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Trinidad Soto Acebal Anastasia Ferreiro Angeles Krause
MODA POP “las nuevas tendencias en diseño indumentaria”
Índice
Primera parte: Introducción
Síntesis…………………………………….2
Objetivos…………………………………..3
Hipótesis…………………………….…….4
Segunda parte: Enfoque teórico
1.1Pop Art…………………………….….....5
1.2Arte y diseño en el siglo xx…………..….6
1.3 Andy Warhol……………………….…...6
1.4 Versace……………………………….....7
1.5 El arte de vestirse…………………….…8
1.6 Diseño en Argentina………………..…..8
Tercera parte: Análisis
Objetivos generales…………………………..11
Objetivos específicos…………………………15
Cuarta parte:
Bibliografía……………………………….…18
Quinta parte: Anexo
Anexo i: Imágenes.
Anexo ii: Entrevistas.
Anexo iii: Fichas.
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Trinidad Soto Acebal Anastasia Ferreiro Angeles Krause
1)
SÍNTESIS
¿ Para que sirve nuestra investigación? Nuestra producción sirve para entender y entrar
en el tema de la moda, es decir para tomar contacto con las nuevas tendencias y para
entender como la vanguardia argentina aplica el Pop Art en la moda actual. También
darnos cuenta que se pueden tomar elementos de un arte lejano en el tiempo, ajeno a
nuestro país, para fusionarlo con una expresión de diseño con valor artístico.
¿Por que es importante este tema con el diseño de indumentaria? Es importante ya que
a pesar de los años que pasaron desde la existencia del Pop Art, se sigue aplicando hoy
en día en el diseño de indumentaria. Esto se demuestra a la luz de que las influencias del
Pop Art se extienden hasta la actualidad con diversos matices y su nueva aplicación en
las prendas continua siendo moderno y llamativo.
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OBJETIVOS GENERALES
Describir los estilos de los distintos artistas que aplican el Pop Art en sus prendas
en Palermo Soho en Plaza Serrano.
Caracterizar las técnicas de estampados de remeras más utilizadas por los
diseñadores de indumentaria de plaza Serrano.
OBJETIVOS ESPECÍFICOS
Identificar los motivos más utilizados
Caracterizar al producto
Describir el proceso de producción creativo de los artistas
diseñadores.
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HIPÓTESIS
El Pop Art a pesar que surgió hace varios años sigue siendo algo llamativa y creativa.
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2) MARCO TEORICO
“El Arte Pop fue un importante movimiento artístico del siglo XX que tuvo un gran
impacto cultural en el mundo ya que produjo un cambio en el ánimo artístico, social e
individual” (Ostewold Tilman, 1992). Surgió a mediados de los años 50 en el Reino
Unido y a finales de la misma década en Estados Unidos. “Puede afirmarse que el Pop
es el resultado de un estilo de vida, la manifestación plástica de una cultura (pop),
caracterizado por la tecnología, la democracia, la moda y el consumo, donde los objetos
dejan de ser únicos para producirse en serie” (Ruhber, Shneckenburger, Fricke, Honnef,
2007). Según Charlotte y Peter Fiell, autores del libro “Diseño del siglo XX” (dirigen
una asesoría de diseño en Londres especializada en la venta, adquisición, estudio y
promoción de objetos de diseño. Ambos han impartido numerosas conferencias, han
ejercido como comisarios en varias exposiciones y han escrito un gran número de
artículos y libros acerca del diseño), el Pop Art no solo influyó en la obra de los artistas
posteriores, sino que también ejerció un fuerte impacto en el grafismo y el diseño de
moda. Varios integrantes de la corriente Pop se habían ganado la vida trabajando como
artistas publicitarios. También se apropió de las técnicas de la producción masiva,
basadas en la fotografía, el diseño gráfico y la imprenta (Charlotte y Peter Fiell 2005).
Fue una reacción en contra de lo artísticamente establecido en la época, el
"expresionismo abstracto". Fue un movimiento artístico que produjo un fuerte impacto
cultural a nivel mundial, ya que era totalmente representativo de su época porque se
basaba en crear algo novedoso con algo que la gente ya tuviera asimilado y fuese
cotidiano, es decir, la cuestión fue hacer de lo impersonal un estilo, usando imágenes
comerciales. El uso de estos conceptos cotidianos fue lo que produjo el gran impacto y
mas adelante la trascendencia hasta nuestros tiempos, ya que a diferencia de los estilos
anteriores, como Pollok o Rothko a los cuales la gente no entendía, esta nueva corriente
mostraba a la gente cosas que ellos ya conocían desde antes. En otras palabras, lo que
hizo fue bajar al arte desde ese lugar tan incomprendido e inalcanzable hacia las masas
populares, mostrando a una figura popular, como lo es Marilyn Monroe, o una lata de
sopas Campbell, a la cual todo el mundo tenía exceso en una góndola de supermercado.
Sus principales precursores fueron:
Lichtenstein: el cual expresaba su arte a través de comics, lo que hizo fue
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redireccionar al arte de círculos cerrados hacia un gran publico. Él reprodujo modelos
ya existentes, pero sacados de contexto. Hizo de una pequeña pieza, algo enorme, lo
multiplicaba infinitas veces, etc. (Luis Sánchez Pescador, 2004)
Warhol: establecido como principal artista pop, este diseñador y cineasta
estadounidense desempeño un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del
estilo. Hacia que el espectador se identificara claramente con la obra, ya que
pensaba que el arte no podía seguir aislado y creía que el expresionismo era
indescifrable. Reemplazo al cliente de arte por un "consumidor", asocio el
lenguaje del arte a cosas reconocibles. Se considera creador de ideas y conceptos
cuya ejecución debe llevarse a cabo impersonal y mecánicamente. (Paola L.
Fraticola, 2009)
Claes Oldenburg: Artista americano, una de las figuras más destacadas del arte
Pop. A partir de 1962 introdujo un cambio sustancial en el modo de reconstruir
los objetos cotidianos y empleó para ello lonas rellenas de estopa, con lo que sus
formas no eran estables, a la vez que agigantaba sus tamaños. Con estas
esculturas quiere provocar un desplazamiento de la percepción que
habitualmente se tiene de los objetos que nos rodean. Por su interés en lo
paradójico, Oldenburg está más cercano al dadaísmo o surrealismos originales
que el resto de los artistas pop. (Catalina Macías, 2010)
James Rosenquist: Es un artista famoso estadounidense del Pop Art. Su
especialidad es coger imágenes fragmentarias, extrañamente desproporcionadas
Las combina, superpone, y yuxtaponiéndolas en lienzos para crear historias
visuales. Esto puede dejar sin aliento al espectador, haciendo que consideren
incluso los objetos más familiares (un remolque, o una caja de detergente,
etcétera) de las maneras más abstractas y provocativas. (Cristina Alejos Cañada,
2009)
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El Pop Art no sólo influyó en la obra de los artistas posteriores sino que también ejerció
una fuerte influencia en los diseños de otras áreas, como por ejemplo el diseño de
muebles, el diseño de interiores y el caso que nos convoca en el presente estudio, el
diseño de indumentaria.
“El Diseño es una actividad humana volitiva, una actividad abstracta que implica
programar, proyectar, coordina una larga lista de factores materiales y humanos,
traducir lo invisible en visible, en definitiva, comunicar. Incluye juicios de valor,
aplicaciones de conocimientos, adquisición de nuevos conocimientos, uso de intuiciones
educadas y toma de decisiones” (Frascara, 2000). “El diseño es una actividad creativa
cuyo propósito es establecer las cualidades multifacéticas de objetos, procesos servicios
en su ciclo completo de vida. Por lo tanto, el Diseño es el factor principal de la
humanización innovadora de las tecnologías y el factor crítico del intercambio cultural y
económico” (ICSID (International Council Of Societies of Industrial Design), 2004).
“Los elementos conceptuales del diseño, el punto, la línea, el plano son conceptos
abstractos; cuando son visibles se convierten en FORMA: un punto sobre un papel tiene
unas dimensiones, un color y una textura concreta, y lo mismo ocurre con la línea y
plano, en el caso del diseño bidimensional, donde los volúmenes visibles son
imaginarios. Las formas son los modos en que se distribuye l materia en el espacio,
como la sintaxis y la gramática en el lenguaje hablado o escrito, y existen en nuestras
mentes clasificando nuestras vivencias y sensaciones. Son los conceptos del diseño,
expresados en el material que se utiliza para plasmarlos y por ellos distinguimos
elementos de nuestra experiencia y percibimos su significado.” (Manuel Gash, 1992)
“Se ha dicho hasta la saciedad que el sentido del color era simplemente el resultado de
la incidencia de diferentes longitudes de onda en el ojo humano. Pero, si bien este es el
efecto puramente físico, las ultimas investigaciones confirman la antigua idea griega del
color como “lo que siempre acompaña la forma” (Manuel Gash, 1992)
Según Dondis el color son representaciones monocromáticas que están cargados de
información y es una de las experiencias visuales más penetrantes que todos tenemos en
común (Dondis, 2010).
“El arte es actividad que requiere de un aprendizaje y a su vez puede limitarse a una
habilidad técnica; como al mismo tiempo ampliarse hasta el punto de incluir una visión
particular del mundo.” “El arte es una manifestación de la raza humana capaz de
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expresar o generar un sentimiento en una tercera persona utilizando recursos sonoros,
visuales o plásticos.” (Tolstoi León, 2003).llllllllllllllllllllllllllllllllllllllllllllllllllllllllllllllll
“Tendencia se utiliza como sinónimo de moda, en el sentido de tratarse de una especie
de mecanismo social que regula las elecciones de las personas. Una tendencia es un
estilo o una costumbre que maraca una época o lugar. En la década del 60´, por ejemplo,
la tendencia marcaba el uso de ropa muy colorida, con grande estampados y pantalones
Oxford” (Definición. De, 2011)
“Moda, en sentido general, es un conjunto aplicable a diferente fenómenos de actividad
humana, que reflejan cambios constantes en cuanto a criterios. El termino “moda”
procede de modus que, en latín, significa “elección” y se refiere a las costumbres, el
modo de proceder y la forma de vestir y peinarse propias de cada es tapa de la
humanidad. En el caso del vestuario, moda significa la forma particular de vestirse en
cada temporada” (Larissa Lando, 2009)
El diseño de indumentaria empezó a aplicar el Pop Art a mediados de los 60. Andy
Warhol, dibujante, pintor, grafista, cineasta, fotógrafo, productor musical y empresario,
es considerado el fundador y la figura más relevante del llamado Pop Art. Sus obras
fueron unas de las principales influencias en el diseño indumentaria. Los diseñadores
estampaban motivos del Pop art, como por ejemplo la figura de Marilyn Monroe
(principal y icono del Pop Art), principalmente en las minifaldas. Todo podía ser motivo
de una expresión plástica desde Marilyn, una banana, una lata de sopa, un Cómic etc.
(Alfonso Burguillo, 2007)
En los años 70 importantes diseñadores como Versace, Gucci, Valentino, entre otros,
empezaron a utilizar elementos de Pop Art en sus desfiles y en el diseño de sus textiles.
(Richard Martin, 1998). Lo más propio de esta década fueron los pantalones anchos,
oxford o “pie de elefante”. Tan anchos que dejaban ocultos los zapatos de alta
plataforma, prototipo de la época. Era muy característico el uso de mucho color,
estampados, la psicodelia, círculos, espirales y flores de colores en la ropa. La tendencia
hippie que surgió en los 60, se acentuó en los 70. Trajo consigo la ropa étnica, como
chaquetas Nehru, túnicas y blusas orientales y africanas. Desde mediados a finales de
los 70 los caftanes, kimonos, jalabiya y otros estilos orientales, tanto árabes, hindúes o
africanos tuvieron gran acogida entre las multitudes. Los bolsos y bikinis de crochét de
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las islas griegas, mantones españoles, ponchos sudamericanos, faldas estilo campesino,
chalecos tibetanos y chinos, pañuelos hindúes, adornos y complementos de los indios
americanos, pulseras, collares, joyas de todas partes del mundo. Una gran cantidad de
elementos étnicos se incorporaron en el vestir. El mundo comenzó a globalizarse a
través de la moda. En lo que se refiere a zapatos, las plataformas tuvieron un gran auge
a principios de la década, y a finales, los tacones aguja resurgieron. Los abrigos largos
tendieron a decaer en esta década, y tuvieron más preponderancia las chaquetas cortas,
de terciopelo, telas acolchonadas, de lana, o impermeables. (Black Label, 2008)
El estilo de los años 80 impactaba por los colores que eran muy variados, accesorios y
sobre todo los peinados. Fueron años de diseños revolucionarios, colores casi
fluorescentes, combinados con negro: fucsia, azul metálico, amarillo limón. Los trajes
más emblemáticos de la década fueron las remeras holgadas y coloridas, frecuentemente
estampadas y con grandes hombreras, también los pantalones ajustados, los chalecos,
las faldas rectas y minifaldas. Parte de esta moda tomaba elementos con raíces en el Pop
Art, ya que era característico de aquel arte el uso de colores puros, brillantes y
fluorescentes y una expresión despojada de limites y preconceptos. El estilo Punk fue
más característico de esta época, a pesar de esto algunos diseñadores de indumentaria
seguían aplicando el Pop Art en sus obras. Se observaban también fusiones que
mezclaban todas aquellas expresiones con libertad y sin limites. (Fraschini Fanca, 2009)
La moda en los años 90 no estuvo caracterizada por un estilo específico, sino que más
bien se definió como un impulso de las personas por marcar su individualidad a través
de la ropa. Lo que sí está claro, es que en estos años se relajó la atmósfera ochentera,
típicamente fastuosa y exuberante, para dar paso a la simplicidad y a la comodidad. Es
así que el prét-a-porter adquiere relevancia para la mujer.
En líneas generales, se destacan como usuales los pantalones de tiro bajo, los escotes
prominentes y el jean que no pierde la presencia que tenía en los ochenta, sino que por
el contrario, llega para quedarse; los desteñidos y rotos eran “plaga”. Por su parte, las
remeras cortas hasta el ombligo, resultaron ideales para lucir piercings y tatuajes. En
cuanto a los accesorios, el uso de carteras y cintos se mantuvo. Roy Lichtenstein,
amplió el campo del pop art con sus enormes pinturas al óleo imitando viñetas de
cómics. Los diseñadores aplicaban los cómics en los bolsos y carteras (Roxyk, 2009).
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Hoy en día los diseñadores de Argentina toman ciertos elementos del Pop Art, los que
son transformados por su creatividad individual. En Argentina encontramos expresiones
pop principalmente en remeras y luego en bolsos, zapatillas, polleras, blusas,
cinturones, etc. Se observa una mezcla de arte nacional con aquel pop art original en
algunas obras de los diseñadores, como por ejemplo el uso de la imagen del Che
Guevara en carteras. Motivos típicos de nuestra cultura son validos en esta fusión para
los diseñadores vanguardistas. El resultado de esta fusión lo encontramos
principalmente en Palermo Soho, donde encontramos un producto original, vanguardista
y estético.
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3)
Objetivos generales
Describir los estilos de los distintos artistas que aplican el Pop Art en sus prendas en
Palermo Soho en Plaza Serrano.
Algunos de los artistas de Plaza Serrano utilizan el Pop Art en sus obras. Uno de los
artistas utiliza obras de Andy Warhol como a Marilyn Monroe. Otro de los artistas
utiliza las técnicas de Andy Warhol como la multiplicación de las imágenes, o la
distorsión de los colores, también la utilización de colores fluorescentes.
Otro artista aplica el Pop art no utilizando iconos famosos sino objetos comunes de la
vida cotidiano como una botella de Heineken, como por ejemplo utiliza una bicicleta y
le agrega diversos colores muy característico del pop art, también retoca las imágenes
utilizando el mismo efecto de Andy Warhol.
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Caracterizar las técnicas de estampados de remeras más utilizadas por los
diseñadores de indumentaria de plaza Serrano.
Introducción
El deseo de agregar color y diseño a los materiales textiles es casi tan antiguo como la
humanidad. Las primeras civilizaciones usaron el color y diseño para distinguirse y
separarse de los demás. El estampado textil es la más importante y versátil de las
técnicas usadas para agregar diseño, color y especialidad a las telas. Puede considerarse
como una técnica que combina arte, ingeniería, y tecnología de teñido para producir
imágenes que solamente existían en la imaginación del diseñador textil. El estampado
textil puede ser considerado como un teñido localizado. En tiempos antiguos, el hombre
usó estos diseños e imágenes principalmente para telas para vestir.
Algunas de las técnicas de impresión de hoy en día, más prácticas y usadas por los
diseñadores de indumentaria son:
Estampado de pantalla de cama plana
Una pantalla separada debe ser construida o grabada para cada color en el diseño de
estampado. Si el diseño tiene cuatro colores, entonces cuatro pantallas deben ser
grabadas.La moderna máquina de pantalla de cama consiste de un aparato alimentador,
una tina de cola, una banda giratoria continua de hule, arneses de mesa de estampado
para levantar y bajar las pantallas planas, y un conducto con una tina de goma con doble
cuchilla. El aparato alimentador permite una alimentación precisa del tejido dentro de la
banda de hule. Al alimentarse el tejido a la máquina se fija ligeramente a la banda para
prevenir cualquier manchado o distorsión durante el proceso de impresión. La banda
lleva el tejido bajo las pantallas, que están en posición levantada. Una vez que están
bajo las pantallas, el tejido para, las pantallas se bajan y una tina automática se mueve a
través de la pantalla, empujando la pasta de estampado a través del diseño o las áreas
abiertas de las pantallas. Las pantallas se levantan la banda mueve el tejido al siguiente
color con precisión y se repite el proceso. Ya que cada color se ha aplicado, el tejido es
removido de la banda y llevado entonces a través del proceso de fijación requerido. La
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banda de hule es continuamente lavada, secada y regresada al área de alimentación del
tejido.
Estampado de pantalla rotatoria
En una operación básica, las máquinas de pantalla rotatoria y pantalla plana son muy
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similares. Ambas usan el mismo tipo de aparato alimentador, tina de cola, banda
giratoria (mesa de estampe), secador, y equipo de fijado. El proceso involucra alimentar
la tela inicialmente en la banda de hule. El tejido avanza debajo de las pantallas
rotatorias, las pantallas giran con el tejido. La pasta de estampe se alimenta
continuamente al interior de la pantalla a través de un tubo o barra. La pantalla gira y el
rodillo de goma empuja la pasta de estampe a través de los diseños de la pantalla dentro
del tejido. Como en el estampado de cama plana, solamente se puede aplicar un color en
cada pantalla. Después de la aplicación del estampado, el proceso es el mismo que en el
estampado de pantalla plana.
Grabado con Láser
Unos de los más moderno métodos de pantallas es conocido como grabado en láser.
Aquí, el diseño original se digitaliza en sistema CAD (computer-aided design por sus
siglas en inglés). Un diseñador textil calificado separa cada color del diseño. Al mismo
tiempo, las pantallas rotatorias se cubren con resina, y la resina se endurece
completamente. La pantalla recubierta se carga con un mandril, que se une a un láser
grabado. La máquina graba la pantalla usando el diseño digitalizado CAD. Otra vez, un
solo color es posible por pantalla. El láser evapora el material de la pantalla sin dañarlo,
que esta normalmente formado de una malla de Níquel para pantallas rotativas
modernas. El grabado con láser ha expandido ampliamente las posibilidades de diseño
para el estampado de pantalla rotativa.
Estampado de Inyección de Tinta Digital
El más reciente método para estampar textiles es el estampado digital por inyección de
tinta. Desde el punto de vista de la técnica, este proceso es idéntico a una impresora de
inyección de tinta usada con casi todas las computadoras. Sin embargo, para telas,
estas máquinas son de 60 a 84 pulgadas de ancho. El estampado digital ofrece
tremendas capacidades de diseño. Diseños con imágenes de calidad fotográfica son
posibles con esta técnica. Por supuesto, este método usa un sistema CAD con imagen
digitalizada. Presenta la oportunidad de cambiar de un diseño a otro inmediatamente
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sin desperdicio de tela estampada. Este método ha sido usado con el scanner de cuerpo
para producir telas estampadas que están hechas a la medida de la persona. Muchos
individuos pronostican este método como una técnica del futuro.
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Objetivos específicos
Identificar los motivos más utilizados
Los motivos utilizados en las prendas de indumentaria pueden ser exactamente copiados
de las obras o bien pueden ser adaptados a personajes y objetos contemporáneos.
Los artistas de aquellos años intentaban buscar imágenes sencillas y reconocibles y
elevarlas a la categoría de arte.
Cualquier cosa se podía repetir y reproducir hasta el infinito, artículos y retratos de
personajes de la alta sociedad. La reproducción de la obra de arte es una de la bases de
este estilo.
El retrato, como sucedió en en épocas anteriores, toma una gran fuerza. Todas las
personas relevantes ansiaban tener su propia visión pop. Delante de Andy Warhol se
pudieron Marilyn, Jacquelin Kennedy, Grace Kelly...para que dejasen constancia de su
paso por la modernidad.
El tamaño de las obras será cada vez más espectacular, propiciando la ampliación de lo
motivos que pasan a primer plano o se multiplican a lo largo de la superficie pictórica,
la expresividad queda relegada a un segundo término, Manteniendo la supremacía un
estilo impersonal que retrata su contemporaneidad con sutil conformismo.
Ademas, se implementa mucho el motivo de la historieta apuntillada y con colores
saturados, editadas tal y como las hacían Warhol y Kandinsky.
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Caracterizar al producto
Algunos de los diseñadores de la feria de Palermo Soho aplican el Pop Art en sus
diseños, principalmente en remeras, blusas y musculosas.
Las características observadas en estas prendas son:
Generalmente de manga corta.
Tanto para hombre como para mujer.
Son prendas utilizables en el día como en la noche.
De algodón, ya que es mas apto para el estampado.
Coloridas: colores fluorescentes, brillantes como los originales de las obras pop.
Estampados de Marilyn Monroe, The Beatles, Jimi Hendrix entre otras figuras de
los años 60, sacados de la mano de los artistas de los 60'.
Precio accesible.
“Efectos fotográficos Andy Warhol” aplicados en las remeras.
Calidad media.
Se utiliza la ilusión óptica y el espacio tridimensional.
Juego con patrones, contrastes y colores.
Textura: Suave.
Resistentes al lavado.
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Describir el proceso de producción creativo de los artistas diseñadores.
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4)
Bibliografía: Marco teórico
Alfonso Burguillo (2007): “Nave de arte”, Buenos Aires, Plata, Cap. “Pop Art”.
Black Label (2008): “Hoy moda” ,Paris ,Romeo. Cap. “Moda ropa años 70”.
Catalina Macías (2010): “Las historias que nos cuenta el arte”, Madrid, Alianza.
Charlotte y Peter Fiell (2005): “Diseño del siglo XX”, Madrid, Tashen.
Cristina Alejos Cañada (2009): “Pintura y Artistas”, Barcelona, Ediciones. Cap.
“James Rosenquist”.
“Definición de tendencia” definición.de.com, 2 de mayo 2011
http://definicion.de/tendencia/
Dondis (2010): “La sintaxis de la imagen”, Barcelona, GG Diseño.
“Evolución de la moda- años 90” (2 de Junio de 2009): http://roxyk.blogspot.es/
Frascara, Jorge (2000): “El diseño de comunicación”, Buenos Aires, Infinito. Cap.
“Una definición del área”
Fraschini Franca (13 de Agosto 2009): “Moda de los años 80” Imjuer.com..
Fraticola Paola (2009): “Andy Warhol”. 18 de noviembre,
http://www.imageandart.com/tutoriales/biografias/warhol.html
http://www.imujer.com/2009/08/13/moda-de-los-anos-80/
International Council Of Societies of Industrial Design (ICSID): 2004, “Diseño”,
www.icsid.org
Lando Larissa (2009): “Diseño de modas: Conceptos básicos”, United States, CBH
Books.
León Tolstoi (2003): “¿Qué es el arte?”, Buenos Aires, Antigua.
Luis Sánchez Pescador (2004): “Roy Liechtenstein y el Pop Art”, Madrid,
Candencialatina.
Manuel Gash (1992): “ Técnicas de pintura y diseño”, Madrid, Genesis.
Cap. “El lenguaje visual”.
Osterwold Tilman (1992): “Pop Art”, Madrid, Taschen,.
Richard Martin (1998): “Versace”, España, Poligrafa.
Ruhrberg, Schneckenburger, Fricke, Honnef (2007): “Arte del siglo XX”,
Madrid, Marin,.
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Anexo
Anexo i: imágenes
Imágenes de Pop Art
Obra de Andy Warhol
Campbell´s Soup Cans, 1962 (pop art,
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1
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Andy Warhol
Marilyn Monroe, 1965
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Roy Lichtenstein
Drowning Girl, 1963
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Andy Warhol
The Mailyns, 1962
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Imágenes de la aplicación del Pop Art en diseños de indumentaria
Palermo Soho, Plaza Serrano
Abril 2011
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Palermo Soho, Plaza Serrano
Abril 2011
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Palermo Soho, Plaza Serrano
Abril 2011
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Palermo Soho, Plaza Serrano
Abril 2011
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Palermo Soho, Plaza Serrano
Abril 2011
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Palermo Soho, Plaza Serrano
Abril 2011, toma fotográfica en via publica
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Palermo Soho, Plaza Serrano
Abril 2011
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Cuadro de análisis
Nº de
imagen
Década Descripción
de la imagen
Soporte
físico
Elementos
predominantes 1 60´ Ilustración de la
lata Campbell´s
por Andy
Warhol.
La lata Color rojo
tipografía.
2 60´ La imagen
muestra a
Marilyn Monroe
uno de los
principales
icono del Pop
Art. Es una obra
de Andy Warhol
Cuadro
Se muestra una
Fuerte
saturación del
color.
alteración de los
colores
característico a
las obras de
Warhol.
3
60´ Es un obra de
Roy
Linchtenstein.
Es un comic de
una mujer.
Cuadro Se utiliza el
puntillismo y la
gigantografía
como elementos
predominantes.
4 60´ Es una obra de
Andy Warhol.
Principal
imagen Marilyn
Monroe.
Cuadro Se utiliza la
multiplicación
de la imagen y
la distorsión de
colores.
Nº de
imagen
Año y mes Descripción de
la imagen.
Soporte
físico
Elementos
predominantes
5 Abril 2011 Remera básica
con estampado
de obra de Andy
Warhol. Es una
obra de Andy
Warhol basada
Remera
de
algodón
Colores vivos y
llamativos.
Saturación
Cambio de color
Marilyn Monroe
33
en la imagen de
Marilyn
Monroe.
6 Abril 2011 Se utiliza la
multiplicación
de la imagen que
es Andy Warhol
y colores
vibrantes. El
diseñador utiliza
las tecnicas de
Andy Warhol.
Remera
de
algodón
Colores
vibrantes. La
foto de Andy
Warhol
7 Abril 2011 Se utiliza la
alteración del
color sobre la
imagen que es
Frida Calos.
Remera
de
algodón
Colores
fluorescentes.
Frida Calos
8 Abril 2011 Mezcla de una
foto de los
Beatles con
ilustraciones
Remera
de
algodón
Colores vivos.
The Beatels.
9 Abril 2011 Multiplicación
de la imagen la
bicicleta en
diferentes
colores.
Remera
de
algodón
Se utiliza los
tres colore
primarios.
Bicicletas.
10 Abril 2011 La billetera tiene
estampado un
comic.
Billetera
de
plástico
Historieta
11 Abril 2011 La imagen
muestra
diferentes
remeras con sus
diferentes
estampado como
la marca de
Heineken, el
signo hippie, Bob
Marley, Don
Ramon, la virgen,
caricaturas.
Remeras
de algodón
Se utiliza
colore
brillantes,
cálidos.
34
35
Anexo ii: Entrevistas
ENTREVISTAS Tema: " Las nuevas tendencias en indumentaria artistica"
Datos personales
Nombre: Enrique Ortega
Edad: 32
1. Para vos… ¿Qué es diseñar?
Para mi diseñar darle un acabado a algo, con cosas que tenés en tu cabeza.
2. ¿Cómo te defines como diseñador?
No me considero diseñador de modas, son mas bien un artista plástico, utilizo las prendas como medio.
3. ¿En que te especializas? ¿Qué experiencias tenés en este campo?
Me especializo en el diseño de lo que es el aplique a la prenda, lo que se llamaría "estampa". Hace varios años que trabajo de esto.
4. ¿Tenés algún tipo de formación o sos autodidacta?
Estudie bellas artes, nunca fui diseñados 5. ¿Recordás la primera pieza que diseñaste? ¿Y la primera que vendiste?
Recuerdo..(ríe) fue muy mala, ya que quise imitar algo y me fue pésimo.
6. ¿Qué habilidades y aptitudes tiene que tener un diseñador de modas?
Apertura, ante todo, apertura de mente. Mas allá de la creatividad, que termina siendo un factor mas, si sos cerrado de cabeza no se puede.
7. ¿Cómo se relaciona el arte con el diseño?
Considero que el arte es la base de el diseño contemporáneo, claramente.
8. ¿Cree usted que el diseño de modas es un arte?
Por supuesto, es todo un proceso de empape cultural.
9. ¿Te consideras un artista? ¿por qué?
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Si si, porque todo sale de acá (señala la cabeza), al fin y al cabo todo se reduce a vos y tus ideas.
10. ¿Qué buscas expresar a través de tus diseños?
Emociones, me gusta hacer viajar a la gente en el tiempo, con cosas que hace mucho no se ven pero en algún rincón de nuestra memoria todos tenemos.
11. ¿Quién fue tu mayor influencia?
Definitivamente en ninguno de los diseñadores contemporáneos. (ríe)
12. ¿En qué te inspiras? ¿Qué tipo de inspiración encontrás en el Pop Art?
Me gusta mirar obras realizadas hace tiempo. El pop art es muy rico en diseños, me gusta la manera en la cual se situó en la sociedad. Se me hace fascinante la diferencia abismal que tiene con sus precedentes.
13. ¿Porqué pensás que el Pop Art transciende en la actualidad?
Puede haber sido por esto mismo, por encontrar cantidades industriales de material artístico en objetos o situaciones que todo el mundo creía común.
14. ¿Crees que Palermo Soho, específicamente la zona de Plaza Serrano, es un
lugar apto o propicio para comercializar este tipo de diseños?
Y.. por algo todos terminamos amuchados acá (risas). Es una zona a la cual mucha gente, sobre todo turistas, se dirige a comprar.
15. ¿Qué lugar crees que ocupa la feria de plaza serrano en cuanto a diseños?
Creo que lleva la puntera, claramente. 16. ¿Cómo es la competencia entre los diseñadores?
Yo soy diferente a todos, a mi acuden los que buscan algo especifico. El problema de este lugar es cuando todos ofrecen lo mismo.