1.- Críticas

Crítica de ‘Selma’ por Gerardo

Medina

Década de los 60. Un período de la historia americana que supuso

enormes cambios para un colectivo de su sociedad que hasta

entonces había sufrido de los males de la discriminación y la

xenofobia. En un país en el que Lyndon B. Johnson mandaba

soldados negros a un recóndito lugar del mundo llamado Vietnam

a luchar por una nación que no les defendía en casa, una persona

de color no podía ni siquiera ir a votar, y eso le impedía formar

parte de un jurado constituido en su totalidad por blancos. Un

hombre cambió esto para siempre. Y ocurrió en una pequeña

ciudad, convertida en bastión de la lucha por los derechos civiles.

“Selma” no es la biografía de un buen pastor que guió a su pueblo

hacia la reclamación de un derecho que les pertenecía, aunque sí

que es un acertado retrato de su personalidad y su excelente

capacidad de oratoria y para liderar a las masas hacia

resoluciones pacíficas. Es la historia del periplo de toda una

comunidad hacia esa reivindicación, simbolizada por una marcha

que les llevó desde la localidad que da nombre a la cinta hasta

Montgomery.

Por ello, estamos ante un film de enorme importancia histórica,

una especie de dossier que recoge los archivos más destacados

de ese viaje, con un tono bastante objetivo a pesar de cierta

tendencia hacia la caricaturización de determinados dirigentes

políticos que no salen demasiado bien favorecidos en la película.

Pero, sobre todo, es una cinta que desprende un enorme orgullo

por la historia que cuenta y cómo lo cuenta, y sobre todo por sus

propias raíces y quienes ayudaron a forjar un sueño.

Ava Duvernay ofrece un trabajo con un acabo impecable a nivel

cinematográfico. Un guión solvente, muy buenas interpretaciones

–mención especial para David Oyelowo, transmutado en el Martin

Luther King perfecto-, sobresaliente ambientación y una banda

sonora de lo más adecuada. La cineasta muestra un buen pulso

tras la cámara y ofrece momentos de enorme potencia e impacto,

como la escena del asentamiento ante la Oficina de Registro o la

del restaurante, que llegan a impactar y causar dolor en el

espectador por lo que se muestra en pantalla.

Sin embargo, Duvernay se muestra incapaz de mantener este

tono durante toda la propuesta, y el conjunto presenta altibajos

y pérdidas de ritmo. Lo que resulta en general es una película de

intensidad moderada, y que obliga a pensar en la triunfadora de

los Oscar del pasado año, “12 años de esclavitud”, que sin ser un

prodigio sí poseía mayor intensidad que la que nos ocupa. Y

también, por supuesto, que da la sensación de que la nominación al

Oscar a mejor película le ha venido grande, aunque por ello no

deja de ser una cinta de aconsejable visionado y que muestra un

enorme orgullo por su pueblo, pero también la otra cara, la de los

prejuicios más dolorosos que hacen avergonzarse de ser humano.

NOTA: 6 sobre 10

Crítica de ‘Desterrado’ por Gerardo Medina

El cine de los proscritos

China se está convirtiendo en el nuevo reducto de salvación para

muchas producciones hollywoodienses. Cada vez con mayor

asiduidad, la Meca del Cine pone su empeño y esfuerzo en

estrenar por todo lo alto sus proyectos en el país asiático,

asegurándose no pocos réditos en taquilla. Pero además, China se

ha convertido en refugio de varias estrellas venidas a menos,

convertidas en parias en su propia tierra. Ahí están Tim Robbins

y Adrien Brody en “1942”, o este último, junto a John Cusack, en

la superproducción “Dragon Blade”.

Como si su propio título fuera en sí mismo un reflejo y un toque

de atención hacia esa industria que defeca a sus propios astros

tan fácilmente como los exprime, si bien algunos de ellos se

merecen vivir en el ostracismo, “Outcast” –en España

“Desterrado”- viene a ser un nuevo ejemplo de producción china

que adopta a actores expatriados como reclamo para atraer a

espectadores a las salas.

Y lo demás está de más. Ni siquiera la ampulosidad de sus medios

artísticos –la ambientación de la China medieval está bien

conseguida- importa. Lo que prima es poner a sus dos estrellas

principales al servicio de la historia y pasearles por la pantalla. El

guión, sencillamente, no existe. Todo es previsible y tosco. Dos

caballeros templarios desterrados defendiendo la vida del futuro

rey, perseguido por su hermano traidor. Por el camino, alguna

historia de amor secundaria mal presentada y peor desarrollada,

y una nula mano para dirigir a los actores y las escenas más

íntimas por parte de Nicholas Powell, que sí demuestra su

experiencia en el campo de los especialistas con escenas de

combate bastante bien coreografiadas.

Lo dicho, aquí lo relevante es hacer desfilar con orgullo a un soso

Hayden Christensen y al eternamente sobreactuado Nicolas

Cage, cuyo peinado imposible –aunque el estilo punk de su

compañero no se queda atrás- y su histrionismo vuelven a desviar

la atención del resto de la película. Al menos, eso sí,

“Desterrado” no es ni mucho menos la peor película que el

intérprete nos ha regalado en esta última etapa de su carrera.

Por lo menos, ésta entretiene mínimamente, aunque se olvide con

suma facilidad. Pero sí que es el enésimo ejemplo

cinematográfico del proscrito en el que se ha convertido.

NOTA: 3 sobre 10

Crítica de ‘Focus’ por Gerardo Medina

Ningún as bajo la manga

La campaña de promoción de esta película se ha centrado en la

que a priori parece su mayor baza, la química en pantalla de su

pareja protagonista. Y es un acierto, porque realmente existe

esa química. Se nota la complicidad en sus miradas, se

compenetran a la perfección en las escenas dramáticas y en las

cómicas, así como en las más subidas de tono. Will Smith, aunque

ha perdido la estrella de antaño, sigue resultando

tremendamente carismático, la cámara le quiere. Pero es Margot

Robbie la que acapara la atención. Puede ser frágil y a la vez

sexy, es un portento de actriz que aúna belleza, seducción y

dotes interpretativas. Ambos juegan con la cámara. Cada uno a su

manera.

Si “Focus” se hace amena es precisamente por esa química, por lo

bien que ambos se desenvuelven en esta historia de estafadores

con escrúpulos, de timadores tan blandos como una nube de

algodón. La trama por la que se mueven ya le sonará a más de uno,

porque no evita hacer uso de los tópicos del subgénero. Su

primera mitad es tan ágil como el movimiento de manos de un

carterista, está bien narrada y montada, pero no aporta nada a lo

ya visto en otras cintas de este estilo, como “Ocean’s Eleven”,

“Los timadores” o “El golpe”, todas ellas mejores que la que nos

ocupa.

Y pese a esa tópica, pero entretenida, primera mitad, acabas

lamentándote de que la propuesta no siguiera esa senda en lo que

resta de metraje. El ritmo baja, el tono se relaja, y comienza un

film romántico destinado a explotar esa química entre sus dos

actores principales que va decayendo en interés. Y si no fuera

por el buen trabajo de ambos, y lo bien que se compenetran, este

segundo tramo se haría más pesado de lo que ya es. Hacia el final

parece acordarse de que juega con el subgénero de los timadores

con algún que otro giro de guión más o menos imprevisible –

aunque no es difícil descubrir la trampa-, pero el clímax aún así

carece de emoción.

Lo peor que le puede pasar a una cinta de estas características

es no guardar ningún as bajo la manga. Lo nuevo del dúo formado

por Glenn Ficarra y John Requa, que despuntaran hace unos años

con la irregular, aunque valiente, “Philip Morris ¡Te quiero!”, no

posee ninguno. No hay chispa, no hay sorpresa, todo se basa en

juntar a dos actores que hacen explotar nuestras retinas con lo

bien que compaginan. Cualquiera se dejaría embaucar por estos

dos. Pero no por esta película.

NOTA: 4 sobre 10

Crítica de ‘Citizenfour’ por Gerardo Medina

La América post 11-S

Ya en sus primeros minutos, Laura Poitras nos avisa de la

persecución a la que fue sometida tras el estreno de su primer

documental en solitario, centrado en la Guerra de Irak, de cómo

fue detenida e interrogada en las fronteras de Estados Unidos,

pasando a formar parte de una lista negra secreta de individuos

a seguir por el Gobierno. Todo ello después del día en que

Estados Unidos cambió para siempre, de la fecha en que los

controles aeroportuarios se volvieron más restrictivos y

exhaustivos, de que toda una nación viviese constantemente

amenazada y necesitase reforzar su seguridad a toda costa.

“Citizenfour”, ganadora del Oscar a mejor film documental, viene

a completar la particular trilogía de la directora sobre la

América post 11-S, una radiografía acertada del concepto que

tiene el país sobre los mecanismos de seguridad del estado para,

a priori, evitar posibles ataques terroristas. O al menos, ésta es

la excusa. Porque la América que Poitras refleja en esta película

hace todo lo posible por garantizar la seguridad nacional, a

cualquier precio.

El documental utiliza la figura de Edward Snowden, el hombre

que desveló los planes ocultos en materia de vigilancia

cibernética por parte de la Agencia de Seguridad Nacional, que

fue acusado de espía y de anti patriota por el propio presidente

por revelar secretos de estado, para tocar temas

tremendamente ambiciosos: hasta qué punto está siendo vigilada

la población estadounidense y mundial, hasta qué extremo se nos

intervienen conversaciones telefónicas, correos electrónicos o

búsquedas en Internet, o si es lícito violar la privacidad del

individuo en pos de asegurar la seguridad de todo un pueblo.

Pese a todos estos temas, lo difícil en un documental es

mantener el ritmo y el interés del espectador, algo que la

realizadora no consigue. Es paradójico que lo que viene a centrar

buena parte de su metraje, los ocho días que Poitras y su

compañero del diario The Guardian Glenn Greenwald pasaron con

Snowden, se convierta en lo más tedioso y pesado de su nuevo

trabajo, y que la sensación sea la de que sobra metraje, la de que

le falta ir al grano, algo que sí consigue durante sus primeros y

últimos veinte minutos. Tan paradójico como el hecho de que

aquellos en quienes depositas tu propia seguridad son justamente

los que atentan contra tu privacidad. Pero no deja de ser una

obra interesante sobre esa gran mentira que es la América

demócrata de Obama, la que nació bajo los cimientos del 11-S, la

que tiene más razones que nunca para vivir con miedo. No de la

amenaza externa, sino de lo que tiene en casa. La mayor

dictadura se esconde precisamente en eso que llamamos

democracia.

A favor: los interesantes temas que trata

En contra: las entrevistas a Snowden se pueden volver pesadas

Calificación ***

Merece la pena

Crítica de ‘Pasolini’ por Gerardo Medina

El arte que imita al arte

El Coliseo Cuadrado, en Roma, dedica en su fachada unas palabras

al pueblo italiano, un pueblo de artistas, poetas, héroes,

navegadores, pensadores, científicos y santos, convirtiéndose,

casi de manera inconsciente, en un monumento alzado en defensa

de la cultura de todo un país. Atrás quedan ya los años en que

Mussolini encargase su construcción, en que se convirtiera en un

icono del fascismo.

Así, con esta contraposición de ideas, presenta y culmina Abel

Ferrara su particular retrato de uno de los más grandes

cineastas de la cinematografía italiana, Pier Paolo Pasolini. Un

edificio que representaba, al menos en sus comienzos, una

ideología totalmente contraria a la que el cineasta defendía. Y

una historia, la suya propia, que transcurriría marcada por la

anécdota de que su propio padre había salvado al mismísimo

dictador de morir en un atentado.

Pero más allá de esta doble paradoja socio-cultural, lo que

Ferrara busca también es la provocación. Porque Pasolini era un

director arriesgado, subversivo, provocativo hasta el exceso. Y el

encargado de “Teniente corrupto” busca provocar y arriesgar con

su nuestro trabajo. Su “Pasolini” no es un biopic al uso, no recoge

la vida de su protagonista, sino que se hace eco de las últimas

horas de vida del maestro, sus últimas entrevistas, en las que

hablaba precisamente de los peligros del fascismo. Así, su

película no se limita a mostrar una vida que bien daría para una

serie de filmes, sino que trata de plasmar en imágenes las

inquietudes del escritor y poeta, lo que le pasaba por la cabeza al

realizador, enfrascado por aquel entonces en el doblaje al

francés de su obra más transgresora, “Saló y los 120 días de

Sodoma”.

Pero todo riesgo tiene un precio. Y es que Ferrara cree que

homenajear consiste en mirarse al ombligo, y pretende

convertirse en el reflejo contemporáneo del personaje al que

retrata. Se mete en su mente y fantasea con ofrecernos en

imágenes la que podría haber sido su siguiente película, o en

mostrarnos cómo él mismo habría rodado sus fantasías y relatos,

con toda la violencia gráfica y explicitud sexual de las que hacía

gala Pasolini. Trata de emularle en un ejercicio de soberbia y lo

que le queda es una propuesta para unas minorías pertenecientes

a clubes muy selectos, tediosa y aburrida.

Y lo peor, que se queda a medias en su retrato. Ni emociona ni se

convierte en un retrato acertado del artista, no consigue

acercarnos a él. “Pasolini” es un homenaje ensimismado al que

parece que le falta metraje. Dura ochenta minutos y parece que

dura el doble, y aún así parece un montaje final cortado. Lo único

salvable de ella es el trabajo de Willem Dafoe, metido en la piel

de su personaje a pesar de su marcado acento inglés de

Wisconsin –algo que la versión italiana intenta remediar doblando

al actor con la voz de otro intérprete italiano, siendo el resultado

aún peor-, en un ejercicio de imitación del artista, muy

convincente. Incluso en este aspecto este proyecto es un ejemplo

de arte que imita al arte.

NOTA: 2.5 sobre 10

2.- Estrenos de Cine

Destacados del mes de

abril

En lugar de publicar todos los estrenos del mes en la revista

como hemos venido haciendo en la mayoría de números

anteriores.

Vamos a seleccionar los que a priori parecen los 3 mejores

estrenos del mes. Y podéis consultar todos los estrenos en la

sección de cartelera de la web (www.muchcine.com).

Los seleccionados de este mes son:

1.- ‘Vengadores: la era de ultrón’

2.- Fast & Furious 7

3.- El maestro del agua

Título original

The Avengers: Age of Ultron (The Avengers 2) aka

Año 2015

País Estados Unidos Estados Unidos

Director Joss Whedon

Guión Joss Whedon (Cómic: Stan Lee, Jack Kirby)

Música Brian Tyler

Fotografía Ben Davis

Reparto

Robert Downey Jr., Chris Evans, Mark Ruffalo, Chris Hemsworth, Scarlett

Johansson, Jeremy Renner, Alexis Denisof, James Spader, Aaron Johnson,

Elizabeth Olsen, Thomas Kretschmann, Paul Bettany, Josh Brolin, Samuel L.

Jackson, Hayley Atwell, Don Cheadle, Claudia Kim, Andy Serkis, Idris Elba,

Tom Hiddleston

Productora

Marvel Studios

Género

Fantástico. Acción. Ciencia ficción. Aventuras | Superhéroes. Cómic. Marvel

Comics. Secuela. 3-D

Sinopsis

Cuando Tony Stark intenta reactivar un programa sin uso que tiene como

objetivo de mantener la paz, las cosas comienzan a torcerse y los héroes

más poderosos de la Tierra, incluyendo a Iron Man, Capitán América, Thor,

El Increíble Hulk, Viuda Negra y Ojo de Halcón, se verán ante su prueba

definitiva cuando el destino del planeta se ponga en juego. Cuando el villano

Ultron emerge, le corresponderá a Los Vengadores detener sus terribles

planes, que junto a incómodas alianzas llevarán a una inesperada acción que

allanará el camino para una épica y única aventura.

SINOPSIS LARGA

1919. Ha pasado un año del final de la Gran Guerra, aunque sus

repercusiones aún se sienten por todo el planeta.

En el Mallee, en la Australia rural, JOSHUA CONNOR (Russell

Crowe), un rudo granjero y zahorí, tiene que vivir con el

demoledor hecho de que, cuatro años después de la batalla de

Galípoli, lo único que ha recuperado de sus tres jóvenes hijos es

un pequeño paquete envuelto en papel marrón con un diario sucio

y ajado, unas cuantas cartas y fotos.

Una repentina tragedia, provocada por la larga sombra del dolor,

proporciona a Connor el estímulo que necesita para decidirse a

viajar más de 14 000 kilómetros con el fin de recuperar los

cuerpos de sus hijos y llevarlos de vuelta a casa. Es el único acto

casi imposible que cree que honrará el recuerdo de los jóvenes y

le traerá paz a él.

En Constantinopla, una ciudad a caballo entre dos continentes que

se hunde bajo el peso de un Imperio otomano que se desmorona,

Connor se ve sumido en un mundo completamente distinto del

suyo... o eso cree. Se siente aún más inquieto por la presencia de

AYSHE (Olga Kurylenko), la hermosa y compleja mujer cuya

otrora gran familia es propietaria del hotel en que se aloja

Connor.

En Galípoli, los cuerpos se van recuperando laboriosamente del

devastado escenario. El TENIENTE CORONEL HUGHES (Jai

Courtney) solicita ayuda al héroe de guerra turco

COMANDANTE HASAN (Yilmaz Erdogan). A estos antiguos

enemigos los une un respeto mutuo, ya que ambos lucharon en

esta batalla. La locura de la guerra no tomó partido por nadie.

La burocracia, en forma del británico CAPITÁN BRINDLEY (Dan

Wyllie), impide a Connor el acceso a Galípoli y a los restos de sus

hijos, pero su determinación es inquebrantable y no tiene

intención de rendirse. Se vale de los instintos que lo convierten

en un zahorí para sentir su presencia, pero parece que uno de sus

chicos no descansa en este arrasado lugar. ¿Podría el mayor de

sus hijos seguir con vida?

Para descubrir la verdad, deberá aprender a confiar en Hasan, en

JEMAL (Cem Yilmaz), uno de los sargentos de Hasan, y en Ayshe,

cuyo destino parece cada vez más ligado al suyo propio.

Mientras las tensiones políticas desatan una nueva oleada de

violencia, y los británicos lo obligan a marcharse, Connor deberá

emprender una carrera contra reloj, con peligros acechándolo

por todas partes, para descubrir la verdad sobre su hijo y la

naturaleza de la verdadera amistad y el amor.

ACERCA DE LA HISTORIA - UNA FORMA DE VER GALÍPOLI

Mientras se documentaba para un proyecto sobre historia de

Australia, el autor y guionista de Melbourne Andrew Anastasios

se topó con una carta de un individuo llamado Cyril Hughes, un

teniente coronel que fue parte fundamental de la Comisión

Imperial de Tumbas de Guerra, que llevó el orden al abandonado

campo de batalla de Galípoli en los años inmediatamente

posteriores a la Primera Guerra Mundial.

En esa carta encontró una frase sumamente interesante:

“Un tipo logró llegar aquí desde Australia, en busca de la tumba

de su hijo”.

Esa línea fue toda la inspiración que necesitó para incitar la

creación de una increíble historia de pérdida abrumadora y amor

incontenible.

Galípoli se ha representado con frecuencia en las pantallas

australianas (e internacionales). A las pocas semanas de los

desembarcos de 1915, ya se habían realizado dos recreaciones

por parte de compañías cinematográficas australianas.

Ha hecho falta mucho tiempo para que se produjera en Australia

una película sobre la leyenda de los ANZAC (acrónimo de los

Cuerpos de Ejército de Australia y Nueva Zelanda, por sus siglas

en inglés) que no se centrara en la naturaleza icónica de la

batalla, sino que pretendiera recoger la intimidad y el patetismo

de la búsqueda de un hijo que emprende un padre. EL MAESTRO

DEL AGUA toma esa búsqueda como punto de partida y, lo que

también es importante, muestra la batalla y sus consecuencias

desde el punto de vista de ambos bandos y en un contexto más

amplio.

De hecho, la película no empieza con los ANZAC, sino con los

turcos que, como los Aliados, son una mezcla de soldados

veteranos y “chicos aterrados”. La experiencia supuso un trauma

devastador, para ambos bandos.

EL MAESTRO DEL AGUA ofrece una visión de la historia de

Galípoli decididamente centrada en el perdón, tanto a los demás

como a uno mismo. La abrumadora presión de la culpa que siente

Joshua Connor casi acaba por dominarlo, pero descubre que el

poder curativo del amor puede dotar a alguien de una fuerza,

resistencia y determinación sobrehumanas.

1919: EL MOMENTO, EL LUGAR

Joshua Connor intenta encontrar a su hijo entre los restos de un

viejo mundo, a partir del cual se está creando violentamente un

nuevo mundo. Está rodeado de una gran devastación, de una gran

ruina, pero de ella surgirá ese nuevo mundo.

En 1918, la humanidad intentaba recuperarse del final de la Gran

Guerra, mientras presenciaba el desmoronamiento de otrora

grandes imperios. El Imperio otomano, de seiscientos años de

antigüedad, ha caído derrotado y Anatolia es ocupada y dividida,

dejando lo que acabaría convirtiéndose en la Turquía moderna.

Constantinopla, ahora Estambul, en la que debe ahondar Joshua

Connor, siempre ha sido una de las ciudades más significativas

del mundo, capital, en distintos momentos de la historia, de

cuatro imperios, por la que se ha luchado durante siglos, por su

situación estratégica en la Ruta de la Seda y como única ruta

marítima entre el Mar Negro y el Mediterráneo.

Un tratado de octubre de 1918 concedió a unos victoriosos

Aliados el derecho a ocupar fuertes que controlaban los

estrechos de los Dardanelos y el Bósforo. Los británicos

afirmaron no tener intención de ocupar Constantinopla pero, en

noviembre, una brigada francesa entró en la ciudad, seguida de

navíos británicos, franceses, italianos y griegos, que desplegaron

tropas sobre el terreno. Y así empezó la ocupación moderna de

Constantinopla, que duraría cuatro años.

En 1919, se funda la Sociedad de Naciones y se producen una

serie de acontecimientos a escala mundial, cuyas repercusiones

aún se siguen sintiendo en la actualidad; en febrero, tropas

soviéticas avanzan para ocupar Ucrania.

Los rusos, británicos, italianos, franceses, griegos y armenios

reclamaron todos ellos los territorios de Anatolia, pero los

turcos étnicos empezaron a resistirse. La campaña griega por

Anatolia Occidental se inicia en mayo de 1919, con el desembarco

de tropas griegas, encabezadas por los evzones, en Esmirna. Las

tropas griegas empiezan a avanzar desde Esmirna y comienza la

Guerra de Independencia turca.

Mustafá Kemal (Atatürk), oficial del ejército durante la Primera

Guerra Mundial y cabecilla del Movimiento Nacional Turco, dirige

el bando turco en esta batalla por su identidad, que acabará con

la instauración de la República de Turquía en 1923.

Pese a todas estas fuerzas en conflicto y a las precarias

lealtades en constante cambio, Joshua Connor encuentra un

verdadero amigo en el COMANDANTE HASAN, y juntos se

abrirán paso por un país asolado por la guerra en busca de los

hijos de Joshua.

EL RODAJE

Aunque apenas una quinta parte de la historia de EL MAESTRO

DEL AGUA se desarrolle en Australia, fue la base de casi tres

cuartas partes de la filmación de la película.

El rodaje empezó en diciembre de 2013 con tres semanas en

Sídney, sobre todo en platós de estudio, para las escenas

ambientadas en un hotel de Estambul, y con un par de días en

lugares cuidadosamente seleccionados y decorados de las partes

más antiguas de la ciudad.

Después continuaría en enero y febrero de 2014, con cinco

semanas en Australia Meridional, tanto para las escenas de la

campiña australiana, como con la costa sur haciendo las veces de

Galípoli y ciertas localizaciones casi desérticas haciendo de la

Turquía rural. Se encontraron con un entorno complicado, a veces

brutal, en el calor del verano, con condiciones meteorológicas

impredecibles. Sin embargo, esa experiencia sólo sirvió para

reforzar la determinación del reparto y del equipo de ser, en

palabras de Russell Crowe, infatigables.

El productor Keith Rodger comenta: “Sabíamos que íbamos a

rodar en mitad del verano, pero no creo que nadie se esperara el

calor tan extraordinariamente intenso que nos encontramos en

esa zona de Australia Meridional”.

“Un día estábamos a 49,5 ºC en el set, mientras rodábamos una

emboscada a un tren en un remoto paraje campestre. Eso ya es

algo difícil de manejar en un buen día, se sale totalmente de lo

normal y, evidentemente, la seguridad es lo primero. Luego, en el

set del campo de batalla y las trincheras, en el Valle McLaren,

nos pilló el otro extremo: unas lluvias torrenciales que obligaron a

detener el rodaje”.

El actor Yilmaz Erdoğan (COMANDANTE HASAN) recuerda

sobre la experiencia: “Filmar en Australia tuvo sus desafíos.

Cuatro estaciones en un día, con calor, viento y una tormenta de

arena. La primera semana no fue fácil, porque no nos

esperábamos nada así. Me hice a la idea de que seguía un ciclo de

calor, viento, tormenta, lluvia, ¡pero por suerte nuestro vestuario

incluía abrigos!”.

El productor Andrew Mason explica: “Los equipos de rodaje son

duros, pero cuando ves a sus miembros claramente afectados por

el calor, no queda más remedio que renunciar al resto del trabajo

de ese día... y lo mismo sucede cuando llueve en una cantera y el

set del campo de batalla queda hecho un desastre en el que es

imposible trabajar. Ninguna de estas cosas son buenas; pero

aportan cierta dureza al proceso de filmación”.

Miembros clave del reparto y del equipo australianos se

trasladaron entonces a Turquía para otras tres semanas de

rodaje, tanto en puntos emblemáticos de Estambul, como en

lugares antiguos de la costa mediterránea. Allí se incorporó a la

filmación un equipo turco de tamaño considerable, así como

muchos nuevos actores al reparto, y se forjó al instante un

vínculo entre todos los miembros, ayudado por el deseo de todos

ellos de hacer que el proceso fuera lo más fluido posible y las

escenas resultaran memorables.

Las autoridades turcas se mostraron absolutamente

colaboradoras y permitieron al equipo de rodaje filmar en el

palacio de Topkapi, en las atestadas calles del barrio de Balat de

Estambul, e incluso en la emblemática y maravillosa Mezquita

Azul.

La posproducción se realizó en Sídney, con un equipo de montaje

al que se unieron un equipo de primera de artistas de efectos

visuales, compositores, un equipo de sonido y especialistas en

color.

EL REPARTO Y SUS PERSONAJES

RUSSELL CROWE (JOSHUA CONNOR)

Russell Crowe es uno de los actores más alabados del panorama

cinematográfico actual.

Tras saltar a la fama con su papel en “Romper Stomper” (1992),

no tardaría en hacerse conocido por la intensidad de sus

interpretaciones, su dedicación absoluta a su oficio y la riqueza y

variedad de los papeles que elegía.

Ha ganado un Óscar (“Gladiator”, 2001), un Globo de Oro y un

premio BAFTA (“Una mente maravillosa”, 2002) como “mejor

actor” y ha sido nominado en otras ocho ocasiones más en esa

misma categoría de estos galardones. Entre sus 40 premios

significativos a la interpretación de distintos lugares del mundo,

figuran 5 galardones del Australian Film Institute (Instituto del

Cine Australiano, o AFI, por sus siglas en inglés).

Sus estrenos más recientes incluyen “Noé”, de Darren

Aronofsky, y “Cuento de invierno”, de Akiva Goldsman, y pronto

será posible verlo también en “Fathers and Daughters”, frente a

Amanda Seyfried, Diane Kruger y Octavia Spencer. En la

actualidad, se encuentra rodando “The Nice Guys”, con el

director y guionista Shane Black, frente a Ryan Gosling y Kim

Basinger.

OLGA KURYLENKO (AYSHE)

Olga Kurylenko nació en Ucrania, donde estudió arte e idiomas y

pasó siete años aprendiendo piano en una escuela local de música,

así como ballet durante 13 años.

A los 13 años, Olga fue descubierta en Moscú por un agente, que

la abordó en una estación de metro y le ofreció trabajo de

modelo. Después de disfrutar de una carrera de gran éxito como

modelo internacional, se presentó en una agencia de actores,

decidida a hacer también carrera en la gran pantalla. Debutó

como protagonista principal, en el papel de ‘Iris’, de la cinta

francesa de 2005 “L’annulaire (The Ring Finger)”, y luego

aparecería junto a Elijah Wood en “Paris, je t'aime” (2006),

frente a Daniel Craig en “Quantum of Solace” (2008) y como

‘Julia’ en “Oblivion” (2013), frente a Tom Cruise y Morgan

Freeman. Entre sus trabajos más recientes, se encuentran el

thriller de espionaje “La conspiración de noviembre”, frente a

Pierce Brosnan, la adaptación juvenil “Vampire Academy” y “Un

día perfecto”, de Fernando León de Aranoa, con Benicio del Toro

y Tim Robbins.

Olga Kurylenko comenta: “Es una historia preciosa, me quedé

prendada de mi personaje. Cuando me estuve documentando,

conocí a una viuda en Turquía, que me dijo que incluso hoy día se

sintió presionada para casarse con el hermano de su marido, y

que ella también se negó a hacerlo. Para ella lo más importante

era la protección de sus hijos. Me di cuenta de que era igual para

Ayshe. Connor, al mostrarse cariñoso con Orhan, se gana la

confianza de Ayshe”.

En cuanto a la película y su director, Olga aporta lo siguiente:

“Russell es un director maravilloso. Creo que es porque es actor.

Cuando me da indicaciones, no sólo las oigo, también puedo

sentirlas”.

JAI COURTNEY (TENIENTE CORONEL CYRIL HUGHES)

Jai Courtney, natural de Sídney y graduado por la Western

Australian Academy of Performing Arts, ha saltado a la fama en

los dos últimos años, tras darse a conocer inicialmente frente a

Tom Cruise en “Jack Reacher” (2012). Desde entonces, ha

aparecido en “La jungla: Un buen día para morir”, con Bruce

Willis, “Divergente”, con Shailene Woodley, volvió a nuestra

cartelera la pasada Navidad con “Invencible (Unbroken)”, dirigida

por Angelina Jolie, y regresará pronto con “La serie Divergente:

Insurgente”, así como con “Terminator Génesis”, quinta entrega

de la clásica franquicia.

En cuanto a su labor de documentación para el papel, Jai explica:

“Cyril Hughes vio mucho durante la guerra y luego asumió la

enorme responsabilidad de planificar y crear lo que conocemos

hoy día como Galípoli. Lo que la gente ve allí cuando va es un

monumento conmemorativo que se convirtió en la obra de toda

una vida. Yo sentía curiosidad por saber qué clase de hombre

hace falta ser para dedicar tu vida a eso”.

“Leí cuanto había sobre su personalidad; había algunos detalles

personales básicos, pero, más allá de eso, fue una figura

enigmática. Tuve que tomar lo que sabía y, dadas las

circunstancias, crear el personaje casi desde cero”.

En cuanto a trabajar con Crowe, Jai recuerda: “Conocí a Russell

mucho antes de enterarme de que estaba trabajando en este

proyecto. Había leído que estaba preparando un guión, así que me

puse a intentar conseguir un papel, nos reunimos en Sídney y le

interesaba tanto como a mí. Así fue como empezó”.

“Hubo un día en que tuvimos que hacer mucho juntos; fue

entonces cuando me di cuenta de que estaba pasando de verdad,

estás intercambiando líneas de diálogo... nada menos que con

Russell Crowe; es increíble. Puede hacer una escena y no sólo

tomar decisiones para sí mismo, y hacer algún ajuste a tu

interpretación, sino que está pensando a la vez en todos los

demás elementos”.

“Lo primero que me dijo Russell en la primera reunión fue:

‘¿Sabes montar a caballo?”. Le respondí que sí, pero él sabía que

le estaba mintiendo. Me dijo que las dos cosas sobre las que

suelen mentir los actores son que saben montar a caballo y que

saben tocar la armónica. Pero la cuestión era que ese es el tipo

de cosas que definen un personaje para mí, llegas con unos

instintos básicos y se los aplicas al material”.

YILMAZ ERDOĞAN (COMANDANTE HASAN)

Yilmaz Erdoğan, es un cineasta, actor y poeta nacido en Hakkari,

Turquía, especialmente famoso en su país de origen por su

comedia que batió récords de taquilla “Vizontele” (2001), la serie

de televisión “Bir Demet Tiyatro”, así como “Vizontele Tuuba”

(2004) y “The Butterfly's Dream” (2013).

Yilmaz recuerda: “Uno de mis estudiantes de Estambul me dijo:

‘Russell Crowe quiere llamarte’, a lo que respondí: ‘¿Qué clase de

broma es esta?’. Cuando me encontré hablando con él por

teléfono, seguía pensando que era una broma. Hablamos del

proyecto y, tres meses después, me ofreció el papel”.

Siente una fuerte conexión con la historia, no sólo por haber

trabajado ya en su propio guión sobre Galípoli, sino por tratarse

de algo que ya había empezado cuando aún era niño. “Es un tema

muy importante para nuestros dos países. Cuando te crías en

Turquía, desde que tienes siete años empiezas a conocer este

acontecimiento, pero me di cuenta de que los australianos no

saben mucho sobre lo que perdimos nosotros. Fue una gran

sorpresa para mí”.

Para el personaje del COMANDANTE HASAN, Yilmaz se centró

en su humanidad esencial. “Mientras interpretaba este papel, no

dejaba de pensar en los 70 000 hombres que murieron allí y cómo

él lo presenció. Lo dirigió todo y los mató (al enemigo). No es una

experiencia fácil. Mi interpretación trata de pensar en él y en

defenderlo puesto que, en mi opinión, la gente (los personajes) es

defendible en todas las circunstancias. No es bueno para la vida

real, pero es bueno para la interpretación, intentar defender a

mi personaje”.

En cuanto a Russell Crowe, Yilmaz comenta: “Russell hace que

parezca que esta es su décima película. Yo no estaba tan

tranquilo durante el rodaje, pero intento aprender de su forma

de comportarse, ya que no se deja llevar por el pánico. Conoce los

detalles, te da unas breves instrucciones con lo que necesitas

exactamente. ¡Es un chef perfecto!”.

Sobre Cem Yilmaz (JEMAL), señala: “Esta es nuestra primera

película en inglés juntos. Nos conocimos en 1995, en 2000

trabajamos en nuestra primera película, que dirigí yo. Soy un

gran admirador suyo, y es mi amigo. Mi personaje es muy serio y

él es muy gracioso, a veces tengo que decirle que no quiero que

me haga reír”.

En lo referente a cómo ve la película ahora que está acabada:

“Hay dos cuestiones. Una es que es una película excelente. Y la

otra es que es muy especial para nosotros, no tenemos más que

una película (“Gallipoli”), que acaba cuando empieza la guerra.

Esta es una historia, de la posguerra, que creo que será muy

buena para todos nosotros, especialmente en Turquía, puesto que

es el centésimo aniversario; será muy emocionante verla”.

CEM YILMAZ (SARGENTO JEMAL)

“Me llamo Cem Yilmaz, soy un cómico de Turquía, pero no soy muy

gracioso, y ese es el problema”.

Pese a esta afirmación, Cem ha trabajado en más de 4 000

espectáculos de comedia, en varias comedias de éxito para la

gran pantalla, como “Vizontele”, de Yilmaz Erdoğan, y en la

parodia de ciencia ficción “G.O.R.A.”, de la que también fue

guionista. Sus incursiones en el terreno del drama han sido más

recientes, pero eso no disuadió a Russell Crowe de ofrecer a Cem

el papel de JEMAL.

Cem explica sobre su personaje: “Cuando leímos el guión, desde la

primera página me sentí inspirado por la línea: ‘Es un león

derrotado’, que no piensa en otra cosa más que en luchar en esa

escena. Cuando rodamos esa primera página, a Yilmaz, el otro

actor principal turco, y a mí nos pareció muy realista, nos pareció

que estábamos en la guerra. Es fácil crear una leyenda inventada

de cada historia, pero esto no es así, esto es una situación real,

una lucha real”.

“La parte humana del guión es que la historia no está ahí para

servir a nadie; no está más que sirviendo a la humanidad y al

aspecto humano de las secuelas de una guerra. En esta película no

hay villanos, hay víctimas. Connor tiene principios, pero los turcos

otomanos tienen principios y objetivos, y el inglés del caballo

tiene un objetivo futuro que cumplir”.

“La guerra es un sinsentido. Todo el mundo puede hablar de ella,

de su país. Puedes amar a tu patria, pero la guerra es otra cosa.

El año que viene se cumple el centenario, visité el lugar dos o tres

veces, y vi a los ANZAC y los turcos yaciendo juntos. Es una

historia muy triste, no se puede enseñar a la gente a olvidar”.

En cuanto a Crowe, Cem aporta: “Me sorprendió lo sensato que

es. Todo el mundo tiene su idea de cómo es, pero estaba muy

centrado y se tomaba el proyecto y su responsabilidad como

director muy en serio. Demostró ser un buen ejemplo de cineasta

serio”.

En cuanto a Yilmaz Erdoğan, Cem confiesa: “Ya había trabajado

con él en dos películas que él mismo dirigió, es un buen amigo y, al

estar juntos, nos dimos mutuamente seguridad”.

RYAN CORR (ARTHUR CONNOR)

En 2011, Ryan Corr, natural de Melbourne, recibió la prestigiosa

beca ‘Heath Ledger’ de Australians in Film. Ryan terminó en 2009

sus tres años de estudios en el NIDA (Instituto Nacional de

Arte Dramático de Australia) convertido en uno de los graduados

más prometedores de su promoción. Entre sus créditos para

televisión figuran “Bajos fondos”, “Tangle”, “Redfern Now”, y el

papel de ‘Coby’ en la serie de gran éxito de Seven Network “De

vuelta al nido”.

Sus créditos cinematográficos incluyen “Not Suitable For

Children”, frente a Ryan Kwanten, por el que fue nominado como

“mejor actor de reparto” en los premios AACTA de 2013 y

recibió el premio al “mejor actor de reparto” del Círculo de la

Crítica Cinematográfica, y la cinta de Spike Jonze “Donde viven

los monstruos”.

Ryan comenta sobre su personaje: “Arthur es el mayor de tres

hermanos, un chico de campo. Se han criado en una granja,

valiéndose de su imaginación, no contaban con las cosas que

tenemos hoy día para distraernos. Sus hermanos se alistan para

luchar en la guerra, pero Art no va a permitir que vayan solos. Su

trayectoria en esta película consiste en tener que afrontar la

culpa por no conseguir cumplir lo que se comprometió a hacer con

su padre, que era cuidar de sus hermanos”.

“Fue el proceso de selección más duro por el que he tenido que

pasar nunca, fueron nueve fases y Russell quería poner realmente

a prueba nuestra capacidad para hacer todo cuanto nos pedía.

Sabíamos que se esperaba mucho de nosotros y, por consiguiente,

nos hemos esforzado todos al máximo”.

En cuanto a la experiencia en el campamento de instrucción, Ryan

recuerda: “Lo que Russell nos dijo fue ‘cuando estás hundido,

sudando, agotado y ya has hecho la toma treinta veces, cuando

has dado y has dado y ya no puedes dar más, y lo que quieres es

rendirte e irte a casa, lo único que se espera de ti es que sigas

dando’, y nos inculcó profundamente esa mentalidad”.

“Pasamos de apenas poder mantenernos sobre el caballo a ser

capaces de ir al galope sobre ellos con una sola mano. Contamos

con algunos de los mejores armeros y especialistas del mundo, y

con uno de los mejores actores del mundo confiando en nosotros

la experiencia de contar la historia. La mejor parte es tener la

suerte de tener oportunidad de formar parte de esto”.

“Creo que fue algo que le dijo Ridley Scott: ‘Si vuelvo y me dices

que se te ha ocurrido una idea a posteriori, te mato’, así que, por

favor, cualquier cosa que se te ocurra, exponla, por favor. Nos

sentimos creativamente muy involucrados en el proceso y se nos

han ocurrido ideas sobre nuestros personajes que se han

incorporado al guión”.

BEN O’TOOLE (HENRY CONNOR)

Ben O’Toole comenta: “EL MAESTRO DEL AGUA para mí trata

sobre un hombre que intenta superar el miedo a no saber”.

Ben ha aparecido en numerosos cortometrajes, así como en la

serie de televisión “Love Child”. Debuta en la gran pantalla con EL

MAESTRO DEL AGUA. Ben tiene lo siguiente que decir sobre su

papel: “Henry es el hijo mediano, y ha tenido que hacer cosas

para llamar la atención. Es el más fuerte físicamente de los tres

y yo diría que es un tanto revoltoso. Es el primero en alistarse,

con el beneplácito de su padre”.

“Ryan (Corr - ARTHUR) y yo somos buenos amigos, hemos

trabajado antes juntos y también conocía a James (EDWARD).

La camaradería entre los hermanos es un factor fundamental”.

“Nunca sabremos realmente cómo fue de verdad, pero en eso

consiste mi trabajo, en ponerme en esa situación y pensar: ‘tengo

un hermano pequeño’... Dicen que el hombre que no tiene nada por

lo que vivir es el que da más miedo, pero no estoy de acuerdo. Eso

es lo que hizo de los turcos un adversario tan formidable, porque

lo tenían todo que perder, tenían sus mujeres, sus hijos, sus

familias, todo que perder”.

La percepción que tiene Ben sobre la veracidad de la película y su

papel resulta impropia de alguien de tan corta edad: “Es muy

importante que interpretemos con absoluta veracidad, que lo

tienes todo que perder en ese momento. Espero que resulte

convincente (para los espectadores). Me costó mucho separar no

sólo la documentación, sino el vínculo emocional que sentía. Te

sientes obligado a convertirte en una clase de persona que jamás

querrías ser. Se dejaron llevar por la grandeza, la ilusión de ir a

la guerra para convertirse en héroes, pero la realidad que se

encontraron fue muy distinta”.

En cuanto a Russell, Ben opina: “Crecí viendo sus películas y es

uno de los actores que hizo que quisiera convertirme en actor. A

menudo he pensado que, si pudiera retroceder en el tiempo y

darme un golpecito en el hombro mientras veía ‘Gladiator’ para

decirme: ‘algún día, tendrás ocasión de conocerlo, de trabajar

con él y de interpretar a su hijo’... no me lo habría creído”.

“Me reuní con él, pero no llegó a hablar en ningún momento del

proyecto, simplemente nos sentamos y pasamos el rato, sentados

en su balcón, y me pareció surrealista conocerlo sin que estuviera

interpretando ningún personaje, ni lo estuvieran entrevistando,

sino estar simplemente sentado, de charla, con alguien a quien he

admirado desde pequeño. A lo largo de todo el proceso, se ha

mostrado sumamente generoso y cortés con su tiempo y era muy

importante para él que nos sintiéramos cómodos”.

JAMES FRASER (EDWARD)

James Fraser es especialmente conocido por sus papeles en las

producciones australianas “Los chicos de diciembre” y “Sleeping

Beauty”, así como la serie de televisión “Double Trouble”. En

opinión de James, EDWARD, el menor de los tres hermanos, “es

un joven bastante entusiasta. Quiere experimentar el mundo, ver

cosas y hacer cosas, y es esa inocencia lo que se pierde cuando

hay una guerra, y eso es lo que hace interesante para mí el viaje

de su personaje”.

James comenta sobre el período de ensayos y el grado de

inmersión que conllevó: “Tuvimos al último artesano de arcos en

activo de Inglaterra, que fabrica unos arcos largos increíbles,

enseñándonos arquería, y a dos de los mejores arqueros del

mundo enseñándonos a disparar, todo en el tiempo estipulado por

el sargento de instrucción Russell, lo que fue genial, nos lo

pasamos todos fenomenal”.

“Vivimos juntos durante dos semanas, así que nos volvimos

rápidamente como hermanos y nos llevamos todos muy bien. Lo

estupendo es que hubo tanto tiempo entre el primer ensayo y el

rodaje, que tuvimos ocasión de conocernos bien”.

En cuanto a Russell, James asevera: “Es una persona

increíblemente generosa y desprendida. El hecho de llevar tanto

tiempo cosechando éxitos como actor lo convierte en un director

muy compasivo y complaciente; sabe lo que va a resultarnos más

difícil, o más fácil, y también cómo conseguir lo que quiere de

nosotros”.

“Lo que más me gustó, que resultó a la vez alucinante y

aterrador, fue cabalgar en un animal a 75 km/h directo hacia

material de filmación valorado en miles de dólares. No nos salió

bien a la primera y tuvimos que hacerlo dos o tres veces hasta

que lo conseguimos; fue un subidón, muy emocionante, algo que

recordaré durante mucho tiempo”.

STEVE BASTONI (OMER)

Steve Bastoni, nacido en Roma, Italia, es especialmente conocido

en Australia por sus numerosos trabajos para televisión, además

de películas como “Matrix Reloaded” y “15 Amore”, por la que fue

candidato a un premio del AFI al “mejor actor”. Además de EL

MAESTRO DEL AGUA, también tiene pendientes de estreno

“The Half Dead”, con John Rhys-Davies, y “Broke”, con Brendan

Cowell.

Steve, que conoce a Russell Crowe desde hace más de 20 años,

comenta sobre él: “Se exige muchísimo, más que ninguna otra

persona que conozca. Espera esa clase de compromiso de todos

cuantos lo rodean, y puedes verlo como un inconveniente si te

toca ser el blanco de sus atenciones, pero puedes verlo de otra

forma, que es que conseguirás resultados que anteriormente

podrían haber sido inalcanzables para ti”.

En cuanto a su papel de OMER, Steve comenta: “Aprendí turco, y

fui a Turquía para hacer lo que yo llamo una inmersión cultural, no

sólo para mejorar mi turco, sino para entender mejor a Omer,

cómo podría haber vivido y desarrollado sus actitudes”.

DYLAN GEORGIADES (ORHAN)

El personaje de ORHAN es el primer papel cinematográfico de

Dylan, que explica que es su “primer papel importante, he hecho

algunos sketches de “Rove”, y he sido extra en un sketch de

Shaun Micallef y otras cosas menores, ¡pero esto no tiene nada

que ver con el set de ‘Vecinos’!”.

“Tengo un agente, que me consiguió una audición ante la cámara.

Me volvieron a llamar, así que fui a casa de Russell, lo que fue

muy divertido. Estaba un poco nervioso, pero lo superé rápido.

Me fui a un campamento del colegio un par de semanas después y,

al día siguiente de irme al campamento, mis padres se enteraron

de que había conseguido el papel. Me costó un poco darme cuenta

de que no estaban de broma”.

Dylan apunta sobre ORHAN: “Es descarado como yo. Siempre

está contento, pese a haber perdido a su padre, porque tiene la

esperanza de que siga vivo”.

“Tuve un profesor de turco que vino a mi casa cada día durante

dos horas y me enseñó el idioma. Aprendí mucho sobre Turquía,

su cultura y su lengua”.

En cuanto a Russell Crowe como director, Dylan opina: “Russell

puede convertirse en Connor muy rápido, igual que en todas sus

demás películas. Aquí es más difícil, porque también es director,

pero lo hace con facilidad”.

“Nunca fui muy llorón de pequeño, así que me costó hacer la

escena en la que tengo que llorar. Russell me ayudó mucho, me

motivó en todo momento, es la razón por la que me salió bien esa

escena”.

Fast & Furious 7

Sinopsis: Séptima entrega de la franquicia automovilística.

Título original: Furious 7

Año: 2015

País: Estados Unidos

Duración: ? minutos

Género: Acción, crimen, suspense

Estreno en España: 02-04-2015

Estreno en USA: 03-04-2015

Director: James Wan

Reparto: Vin Diesel, Dwayne Johnson, Jason Statham, Paul Walker, Michelle

Rodriguez, Kurt Russell, Lucas Black, Djimon Hounsou, Tyrese Gibson,

Deepika Padukone, Nathalie Emmanuel, Nathalie Kelley, Tony Jaa, Ronda

Rousey.

Guión: John Michael McDonagh.

Producción: Vin Diesel, Michael Fottrell y Neal H. Moritz.

Música: Brian Tyler.

Fotografía: Stephen F. Windon.

Montaje: Leigh Folsom Boyd, Dylan Highsmith y Christian Wagner.

Diseño de producción: Bill Brzeski.

Vestuario: Sanja Milkovic Hays.

Productoras: Universal Pictures, Relativity Media, Dentsu, Fast 7

Productions, Legendary Pictures, One Race Films y Original Film.

Distribución en España: Universal Pictures.