ROY LICHTENSTEIN

…entre abstracción y figuración

EVOLUCIÓN DEL ARTE CONTEMPORÁNEO DÉCADA DE LOS SESENTA

La década de los sesenta fue un periodo crucial en el desarrollo y evolución del arte

contemporáneo. Desaparece casi por completo el INFORMALISMO y se produce la

mayor mutación en la Historia del arte contemporáneo.

El Informalismo se había convertido prácticamente en un academicismo reiterativo, razón

que marcó su declive y con él el de las diferentes tendencias de vanguardia que habían

dominado el siglo XX.

Frente a esta situación surgen diversas tendencias como respuesta:

NUEVA FIGURACIÓN que se entendió como una crisis de lo abstracto.

ABSTRACCIÓN NEOCONSTRUCTIVISTA frente a la falta de expresión de la abstracción

POP ART: refleja la realidad de la nueva cultura de masas a través de sus objetos.

NUEVOS REALISMOS comprensibles y críticos frente a la falta de contenidos del

Informalismo.

Esta encrucijada de estilos, junto al definitivo traslado del foco artístico desde París a

Nueva York, hacen que la década de los sesenta sea un periodo crucial para el arte en el

que si aún se mantiene el mito de la vanguardia, comienza a despuntar la Posmodernidad

que aflorará ya en la década siguiente.

INFORMALISMO1950-1960

POP ART

ESTEBAN VICENTE: “nº 11”, 1960 LUCIO FONTANA, “Concepto espacial”, 1962

Segundas vanguardias: se va perdiendo la figuración, la referencia a lo real.

Avance hacia el arte más conceptual de la postmodernidad

NUEVA FIGURACIÓN

LUCIAN FREUD: “Interior en Paddington”,1951

ANDY WARHOL: “”Campbell Soup”, 1969

NUEVOS REALISMOS

YVES KLEIN: “Venus blue”, 1961

ABSTRACCIÓN NEOCONSTRUCTIVISTA

BRIDGET RILEY: “Fiesta”

EL POP ART Y LA CRISIS DEL INFORMALISMO

En 1962 RAUSCHENBERG gana el premio de la Bienal de Venecia con una obra Pop Art en la que eran evidentes su impulso renovador y la recuperación de elementos neodadaístas referidos al empleo de objetos. La obra de Rauschenberg ponía de relieve lo anodino, repetitivo y poco innovador y agresivo del Informalismo en vigor desde hacía dos décadas.

* EL INFORMALISMO

Bajo esto epígrafe se agrupan una serie de tendencias como el Expresionismo Abstracto, el Arte Informal, la Pintura Sígnica y el Arte Matérico, que tanto en Europa como en América, se desarrollan entre los años cuarenta y mediados de los sesenta. Por informal se entiende ausencia total de formas reconocibles, máxima indeterminación y dispersión. Es un arte libre de esquemas geométricos, de líneas regulares o de colores planos en la que cuenta la expresividad del artista dentro de la no figuración: se valora el proceso creativo tanto como el resultado, lo que lleva a la denominada Action Painting y a la creación artística casi como un espectáculo de la actividad febril y veloz del pintor. JACKSON POLLOCK, MARC ROTHKO

Asimismo la “Pincelada amarilla y verde” de 1964, de Liechtenstein ironizaba sobre la PINTURA INFORMALISTA* al representar un gesto con los procedimientos gráficos de un cómic, evidencia de la total falta de impulso natural de la legión de pintores informalistas.

La cultura pop es el producto de la revolución industrial y la serie de revoluciones tecnológicas que le sucedieron. Si se unen la moda, la democracia y la máquina una parte de lo que resulta es la cultura pop.

“De la artesanía, a la producción en serie. Con la democratización de las máquinas, llegó una nueva forma de consumir. Estanterías repletas de cajas, botes y bolsas que repiten el mismo patrón de colores y formas comienzan a poblar las tiendas. Ya no importa tanto que los productos sean únicos, sino asequibles y ampliamente disponibles. Con punto de partida las investigaciones de Duchamp sobre las cualidades estéticas de los objetos cotidianos (con aquel urinario que es a la vez Virgen y Buda como máxima enseña), las vanguardias de principios del siglo XX comenzaron a partir de ahí a atisbar lo que de sublime puede tener lo banal.” SILVIA HERNANDO, en Infolibre

LO BANAL, OBJETO DE LA ACTIVIDAD ARTÍSTICA

…la incorporación de un mundo de objetos de consumo para transformarlos en imágenes con un sentido plástico sacudió al espectador de su rutina al colocar delante de él algo con un sentido y un significado diferente al que se le atribuía.

“La actividad principal del artista pop, su justificación, no es tanto para producir obras de arte, como para dar sentido al entorno, aceptar la lógica de lo que le rodea en todo lo que hace. El descubrimiento de esta lógica, su forma y su dirección se convierte en la principal tarea del artista.” NIKOS STANGOS: “Conceptos de arte moderno: Del fauvismo al posmodernismo.

LA VIDA COTIDIANA SE INTRODUCE EN EL ARTE

Roy Lichtenstein: “El refrigerador”, 1962

EL POP ART EN ESTADOS UNIDOS

Fue en los Estados Unidos donde el Pop Art arraigó de una manera especial, adquiriendo su pleno desarrollo a partir de los años sesenta.

El movimiento no fue bien acogido en un principio por parte de la crítica norteamericana, pues daba la sensación de que los artistas Pop echaban por tierra los logros alcanzados en la década anterior por los artistas del EXPRESIONISMO ABSTRACTO.

Pero al final acabó por implantarse y conseguir llegar al público entendido e interesar a los grandes coleccionistas y marchantes. Muy pronto el POP ART se convirtió en uno de los instrumentos imprescindibles para hacer frente al entorno urbano americano. Las grandes ciudades americanas, con su acumulación abigarrada de objetos, arquitectónicos o publicitarios, con la sociedad más capitalista y consumista del mundo, constituyeron, no sólo el telón de fondo natural de esta nueva tendencia, sino además su más importante fuente de inspiración.

EL POP ART EN ESTADOS UNIDOS

RAUSCHENBERG: “Kennedy”JASPER JOHNS: “Mapa” 1959

ANDY WARHOL: “5 botellas de Coca-Cola”, 1962

ROY LICHTENSTEIN: “Mujer en el baño”, 1963

GEORGE SEGAL: “Mujer peinándose en silla verde”, 1964

CLAES OLDENBURG: “Dropped Cone”, 2001

Tom Wesselmann: “Naturaleza muerta n º 24” 1962

JAMES ROSENQUIST: “Marilin Monroe I”, 1962

.

LEO CASTELLI, CREADOR DE MITOS Coleccionista, galerista y marchante de arte italiano. Nació en Trieste en 1907 y murió en Manhattan en 1999. Hijo de un banquero húngaro, recibió una esmerada educación y, gracias a sus continuos viajes por toda Europa, llegó a convertirse en un joven cosmopolita, culto y políglota introducido en los ambientes más selectos. Su pasión por el arte le llevó a abrir su primera galería en 1936, en París. Viajó a Nueva York en el año 1941 y cursó estudios de postgrado en Historia Económica en la Universidad de Columbia. Adquirió el derecho a la nacionalidad americana al hacer el servicio militar en los Estados Unidos. En 1956, organizó, en Nueva York, la mítica "Exposición de la calle 9", en la que presentó a 61 artistas, aún desconocidos y que se apartaban de los movimientos establecidos.

Hombre capaz de crear mitos, con una gran intuición para descubrir nuevos valores y con un interés incansable por lo novedoso, se convirtió en uno de los más importantes promotores del arte de vanguardia. Fue uno de los impulsores del expresionismo abstracto, considerado como el primer movimiento pictórico netamente americano, pero sin duda su fama la adquirió como "descubridor" del pop art: en 1951 descubrió a Rauschenberg y Warhol, en el 1957 a Jasper Jons y Twonbly. Después promocionó a los minimalistas y los conceptuales. Su galería neoyorquina, abierta en el 57, fue uno de los centros neurálgicos del arte del momento, cuando las vanguardias artísticas se sucedían en esta ciudad que había heredado de París el protagonismo mundial de las corrientes artísticas en la segunda mitad de siglo XX.

“El Pop-Art se opone a lo abstracto mediante el realismo, a lo emocional mediante el intelectualismo y a la espontaneidad mediante una estrategia compositiva.”

“El Pop es una manifestación cultural absolutamente occidental que ha ido creciendo bajo las condiciones capitalistas y tecnológicas de la sociedad industrial. América es el centro de este programa. Por tanto se produce la americanización de la cultura de todo el mundo occidental, en especial la de Europa. El Pop Art analiza artísticamente esta situación, visualiza un sismograma de nuestras modernas conquistas industriales y su absurdo, los límites de una sociedad de masas y medios de comunicación que estalla por los cuatro costados. El Pop Art vive de las grandes ciudades. En sus comienzos fueron Londres y Nueva York los nuevos centros artísticos del mundo occidental, en su desarrollo durante los años sesenta se incorporaron otros centros europeos secundarios.” TIRMAN OSTERWOLD: “POP ART”. TASCHEN

(Nueva York, 1923-1997) Fue uno de los máximos exponentes del arte pop americano. De familia acomodada, de Manhattan. Durante su juventud, desarrolla un gran interés por el dibujo y pasa mucho tiempo dibujando y construyendo maquetas de aviones. Su educación artística comienza en 1940 cuando al finalizar la educación secundaria se inscribe en las clases de verano del Art Students League of New York. Continúa su formación en la Universidad Estatal de Ohio hasta que en 1943 se une al ejército para servir en la Segunda Guerra Mundial. A su vuelta trabaja como oficinista y dibujante, agrandando para su oficial viñetas del periódico del ejército Stars & Stripes (Estrellas y Barras). Vuelve a la universidad y tres años más tarde obtiene una licenciatura y un máster en Bellas Artes, en 1946 y 1949 respectivamente, entra en el programa de postgrado y es contratado como profesor de arte.

ROY LICHTENSTEIN

Como pintor, escultor y grabador recibe numerosos premios internacionales y distinciones académicas de varias universidades. La Medalla Nacional de la Artes le es concedida en 1995. En el momento de su muerte, en 1997, a los 73 años, estaba empezando a investigar una nueva realidad fabricada, los llamados “cuadros virtuales”.

Elementos de la sociedad de consumo, de la vida cotidiana y de la cultura de masas, que sacaba de la publicidad, los cómics y las revistas populares. A través de estas composiciones, en apariencia sencillas, pintadas casi exclusivamente con colores primarios, hizo una personal crítica del mundo contemporáneo.

Imágenes tomadas de los cómics que había en los papeles de envolver chicles, libremente interpretadas y mezcladas con imágenes sacadas de los cuadros del Viejo Oeste de otro artista estadounidense, Frederick Remington. Son ampliaciones de los personajes de los dibujos animados, reproducidas a mano, con la misma técnica de puntos y los mismos colores primarios y brillantes que se utilizan para imprimirlos.  Imágenes comerciales de producción masiva.

CARACTERÍSTICAS DE SU PINTURA

Sus últimas obras, entre las que están las reproducciones de personajes muy populares de la crónica social, paisajes estilizados y copias de postales de templos clásicos, muestran la influencia de Henri Matisse y Pablo Picasso. También sus esculturas recrean los efectos de los cómics. Ha realizado obras en cerámica.

El uso de la ironía caracteriza la obra de Lichtenstein, como lo hizo en el trabajo de muchos de sus contemporáneos del arte pop como Warhol.

Variedad de técnicas: óleo, pastel, acuarela, tinta, lápiz y en estampas realizadas a partir de grabados de madera y de lino.

Pintura acrílica de secado rápido soluble en aguarrás llamada Magna para las grandes superficies de sus lienzos, pero, dado que ésta se seca demasiado rápido, sigue pintando los puntos Benday (método cercano al puntillismo) con óleo, usando para ello unas plantillas de metal perforadas.

Lichtenstein revierte la tendencia de la automatización en las artes visuales con su reproducción a mano.

Cromatismo plano y brillante. Utiliza sobre todo colores primarios: rojos estándar, amarillos, azules. Figuras delineadas con perfiles en negro.

Formatos grandes, ampliaciones de los personajes de los dibujos animados. Técnicas específicas del cómic, tales como las burbujas de diálogo. Cuadros abstractos, luminosos y muy empastados. Contraposición de tramas, superficies lisas. Utiliza materiales industriales como plexiglás, metal, motores, lámparas y un plástico

multi-lente llamado Rowlux, que produce un efecto de resplandor. Incorpora el bronce a su repertorio de materiales. Realiza esculturas a gran escala en latón y cristal tintado inspiradas en diseños Déco. Pinturas modulares con imágenes de estos mismos diseños.

TÉCNICAS

Técnicas

Es una técnica de impresión empleada en el método de reproducción de documentos e imágenes sobre cualquier material, y consiste en transferir una tinta a través de una malla tensada en un marco, el paso de la tinta se bloquea en las áreas donde no habrá imagen mediante una emulsión o barniz, quedando libre la zona donde pasará la tinta.El sistema de impresión es repetitivo, esto es, que una vez que el primer modelo se ha logrado, la impresión puede ser repetida cientos y hasta miles de veces sin perder definición.

Serigrafía

Es la expresión artística más característica del dadaísmo, que trata de transformar objetos de uso cotidiano en obras de arte sin modificar su aspecto externo siendo su principal objetivo generar una sensación de absurdo y de sorpresa tratando, de este modo, de socavar todo concepto artístico tradicional. Los primeros ready-made fueron ideados y realizados por Duchamp en 1913.

Ready-made

Extensiones de puntos que imitan las tramas utilizadas, como una técnica de sombreado, en el diseño gráfico y la impresión. Utilizados por Roy Liechtenstein.

Puntos Benday

Pintura acrílica de secado rápido soluble en aguarrás, para las grandes superficies.

Magna

(…) “Lichtenstein, al igual que Warhol, no había encontrado aún un estilo con el que se sintiera cómodo y por el que fuera inmediatamente reconocible. Hasta que llegó a los cómics en 1961. Su método consistía en encontrar una escena de tebeo dramática, recortarla y hacer un dibujo exacto de esta. La ampliaba proyectándola sobre un lienzo, la dibujaba de nuevo en una escala mayor, hacía algunos ajustes compositivos y luego la coloreaba. El resultado era un cuadro de gran formato idéntico a la pequeña viñeta original que le había servido de modelo.Los cómics eran un territorio muy próximo para que los artistas del pop art llevaran a cabo sus investigaciones, lo que explica que él y Warhol, igual que otro pintor llamado James Rosenquist, llegaran a la misma idea casi simultáneamente. Sin embargo, la diferencia entre ellos era el método pictórico empleado por Lichtenstein. Este imitaba el estilo gráfico, las letras y los bocadillos de texto de los cómics y también su proceso de impresión.” WILL GOMPERTZ: "Qué estás mirando?

“En la década de 1960, los cómics se imprimían mediante una técnica llamada puntos Ben-Day. Se basaba en los mismos principios que el puntillismo de Seurat: puntos de color aplicados sobre una superficie blanca que nunca se superponían y que dejaban una mínima superficie entre ellos. El ojo humano percibe un «resplandor» de color alrededor de cada punto y opera mezclando los puntos de diferentes colores que los rodean, lo que suponía un ahorro para los impresores y para los compradores de tebeos. Si la impresión no cubría toda la superficie de papel, sino que solo se entintaban puntos de color, el coste era mucho menor.Lichtenstein copió este método y, al hacerlo, surgió un estilo que hizo que sus obras fueran reconocibles al instante.” WILL GOMPERTZ: "Qué estás mirando?

ROY LICHTENSTEIN: “Oh, Jeff ... Te Amo, también ... Pero ... “, 1964

Utilización de plantillas como en la pintura industrial

Roy Lichtenstein: “Hopeless”, 1962. Acrilico

1940: retratos y naturalezas muertas en la línea de Picasso y Braque. Estudia en un curso con el profesor Sherman titulado Dibujar mirando, en el que los estudiantes, sentados en la oscuridad, deben dibujar objetos colocados o suspendidos en medio de una habitación, iluminados durante un solo segundo por un fogonazo de luz. A partir de ese momento, las teorías de Sherman sobre la “percepción organizada” constituyen la base del trabajo de Lichtenstein. Realiza esculturas de estilo precolombino.En 1948 Lichtenstein forma parte de una exposición colectiva en la Ten-Thirty Gallery de Cleveland, una cooperativa de artistas. Allí expone cuadros de músicos, de obreros, de un piloto de carreras y hasta de un buzo de alta mar, pintados a partir de sencillas formas biomórficas bien delineadas, que plasman el estilo caprichoso e infantil de Paul Klee. 1949: personajes inspirados en cuentos de hadas a los que rodea de una selección de flora y fauna surrealista. A comienzos de 1952, Lichtenstein se une al elenco de artistas de la John Heller Gallery en Nueva York y expone interpretaciones de destacadas obras del siglo XIX americano. Otro motivo destacado en la obra correspondiente a su periodo pre-Pop son los vaqueros e indios americanos.

DÉCADA DE LOS 40 Y 50

"The Cowboy (Red)”, 1951

Primera exposición en solitario en Nueva York, en abril de 1951 en la Carlebach Gallery.

"El final del camino”, 1951

"Washington que cruza Delaware”, 1951

En el otoño de 1957, Su obra se vuelve más abstracta y expresionista. En 1958 se pueden descifrar imágenes de Mickey Mouse, el Pato Donald y Bugs Bunny ocultas en algunos de sus trabajos. 1959: Sus cuadros abstractos, luminosos y muy empastados, se exhiben en la Riley Gallery de Nueva York.

"Perseguido por los indios americanos”, 1952

A comienzos de 1952, Lichtenstein se une al elenco de artistas de la John Heller Gallery en Nueva York y expone interpretaciones de destacadas obras del siglo XIX americano. Otro motivo destacado en la obra correspondiente a su periodo pre-Pop son los vaqueros e indios americanos.

En el otoño de 1957, Su obra se vuelve más abstracta y expresionista. En 1958 se pueden descifrar imágenes de Mickey Mouse, el Pato Donald y Bugs Bunny ocultas en algunos de sus trabajos. 1959: Sus cuadros abstractos, luminosos y muy empastados, se exhiben en la Riley Gallery de Nueva York.

DÉCADA DE LOS 60

Comienza una serie con cabezas realizadas en cerámica y con platos y tazas apilados. Pinta grandes óleos a base de gigantescas pinceladas que cruzan el lienzo.

Crea paisajes terrestres y marinas utilizando materiales industriales como plexiglás, metal, motores, lámparas y un plástico multi-lente llamado Rowlux, que produce un efecto de resplandor. Comienza su serie sobre pintura moderna inspirada en los motivos Art Déco del Radio City Music Hall del Rockefeller Center en Manhattan e introduce en su trabajo el efecto de graduación de los puntos Benday.

Crea su primera serie de esculturas a gran escala en latón y cristal tintado inspiradas en diseños Déco. Poco después llegarán las pinturas modulares con imágenes de estos mismos diseños.

Introduce el tema de los almiares y de la catedral de Rouen vista a distintas horas del día. inspirado por las series de cuadros de Claude Monet,

Realiza su primera y última película para el programa Arte y Tecnología de Los Ángeles County Museum of Art.

Su serie más famosa apareció en la década de 1960, cuando presentó una conjunto de piezas que partían de imágenes tomadas del mundo del cómic, presentadas en formatos grandes sobre una trama tipográfica de puntos, sobre fondo blanco. Su intención era despojarlas de toda intencionalidad y reducirlas a meros elementos decorativos, a lo que contribuía la restricción de colores, reducidos a amarillo, rojo y azul, perfilados por gruesas líneas negras.

A principios del verano de 1961 pinta Look Mickey, su primer trabajo clásico con una viñeta, en el que emplea un efecto de media tonalidad con los puntos *Benday que obtiene sumergiendo un pincel de pelo de perro en pintura de óleo. Ese otoño Leo Castelli acepta representar las obras de Lichtenstein y las ventas pronto se disparan.

Lichtenstein buscaba la imagen clara y contundente que el espectador pudiera reconocer al instante.

Roy Lichtenstein: ”Look Mickey”, 1961

"Popeye”, 1961

"Lavadora“, 1961

Roy Lichtenstein: “Keds”, 1961

Roy Lichtenstein: “Neumático” , 1962

Lichtenstein elevaba a los altares el objeto, le otorgaba el don de la individualidad y lo transformaba en abstracto.

Roy Lichtenstein:“Golf ball”, 1962

“Ovillo de cordel”, 1963“Lupa”, 1963

"Spray“, 1962

“El anillo (Compromiso)”, 1962

“Art“, 1962

“Para Lichtenstein era casi imposible observar el arte con la reverencia que le otorgaba la clase media educada. El aura que lo envolvía era como un globo de aire caliente que Lichtenstein no podía evitar pinchar. El cuadro de gran tamaño “Art” era un signo para ser colgado en la pared que implicaba que su propietario era un coleccionista, una persona cultivada. ¿En qué se había convertido el arte, sino en una mercancía, un símbolo de la clase coleccionista?... (…) el arte merecía que se lo pusiera de nuevo en contacto con la realidad en forma de cultura popular.” JANIS HENDRICKSON

Roy Lichtenstein: “Girl with ball”, 1961 Roy Lichtenstein: “El refrigerador”, 1962

Contornos negros con una paleta que se reducía al blanco, el negro y los colores primarios (amarillo, rojo y azul).

En febrero de 1962, Leo Castelli exhibe los cuadros de Lichtenstein en una exposición monográfica de obras basadas en las series de tiras de cómics e imágenes publicitarias rudimentarias de la prensa. A lo largo de ese año, el trabajo pop de Lichtenstein se muestra en seis grandes exposiciones por todo el país. Sus obras son expuestas junto a las de otros artistas pop como Andy Warhol y Jasper Johns en Leo Castelli Gallery, donde en 1962 todas las obras de su exposición individual se venden anticipadamente antes de la inauguración. La influencia de los coleccionistas pesa más que la de aquellos críticos que consideran sus representaciones de objetos cotidianos y viñetas de comic vacías y vulgares. Las series de lienzos basadas en viñetas de mujeres de DC Comics e imágenes de explosiones lo posicionan como uno de los artistas Pop Art más reconocidos en la escena internacional.

En los cuadros-viñeta que lo hicieron popular, la acción se sitúa fuera del lienzo y lo que captura el pintor es un momento sin principio ni final, coronado con una frase enigmática dentro de un bocadillo. Siempre consideró la composición como uno de los pilares fundamentales de un cuadro. La contraposición de las tramas, las superficies lisas y las burbujas buscaban ser un collage de texturas.

Roi Lichtenstein: “Masterpiece”, 1962

Roy Lichtenstein: ”El beso”, 1962

El beso fue una de las primeras pinturas de "tiras de cómic" por las que Roy Lichtenstein se convirtió famoso en los círculos artísticos.

Roy Lichtenstein: ” Eddie Diptych”, 1962

“Mujer en el baño”, 1963

1963: comienza una serie sobre mujeres de programas televisivos y motivos bélicos de la Segunda Guerra Mundial que había encontrado en las páginas de D. C. Comics. Con un proyector opaco amplía en sus lienzos los bocetos realizados con lápices de colores y comienza a usar una pintura acrílica de secado rápido soluble en aguarrás llamada Magna para las grandes superficies de sus lienzos, pero, dado que ésta se seca demasiado rápido, sigue pintando los puntos Benday con óleo, usando para ello unas pantallas de metal perforadas que adquiere en tiendas.

Una joven llora a mares en el río de sus propias lágrimas, Se está ahogando en sus emociones y se ha abandonado a las fuerzas destructoras. Brad debe haberla herido profundamente y prefiere la muerte antes que pedirle ayuda.Lichtenstein adopta una técnica de cómic sofisticada. La cabeza de la chica es monumental, el cuadro tiene casi la misma medida que una mujer alta. Yace en el agua como si fuera una cama, una mezcla de erotismo y de lugar de reposo final.La elegante ola, a modo de almohada es una adaptación de “La gran ola” del artista japonés Hokusai según admitió el propio Lichtenstein. JANIS HENDRICKSON

Roi Lichtenstein: “Chica ahogándose”, 1963

Roy Lichtenstein: “En el coche”, 1963. Magna sobre lienzo. 76 x 101.6 cm.

En noviembre de 2005, Christie’s vendía un lienzo (In the car) de tamaño medio de Lichtenstein por 16.256.000 dólares (12.558.600 euros). euros).La cantidad más alta pagada en subasta por una obra de uno de los grandes nombres del arte pop. La pintura muestra a una pareja en el interior de un automóvil. Y está pintada con esa fórmula de puntos gruesos simulando una viñeta de cómic que le hizo célebre.

A la sociedad y a los artistas les interesa ese enorme potencial que tiene el coche para narrar historias.

Roy Lichtenstein: “I Konw Brad”, 1963

“Pensando en él”, 1963

“Good Morning, Darling”, 1964

“Ohhh... Alright...”, 1964. Óleo y resina acrílica Magna sobre lienzo

Roy Lichtenstein: “Crying girl”, 1964.

Roy Lichtenstein: “Crying girl”, 1964.

"Girl in Mirror”, 1964

“Nos levantamos lentamente”, 1964

“El beso”, 1964

“Sleeping girl”, 1964

“Shipboard Girl”, 1965

“La melodía me persigue en mi ensueño”, 1965

“Lo que hago es forma, mientras que la tira de historietas no está formada en el sentido a que me refiero; las historietas tienen formas pero no se ha hecho ningún esfuerzo por unificarlas intensamente. El propósito es diferente: se pretende reproducir, y yo pretendo unificar.”Roy LICHTENSTEIN

Roy Lichtenstein: “M-Maybe” (A Girl's PiclUrc), 1965Magna sobre tela, 152X 152cm

M-maybe”, 1965

Comenzó a transformar las fórmulas del cómic en un lenguaje pictórico. Los contornos eran negros, la paleta se reducía al blanco, el negro y los colores primarios (amarillo, rojo y azul). En 1961 empezó a aplicar extensiones de puntos que imitan las tramas de impresión o puntos Benday (en honor a su inventor, Benjamin Day, ilustrador y grabador). En estas primeras obras Lichtenstein los pintó a mano, pero después adoptó un sistema de plantillas.

Entre sus pinturas, siempre de gran formato, destaca Takka, Takka de 1962, donde se aprecia la voluntaria exención de dramatismo mediante la homogeneidad de la malla de puntos, el cromatismo plano y brillante y la supresión de la gestualidad en la pincelada, para representar una escena de temática siempre banal.

Roy Lichtenstein: “Blang!”, 1962

Roy Lichtenstein: “Blam!”, 1962

“Destacar lo absurdo de la agresión militar es un objetivo secundario de mis pinturas de guerra. Personalmente opino que gran parte de nuestra política exterior ha sido increíblemente aterradora, pero no es de eso de lo que trata mi obra, y no tengo intención de sacar provecho de esta pura postura popular. Mi obra trata más bien de la definición americana de las imágenes y de la comunicación visual” ROY LICHTENSTEIN

“Whaam”, 1963, pintura acrílica sobre lienzo.

“Whaam!”, 1963.

“As I opened fire”, 1964

“Torpedo...LOS!”, 1963

"Científico loco“, 1963

Trigger Finger”, 1963

“Pistola”, 1964“Lightning Bolt”, 1966

Roy Lichtenstein:“Foot and Hand”, 1964

"Pero las obras de arte no pueden

ser realmente el producto de

sensibilidades embotadas: sólo un

estilo o postura. Es, sin embargo, la

calidad real de nuestro tema: los

estilos de arte especialmente raros,

extraños y comerciales de modo

oportunista, a que hace referencia y

que amplifica el Pop art.”

ROY LICHTENSTEIN

ROY LICHTENSTEIN: “Explosión nº 1”, 1965

“Sweet Dreams Baby!”, 1965

“Grrrrrrrr!!” 1965

“Head blu shadow”, 1964 “Head red shadow”, 1964 “Head black shadow”, 1965

“Ceramic sculpture”, 1965“Ceramic sculpture”, 1965

“Ceramic sculpture, nº 10”, 1965

“Templo de Apolo”, 1964

El templo griego como símbolo de una atracción turística estereotipada.

“Templo de Apolo”, 1964

"Paisaje ártico“, 1964

En 1964, Lichtenstein retoma las imágenes inventadas con una serie de paisajes de horizonte compuestos principalmente de puntos Benday.

“Paisaje marino”, 1964

"Paisaje“, 1964

Se dejó influir en los sesenta, setenta, los ochenta y los noventa por el cubismo, el expresionismo y el surrealismo. La abstracción comenzó con ejemplos como Landscape with column (1965) o Yellow sky (1966). Continuó con las pinturas tipo mural de Figures in landscape (1977) y lo acompañó hasta el final de su vida con paisajes minimalistas, de influencia japonesa, como Landscape in fog (1996).

"Ruinas”, 1965

“Sunrise”, 1965

ROY LICHTENSTEIN: “Paisaje”, 1966

“Pintura moderna con Sun Rays”, 1967 Petróleo y Magna sobre lienzo 122,3 x 172,7 cm

“Still life after Picasso”, 1964

”Paris Review Poster”, 1966

“Con su serie de pinturas sobre “Brushtrokes” (Pinceladas), Lichtenstein ironizaba acerca del culto exagerado que la pincelada recibía en el expresionismo abstracto, como por ejemplo en los cuadros de Jackson Pollock y otros artistas, aunque al mismo tiempo minaba el fundamento de la visión que el arte moderno tiene de si mismo, basado en la originalidad artística y en el carácter único, por principio, de cada obra de arte. Lichtenstein aisló la pincelada del contexto pictórico, la amplió y aumentó por medio de la proyección, y reprodujo el resultado en el lenguaje estandarizado del cómic, especializado en la producción impresa en masa. “Pincelada amarilla y verde” muestra dos garabatos superpuestos realizados con un pincel, junto con algunas salpicaduras de color…

“Pinceladas amarilla y verde”, 1966

“Pequeña gran pintura”, 1965

… Pero por muy sencilla que pueda parecer la configuración del cuadro, presenta una complicada estructura. El primer ejemplo para la serie procedía de un dibujo del cómic, pero las demás variaciones son resultado del penoso proceso de pruebas y ensayos llevado a cabo hasta hallar la forma deseada.. Lo que, gracias a su admirable dinámica se presenta como una constelación espontánea, prácticamente casual, es el producto de un complicado proceso mecanizado.” KLAUS HONNEF: “Pop Art”

“Gran pintura N º 6”, 1965

“Si las obras de Pollock o Rothko versaban sobre la existencia y los sentimientos, las de Lichtenstein y Warhol se centraban en el aspecto material, y de paso eliminaban toda huella de sí mismos. Lichtenstein incluso pintó un cuadro titulado Brochazo (Brushtroke, 1965) en el que parodiaba el expresionismo abstracto y convertía el símbolo de la expresión personal (un gran brochazo gestual) en un objeto impersonal y producido en serie.” WILL GOMPERTZ: "Qué estás mirando?

“Brushtroke ”, 1965

“ Red Painting ”, 1965

“ Yellow and red brushstrokes ”, 1966

“Brushstrokes”, 1965. Petróleo y magna sobre lienzo. 122 x 122 cm

“Preparación”, 1968

“Pirámides”, 1968

“Pirámides”, 1969

CATEDRAL N º 6, DE LA SERIE CATEDRAL, 1969SERIE CATEDRAL Nº 4, 1969

Lichtenstein se apropia de géneros existentes. En sus obras se aprecia su predilección por Picasso y experimentará con el cubismo, pero también con el surrealismo, futurismo y expresionismo, cogerá un Picasso, un Mondrain, las catedrales de Monet, el Jinete Rojo de Carrá, y los adaptará al lenguaje del cómic.

SERIE CATEDRAL Nº 5, 1960 MONET, CLAUDE, CATEDRAL DE ROUEN, 1894

"Granero rojo II“, 1969

DÉCADA DE LOS 70

“Espejo # 4”, 1970 “Espejo”, 1972

Espejos y entablamentos son motivos centrales en sus trabajos de la década de  1970

“Espejo de Seis Paneles # 2”, 1970

Estos espejos muestran un nivel de abstracción tal que si no fuera por el título serían difícilmente reconocibles para el espectador.

“Espejo de Seis Paneles # 3”, 1970

Los espejos dan al artista la oportunidad de convertir algo tan inmaterial como la luz en una presencia definida.

“Entablamento”, 1975

Los entablamentos están dibujados con las sombras que dan ellos mismos. Al igual que en los espejos el juego de luz es esencial. El aspecto que más interesaba a la sensibilidad de Liechtenstein era la repetición mecánica de elementos carentes de emoción.

"Uvas azules”, 1972“Vidrio y limón en un espejo”, 1974

1971: deja Manhattan y decide irse a vivir y trabajar a Southampton, en la punta este de Long Island. Lichtenstein toma prestados algunos temas de maestros modernos y pasa los años siguientes creando naturalezas muertas que sintetizan su estilo propio y el de los maestros. También empieza a experimentar con nuevos colores y texturas en sus cuadros.

Roy Lichtenstein: “Still Life with Goldfish Bowl”, 1972 “Naturaleza muerta con peces de colores”, 1974

“Plátanos y pomelo # 1”, 1972 “Cristal IV”, 1977

“Estudio de artista, Mira Mickey “, 1973

“Estudio del artista - La danza“, 1974

ROY LICHTENSTEIN: “Estudio del artista - La danza“, 1974

MATISSE: “La danza”, 1909

Roy LichtensteinJoven con lágrima III, 1977

"Desnuda en la playa“, 1977

"Reclining Bather“, 1977

"Figuras con la puesta del sol“, 1978

Al final de la década, sus bocetos de Naturalezas muertas, Cabezas y Paisajes han recorrido todo el espectro estilístico, desde el cubismo al surrealismo y al expresionismo alemán.

Roy Lichtenstein: “Figures in landscape”, 1977

Se fue distanciando poco a poco de la realidad, creando un mundo artificial que lo devolvía progresivamente a la abstracción. Se suele atribuir una presunta frialdad a las obras de Lichtenstein, por la meticulosidad del diseño y las composiciones limpias, casi mecánicas.

“Naturaleza muerta con expediente”, 1976“Autorretrato”, 1978

“El jinete rojo”, 1974

Carra pretendía comunicar el patetismo, la velocidad y el heroísmo, el olor del sudor humano y animal y el retumbar de cascos galopantes.

Para Carrá el protagonismo lo da el jinete con sus patas y el lomo de caballo, mientras que Lichtenstein integra toda la imagen con cierta igualdad.

Carrá: “El Jinete Rojo”, 1913

Versión de “El Jinete Rojo” de Carrá de 1913, adaptado al lenguaje del cómic.

“El jinete rojo”, 1974Tanto la superficie del caballo como la del jinete con su unidad estructural. La sombra en estas unidades da el volumen y profundidad.

La cabeza del caballo tiene una apariencia mecánica; el pie desnudo del jinete con una forma circular evoca el pedal de una bicicleta.

Los perfiles vibrantes comunican movimiento en el tiempo.

Lichtenstein conservó su selección cromática con sombras de rojo, amarillo y azul. Aplicó colores primarios puros, descomponiéndolos en puntos bendéi para conseguir medios tonos. Consigue el volumen graduando el tamaño de los puntos bendéi. Aunque no logra la sensación de superficie plana.Para Carrá el protagonismo lo da el jinete con sus patas y el lomo de caballo, mientras que Lichtenstein integra toda la imagen con cierta igualdad.

En los ochenta decide reinstalar su estudio en Manhattan. Se centra entonces en las líneas del estilo abstracto. En su indagación del expresionismo abstracto yuxtapone pinceladas desestructuradas junto a réplicas firmadas de sus pinceladas. A principios de 1985, la abstracción geométrica es objeto de una atención semejante en sus series Perfecto, Imperfecto y Plus y Minus. Al final de la década, la reflexión es el tema predominante en su trabajo. Reconfigura algunos de los motivos, de su repertorio Pop con un formato de composición nuevo y audaz.

DÉCADA DE LOS 80

“Expressionist head“, 1980

Roy Lichtenstein: “Tema Indígena Americano”, 1980 Grabado en madera, impreso en color

“Paisaje con figuras y arco iris”, 1980

“figura femenina”, 1980

“Paisaje con figuras y el sol”, 1980

"Pintura Perfect # 1“, 1985

"Cielo y agua”, 1985

Roy Lichtenstein: “Reflexiones de Arte”, 1988

Roy Lichtenstein: “Bauhaus stairway”, 1989

La Bauhaus es un referente para cualquier diseñador

Oskar Schlemmer: “Bauhaus Stairway“, 1932

"Mural Telaviv“, 1989

En los noventa, series con vistas interiores de casas sacadas de los pequeños anuncios de las páginas amarillas. Siguen presentes el trabajo y las indagaciones de Lichtenstein sobre el ilusionismo, la abstracción, la serialización, la estilización .

DÉCADA DE LOS 90

“Interior con espejo de pared”, 1991

“Interior con espejo de pared”, 1991

"Interior con el móvil“, 1992

"Dormitorio en Arles“, 1992

“Desnudos con balón de playa”, 1994

“Chica con pirámide”, 1994

“Paisaje en la niebla”, 1996

TIMES STATION SQUARE, la calle 42 del metro estrena TIMES SQUARE MURAL EN 2002 (Collage 1990, hecho en 1.994) esmalte de porcelana en la pared

TIMES SQUARE MURAL  captura el espíritu del metro, su movimiento lineal y la energía dinámica. Con un guiño tanto al pasado como al futuro -su imagen central es un coche con forma de bala futurista.  Es Times Square, en el corazón de la ciudad de Nueva York.

Roy Lichtenstein: “La Cara de Barcelona”, 1991-92

En esta década de los 90, finaliza una serie de proyectos escultóricos y pictóricos a gran escala que le habían sido encargados desde los sectores público y privado.

“Brushstroke” 1996. Aluminio y pintura

Brushstroke (Pincelada) es una escultura monumental que trata el tema del oficio de pintor, como el título indica, vinculada a la pintura que Lichtenstein realizó en 1965 en referencia al Action Painting a través de «citas» de la pincelada gestual que caracteriza al expresionismo abstracto. A partir de los años ochenta, Lichtenstein adapta la temática del brochazo a las tres dimensiones mediante maquetas, esculturas de medio tamaño y formatos monumentales. Mediante esta obra, erige un gran signo plástico que parodia, de forma irónica, un estilo pictórico caracterizado por la introspección, el subjetivismo y el gesto personal y espontáneo del pintor. En la escultura monumental este gesto queda desnudado, mecanizado y reducido a su mínima expresión como signo. Por otro lado, la obra documenta la tendencia monocroma, en contraste con el cromatismo asociado al arte pop, del último período productivo del artista. Brushstroke fue instalada en el patio del edificio diseñado por Jean Nouvel para la ampliación del Museo Reina Sofía con motivo de la exposición Roy Lichtenstein. All About Art que tuvo lugar en 2004. MUSEO REINA SOFÍA

“Fue el artista pop de más edad y, junto con Warhol, también uno de los más influyentes. Su enfoque afectó al pensamiento visual de la corriente central y de la subcultura de su propio país, de Europa, e incluso, en algunos casos, del Próximo y Lejano Oriente. Una simple mirada a las carteleras de la mayoría de ciudades o a los escaparates de sus tiendas, supermercados, drugstores o incluso bancos será suficiente para entenderlo. Lo que la publicidad dio al pop art en forma de inspiración ha resultado muy fructífero desde entonces. Básicamente, su proceso de conversión siguió el mismo curso que cuando Picasso y Mondrian fueron trivializados y se introdujeron en los niveles populares, en el diseño de interiores, en la publicidad o en patrones para vestidos. Pero la realimentación de un estilo cuyo tema principal ya era lo banal o mundano fue mucho más evidente que la influencia subliminal de Mondrian o el grupo de De Stijl. Lichtenstein contribuyó tanto como Warhol a este efecto de realimentación. Monumentalizó las tiras de historietas y, con la mezcla de fascinación e ironía tan típica del pop art, dió a los héroes y heroínas de los cómics la misma dignidad visual que su gran ídolo, Léger, había proporcionado al mundo de los obreros anónimos. Sin embargo, Lichtenstein también pagó su tributo al arte elevado, utilizando adornos míticos de los iconos sublimes y sagrados de la cultura occidental, desde el templo griego hasta la Catedral de Rouen de Monet, desde Picasso a Mondrian hasta las pinceladas del expresionismo abstracto, disolviéndolos en los patrones de puntos estériles de los métodos de la pintura comercial.” KARL RUHRBERG: “Arte del siglo XX”. Pintura. Taschen

“Las reglas de la civilización condicionan las imágenes de los hombres y las cosas, la naturaleza y la técnica. Pop es una consigna ingeniosa, irónica y crítica, una réplica de los slogans de los medios de masas cuyas historias hacen historia, cuya estética condiciona los cuadros y la imagen de la época, y cuyos clichés «modelo» influyen en las personas.” TILMAN OSTERWOLD

FUENTES

JANIS HENDRICKSON: “Lichtenstein”. Edit. TaschenTIRMAN OSTERWOLD: “POP ART”. Edit. Taschen NIKOS STANGOS: “Conceptos de arte moderno: Del Fauvismo al posmodernismo” JUAN F. RUIZ (revista MEMORIA) KLAUS HONNEF: “Pop Art”. TaschenJON THOMPSON: "Cómo leer la pintura moderna“ Edit. ElectaRUHRBERG, SCHNECKENBURGER, FRICKE, HONNEF: “Arte del siglo XX”. Edit. Taschen WILL GOMPERTZ: "Qué estás mirando?...Edit. Taurus FLAMINIO GALDONI: “ART. Todos los movimientos del siglo XX” Edit. SkiraSTEPHEN FARTHING: “ARTE. TODA LA HISTORIA”. Edit. Blum KARL RUHRBERG: “Arte del siglo XX”. Pintura. Taschen

BIBLIOGRAFÍA

http://www.wikiart.org/es/Artists-by-Art-Movement/pop-arthttp://www.artchive.com/artchive/pop_art.htmlhttp://web.archive.org/web/20081013145630/http://popartmachine.com/masters/http://cultura.elpais.com/cultura/2014/06/06/actualidad/1402077242_412634.html http://www.wikiart.org/es/Artists-by-Art-Movement/pop-art

http://www.epdlp.com/pintor.php?id=6565http://cultura.elpais.com/cultura/2014/06/06/actualidad/1402076484_159992.htmlhttp://elpais.com/diario/2011/12/30/cultura/1325199601_850215.html