milano design film festival

autunnoamericano

MILANO DESIGN FILM FESTIVAL showcases the best in recent films on design through a variety of screening events – each including discussions with dynamic designers, architects, filmmakers, journalists, critics, students and professors from Italy and around the globe.

MiCue Milano Design and the U.S. nonprofit foundation, Design Onscreen, along with the patronage of the Comune di Milano, are proud to present this first-ever series of film events in Milano.

MILANO DESIGN FILM FESTIVALpresenta il meglio degli ultimi film documentari realizzati su architettura e design attraverso una programmazione che prevede momenti di discussione con designer, architetti, produttori, registi, critici, docenti e studenti provenienti dall’Italia e dal mondo.

MiCue Milano Design e la fondazione americana no profit Design Onscreen, con il patrocinio del Comune di Milano, sono orgogliosi di presentare questa primissima serie di eventi cinematografici a Milano.

PROGRAM 2013

Website : www.milanodesignfilmfestival.com

Email: : [email protected]

3 - 6 OCTOBER2013

1

TABLE OF CONTENTS.

2

ABOUT Milano Design Film Festival

PRODUCERS MiCue Milano DesignDesign Onscreen

PARTNERS PatronageFestival SponsorFilm PartnersMedia PartnersReception Sponsors

CALENDAR 4 DAYS: 3-6 October

FILM TITLES 24 Films

FILM DIRECTORY

LOCATION

17

20

47

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03

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1

ABOUT.

4

ABOUT.

MILANO DESIGN FILM FESTIVAL showcases the best in recent filmson design through a variety of screening events – each including discussions with dynamic designers, architects, filmmakers, journalists, critics,students and professors from Italy and around the globe.

The Festival is dedicated to all those who are interested in exploring the potential of film and the moving image as an epistemological tool for the analysis and representation of architecture, space, design of things, the dynamics of the city and of the contemporary society.

MiCue Milano Design and the U.S. nonprofit foundation, Design Onscreen,

along with the patronage of the Comune di Milano, are proud to present this first-ever series of film events in Milano.

Thanks to the organizers and sponsors, the event is free and open to the public, allowing the city of Milan tobe once again the protagonist of an international project related to design, which involves the audience -this time- on the big-screen.

MDFF would like to become, with its debates, foundations and associations, an annual cultural event for the city of Milan.

MILANO DESIGN FILM FESTIVAL presenta il meglio degli ultimi film documentari realizzati su architettura e design attraverso una programmazione che prevede momenti di discussione con designer, architetti, produttori, registi, critici, docenti e studenti provenienti dall’Italia e dal mondo.

Il Festival è dedicato a tutti coloro che sono interessati ad esplorareil potenziale del cinema e dell’immagine in movimento come strumento epistemologico per l’analisi e larappresentazione dell’architettu-ra, dello spazio, del design, delle dinamiche delle città e della società contemporanea.

Micue Milano Design e la fondazione americana no profit Design Onscreen, con il Patrocinio del Comune di Milano, sono orgogliosi di presentare questa la prima edizion MDFF.

Grazie agli organizzatori e agli sponsor,l’evento è aperto al pubblico e gratuito, permettendo così alla città di Milano di essere ancora una volta protagonista con un progetto internazionale legato al design, capace di coinvolgere il pubblico -questa volta- sul grande schermo.

MDFF vorrebbe diventare, con i dibattiti, gli eventi collaterali, le fondazioni e le associazioni coinvolte, un appuntamento culturale annuale per la città di Milano.

EDITION: 1st

1

PRODUCERS.

6

PRODUCERS.

Design Onscreen is a non-profitfoundation dedicated to producing, promoting and preserving high-quality films on architecture and design. Design Onscreen’s documentaries include: Modern Tide: Midcentury Architecture on Long Island (2012); Contemporary Days: The Designs of Lucienne and Robin Day (2010); Desert Utopia: Midcentury Architecture in Palm Springs (2011); William Krisel, Architect (2010), Journeyman Architect: The Life and Work of Donald Wexler (2009) and Hella Jongerius: Contemporary Archetypes (2009). These films have screened at

museums (including MoMA, the Museum of Arts and Design the Cooper-Hewitt National Design Museum , the V&A, the Getty Research Institute, and the National Geographic Museum) and festivals around the world (including Montreal, Rotterdam, Moscow, Newport Beach, Chicago, Cape Town and Eindhoven). Design Onscreen also produces architecture and design festivals in the US and internationally, including 2012’s first-ever film festival at the Venice Architecture Biennale and fests in Denver, Palm Springs, Moscow, Toronto and New Zealand.

Design On Screen è una fondazione non-profit dedicata alla produzione, la promozione e la conservazione di film di alta qualità, dedicati all’architettura e al design. I film documentari realizzati da Design OnScreen comprendono: Modern Tide: Midcentury Architecture on Long Island (2012); Contemporary Days: The Designs of Lucienne and Robin Day (2010); Desert Utopia: Midcentury Architecture in Palm Springs (2011); William Krisel, Architect (2010), Jour-neyman Architect: The Life and Work of Donald Wexler (2009) and Hella Jongerius:

Contemporary Archetypes (2009). Questi film sono stati proiettati in musei (tra cui il MoMA, the Museum of Arts and Design, il Cooper-Hewitt National Design Muse-um, il V&A, il Getty Research Institute e il National Geographic Museum) e festival in tutto il mondo (tra cui Montreal, Rotterdam, Mosca, Newport Beach, Chicago, Città del Capo e Eindhoven). Design Onscreen promuove anche film festival di architettura negli Stati Uniti e a livello internazionale, tra cui il primo alla Biennale di Architettura di Venezia 2012, a Denver, Palm Springs, Mosca, Toronto e Nuova Zelanda.

MiCue Milano Design it’s a company and research laboratory founded by Antonella Dedini, a milanese architect and interior designer with twenty years of experience in specialized education where she stands out for her work in Masters courses, and Executive training for institutions, companies and private groups. It takes care of publications, events, conferences and exhibitions formulated out of investigation and international collaboration.

MiCue Milano Design held advocacy, organization and implementation of promotional and cultural activities in the audiovisual sector, also to the enhancement of the architectural, cultural, historical, environmentaland design, as well as the development of

festivals, events, encourage and promote such activities, including:-relation to the development of tourist circuits -cultural place of realization of the event.-Study and implementation of pilot projects, feasibility studies and initiatives “start up” programs for the development of the audiovisual industry relating to architecture and design;-Advisory, guidance, monitoring andtechnical support to the implementation of individual programs to develop audiovisual initiatives related to architecture and design.

Milano Design Film Festival was conceived by MiCue Milano Design.

MiCue Milano Design è una società fondata da Antonella Dedini, architetto milanese e interior designer. Realizza interventi mirati di ricerca che conducono alla definizione di scenari per il settore architettura e design. Cura inoltre pubblicazioni, eventi, conferenze, workshop e mostre che rappresentano il risultato del suo lavoro di laboratorio e osservatorio internazionale.

MiCue svolge anche attività di patrocinio, organizzazione e realizzazione di iniziative a carattere promozionale e culturale nel settore dell’audiovisivo, anche al fine di valorizzazione il patrimonio architettonico, culturale, storico, ambientale e del design. Micue realizza festival, rassegne, eventi,

per favorire e promuovere l’architettura e il design anche in relazione allo sviluppo dei circuiti turistico – culturali dei luoghi di realizzazione delle manifestazioni.

Studia e promuove interventi pilota, analisi di fattibilità e iniziative di start up per programmi di sviluppo dell’industria audiovisiva relativa all’architettura e al design; svolge attività di consulenza, accompagnamento, monitoraggio e supporto tecnico all’attuazione dei singoli programmi di sviluppo di iniziative audiovisive relative all’architettura e al design.

Milano Design Film Festival nasce da un’idea di MiCue Milano Design.

1

PARTNERS.

Thank you.

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PARTNERS.

Thank you.

PATRONAGE

MEDIA PARTNERS

FESTIVAL SPONSOR

RECEPTION SPONSORS

FILM PARTNERS

autunnoamericano Consolato Generale degli Stati Uniti a Milano

TENUTA MAZZOLINOIl vino è offerto

dall’archivio Pietro Lingeri di via Sacchi 12, Milano.

THAN

K YO

U

1

CALENDAR.

3-6 October 2013

10

CALENDAR.

3-6 October 2013

318:00 Welcome drink

19:15 Introduction

FROM NOTHING, SOMETHING: A DOCUMENTARY ON THE CREATIVE PROCESS (79 mins)

21:00 Q&A 21:45 REM Trailer (5 mins)

21:50 Q&A 22:15 16 ACRES (91 mins)

THURSDAY GIOVEDÌ

OCTOBER

FILM: REM

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412:45 Opening

13:00 DESERT UTOPIA: MIDCENTURY ARCHITECTURE IN PALM SPRINGS (58 mins)

14:45 RAFIQ AZAM. ARCHITECTURE FOR GREEN LIVING (30 mins)

15:15 Q&A

16:00 INTERVALLO (3,40 mins) UNFINISHED ITALY (34 mins)

16:40 Q&A

17:30 HELLA JONGERIUS: CONTEMPORARY ARCHETYPES (30 mins)

18:00 Q&A

18:45 RON GILAD. THE LOGICAL, THE IRONIC, AND THE ABSURD (30 mins)

19:15 Q&A 20:00 DILLER SCOFIDIO + RENFRO: REIMAGINING LINCOLN CENTER AND THE HIGH LINE (57 mins)

21:00 Q&A 21:45 THE HUMAN SCALE (83 mins)

23:10 Q&A

FRIDAY VENERDÌ

OCTOBER

FILM: The Human ScaleFILM: Desert Utopia: Midcentury Architecture in Palm Springs

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Empatia design Carlotta de Bevilacqua& Paola di Arianello

FILM: Unfinished Italy

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FILM: Contemporary Days: The Designs of Lucienne and Robin Day

14

SATURDAY SABATO

511:00 Opening

11:15 CONTEMPORARY DAYS: THE DESIGNS OF LUCIENNE & ROBIN DAY (77 mins)

12:40 Q&A

14:30 ART & COPY (89 mins)

16:00 Q&A

16:45 FALLINGWATER: FRANK LLOYD WRIGHT’S MASTERWORK (56 mins)

17:45 Q&A 18:30 MILTON GLASER: TO INFORM AND DELIGHT (73 mins)

19:45 Q&A

20:30 Special Screening

REM (5 mins) PHILIP JOHNSON: DIARY OF AN ECCENTRIC ARCHITECT (58 mins)

22:15 QUANTO PESA IL SUO EDIFICIO, MR. FOSTER? (100 mins)

FILM: Milton Glaser: To Inform and DelightFILM: Fallingwater:

Frank Lloyd Wright’s Masterwork

OCTOBER

13

FILM: Modern Tide: Midcentury Architecture on Long Island

611:15 Opening

11:30 THE ARCHITECTURE OF CARLO SCARPA (57 mins)

12:30 Q&A

13:00 Brunch

14:00 DAVID CHIPPERFIELD: LA MIA BIENNALE (55 mins)

15:15 MODERN TIDE: MIDCENTURY ARCHITECTURE ON LONG ISLAND (88 mins)

17:00 EAMES: ARCHITETTI, PITTORI, DESIGNER (81 mins)

18:45 PERCHÈ UN FILM SU MICHELE DE LUCCHI (65 mins)

19:50 Q&A

20:30 Private screening Welcome drink

21:00 Q&A 21:30 TANTI FUTURI POSSIBILI. CON RENATO NICOLINI (30 mins)

22:10 SACRO GRA (93 mins)

SUNDAY DOMENICA

OCTOBER

1

FILM: Eames: Architetti, Pittori, Designer

1

FILM TITLES.

18

FILM TITLES.

16 Acres 21Art & Copy 22Contemporary Days: The Designs of Lucienne & Robin Day 23David Chipperfield: La Mia Biennale 24Desert Utopia: Midcentury Architecture in Palm Springs 25Diller Scofidio + Renfro: Reimagining Lincoln Center and the High Line 26Eames: Architetti, Pittori, Designer 27Fallingwater: Frank Lloyd Wright’s Masterwork 28From Nothing, Something. A Documentary On The Creative Process 29Hella Jongerius: Contemporary Archetypes 30Intervallo 31Milton Glaser: To Inform and Delight 32Modern Tide: Midcentury Architecture on Long Island 33Perchè un film su Michele De Lucchi 34Philip Johnson: Diary of an Eccentric Architect 35Quanto pesa il suo Edificio, Mr. Foster? 36Rafiq Azam. Architecture for Green Living 37Rem 39Ron Gilad. The Logical, the Ironic and the Absurd 40Tanti Futuri Possibili. Con Renato Nicolini 41The Architecture of Carlo Scarpa 42The Human Scale 43Sacro Gra 44Unfinished Italy 45

: Italian Premier

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: Autunno Americano

FILMS

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www.ilvavelvetdiamond.com www.milanodesignfilmfestival.com

3–6 ottobre 2013 - Apollo SpazioCinema, Milano - Galleria De Cristoforis 3

LA finiturA Che trASforMA iL LeGno in unA veLLutAtA SuperfiCie DALLA perfettA reSiStenzA AL GrAffio:

un DiAMAnte Di veLLuto

veLvet DiAMonD

vieni a toccare l a differenza al Mil ano design filM festival

1www.ilvavelvetdiamond.com www.milanodesignfilmfestival.com

3–6 ottobre 2013 - Apollo SpazioCinema, Milano - Galleria De Cristoforis 3

LA finiturA Che trASforMA iL LeGno in unA veLLutAtA SuperfiCie DALLA perfettA reSiStenzA AL GrAffio:

un DiAMAnte Di veLLuto

veLvet DiAMonD

vieni a toccare l a differenza al Mil ano design filM festival

FILM DIRECTORY.

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16 Acres The rebuilding of Ground Zero in New York City is one of the most architecturally, politically, and emotionally complex urban renewal projects in American history. From the beginning, the effort has been fraught with controversy, delays and politics. The struggle has encompassed eleven years, nineteen government agencies, a dozen projects and over $ 20 billion. Aside from the staggering engineering challenges of the site itself, a major complicating factor in the rebuilding of the World Trade Center is the sheer number of interested parties.Politicians, developers, architects, insurance companies, local residents and relatives of 9/11 victims all profess a claim to the site and residents, and relatives of 9/11 victims all profess a claim to the site and are often in conflict with one another. According to The New York Times, “Where some saw lucrative real estate, others saw a graveyard.

Where some saw Rockefeller Center or Lincoln Center or Grand Central Terminal, others saw Gettysburg.”

What was once Ground Zero is now a frenzied construction site. Three thousand workers are building four of the tallest skyscrapers in America, an iconic -and complicated-train station, a performing arts center and a sacred memorial and museum. What will emerge in downtown Manhattan over the next few years will redefine the city -and the country- for generations.

16 Acres is the story of how and why this historic project got built. At the heart of the story is the dramatic tension between noblest intentions, the desire of everyone involved to “get it right,” and the politics, hubris, ego and ideology that is the bedrock of New York City.

La ricostruzione di Ground Zero a New York City è uno dei più complessi progetti di rinnovamento urbano nella storia americana, sia dal punto di vista architettonico sia dal punto di vista politico ed emotivo. Fin dall’inizio, l’mpegno di ricostruzione è stato pieno di polemiche, ritardi e controversie politiche. La lotta e le dispute sono durate undici anni, diciannove le agenzie governative coinvolte, una dozzina i progetti presentati e più di 20 i miliardi di dollari investiti. Oltre alle sfide ingegneristiche sconcertanti del sito stesso, un fattore di complicazione importante nella ricostruzione del World Trade Center è il gran numero di figure coinvolte. Politici, sviluppatori, architetti, imprese di assicurazione, residenti localie parenti delle vittime dell’11 settembre:tutti si sentono coinvolti, tutti reclamano il sito, ma spesso sono in conflitto tra loro. Secondo il New York Times, “dove alcuni hanno visto il lucroso settore immobiliare,

altri hanno visto un cimitero. Dove alcuni hanno visto il Rockefeller Center o Lincoln Center o Grand Central Terminal, altri hanno visto Gettysburg“.

Dove una volta c’era Ground Zero oggi c’è un cantiere frenetico. Tremila lavoratori stanno costruendo quattro dei grattacieli più alti in America, un’iconica e complicata stazione ferroviaria, un complesso teatrale, un monumento sacro e un museo. Ciò che emergerà a Manhattan nei prossimi anni ridefinirà la città -e il Paese- per generazioni.

16 Acres è la storia di come e perché questo progetto storico è stato voluto e approvato. Al centro della storia c’è la tensione drammatica tra le intenzioni più nobili, il desiderio di tutti i soggetti coinvolti di “fare la cosa giusta” e la politica, l’arroganza, l’ego e l’ideologia che è il fondamento di New York City.

YEAR:DIRECTOR:

LENGTH: LANGUAGE:SUBTITLES:

2012 Richard Hankin91 minutesItalian--

22

ART & COPY è un film intenso che parla di pubblicità e creatività. Diretto da Doug Pray mostra il lavoro e la competenza di alcuni fra i più influenti pubblicitari del nostro tempo, quei creativi che sanno conidizionare la nostra vita anche se i loro nomi sono praticamente sconosciuti al di fuori del loro settore. Esplosi a partire dalla così detta rivoluzione creativa degli Anni 60, questi artisti e scrittori hanno introdotto ironia e capacità critica in un lavoro spesso associato alla mediocrità e alla manipolazione. Stiamo parlando di George Lois, Mary Wells, Dan Wieden, Lee Clow, Hal Riney e di altri

creativi tutti presenti in ART & COPY. Sono loro ad avere firmato campagne pubblicitarie commissionate da case automobilistiche come da Presidenti degli Stati Uniti. Chi non ricorda “Just Do It”, “I Love NY”, “Dov’è il manzo?”, “Got Milk”, “Think Different”, per citarne solo alcune. Con le loro idee riuscirono a catturare davvero milioni di persone. Il film intreccia le loro vite con le immagini televi-sive dei lanci satellitari e con le installazioni di cartelloni pubblicitari e mette in luce l’impatto sociale e culturale che hanno saputo provo-care. È un’esplorazione dinamica fra arte, business e impatto emotivo.

ART & COPY is a powerful film about advertising and inspiration. Directed by Doug Pray, it reveals the work and wisdom of some of the most influential advertising creatives of our time -- people who’ve profoundly impacted our culture, yet are virtually unknown outside their industry. Exploding forth from advertising’s “creative revolution” of the 1960s, these artists and writers all brought a surprisingly rebellious spirit to their work in a business more often associated with mediocrity or manipulation: George Lois, Mary Wells, Dan Wieden, Lee

Clow, Hal Riney and others featured in ART & COPY were responsible for “Just Do It,” “I Love NY,” “Where’s the Beef?,” “Got Milk,” “Think Different,” and brilliant campaigns for everything from cars to presidents. They managed to grab the attention of millions and truly move them. Visually interwoven with their stories, TV satellites are launched, billboards are erected, and the social and cultural impact of their ads are brought to light in this dynamic exploration of art, commerce, and human emotion.

Art & Copy

YEAR: DIRECTOR:

LENGTH: LANGUAGE: SUBTITLES:

2009Doug Pray89 minutesEnglishItalian

23

Contemporary Days:The Designs of Lucienne & Robin Day

Robin and Lucienne Day transformed British design after World War II with striking furniture and textiles that signaled a new era of modernist sensibilities for everyday living. The film traces the Days’ personal and professional progression over the

course of their careers, spanning more than seventy years—from their days at the Royal College of the Arts in the 1930s, through their long heyday at the forefront of British design, to their recent rediscovery by new generations of design aficionados.

Robin e Lucienne Day diedero nuovo impulso al design inglese del secondo dopoguerracon mobili e tessuti sorprendenti che inaugurarono una nuova era di sensibilità modernista nella vita di tutti i giorni. Il film ripercorre la storia privata e professionale della loro lunga carriera di designer durata

più di 70 anni: dai primi progetti realizzati al Royal College of Arts nel 1930 al periodo che li ha visti protagonisti nel massimo splendore del design britannico fino alla loro recente riscoperta da parte delle nuove generazioni di appassionati di design.

YEAR: DIRECTOR:

LENGTH: LANGUAGE:SUBTITLES:

2010 Murray Grigor77 minutesEnglish--

24

The best architects from all over the world meet in Venice to try to think of and set up a new “Common Ground”: a place gathering architecture and art, architecture and social commitment, building and ecology, past and present, designers and builders, architects

and people, architects and other architects... David Chipperfield, curator of 2012 Venice Architecture Biennale, will guide us through the most interesting, smart, innovative and intriguing projects of the exhibition. 3D Production.

I migliori progettisti del mondo si sono dati appuntamento a Venezia in occasione della 13.Mostra Internazionale di Architettura per cercare, ipotizzare, costruire un “Common ground”, un terreno comune tra architettura, arte, pratiche sociali, edilizia ed ecologia, passato e presente, progettisti e costruttori,

architetti e grande pubblico. Ad accompagnarci alla scoperta delle proposte più interessanti, intelligenti, innovative e curiose è il curatore della Biennale architettura 2012 l’inglese David Chipperfield. Una produzione 3D.

David Chipperfield: La Mia Biennale

YEAR: DIRECTOR:

LENGTH:LANGUAGE:SUBTITLES:

: Autunno Americano

2012 Claudio Poli55 minutesItalian---

25

This documentary traces the origins and growth of midcentury architecture in the modernist mecca of Palm Springs, California. The city boasts many landmark buildings by such modernist pioneers as Richard Neutra, Albert Frey, E. Stewart

Williams, Donald Wexler, William Cody and William Krisel. Jake Gorst’s film brings these unique structures alive and features never-before-seen archival footage of the architects and construction.

Questo documentario ripercorre le origini e lo sviluppo della “Midcentury Architecture” nella mecca modernista di Palm Springs in California. La città vanta numerosi edifici storici progettati da pionieri modernisti come Richard Neutra, Albert Frey, E. Stewart

Williams, Donald Wexler, William Cody e William Krisel. Il film di Jake Gorst riporta in vita queste architetture uniche presentando filmati d’archivio mai visti prima e raccontando aneddoti su questi architetti e sulle loro affascinanti costruzioni.

Desert Utopia: Midcentury Architecture in Palm Springs

YEAR: DIRECTOR:


2010 Jake Gorst58 minutesEnglishItalian

: Italian Premier1IT

26

: Italian Premier

Diller Scofidio + Renfro has long been at the forefront of design. The interdisciplinary design firm first stirred interest with its provocative exhibitions of theoretically based projects that blurred the boundaries between art and architecture. In 1999, Elizabeth Diller and Ricardo Scofidio, the firm’s founding principals, were awarded the prestigious “Genius” grant by the MacArthur Foundation, in recognition of their commitment to integrating architecture with issues of contemporary culture. With the almost simultaneous completion of two large-scale projects in New York City -the renovation of the High Line and revitalization and expansion of Lincoln Center for the Performing Arts- Diller Scofidio + Renfro has galvanized the public’s attention. Between 2004 and 2011,

the firm, in collaboration with James Corner Field Operations, converted the derelict High Line railroad tracks on the city’s West Side (from Gansevoort to 30th street) into a sophisticated 1.5 mile elevated urban park.

In this 54-minute documentary, intelligent commentary from the architects is complemented by remarkable cinematography and interviews with New York City planning commissioner Amanda Burden and other civic figures. Critics and theorists Mark Wigley, Anthony Vidler, and Mr. Filler, offer insights into the firm’s history, previous completed projects, and their unique process of re-imagining the public identities of two major New York urban spaces.

Diller Scofidio + Renfro è da tempo in prima linea nel panorama dell’architettura e del design internazionale. Questo studio di progettazione interdisciplinare è stato tra i primi ad attirare l’attenzione attraverso mostre provocatorie che presentavano progetti al confine tra arte e achitettura. Nel 1999, Elizabeth Diller e Ricardo Scofidio sono stati insigniti del prestigioso contributo “Genius” dalla MacArthur Foundation in riconoscimento del loro impegno a integrare l’architettura con la complessità della cultura contemporanea. Con il completamento quasi in simultanea di due progetti a grande scala a New York City - la ristrutturazione della High Line e la rivitalizzazione ed espansione del Lincoln Center for the Performing Arts - Diller Scofidio + Renfro ha galvanizzato l’attenzione del pubblico. Tra il 2004 e il 2011, lo Studio, in collaborazione

con James Corner Field Operations ha convertito la derelitta alta ferrovia di linea sulla città di West Side (da Gansevoort street alla 30esima strada) in un sofisticato elevato parco urbano che si estende per circa un chilometro e mezzo.

In questi 54 minuti di documentario, le voci intelligenti degli architetti sono unite da una notevole cinematografia e da interviste con Amanda Burden, Assessore all’ Urbanistica di New York e altre figure istituzionali. Critici e teorici come Mark Wigley, Anthony Vidler e Filler, offrono intuizioni eccezionali sulla storia dello Studio Diller Scofidio + Renfro, sui progetti completati precedentemente, e su quello straordinario processo di rivisitazione dell’identità pubblica di due importanti spazi urbani di New York.

Diller Scofidio + Renfro: Reimagining Lincoln Center and the High Line

YEAR: DIRECTOR:


2010 Muffie Dunn & Tom Piper57 minutesEnglishItalian

27

Eames: The Architect and the Painter is first film about Charles and Ray Eames since their deaths and the only film to peer inside their collaboration, their marriage and the “Renaissance studio” they created in a gritty warehouse in Venice, CA. Narrated by James Franco, the film draws from a trove of archival material, primarily the stunning films and photographs produced in mind-boggling

volume by Charles, Ray and their staff during the hyper-creative forty years of the Eames Office. Family members and design historians help guide the story, but it is in interviews with the junior designers swept into the “24-7” world of “The Eamery,” that a fascinatingly complex picture of this husband and wife creative team really emerges.

Eames: Architetti, Pittori, Designer è il primo film su Charles e Ray Eames e l’unica pellicola capace di raccontare la loro eccezionale collaborazione, il loro matrimonio e il loro “Renaissance studio” creato in un ex magazzino a Venice in California. Narrato da James Franco, il film attinge da una miniera preziosa di materiale d’archivio, da spezzoni di film mozzafiato e da centinaia di fotografie

prodotte da Charles, Ray e dai loro collaboratori durante gli iper-creativi quarant’anni dell’ Eames Office. Amici e storici del design aiutano a ricostruire la storia, ma è attraverso interviste di repertorio con i due giovani designer del mitico “24-7” , allora chiamati “The Eamery”, che emerge davvero il quadro complesso e affascinante di questo team creativo.

Eames: Architetti, Pittori, Designer(Italian distributor Feltrinelli Real Cinema)

YEAR: DIRECTOR:


NOTE:

2011 Jason Cohn and Bil Jersey81 minutesItalian--Winner of a 2012 Peabody Award

28

Fallingwater is among the best examples of the organic architecture of Frank Lloyd Wright (1867-1959) and one of his masterworks. In an extensive interview, Edgar Kaufmann Jr., son of industrialist Edgar J. Kaufmann, relates in detail why his family commissioned Frank Lloyd Wright to design the plans for the house in 1935. He describes the special features of this amazing vacation home built in Pennsylvania, directly over

a waterfall. His personal observations and anecdotes provide insight into this extraordinary building, a model of complete harmonious integration with nature. Three of Wright’s apprentices, Edgar Tafel, Bob Mosher and Wes Peters, discuss their work on the design and construction of the house, filmed here in all four seasons. The film also includes rare home movie footage of Wright and Kaufmann Jr.

Fallingwater è tra i migliori esempi di architettura organica di Frank Lloyd Wright (1867-1959) e indubbiamente uno dei suoi capolavori. In una lunga intervista, Edgar Kaufmann Jr., figlio dell’industriale Edgar J. Kaufmann, racconta in dettaglio il progetto della casa che la sua famiglia, nel 1935 commissionò a Wright. Egli descrive le peculiarità di questa incredibileresidenza di vacanza costruita in

Pennsylvania, direttamente su una cascata. Le sue osservazioni personali e gli aneddoti permettono di conoscere questo straordinario edificio, modello di completa integrazione armoniosa con la Natura. Tre apprendisti di Wright, Edgar Tafel, Bob Mosher e Wes Peters, ricordano il loro lavoro di progettazione e di costruzione della casa ripresa nelle diverse stagioni dell’anno. In scena anche un raro filmato di repertorio di Wright e Kaufmann Jr.

Fallingwater: Frank Lloyd Wright’s Masterwork

YEAR: DIRECTOR:


2011Kenneth Love56 minutesEnglishItalian

: Italian Premier : Autunno Americano1IT

29

From Nothing, Something: A Documentary on the Creative Process

From Nothing, Something profiles creative thinkers across a variety of disciplines (including architecture and design) to find the common techniques, habits and neuroses that lead to breakthrough ideas. This is a thoughtful, intimate, often funny look at the creative process - straight from the brains of some of culture’s most unique and accomplished talents. Featuring interviews with: Architect Preston Scott Cohen, Fashion Designers Alexa Adams and Flora Gill of Ohne Titel, Video Game Designer Jason Rohrer, Hollywood Creature Designer Neville Page (Avatar, Prometheus), Songwriter Sara Quin of Tegan & Sara, Oscar-Nominated Screenwriter/Novelist Tom Perrotta (Election, Little Children), Top Chefs Mary Sue Milliken & Susan Feniger, comedian Maria Bamford, two-time Pulitzer-Winning Cartoonist Steve Breen, among many others. “Inspiring and motivating. If From

Nothing, Something reveals a singular neurosis that all share, it’s the compulsion to create.” –Fast Company.

“Takes us to the heart of creation. Fast-paced. Aesthetically rich. A film that challenges us to awaken our senses.” Les Meconnus, Montreal.

“What goes on inside the heads of uber-creative people? This stimulating, fast-paced documentary reveals the zany personalities of eccentric geniuses.” – Arts & Opinion.

“Intelligent and entertaining. Few filmmakers succeed in approaching the filmmaking journey through the lenses of both intellect and inspiration, but Cawley proves to be the exception. I found myself completely and utterly captivated.” –thein-dependentcritic.com.

From Nothing, Something racconta di pensatori creativi appartenenti a diverse discipline (tra cui l’architettura e il design) per individuare tecniche comuni, abitudini e nevrosi che portano allo sviluppo di idee innovative.

È uno sguardo riflessivo e intimo, spesso divertente, al processo creativo di talenti di cultura tra i più singolari. Diverse le interviste: all’architetto Preston Scott Cohen, alle Fashion Designers Alexa Adams e Flora Gill di Ohne Titel, al Video Game Designer Jason Rohrer, all’Hollywood Creature Designer Neville Pagina (Avatar, Prometheus), all’autrice musicale Sara Quin di Tegan & Sara, allo sceneggiatore/romanziere Tom Perrotta (Elezione, Little Children), ai Top Chef Mary Sue Milliken e Susan Feniger, al comico Maria Bamford, il due volte premio Pulitzer vignettista Steve Breen.

Di questa pellicola hanno scritto: “Ispirante e motivante. From Nothing, Something rivela una singolare nevrosi che tutti condividono che è la compulsione a creare” - Fast Company. “Ci porta al cuore della creazione. Veloce. Esteticamente ricco. Un film che ci sfida a risvegliare i nostri sensi.” - Les Meconnus, Montreal. “Che cosa succede dentro la testa delle persone “uber-creative”? Questo stimolante frenetico documentario rivela le personalità folli di geni eccentrici” - Arts & Opinion. “Intelligente e divertente. Pochi registi riescono ad avvicinarsi con le lenti del viaggio cinematografico a tanto intelletto e ispirazione, ma Cawley dimostra di essere l’eccezione. Mi sono trovatocompletamente e assolutamente affascinato” -Theindependentcritic.com.

YEAR: DIRECTOR:


2012Tim Cawley79 minutesEnglishItalian


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Hella Jongerius: Contemporary Archetypes indaga l’approccio progettuale della designer olandese di fama mondiale considerata uno dei progettisti più innovativi e creativi della scena contemporanea. Il tutto viene raccontato attraverso le sue visioni sul design, l’artigianato, l’arte e la tecnologia: linguaggi tutti presenti nei suoi oggetti pensati per la vita di tutti i giorni. Girato ad Amsterdam, Rotterdam, Makkum, Indianapolis e New York, il film esamina il suo design process approach

attraverso interviste con la progettista, con i suoi assistenti, i produttori e con i collezionisti che ammirano il suo lavoro. Ma di questo influente designer parlano anche figure di spicco del design internazionale, tra cui Paola Antonelli (The Museum of Modern Art di New York), R. Craig Miller (Indianapolis Museum of Art) e il gallerista di design newyorkese Murray Moss. Sono infine presenti alcuni dei suoi produttori tra cui Rolf Fehlbaum (Vitra), Michael Maharam (Maharam) e Jan Tichelaar (Royal Tichelaar, Makkum).

Hella Jongerius: Contemporary Archetypes explores the design approach of the world-renowned Dutch designer, who is regarded as one of the most innovative and creative designers working today. Jongerius explores new visions for design, craft, art and technology in her products for everyday life.

Shot on location in Amsterdam, Rotterdam, Makkum, Indianapolis and New York, the film examines Jongerius’ design process through interviews with the designer, her assistants, the

manufacturers of her designs and the curators and retailers who admire her work. This seminal designer and her influence are discussed by leading figures in international design, including Paola Antonelli (The Museum of Modern Art, New York), R. Craig Miller (Indianapolis Museum of Art) and New York design retailer Murray Moss. Manufacturers of her designs are also featured, including Rolf Fehlbaum (Vitra), Michael Maharam (Maharam), and Jan Tichelaar (Royal Tichelaar, Makkum).

Hella Jongerius: Contemporary Archetypes : Italian Premier1IT

YEAR: DIRECTOR:


2008Amie Knox30 minutesEnglishItalian

: Italian Premier

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www.marazzi.it

Marazzi. Il tuo spazio.

La raffinatezza dei nuovi rivestimenti leggeri Oficina7 e l’inimitabile gres effetto legno Treverkhome.

PH. A

ND

REA

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RAR

I

Intervallo

Greetings from italy. A journey through the italian landscape discovering the wonderful architectures of the Incompiuto Siciliano, unfinished sicilian style.

Saluti dall’Italia. Un viaggio nel paesaggio italiano alla scoperta delle bellezze architettoniche delle opere dell’incompiuto siciliano.

YEAR: DIRECTOR:


2007Alterazioni Video3.38 minutesItalian--

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www.marazzi.it

Marazzi. Il tuo spazio.

La raffinatezza dei nuovi rivestimenti leggeri Oficina7 e l’inimitabile gres effetto legno Treverkhome.

PH. A

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Per molti, Milton Glaser è la personificazione della Graphic Design americana. Meglio conosciuto come il co-fondatore del New York Magazine e la perdurante campagna I NY, tutta l’ampiezza della notevole produzione artistica di Glaser si rivela in questo ritratto-documentario. Attraverso giornali e riviste, disegni per gli spazi interni, loghi e brand identities, passando per le sue celebri stampe, disegni, manifesti e dipinti, il film offre la possibilità di comprendere e apprezzare uno dei grandi uomini del rinascimento della nostro tempo.

For many, Milton Glaser is the personification of American graphic design. Best known for co-founding New York Magazine and the enduring I NY campaign, the full breadth of Glaser’s remarkable artistic output is revealed in this documentary portrait. From newspapers and magazine designs, to interior spaces, logos, and brand identities, to his celebrated prints, drawings, posters and paintings, the film offers audiences a rich appreciation for one of our era’s great renaissance men.

Milton Glaser: To Inform and Delight : Italian Premier : Autunno Americano1IT

YEAR: DIRECTOR:


2009Wendy Keys73 minutesEnglish--

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When much of Long Island was still farmland, before it was cool, before the hordes of summer beachgoers clogged the roads, before building lots sold for seven figures, writers, artists, musicians and architects discovered its beauty and solitude and began to build summer cottages and year-round homes. Modern Tide: Midcentury Architecture on Long Island explores the work of the region’s best postwar architects, including Albert Frey, Wallace Harrison, Horace Gifford, Edward Durrell Stone, Marcel Breuer,

Andrew Geller, Philip Johnson and Charles Gwathmey. Both rare archival material and gorgeous current-day cinematography highlight Long Island’s often under appreciated modernist architectural treasures. The film explores the times, places and people that converged to create lively, free, experimental designs for mostly modest houses that sit lightly on their sites. It’s also a lament against their wanton destruction and a plea to preserve what’s left.

Quando per buona parte Long Island era ancora terreno agricolo, prima che i villeggianti cominciassero a intasare le strade e prima ancora che i lotti fossero venduti a prezzi milionari, scrittori, artisti, musicisti e architetti ne hanno scoperto la bellezza e la riservatezza, e comini-carono a costruire cottage estivi e case per tutto l’anno. Modern Tide: Midcentury Archtecture on Long Island indaga l’opera dei migliori architetti di epoca post bellica che operarono nella zona, fra I quail Albert Frey, Wallace Harrison, Horace Gifford,

Edward Durrell Stone, Marcel Breuer, Andrew Geller, Philip Johnson and Charles Gwathmey. Rari materiali d’archivio e stupende riprese contemporanee esaltano gli spesso sotto stimati capolavori dell’architettura modernista di Long Island.Il film esplora i tempi, i luoghi e le persone che collaborarono per creare vivaci, liberi, sperimentali progetti per case per lo più modeste che confrontavano con levità i loro siti. È anche un’accusa contro la loro distruzione gratuita e un appello per preservare ciò che ancora resta.

Modern Tide: Midcentury Architecture on Long Island

YEAR: DIRECTOR:


2012Jake Gorst88 minutesEnglishItalian

: Autunno Americano

34

Why a film about Michele De Lucchi?The answer occurs naturally, as you will listen to this architect.

Which tells of the Radical architecture, the conceptual experiments, the work in Olivetti and the intense relationship with Ettore Sottsass. The adventure of Memphis. Buildings and objects. One of the most famous objects in the world, the Tolomeo lamp, which he designed for Artemide in 1985. The work with artisans, why at some point he picked up a chain saw and started making small wooden houses. And so the film is built almost by itself. With super-8 films of the ‘70s, with the performances of Cavart group.

With black and white photos of De Lucchi dressed as Napoleon in front of the Milan Triennale.

With the assembly of the Olivetti Syntesis, where in 1979 he began working. With original LP Blonde on Blonde by Bob Dylan, who was spinning unceasing on the turntable the night in December 1980, when he founded the Memphis. With the work of the artisans. With the architecture projects in Milan, Venice, Georgia. With the steps of processing and assembly of the lamp Tolomeo. With Michele De Lucchi, who fills with petrol his chainsaw and be-gins to cut and shape large logs of wood in his private space, the Chioso, in Angera.

Perché un film su Michele De Lucchi?La risposta arriva naturalmente via via che si ascolta questo architetto parlare. Racconta dell’architettura radicale, del lavoro in Olivetti, dell’intenso rapporto con Ettore Sottsass e dell’avventura di Memphis. Ma anche degli edifici e degli oggetti. Della lampada Tolomeo che ha progettato per Artemide nel 1985. Del lavoro con gli artigiani, del perché a un certo punto ha preso in mano una motosega e ha iniziato a realizzare piccole casette in legno.

Così il film si costruisce quasi da solo. Con i filmati in super 8 degli Anni 70, con le performance del gruppo CAVART. Con le

foto in bianco e nero di De Lucchi vestito da Napoleone davanti alla Triennale di Milano. Con la catena di montaggio della Olivetti Syntesis dove nel 1979 De Lucchi ha iniziato a lavorare.

Con LP originale Blonde on blonde di Bob Dylan, che girava incessante sul giradischi la notte di dicembre 1980 quando è nata la Memphis. Con i lavori di architettura a Milano, Venezia, in Georgia. Con le fasi di lavorazione e l’assemblaggio della lampada Tolomeo. Con Michele De Lucchi che riempie di benzina la sua motosega e inizia a tagliare e modellare grossi ceppi di legno nel suo spazio privato, il Chioso, ad Angera.

Perchè un film su Michele De Lucchi

YEAR: DIRECTOR:


2013Alessio Bozzer65 minutesItalian--


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“Il mio posto nel New Canaan è... il diario di un architetto eccentrico.” La pellicola inizia così, con un viaggio affascinante nella mente di uno degli architetti più creativi e significativi del XX secolo. Philip Johnson ha vissuto in prima linea il cambiamento stilistico del suo tempo e la sua Glass House a New Canaan, Connecticut, fu una sorta di

laboratorio dove Johnson stesso divenne il suo miglior cliente. La Glass House non ha pareti e il paesaggio che la circonda è una “carta da parati costosa”.Il film rivela un Johnson al lavoro candido e irriverente che sottolinea l’importanza del gesto architettonico - costruzione vera e propria - e di come gli edifici interagiscono sempre con l’ambiente.

“My place in New Canaan is... a diary of an eccentric architect.” Thus begins a fascinating look into the mind of one of the 20th century’s most creative and significant architects. Philip Johnson lived at the forefront of stylistic change, and his “Glass House” property in New Canaan, Connecticut served as a kind of laboratory where Johnson became his

own best client. The Glass House has no walls, and the landscape became “expensive wallpaper.” An accompanying guesthouse, by contrast, has no windows. The film reveals a candid and irreverent Johnson at work and underscores the importance of the architectural act --actual construction -- and how the buildings interact with their environment.

Philip Johnson: Diary of an Eccentric Architect : Autunno Americano

YEAR: DIRECTOR:


1996 Barbara Wolf56 minutesEnglishItalian

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Directed by Norberto Lopez Amado and Carlos Carcass. Written and narrated by Deyan Sudjic, a British journalist of Serbian origin who writes for the prestigious “Observer” and is director of the Design Museum in London. “How much does your building weigh, Mr. Foster” takes us through the successful career of the most famous British architect, Norman Foster. Born in 1935 in the suburbs of Manchester to working-class family. Foster is a man who has managed to overcome every obstacle in life. The documentary takes us through the most famous buildings designed by his studio, like the dome of the Reichstag Berlin, the Gherkin Tower in London or the Viaduc de Millau the Tarn Valley in southern France. The title, “How

much does your building weigh, Mr. Foster” takes the curious question that Richard Buckminster Fuller, American architect and designer volcanic, asked Foster on their way to the Sainsbury Centre for Visual Arts at the University of East Anglia. From this question, the protagonist begins to reflect on their work, initiating a new phase of his career. The documentary flows nicely thanks to spectacular images of its buildings, a bird’s eye shots that allow you to fully appreciate the magnificence of his work. A picture which shows the futuristic vision of the architect of the city of Manchester, a city where quality of life is improved by building eco-friendly, aesthetically appealing and innovative.

Diretto dai registi Norberto Lopez Amado e Carlos Carcas, scritto e raccontato da Deyan Sudjic, giornalista inglese di origini serbe che scrive per il prestigioso “Observer” ed è direttore del Design Museum di Londra How much does your building weigh, Mr. Foster? attraversa la fortunata carriera del più famoso architetto britannico, un uomo che è riuscito a superare ogni ostacolo postogli dalla vita: dai sobborghi di Manchester, dove nacque nel 1935 da una famiglia op-eraia fino ai più conosciuti edifici progettati dal suo studio, come la cupola del Reich-stag di Berlino, The Gherkin Tower a Lon-dra o il Viaduc de Millau sulla valle del Tarn nella Francia meridionale. Il titolo, “Quanto pesa un suo edificio, Mr. Foster?” riprende

la curiosa domanda che Richard Buckmin-ster Fuller, vulcanico architetto e designer americano, gli pose mentre sorvolarono insieme il Sainsbury Centre for Visual Arts dell’Università della East Anglia. Da questo interrogativo il protagonista comincia a riflettere sul proprio lavoro, dando inizio a una nuova fase della sua carriera. Il documentario scorre piacevolmente grazie a immagini spettacolari dei suoi edifici, inquadrature a volo d’uccello che permettono di apprezzare in pieno la magnificenza della sua opera. Un ritratto da cui emerge la futuristica visione della città dell’architetto, una metropoli in cui la qualità della vita migliora grazie a palazzi a basso impatto ambientale e dall’estetica sempre accattivante e innovativa.

Quanto pesa il suo edificio, Mr. Foster?(Italian distributor Feltrinelli Real Cinema)

YEAR: DIRECTOR:


2013Norberto Lopez Amado andCarlos Carcas100 minutesItalian--

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2013 Mara Corradi and Roberto Ronchi30 minutesEnglish ---

In the mid ‘90s, when sustainable architecture was still a niche ideal, Rafiq Azam established his practice based on the concept of green living. He was working in the capital of Bangladesh and at the time he went against the grain by placing the benefits of greenery and water at the centre of his profession, in a city like Dacca, where vanishing greenery was – and still is – one of the biggest urban and social blights. Rafiq Azam’s philosophy did not derive from the environmental certification parameters that now classify a building’s sustainability, on the contrary, it is the result of observation and of his study of his country, Bangladesh. He is a painter by conviction, so he has developed his own special aesthetic sensitivity, where architecture becomes watercolours. Greenery and water pervade the building, being elements that are present in the collective imagination of this country, element that derive from the climate, from the territory and from the seasons. The watercourses and abundant vegetation in the countryside that are their direct consequence, particularly after the Monsoon season, are elements that Azam echoes in his residential projects, battling

against the rampant overdevelopment that is suffocating the city.

In this interview with Azam in Milan, he describes his Dacca, and his Bangladesh; he tells us about its thousand-year old history and about the fifty waterways originating in the Himalayas and nourishing its land. He stresses the importance of architecture as a system for social, cultural and economic change and as a tool for the progress of a country whose population still has to fight just to survive each day. He describes the main figures who influenced the new generation of architects in Bangladesh, including Muzharul Islam and Luis Kahn, both in terms of architectural composition and in terms of choice of materials, basing their choices on the specific nature and resources of the territory.

But more than anything else, with the phrase he uses to conclude the interview, Rafiq Azam describes himself and the purpose of architecture, quoting Vincent Van Gogh: there is nothing more artistic than to love people.

Rafiq Azam. Architecture for Green Living

YEAR: DIRECTOR:



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A metà degli anni Novanta, quando l’architettura sostenibile era ancora un ideale, Rafiq Azam fondò il suo studio basandosi sul concetto di green living. Scelta controcorrente quella di porre al centro della professione i benefici del verde e dell’acqua, soprattutto operando a Dacca, capitale del Bangladesh, dove la scomparsa del verde era ed è ancora una grande piaga urbana e sociale.

La filosofia di Rafiq Azam non è derivata dai parametri delle certificazioni ambientali che oggi classificano la sostenibilità di un edificio, ma dall’osservazione e dallo stu-dio del proprio Paese. Con la vocazione per la pittura Azam sviluppa una particolare sensibilità estetica dove l’architettura diventa acquerello. Il verde e l’acqua che derivano dal clima, dal territorio e dall’avvicendarsi delle stagioni permeano l’opera costruita come elementi presenti nell’immaginario di questo Paese. I corsi d’acqua e la ricca vegetazione dellacampagne soprattutto dopo il passaggio dei Monsoni, sono elementi che fa riecheggiare nei suoi progetti per residenze, lottando contro una speculazi-one edilizia che soffoca la città. In questa intervista fatta a Milano Azam descrive la

sua Dacca e il suo Bangladesh, raccontandone la storia millenaria e i 50 canali provenienti dall’Himalaya che ne nutrono il territorio. Afferma l’importanza dell’architettura come via di cambiamento sociale, culturale, economico e come strumento di progresso per un Paese dove ancora si lotta per la sopravvivenza quotidiana. Descrive le figure chiave che hanno influenzato la nuova generazione di progettisti in Bangladesh, come Muzharul Islam e Luis Kahn, sia in termini di composizione architettonica sia in termini di scelta dei materiali, motivandone le scelte in ragione delle peculiarità e delle risorse territoriali. Ma più di ogni altra riflessione, con la frase con cui si conclude l’intervista, Rafiq Azam descrive se stesso e lo scopo dell’architettura, citando Vincent Van Gogh: “non c’è niente di più artistico che amare le persone”.

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Architecture is often viewed from the outside, as an inanimate object represented in still imagery. ‘REM’ exposes the human experience of architecture. The resulting documentary is more revealing than the generic poster image, and more evocative than the intellectual reality of architectural renderings. The audience (through the camera) gains a rare insight into the reality of the hidden internal life of the buildings. ‘REM’ brings the human back into architectural representation. The film reveals an architecture infinitely more

meaningful than its iconicity. Film proves, once again, to be an important medium to discover meaning within spatial experience. ‘REM’ is not a sentimental exploration of the relationship between father and son but instead the exploration of what architecture means to those who inhabit it, and to those who create it.

REM is a feature length documentary film being made by Tomas Koolhaas about his father Rem. It is scheduled for completion in 2013

L’architettura è spesso osservata dal di fuori, come fosse un oggetto inanimato rappresentato in immagini fisse. REM racconta l’esperienza umana vissuta all’interno dell’architettura. Il documentario infatti è più espressivo delle generiche immagini da cartolina e più suggestivo dell’onestà intellettuale dei rendering.Grazie alla macchina da presa, il pubblico gode di una rara visione della vita nascosta all’interno degli edifici. REM riporta l’uomo all’interno degli spazi progettati e mostra un’architettura infinitamente più significativa della sua sola rappresentazione.

Il film dimostra, ancora una volta, di essere un medium importante per la scoperta di significati in relazione all’esperienza spaziale. REM non è l’esplorazione sentimentalistica di una relazione padre/figlio, ma un’indagine su cosa l’architettura significhi per quelli che la abitano, per quelli che la pensano e per quelli che la creano. REM è un film documentario diretto da Tomas Koolhaas su suo padre Rem. Il film sarà completato entro il 2013.

REM

YEAR:DIRECTOR:


2014 Tomas Koolhaas5 minutesEnglish---


40

Light without a lighting fixture, wind without a fan, smoke made of marble, a dripping chair – Ron Gilad’s work compels the viewer to embrace doubt as a supreme value, and to question the validity of things that are usually taken for granted. His objects appear to be familiar, functional everyday objects; Gilad’s work process, however, divests them of their original function, and transports them to new realms.

This 30 minutes documentary is a reportage of the first Gilad’s solo exhibition commissioned by a museum. It opened in July 2013 at the Tel Aviv Museum of Art. “Ron Gilad. The Logical,

the Ironic, and the Absurd” is its title and it includes approximately 100 works, most of which were designed and produced in 2013 by Italian manufacturers. Some of these concepts may potentially be “translated” into functional products.

Ron Gilad (b. 1972) studied in the industrial design department at the Bezalel Academy of Art and Design, Jerusalem; he lives and works in Tel Aviv and Milan. Over the past year, he has received the Wallpaper Design Award (Designer of the Year; Best Domestic Design) and the Elle Décor International Design Award (Designer of the Year; Furniture Design).

Luce senza corpo illuminante, vento senza ventilatore, fumo fatto di marmo, una sedia che sgocciola – il lavoro di Ron Gilad costringe lo spettatore ad accogliere il dubbio come valore supremo e a mettere in questione la validità di cose che sono di solito date per scontate.

I suoi oggetti sembrano familiari e funzionali, quotidiani, ma il metodo di lavoro di Gilad li spoglia della loro funzione originaria e li trasporta in nuovi mondi.

Questo documentario di 30 minuti è un reportage sulla sua prima mostra personale, commissionata da un museo, che si è inaugurata a luglio 2013 al Tel Aviv Museum of Art. “Ron Gilad. The

Logical, the Ironic, and the Absurd” è anche il titolo della mostra che comprende circa 100 lavori, la maggior parte dei quali disegnati nel 2013, realizzati da produttori italiani. Alcune di queste idee potranno forse essere tradotte in prodotti veri e propri.

Ron Gilad, nato nel 1972, ha studiato industrial design alla Bezalel Academy of Art and Design di Gerusalemme. Vive e lavora tra Tel Aviv e Milano. Negli ultimi anni ha ricevuto il Wallpaper Design Award (Designer of the Year; Best Domestic Design) e l’Elle Décor International Design Award (Designer of the Year; Furniture Design).

Ron Gilad. The Logical, the Ironic, and the Absurd

YEAR:DIRECTOR:


2013Francesca Molteni30 minutesEnglishItalian


: Italian Premier

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Sacro Gra

YEAR: DIRECTOR:


NOTE:

2013Gianfranco Rosi93 minutesItalian--Leone d’Oro per il miglior film al Festival di Venezia 2013.

A nobleman from the Piemonte region and his daughter share a one-room efficiency in a modern apartment building along the GRA where they have been assigned temporary housing. In the cramped rooms, they pass the time with conversations that swing from the sophis-ticated to the banal.A botanist like a Merlin armed with sound effects and an arsenal of poisons searches for a way to stop the plague of rapacious insects that is destroying an entire plantation of palms at a section where the GRA loses itself in wide grassy fields and flocks of sheep.A modern-day prince who does gymnastics while smoking his cigar on the roof ofhis castle, which seems to have sprouted magically from among the faceless modern buildings that crowd an exit of the GRA. He has transformed the castle into a bed&breakfast, a conventional center, movie sets, and on special Sundays a

theater for ornately-designed fables for children and adults.Like an astronaut on a first aid mission with his dayglo uniform and his glittering ambulance, a paramedic patrols the GRA, warming freezing bums who have fallen into drainage ditches, extracting young speed demons from cars crumpled around guard railings, resuscitating misunderstood heart attack victims, while in his off hours tending an old woman in his lonely house.A seventh-generation eel fisherman, and one of the last, lives on the Tiber River in the shadow of a snarl of overpasses, dispensing to curious observers his wise and ancient philosophy of life as he maneuvers his boat and tends his nets exactly as his forefathers did.Far from the iconic sites of Rome, the GRA is a repository of stories of those at the edges of the ever-expanding universe of the capital city

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Un nobile piemontese e sua figlia laureanda, assegnatari di un monolocale in un moderno condominio ai bordi del Raccordo, si intrattengono con forbite disquisizioni su tutto e nulla cercando di far passare il tempo e il caldo, costretti come sono negli spazi angusti della loro temporanea situazione abitativa. Un botanico, come un mago Merlino armato di pozioni chimiche e sonde sonore, cerca il rimedio per liberare le palme dall’invasione delle larve divoratrici capeggiate dal devastante Punteruolo rosso che sta minacciando la sua intera oasi adagiata ai bordi del Raccordo, quando l’ansa della più lunga autostrada urbana sembra confondersi con l’agro pontino, tra campi d’erba e greggi di pecore. Un principe moderno di mattina fa ginnastica con un sigaro in bocca sul tetto del suo castello che sorge come d’incanto ai margini di una periferia informe a un’uscita del Raccordo,trasformandolo come per magia in bed&breakfast, in sala convegni, in set per il cinema e la televisione e talvolta,

nelle domeniche di festa, in teatro dove vanno in scena fiabe in costume per gli occhi increduli di grandi e piccini. Come fosse un astronauta del primo soccorso con la sua divisa fosforescente su di un’autoambulanza luminosa, un barelliere del 118 presta servizio sull’anello autostradale riscaldando infreddoliti barboni caduti in un canale di scolo, medi-cando giovani amanti della velocità con la macchina accartocciata lungo il guardrail, rianimando misconosciuti infartati e coc-colando un’anziana donna nelle cucina della sua casa solitaria. Un anguillaro, tra gli ultimi romani di sette generazioni, vive sul fiume Tevere all’ombra di una serie di cavalcavia navigando e pescando, ora come allora, con i suoi occhi d’argento vivo dispensando ai curiosi capitati la sua antica e saggia filosofia di vita. Lontano dai luoghi canonici di Roma, il Grande Raccordo Anulare si trasforma in collettore di storie a margine di un universo in espansione.

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Renato Nicolini is sitting in a mini-van trav-eling along the Grande Raccordo Anulare. The traffic flows behind him, incessantly, like thoughts and considerations that have suddenly been triggered in a logic of free association. His story is an inner monologue, consisting in thoughts, memories and connections. Poised between metaphysical suggestions, city planning considerations,

metropolitan legends, esoteric suggestions.Gianfranco Rosi pays homage to thearchitect Renato Nicolini, historic father of the Estate Romana, who died in August 2012 at the age of seventy.

This exceptional testimony collects one of his last interviews.

Estate, tardo pomeriggio: Renato Nicolini è seduto dentro un mini-van che corre lungo il Grande Raccordo Anulare di Roma. Il traffico sfila alle sue spalle, un flusso incessante, così come pensieri e riflessioni che si attivano all’improvviso, seguendo una logica di libere associazioni. In bilico tra suggestioni metafisiche, considerazioni urbanistiche e leggende metropolitane,elemento di inclusione e di esclusione, il

Gra è metafora della Città Eterna e del suo futuro, resi presenti e tangibili in questa conversazione imbevuta di passione e di vita.Gianfranco Rosi omaggia l’architetto Renato Nicolini, storico padre dell’Estate romana, scomparso nell’agosto 2012 all’età di settant’anni.

Questa testimonianza eccezionale raccoglie una delle sue ultime interviste.

Tanti Futuri Possibili

YEAR:DIRECTOR:


2012Gianfranco Rosi30 minutesItalian--

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YEAR: DIRECTOR:

LENGTH: LANGUAGE: SUBTITLES:

NOTE:

Veneziano di nascita, Carlo Scarpa (1906-1978) è stato radicale nel suo approccio alla ristrutturazione degli edifici storici, mostrando grande capacità nel combinare i risultati del passato conl’invenzione e la creatività della sua progettazione. Nulla sembra più semplice: gli edifici storici devono essere ripristinati dal momento che sono una parte del nostro patrimonio. Eppure ci sono difficoltà sia nell’approcciare il complesso “parco a tema” del patrimonio architettonico, sia nell’ eccessiva riverenza per un immaginario di autenticità storica. Si è confrontato con la Storia unendo i materiali

rari e preziosi con i più comuni, unendo il ruvido con il liscio, celebrando la differenza tra il funzionale e il lusso. Guardando il progetto di Castelvecchio a Verona o di Palazzo Abatellis a Palermo, il visitatore è colpito dalla fusione armoniosa di passato e presente. Questo risultato deriva dalla sensibilità di Scarpa alla forma architettonica e alla luce naturale, alla sua attenzione per i dettagli nella reinterpretazione della tradizione dell’alta qualità dell’artigianato veneziano. I suoi ultimi edifici riflettono tutte queste qualità, in particolare il Memorial Brion a San Vito d’Altivole in Italia, uno dei grandi enigmi dell’architettura moderna.

Venetian-born Carlo Scarpa (1906-1978) was radical in his approach to remodeling historic buildings, showing tremendous confidence in combining the achievements of the past with the invention of his own design. Nothing seems simpler: historical buildings must be restored since they are a part of our heritage. And yet there are dangers -both in the theme- park approach to architectural heritage and in excessive reverence for an imagined historical authenticity. Although Carlo Scarpa was born in Venice, a city teeming with historical buildings, he has always been radical in his approach to remodeling old buildings, confidently combining the achievements

of the past with the innovations of his own contemporary designs. He revels in juxtaposing rare materials against common, rough against smooth, and celebrates the difference between the functional and the luxurious. Looking at the Castelvecchio in Verona, or the Palazzo Abatellis in Palermo, the visitor is struck by the harmonious fusion of past and present. This balance stem from Scarpa’s sensitivity to architectural formand natural light, his attention to detail and his use of high quality traditional Venetian craftwork. His new buildings reflect all of these qualities, particularly the Brion Memorial in San Vito d’Altivole in Italy, one of the great enigmas of Modern architecture.

The Architecture of Carlo Scarpa

1996Murray Grigor57 minutesItalian and EnglishEnglishHigh-Definition for the 1st time

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ll 50% della popolazione mondiale vive in aree urbane. Entro il 2050 si prevede che questo dato raggiungerà l’80%. La vita in una grande città è allo stesso tempo affascinante e problematica. Oggi affrontiamo il picco del costo del petrolio, il cambiamento climatico, la solitudine e gravi problemi di salute dovuti al nostro stile di vita. Ma perché accade tutto questo? L’architetto e professore danese Jan Gehl dopo aver studiato il comportamento umano nelle città negli ultimi 40 anni e aver docu-

mentato come le città moderne respingano l’interazione umana, sostiene che ora siamo in grado di costruire città nel rispetto dei bisogni umani e nel rispetto dell’intimità. The Human Scale incontra pensatori, ar-chitetti e urbanisti di tutto il mondo. Mette in discussione i nostri presupposti sulla modernità, esplorando ciò che accade quando mettiamo le persone al centro della nostra programmazione.

50 % of the world’s population lives in urban areas. By 2050 this will increase to 80%. Life in a mega city is both enchanting and problematic. Today we face peak oil, climate change, loneliness and severe health issues due to our way of life. But why? The Danish architect and professor Jan Gehl has studied human behavior in cities through 40 years. He has documented how modern cities repel human interaction, and

argues that we can build cities in a way, which takes human needs for inclusion and intimacy into account. The Human Scale meets thinkers, architects and urban planners across the globe. It questions our assumptions about modernity, exploring what happens when we put people into the center of our planning.

The Human Scale

YEAR: DIRECTOR:


2012Andreas Dalsgaard83 minutesEnglishItalian

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Italia, casa di rovine: un’incursione nell’incompiuto e più importante stile architettonico in Italia nato alla fine della Seconda Guerra Mondiale e ancora oggi molto prolifico. Edifici situati in un limbo tra la perfezione e il nulla, abbandonati a metà strada durante la loro costruzione, caduti in rovina prima che fossero mai usati. Fanno parte integrante del panorama architettonico italiano. Sono stadi senza spettatori, ospedali senza pazienti, teatri che dopo 50 anni hanno non ancora visto un’anteprima. Questo è lo studio del valore potenziale degli edifici incompiuti e della capacitàdell’uomo di adattarsi a loro spinto da esigenze quotidiane. Queste rovine, il cui futuro è già passato e la cui presenza porta il sapore di un’attesa eterna, agiscono come un invito a meditare sul tempo. E non solo.

Italy, home of ruins: a foray into theunfinished, Italy’s most prominent architectural style between the end of WWII and the present day. Buildings in a limbo between perfection and nothingness, given up on halfway through their construction, fallen into ruin before they were ever used, are an integral part of the Italian architectural landscape: Stadiums without audiences, hospitals without patients, theatres that after 50 years have not yet seen their premiere.

This is a study of the potential value of unfinished buildings in Italy and of man’s ability to adapt them to his everyday needs. These ruins, whose future has already passed and whose present carries the taste of an eternal wait, act as an invitation to meditate about time.

Unfinished Italy

YEAR:DIRECTOR:


2011Benoit Felici34 minutesItalianEnglish

1

LOCATION.

48

LOCATION.

DATE: 3 - 6 October 2013 ADDRESS: Galleria de Cristoforis, 3 20122 Milan, ItalyMETRO: San Babila: Red line M1 Duomo: Yellow Line M3

Reserve your place at:

TELEPHONE: +39 02 780390WEBSITE: www.spaziocinema.info‎

From Nothing, Something:A Documentary on the Creative Process

16 ACRES

Diller Scofidio + Renfro: Reimagining Lincoln Center and the High Line

The Human Scale

Fallingwater: Frank Lloyd Wright’s Masterwork

Milton Glaser: To Inform and Delight

Philip Johnson: Diary of an Eccentric Architect

Quanto pesa il suo edificio, Mr. Foster?

Eames: Architetti, Pittori, Designer

Perchè un film su Michele De Lucchi

Films that we encourage you book in advance.

FREE ENTRY. BOOK IT.

Duomo

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FILM: Contemporary Days – The Designs of Lucienne & Robin Day

CuratorAntonella Dedini

ManagementAntonella Dedini (Founder and Owner MiCue Milano Design)Heather Purcell Leja (Executive Director at Design Onscreen)

Guest CuratorSilvia Robertazzi

Art Direction Graphic and Web DesignEmanuela Messina

Graphic Design AssistantGisella Cianci

Event CoordinationPG BonsignoreLucrezia Fratto

PressINTERNATIONAL PRESS OFFICERota&Jorfida | Public Relations

MDFF Organization.

divano Large Ferruccio Laviani sistema 505/ed.2011 Nicola Gallizia poltrona D.153.1 Gio Ponti 45°/tavolino Ron Gilad molteni.it

A4_s LRG_013.indd 1 24/09/13 13.58

PATRONAGE.

autunnoamericano Consolato Generale degli Stati Uniti a Milano

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