su vida fue a la de los sepulcros de Poblet, un encargo de Pedro el Ceremonioso. La escultura representa una figura de pie portando una túnica y una capa suelta encima. La figura se encuentra bastante estática, pero gesticula con su mano derecha, señalando la inscripción en la filacteria que sostiene con su mano izquierda, cosa que nos permite identificarle.

A pesar de que su altura se tiende a asociar con el contexto de una imagen devocional, este origen debe ser descartado porque Daniel nunca es encontrado como una figura aislada. Los rasgos estilísticos usados en la ejecución del rostro del profeta Daniel hablan especialmente de forma elocuente sobre la afiliación formal de la escultura. Su cabeza aparece alongada, un rasgo acentuado por la barba y sus largos ojos saliendo de su cara, con la línea de sus párpados bien definida. Además, muestra la característica única de que en el globo ocular, el escultor utilizó la técnica de la perforación para marcar las pupilas, una técnica extraordinariamente inusual en la escultura española del siglo XIV.

Lleida-Tarragona

Daniel the Prophet

Limestone with original polychrome

107 cm


Jaume Cascalls was born in Berga (Barcelona) at the beginning of the 14th century and is believed to have died in the same city in 1378. He was married to the daughter of the painter Ferrer Bassa. Both families monopolised all court orders at that time. The oldest work attributed to him is the altarpiece of the Virgin Mary of the church of Cornellá de Conflent, which dates from 1345 and bears his name. However, the piece he dedicated most of his life were the sepulchres of Poblet, a commission from Pedro el Ceremonioso.

The sculpture depicts a standing figure wearing a tunic and a loose cloak on top of it. The figure is quite static, but he is gesticulating with his right hand, pointing to the inscription on the phylactery he is holding in his left hand, which enables us to identify him. Even though its size seems to associate the sculpture with the context of devotional imagery, this origin must be discarded because Daniel is never found as an isolated image.

The stylistic features used in the execution of the face of the Prophet Daniel speak especially eloquently about the sculpture’s formal affiliation. His head is elongated, a feature which is accentuated by the beard, and large eyes stand out of his face, with the line of the eyelids well defined. Furthermore, it shows the unique feature that on the eyeball, the sculptor used the technique of drilling to mark the pupils, a technique which is extraordinarily unusual within 14th century sculpture in Spain.

Gonçal Peris

1430-1440

Valencia

San Pedro

Óleo sobre tabla

85 x 85,5 cm

Irlanda, colección privada

Esta pieza representa a San Pedro en su trono de Antioquía. Su misión era la de echar los primeros fundamentos de su pontificado en la ciudad de Antioquía, la cual siendo cabeza de Oriente, se podía entonces considerar cabeza del Cristianismo y donde permaneció durante siete años.

Gonçal Peris fue una de las principales figuras de la pintura gótica valenciana de la primera mitad del siglo XV, junto con Miquel d’Alcanyís y Jaume Mateu.

Empezó trabajando bajo la supervisión de Pere Nicolau. Tras su muerte, no pudo mantener su estudio, el cual fue traspasado al sobrino de Nicolau, Jaume Mateu. Gonçal Peris fundó su propio estudio, el cual fue exitoso y obtuvo clientes de rango noble. Este hecho puede ser demostrado con una de sus primeras pinturas datadas, el retablo de Santa María y San Clemente, contratado por el obispo de Barcelona, Francesc Climent Sapera para la catedral de Valencia.

Valencia

Saint Peter

Oil on panel

85 x 85,5 cm

Ireland, private collection

This painting represents Saint Peter on his

throne in Antioch. His mission was to lay

the first foundations of his pontificate in

the city of Antioch, which, being the head

of the East, could then be considered the

head of Christianity and where he

remained for seven years.

Gonçal Peris was one of the main figures of

Gothic Valencian paintings of the first half

of the 15th century, along with Miquel

d’Alcanyís and Jaume Mateu.

He started working under the supervision

of Pere Nicolau. After his mentor death, he

could not maintain his studio, which was

transferred to Nicolau’s nephew Jaume

Mateu. Gonçal Peris founded his own

studio, which was successful and possessed

customers of noble status. That fact can be

demonstrated with one of his first dated

paintings, the altarpiece of Saint Mary and

Saint Clemente hired by the Barcelona

bishop Francesc Climent Sapera for

Valencia’s cathedral.

Blasco de Grañén

Mediados del siglo XV

Aragón

Retablo con Calvario, misa de San Gregorio

y cuatro Santos

Pintura al temple sobre madera

95,5 x 71,5 cm

Retablo pequeño de devoción privada bajo el tema del Calvario, la misa de San Gregorio y cuatro santos atribuido a Blasco de Grañén.

Fue un pintor zaragozano que vivió en la primera mitad del siglo XV, extendiendo su trabajo por todo Aragón y siendo uno de los mejores representantes aragoneses de la pintura gótica. Llegó a ser nombrado pintor del rey Juan II de Navarra y tuvo como ayudante, entre otros, a Pedro García de Benabarre, con quién realizó en 1445 unos retablos para el monasterio de San Pedro de Siresa. De estilo vivaz y cuidado con un dibujo muy expresivo de policromía rica y cuidada, próximo al campo de la miniatura, destaca por su descripción minuciosa de ropajes, construcciones y paisajes.

Posee una acusada individualidad en la interpretación de la iconografía religiosa, destacando su aportación al tema de la Virgen María como reina de los cielos, derivado de los trecentistas toscanos que alcanzaron gran popularidad en los estados de la Corona de Aragón en la primera mitad del siglo XV.

Aragón

Altarpiece with Calvary, the Mass od Saint

Gregory and four Saints

Tempera over wood

95,5 x 71,5 cm

Small altarpiece of private devotion under the theme of Calvary, the Mass of San Gregorio and four Saints, attributed to Blasco de Grañén.

He was a painter from Zaragoza who lived in the first half of the 15th century, extending his work throughout Aragon and being one of the best Aragonese representatives of Gothic painting. He was appointed painter of King John II of Navarre and was assisted, among others, by Pedro García de Benabarre, with whom he made altarpieces for the monastery of San Pedro de Siresa in 1445. He possessed a lively and careful style with a very expressing drawing of rich and well-kept polychrome, close to the miniature field, he stands out for his meticulous description of clothes, constructions and landscapes. He had a marked individuality in the interpretation of religious iconography, highlighting his contribution to the theme of the Virgin Mary as queen of the heavens, derived from the Tuscan 13th century that reached great popularity in the states of the Crown of Aragon in the first half of the 15th century.

Diego de la Cruz

Segunda mitad del siglo XV

Burgos

El Apóstol Santiago el Menor

Pintura al óleo sobre madera

116 x 49 cm


Diego de la Cruz fue uno de los pocos

artistas de nombre conocido entre los

representantes de la pintura hispano-

flamenca burgalesa. Aunque vecino de esta

ciudad, se le supone un origen flamenco

por el conocimiento de la pintura nórdica

que se percibe en sus obras, especialmente

por la influencia de Rogier van der

Weyden. En la pintura de retablos logró la

máxima verosimilitud en cada imagen y

detalle, a través del color y el empleo de

varios procedimientos plásticos,

consiguiendo un efecto de esculto-pintura

de ricos efectos. Cuando se conoció su

nombre se le consideró como escultor al

colaborar con Gil de Siloé en la pintura y el

dorado de alguno de sus retablos de talla.

Santiago el Menor es conocido por

desempeñar una ardua labor

evangelizadora, un hombre listo para la

batalla de la fe y la expansión del mensaje

de Cristo. Fue reconocido como el primer

obispo de Jerusalén. Escribió las epístolas

que llevan su nombre y aparecen en el

Nuevo Testamento.

Burgos

The Apostle St James the Less

Oil on panel

116 x 49 cm


Diego de la Cruz was one of the few artists

of renowned name among the

representatives of the Hispanic-Flemish

painting of Burgos. Although he was

neighbour of this city, he is supposed to

have a Flemish origin due to the knowledge

of Nordic painting that is perceived in his

works, especially due to the influence of

Rogier van der Weyden. In the painting of

altarpieces he achieved maximum

plausability in every image and detail,

through colour and the use of various

plastic procedures, achieving an effect of

sculpture-painting of rich effects. When his

name was known, he was considered a

sculptor when he collaborated with Gil de

Siloé on the painting and gilding of some of

his carved altarpieces.

James the Less is known for his arduous

evangelising work. He was a man ready for

the battle of faith and the expansion of

Christ’s message. He was recognised as the

first bishop of Jerusalem. He wrote the

epistles that bear his name and appear in

the New Testament.

Diego de la Cruz


Burgos

El Apóstol Tomás


116 x 49 cm


Diego de la Cruz fue uno de los pocos

artistas de nombre conocido entre los

representantes de la pintura hispano-

flamenca burgalesa. Aunque vecino de esta

ciudad, se le supone un origen flamenco

por el conocimiento de la pintura nórdica

que se percibe en sus obras, especialmente

por la influencia de Rogier van der

Weyden. En la pintura de retablos logró la

máxima verosimilitud en cada imagen y

detalle, a través del color y el empleo de

varios procedimientos plásticos,

consiguiendo un efecto de esculto-pintura

de ricos efectos. Cuando se conoció su

nombre se le consideró como escultor al

colaborar con Gil de Siloé en la pintura y el

dorado de alguno de sus retablos de talla.

Santo Tomás se presume que era judío y

nació en Galilea. Suele ser recordado por

su incredulidad. Éste afirmó que no creería

en la resurrección de Jesús hasta que

pudiera ver la señal de los clavos en sus

manos e introdujera su mano en el costado

de Cristo, esta forma de actuar nos puede

llevar a pensar que era un rebelde, pero

no, tras manifestarse Jesús en persona

asumió su misión con más vigor que antes.

Se presume que el último período de su

vida lo pasó predicando en la India, donde

fue martirizado.

Burgos

Thomas the Apostle

Oil on panel

116 x 49 cm


Diego de la Cruz was one of the few artists

of renowned name among the

representatives of the Hispanic-Flemish

painting of Burgos. Although he was

neighbour of this city, he is supposed to

have a Flemish origin due to the knowledge

of Nordic painting that is perceived in his

works, especially due to the influence of

Rogier van der Weyden. In the painting of

altarpieces he achieved maximum

plausability in every image and detail,

through colour and the use of various

plastic procedures, achieving an effect of

sculpture-painting of rich effects. When his

name was known, he was considered a

sculptor when he collaborated with Gil de

Siloé on the painting and gilding of some of

his carved altarpieces.

Saint Thomas is presumed to be Jewish and

was born in Galilee. He is often

remembered for his disbelief. He affirmed

that he would not believe in Jesus

resurrection until he could see the sign of

the nails in his hands and put his hand into

Christ’s side. This behaviour may lead us to

think that he was a rebel, however, after

Jesus manifestation he assumed his

mission more vigorously than before. It is

presumed that the last period of his life

was spent preaching in India, where he was

martyred.

Jorge Inglés


Castilla y León

Presentación de Jesús en el templo

Pintura al óleo sobre tabla

101 x 66 cm


El episodio de la Presentación del Niño en el templo sólo se recoge en el Evangelio de San Lucas. En los versículos dedicados a este pasaje de la infancia de Cristo se mencionan las figuras principales de esta composición, que ocupan los primeros planos: Simeón, el anciano con la cabeza cubierta, que va a recibir en sus manos al Niño y que, como le había sido revelado por el Espíritu Santo, no moriría sin conocer al Mesías; y la Sagrada Familia. La mujer que está a la izquierda de la representación, de acuerdo con la narración del Evangelio, resulta ser la profetisa Ana, que reconoció en Jesús al Mesías.

Pintor de origen inglés, activo en Castilla en el siglo XV. Su nombre parece indicar su procedencia de las Islas Británicas, pero es innegable su formación flamenca, lo que hace suponer un período de estudio o de actividad en Flandes. Sin embargo, lo único documentado es su actividad en la segunda mitad del siglo XV en Castilla, donde recibió numerosos encargos, a través de los cuales introdujo en esa zona de España el estilo flamenco.

Su estilo se caracteriza esencialmente por la acentuación de los perfiles, la tendencia al detalle minucioso y el recargamiento ornamental.

Castilla y León

Presentation of Jesus at the temple

Oil on panel

101 x 66 cm


The episode of the Presentation of the Child in the Temple is only collected in the Gospel of St Luke. In the verses dedicated to this passage from the infancy of Christ, the main figures of this composition are mentioned, who occupy the foreground: Simeon, the old man with his head covered, who is going to receive in his hands the Child and as had been revealed to him by the Holy Spirit, would not die without meeting the Messiah; and the Holy Family. The woman on the left, according to the Gospel narrative, turns out to be the prophetess Anna, who recognised the Messiah in Jesus.

Painter of English origin, active in Castile in the 15th century. His name seems to indicate his origin in the British Isles, but his Flemish formation is undeniable, what suggests a period of study or activity in Flanders. However, the only documented aspect is his activity in the second half of the 15th century in Castile, where he received numerous commissions, through which he introduced the Flemish style in that area of Spain.

His style is essentially characterised by the accentuation of the profiles, the tendency to meticulous detail and ornamental overloading.

Maestro de San Bartolomé

Ca. 1450

Aragón-Cataluña

Epifanía

Pintura al temple sobre madera

82 x 64,5 cm

Esta tabla de la Epifanía o Adoración de los Reyes Magos formaba parte de un retablo dedicado a los Gozos de la Virgen, del que se conocen otras cuatro escenas dispersas por distintos museos de Canadá, de los Estados Unidos y de España: la Anunciación y la Natividad (Museo de Bellas Artes de Montréal), la Resurrección (Museo Metropolitan de Nueva York) y la Pentecostés (Museo de Bellas Artes de Sevilla). El conjunto se articulaba en una estructura de tres calles, con tres escenas en cada una de las laterales. La escena de la Epifanía ocupaba la parte inferior de la calle izquierda (desde el espectador) del retablo, a continuación de la Anunciación y de la Natividad.

La escena se desarrolla en el interior de una estancia, construida con paredes de sillares a escuadra desgastados por el tiempo, mitad cobertizo con cubierta de paja, mitad sala con hogar y chimenea “a la flamenca” en el fondo, y techo de madera. La Virgen sostiene el Niño al que se acerca, de rodillas, el rey Melchor, mientras Gaspar y Baltasar están de pie, encontrándose San José en el lado izquierdo de la historia. Sobresalen en esta pintura la calidad y la variedad de los colores: el azul (de Alemania), el amarillo (podría ser tierra de Nápoles) y el malva en el vestido de San José, pigmentos que denotan la importancia del taller, así como del encargo del retablo.

Aragón-Catalonia

Epiphany

Tempera over wood

82 x 64,5 cm

This panel of the Epiphany or Adoration of the Magi was part of an altarpiece dedicated to the Joys of the Virgin, from which four other scenes are known, scattered throughout different museums in Canada, United States and Spain: the Annunciation and the Nativity (Fine Arts Museum of Montreal), the Resurrection (Metropolitan Museum of New York) and the Pentecost (Fine Arts Museum of Sevilla).

The whole artpiece was articulated in a structure of three streets, with three scenes on each lateral. The scene of the Epiphany occupied the lower part of the left street (from the spectator) of the altarpiece, after the Annunciation and the Nativity.

The scene takes place inside a room, built with square-shaped ashlar walls worn out by time, half a shed with thatched roof, half a room with a fireplace and a “Flemish” chimney in the background together with a wooden ceiling. The Virgin holds the Child who is approached, on her knees, by King Melchior, while Gaspar and Baltasar stand, with St. Joseph on the left side of the story. The quality and variety of the colours stand out in this painting: blue (from Germany), yellow (it could be the land of Naples) and mauve in the dress of St. Joseph, pigments that denote the importance of the workshop, as well as the commission for the altarpiece.

Joan Reixach

Ca. 1455-1465

Valencia

Santa María Magdalena


97 x 59 cm

Procedencia: Estocolmo, colección

particular

Joan Reixach fue la figura principal del arte hispano-flamenco en Valencia durante la segunda mitad del siglo XV. Fue el pintor más exitoso de la ciudad y recibió grandes y prestigiosos encargos por parte de ilustres conciudadanos y autoridades religiosas y seculares. Fue incluso designado pintor real por Juan II en 1466. Entre sus trabajos conservados enfatizamos: San Miguel pesando almas (Galería Parmeggiani en Reggio Emilia), San Benedicto (Catedral de Valencia), Santa Margarita (MNAC de Barcelona), Retablo de la Eucaristía (Catedral de Segorbe) y retablo de Santa Ana (Iglesia Colegial de Játiva).

Esta pieza retrata la figura de Santa María Magdalena, estando descalza frente a un paisaje dorado con montañas y una ciudad. Se trata de la tabla central de un retablo de dimensiones reducidas o de una única tabla devocional que pudo presidir una capilla o un oratorio privado que, a juzgar por la delicadeza y calidad tanto de la pintura como del fondo dorado, debió ser un encargo muy selecto, uno de los trabajos en los que en cuyo contrato fue especificado que debía llevarse a cabo sin la ayuda de sus asistentes.

Valencia

Saint Mary Magdalene

Oil over wood

97 x 59 cm

Origin: Stockholm, particular collection

Joan Reixach was the key figure of Spanish-Flemish art in Valencia during the second half of the XV century. He was the most successful painter in the city and received large and prestigious commissions from important citizens and from secular and religious authorities. He was even appointed as royal painter by John II in 1466. Among his preserved works, we emphasize: Saint Michael weighing souls (Parmeggiani Gallery in Reggio Emilia), Saint Benedict (Valencia’s Cathedral), Saint Margaret (MNAC of Barcelona), Altarpiece of the Eucharist (Segorbe’s Cathedral) and Altarpiece of Saint Anne (Jativa’s Coleggiate Church).

This painting portrays the figure of Saint Mary Magdalene, standing barefoot before a golden landscape with mountains and a town.

This art work might be the central panel of an altarpiece of reduced dimensions or a single devotional panel that could preside over a chapel or a private oratory that, judging by the delicacy and quality of the painting and of the golden background, it had to be a very select commission, one of the works that in the contract was specified that it was the master who had to carry out the painting without the participation of his assistants.

Fernando Gallego

Finales del siglo XV

Salamanca

San Pablo


44 x 31 cm

Colección particular, Madrid

Fernando Gallego fue un pintor español

representante del estilo hispano-flamenco

en Castilla. Es uno de los artistas

castellanos más importantes y reputados

en el último tercio del siglo XV y en los

primeros años del XVI. Su producción se

caracteriza por un estilo duro, de una gran

fuerza y realismo, propio de la vertiente

castellana a la que se adscribe. Artífice de

una de las primeras composiciones de

carácter pagano del gótico español, fue de

los pocos que ejecutaron obras murales de

gran formato, así como retablos de

enormes dimensiones. Entre las pinturas

que se le atribuyen hay que señalar los

grandes retablos realizados con la

participación del taller y de sus

colaboradores. Entre ellos destacan los de

la catedral de Ciudad Rodrigo (1480-1488)

y la iglesia de Santa María de Trujillo

(1490), en los que trabajó con

Bartolomeus.

La tabla analizada representa a San Pablo.

En un primer momento estaba

desaparecido pero al encontrarlo

descubrimos que forma parte del banco del

retablo de Ciudad Rodrigo encontrado en

el Tucson Museum of Art de Arizona.

Recoge elementos claramente flamencos,

como el simbolismo o el naturalismo de la

escena, asociado a una tradición castellana

que despoja a la pintura de cualquier

concesión sentimental superflua.

Salamanca

Saint Paul

Oil on panel

44 x 31 cm

Private collection, Madrid

Fernando Gallego was a Spanish painter,

who represented the Hispano-Flemish style

in Castille. He is one of the most

outstanding and renowned Castilian artists

in the last third of the 15th century and in

the first years of the 16th century. His

production is characterised by a hard style,

of great strength and realism, typical from

the Castilian side to which he appoints

himself. He was the author of one of the

first pagan compositions of the Spanish

Gothic, he was one of the few who

executed large-format murals, as well as

huge altarpieces. Among his attributed

paintings there are large altarpieces made

with the participation of the workshop and

its collaborators. These include the

altarpiece of the Cathedral of Ciudad

Rodrigo (1480-1488) and the church of

Santa María de Trujillo (1490), where he

worked with Bartolomeus.

The analysed panel represents Saint Paul. It

was initially lost but when we found it we

discovered it belongs to the bench of the

altarpiece of Ciudad Rodrigo at the Tucson

Museum of Art in Arizona. It clearly

includes Flemish elements, such the

scene’s symbolism or naturalism,

associated with a Castilian tradition that

strips painting of any superfluous

sentimental concession.

Alejo de Vahía

Finales del siglo XV

Palencia

San Andrés

Escultura de madera policromada y dorada

79 x 23 x 23 cm

Londres, colección privada

San Andrés fue probablemente el primer apóstol de Jesús. Según el Nuevo Testamento, era hermano de Pedro. Ambos eran de Betsaida, una localidad junto al Mar de Galilea, donde se dedicaban a la pesca. Fue allí donde se hicieron discípulos conjuntamente.

Alejo de Vahía fue un escultor español de probable origen nórdico. Establecido en Becerril de Campos, difundió desde allí su obra, durante el período hispano-flamenco, por la zona de Palencia y Valladolid. Además de sus tallas en piedra, su producción está formada, básicamente por imaginería devocional.

Los datos con los que se cuentan, tanto de tipo documental como estilístico, vienen a suministrar un esquema que sitúa el periodo de actividad de este artista o de su taller, aproximadamente entre 1475 y 1515, apuntando una ligerísima evolución en el desarrollo de sus formas, aun dentro de la inmutabilidad de sus características, desde unos esquemas plásticos planos, lineales y cortantes a otros un poco más redondeados y naturales.

El origen nórdico de su estilo es evidente, pues muchos de los convencionalismos empleados por el artista se repiten en las zonas de Limburgo, Bajo Rin y Westfalia.

Palencia

Saint Andrew

Gilded and polychromed wood sculpture

79 x 23 x 23 cm

London, private collection

Saint Andrew was probably the first apostle of Jesus. According to the New Testament, he was Saint Peter’s brother. Both were from Bethsaida, a town by the sea of Galilee, where they fished. It was there where they became disciples together.

Alejo de Vahía was a Spanish sculptor of probable Nordic origin. Established in Becerril de Campos, he spread his work from there, during the Hispano-Flemish period, through the area of Palencia and Valladolid. In addition to his stone carvings, his production is basically formed by devotional imagery.

The available data, both documentary and stylistic, provide a scheme that situates the period of activity of this artist or his studio, approximately between 1475 and 1515, pointing to a very slight evolution in the development of their forms, even within the immutability of their characteristics, from flat, linear and cutting plastic schemes to others a little more rounded and natural.

The Nordic origin of his style is evident, as many of the conventions used by the artist are repeated in the areas of Limburg, Lower Rhine and Westphalia.

Pere Terrencs

Ca. 1490

Mallorca

Calvario


125 x 87 cm

La tabla con la escena del Calvario, que debía coronar el retablo del que formaba parte, se concentra al entorno de la figura del crucificado, clavado con tres clavos, que pende de la cruz. Está rodeado de San Juan, que sostiene la Virgen desvanecida y María Magdalena que abraza la cruz a punto de besar los pies de Cristo. A la izquierda, aparece un grupo de cinco personajes masculinos, entre los que se pueden identificar José de Arimatea y Nicodemo, los cuales dialogan entre sí. En primer plano destaca la figura de Cristo, majestuosa y potente, con un detallado análisis de la musculatura, confiriendo un sentido escultórico y prácticamente tridimensional, al que ayuda la entonación cromática de gama fría, características propias de la pintura atribuida a Pere Terrencs.

Esta obra es el resultado de una síntesis o combinación de elementos de distinta procedencia como el Calvario de Alonso de Sedano (Museu Diocesà de Mallorca), el grabado de la Crucifixión de Iam von Zwolle a partir del modelo que Van der Weyden desarrolla en el díptico de la Crucifixión (Philadelphia, Museum of Fine Arts. John G. Johnson Collection). Gracias a todos estos elementos, la tabla del Calvario se puede inserir en torno a 1490, época posterior al aprendizaje de Pere Terrencs con Alonso de Sedano, teniendo como fecha límite el año 1497 para la tabla adjudicada a Terrencs de las Tres Generaciones (Mallorca, Museu).

Mallorca

Calvary

Oil over wood

125 x 87 cm

The panel with the Calvary scene, which should have crowned its original altarpiece, is focused on the crucified’s figure. Nailed with three nails, hanging from the cross. It is surrounded by Saint John, who holds the vanished Virgin and Mary Magdalene who embraces the cross about to kiss the feet of Christ. On the left, there is a group of five male characters, among whom José de Arimatea and Nicodemo can be identified, while dialoguing with each other. At the foreground there is the figure of Christ, majestic and powerful, with a detailed analysis of the musculature, conferring a sculptural and practically three-dimensional sense, helped by the chromatic intonation of cold range, typical from Pere Terrencs’ paintings.

This work is the result of a synthesis or combination of elements from different origins such as the Calvary by Alonso de Sedano (Museu Diocesà de Mallorca), the Crucifixion’s engraving by Iam von Zwolle from the model that Van der Weyden develops in the diptych of the Crucifixion (Philadelphia, Museum of Fine Arts. John G. Johnson Collection). Thanks to all these elements, the Calvary table can be inserted around 1490, a period after Pere Terrencs’ apprenticeship with Alonso de Sedano, with a deadline of 1497 for the panel of the three generations attributed to Terrencs (Mallorca, Museum).

Juan Sánchez de Castro

Último cuarto del siglo XV

Sevilla

Jesús Camino del Calvario


107,5 x 84 cm

Juan Sánchez de Castro es la figura más excepcional de la pintura sevillana en la segunda mitad del siglo XV. Existen evidencias documentadas de este artista entre 1454 y 1484. Ceán Bermúdez fue el primero en hacer referencia a haber visto un retablo firmado por este artista en la capilla de San José, en la Catedral de Sevilla en 1454. En 1478 su nombre aparece en documentos de pago de pinturas en el Alcázar de Sevilla, y en 1480 su nombre sobresale de nuevo entre los artistas que protestaron contra el decreto que regulaba al gremio de pintores en Sevilla.

Representa al arte hispano-flamenco en Sevilla (nombrado tras la influencia que el arte flamenco posee sobre toda la Península Ibérica en la segunda mitad del siglo XV).

Algunos de sus trabajos son La Virgen enfermera, en el Museo Nacional de Arte de Cataluña (MNAC) y La Virgen de Gracia en la catedral de Sevilla.

La pieza está certificada por la Dra. Isabel Mateo Gómez.

Sevilla

Way to Calvary

Oil over wood

107,5 x 84 cm

Juan Sánchez de Castro is the most outstanding figure of Sevilian painting in the second half of the XV century. There is documentary evidence of this artist between 1454 and 1484. Ceán Bermúdez was the first to refer having seen a retable signed by this artist in the chapel of Saint Joseph, in Seville’s cathedral, in 1454. In 1478 his name appears in payment documents for painting works in the Alcázar of Seville, and in 1480 his name shows up again among the artists who protested against a decree which regulated the painters’ guild in Seville.

He represents the Hispanic-Flemish art in Seville (named after the influence that the art from Flanders has in all the Iberian Peninsula, in the second half of the XV century).

Some of his works are “The Nursing Virgin”, in the Museu Nacional d’Art de Catalunya (MNAC) and “The Virgin of Grace” in Seville’s Cathedral.

The painting is certified by Dr. Isabel Mateo Gómez.

Nicolás Falcó

Primer cuarto del siglo XVI

Valencia

San Cristóbal

Óleo sobre madera

300 x 105 cm

Londres, colección privada

Nicolás Falcó fue un pintor tradogótico

activo en Valencia en el primer tercio del

siglo XVI, pintor de la ciudad y miembro de

una dinastía de pintores.

El pintor ha representado a San Cristóbal

en el momento en que, apoyado en su

báculo, ayuda al Niño Jesús a atravesar un

gran río. Según La leyenda dorada,

Cristóbal (cuyo nombre significa "Portador

de Cristo"), en lo más hondo del cauce del

río, comenzó a sentir que el peso que

sostenía sobre sus espaldas se hacía tan

pesado como insostenible, viendo flaquear

sus fuerzas a pesar de ser un gigante de

doce codos de altura. Tras, a pesar de todo,

conseguir llegar hasta la otra orilla, el Niño

le informó de lo ocurrido: "sobre tus

hombros acarreabas al mundo entero y al

creador de ese mundo", tal y como aparece

en el lienzo.

Valencia

Saint Christopher

Oil over wood

300 x 105 cm

London, private collection

Nicolás Falcó was a gothic painter active in

Valencia in the first third of the 16th

century, a painter of the city and a member

of a dynasty of painters.

The painter has represented Saint

Christopher at the moment when, leaning

on his staff, he helps Jesus Child to cross a

great river. According to the Golden

Legend, Saint Christopher (whose name

means “Christ Bearer”), in the deepest part

of the riverbed, began to feel that the

weight he was holding on his shoulders

was as heavy as it was unsustainable,

seeing his strength weaken despite being a

giant of twelve elbows of height. In spite of

all the obstacles, after managing to reach

the other shore, the Child informed him of

what had happened: “on your shoulders

you carried the whole world and the

creator of that world” such appears on the

panel.

Maestro Alejo

Primer cuarto del siglo XVI

Palencia

La Danza de Salomé


123,5 x 73,5 cm

De acuerdo a sus medidas, la presente tabla debería haber pertenecido a un gran retablo dedicado a la historia de San Juan Bautista. Datado de entre el 1520-1530, según la vestimenta que llevan los personajes. El marco recuerda al usado por Pedro Berruguete en las escenas del retablo de Santo Tomás de Ávila. El espacio ambiental de la tabla genera sensación de profundidad a través del rico suelo enlosado y el gran ventanal del fondo.

Al frente aparece Salomé, dispuesta a empezar su baile. En su mano derecha porta una pandereta dorada mientras en la izquierda recoge su falda. Detrás de ella, se aprecia a un sirviente vistiendo una camisola brocada mientras se acerca a la mesa llevando una fuente. Su figura es destacable debido a la larga y descansada banda blanca que rodea tanto su cuello como su rojizo pelo, peinado al estilo italiano, cosa que recuerda a los modelos de Alonso de Sedano. El gesto de las manos es muy expresivo así como los dedos están dibujados con nervio. La disposición de la escena y los recursos empleados por el artista evocan al pintor conocido como Maestro de San Nicolás.El Maestro Alejo maneja los colores de una forma extraordinaria, ya que muestra expresividad emocional en los rostros más allá de la belleza, modelándolos con luces y sombras sobre un torso pálido alcanzando un sentido escultórico. Al mismo tiempo, emplear varios tonos tanto en pelo como en ropa o mobiliario es un rasgo característico del autor.

Palencia

Salome’s Dance

Oil over wood

123,5 x 73,5 cm

According to its measures, this panel should have belonged to a great altarpiece dedicated to Saint John Baptiste’s life. It could be dated from 1520-1530, regarding the attire the characters wear. The frame recalls to the one used by Pedro Berruguete on the scenes of the altarpiece of Santo Tomás de Ávila. The panel’s ambient space generates depth sensation, through the rich slab floor and the large window at the back.

At the forefront, Salome appears while she is about to start her dance. On her right hand, she carries a golden tambourine whereas on her left one she collects her skirt. Behind her, a servant wearing a brocade doublet is appreciable, while he approaches the table carrying a platter. His figure is remarkable due to the large and restless white sash that encircles his neck and his reddish hair brushed as the Italian style, what recalls Alonso de Sedano models. The hands’ gesture is very expressive as well as the fingers are drawn with nerve. The scene’s disposition and the employed resources by the artist, make possible to recall the painter known as Maestro de San Nicolás.

Maestro Alejo handles colours in an extraordinary way, as he employs emotional expressivity on faces beyond beauty, modelling them with lights and shadows over a pale skin reaching some sculpture sense. At the same time, it is typical from him to employ varied tones on hairs as well as on clothing.

Paolo San Leocadio

Principios del siglo XVI

Valencia

La Virgen con el Niño y San Juanito


65 x 54 cm

Pintura devocional y única que muestra una iconografía habitual del último tercio del siglo XV en la pintura italiana. Sus proporciones invitan a pensar que perteneció a una capilla particular, valenciana o napolitana, de principios del siglo XVI.

Esta pieza expone a la Virgen, que sentada sostiene delicadamente al niño Jesús. Aparece desnudo bajo la mirada de Juanito, quien va vestido en piel de camello (como avance de su vida en el desierto).

La escena se lleva a cabo en la parte externa de una galería abierta al exterior, donde el marco simula ser una ventana.

De acuerdo al estilo y las formas de pintar del autor, estas derivan de los estudios de Ferrara junto a la enorme y poderosa influencia de Cosme Tura. Como ejemplo, es posible mencionar el reducido canon de algunos personajes así como la peculiar forma de las manos y los pies que pintó. Del mismo modo, probablemente colaboró con Francesco de Cossa en los frescos de Schifanoia, de quien aprendió satisfactoriamente y pudo afectar a sus obras posteriores. Además, también coexistió con Ercole de Roberti, que supuso una gran influencia para él.

Valencia

The Virgin with the Child and Saint John

Oil over wood

65 x 54 cm

Devotional and unique painting that exhibits a usual iconography from the last third of the 15th century Italian paintings. Its proportions prompt to think that it belonged to a particular Valencian or Neapolitan chapel from the beginning of the 16th century.

This painting displays the Virgin, who is seated and daintily holds Infant Jesus. He appears nude under the gaze of John, who is dressed in camel’s leather (as an advance of his life in the desert).

The scene is carried out on the outside part from an open gallery to the landscape, where the frame simulates being a window.

Regarding its author’s painting style and his forms, they derive from Ferrara studios added to the enormous and powerful influence of Cosme Tura. As an example, it is possible to mention the decreased canon of some characters and the peculiar shape of the hands and the feet he painted. In addition, he probably collaborated with Francesco de Cossa in Schifanoia’s frescos, from whom learnt satisfactorily and that could affect to his following paintings. He also coexisted with Ercole de Roberti, who was a major influence for him.

Tomás de Sierra

Finales del siglo XVII

Valladolid

La Quinta Angustia

Escultura de madera tallada y policromada

107 x 80 x 80 cm

Tomás de Sierra fue un escultor Barroco español que poseía un extraordinario taller familiar en Medina de Río Seco (Valladolid), donde tuvo lugar una gran actividad y especialización.

La composición de esta escultura está directamente inspirada por la similar pieza de Juan de Juni (Joigny, 1506 – Valladolid, 1577), localizada en la Iglesia de la Angustia en Valladolid. Sin embargo, la escultura aquí tratada posee mayor calidad.

Es importante destacar algunas de las características de la obra que hacen posible su distinción de la pieza realizada por Juan de Juni. Por un lado, la posición de la mano derecha muestra una suave torsión de la muñeca. Por otro lado, la posición de la cabeza también difiere, ofreciendo un mayor sensacionalismo.

Otra diferencia a tener en cuenta es el modelaje de los rasgos faciales. La pieza analizada presenta un semblante más liso que la obra atribuida a Juan de Juni.

Su rostro representa a una joven Virgen de nariz carnosa y barbilla redondeada, hecho que implica dulzura.

La pieza analizada muestra flecos pomposos que cubren la figura en pequeños rincones. La capa y la túnica presentan sutiles adornos policromados así como bellos motivos en el atuendo.

Valladolid

Fifth Anguish

Carved and polychromed wood sculpture

107 x 80 x 80 cm

Tomás de Sierra was a Spanish Baroque sculptor who owned an extraordinary familiar workshop in Medina de Río Seco (Valladolid), where great activity and specialization took place.

This sculpture’s composition is directly inspired by its similar piece from Juan de Juni (Joigny, 1506 – Valladolid, 1577), located in the Anguish Church of Valladolid. However, the sculpture treated in this text possesses finer quality.

It is relevant to highlight some features of the art piece, which make possible to distinguish its authorship from Juan de Juni. On one hand, the right hand’s position shows a soft torsion of the wrist. On the other hand, the head’s position differs too, offering greater sensationalism.

Another difference to consider is the facial features modelling. The analysed piece presents a smoother countenance than the piece attributed to Juan de Juni.

Its face represents a young Virgin with fleshy nose flared parts and a round chin which represents sweetness.

The analysed piece exhibits pompous folds that cover the figure in small nooks. The cloak and the tunic present subtle trimming polychromy as well as beautiful motifs on the attire.

GALERIA BERNAT

maestros de alta Época ii - galeria bernat · vestidos con una túnica manicata (larga hasta los...

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