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UNIDAD DIDÁCTICA 6 - LA MÚSICA EN EL SIGLO XX El siglo XX es un período de cambios acelerados en el que conviven distintos estilos musicales. Esta pluralidad de tendencias es fruto del desarrollo de los transportes y de los medios de comunicación, que han hecho del mundo un espacio más pequeño y sus distintas culturas más accesibles. Es decisiva la innovación continua y radical, la creación de nuevos universos sonoros y una manera diferente de pensar la obra.

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1-. LA EVOLUCIÓN: LAS ‘VANGUARDIAS HIST ÓRICAS’ EL IMPRESIONISMO -. Es un movimiento típicamente francés que surge a finales del siglo XIX como reacción frente a las corrientes naturalistas y realistas imperantes. En la literatura surge el Simbolismo poético con autores que exaltan lo misterioso y lo irracional como bello. En la pintura aparece el Impresionismo, que abandona el taller por el trabajo al aire libre en cuadros que plasman paisajes y ambientes difuminados con gran riqueza de luz y colores puros.

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Impression, soleil levant de Claude Monet

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El jardín del artista en Giverny de Claude Monet

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La noche estrellada de Vincent Van Gogh

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Las características de la música impresionista son: (a) Melodías “desdibujadas” sin línea ni cadencias claras (empleo

de escalas modales, pentatónicas...). (b) Armonía libre. (c) Nuevo tratamiento del timbre utilizando los instrumentos de

forma individual y con múltiples matices.

Representantes: Claude Debussy (Preludio a la siesta de un fauno, Nocturnos, El mar) y Maurice Ravel (Bolero, Rapsodia española, Dafnis y Cloe).

Debussy

Ravel

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EL EXPRESIONISMO -. Es un movimiento de origen alemán que afecta a la pintura, la literatura y la música y se caracteriza por la expresión del alma del ser humano de forma dura y pesimista, centrándose en su vivencia interior llena de conflictos y temores, que muestra una realidad distorsionada marcada por el dolor y la angustia (realidades deformadas, ambientes irreales).

El grito de Edvard Munch

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Cartel para la película “El gabinete del

Doctor Caligari” Autorretrato con cabeza inclinada de

Egon Schiele

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Las características de la música expresionista son: a) Búsqueda de lo dramático mediante el uso constante de

disonancias que producen una tensión continua. b) Utilización de un sistema atonal que rompe todas las reglas de

organización melódica y armónica. c) Interpretación para pequeñas formaciones de cámara donde

cada instrumento tiene un papel de solista. Representante: Arnold Schoenberg (Primera Época: Noche transfigurada, Pierrot Lunaire).

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IGOR STRAVINSKY -. Es uno de los músicos más importantes del siglo XX. Su obra, difícilmente clasificable por la variedad de estilos que presenta, marca el inicio de una sonoridad verdaderamente contemporánea que influirá en todos los compositores de la época. Obras: El pájaro de fuego, Petrouchka, La Consagración de la Primavera, Historia de un soldado, Sinfonía de los Salmos.

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El estreno del ballet La Consagración de la Primavera en París (1913) produjo uno de los mayores escándalos de la historia musical moderna. La fuerza de sus ritmos con constantes desplazamientos del acento, la superposición de planos armónicos con acordes en distintas tonalidades y el empleo percutido de la disonancia, provocaron en el público un rechazo absoluto.

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2-. LA RUPTURA: FUTURISMO Y DODECAFONISMO . EL FUTURISMO . Es un movimiento estético nacido en Italia en 1909. Aboga por la introducción de los ruidos (‘ruidismo’) y las máquinas en la música. Buscan enriquecer el sonido y desvincularse del pasado, declarando la guerra a la tradición y a los timbres limitados de los instrumentos convencionales. Su idea de conectar la música con la realidad utilizando los ruidos de la vida moderna tendrá una gran influencia en muchos compositores contemporáneos y anticipará las técnicas de la música concreta.

Intonarumori de Luigi Russolo

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Representantes: Luigi Russolo y Edgar Varèse (Ionización, Desiertos).

Luigi Russolo Edgar Varese

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EL DODECAFONISMO . Es una técnica de composición basada en los doce sonidos de la escala cromática que fue creada por Schoenberg (1923) con la intención de establecer un nuevo sistema de organización musical: todas las notas tienen la misma importancia y por tanto se pierde la idea de atracción tonal. Las series de doce sonidos se pueden presentar en el plano armónico o melódico, en cualquier registro y ritmo. Representantes: Arnold Schoenberg (segunda época: Variaciones para orquesta Op. 31, la ópera Moisés y Aarón), Alban Berg (las óperas Wozzeck y Lulú) y Anton Webern.

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Arnold Schoenberg Alban Berg Antón Webern

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3-. LA VUELTA ATRÁS: EL NEOCLASICISMO . El Neoclasicismo surge en torno a 1920 como reacción frente al Post-Romanticismo, el Impresionismo y el Expresionismo. Supone una vuelta a la claridad formal del Clasicismo y el rechazo a una concepción expresiva de la música cargada de significados profundos y subjetivos. Cultiva las formas y géneros clásicos y barrocos buscando una nueva sencillez. Representantes: Erik Satie, Paul Hindemith, Carl Orff (Carmina Burana), Sergei Prokófiev (Sinfonía Clásica, el ballet Romeo y Julieta), Benjamin Britten . Algunos compositores integraron en su música las influencias del Jazz y el Music Hall y utilizaron la parodia y el humor como el mejor antídoto contra el romanticismo.

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4-. NUEVAS CORRIENTES DE VANGUARDIA . Al finalizar la Segunda Guerra Mundial surgen con enorme vitalidad nuevas corrientes de vanguardia, fruto de una sociedad dinámica que vive notables cambios políticos y sociales y sorprendentes progresos científicos y técnicos. EL SERIALISMO -. El Serialismo Integral consiste en la aplicación del concepto de serie, introducido por el Dodecafonismo, a todos los parámetros integrantes del sonido y no sólo a la altura de las notas. El resultado es una música absolutamente organizada y racional, y por ello calificada con frecuencia de “fría”, en la que las alturas, duraciones, timbres e intensidades están perfectamente ordenados. Entre los compositores que siguen esta nueva técnica de composición destacan Olivier Messiaen con su obra Modos de valor y de

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intensidad y Pierre Boulez con El martillo sin dueño donde muestra un serialismo menos riguroso.

Olivier Messiaen Pierre Boulez

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LA MÚSICA CONCRETA -. Corriente relacionada con el Futurismo que utiliza cualquier sonido o ruido sacado de la realidad. Estos sonidos de “objetos concretos” se graban y posteriormente se manipulan en un laboratorio. En esta corriente, el papel del intérprete es sustituido por la cinta magnetofónica, en la que el compositor presenta su trabajo de forma definitiva y objetiva.

Representantes:

Pierre Schaeffer y Pierre Henry con Variaciones para una puerta y un suspiro.

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MÚSICA ELECTRÓNICA -. Es una música producida completamente en laboratorio , los sonidos se crean, procesan y graban electrónicamente. Se suprimen los intérpretes y las partituras tradicionales. La música electrónica se unirá a la concreta dando lugar a la conocida como música electroacústica que se convertirá un uno de los procedimientos más empleados por casi todos los compositores del siglo XX. Representantes: Karl Stockhausen con el Canto de los adolescentes y Luciano Berio.

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MÚSICA ALEATORIA -. Es una corriente opuesta a las anteriores que ofrece una música indeterminada en función del azar y de la libertad de quien la interpreta. El compositor no escribe una obra acabada y cerrada, sino que confía en la creación y la independencia del intérprete para hacer de cada audición una obra única e irrepetible. Así, el intérprete dispone de una margen de libertad que puede consistir en:

a) Escoger libremente las alturas de las notas dentro de un ámbito determinado.

b) Interpretar con duraciones libres unas notas concretas. c) Repetir a voluntad un determinado motivo melódico. d) Ordenar libremente diversos fragmentos musicales dados. e) Improvisar sobre un material dado (alturas, duraciones,

motivos, dibujos...).

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Representante: John Cage: obra titulada 4’33” (1952): los intérpretes permanecen sentados y en silencio durante 4 minutos y 33 segundos, de manera que son los ruidos de la sala y del exterior los que construyen la pieza.

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MINIMALISMO -. Esta corriente aparece en los Estados Unidos a mediados de los años sesenta y consiste en crear obras a partir de un número muy reducido de elementos. El proceso creativo no suele ser el desarrollo o la variación, sino la repetición constante de los mismos elementos, en los cuales se van introduciendo pequeños elementos de cambio.

Representantes:

Steve Reich y Philip Glass.

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5-. LA DANZA CONTEMPORÁNEA . Es la danza contemporánea iniciada a comienzos del siglo XX por bailarines y coreógrafos que buscan un estilo propio basado en la expresión de los sentimientos. Se caracteriza por:

a) La libertad total de planteamientos. b) Mayor búsqueda de la emoción que de la belleza. c) La independencia de la danza respecto de la narración e

incluso de la música, es decir una búsqueda de lo abstracto, al margen de argumentos y significados concretos.

d) El rechazo a las formas de movimiento establecidas, utilizando gran variedad de pasos y estilos, así como la improvisación.

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La bailarina Isadora Duncan fue una de las fundadoras del nuevo espíritu de la danza a comienzos de siglo. El coreógrafo, autor de la coreografía o invención de los pasos y movimientos de la danza, se ha vuelto así una figura central de la danza moderna, cuya importancia no ha dejado de crecer hasta nuestros días. Marta Graham, Merce Cunningham, Rudolf Laban, Maurice Béjart , Pina Bausch, Jiri Kylián entre otros han sido los continuadores de la danza moderna, rompiendo con los convencionalismos del ballet clásico.

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