tema 11.4 el arte barroco. cuarta parte. españa

Marta López , Ave María Casa Madre 1

Tema 114ª parte, Barroco Español


Arquitectura barroca en España.

• Decadencia del imperio español.• Crisis demográfica y económica: guerras, las pestes y el hambre propiciaron

una fuerte emigración a América y una notable disminución de la población.• Crisis económica. Escasez de encargos de importancia, pobreza de materiales.• La Iglesia como principal cliente.• Simplicidad en las estructuras –planta de cajón-, desbordamiento decorativo

Contexto Histórico


Primera mitad del XVII.• Urbanismo: plazas mayores, función variada, espacio cerrado,

porticado. Plaza Mayor de Madrid, Gómez de Mora en 1620.• Pervivencias escurialenses, Convento de la Encarnación, Madrid, Fray

Alberto de la Madre de Dios.• Palacio del Buen Retiro de Alonso Carbonell.


Pleno Barroco. Mediados del XVII y principios del XVIII.• Aumento de lo ornamental, derroche decorativo, “Churrigueresco”:4. Madrid: Pedro de Ribera, (1683-1742) uso del estípite, hospicio de Madrid.5. Salamanca: José Benito de Churriguera, (1665-1725). Retablo de San Esteban6. Salamanca: Alberto de Churriguera, Plaza Mayor.7. Toledo: Narciso Tomé, Transparente de la Catedral de Toledo8. Granada: Alonso Cano, Fachada de la Catedral de Granada, gran arco triunfal.9. Granada: Cartuja, Sacristía.10. Sevilla: Leonardo Figueroa, Colegio de San Telmo.11. Sevilla: Iglesia de San Luis de los franceses.12. Galicia: Casas y Novoa, Fachada del Obradoiro de la Catedral de Santiago de

Compostela.13. Madrid: Juvara y Sachetti, Palacio Real de Madrid.


1. PLAZA MAYOR DE MADRID, GÓMEZ DE MORA, 1620

ORIGEN• Es uno de los mejores exponentes urbanísticos de la

estética barroca.• Forma parte de las transformaciones de la villa de

Madrid llevadas a cabo por los monarcas de la Casa de los Austrias.

• Se levanta sobre unos trabajos previos realizados por Juan de Herrera por encargo del monarca Felipe II que acababa de trasladar la corte a Madrid en 1561 . De aquella época data la Casa de la Panadería, una obra de Diego Sillero.

• La plaza es obra del l arquitecto Juan Gómez de Mora a quien en 1617 el monarca Felipe III le encomendó los trabajos de construcción.

• Marca la transición de las formas estilísticas barrocas hacia las neoclasicistas.


• La plaza es obra del l arquitecto Juan Gómez de Mora a quien en 1617 el monarca Felipe III le encomendó los trabajos de construcción.

• Marca la transición de las formas estilísticas barrocas hacia las neoclasicistas.


CARACTERÍSTICAS: 1. Materiales: piedra, ladrillo y pizarra en tejados.2. Planta rectangular, rodeado de arquerías que cobijan soportales.3. Se abre mediante arcos en las cuatro esquinas hacia las calles cercanas. 4. La altura proyectada por Mora llegaba hasta los seis niveles pero éstos serían rebajados a

tres por Juan de Villanueva5. Uniformidad y horizontalidad: Pórticos o soportales adintelados y sobre ellos tres niveles con ventanas que se rematan con cubierta de pizarra con buhardillas y torres con chapiteles.


6. La Casa de la Panadería y la de la Carnicería:• Situadas en los lados mayores. • Rompen la uniformidad• En ellas los soportales están formados por arcos de medio punto con pilares y

columnas adosadas.• Otorgan con sus torres y agujas monumentalidad al conjunto.

7. Función: autos de fe, corridas de toros, representaciones teatrales , juegos populares


• 8. Ha sufrido numerosos cambios e intervenciones, debidos a los tres grandes incendios , tras el último de 1790 el arquitecto Juan de Villanueva quien se encargará de las labores de reconstrucción

• 9. Juan de Villanueva diseñó:• Reducción en altura de la plaza pasando ésta a tener sus actuales tres alturas.• Sustituyó la madera anteriormente utilizada en las fachadas por piedra.• Aspecto neoclásico en las fachadas.


2. Convento de la Encarnación, Madrid• Arquitecto Fray Alberto de la Madre de Dios,

seguidor del clasicismo de Francisco de Mora• Fundado por la reina Margarita de Austria.• Convento de agustinas recoletas • El interior de la iglesia sufrió importantes

alteraciones tras un incendio en el siglo XVIII• Fachada:

• El diseño vertical• Un rectángulo flanqueado por pilastras colosales y

rematado por un frontón.• Tres cuerpos en un único plano.• Pórtico tripartito• Alternancia de elementos decorativos y de espacios

llenos y vacíos, juegos de claroscuro.• Se convertirá en modelo de fachada delas iglesias

conventuales del XVII español


3. Palacio del Buen Retiro, Madrid

• El palacio del Buen Retiro de Madrid fue un conjunto arquitectónico de grandes dimensiones diseñado por el arquitecto Alonso Carbonel y construido por orden de Felipe IV como segunda residencia y lugar de recreo (de ahí su nombre).

• Hoy en día se conoce por los escasos vestigios que quedan de él y por sus jardines, que hoy conforman el Parque del Retiro.


• El proyecto inicialmente sólo consistió en ampliar el pequeño palacete levantado por Juan Bautista de Toledo en tiempos de Felipe II (1563), adosado a la iglesia de los Jerónimos .

• A partir de 1633 se decidió concretar el proyecto y crear un gran palacio, un edificio con dos grandes patios divididos por un ala central.


• En el eje que dividía los patios se levantaba el Salón de Reinos: • Salón del Trono o de recepción de embajadores. • Su nombre lo recibió de los 24 escudos pintados sobre los lunetos de los techos que

simbolizaban los reinos que conformaban la monarquía.• Este espacio todavía sigue en pie y ha sido la sede del Museo del Ejército hasta hace

unos años.• Decorado con cuadros simbólicos del origen del poder de la monarquía

española (serie de Los trabajos de Hércules) y de sus principales y recientes victorias militares.


• Las incontables dependencias de las alas de Palacio han desparecido.• Jardines, estanques• Durante la Guerra de la Independencia, el ejército francés utilizó el

recinto como cuartel general, lo que supuso la causa inmediata de su destrucción


4. Hospicio de Madrid, Pedro de Ribera • Realizada por Pedro de Ribera entre 1721 y

1726, discípulo de Churriguera.• Muestra la evolución de las formas

arquitectónicas abandonando el clasicismo en pro de una arquitectura más recargada y decorativa

• Fachada:• Fachada retablo en torno a la puerta de acceso –

un arco escarzano- • Movimiento ascendente culminando en un

frontón partido con curvas y contracurvas.


Tres alturas diferentes:• La inferior: unos cortinajes que enmarcan el

acceso (arco escarzano) y se decoran con estípites, formas geométricas y vegetales.

• La intermedia: San Fernando, con la armadura de caballero y blandiendo una espada, posa su mano izquierda sobre la cabeza de un cristiano cautivo, ahora ya libre, mientras que a sus píes hay un moro vencido.

• El último cuerpo : se organiza en torno a un ventanal con forma de óvalo.


• San Fernando, con la armadura de caballero y blandiendo una espada, posa su mano izquierda sobre la cabeza de un cristiano cautivo, ahora ya libre, mientras que a sus píes hay un moro vencido.

Estípite: pilastra en forma de pirámide truncad


5. Retablo de San Esteban, Salamanca José Benito de Churriguera,

(1665-1725). • Retablo de gran tamaño en madera de pino dorada. • Primer cuerpo:

• Seis columnas salomónicas de orden gigante con decoración vegetal en el fuste.

• En el centro: el tabernáculo o expositor del Santísimo• Entre columnas: estatuas de Santo Domingo de Silos y San

Francisco de Asís. • Entablamento rehundido con un cortinaje teatral en la parte

central.

• Segundo cuerpo:• En el centro una pintura de Claudio Coello , el martirio de San

Esteban, titular del convento.

• El efecto visual espectacular, decorativo, dinamismo, tiene forma cóncava para adaptarse a la forma del ábside.


6. Plaza Mayor de Salamanca, Alberto de Churriguera• Se construyó en dos etapas, entre 1729 y 1755.• Autores: Alberto de Churriguera y a su muerte Andrés García de Quiñones.• La Plaza es un cuadrilátero irregular, ninguna de las fachadas mide lo mismo. • Rodeada por una galería de arcos de medio punto con las enjutas decoradas con medallones de reyes, sabios,

personajes ilustres…• Sobre las arquerías se levantan tres pisos rematados por una balaustrada con pináculos.


• Homogeneidad y uniformidad.

• En ella se ubica el Ayuntamiento:

• Cuerpo inferior porticado con cinco arcos, dos pisos intermedios de balcones y remate en espadaña y cornisa.

• Obra de García Quiñones.


• El diseño sigue el modelo de la Plaza Mayor de Madrid, aunque con mayor presencia de elementos decorativos.

• Es un cuadrilátero irregular.• Consta de cuatro pabellones:

Pabellón Real Pabellón de San Martín Pabellón del Ayuntamiento Pabellón de Petrineros


7. Transparente de la Catedral de Toledo: Narciso Tomé.

• Gran altar que se ubicaría en el deambulatorio de la catedral, justo detrás del altar mayor.

• NOVEDAD: LA ILUMINACIÓN:• El sagrario recibe la luz del exterior• Se abrió un gran óculo en el muro detrás del

altar mayor, dos tragaluces abiertos en la parte superior del ábside

• Transparente sea iluminado de forma indirecta y a la vez distribuya la luz a través del óculo hacia el sagrario.

• Materiales: mármol, alabastro, jaspe y bronce.


• El óculo del retablo, a la manera de un sol con rayos áureos y acompañado por una multitud de ángeles, divide al altar en dos cuerpos.

• En el primero:• Virgen de la Buena Leche,

enmarcada por dos columnas y estípites de ángeles.

• A ambos lados de la Virgen relieves de bronce: Abigaíl que ofrece a David el pan y el vino , un sacerdote entrega a David la espada de Goliat.

http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/e/ed/El_Transparente.jpg


• Segundo cuerpo: • Grupo escultórico central de la Última Cena.• Otras dos grandes columnas decoradas que rematan en otro entablamento

cóncavo y en la intersección destacan las tallas de querubines.



• En el remate superior: un frontón escarzano partido, cuyos remates terminan en las figuras de unos ángeles y encima se encuentran las figuras representativas de la esperanza, la fe y la caridad.


• Enfrente y arriba del altar se encuentra el gran vano abovedado por donde penetra la luz, con figuras celestiales de mármol y alabastro y pinturas al fresco.


8. Fachada de la Catedral de Granada, Alonso Cano

• Tres arquitectos, tres estilos en las obras de la catedral:

• Enrique Egas, el primer arquitecto: planteó la catedral en estilo gótico.

• Diego Siloé en 1529: cambió totalmente el diseño creando una nueva catedral Renacentista manteniendo la típica girola y ampliando su tamaño en cinco naves.

• Alonso Cano: construye la fachada principal en época barroca (1664), cambió totalmente el proyecto original de la fachada, hizo un nuevo diseño en un estilo Barroco muy purista y simple


• Gran arco triunfal: triple arco• Dos cuerpos• Destaca el volumen y la luz.• Decoración: muy purista y

arquitectónica (pilastras, arcos y molduras), escasa decoración escultórica

• Enmarcando la fachada, estaban previstas dos grandes torres, construyendo finalmente solo una por la muerte del arquitecto.


• EL CUERPO CENTRAL DE LA PORTADA• A ambos lados de la gran puerta

central las estatuas de san Pedro y san Pablo soportadas por repisas formadas por niños.

• Sobre la puerta, tondo con altorrelieve de la Encarnación, de 1717, del escultor granadino José Risueño

• Sobre el tondo, un gran tarjetón con la inscripción “ Ave María”

• En la parte superior de las pilastras que enmarcan la puerta central, medallones con altorrelieves de Marcos y Lucas con el león y toro.


• En el segundo cuerpo central: • Rosetón estrellado• En el centro del ático superior: un jarrón de

azucenas, símbolo de la pureza de María• Al pie de las pilastras centrales y apoyadas

sobre los salientes de la cornisa, dos estatuas —representando al Antiguo y al Nuevo Testamento—


• LAS DOS PUERTAS LATERALES DE LA FACHADA

• Encima de cada uno de sus arcos triunfales dos grandes relieves:

• La Visitación de María a su prima Isabel(a nuestra izquierda)

• La Asunción de María a los cielos (a nuestra derecha)

• En el remate de las pilastras dos medallones con san Mateo y san Juan. Sobre ellos y apoyadas en los salientes de la cornisa dos estatuas de piedra


9. Sacristía de la Cartuja de Granada

• A la izquierda del altar.• Deslumbra por su juego de líneas,

movimiento, derroche decorativo, sorprendentes efectos de luz

• De planta rectangular de cuatro tramos• Se concibe como un verdadero templo, con

nave cubierta de bóveda de cañón con lunetos y ábside con retablo mayor y cúpula

• Combina decoración en yesería tallada en múltiples motivos llenos de movimiento, carpintería y pintura y el uso inteligente de la luz.


9. Sacristía de la Cartuja de Granada• La nave:

• Zócalo de mármol de Lanjarón• Pilastras que dividen el ámbito en cuatro tramos• Entre las pilastras se insertan cajoneras de taracea de influencia mudéjar con dibujos geométricos

realizados con maderas nobles, marfil, plata y nácar• Sobre las cajoneras se abren ventanas que iluminan el interior


10. Colegio de San Telmo, Sevilla: Leonardo Figueroa.

• El edificio se fundó como Escuela de Formación de Marinos para servicio de las flotas españolas de las Indias.

• Actualmente, sede de la presidencia de la Junta de Andalucía

• El interior se articula en torno a un amplio patio central • Su fachada monumental:

• Portada retablo• Gran dinamismo, espacios abiertos y cerrados• Gran fuerza ascensional en contraste con la horizontalidad

del conjunto• Articulada en vertical con potentes pilastras y dos cuerpos

principales


• Enmarcada por columnas ornamentadas con motivos figurativos y geométricos

• Parte superior; figura de San Telmo, patrón de los navegantes flanqueado por dos santos patronos de la ciudad


• Segundo piso: 12 figuras de mujeres, simbolizan las Ciencias y las Artes las artes del mar (Astronomía, la Náutica, la Geometría…)

• Soportando el balcón: poderosos atlantes


11. Fachada del Obradoiro de la Catedral de Santiago de Compostela. Casas y Novoa

• Estructura: • Fachada en H, con dos torres en los extremos.• Cuerpo central dividido en tres pisos y tres calles,

siendo la central más ancha • Tendencia a la verticalidad.• Escalera de doble rampa que salva el desnivel que ocupa la

cripta románica.• La fachada se abre ante una gran plaza rectangular que sirve

como núcleo de la ciudad.

• Material: piedra granito (sillares)• Elementos constructivos:

• Pilastras acanaladas en las torres.• Columnas corintias de orden gigante en el cuerpo

central. • Arcos de medio punto.


• Decoración: • Abundante, horror vacui. • Arquitectónica: columnas, entablamentos, balaustradas..• Volutas, relieves con motivos vegetales (en relieve sobre el propio muro), esculturas exentas y tondos

en relieve, en la calle central aparece el apóstol Santiago representado con los símbolos del peregrino


• Importancia de la luz: contrastes, juegos luces y sombras

• Finalidad de la obra: fundamentalmente decorativa, modifica la fachada románica planificada por el Maestro Mateo a fin de adaptarla al gusto barroco

• Protege el Pórtico de la Gloria que se encuentra tras el gran vano de la entrada.


12. Palacio Real de Madrid. Juvara y Sachetti, 1736-1764

• Es la residencia oficial del rey de España, no obstante, los actuales reyes no habitan en él, sino en el Palacio de la Zarzuela, por lo que es utilizado para ceremonias de Estado y actos solemnes

• Arquitectos: Filippo Juvara y tras su muerte Juan Bautista Sachetti

• Encargado por el rey Felipe V de Borbón sobre el lugar que había ocupado el Alcázar destruido en un incendio en 1734.

• Su primer ocupante fue el rey Carlos III en 1764.


• Estructura:• Sigue el esquema tradicional de

los alcázares españoles: planta cuadrada en torno a un patio interior, flanqueado por torres en las esquinas (aunque no sobresalen en altura ) .

• Cuatro fachadas: la Armería, la de Plaza de Oriente, la que da a los jardines del Campo del Moro y la de los jardines Sabatini..

• En torno al patio central se encuentran las estancias reales

• Materiales: alterna piedra de color gris y blanco en la fachada y ladrillo en el exterior.


• La fachada:• Zócalo de sillería almohadillada que

abarca el entresuelo y planta baja• Sobre este se alzan tres plantas,

unidas verticalmente por columnas y pilastras colosales.

• En el tercer cuerpo se suceden los balcones con alternancia de frontón triangular y curvo, mientras que el último cuerpo tiene ventanas cuadradas.


• Un potente entablamento coronado por una balaustrada con jarrones cierra el edificio.

• Entrantes y salientes propios del barroco , crean efectos de claroscuro

• Tendencia a la horizontalidad

• Se remata con un reloj y un escudo de armas.


CATEDRAL DE MURCIA

• Jaime Bort (1737-1754)• Portada retablo• Movimiento, contraste entre

claros y sombras, entrantes y salientes


CATEDRAL DE JAÉN

• Eufrasio López de Rojas• Integra en armonía elementos arquitectónicos y

escultóricos• Flanqueada por dos torres.• Dos cuerpos:• Inferior: tres puertas flanqueadas por columnas• Superior: esculturas de personajes bíblicos e

históricos


La escultura barroca en España.

La imaginería policromada


1. Madera dorada y policromada, se abandonará la técnica del estofado a lo largo de este periodo.

2. Realismo intenso: postizos (pelo real, corona real, ojos y lágrimas de cristal), imágenes de vestir, en las que se realizaban con minuciosidad cabeza, manos y pies para vestirlas con ropa real.

3. Temática exclusivamente religiosa. • Retablos ( figuras exentas y en bajorrelieve)• Destaca la imaginería: figuras exentas para iglesias,

conventos y “pasos” para las procesiones de Semana Santa.

4. Expresión de los sentimientos: dolor, angustia, muerte, o el éxtasis.

5. Finalidad: despertar una profunda emoción religiosa en el espectador.

CARACTERÍSTICAS GENERALES


• ESCUELAS:• Castilla. Valladolid, Gregorio Fernández,

(1576-1636).• Prototipo de artista religioso y profundamente creyente

en la España Barroca y contrarreformista; participaba en muchas obras de caridad y colaboraba con limosnas.

• Temas casi exclusivamente religiosos: • Creador de nuevos modelos iconográficos: Cristo

yacente, Dolorosa o Piedad• Dolorosas, Inmaculadas, pasos procesionales.

• Evoluciona del manierismo a un naturalismo intenso, dramatismo y patetismo.

http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/6/62/Retrato_de_Gregorio_Fernandez.jpg


• CARACTERÍSTICAS: 1. Anatomías muy realistas.2. Escultura profundamente realista,

humana, emotiva, expresiva.3. Obras policromadas ( de la

policromía se encargaban los discípulos de su taller): carnaciones mate y telas escasas de adornos

4. Usaba postizos (ojos de cristal, dientes de marfil, uñas de cuerno de toro) acentuaban el realismo

5. Amplio plegado de ropas.6. Escaso uso de los dorados.


• OBRAS: 1. Cristo yacente del Pardo, 1614.2. Cristo de la Luz, dramática iconografía del crucificado.3. Cristo atado a la columna, 1615.4. Piedad, 1616.5. Descendimiento, paso procesional, 1623.6. Bautismo de Cristo, relieve.


• Encargada por el Duque de Lerma, valido de Felipe III• Gregorio Fernández crea un modelo que se va a convertir en referente iconográfico para escultores posteriores.• Aparece el cadáver de Jesucristo recostado sobre un almohadón, con la cabeza ladeada, y en el cuerpo

macerado las huellas sangrantes de su Pasión.• Solían colocarse estas imágenes en el banco de los retablos, así como delante del altar mayor de las iglesias los

Viernes Santos.• Otros Cristos yacentes: San Felipe Neri (en la actualidad en el Museo Nacional de Escultura de Valladolid) y San Plácido, en Madrid.

1. Cristo yacente del Pardo, 1614.


un dramatismo extraordinariamente acentuado, que tiene por objeto promover y acrecentar la religiosidad de los fieles mediante la contemplación del martirio y muerte de Jesús

• Dramatismo extraordinariamente acentuado

• Objetivo: promover y acrecentar la religiosidad de los fieles mediante la contemplación del martirio , sufrimiento extremo y muerte de Jesús.


2. Cristo de la Luz• Dramática iconografía del crucificado.

Soneto a Cristo Crucificado.

No me mueve, mi Dios, para quererteel cielo que me tienes prometido, ni me mueve el infierno tan temidopara dejar por eso de ofenderte.Tú me mueves, Señor; muéveme el verteclavado en una cruz y escarnecido, muéveme ver tu cuerpo tan herido,muéveme tus afrentas y tu muerte.Muéveme, en fin, tu amor, y en tal manera,que aunque no hubiera cielo, yo te amara,y aunque no hubiera infierno te temiera.No te tienes que me dar porque te quiera,pues aunque lo que espero no esperara, lo mismo que te quiero te quisiera.

Anónimo del siglo XVI

Marta López , Ave María Casa Madre 65Descansa las manos atadas sobre una columna baja.

3. CRISTO ATADO A LA COLUMNA

Cristo atado a la columna. 1615. Madera policromada. Formaba parte del Paso procesional de la Flagelación. Gran estudio de desnudo. Realismo en la expresión.El paño tallado en madera con las características angulaciones almidonadas propias del maestro.


4. La Piedad

La Piedad. 1616. Para la Iglesia de las Angustias en Valladolid. Hoy en el Museo Nacional de Escultura. Formando grupo con los ladrones, en la cruz, San Juan y María Magdalena. Conjunto procesional que, por su complejidad, saldría poco a la calle .En este conjunto domina la frontalidad, con punto de vista único y principal

.


Madera policromada con postizos, dientes de asta, ojos de cristal, las telas de plegado amplio y acartonado, con reducido estofado. Las carnaciones mates, intensifican la veracidad de las figuras.

http://www.google.es/url?sa=i&rct=j&q=&esrc=s&source=images&cd=&cad=rja&uact=8&docid=6MHIBUf3jlLoYM&tbnid=XCPcbyMv1sp0qM:&ved=0CAUQjRw&url=http://seordelbiombo.blogspot.com/2012/03/analisis-y-comentario-de-la-piedad.html&ei=x-FMU9mZLcqp0QW664CwDg&bvm=bv.64764171,d.ZGU&psig=AFQjCNG1zQcRfaT_HKGC74uGAO7eLJuZHg&ust=1397632937058277


• La pirámide equilibrada de la Piedad de Miguel Ángel, se transforma desplazando su vértice superior hacia la derecha del espectador.

• La expresión de la Virgen , la posición de las manos, abren la composición hacia el exterior, implicando al espectador en el sufrimiento del grupo.

http://www.google.es/url?sa=i&rct=j&q=&esrc=s&source=images&cd=&cad=rja&uact=8&docid=MOGlcLTELGQMMM&tbnid=OuKwvjeDdgTK2M:&ved=0CAUQjRw&url=http://conversemossobrehistoria.blogspot.com/2013/10/gregorio-fernandez-el-baluarte-de-la.html&ei=4-NMU_HnBoeu0QWp0YDYBQ&bvm=bv.64764171,d.ZGU&psig=AFQjCNG1zQcRfaT_HKGC74uGAO7eLJuZHg&ust=1397632937058277


OTRAS OBRAS DE GREGORIO FERNÁNDEZ


5. El Descendimiento.

• Paso procesional.• 1623-1624• Madera policromada y postizos• Iglesia penitencial de la Santa

Vera Cruz, Valladolid.• Siete figuras de tamaño

ligeramente superior al natural.


• Nicodemo y José de Arimatea en el momento de descender el cuerpo de Cristo de la Cruz.

http://4.bp.blogspot.com/-2KgMjtWk7AM/UzTAqO1vnuI/AAAAAAAAQXw/vryKvSwl41k/s1600/1267+4+Gregorio+Fern%C3%A1ndez-Descendimiento-Igl+Vera+Cruz+Valladolid.jpg


• La escena se articula en dos niveles: Tensión física en la parte superiorTensión emocional en la inferior.

• Arriba: José de Arimatea y Nicodemo sobre escaleras se afanan por sujetar con un sudario, con gran dificultad, el cuerpo inerte de Cristo.

• Un joven ayudante, al pie de la cruz, se presta a desclavar los pies.

• Para reforzar la idea de la muerte: • Cuerpo de Cristo flexionado por el

peso y la cabeza caída sobre su hombro derecho

• Brazo izquierdo pende sin vida.

http://4.bp.blogspot.com/-_164IPvtlx0/UzTAs0_U2BI/AAAAAAAAQYY/CXGdjN3BkT0/s1600/1267+5+Gregorio+Fern%C3%A1ndez-Descendimiento-Igl+Vera+Cruz+Valladolid.jpg


ESCUELA ANDALUZA

Realismo un tanto idealizadoHuida de la exageraciónSerenidad Imágenes equilibradasModelado suaveBelleza y equilibrio.• En la escuela andaluza destacaron:

Juan Martínez Montañés (1568-1649), Alonso Cano (1601-1667) y Pedro de Mena y Medrano (1628-1688).

• El comercio de América había convertido a Andalucía en la zona más rica de esa época, siendo Sevilla y Granada los polos de atracción del arte del XVII.


En Sevilla se halla ampliamente difundido el espíritu de la Contrarreforma católica, afianzado en la amplia difusión de las órdenes religiosas, de forma que la mentalidad barroca se pone al servicio de esta idea de defensa a ultranza de los principios de la religión. A este efecto, la imaginería es un recurso de primera importancia que acerca al espectador verdades de fe por medio de la emoción

Pintura de Alonso Sánchez Coello. Imagen de Sevilla, en la segunda mitad del siglo XVI

ANDALUCÍA: SEVILLAMARTÍNEZ MONTAÑÉS Y JUAN DE MESA

http://www.google.es/url?sa=i&rct=j&q=&esrc=s&source=images&cd=&cad=rja&uact=8&ved=0ahUKEwi8lZ3rvJfLAhWEA5oKHUPlBAYQjRwIBw&url=http://www.culturamas.es/blog/2015/01/11/movistar-series-prepara-una-serie-ambientada-en-la-sevilla-del-siglo-xvi-con-alberto-rodriguez/&psig=AFQjCNE3UTBMgHcW61fv8DZVJslzM2OmMw&ust=1456646362868173


Juan Martínez Montañés.

1568-1649

http://4.bp.blogspot.com/_pquY1JTqTN0/Sw9FKD5iaXI/AAAAAAAABYo/m13_YsrsA3I/s1600/290+6+Martinez+Monta%C3%B1es-1606-Ni%C3%B1o+Cofradia+Sacramental+del+Sagrario-Sevilla.jpg


Juan Martínez Montañés. “El Dios de la madera”

Nace en Alcalá la Real Jaén en 1568 y morirá en Sevilla en el mes de junio de 1649.

Principal representante de la escuela sevillana de escultura barroca. Hombre culto y profundamente religioso.Su aprendizaje se inició en Granada, con el imaginero Pablo de Rojas.Maestro escultor y ensamblador de retablos Prefirió siempre la madera como material para su obra

posteriormente policromada. En la policromía, que por contrato supervisaba, contó con la colaboración de grandes pintores, entre los que destacan Francisco Pacheco, suegro de Diego Velázquez.

Salvo contadas excepciones su temática fue la religiosa.Su arte se inspiró en el natural. Fue creador de un lenguaje sereno y

clásico.Entre sus discípulos, está Juan de Mesa (1583-1627), se dedica

principalmente a la ejecución de figuras sueltas para cofradías y particulares.


CARACTERÍSTICAS DE MARTÍNEZ MONTAÑÉS

1. Serenidad2. Clasicismo3. Sosiego 4. Búsqueda de la belleza. 5. Dulzura6. De talla muy modelada7. Grandes paños dan grandiosidad a la imagen8. Plegado menudo y múltiple.9. Su devoción va más dirigida al alma que a los sentidos10. Equilibrada policromía contrasta con el desgarrado color castellano. 11. Abundancia en los dorados.12. Tensión y fuerza interior.


• OBRAS: • Cristo de la Clemencia, 1605.• San Jerónimo, 1611.• Inmaculada para la catedral de Sevilla.


Cristo de la Clemencia.1603-1604.Madera Policromada.Catedral de Sevilla.

Se conocen las circunstancias concretas que inspiraron esta obra, dado que se conserva el contrato que reguló su ejecución, firmado entre el escultor y el canónigo Mateo Vázquez de Leca, quien deseaba tener en su capilla particular una imagen de un crucificado que debía "de estar vivo... con la cabeza inclinada sobre el pecho, mirando a cualquier persona que estuviese orando al pie del, como que está el mismo Cristo hablándole...". De este modo, la iconografía específica de la imagen quedaba convertida en obligación contractual para el artista.


• Tratamiento del cuerpo: naturalista y realista• Canon alargado• Detalle anatómico es perfecto, evita una excesiva tensión

muscular• Paño de pureza: numerosos pliegues de tamaño reducido.• Piernas cruzadas, dejan visibles los dos clavos• Aún vivo y con la cabeza inclinada hacia su hombro derecho.

Amplia corona de espinas de traza natural• No exagera los rasgos • La carne policromada en color mate y no se ha producido aún la

herida en el costado.• De todo ello puede deducirse que el momento de la muerte no

resulta inmediato.


CRISTO DE LA LUZGregorio Fernández Observa las diferencias con la imagen de Montañés.


• Antiguo debate entre los expertos y doctores de la Iglesia acerca de cómo fue crucificado Cristo, con tres clavos o con cuatro.

• Montañés, sigue los planteamientos del pintor Pacheco: cuatro clavos

• Cuatro clavos: conforme habían defendido algunos doctores de la Iglesia como San Ireneo o San Justino y se recogía en los escritos de la monja visionaria sueca Santa Brígida, cuyo libro de las revelaciones fue editado a fines del siglo XV y alcanzó amplia difusión.


SONETO A JESÚS CRUCIFICADOAnónimo. Probables autores son Santa Teresa de Jesús o San Juan de la Cruz Siglo XVI.

No me mueve, mi Dios, para quererte el cielo que me tienes prometido, ni me mueve el infierno tan temido para dejar por eso de ofenderte. Tú me mueves, Señor, muéveme el verte clavado en una cruz y escarnecido, muéveme ver tu cuerpo tan herido, muévenme tus afrentas y tu muerte. Muéveme, en fin, tu amor, y en tal manera, que aunque no hubiera cielo, yo te amara, y aunque no hubiera infierno, te temiera. No me tienes que dar porque te quiera, pues aunque lo que espero no esperara, lo mismo que te quiero te quisiera.


San Jerónimo.1609.Madera PolicromadaMonasterio de San Isidoro del Campo. Santiponce. Sevilla

• Dominio anatómico del desnudo • Contención expresiva • Pieza capital de la imaginería barroca• Esculpida exenta dentro de una hornacina para poder sacarla en

procesión. • El pintor Francisco Pacheco llevó a cabo la policromía.

OTRAS OBRAS DE MARTÍNEZ MONTAÑÉS


Retablo de San Isidoro del Campo y detalle del San Jerónimo.


SAN JERÓNIMO: • Uno de los personajes más representados en el arte • Pilar fundamental dentro del cristianismo• Destacó como hombre culto , dejó muchos escritos: • la Biblia Vulgata: versión de la Biblia que él tradujo del

griego al latín por encargo del papa, para lo cual se retiró a una cueva en el desierto de Calcis donde practicaba ayunos y duras penitencias para evitar distraerse.


LA INMACULADA• 1629-1631.

• Madera Policromada.

• Catedral de Sevilla.

• Capacidad del escultor de humanizar lo divino• Se la conoce como La Cieguecita• La Virgen como Madre de Dios, en actitud de humildad,

aceptando su misión: he aquí la esclava del Señor. • Las manos en pose orante y la delicada inclinación de su

cabeza con el pelo derramado sobre sus hombros.• La expresión del rostro cercana al fiel lo invita a orar.

Las representaciones de la Virgen Inmaculada tuvieron un gran protagonismo en el barroco español de la mano de la Contrarreforma, frente a los ataques y críticas protestantes, y fue España el país donde el tema de la Inmaculada gozó de mayor éxito.


Dogma de la Inmaculada Concepción.

“Declaramos, afirmamos y definimos que ha sido revelada por Dios, y de consiguiente, que debe ser creída firme y constantemente por todos los fieles, la doctrina que sostiene que la santísima Virgen María fue preservada inmune de toda mancha de culpa original, en el primer instante de su concepción, por singular gracia y privilegio de Dios omnipotente, en atención a los méritos de Jesucristo, salvador del género humano.”Ineffabilis Deus, 18. Pío IX 8 de diciembre de 1854

Inmaculada Concepción, conocida popularmente como “La Cieguecita”, 1630; talla en madera policromada y estofada, 168 cm; Catedral de Sevilla


San Francisco de Borja. Medidas 173,5 x 70 x 55 cmTécnicas: Tallada, dorada y policromada

• Concebida para ser vestida, tan sólo se encuentran talladas cabeza y manos.

• Va vestido con una sencilla sotana negra de telas encoladas, realizada en el siglo XIX.

• Aparece representado de pie, sosteniendo una cruz con su mano derecha, mientras contempla, ensimismado, la calavera que portaba en su mano contraria, reflexionando sobre la muerte.

LA CALAVERA es su principal atributo iconográfico, alusión al episodio en el que contempló el cadáver putrefacto de la emperatriz Isabel, esposa de Carlos V. Esta visión causó un hondo impacto en el ánimo de Francisco de Borja, entonces Duque de Gandía, decidiendo en ese instante no servir más a ningún señor que se pudiera morir, y ordenándose dentro de la Compañía de Jesús


Es una escultura de acentuado sentido realista, en la que Montañés consigue plasmar en su enjuto rostro un profundo sentido ascético.

“No más servir a señores que en gusanos se convierten.”El Duque de Rivas. “Solemne desengaño”1838.


Juan de Mesa (1583-1627).

• Realismo y expresividad.• Emoción.• Imágenes procesionales.• Jesús del Gran Poder, 1620.

• Paso procesional: Jesús como nazareno, portando la cruz.

• Madera policromada.


• La composición: diagonal potencia el peso de la cruz• Realismo en el tratamiento de manos y pies• Gran expresividad rostro y cabeza: detallismo del pelo y barba, mirada de

cansancio y dolor…


ESCUELA DE GRANADA: ALONSO CANO Y PEDRO DE MENA

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ALONSO CANO (1601-1667).

• Gana en hondura expresiva y en dinamismo a su maestro Martínez Montañés.

• La búsqueda de la perfección, del equilibrio y la idealización de los modelos, la plasmación de una aplacible serenidad en sus figuras sustituye el dramatismo de otros autores.

• Es el primer escultor andaluz que abandona la técnica del estofado (policromía de los ropajes con dorados)

• Naturalismo, serenidad, belleza idealizada.


OBRAS

• INMACULADA, 1655, para el facistol de la Catedral de Granada. Dulzura y gracia

• OTRAS OBRAS: • Virgen de la Oliva, Lebrija. Monumentalidad. • Cabeza de San Pablo. Serenidad,

monumentalidad. • Cabeza de San Juan de Dios. Realismo más

intenso,


• Madera policromada.• Escultura de la Virgen de bulto redondo y de pie. • En forma de huso• Destaca la serenidad.• Verticalidad compensada por la pequeña torsión de su cuerpo, el

giro de la cabeza y la posición de las manos• Composición de líneas cerradas.• Creada para ser colocada coronando el facistol, un mueble

litúrgico para los libros de coro. • Una vez terminada, el cabildo decide no colocarla en el facistol,

para situarla en la cajonería de la sacristía, centrando este espacio.


• Representación de la virgen-niña, totalmente abstraída de la realidad, con rostro sereno.

• El rostro de la Virgen representa el ideal de belleza de Alonso Cano, con ojos grandes, nariz fina, boca muy pequeña.

• Contraste entre el rostro sereno y el movimiento de paños.


La Inmaculada del Facistol (1655) ; de aspecto fusiforme, pequeño tamaño, cabeza inclinada, grandes ojos, cabellos largos y actitud recogida, tuvo posteriormente muchos imitadores.


Otras obras dignas de mención son: el San Diego de Alcalá, en la Catedral de Granada la Virgen de Belén y los bustos de San Pablo, Adán y Eva

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Virgen de la Oliva, Lebrija

• Imagen central del retablo de Santa María de Lebrija (1628-38)

• Hieratismo.• Monumentalidad.• Rasgos comunes en sus obras:

• Cabeza inclinada a la derecha• Manto caído dejando al descubierto

uno de sus hombros• Apuntamiento de la figura hacia los pies• Superficie ondulada de los paños.


Pedro de Mena, (Granada 1628-Mena 1688).• Hijo del también escultor Alonso de Mena en cuyo taller se

formó en imágenes religiosas. • Trabaja junto a Alonso Cano, pero Mena, mucho más directo y

realista, comunicaba fácilmente los estados de ánimo.• Era un hombre muy religioso y devoto. • Gusta de la representación de los temas ascéticos y dolientes.• OBRA:• Magdalena Penitente, 1664, iconografía contrarreformista.• OTRAS OBRAS: • Sillería del Coro de la Catedral de Málaga.• San Francisco, Misticismo• Dolorosas, variedad de modelos.


1. Gran virtuosismo en el trabajo de las texturas.

2. Contención expresiva: plasma sentimientos y emociones de manera sencilla y llena de verosimilitud.

3. Esculpe figuras aisladas y no pasos procesionales como era habitual en los escultores religiosos de la época.

4. Realismo sin estridencias acentuado por el patetismo.

5. Usa vidrio para ojos y lágrimas.

RASGOS DE SU OBRA:

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• Claro ejemplo del lenguaje realista y lleno de emoción utilizado en la escultura religiosa española.

• El tema se utiliza como representación del arrepentimiento de los fieles cristianos, no siendo muy habitual en la escultura de la época.

• De pie, intenso patetismo, sencillez, austeridad, gran realismo.• Juvenil, vestida con un hábito rígido y de una áspera palma

que oculta sus formas femeninas.• Madera policromada: policromía suave y sobria basada en

ocres, marrones y rojizos. Carece de demasiados tonos oscuros.

• Foco de mayor expresividad de la figura: su rostro.

MAGDALENA PENITENTE


• El óvalo afilado, bello y de facciones grandes deja apreciar con claridad una mirada triste de ojos enrojecidos por las lágrimas.

• Además, la boca entreabierta y seca completan un gesto abrumado y de claro dolor que muestra todo su arrepentimiento.

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• Manos modeladas de manera sencilla y elegante. • Sujeta con fuerza en su mano izquierda un crucifijo, que contempla con gran

pena y un asombro místico. • Con la mano derecha se oprime el corazón, evitando que se desborde, lo

que indica su amor y devoción por Jesucristo.• Su larga cabellera humedecida enmarca el rostro y cae por todo su cuerpo

ayudando a resaltar aún más la sensación de pesadumbre que trasmite la obra, ya que parecen llevar su llanto hasta el suelo.

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• Representa el momento en que después de ser azotado Jesús, con corona de espinas, manto y soga al cuello, es mostrado por Poncio Pilato al pueblo y Jesús dice: Ecce Homo, («este es el hombre»).

• Estas esculturas responden a la necesidad de devociones familiares o conventuales; todas son de dimensiones relativamente pequeñas.

• Representado de medio cuerpo con una altura de unos 95 cm y se corta la imagen por debajo de las caderas, con las manos cruzadas y con los atributos de corona de espinas, soga y caña.

Valladolid. Museo Nacional de Escultura. Ecce Homo, antes de 1673. Pedro de Mena (1628-1688)

Ecce Homo

OTRAS OBRAS DE PEDRO DE MENA


Pedro de Mena (Granada, 1628 - Málaga, 1688) Hacia 1670Santuario de Santa María de la Victoria, MálagaEscultura barroca. Escuela granadina

• Madera policromada con aplicación de postizos• Sutil policromía• Equilibrada composición piramidal• Intensísima religiosidad: infinito sufrimiento de

Madre, inaudito dolor contenido, con los ojos bajos, resignados, bañados en lágrimas.

• Recogimiento

DOLOROSA


El modelo creado por Pedro de Mena: • Figura de medio cuerpo de tamaño natural.• Languidez del rostro• Gran expresividad emocional de carácter intimista.• Rostro dirigido al frente, ligeramente inclinado, oval, nariz afilada,

cejas arqueadas, boca pequeña, entreabierta, ojos almendrados con párpados caídos

• Manos cruzadas a la altura del pecho para insinuar un momento angustioso


El centro emocional se concentra en el enjuto rostro, con ojos de cristal, pestañas postizas, la mirada elevada a lo alto y dientes de marfil en la boca entreabierta, siendo también postizo el cordón que se ciñe a la cintura. Acabado de la policromía, con el rostro con sus luces y sombras, y el hábito recorrido por minuciosas pinceladas que forman estrías en color marrón y blanco que reproducen con fidelidad el rústico entretejido de lana en el que se aprecian distintos remiendos.

Pedro de MenaSan Francisco de Asis.Madera policromada.83 cm. de altura.Sacristía de la Catedral de Toledo

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• Representa a San Francisco muerto, tal y como dice la leyenda: su cuerpo fue descubierto en Asís el año 1449, doscientos veintitrés años después de haberse producido su muerte, al ser abierta su sepultura fue hallado de pie, erguido, incorrupto y milagrosamente conservado, con el rostro en expresión de éxtasis

• El santo aparece de pie, con las manos ocultas entre las mangas, la cabeza cubierta por la capucha y un pie ligeramente adelantado bajo el hábito para mostrar el estigma

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ESCUELA DE MURCIA: SALCILLO, (1707-1783)

• Dinamismo, sentimiento, elegancia.

• Próximo a la estética del rococó.

• Pasos procesionales.• Imágenes de Belén.


Francisco Salzillo.

1707-1783


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Pintura barroca española

• Ribera, Zurbarán, Velázquez, Murillo


Características generales de la pintura barroca española:

• Realismo. Reflejo fiel de la naturaleza.• Temática religiosa, excepción en la Corte.• Óleo sobre lienzo.• Monarquía e Iglesia como principales

clientes.• Consideración artesanal del artista.• Influencia de la pintura tenebrista de

Caravaggio.


• A mediados del siglo XVII, Felipe IV y su valido, el Conde-duque de Olivares, convirtieron la corte en el principal centro artístico de la Península.

• El mejor exponente de la corriente tenebrista española fue José de Ribera.

• Nacido en Játiva (Valencia) y establecido en Nápoles (Italia) desde 1611, recibió el apodo de “Il Spagnoleto”, nunca más volvería a España.

José de Ribera, (Játiva 1591- Italia 1652).


• Naturalismo tenebrista:• Modelos de la calle y gentes del pueblo, pintados con gran

dignidad.• Dominio anatómico• Pincelada precisa.• Luz intensa y contrastada, tenebrismo.• Realismo intenso: frentes arrugadas, los dedos ásperos, los

muslos delgados

• OBRAS: • Martirio de San Felipe, 1639.• El Patizambo, 1642.• El sueño de Jacob• Otras: • Serie de los cinco sentidos.• Varias representaciones de santos y ascetas.• La mujer barbuda, 1631.• La Inmaculada de Monterrey, 1635.


Martirio de San Felipe

Martirio de San Felipe1639.Óleo sobre lienzo. 234 X 234 cm.Museo del Prado.


La preparación para el martirio, el momento en que San Felipe es izado al madero para ser crucificado, pero no sujeto con clavos, sino amarrado con cuerdas.

Esfuerzo tremendo de los sayones de la izquierda de la escena, en contraste con la serenidad de los espectadores.

Composición en aspa y dominio de diagonales. Iluminación menos contrastada que en Caravaggio y

más homogénea, mayor riqueza de colorido y unos cielos luminosos de telón de fondo.

El desnudo del santo conserva el realismo inicial de Ribera.


EL NIÑO COJO O EL PATIZAMBO

• El pequeño mendigo:• Se sitúa ante un amplio cielo azul con nubes plateadas

y horizonte bajo.• Ocupa un buen parte de la superficie pictórica y dirige

su amplia sonrisa al espectador• Deformidad de sus pies. • En su mano derecha sujeta un sombrero mientras que

en la izquierda lleva el bastón y un letrero con una inscripción en latín que dice: "Dame una limosna por amor de Dios".

• Tema: la caridad cristiana y la teoría contrarreformista de la salvación del alma gracias a las buenas obras.

El niño cojo o el Patizambo1642.Óleo sobre lienzo. 164 X 93 cm.Museo del Louvre.


• Ribera olvida el tenebrismo y emplea una luz natural que ilumina la figura y el paisaje.

• Naturalismo: captar gestos, expresiones y calidades.

• La pincelada es rápida y fluida, creando cierta sensación de atmósfera en sintonía con la escuela veneciana.

• La imagen del pícaro responde al arquetipo de la época plasmado también en las novelas picarescas.

• Los ropajes raídos, la mellada dentadura

• El defecto físico, no es mostrado de manera indigna, sino con cierta ternura


El sueño de Jacob.

El sueño de Jacob.1639.Óleo sobre lienzo.179 X 233 cm.Museo del Prado.

Narra el sueño misterioso del patriarca Jacob, según relata el Génesis, quien aparece dormido, recostado sobre el brazo izquierdo. Detrás de él se encuentra un árbol y al otro lado la escala de luz por la que suben y bajan los ángeles.


• Discurso metafórico: a través de la representación de un pastor tendido a descansar en el campo describe un episodio bíblico.

• Primer plano: Jacob, rasgos realistas• Sueño milagroso, que se describe en un haz de luz bajo un cielo azul y gris. • Delicado sentido del color y su exquisita capacidad para la composición, al contraponer en diagonal los

volúmenes del primer plano.


El martirio de san Bartolomé.Óleo sobre lienzo, 336 x 230 cm. 1617 - 1618. Osuna (Sevilla), Museo de Arte Sacro. Antigua Colegiata de Osuna

Otras obras de Ribera

Martirio de San Andrés Museo de Bellas Artes de Budapest, 1628. Óleo sobre lienzo, 209 x 183 cm.

http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/5/5f/JOS%C3%89_DE_RIBERA_-_Martirio_de_San_Andr%C3%A9s_(Museo_de_Bellas_Artes_de_Budapest,_1628._%C3%93leo_sobre_lienzo,_209_x_183_cm).jpg


La mujer barbuda o retrato de Magdalena Ventura y su esposo.1631.oleo sobre lienzo 196 X 127 cm. Hospital de Afuera Toledo.

Es un encargo del virrey de Nápoles D. Fernando Afán de Ribera para documentar gráficamente este prodigio de la naturaleza de una mujer napolitana con barba y vello en el pecho “ En la habitación del Virrey estaba un famosísimo pintor haciendo un retrato de una mujer de los Abruzos, casada y madre de muchos hijos, la cual tiene el rostro totalmente viril, con más de un palmo de barba negra”.

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Francisco de Zurbarán, (1598-1664). Sevilla.

1. Sencillez, quietud.2. Composiciones simples, yuxtaposición

de elementos.3. Fuerte tridimensionalidad. Volumen.4. Luces contrastadas.5. Estudio de la expresión de los

personajes6. Reproducción de las texturas de las telas

CARACTERÍSTICAS


7. Amplia gama de blancos y grises. 8. Gran naturalismo9. Profundo espíritu religioso10. Tenebrismo.11. Primer periodo: presencia del tenebrismo y

del espiritualismo ascético Segundo periodo: formas suaves y delicadas propias de la escuela sevillana

12. Sus composiciones son reposadas y tranquilas, sin excesos dramáticos.

13. La luz parece emanar de las figuras.


14. TEMÁTICA: • Santos tratados con gran respeto y dignidad, sumidos en una profunda introspección mística• Retratos a lo divino: santas y mártires: mostrando a las santas o mártires ataviadas a la moda

de la época, como grandes damas (calidad de las telas)• Bodegones: calidades, texturas, brillos y juegos de luces. Los objetos se destacan sobre un

fondo negro para así dar mayor realce a sus volúmenes


• OBRAS: • Series monásticas, Jerónimos de Guadalupe,

Mercedarios de Sevilla, • Bodegones.• Para la Corte: Trabajos de Hércules, 1634, La defensa de

Cádiz contra los ingleses.• Retratos a lo santo: Santa Casilda, Santa Margarita.


Aparición de San Pedro a San Pedro Nolasco.

• Formaba parte de una serie de 32 cuadros sobre la vida de San Pedro Nolasco, fundador de la orden de la Merced, encargada por los frailes del convento de la Merced Calzada de Sevilla.

• Pedro Nolasco recibió sendas apariciones, la de la Virgen pidiéndole que fundara una orden y la de San Pedro para consolarlo por no poder ir a Roma a visitar su tumba


• Composición: ambos santos enfrentado, San Pedro boca abajo clavado en la cruz y Nolasco enfundado en su hábito blanco de la Orden mercedaria.

• Maestría: texturas, pliegues y colores del hábito

• La luz anaranjada que envuelve al crucificado incide en la idea de visión sobrenatural, inundando toda la escena

• Influencia del naturalismo tenebrista: realismo de ambas figuras y el juego de claroscuros


1631. Óleo sobre lienzo. 480 X 379 cm.Museo de Bellas Artes de Sevilla.

• Destinado al retablo mayor del Colegio de la Orden de los Predicadores.

Apoteosis de Santo Tomás de Aquino.


• TRES REGISTROS HORIZONTALES:

Zona superior, en el cielo, la Virgen con Cristo a la izquierda y a la derecha una Sacra Conversación entre Santo Domingo de Guzmán y San Pablo, fundador y tutelar de la Orden de predicadores.

Zona intermedia: Santo Tomás de Aquino, asistido por el Espíritu Santo, redacta la Summa Theológica, acompañado por los cuatro padres de la Iglesia Latina: San Gregorio, San Ambrosio, San Jerónimo y San Agustín.

Inferior: arrodillados, el arzobispo dominico fray Diego de Deza, promotor del Colegio y el emperador Carlos V, protector de la institución universitaria


San Hugo en el Refectorio

• Pertenecía a una serie monástica• La escena: refleja un milagro acontecido a

San Bruno, fundador de los cartujos.• El obispo de Grenoble, gracias a cuya

generosidad comían, les mandó un domingo carne, surgió la discusión sobre si debían comerla o practicar la abstinencia. Mientras discutían quedaron sumidos en un profundo sueño que duró toda la Cuaresma.

• El miércoles Santo, San Hugo fue a verlos y los despertó , miró a los platos y vio que la carne se convertía en ceniza, interpretándolo como aprobación divina de la abstinencia.


• Zurbarán realiza un muestrario de sus famosos hábitos blancos, color en el cual se dice que llega a manejar hasta 100 tonos diferentes.

• Aparecen en la imagen las famosas cerámicas blancas y azules de Talavera, con los escudos del obispo y la Orden.


Fray Hernando de SantiagoReal Academia de Bellas Artes de San FernandoFrancisco de Zurbarán en 1628, firma un contrato con los frailes de la Merced Calzada de Sevilla, para realizar veintidós pinturas sobre la vida de San Pedro Nolasco, el fundador de su orden. Al superar el plazo de las obras pactado, Zurbarán realiza una serie de retratos de teólogos y eruditos de la orden, para perpetuar su memoria, y que se ubicarían en la biblioteca del convento

Fray Jerónimo Pérez. 1632. Academia de Bellas Artes de San Fernando.


• Forma parte de la tendencia de la sociedad sevillana y los artistas de su tiempo de defender el dogma y el culto a la Inmaculada Concepción de la Virgen.

• ICONOGRAFÍA: La Virgen aparece en actitud de oración, con las manos unidas.

• María bella, de dulces rasgos, a fin de promover el fervor hacia su culto

CICLO DE LA INMACULADA CONCEPCIÓN DE LA VIRGEN

Inmaculada Concepción 1628/30Óleo sobre lienzo 139 x 104 cm.Museo del Prado - Madrid

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BODEGONES

Bodegón con cacharrosHacia 1650. Óleo sobre lienzo, 46 x 84 cm.Museo del Prado


Sobre una superficie de madera se disponen de izquierda a derecha: Salvilla de peltre (bandeja en la que se encajan copas o tazas) y sobre ella un bernegal de plata (taza ancha de boca ); una Alcarraza trianera en barro de las llamadas de cascarón de huevo; un búcaro de indias y por último, otra alcarraza blanca de Triana encima de otro plato de peltre.

Salvilla de peltre

Bernegal de plata

Alcarraza trianera en barro

Búcaro de indias

Alcarraza trianera en barro sobre plato de peltre


• Importancia de la luz, que hace emerger esos objetos de las tinieblas y realza los colores y los volúmenes.

• Efecto de silencio, que resulta casi palpable.• Se trata de uno de los bodegones considerado prototípico del Siglo de Oro español.• Simplicidad, gusto por lo esencial.• Ausencia del tiempo: no incluye los elementos tradicionales de los bodegones (flores, comestibles,

calaveras) que anuncian el irremisible destino del ser humano, que todo cambia para todos y que nada material permanece inalterable.


Sigue el modelo de naturaleza muerta hispana: desnudez retórica y búsqueda de lo esencial, por contraste con la opulencia y sensualidad de bodegón italiano o flamenco, la suntuosidad contenida del holandés y el decorativismo del francés.


Agnus Dei. 1635-1640.


Santa Margarita de Antioch1630.National Gallery. Londres.

Retratos a lo divino: santas y mártires: mostrando a las santas o mártires ataviadas a la moda de la época, como grandes damas (calidad de las telas)


Santa Isabel de Portugal.


Velázquez. 1599-1660

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• Nace en Sevilla, donde aprende el oficio con su suegro Pacheco y se inicia como pintor.

• Desarrolla su labor básicamente en la corte madrileña de Felipe IV quien lo nombró Aposentador Mayor de Palacio y pintor de corte

• Realismo Barroco• Etapas: Sevilla, Madrid, Italia

Diego de Silva y Velázquez (1599-1660).


ETAPAS•Sevilla:

La vieja friendo huevos, 1618El aguador, 1620.

•Madrid, Corte de Felipe IV: Retrato del rey Felipe IVTriunfo de Baco, 1629.

•Primer viaje a Italia, 1629.La fragua de VulcanoLa túnica de José, 1630.

• MadridCristo crucificado, 1630Retratos cortesanos: Felipe IV, Baltasar Carlos, Conde Duque de OlivaresBufonesLa rendición de Breda, 1635,

Segunda viaje a Italia, (1648-1649).Retrato del Papa Inocencio X, realismo, profundidad psicológica.

Paisajes de la villa Médicis, antecedente de la pintura impresionista. La venus del espejo, belleza, intimidad y erotismo.•Etapa final.

Las Meninas, las Hilanderas, realismo, pintura total. Ennoblecer el arte de la pintura.


CARACTERÍSTICAS GENERALES DE LA PINTURA DE VELÁZQUEZ

1. Naturalismo y realismo.

2. Gran retratista, tanto de los rasgos como de la psicología del retratado.

3. Especialmente interesado en el estudio de la luz sobre los objetos:• Inicialmente tenebrista.• Posteriormente emplea luces más abiertas y

conjuga luz y color para recrear los efectos pictóricos.

4. Interés en la perspectiva aérea: “vibración atmosférica” y en el tratamiento de la sensación de aire entre las figuras.


5. Pincelada cada vez más ligera y libre.

Manchas de color.

6. Interés por la composición

7. Todas las temáticas: religiosa, mitológica,

alegórica, bodegón, paisaje, retrato…

8. Libertad creadora, fruto de su posición en la

corte y de su gran cultura al estudiar a los

mejores maestros del pasado y de su época.

9. Trabaja el óleo sobre lienzo, muchas veces sin

boceto previo, que retoca habitualmente, en

ocasiones años después.

Marta López , Ave María Casa Madre 173http://es.slideshare.net/arelar/velzquez-395379

Temas mitológicos

Temas religiosos

Temas mitológicos

Retratos

Temas religiosos

Pintura de género

Bodegones

ETAPAS Y TEMASPRIMERA ETAPA: SEVILLA (1617 - 1622)

SEGUNDA ETAPA: MADRID (1623 - 1629)

PRIMER VIAJE A ITALIA: (1629 - 1631)

http://es.slideshare.net/arelar/velzquez-395379

Marta López , Ave María Casa Madre 174http://es.slideshare.net/arelar/velzquez-395379

TERCERA ETAPA: MADRID (1632 - 1648)

Cuadro histórico

Retratos ecuestres

Retratos de caza

Cuadro religioso

Retratos de bufones

CUARTA ETAPA: MADRID (1652 - 1660)

Temas mitológicos

Retratos reales

SEGUNDO VIAJE A ITALIA (1649 - 1651)

Temas mitológicos

Retratos

Paisajes


PRIMERA ETAPA: SEVILLA (1617 - 1622)• Se forma en el taller de Francisco Pacheco donde adopta los principios

academicistas.• Realismo y naturalismo en las figuras, sus rostros…• Naturalismo tenebrista: fuertes contrastes lumínicos entre luces y

sombras.• Interés por el bodegón y las calidades de las cosas.• Personajes y ambientes populares.• Predominio de colores terrosos.• Importancia de la línea y los contornos; pincelada corta.• Composiciones sencillas.• Sensación escultórica en los objetos y personajes.• Temática: escenas religiosas tratadas como si fueran populares,

pintura de género y bodegones con figuras.

• OBRAS: BODEGONES DE FIGURAS HUMANAS: La vieja friendo huevos, 1618El aguador, 1620.


• BODEGONES DE FIGURAS HUMANAS:

• Enmarca el bodegón en una escena con personas

• Influencia del naturalismo tenebrista de Caravaggio:

• Tonalidades ocres y terrosas• Dibujo preciso y definido• Uso del claroscuro, con lo que

conseguía dar volumen a las figuras dotándoles de gran realismo

• Con Velázquez, los bodegones y escenas costumbristas, considerados hasta entonces un arte menor alcanzan las más altas cotas del arte


• Son escenas de composición sencilla:• Escasos personajes: personas humildes, corrientes en un ambiente cotidiano y real• Mesas con objetos y alimentos representados con admirable veracidad y maestría.

• En estas obras introduce elementos de naturaleza muerta:• Panes, frutas, verduras, jarras de vino, utensilios de cocina de arcilla, metal o cristal• Colocados sobre mesas, y llenos de realismo. • Perfección técnica al captar las calidades de tejidos, objetos• Realismo casi tangible• Sin embargo, estos objetos no son el elemento principal a destacar el cuadro, sino que utiliza la

realidad cotidiana para acercarnos a la narración de una historia, alegoría o simbolismo.


1620.Óleo sobre lienzo.106 X 81 cm.Apsley House, Londres.

EL AGUADOR DE SEVILLA


LA VIEJA FRIENDO HUEVOS

183

• La escena religiosa se transforma en una escena de género, de la vida cotidiana en Sevilla, en un bodegón.• Desplaza la escena principal a un lado del cuadro.• La escena religiosa casi se convierte en un bodegón de figuras humanas

Cristo en casa de Marta y María

Marta López , Ave María Casa Madre


Se trata de un “bodegón a los divino”: El tema principal, religioso es

enmarcado en un bodegón. La escena religiosa casi se convierte en

un bodegón de figuras humanas


SEGUNDA ETAPA: MADRID (1623 - 1629)• En 1623 se traslada a la corte de Felipe IV se convierte en pintor real y conoce las

colecciones de pintura real (muy abundante en pintura veneciana) y desarrolla una gran producción como retratista.

• El rey y la corte serán sus clientes.• Su producción en esta etapa es eminentemente retratística.• Cambios en su estilo:

• Paleta todavía oscura pero se amplia con tonos de color gris.• Luminosidad: la luz y los fondos se van aclarando.• La pincelada se va aclarando y haciendo menos espesa.

• OBRAS: • Retrato del rey Felipe IV• Triunfo de Baco, 1629.


RETRATO DE FELIPE IV

http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/3/30/Velazquez-FelipIVsar.jpg


En esa época conoce a Rubens, quien influirá en su pintura y en los temas mitológicos

EL TRIUNFO DE BACO O LOS BORRACHOS


• Baco aparece representado entre personajes populares.

• Es un mito tratado con un sentido popular, naturalista.

• El tenebrismo anterior se va desvaneciendo y abriéndose a un mayor y más cálido colorido y luminosidad.

• Paleta más clara, colorida y luminosa.

• Ubica la escena el aire libre .


PRIMER VIAJE A ITALIA: (1629 - 1631)• Entra en contacto con la pintura italiana (Rafael,

Miguel Ángel, los clasicistas barrocos) y veneciana y conoce a los grandes maestros y sus obras.

• Por la influencia de estos pintores: • Gana en colorismo, luminosidad y complejidad compositiva• Interés en el tratamiento del cuerpo humano y sus

diferentes posiciones, la anatomía, el desnudo clásico• La luz ya es menos tenebrista.

• Tensión emocional, interés por el alma humana.• El dibujo sigue siendo muy preciso.• Temática: mitológica y religiosa• OBRAS:• La fragua de Vulcano. • La túnica de José, 1630.


LA FRAGUA DE VULCANO • Composición compleja.• Estudio anatómico.• Paleta más rica.• Estudio de las expresiones de los

personajes.• Interés por los efectos

atmosféricos.• La luz y el espacio adquieren

protagonismo.• Práctica desaparición de los

aspectos tenebristas.• Dibujo muy preciso


• TEMA• Escena: el dios Apolo irrumpe

en la fragua del dios Vulcano para comunicarle que su esposa la diosa Venus, le está siendo infiel con el dios de la guerra, Marte.

• Sorpresa


• Apolo, casi adolescente, cubierto por una túnica anaranjada y rodeado de aureola de rayos solares, actúa de foco de luz en el taller

• Es el único representado como un dios, idealizado, ya que los demás personajes, incluido el dios Vulcano, son tipos normales, personajes populares.

• Los focos de luz se han hecho más complejos, aparecen varios focos distintos que generan diferentes sombras


• Los herreros contemplan sorprendidos al visitante, intensidad expresiva

• Predominio de los tonos ocres.• Objetos y herramientas trazados con la minuciosidad

(armadura del primer plano, el jarro blanco de la chimenea, los yunques, etc.)

• Significado: defender la nobleza de la pintura, considerada hasta entonces como un oficio mecánico y que fue la causa de que el pintor tuviese grandes dificultades en alcanzar la encomienda de la Orden de Santiago, hasta entonces reservada a la nobleza.


Tercera Etapa. Madrid (1632-48):• Regresa a la corte y realiza algunos de sus

mejores cuadros• Aún queda algo del tenebrismo inicial• Las figuras pierden rigidez. • Gran interés por captar los efectos atmosféricos.• La paleta se amplía con nuevos colores (grises,

ocres, azules y verdes, rosas…) suaves y armónicos.

• Pincelada más suelta, utiliza menos pasta.• Vaporosos fondos de tonos plateados, azulados…

como los que coloca de fondo en sus retratos reales.

• Las composiciones se complican


Tercera Etapa. Madrid (1632-48):

• OBRAS:

• Cristo crucificado, 1630, belleza clásica, idealización, serenidad equilibrio, proporción

• Retratos cortesanos: Felipe IV, Baltasar Carlos, Conde Duque de Olivares, dignidad del retratado, paisaje, perspectiva aérea.

• Bufones: realismo, humanidad.• La rendición de Breda, 1635, dominio de la

atmósfera.


Decoración del Salón de Reinos del Palacio del Retiro.

• Encargo del Conde-Duque de Olivares para exaltar la grandeza de la monarquía hispánica.

• VELÁZQUEZ: • Seleccionar cuadros

de sus contemporáneos para decorarlo.

• Realizar sus grandes retratos de la familia real.

• Realizar una pintura histórica de propaganda de la monarquía hispánica: Las Lanzas o La Rendición de Breda.



En esta etapa Velázquez debe hacer frente al gran reto que le supone laEs un escaparate de las glorias y la

La reina Isabel de Borbón a caballo

El heredero Baltasar Carlos a caballo

Felipe IV a caballo

• Retratos ecuestres de la familia real: el rey, la reina, el infante Baltasar Carlos y el propio Conde Duque de Olivares. (El profesor Calvo Castellón cuestiona que sean obra de Velázquez)

• Caballos encorvetados, en potentes escorzos, líneas diagonales.

• Fondos de paisajes naturalistas de la sierra madrileña (tonos azulados, grises…)

• Perspectiva aérea

• Pincelada suelta, vivaz…


Ejemplo de maestría:• Paleta muy rica.• Graduación de la luz en las superficies.• “Vibración atmosférica” pinta el aire en la

pintura, con un tratamiento magnífico de la perspectiva atmosférica.

• Pincelada suelta, libre: el dibujo se rinde al color.

• Composición dinámica, poderosa, diagonal, con un caballo en corveta que se dirige en escorzo al espectador.

• Paisaje naturalista de la sierra de Guadarrama.

El Infante Baltasar Carlos a caballo

El retrato del heredero Baltasar Carlos a caballo



• Muestra del poder del valido (el retrato ecuestre estaba reservado solo a los reyes) espada, bastón de mando…

• Retrato psicológico• El conde duque aparece de

espaldas y su rostro se vuelve hacia el espectador.

• Dinamismo: se dirige potentemente hacia adelante en su caballo (hacia una batalla) a la vez que mira orgulloso hacia el espectador y hacia atrás.

El Conde Duque de Olivares a caballo


La rendición de Breda o Las Lanzas

• Compleja composición y equilibrio:

• Escorzos, miradas al espectador, personajes de espaldas

• Dominio de la atmósfera• Propaganda de la monarquía

hispánica en el Salón de Reinos del Retiro.

• Muestra la rendición de la ciudad de Breda (Holanda) en 1625. Una de las victorias más famosas de los tercios españoles en la Guerra de los Treinta Años


El vencido holandés, Justino de Nassau, entrega las llaves al general español vencedor Ambrosio de Spínola, quien no permite que el vencido se postre ante él: exalta la magnanimidad de la monarquía hispánica como ejemplo de caballerosidad.

La batalla pierde protagonismo: tan sólo se intuye al fondo, entre el humo y la neblina.

http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/4/4e/Vel%C3%A1zquez_-_de_Breda_o_Las_Lanzas_(Museo_del_Prado,_1634-35).jpg


Tercera Etapa. Madrid (1632-48):• Preocupación por los efectos atmosféricos, “vibración atmosférica”• Pincelada libre, dibujo suelto, las figuras han perdido rigidez.• Las graduaciones lumínicas continuas sustituyen a los bruscos efectos

tenebristas.


• Impresionantes retratos de bufones habituales en la corte

• Renuncia a los fondos, (el espacio se intuye sólo en la sombra de Pablo)

• Realismo, humanidad y profundidad psicológica

• Emplea puntos de vista bajos para engrandecer al personaje

• L. Ferrari afirma que el pintor “los salva a través del arte”, los dignifica.

• Pablo de Valladolid o El niño de Vallecas.

El niño de Vallecas

Pablo de Valladolid

RETRATOS DE BUFONES

Marta López , Ave María Casa Madre 209Don Juan Calabazas

Don Sebastián de Morra


• Desmitifica el mito• Marte no es un dios joven y poderoso, sino una persona madura,

en decadencia, reflexiva• De su armadura, el dios de la guerra sólo conserva puesto el

yelmo; y en vez de sujetar erguido el bastón de general, lo apoya con desgana en el suelo.

• La rodela, la espada y el resto de la armadura yacen a los pies de una cama desordenada, la misma sobre la que descansa un Marte de cuerpo laxo y actitud melancólica.

• Significado: • Decadencia de la vida una vez alcanzada la madurez• Decadencia de la monarquía hispánica, arruinada y agotada

por las constantes guerras

EL DIOS MARTE

211

SEGUNDO VIAJE A ITALIA (1649 - 1651)• Siendo un pintor ya reconocido, regresa

a Italia para adquirir obras de arte para la Corte.

• Retratos:• Enorme profundidad psicológica.• Su criado Juan de Pareja• Papa Inocencio X

• La Venus del espejo• Paisajes de la Villa Médicis

Marta López , Ave María Casa Madre

Juan de Pareja; esclavo liberto al que Velázquez enseñó a pintar. Economía cromática, soberbia, personalidad.


Retrato del Papa Inocencio X.

• Ejemplo de retrato de captación de la personalidad del personaje (del que el papa exclamó que era demasiado verídico): muestra su mirada inteligente, a la vez que recelosa, desconfiada.

• Realismo• Profundidad psicológica


• Colores ricos y brillantes• Pincelada cada vez más suelta y libre.• La luz y su incidencia sobre los objetos

tienen cada vez más importancia: los blancos y rojos de sus vestiduras muestran todo tipo de matices y transiciones.

• Interés por los reflejos.• El Papa al ver el cuadro afirmo

“troppo vero”


• Son paisajes tomados directamente del natural.

• Pincelada libre• Captación de la luz • Anticipan la pintura

impresionista del siglo XIX.

• Tradicionalmente se enmarcan en su primer viaje a Italia pero el profesor Antonio Calvo Castellón mantiene que, la genialidad de su pincelada suelta es ya muy avanzada, lo que los enmarcaría en el segundo viaje a Italia.

Paisajes de Villa Medici.


• Único desnudo de la pintura española de la época, de clara influencia veneciana y del barroco flamenco.

• Emplea el recurso barroco del reflejo en el espejo y mediante el que Venus parece dirigirse al espectador.

• Juego visual: el espejo no refleja el pubis que es lo que se encuentra delante, sino el rostro .

• Espejo: atributo de Venus

La Venus del espejo

Marta López , Ave María Casa Madre 216Venus ante el espejo. Entre 1647-1651. Óleo sobre lienzo. 122 X 177 cm. National Gallery de Londres.

Marta López , Ave María Casa Madre 218Belleza, intimidad y erotismo.


INFLUENCIAS: Venus de Tiziano, la escultura helenística “El hermafrodita dormido”, que adquirió para las colecciones reales, Giorgone “La Venus dormida”


• El 10 de marzo de 1914, la militante sufragista Mary Richardson entró en la National Gallery y atacó con un cuchillo “La Venus del espejo” en protesta por la detención de su colega sufragista Emmeline Pankhurst el día anterior.

• Richardson explicó: “He tratado de destruir la imagen de la mujer más bella en la historia mitológica como protesta contra el Gobierno de la destrucción de la señora Pankhurst, que es el personaje más bello de la historia moderna “. Comentó que no le gustaba “la manera en que los hombres que visitaban el museo permanecían asombrados todo el día frente al cuadro “


Cuarta Etapa. Madrid (1652-60): Regreso a la Corte

• En esta última etapa, Velázquez lleva al extremo su técnica pictórica. Es la culminación de su arte

• Su pincelada se hace totalmente libre y suelta.

• Grandes manchas de color• Máximo interés en los brillos, los

reflejos y las graduaciones lumínicas.• Composiciones muy complejas, llenas

de simbolismo, pero equilibradas.


• Culmina la perspectiva aérea : El aire y la luz: principales

protagonistas de su pintura Una serie de planos sucesivos

modelados únicamente por la luz recrean la sensación de espacio y atmósfera en los que se ubican los personajes.

Contrastes entre zonas de luz y sombra, graduaciones, desdibuja los objetos y los contornos hacia del fondo.


LAS MENINAS

1. Retrato de grupo:

La infanta Margarita y sus acompañantes llegan al taller de Velázquez, que estaría tal vez pintando a sus padres, los reyes, que aparecen reflejados en el espejo del fondo.


En segundo plano vemos a dos nobles religiosos, doña Marcela de Ulloa y don Diego Ruiz de Azcona

En el fondo, en el vano de la puerta, podemos ver al aposentador de palacio Don José Nieto Velázquez

En el espejo colocado al lado de la puerta se reflejan los bustos de la reina Mariana de Austria y del rey Felipe IV.

La escena representa a Velázquez mientras está realizando el retrato ¿de la familia real?

Doña Angustias de Sarmiento, que ofrece un búcaro a la infanta Margarita

Infanta Margarita

Doña Isabel de Velasco que comienza una reverencia

La enana Mari Bárbola

El niño Nicolás Pertusato que molesta con el pie al mastín que está descansando.


Retrato de grupo


2. Introduce al espectador en el espacio del cuadro. Juego e ilusión visual• El espectador parece hallarse dentro del cuadro, en el espacio donde también están los monarcas.• Anulan la diferencia entre el espacio real y el de la pintura• La mirada de los personajes se dirige hacia el espectador.• instantánea.


• 3. Capta el ambiente y la “vibración atmosférica”: • Disposición de los personajes en diferentes planos• Alternancia de luces y sombras• Contornos difuminados de objetos del fondo• Profundidad: perspectiva lineal, punto de fuga en la puerta del fondo.


4. Dirige la mirada del espectador hacia la infanta Margarita, por medio del juego de la luz y las miradas de sus meninas.5. Pincelada rápida, muy suelta y ligera, de apariencia inacabada.6. El color predomina sobre el dibujo7. Utiliza el recurso del espejo: introduce en el cuadro personajes que están fuera de la escena


VAN EYCK:“EL MATRIMONIO ARNOLFINI” SIGLO XV

El recurso del espejo como elemento efectista que amplía perspectivas e introduce en el cuadro a unos personajes que están fuera de la escena tiene su origen en la pintura flamenca.

LAS MENINASSIGLO XVII

Este recurso actúa también sobre el espectador pues lo interpone entre la escena y lo que se refleja en el espejo.


Ignacio Sobrón García


8. Numerosas interpretaciones:• Retrato de grupo poco convencional.• Exaltación de la monarquía • Reivindicación de la pintura como arte

liberal:• Velázquez se autorretrata como pintor junto a

la familia real.• La cruz de la Orden de Santiago fue añadidados años después, 1658cuando se la otorgan

Marta López , Ave María Casa Madre 230http://es.slideshare.net/aljubarrota/las-meninas-una-forma-de-aproximacin-al-cuadro-de-velzquez

Velázquez dirige la mirada del espectador hacia la infanta Margarita, tanto por el juego de la luz, las miradas de sus meninas (que la enmarcan), como por el empleo de otros recursos, como es el ritmo de las diferentes notas de color rojo que aparecen en el cuadro.

Este recurso también contribuye a dotar de unidad al conjunto: el color rojo crea un ritmo que hace saltar nuestra vista a lo largo de todo el cuadro.



A esta interpretación correspondería la presencia de los dos cuadros de asunto mitológico colgados de la pared del fondo, copias de Juan Bautista Martínez del Mazo de dos lienzos que colgaban en la Torre de Parada, Minerva y Aracné, de Rubens, y Apolo y Pan, de Jordaens.

Los temas de estas pinturas son una alegoría de la competición entre dos formas de arte, una encarnada por un dios y la otra por un mortal.

Esto se ha interpretado como una exaltación del arte intelectual y liberal de la pintura sobre la artesanía.

http://ntic.educacion.es/w3/eos/MaterialesEducativos/bachillerato/arte/velazquez/estudio.htmhttps://art-y-cultura.blogspot.com.es/2015/09/los-secretos-mejor-guardados-de-las.html

Minerva y Aracné, de Rubens

Apolo y Pan, de Jordaens



http://www.google.es/url?sa=i&rct=j&q=&esrc=s&source=images&cd=&cad=rja&uact=8&docid=aRHe4QP-6OJd7M&tbnid=uJdb7Qq7Y8eLBM:&ved=0CAUQjRw&url=http://enviarte.wordpress.com/&ei=6tVpU9T6FovX7AayqoHYDg&bvm=bv.66111022,d.ZGU&psig=AFQjCNGqBlXPY40clLJiaTFsuiqpUqgFfQ&ust=1399530354901982

http://www.google.es/url?sa=i&rct=j&q=&esrc=s&source=images&cd=&cad=rja&uact=8&docid=aRHe4QP-6OJd7M&tbnid=uJdb7Qq7Y8eLBM:&ved=0CAUQjRw&url=http://enviarte.wordpress.com/&ei=0dVpU_OzEo3e7AaUxIGAAQ&bvm=bv.66111022,d.ZGU&psig=AFQjCNGqBlXPY40clLJiaTFsuiqpUqgFfQ&ust=1399530354901982


http://www.google.es/url?sa=i&rct=j&q=&esrc=s&source=images&cd=&cad=rja&uact=8&docid=aRHe4QP-6OJd7M&tbnid=uJdb7Qq7Y8eLBM:&ved=0CAUQjRw&url=http://enviarte.wordpress.com/tag/las-meninas-de-velazquez/&ei=ldVpU-HCF6Td7Qbf14G4BA&bvm=bv.66111022,d.ZGU&psig=AFQjCNGqBlXPY40clLJiaTFsuiqpUqgFfQ&ust=1399530354901982


Las Hilanderas o La fábula de Aracne

• Plantea un tema mitológico de la Metamorfosis de Ovidio como una escena cotidiana de su tiempo.

• La fábula del reto entre Minerva y Aracne transcurre en un taller de la Real Fábrica de Tapices

• El tema principal del cuadro aparece en segundo plano, al fondo de la escena.

Aracne reta a la diosa Atenea a realizar un tapiz para comprobar quien de las dos tejía mejor.

Atenea teje un tapiz sobre su victoria ante Poseidón, mientras que Aracné elabora una tela magnífica de Zeus en forma de toro raptando a Europa.

Furiosa por la habilidad de Aracne, Atenea la convierte en araña y la condena a pasar su vida tejiendo


Presenta la escena en dos momentos diferentes: en el primero la competición y en el fondo el castigo.

• El tema principal aparece al fondo, aunque bien destacado por la luminosidad: Atenea castiga a Aracné delante del tapiz elaborado por esta y que representa el rapto de Europa.

• En primer plano, parece que se desarrolla la competición, pero encarnada en figuras y ambientes cotidianos: una anciana (Atenea) y una joven (Aracné) se afanan en las tareas propias del hilado y tejido de tapices.

Atenea disfrazada de anciana, pero descubierta por su joven pierna

Aracné, representada como una joven

Atenea, vestida de guerrera, se dispone a castigar la soberbia de Aracné, convirtiéndola en araña, ante un tapiz del Rapto de Europa Rubens



• Pincelada muy rápida y expresiva.• Contornos difuminados• Juegos de luz y sombra• Perfecta representación de las texturas• Pinta el aire, la atmósfera, perspectiva aérea: las figuras

pareen difuminarse en la atmósfera que las envuelve.


http://www.google.es/url?sa=i&rct=j&q=&esrc=s&source=images&cd=&cad=rja&uact=8&docid=7CZTvPoATK4INM&tbnid=XzhjkfVRSKSAXM:&ved=0CAUQjRw&url=http://encontrandolalentitud.wordpress.com/2013/02/10/velazquez-esencial-segundo-viaje-a-italia-y-ultima-estancia-en-madrid-1649-1660/&ei=I9tpU6HcLaes0QXR5oG4DQ&bvm=bv.66111022,d.d2k&psig=AFQjCNFu_--fBWp5ApRB2TzMJwTHPv5umA&ust=1399532671183902


http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/d/da/Detail_of_Las_hilanderas_(2),_by_Diego_Vel%C3%A1zquez.jpg

http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/f/f0/Detail_of_Las_hilanderas,_by_Diego_Vel%C3%A1zquez.jpg


Autorretrato en 1670.122 X 107 cm. National Gallery. Londres.

El artista acaba de cumplir 50 años y se autorretrata tras un marco muy cuidado provocando un trampantojo en el espectador. Fuera del marco los utensilios de su profesión: paleta de colores y pinceles a la derecha; al otro lado las herramientas del dibujante, lápiz, regla y compás.

Bartolomé Esteban Murillo(1618-1682)

Sevilla.


Características de la pintura de Murillo

1.Religiosidad intimista, amable y sentimental: no pintará santos ascetas y viriles, su pintura se acerca más a lo familiar, a lo íntimo.

2.Gusto por las imágenes más dulces y agradables.

3.Belleza ideal.4.Pincelada suelta y vaporosa.5.Riqueza de colorido. Preferencia por los

colores cálidos.


6. Luminosidad.

7. pintura delicada y suave

8. Interés por representar la atmósfera y el espacio

9. Interés por la belleza infantil y juvenil, impregnada de gracia y dulzura.

10. Numerosas obras de tema mariano: Inmaculadas:• María idealizada, joven, casi niña • Actitud contemplativa• Envuelta en un manto azul (simboliza la

eternidad) que cubre su hábito blanco (símbolo de pureza virginal)

• Rodeada de ángeles• Belleza y clasicismo

11. Pintura de niños y pícaros: interpretación amable de realidades crueles


OBRAS: • Inmaculadas, varias versiones,

nueva iconografía.• Temas infantiles:

• Los Niños de la Concha• El Buen Pastor• Pícaros y mendigos• Los Niños comiendo melón• Los Niños jugando a los

dados• La Sagrada Familia del pajarito.


El Buen Pastor. 1655-1660. Óleo sobre lienzo.123 X 101 cm. Museo del Prado.


Niños comiendo melón y uvas.1650.Óleo sobre lienzo.145 X 103 cm.Pinacoteca, Munich.


Niños jugando a los dados. 1665-1675. óleo sobre lienzo, 140 x 108 cm.Alte PinaKothek, Munich.

Niño espulgándose.1650. Museo del Louvre.

http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/1/1d/Bartolom%C3%A9_Esteban_Perez_Murillo_-_Young_Boys_Playing_Dice_-_WGA16394.jpg

http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/b/b3/Murillo-joven_espulgandose.jpg


La sagrada familia del pajarito de Murillo


Inmaculada de El Escorial.Murillo

Marta López , Ave María Casa Madre 252Los niños de la Concha. Murillo.

tema 11.4 el arte barroco. cuarta parte. españa

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