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UNIVERSIDAD CENTRAL DEL ECUADOR
FACULTAD DE ARTES
CARRERA DE ARTES PLÁSTICAS
MIRADA ARTÍSTICA A TRAVÉS DE LA CARICATURA Y EL CÓMIC
TRABAJO TEÓRICO DE TITULACIÓN PREVIO A LA OBTENCIÓN DE
LA LICENCIATURA EN ARTES PLÁSTICAS
JORGE ANDRÉS MONTENEGRO MALDONADO
TUTOR: MARÍA ELENA CRUZ ARTIEDA
QUITO, JUNIO 2016
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DEDICATORIA
Para mi madre Beatriz Maldonado por haberme dado la fuerza de
Su amor en los momentos más difíciles y ayudarme a levantar
Cuando decaían mis ánimos.
Para aquel que puede crear una estrella en un segundo y ha logrado
Maravillar mis sentidos a través de todas sus obras, el verdadero artista,
Jehová, Padre de todo lo que existe.
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AGRADECIMIENTO
Con mucho cariño y admiración dedico estas palabras para aquellos valientes que se atrevieron a
soñar y fructificar este talento que tienen en sus manos, para mis colegas artistas cuyo oficio entiendo
como alguien que también ama el arte, no fue fácil desarrollarlo en el objetivo de alcanzar las metas
planteadas por cada uno ante una sociedad que olvida y menosprecia muchas veces lo que hacemos.
Les agradezco por acompañarme todos estos años con su amistad y conocimientos, por permitirme
aprender también de ustedes. También agradezco a mis maestros por la generosidad de transferir su
conocimiento y su vida en nuestra formación. Siempre hay recompensa a lo que se hace con amor.
Es gratificante hacer lo que amamos, mi premio más valioso es saber que en mis manos siempre
habrá un pincel empapado de pasión.
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AUTORIZACIÓN DE LA AUTORÍA INTELECTUAL
Yo, Jorge Andrés Montenegro Maldonado en calidad de autor del trabajo de investigación o tesis
realizada sobre “Mirada Política y Social a través de la Caricatura”, por la presente autorizo a la
UNIVERSIDAD CENTRAL DEL ECUADOR, hacer uso de todos los contenidos que me
pertenecen o de parte de los que contienen esta obra, con fines estrictamente académicos o de
investigación.
Los derechos que como autor me corresponden, con excepción de la presente autorización,
seguirán vigentes a mi favor, de conformidad con lo establecido en los artículos 5, 6, 8, 19 y
demás pertinentes de la Ley de Propiedad Intelectual y su Reglamento.
Quito 7 de Junio del 2016
Jorge Andrés Montenegro Maldonado
C.C: 1717214710
Telf: 0983335183
Email: [email protected]
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APROBACIÓN DEL TUTOR
En mi carácter de Tutor del Trabajo teórico de titulación, presentado por Jorge Andrés Montenegro
Maldonado para optar el Título de Licenciado en Artes Plásticas, cuyo tema es “Mirada Política y
Social a través de la Caricatura, considero que dicho trabajo reúne los requisitos y méritos
suficientes para ser sometido a la presentación pública y evaluación por parte del jurado
examinador que se designe.
Quito, 07/06/2016
María Elena Cruz Artieda
C.C: 1715617989
Email: [email protected]
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ÍNDICE DE CONTENIDOS
Páginas preliminares Pág
Dedicatoria……………………………………………………………………………...…………...ii
Agradecimiento……………………….……………………………………….…………......……..iii
Autorización intelectual……………………………………………………….………………..…..iv
Aprobación del tutor……………………….……………………………….………………...……..v
Índice de contenidos………………………..……………………………..…………………….......vi
Índice de Figuras…………………………………………………………………………………..viii
Resumen………………………………………………………………………..………..…...……..ix
Abstract………………………………………………………………..…………………………….x
Introducción……………………………………………………………..…………………………..1
CAPÍTULO I: PLAN DE TESIS
1.1 Planteamiento del Problema…………………………...………………………………………...2
1.2 Formulación del Problema…………………………………...………………………………..…2
1.3 Preguntas Directrices…………...……………………………………………..…………………3
1.4 Objetivos……………………………………………………………………………………...….3
1.5 Justificación……………………………………………………………………………………...4
1.6 Metodología……………………………………………………………………………………...4
1.7 Marco Teórico…………………………………………………………………………………...5
CAPÍTULO II: ARTE Y HUMOR DE LA CARICATURA
2.1 El arte………..……………………………….,…………………………….....………………..6
2.2 Técnicas de Programación Neurolingüística Aplicables al Arte……………………………....12
2.3 Arte y Comunicación…………………………..…………………………….……………..….24
CAPÍTULO III: EL CÓMIC
3.1 La Sensibilidad del Arte…...…………..…………………………………………..……….…..26
3.2 Sobre Humor……………………………………………………………………………………30
3.3 Psicología de la Caricatura………………………...………...…………………………………39
vii
3.4 El Chiste………………………………………………………………………………………...44
CAPÍTULO IV: DANDO VIDA AL PERSONAJE
4.1 El Cómic………….…………………………………………………………………….………50
4.2 Dando Vida al Personaje…………..…………………………………………………………...56
4.3 Lo Espiritual……...……………………………………………………………….……………58
CAPITULO V: CÓMICS EN LO CONTEMPORÁNEO
5.1 Cómics en lo Contemporáneo…………………...…………………………..………………….60
5.2 Mercado del Cómic y la Caricatura……………………..…………………………..………….68
CAPÍTULO VI: EXPRESANDO A TRAVÉS DEL CÓMIC
6.1 Expresando a Través del Cómic…..…..………………………………………………………..71
6.2 Proceso Histórico y Evolutivo del Grafiti……………………………………..……………….73
CAPÍTULO VII: PROPUESTA ARTÍSTICA
7.1 Propuesta Artística, Conclusiones y Recomendaciones……………….……………….....……79
7.2 Análisis de la Obra Gráfica………………………...…………………………………………...82
REFERENCIAS
Bibliografía………………….……………………………………………………………………...93
viii
ÍNDICE DE FIGURAS
FIGURA Pág
1. Cómo Slash………………….…………………………………………………………81
2. El Mendigo……………………………………………………………………………..82
3. El Científico…………………………………………………………………………….84
4. Casi Pobres……………………………………………………………………………...85
5. Sociedades Alternas……………………………………………………………………..87
6. Fiesta Macabra…………………………………………………………………………..89
7. La Última Palabra……………………………………………………………………….90
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UNIVERSIDAD CENTRAL DEL ECUADOR
FACULTAD DE ARTES
CARRERA DE PINTURA
“Mirada Política y Social a través de la Caricatura”
Autor: Jorge Andrés Montenegro Maldonado
Tutor: MsC. María Elena Cruz
Fecha: 27-12-2015
RESUMEN
El arte como manifestación humana es un instrumento al servicio de la comunicación que por
medio de los artistas se expresa en los distintos géneros artísticos que conocemos.
Esta comunicación no siempre ha sido directamente propuesta por los artistas, sino que muchas
veces ha sido impuesta por terceras personas que en cierta forma han servido como una especie de
mecenas para quienes hacen arte, y que por lo general tenían poder económico como para comprar
su labor y por ende, poder económico para influir a multitudes.
Pero también han existido otras formas de expresión que no fueron impuestas y que nacieron
directamente de una verdadera necesidad de comunicar un pensamiento libre y sincero, es decir
propio de quien mira la vida siendo parte de ella y no siendo comprado para decir algo.
PALABRAS CLAVES
<ARTE URBANO> <GRAFFITI> <COMIC> <CARICATURA> <HUMOR>
<NEUROLINGUÍSTICA>
ABSTRACT
“Social and Political Look through the Cartoon”
Art, like human manifestation, is a tool for communication, through the artists expressed in
different artistic genres we know.
This communication has not always been directly proposed by the artists, but has often been
imposed by third parties that have somehow served as a kind of patron for those who make art, and
usually had economic power to influence crowds.
But there have been other forms of expression which wasn´t been imposed and were born directly
from a real need to communicate a free thought and sincere words of one who sees life being part
of it and not being bought to say something.
KEYWORDS
<URBAN ART> <GRAFFITI> <COMIC> <CARTOON> <HUMOR> <NEUROLINGUISTIC>
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1
INTRODUCCIÓN
El siguiente trabajo representa una investigación crítica y de matices complementarios y diversos
acerca de lo que involucra y tiene relación directa o indirecta con lo que se refiere a la “Mirada
Política y Social a través de la Caricatura”. Su viaje inicia con lo que significa ser artista crítico. Es
necesario entender al menos de manera simplificada los procesos mentales que llevan a un artista a
desarrollar un pensamiento crítico a través de este recurso del arte conocido como “Caricatura”, y de
entender también cómo se relacionan dichos procesos en el mundo de la comunicación humana.
La caricatura es un medio de expresión natural y social que ha sido adoptado por el artista de una
manera profunda y comprometida en un sentido más profesional a mostrar diferentes criterios y
opiniones basadas en sucesos que acontecen en su vida diaria y la de todas las personas que lo rodean.
Es importante conocer cuándo y cómo se fueron desarrollando estos procesos como medios de
expresión plástica, para luego poder entender el porqué de los elementos usados en este lenguaje
visual que es en su mayoría un proceso mental analítico.
Una vez entendido lo anterior se muestra los procesos de las principales categorías que guardan
relación directa con lo que tiene que ver con la caricatura; es importante conocer y diferenciar lo que
significa un grafiti, un cómic, una caricatura y los procesos principales de cada uno. Luego se
recordará un poco de lo que se ha hecho en el pasado, lo que se está haciendo actualmente y algunas
de las nuevas tendencias que empiezan a desarrollarse como consecuencia de la mezcla de los
procesos anteriores y las nuevas tecnologías.
Las herramientas presentadas en este estudio pueden servir como una apreciación de valor acerca de
aquello que a veces por falta de información puede ser juzgado como un mero acto político, o de
afinidades personales con crítica sin fundamento. Enseña que realmente la labor de un artista crítico
que maneja el medio de expresión de la Caricatura va más allá, y entra en un mundo fascinante e
ilimitado de poder expresivo y creativo.
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CAPÍTULO I
PLAN DE TESIS
1.1 Planteamiento del Problema
El arte de la expresión a través de la caricatura y el cómic se ha tornado en algo muy parecido a
simplemente mostrar una imagen graciosa en su contenido y forma, exponiendo imágenes para la
rutina de los diarios o algunas otras formas de comunicación. Por muchos años se han olvidado los
elementos que deben poseer y desarrollar los artistas que dedican sus vidas a esta labor. Es necesario
volver a ser valientes y entendidos en el tema para poder superar los límites de la libertad de
expresión a causa principalmente del temor a la persecución política y religiosa, es necesario recordar
que esta labor es un arte y que ha sido llevada a este nivel a través de varios personajes que
plasmaron su voz y su lucha a lo largo de la historia. Elementos como la sensibilidad, el intelecto, el
pensamiento creativo, y los procesos científicos implícitos en toda labor artística son necesarios de
conocer para desempeñar profesionalismo y valentía del lenguaje de la mirada artística a través de la
caricatura y el comic.
1.2 Formulación del problema
La caricatura y el comic son géneros subestimados dentro del marco de aquello que puede trascender
como obra de arte, mucha culpa la han tenido los mismos expositores de este oficio ya que lo han
convertido en un simple trabajo de publicación continua de diarios y otros medios de comunicación
que les abran las puertas a su producción; atrás han quedado los artistas que han llevado este lenguaje
a los anales de la historia del arte y por ende al cuidado y conservación de sus trabajos. La labor de
todo artista implica el crear impacto a través de sus ideales, un profundo conocimiento de su época y
su labor científica y técnica. Actualmente la voz del artista caricaturista se encuentra muy manipulada
y reprimida, consideraba muy politizada y tenue. Dónde ha quedado la voz de denuncia y la mirada
imponente y atemorizante del artista que no se prostituye ante las amenazas de sus adversarios.
3
El arte actualmente se encuentra en decadencia y desde un punto de vista muy personal, prostituido,
es necesario que volvamos a conocer las bases y las raíces que le dieron el calificativo de artista a
todo aquel que ama esta profesión. Ser artista es quizás la profesión más admirada pero también la
menos reconocida y la más difícil de todas, en consecuencia los artistas hoy se encuentran muy
golpeados en sus expectativas y esperanzas de tener una vida digna haciendo lo que aman, es
necesario conocer herramientas que afirme y fortalezcan nuestro desempeño como artistas tanto en el
autoestima como en los procesos técnicos, este trabajo se enfoca sobre todo en la apreciación artística
a través del cómic y la caricatura, pero brinda también herramientas que pueden ser útiles para todo
tipo de artista y persona en general. Existen muchas interrogantes acerca de cómo debe ser la factura
visual, una interrogante importante es: Simplemente debemos hacer lo que nos dé la gana sin que nos
identifiquen, o de alguna manera nuestros trazos e ideología deberían ser conservados.
La sensibilidad y afinación del ojo y el criterio artístico deben ser refinados por medio del
conocimiento de la psicología implícita en los niveles subconscientes de aquello que observamos para
consecuentemente transmitirlo con coherencia visual, es aquí donde cobra importancia el
conocimiento del significado de dichos elementos desde el primer momento como cuando el artista
observa o plantea una idea o un boceto, la programación neurolingüística puede llevar al artista a dar
ese paso y evolucionarlo para que proceda con mayor diligencia e ingenio en sus trabajos.
Es importante que se fortalezcan los elementos formales ya que el arte se encuentra en un momento
de perdida de dichos valores con el pretexto de que da mayor validez a lo conceptual haciendo que
cada vez se pierda más el virtuosismo que también ha sido parte durante milenios de la naturaleza de
una obra de arte y del artista, que mejor que los artistas vuelvan a ser completos y multifacéticos, que
posean el talento y la inteligencia para tocar varios temas y ayudar en diferentes áreas, que su criterio
para opinar y generar cambios e ideas en el mundo y época que atravesamos vuelva a ser importante.
1.3 Preguntas directrices
¿Qué importancia tienen los procesos conceptuales, científicos y sociales para hacer arte
especialmente a través del comic y la caricatura?
¿Qué importancia tienen la sensibilidad, intelecto, pensamiento creativo, pnl e historia en relación con
la comunicación artística por medio del comic y la caricatura?
¿Cómo relacionar los procesos implícitos en esta investigación por medio de mi obra plástica en este
trabajo de titulación?
1.4 Objetivos
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1.4.1 Objetivo general
Comprender a través de elementos conceptuales y científicos la importancia de la caricatura y el
cómic como forma de expresión crítica y artística.
1.4.2 Objetivos específicos
1.4.2.1 Investigar y recuperar los sucesos científicos, conceptuales, e históricos que han otorgado a la
caricatura el prestigio de obra de arte
1.4.2.2 Encontrar las relaciones existentes entre los hechos psicológicos, conceptuales e históricos del
análisis de un artista relacionarlo con la caricatura y el comic.
1.4.3.3 Producir una serie de obras de arte que me permitan reivindicar la validez de la caricatura
como forma de expresión artística por medio del lenguaje pictórico.
1.5 Justificación
La caricatura es un medio de expresión muy importante para el artista plástico ya que le permite
desarrollar su opinión y su criterio con valentía y compromiso de ser coherente y responsable en
aportar contenidos a través de su habilidad a la gente, según el momento y acontecimientos que deba
afrontar a lo largo de su vida. El artista no debería abordar una sola forma de lenguaje, sino
experimentar por todas las formas expresivas posibles del lenguaje pictórico y plástico, en el caso de
este trabajo de tesis la recomendación para desarrollar dichas habilidades se la hace por medio del
comic y la caricatura. Es importante desarrollar observación crítica y lógica para hablar de cosas que
afecten directamente a nuestro entorno social y vida en general.
El arte de la caricatura y el comic desarrollan una observación especial en el artista y lo llevan a
mejorar su capacidad sensorial, de esta forma y en consecuencia mejorará también su comunicación
gráfica, ya se ha demostrado que la creación de personajes obliga a estudiar más acerca de las
expresiones y a concentrarse en observar y detectar los detalles a veces de fracciones de segundo, esto
desarrolla aspectos psicológicos subconscientes llevándolos al campo de la realidad, en el arte eso es
uno de los detalles que lo convierten en broche de oro para la calidad de nuestro trabajo.
1.6 Metodología
5
A través de la recopilación bibliográfica tanto de escritos académicos, como de archivos y entrevistas
de las personas involucradas en esta temática.
Por medio de estudios de la psicología aplicada al arte de la caricatura y de los grandes exponentes
pasados y presentes de esta manera de expresión artística.
1.7 Marco teórico
Es importante estimular a que el artista siga siendo crítico para que el arte no se convierta en una
herramienta simplemente de decoración de salones de arte, casas o medios de comunicación. Lo
primordial es trascender con el objetivo de dejar un legado. Es entonces cuando se aprecia la
importancia de conocer el lenguaje de la comunicación por medio de todos los elementos disponibles
para tener coherencia. La psicología de las expresiones es la herramienta quizás más importante que
debe poseer un artista que quiera plasmar ideales que persistan en el recuerdo y la retina del
espectador. Conocer el poder y las capacidades que brinda un recurso tan poderoso como la
comunicación visual del arte ayuda a manejar con responsabilidad y excelencia la venta de dichos
ideales que se propongan a la sociedad carente de conciencia muchas veces. Donde quiera que termite
un esqueleto sin vida, son menos importantes esos pocos instantes que pudieran durar en el impacto
psicológico de los colores y formas sin concepto ni misión ni visión, que buscar sobre todo que se
siga manteniendo en su forma más pura el arte y la genialidad de la imaginación del artista que piensa
y reflexiona ante la vida. Nuestra misión como artistas es impactar y plasmar hechos y sucesos
históricos desde la mirada crítica y sistemática de la nuestra retina que en el mejor de los casos no
está esclavizada a la prostitución de los que compran su silencio para evitar ser desenmascarados y
seguir así cometiendo fechorías hacia el inocente. Conocer y desempeñar con compromiso y pasión
aquello que hacemos, es ser coherentes con la vida y con nuestro propósito en la misma.
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CAPÍTULO II
ARTE Y COMUNICACIÓN
2.1 El arte
El arte es una hermosa forma de comunicarse, devela lo más íntimo y sincero del sentir de una
persona. Sus creadores tratan de transmitir historias, relatos, vivencias, experiencias y realidades a
través de la percepción sensorial que todos poseen. El pensamiento creativo es una forma artística y
estética que invita a reflexionar e impactar a quien lo recepta. No en vano la naturaleza diseñó todo
un hemisferio cerebral para el momento de imaginar y ser creativos. Los sentimientos tienen una
relación directa con las vivencias cotidianas y con todo aquello que se percibe. Así es como los
artistas modelan su lenguaje cuando su pincel les atrae a plasmar con desesperación todo aquello que
quieren decir, esta conexión es tan fuerte como los dos polos opuestos de un imán.
Para algunos, entender el mensaje que se desea transmitir es fácil, pero para otros no, ya que nadie
puede ver de la misma forma. Por lo general el factor común es de orden social y cultural. Una
persona que se enfrenta por primera vez a una imagen creará sus propias conclusiones acerca de dicha
obra, a menos que con cierta sutileza se le oriente a comprenderla de mejor manera. En todo caso esto
es irrelevante para el artista que no crea cosas con el fin de llevar a alguien a una simple literalidad.
Una de las frustraciones más profundas del arte ha sido encontrar una definición epistemológica
fácilmente entendible, el arte sin duda es comunicación, pero resulta tan difícil definirlo
concretamente que lo terminamos ligando a nuestros sentimientos y con aquello que queremos decir
aún sin entender lo que esto significa de verdad. Es como cuando las personas dicen que aman, pero
no logran definirlo, simplemente al usar dicha palabra es la manera que se encuentra para definir algo
grande porque no se encuentra algo que signifique o abarque con mayor exactitud aquello que se
desea expresar. Su fundamento no es contemporáneo totalmente, el hombre siempre ha tratado de
darle una explicación científica, pero todo cuanto se ha logrado mayormente ha sido filosofar, no
obstante y de esta manera se alcanzó a definir a la estética como una ciencia.
Mucha gente a hecho grandes aportes acerca del arte como una ciencia y de todo lo que esto amerita
en cuanto a las leyes que son parte del mismo, entre estas personas pueden destacar nombres como
los de Emil Utitz, W. Worringer y Max Dessoir.
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La disciplina que hoy en día tiene el arte hace que sea un nuevo momento en su vida, nunca antes se
ha visto todas las amplias documentaciones como referencias contemporáneas existentes, han sido
muchos los esfuerzos que han tratado de hacer para que prevalezca un dominio estético antes que un
dominio contextual, pero son nimias en cuanto al desarrollo intelectual que hoy en día alcanzó el arte
sobre el resto de manifestaciones, es así que hoy se puede hasta afirmar que lo intelectual y lo
meramente formal pueden diferenciarse ampliamente.
“En el arte todo es expresión” (Worringer, W. (1972) p.270). Estas palabras denotan este sentimiento
como una categoría inobjetable, estas palabras ilustradas como un axioma o algo evidente, también
pueden entenderse como la imposibilidad para suprimir su carácter expresivo, dado su nivel
pragmático de uso real, vivo.
Las Ciencias del Arte no pueden ser ajenas a lo más íntimo del sentir humano porque son parte de la
cosmovisión de su universo, de la necesidad de entenderlo, y de su propia interpretación en ideas
acerca de aquello que ha podido interiorizar hasta el punto de comprenderlo, o admirarlo hasta que
algún día pueda vivirlo.
Los medios de comunicación han sido un medio importantísimo para que el arte hoy pueda alcanzar
una proyección nunca antes vista. Puede alcanzar una frecuencia global e invadir lugares y sucesos,
es así que hasta lo antropológico hoy en día va menguando ante el nivel cosmológico que este poder
del arte puede alcanzar. Es así como se llega a comprender la sensibilidad que siempre ha existido por
las formas de expresión artísticas y estéticas que han surgido de todos aquellos pioneros de la
vanguardia intelectual que tuvieron la sensibilidad de mostrar sus ideas a través del uso de imágenes,
aquellos que usaron su intelecto para hacer material aquella información aparentemente inmaterial
que surgió de sus ideas.
Sin duda nunca será posible institucionalizar el arte bajo un parámetro mundialmente aceptado, sin
embargo los hechos de carácter social que hoy en día ocurren en la comunicación de masas, pueden
alcanzar tal fluidez que casi podrían llevar al arte en algún momento a parecer mundialmente
institucionalizado debido a la aceptación que puede tener si es que se trata de un mensaje
debidamente difundido. Pero es poco lo que se sabe y son aún escasos los estudios acerca de cuál es
el hecho generador de que cierta recreación y aprehensión intelectual estética sea la que mejor llega y
es aceptada por el mundo según la condición social y de época se viva en algún momento en
particular.
Sus factores de incidencia en los campos de la educación son innegables, pero se mantienen ocultos
ciertos fenómenos rudimentarios de la sensibilidad que se fortalecen a través de la interacción.
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En principio las diferencias conceptuales pueden pensarse quizás de la mano con el desarrollo de la
percepción y con cada uno de los fenómenos interactivos importantes que nos definió y diferenció de
las demás criaturas en la Tierra, principalmente la Inteligencia desarrollada. Científicos naturalistas y
filósofos que han estudiado esto en particular afirman que el arte muy pocas veces tiene que ver
directamente con las expresiones artísticas y estéticas.
Es difícil relacionar de manera literal algún tipo de coyuntura entre el aspecto fisiológico y el aspecto
sensorial que puede surgir después de la captación de aquellas personas quienes tienen un
acercamiento hacia algún tipo de arte, esta capacidad de los seres humanos se deriva de muchos
factores que resultan ser en muchos casos ideas abstractas y difíciles de definir sobre los conceptos de
tal relación, en todo caso podría decirse que cualquier teoría acerca de esta relación siempre se
encontrará en una infinita competencia acerca de cuál es más congruente. Son las imágenes de todo lo
que dibuja el mundo y su diversidad en todo sentido lo que define a las sociedades, a la forma en que
estas se comunican, y a la infinita riqueza de culturas que han surgido y que podrían seguir surgiendo
dependiendo de la multitud cambios que sigan ocurriendo y que puedan cambiar o redefinir los
conceptos que alguna vez pudieron haber sido aceptados como literales.
Percibir humanamente significa usar los sentidos, en esencia muchos han considerado que lo más
importante para entender la intencionalidad del arte consiste en “mirar”. El mirar del arte en la
música, por ejemplo, consistirá en decir que el corazón de entender la música consiste en escuchar
todas las leyes que rigen al sonido. La inteligencia divide al sonido en doce partes para poder
encontrar un uso lógico del mismo.
Sin duda para comprender a profundidad un tema es necesario expandirse más allá del límite del
conocimiento tácito e invadir el terreno de lo explícito, y así encontrar la ciencia que encierran ciertos
procesos censo-motrices, corporales, psicológicos, psicológico-sociales, y diversas meta cogniciones
que no por sutiles, pueden ignorarse en este campo que ha sido de una importancia vital, para la
civilización.
Junto a la percepción, aparece también otra importante cualidad del Hombre: “En el arte, todo es
expresión, así que cada uno de los detalles que se plasmaron en los afiches transmiten de cierta forma
el arte que todos llevamos dentro y que expresan nuestro sentir”. (Worringer, W. 1972, p. 270).
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Para entender este apartado es importante recordar que el arte primero nace en un anhelo de lograrlo,
de mostrar a la gente que aquello que nace del pensamiento de un artista, aquellas reflexiones que
podrían parecer hasta simples, pero que casi nunca llegan a ser poco complejas. El Arte contribuye al
desarrollo de la inteligencia, permite el uso de los dos hemisferios cerebrales, lo cual facilita las
matemáticas y las ciencias, y por otro lado, las lenguas y las artes.
Pero ha sido mucho lo que se ha dicho acerca de la inteligencia, se ha tratado de medirla de diferentes
maneras, y las mentes han sido explotadas y exploradas en pro de su análisis. Como un universo
aparte, la mente humana ha sido siempre un gran misterio. En su uso más temprano del término,
dado por los romanos, “inteligencia” se refería a información.
La inteligencia ha sido estudiada, medida y explorada desde todos los tiempos, es sin duda en este
último siglo y sobre todo en los últimos cincuenta años la época en que más estudios se han realizado
acerca de sus infinitas pasividades y de sus complejas estructuras y mecanismos de funcionamiento
biológicos. Los naturistas, biólogos, neurocirujanos, psicólogos y grandes científicos interesados en el
tema han hecho valiosos aportes acerca de este complejo universo del cual todos tenemos el
privilegio de poseer y explorar también. Hoy en día se habla por ejemplo de una distinción entre la
inteligencia y el instinto de la misma como la manera poderosa en que el ser humano puede
enfrentarse a la vida y ser rival de las diferentes situaciones que enfrenta en indeterminados
ambientes y situaciones. “El mundo solo puede percibirse de forma ordenada cuando se representa
mentalmente de alguna manera” (Almudena, 2002, p.8).
Pero no cabe duda que si hablamos de que podemos enfrentarnos a indeterminadas situaciones,
también podemos enfrentarnos a aquellas situaciones que han sido elaboradas y planificadas
minuciosamente en nuestra mente con antelación, las mismas que nos llevan a situaciones que
podríamos controlar con eficacia o que al momento de alcanzarlas, por alguna razón no sepamos
cómo enfrentarlas pese a que nos habíamos anticipado con planificación mental hacia ellas. Esta
situación es común y es lo que se convierte casi siempre en un canal de ruido para obtener una
adecuada comunicación que nos llevaría a obtener los resultados esperados cuando más cerca
estábamos de alcanzarlos.
Fueron los psicólogos quienes aportaron grandes avances acerca de la comprensión de la mente
humana, desde las capacidades del funcionamiento práctico del cerebro y su inteligencia, de la
habilidad que nos brinda para aprender y construir nuevas formas de contestar y responder a los
desafíos y retos que presentan las situaciones.
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El siglo XX fue sin duda el pionero de un gran impulso que no se ha detenido hasta ahora por una
curiosidad insaciable por comprender como funciona el cerebro ante las diferentes situaciones que lo
estimulan a pensar. Es maravilloso comprender y conocer las cosas que se estudian y escriben acerca
de la mente humana y su poder. Hoy en día se conoce y aprueba que la mente sea creativa por su
capacidad de imaginar y esto es una prueba de su inteligencia y de lo que podría alcanzarse al pensar.
Creatividad que existió desde la aparición y comienzos del arte y de los eventos que han construido
las sociedades.
Entonces fue así como se llegó al concepto de “inteligencia creativa”, la cual se encuentra en la cima
de los procesos de pensamiento. Tristemente, se ha demostrado que el ser humano promedio usa sólo
de un dos a un diez por ciento de la capacidad creativa de la que dispone. La educación está
empezando a responder a esta importante necesidad prestándole mayor atención en algunos ámbitos,
esperando que esto se extienda eventualmente dentro de todo el sistema educativo.
Es muy necesario que las personas aprendan a desarrollar el campo de la creatividad a través del arte,
ya que al hacerlo primero en este campo, esto luego se verá reflejado en la vida diaria cuando sea
necesario ser creativo para resolver alguna situación conflictiva por ejemplo. Las personas tienden a
pensar que con el arte no podría alcanzarse esto, sin embargo, está científicamente comprobado que
las conexiones neuronales nuevas que surgen de la sinapsis y del proceso de pensar en crear algo
nuevo, tienden a desarrollar poderosamente la inteligencia emocional e intelectual, aunque también es
cierto según la programación neurolingüística y estudios realizados en este campo, que la inteligencia
que más mejora como resultado de la actividad de crear arte, es la inteligencia emocional. Dicho sea
de paso también decir que está comprobado que toma mucha más fuerza que incluso la inteligencia
intelectual que casi permanece intacta durante toda la vida. Es por esto que muchas personas gerentes
de empresas prefieren la inteligencia emocional superior, antes que la inteligencia intelectual. Sin
embargo no se mal entienda esto, ya que también es importante el dominio técnico y conocimiento de
la materia para que una persona se desempeñe mejor en sus actividades laborales.
En otros casos se define a la creatividad como una actitud. Es estar abierto y dispuesto a aceptar
cambios y novedades: jugar con las ideas y posibilidades, con mirada flexible y observando
cuidadosamente; la creatividad es también el hábito de disfrutar de los errores mientras se buscan
maneras para mejorarlos. Esto quiere decir no tener miedo a equivocarse, siendo ésta una de sus
cualidades más importantes de una persona creativa: Las personas creativas están conscientes de que
siempre pueden existir otras posibilidades. “No le va mejor al más inteligente” (Matej Hochel, 2005,
pg.9). Y, como la inteligencia, hemos dicho que la creatividad es un proceso. Esta exige trabajo duro
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y un constante perfeccionamiento en las ideas y soluciones por medio de alteraciones y refinamientos
graduales en nuestro trabajo. Contrario a los mitos, muy pocos trabajos de excelencia creativa son
producidos de repente, en un frenesí o una actividad rápida, o como se ha dicho, cuando la
inspiración llega. Picasso decía: “Cuando la inspiración llegue, que me encuentre trabajando” (…)
(Facultad de Arte y Diseño Universidad de Palermo, 2008, pg. 40).
¿Pero, qué es entonces el pensamiento creativo? En el artículo publicado en 1960 en el Art Journal, el
profesor William Henry Harris decía: (…) “es obvio que el ser humano es tanto sujeto como agente.
Para que cualquier actividad mental pueda suceder, estos dos aspectos de su naturaleza deben de ser
combinados. A ese nivel, el ser humano es creativo. Todos estamos enterados de este nivel de
conciencia, que va más allá de un pensamiento reflexivo. Aquí, la actividad y la subjetividad se
encuentran en un estado de tensión único y productivo. Una no sacrifica a la otra. A eso se refiere el
pensamiento creativo” (…) (Matej Hochel, 1960, pg. 30).
De este modo podemos decir que el pensamiento creativo es simplemente la completa realización de
lo que significa ser humanos. Cuando al hombre se le ocurre pensar en ser creativo, algunas veces es
más fácil reconocer las situaciones en las que existe una completa falta de creatividad, incluso
ejemplificarlas en vidas de personas que pueden permanecer de inicio a fin en lo que parece una
confusión permanente. Hay personas que a lo largo de sus vidas son arrastradas por la corrupción de
un presente ante el cual no quieren actuar, personas incapaces de relacionarse y relacionar un hecho
actual con algo del pasado y a partir de eso no ser capaz de reconocer las implicaciones para el futuro.
Y ¿qué tiene que ver esto con la creatividad?, quizás se pregunten. Pues mucho. Si yo poseo mucho
conocimiento e información y además la capacidad de reflexionar al respecto, pero no construyo nada
a partir de ello, no propongo nuevas opciones, no cuestiono las cosas sino las doy por sentado, en
resumen, no soy creativo, ¿cómo puedo darme cuenta realmente de lo que sucede a mi alrededor
ahora y cómo sé de qué manera aplicar todo lo que sé en mi vida cotidiana y en el futuro? ¿Y cómo
construyo ese futuro?
Al trabajar con arte, el pensamiento reflexivo se despierta de forma automática. Una obra de arte nos
transporta, nos eleva, nos hace olvidar de todo lo que hay a nuestro alrededor, de las preocupaciones,
de la nimiedades que tan seguido ocupan nuestras mentes. La obra de arte nos cuestiona, nos lanza sin
consultarnos primero, todo tipo de interrogantes. Nos habla a través de símbolos a los cuales no
estamos tan acostumbrados y aun así es clara, aunque también puede ser ambigua. Es eso lo que nos
pone a pensar. Al pensar en arte el pensamiento crítico y analítico están en alerta.
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Sin embargo, la reflexión por sí sola no es suficiente. Los reordenamientos más lógicos de la
experiencia se vuelven estériles y dogmáticos sin una constante integración de nuevas experiencias.
Si se mira arte ¿cuán conforme puede estar la gente como espectadora? La reflexión se queda adentro
y puede llevar más lejos.
Cuando se vuelve normal el hecho de pensar como artistas y llevar esta actividad a la vida diaria se da
un fenómeno muy importante, y es el hecho de que cada vez se aprende más, ya que se empieza a
aprender haciendo relaciones más fuertes en el aprendizaje, como ejemplo de ello están las conocidas
técnicas de anclaje que pueden llevarnos a vincular un pensamiento o situación emocional requerida
con algún movimiento físico, un ejemplo de lo anterior puede ser el llegar a un estado de alegría con
solo apretar los puños, o la necesidad de recordar algo que estemos olvidando con solo mover los ojos
hacia la izquierda. Esto es posible gracias al poder de almacenamiento poderoso de información que
posee el cerebro y de la capacidad que tiene de encontrar estados de ánimo necesarios, a partir de
situaciones que lo llevaron a vivir ese estado anímico en algún momento de su vida. Es por esta razón
que se necesita pensar como artista para alcanzar estas posibilidades ya que quien piensa como artista
fluye en creatividad y podría resolver muchas más situaciones si solo se propone a hacerlo con
creatividad.
Por medio del arte entonces ya es un hecho que el ser humano puede expresarse. Como sus símbolos
no son tan comunes para todos, reta a comunicar de maneras distintas, a la vez que permite expresar
cosas que las palabras no pueden. El arte no conoce los límites del lenguaje ni de la cognición. Con el
arte se puede ser libre; la mente se siente libre. Y crea. Esa creación no sería la misma, por supuesto,
sino fuera el resultado de todo un proceso de aprendizaje, de todo tipo de disciplinas y temas;
experiencias y reflexión. Pues ser creativo significa crear a partir de ideas originales que tengan valor.
El pensamiento creativo depende del nivel de consciencia sobre la propia existencia y de las energías
que estén dispuestos a invertir en su completa realización.
“No hace falta explicar aquí entonces porqué el arte nos enseña no sólo a ser artistas, sino a ser seres
más inteligentes, preparados para afrontar el futuro, sea cual sea”. (Gonzales, 2011, pg. 1)
2.2 Técnicas de programación neurolingüística aplicables al arte
Como parte del desarrollo intelectual del artista, y de la poderosa inteligencia creativa que éste posee,
este apartado muestra la importancia que tiene la programación neurolingüística en la actividad diaria
de la vida humana y que ayuda a los artistas a cambiar ideas erróneas que retrasan su actividad y que
son culpables de frustrar tantos sueños.
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En lo que se conoce como PNL (Programación Neurolingüística), va a vincularse una efectiva
herramienta de captación artística y desempeño profesional. La manera en sí de llevar la vida de
cualquier artista o persona puede mejorar muchísimo si tan solo aprendemos algunas cosas como la
inteligencia emocional que deberíamos conocer todos, ya que todos hacemos uso de ella día a día,
pero que lamentablemente esto no se enseña en las escuelas. Conocer y programar los patrones
mentales y los debidos procesos que se relacionan con lo anterior nos ayudara a tener una mejor
codificación de la información y por lo tanto llevará a que las personas hagan un mejor uso de su
comunicación interna y externa, es decir lo que uno piensa en su propia mente y la manera en que
comunica sus ideas y pensamientos con el mundo.
Es importante entender estos procesos ya que la forma de pensar afecta directamente el espacio real,
y esto afecta absolutamente a todo; de modo gráfico la pintura de una escena alegre pintada por
alguien emocionalmente triste, nunca será la misma que la de alguien que verdaderamente se
encontraba feliz.
Los pensamientos están constituidos por palabras, estas palabras se basan y relacionan con el
conocimiento de un lenguaje aprendido y materializado en conceptos abstractos de relaciones
semánticas, de sintaxis, de léxico y gramaticales que todos conocemos. En el lenguaje es evaluado
casi todo lo que rodea a una persona pero no el todo, ya que será importante conocer también lo que
constituye la mayor parte de la comunicación y que se afirma en lo que es el lenguaje corporal, la
información del lenguaje y de lo que perciben los sentidos viaja a través de las neuronas y luego crea
un programa que se puede convertir en un hábito. Una muestra de ello es la manera en como las
palabras que se repiten con frecuencia van configurando la mente y convirtiendo estos mensajes en
programas que predominan de manera inconsciente a las personas. Es así como la conducta de las
personas puede explicarse por medio de las experiencias que han vivido o haciendo un recuento de
ellas, así como también la manera en que estas crean relaciones con algunas personas y de como
también crean distanciamiento con otras.
Han sido incontables los procesos mentales que hemos instalado de manera permanente e
inconsciente en nuestro cerebro durante toda nuestra vida. En un principio todos estos programas
fueron plasmados por medio de aquellas personas que participaron en la formación temprana de
nuestra infancia, por ejemplo profesores, padres, familiares cercanos, amigos y medios de
comunicación. También hay que hacer mención de aquellos procesos auto encontrados, aquellas
cosas que aprendimos por nuestra cuenta y voluntad. La mayoría de estos procesos y programaciones
fueron inconscientes, y casi involuntarias en muchos casos, no hemos tenido la consciencia de saber
si las cosas que le damos a nuestra mente le hacen bien, o si la están perjudicando. Solamente
llegaron y ahí están. De aquí es que se entiende porque muchas veces las personas tienden a afirman
cosas falsas, llevadas por una información falsa, pero que al ser tantas veces repetida llega convertirse
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en una programación socialmente aceptada. Es común por ejemplo calificar ciertas profesiones como
inferiores a otras, de manera despectiva muchas veces. En el arte esto se ha visto mucho, ha surgido
por ejemplo una relación entre lo que cree la sociedad acerca del arte para luego convertirse en algo
que ha creado afectación en la vida de los artistas y en el hecho de que lleguen a creer que el arte es
una profesión con poco valor en todo sentido haciendo que muchas veces grandes genios del arte y
personas con grandes habilidades artísticas abandones sus sueños de hacer cosas grandes llevados por
el miedo y el desánimo.
Hay una marcada tendencia a creer que el arte es una profesión decadente y sin recompensa con
pequeñas excepciones de unos cuantos afortunados, se ha vuelto una especie de silueta nostálgica
apartada para aquellos que lo arriesgan todo en un salto hacia el vacío. Dicha afirmación es tan falsa
porque muchas personas que han aprendido y han creído en el trabajo y la contribución que brinda el
arte que crean, han visto la remuneración de manera muy gratificante que brinda todos los esfuerzos
realizados. Va a ser necesario reconfigurar la mente como artistas si en verdad se pretende lograr algo
fuera de lo ordinario.
Programar nuestra mente de manera efectiva y positiva es lo que enseña la PNL, es algo que está muy
alejado de teorías de prosperidad o meras técnicas de pensamientos positivos, la razón más
importante es su veracidad científica y la manera en como ayuda a desprenderse de programas que
resultan obsoletos a las personas. Son muchas las personas que ya han comprobado los valiosos
efectos que brinda el reconfigurar la mente. Se basa en un estudio de los programas mentales propios
y de las demás personas. Las experiencias propias y ajenas brindan una permanente fuente de eficacia
e información y le dan la constancia necesaria a aquellos que empiezan para seguir adelante. A
manera de un pequeño ejemplo y para que sea mejor entendido este preámbulo podemos basarnos en
una situación en la cual una persona recuerda que de niño le daban de merienda un buen vaso de
leche con galletas y pan antes de recostarse hasta el punto que se le convirtió en algo habitual,
llegando así incluso a perder la capacidad de conciliar el sueño cuando no practicaba dicho hábito. En
el ejemplo anterior puede entenderse que cada persona tiene sus propios programas, los mismos que
no compiten entre ellos sino que conviven y tratan de permanecer así, aún si pudieran llegar a crear
conflictos. También se puede recordar y mencionar a aquellos programas que en algún momento de
nuestra vida fueron desechados como resultado de que en algún momento nos resultó improductivo,
por lo mismo que fueron posteriormente desechados. Conocer dichos programas nos ayudará a ser
conscientes de cuando se originaron, del porqué, y de qué es lo que están provocando en nuestra vida
y nuestra conducta. Pero valga redundar en el punto de que el conocer todo esto tiene como objetivo
principal el llegar a desprenderse de aquellos programas que no tienen utilidad en la vida de las
personas. “El dios de la bella apariencia tiene que ser al mismo tiempo el dios del conocimiento
verdadero.” (Nietzche, Friedrich, 1960, pg. 25).
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Los artistas necesitan desarrollar un lenguaje muy seguro ya que deben aprender a explicar los
procesos y los logros al igual que cualquier otro profesional, necesitan mostrar sus aportaciones en el
campo de las artes y el porqué de muchas cosas que el público cuestiona.
Va a ser importante y necesario el tener un mayor estado de consciencia acerca de cuál es el lenguaje
más asertivo para aquello que queremos comunicar, de cómo esto tiene una repercusión en la
bioquímica de nuestro cuerpo haciendo así que aquello que pensamos afecte lo físico y ponerlo en
práctica. Los psicólogos han determinado el efecto psicosomático para aquello que al ser pensado
pueda afectar positivamente o negativamente lo físico, tan grande es el poder de lo anterior que una
persona podría enfermarse a muerte si deja que le afecte alguna situación que piensa repetidas veces,
así como también podría llegar a sanarse de alguna enfermedad mortal con el hecho de cambiar a un
estado bioquímico positivo que viene de ser más asertivo en lo que cree y piensa. El hecho generador
de tal situación está en el creer aquello que pensamos y no solamente confesarlo como una especie de
ritual. No funciona así, porque lo anteriormente dicho tiene validez científica por lo que es necesario
reafirmar de que se trata de algo real. Entonces tener convicción es fundamental, las neuronas están
cargadas de información por lo que hay que ser cuidadosos con lo que se piensa ya que sabemos que
esto generará una reacción bioquímica.
Al conocer mejor la manera de optimizar las relaciones y las propuestas para alcanzar dicho objetivo
se puede superar campos de configuraciones que han permanecido durante años, se puede observar al
poco tiempo como mejoran las relaciones familiares de trabajo. Empiezan a ser eficientes los
resultados de la nueva reconfiguración. Al tener un mejor control de las emociones se pueden
establecer nuevas conductas como dejar de emitir juicios negativos todo el tiempo para en vez de ello
emitir juicios de valor o en un término mucho más cómodo emitir ideas que sirvan como aporte a las
personas. El tener un nuevo pensamiento más positivo afecta al beneficio propio primeramente para
luego proyectarse hacia el entorno inter relacional, y se refleja por ejemplo en detalles como el nuevo
cuidado que le damos a nuestro cuerpo en cuanto a la salud, también se proyecta de manera paralela
en el diálogo interno o dicho de otra forma en la manera que pensamos. De esta manera se obtienen
un lenguaje interno más asertivo que aporta a su desarrollo físico y mental. Otra situación observada
resulta el hecho de que aquellas cosas que nos equilibran como persona empiezan a durar mucho más
tiempo hasta el punto en que pueden convertirse en algo natural del individuo. El adquirir nuevas
formas de autoconocimiento y entrenamiento es importante para seguir en constante aprendizaje sin
que esto dependa de las maneras rutinarias que tenemos de aprender, con esta técnica se puede
aprender de todo y de todos, y en toda situación que enfrentemos en el día a día.
Resulta vital entender que existen más opciones en la vida que aquellas que ya conocíamos, el
establecer nuevos accesos en la mente será indispensable si lo que tratamos es de vencer situaciones
que estacan y llevan a una rutina que parece imposible de superar, aquellas cosas que estancan a las
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personas son las que les hacen redundar sin objetivos claros y la mayor parte de veces en cosas sin
importancia, es precisamente aquí donde nace la necesidad de detectar dichas situaciones para
eliminarlas. Al llevar al campo de acción las técnicas de PNL se efectuarán en el interior de las
personas cambios permanentes que serán parte de su naturaleza y su carácter. Entender y conocer
cómo funciona la mente nos ayudará a tener un mejor manejo de todo lo que ella controla incluyendo
aquellos procesos que no controlamos a voluntad. La clave es entender que tenemos la capacidad de
orientar a la mente en un proceso en que no es ella la que dirige sino que somos nosotros quienes la
dirigimos. Las cosas negativas que se han grabado en la mente tienen la capacidad de dirigir a menos
que les pongamos un freno.
(…) Si es posible para alguien, es posible también para ti. Tienes la posibilidad de hacer una gran
presentación porque cuentas con todos los recursos necesarios para ello. Eres capaz de superar con
éxito cualquier circunstancia que se te presente (…) (Paz, 2011, link)
Este apartado es fundamental para el desarrollo de los pensamientos creativos aplicados al arte, ya
que PNL enseña ciertas estrategias que se pueden usar para activar zonas y centros neuronales que
influyen en el proceso creativo, además que muestra una relación directa con ciertos estados
emocionales y se proyecta a resolver conflictos de carácter. Hay pensamientos que van y vienen,
aparecen y desaparecen. A veces son aceptados y a veces no los queremos. Algunos son persistentes
y otros son fugaces. Los patrones mentales de cada persona son únicos e irrepetibles y conforman una
red muy compleja con innumerables conexiones y ramificaciones.
La mente tiene la capacidad de percibir las cosas en su conjunto. Inicialmente contempla el todo. Por
decirlo de alguna manera en relación al arte, contempla la pintura completa, califica, y evalúa los
colores en su conjunto. En segunda instancia puede analizar detalles o partes del todo. Puede
concentrarse en una parte del conjunto, sin embargo, tiende a regresar al todo.
La diversidad infinita de detalles que muestra el pensamiento asevera su maravillosa complejidad,
estos detalles han podido ser clasificados de la manera en que por lo general se habitúan las personas
en desarrollarlos, así entonces podemos llamar personas “auditivas” a aquellas que piensan en
función de grabar la información a través del sentido oído. Aquellas que piensan en función del
sentido de la vista se las conoce como personas “visuales” y son aquellas que proceden a guardar la
información a través de todo lo que observan. El grupo de los” Kinestésicos” ha quedado apartado
para aquellos que piensan o almacenan información a través del sentido olfativo, gustativo y sensitivo
(Olfato, tacto y gusto). De todas formas el pensamiento está compuesto por imágenes diversas,
sonidos incontables además de todo tipo y una gran gama de sensaciones.
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En cuanto a la manera en como transmitimos la información, también puede notarse que las personas
comunican en función del sentido que más utilizan, así por ejemplo una persona visual podría usar
una frase como: “Veo que esto no luce nada bien”, una persona auditiva podría decir en contraste
“Casi puedo escuchar el sabor del éxito”, una persona kinestésica podría decir “Te siento distante”.
Todo esto es ejemplo de la manera en que pensamos y de cómo se puede reflejar esto al momento de
comunicarnos quienes nos rodean y también con nosotros mismos. No quiere decir sin embargo que
las personas no piensen en función de todos sus sentidos, sino simplemente es destacar el hecho de
que siempre hay n sentido que preferimos o usamos más y que nos hace pensar en función de ese
determinado gusto, demostrando así lo predilecto del sentido por el uso que le damos.
Los pensamientos son la propiedad más importante que posee el hombre, ya que es a través de ellos
que pensamos, actuamos, decidimos y reaccionamos, y estos pueden tener infinidad de matices ya
que la capacidad mental es holística. Cuando percibimos algo como una flor, la visualizamos, la
sentimos y la olemos y además trae a la mente referencias que tiene que ver con la experiencia. La
diferencia entre las personas, es lo que hace que los pensamientos sean únicos, porque algunas
personas primero pueden oler la flor, luego sentirla y finalmente observarla. Y otras pueden hacerlo
en otra secuencia y con otra intensidad. No hay un patrón fijo para todos. (…) “El porqué de una obra
de arte debe ser la pregunta principal” (…) (Gombrich, (1979), pg. 24).
Al conocer que los pensamientos son holísticos conocemos que esta es la razón por la que abarcan
todo, su riqueza en lo que contienen y los detalles que pueden dar están ligados de manera directa a
las emociones que se vivieron en algún momento y que quedaron plasmadas en forma de recuerdo. Es
conocido y comprobado por los psicólogos, antropólogos y sociólogos que las experiencias de las
vivencias pasadas pueden aparecer en cualquier momento en que se repita una situación parecida a
aquella que vivimos en el pasado, esto es lo que los psicólogos han denominado “Secuestro de la
amígdala”. Básicamente consiste en que cuando vivimos alguna situación demasiado parecida a
alguna experiencia anterior, experimentaremos los mismos sentimientos que en el pasado y esto la
mayor de veces resulta problemático ya que se actúa de una manera que no era la que necesitaba ese
determinado momento. Un ejemplo de la situación anterior puede ser una situación en la cual una
persona se enoja con otra por algún problema que no requería de un nivel alto de ira, como resultado
del secuestro a la amígdala que está experimentando la persona que se enojó, esta actúa de una forma
demasiado grosera e hiriente ante una situación que no ameritaba dicho sentimiento y en tan alta
magnitud, todo lo anterior ocurrió de manera subconsciente por el hecho de que en el pasado esta
persona se enojó mucho por una situación que en ese momento no pudo manejar por qué no sabía
cómo hacerlo. Se repitió el sentimiento debido a que a situación actual provocó un recuerdo ligado a
la manera en que no pudo solucionarlo como en el pasado.
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El determinar una manera positiva de pensar siempre resulta benéfico para cualquier persona, ya que
así como los pensamientos negativos pueden determinar una conducta relacionada, aquellos
pensamientos positivos afectan también de la misma manera a todo el cuerpo, se vuelven tan reales
que es inmediata la reacción en la persona que los experimenta. El cerebro puede ordenar un estado
positivo y que se genere la cantidad necesaria de adrenalina en caso que sea necesario para inyectar
más fuerza a determinada actividad que realicemos, de esta manera se llega a modificar incluso
situaciones físicas problemáticas como las enfermedades, el enfocarnos y visualizar pensamientos de
salud puede resultar en la cura incluso de enfermedades mortales o en el fortalecimiento del sistema
inmunológico. Es importante entrenar a los demás y enseñarles a que programen también su mente
para que no afecten nuestro entrenamiento mental, para que en vez de que emitan comentarios
negativos, empiecen a dar palabras motivantes y de aliento. Siempre hay una solución para todo
problema, todo túnel siempre tiene una salida que debemos encontrar. Entonces resulta indiscutible el
hecho de que necesitamos dar un mejor uso de nuestra capacidad de pensar, aprovechando al máximo
esta capacidad que requiere entrenamiento, será sobretodo necesario cuando las cosas se pongan mal
y será necesario practicarlo antes de cualquier tempestad ya que si nos anticipamos será mucho
mejor.
Como ya se dijo, los pensamientos que tenemos son holísticos, y parecen como “si fueran reales”, es
muy peligroso pensar en negativo, porque se sienten igualmente auténticos. Pensamientos negativos
vienen con todos sus detalles y desencadenan las emociones correspondientes. Este tipo de
pensamientos dan origen a la depresión, los celos, el enojo, la venganza, el estrés, baja autoestima,
preocupación, nerviosismo, la frustración y todos los que se pueda pensar. Si se piensa
constantemente que siempre en mal, así será, visualizar escenas de celos inventadas, parecerán reales
y afectarán nocivamente. Pensar con la enfermedad eses muy peligroso, porque en vez de mejorar, la
enfermedad avanzará, ya que cuando se detonan emociones negativas en lo interior se inhibe el
sistema inmunológico y decaen las defensas naturales del organismo. De aquí surgen muchas
enfermedades, desde una gripa, gastritis, hasta un cáncer. Por un tiempo parece que no pasa nada, que
se está bien, sin embargo, se acumula y un día se detona un problema.
La mente puede procesar cualquier compuesto que necesitemos, no es sabio el auto medicarse todo el
tiempo, el uso de medicamentos solo debe suministrarse en caso que sea necesario actuar rápido. Sin
embargo la mente podría entrenarnos en este proceso de combatir enfermedades fomentando
pensamientos positivos y de sanidad, materializando así la salud que necesitamos. La mente es el
motor que nos lleva a ser todo lo que pensamos ser o hacer, toda persona está donde está porque ese
es el lugar donde se ha planteado estar, es tan poderosa la mente que nos ayuda a materializar todo
aquello que pensamos, nos proyecta y guía para alcanzarlo sea lo que fuere, bueno o malo, y por esto
es tan importante tener cuidado de lo que pensamos. No es de extrañarse entonces porque las
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personas soñadoras son tan creativas. Para los artistas no es difícil trabajar esta parte ya que
constantemente se hallan utilizando el hemisferio derecho del cerebro que es precisamente el
hemisferio que controla la parte creativa de las personas. A manera de consejo se recomienda que
cuando una persona necesite un estímulo para su parte creativa, debe direccionar su movimiento
ocular hacia la parte superior derecha, esto no es tan extraño ya que las personas hacemos
inconscientemente esto y es notorio que cuando estamos imaginando algo realicemos este
movimiento, ocurre lo mismo cuando al momento de entablar un diálogo imaginamos lo que
queremos decir. Entonces si inconscientemente somos capaces de direccionar el movimiento ocular
en la dirección mencionada. Para programar la mente hacia un estado de creatividad controlado, basta
con tomar este movimiento voluntariamente ayudándole así al cerebro a encontrar lo que busca.
El mover los ojos de esta manera, le da una señal al cerebro para activar la parte creativa. De esta
manera se inicia el proceso que se quiere realizar para crear nuevas ideas y como magia, surgirán si se
permite que fluyan. Es importante intentar esto varias veces, hasta que se logre comprobar que sí
funciona. “El pensamiento es como una semilla, cada pensamiento produce su flor y su propio
fruto.” (Kumaris, 1994, p.5)
Al iniciar alguna actividad que requiera la solución de un problema, será de mayor eficacia comenzar
con aquellos pensamientos positivos cargados de creatividad para que generen varias ideas. Se evita
caer en emociones negativas que resultan nocivas en el proceso de desarrollar una solución a
cualquier reto. Por lo general en un panorama sin entrenamiento ni control de las emociones y los
pensamientos, es casi general que se presenten tanto pensamientos positivos y negativos al mismo
tiempo a menos que se entrene la capacidad de pensar rápidamente en lo correcto y adecuado, que es
lo que por lo general suele estar cargado de toda la energía positiva y la creatividad que necesitamos.
La pregunta de quiénes somos y para qué estamos siempre ha estado presente, esta incertidumbre
marca la relación íntima de la necesidad ilimitada de identidad que posee cada persona, la necesidad
de identificarse con alguien, la necesidad de saber de dónde venimos y hacia dónde vamos.
La identidad artística es muy importante ya que sin ella simplemente el artista sería como un eco vago
sin dirección ni rumbo, hay muchos artistas que, a través de la aportación de toda una vida no han
llegado a ser reconocidos ni preservados en la mente de las personas como así lo hubieran querido
ellos; mientras que otros casi sin buscarlo han llegado a penetrar en la mente de multitudes. En dónde
se encuentra la diferencia entre los unos y los otros. Pues precisamente a eso hace referencia la
importancia de desarrollar una identidad propia, y aquí se encuentra la respuesta. Debido a que
mientras algunos fueron como una especie de copia barata, otros fueron en cambio un grupo que
propuso algo nuevo y de una forma auténtica. Incluso su propuesta pudo no haber sido del todo
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nueva, sin embargo la convicción y la fuerza de su personalidad hicieron que su mensaje parezca
robusto y lleno de innovación.
Cuando surge un problema de falsa identidad se puede considerar que la mayor parte de veces se da
por procesos auto adquiridos durante la vida, aunque también podría considerarse que se deba a un
factor genético. Esta es la razón del porque hay situaciones demasiado negativas que conservan las
personas aún bajo el auto conocimiento de que resultan destructivas, también resulta importante
mencionar que la aproximación hacia lo negativo sea el resultado del acercamiento a otras personas
encargadas de programar negativamente nuestra mente y la memoria subconsciente. Estamos
invadidos de palabras negativas que hemos adquirido durante toda la vida, es tan grave este asunto
que incluso frases derrotistas han pasado a ser parte de los expresionismos, modismos y dialectos de
una región. Es común escuchar por ejemplo en nuestras culturas frases populares como: “Me muero
por esto”, “Los Ecuatorianos son impuntuales”, etc. Estas frases están cargadas de un derrotismo
destructivo que a su vez envuelve a todos en un círculo vicioso que no permite el desarrollo. A veces
se las usa a manera de una simple broma y se las puede usar naturalmente una y otra vez, estás frases
muchas veces tienen una apariencia inocente e inofensiva, pero si analizamos su contenido desde la
PNL nos daremos cuenta la capacidad poderosa que tienen para programar la lengua negativamente.
Cuando escuchamos pequeñas frases como: “Que malo que eres”, “Me caes mal”, etc., o de aquellas
que nos decimos a nosotros mismos como yo soy esto o lo otro, yo despistado, yo malo, etc. Lo que
generan en nosotros es la aceptación de aquello que repetimos tanto, crean una materialización de
falsa identidad permanente y como resultado esto nos engaña y nos muestra una percepción de la vida
diferente a la que tenemos en realidad y de lo que verdaderamente somos. “El pensamiento positivo
debería ser sobre el ser, tenemos que aprender a convertirnos en nuestro mejor amigo”.
(Kumaris, 1994, p.7)
Otro ejemplo de falsa identidad es cuando nos definimos ante la gente a partir de nuestro aspecto
físico, llegando a convertirse en cosas que reflejan una baja autoestima y resignación, mentiras
creadas a partir de una supuesta realidad acerca de nosotros mismos. Tanto y tantos ejemplos pueden
hablarnos de lo mismo, decir: “yo soy patucho, soy gordo”, etc. Hacen mención a la engañosa manera
de definirnos a partir del aspecto físico.
En cuanto a la profesión que escoge cada persona muchas veces llegamos a definir lo que hacemos a
partir del concepto erróneo y generalizado de personas que ni siquiera conocen el arte y que en la
mayoría de casos ni siquiera lo aprecian. Qué engañoso por ejemplo es creer que el arte es una
profesión que no genera retribución económica, o que nos moriríamos de hambre si la escogiéramos,
esto ha ocasionado frustración, bajo rendimiento y en muchos casos el abandono total del trabajo
artístico de muchos hombres y mujeres extremadamente talentosos que por culpa de brindar oídos a
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este tipo de juicios equivocados abandona aquello que en verdad aman hacer. Amar lo que se hace es
justamente la clave del éxito para aportar algo realmente valioso.
Al llegar al mundo y empezar a descubrirlo observamos nuestra esencia que es lo único que
poseemos, hasta que pasa el tiempo y descubrimos que en el mundo y la sociedad habitan miles y
millones de máscaras, durante toda nuestra existencia constantemente nos hemos estado poniendo
una y otra máscara de las tantas que hay, quizás con la idea de sobrevivir, así es como se empieza a
perder la esencia de lo que en verdad somos y de lo que pensamos y expresamos etc. La mayoría de
renuncias no siempre fueron ante situaciones negativas, sino en su mayoría a situaciones positivas,
recordemos por ejemplo en el colegio, cuando el chico de buenos modales y diferente manera de ser,
cambiaba su esencia por la de aquellos que supuestamente para ser más populares acudían al
consumos de drogas, mala educación e insubordinación, todo con tal de agradarles y no ser objeto de
menosprecio o burla. Así es como se empieza a vivir para los de afuera, lejos de quienes somos, lejos
de aquello de lo que mejor hacemos, lejos de potenciales talentos marchitos y que nunca serán
desarrollados gracias a una falsa máscara. Asimilar la inautenticidad de pensamientos es perder las
características propias y esencia de nuestros allegados. Todo esto como resultado final incapacita la
habilidad de pensar por nuestra cuenta, nos hace marionetas que no pueden crear n. i aportar algo
más.
Si una persona llega a identificarse con alguna cosa como los defectos o las enfermedades será un
momento en que realmente se halla en serios problemas y necesita ayuda urgente. Cuando se deja de
contemplar la opción de sanidad de una enfermedad o se admite como real el hecho de algo que
estorbe al carácter como un sentimiento negativo, es entonces cuando se ha caído totalmente en el
problema de la identidad falsa, ya que no se contempla la posibilidad de mejora. La razón más
importante de las personas que crean personalidades falsas es que se enfocan en una falsa aceptación,
usando una palabra falsa llamada “Soy”, nadie podría definirse en una sola palabra, pero esto es
precisamente lo que hacen las personas que desarrollan una personalidad falsa. Es tan grande el poder
de la palabra “Soy” que se la considera la de mayor impacto en la mente. El poder de impacto del
cerebro al ser el órgano de control del cuerpo es relevante y afecta directamente lo que somos, el
cerebro buscará el camino y hará todo lo posible para realizar la tarea que le ordenamos, en este caso
cualquier cosa que le hagamos creer que somos. De esta manera si nos identificamos con una
expresión negativa como decir yo soy olvidadizo, es justamente en eso en lo que nos convertiremos.
Las aseveraciones en su mayoría como se decía tienen su origen en situaciones externas, pero
también muchas de ellas se originan en cada persona, la gente se ha convertido en personajes con
identidad de títere como los clasifica la PNL, su identidad puede llegar a ser tan falsa que para
amortiguarla buscan culpabilidad en otras personas. El famoso dicho “Tú tienes la culpa de que yo
sea así” muestra la identidad de títere, es el culpar a los demás de nuestras falencias como si se tratara
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de marionetas que culpan a los demás por manejarnos mal y los culpamos por nuestras faltas. La
naturalidad de una persona fluye cuando se muestra pura y proyectada en esencia.
Al hablar de arte se puede ver cómo aquellos artistas que marcan una diferencia son aquellos que
proponen, aquellos que suenan o se ven tan auténticos que no podemos hacer más que disfrutar de
cada una de sus propuestas, éste es el único riesgo en verdad que se corre al ser auténticos, tiene sus
batallas y es cierto pero el resultado siempre será gratificante, mi identidad y el saber compartirla es
lo que me llevará a cumplir mi misión como artista. No es tanto un afán a manera de motivación
simplemente el aseverar esto como una realidad, sino que en verdad esto es una realidad
científicamente comprobada, ya que ningún humano es idéntico o igual a otro, para ello simplemente
hay que ver la huellas dactilares, nunca se ha encontrado alguna igual a otra, somos biológicamente
auténticos y ni si siquiera son exactos aquellos con características y rasgos parecidos como los
gemelos o los mellizos. Es esta parte única e irrepetible que poseo Cualquier cosa que no guarde una
relación directa con nuestra naturaleza, se convierte en parte de las cosas ajenas a nuestra identidad
física y emocional. Las enfermedades son una muestra de ello, puesto que al no ser parte de nuestra
naturaleza humana, no pueden en ningún caso formar parte de nuestra identidad, es esta la razón de
porqué una persona no debe identificarse con estas cosas, ya que al hacerlo es como si estuviera
aceptando que son suyas e invitándolas a que formen parte de su cuerpo y así es como se vuelven más
vulnerables a aceptar las condiciones que requiere una enfermedad o cualquier condición negativa
para poder residir en una persona. Esta es también la consecuencia de porqué algunas personas se han
acostumbrado a ser esclavas de las enfermedades y a vivir con ellas, se han convertido en esclavas de
ellas porque les han dado la autorización de dirigir sus vidas. “La curación del ser interior no es
una cuestión de tomar ninguna medicina física sino que depende de restablecer el equilibrio
interior” (…) (Kumaris, 1994, p.7).
Lo terrible de esto es que no se puede estar en control de las emociones y capacidades cuando ya se
ha perdido la verdadera identidad, y esto irá redundando en la salud. Seré una persona indefensa e
inestable. Por ejemplo, si se sufre una pérdida fuerte, pronto se cae en la depresión, ya que repetimos
continuamente “soy débil y no puedo con esta pena”. Se pierde el sentido de la vida, pues nos damos
al objeto de la pérdida, el cual ya no está en nosotros y por lo tanto se siente languidecer, solos y
como si el mundo se acabaría. Así se disminuyen las capacidades del sistema inmunológico y por
tanto se cae en la enfermedad. Mi vida ya no tiene sentido y por supuesto se corrobora en que “soy
débil”.
Pero ¿qué hacer al respecto, qué podemos hacer ante aquellos momentos complicados? Debemos
irrumpir en el desarrollo de estas emociones, destruyéndolas en el momento mismo de su origen e ir
cambiando todas las palabras negativas por palabras que lleven al subconsciente a un estado de
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superación y batalla con resultado proyectado en la victoria. Por ejemplo: “yo soy capaz y puedo
vencer cualquier cosa con rapidez”, “yo supero cualquier cosa”, “yo me sano siempre lo más pronto
posible”, etc. Cuando repetimos este tipo de frases activamos un estado cerebral que produce las
sustancias químicas con la capacidad de alterar positivamente capacidades en nosotros. El cuerpo es
como un laboratorio fármaco, tenemos dentro de nosotros todas los compuestos capaces de crear
recetas saludables, como también recetas venenosas, solo depende de qué orden le demos a esta
poderosa computadora que poseemos, depende del proceso productivo que hayamos ordenado.
Las máscaras funcionan más o menos como una represa que contiene el agua y no permite que ésta
fluya, tener una falsa identidad a la larga sofoca. Un artista o cualquiera que sea la persona en su
profesión no debe limitarse a desarrollar su talento a través de la autenticidad de nuevas propuestas,
esto es como el testimonio de cualquier músico famoso. Si le preguntamos a un músico famoso cómo
fue su primera canción de seguro que nos dirá que no era muy buena y en muchos casos que no tenía
ni idea de lo que estaba haciendo, pero de que sin duda tenía un propósito el cual era componer. Así
es como funciona esto, todo nace en un anhelo profundo, nadie nace siendo un experto y es indudable
que para perfeccionar cualquier habilidad hay que entrenar y mucho, por muchas horas y mucho
tiempo.
Los artistas deben aprender a reconocer aquello que sí corresponde a su verdadera identidad, a
aquellas cosas que hacen conociendo y entendiendo que de verdad refleja algo que los identifique,
aunque debe aclarase que el tener influencia no debe ser visto como algo satanizado, simplemente
entender que aunque puedan ser influenciados con los aportes de mucha gente que admiran, deben
hacer que esto sirva para moldear su propia naturaleza, estilo o como pueda llamarse. El problema es
cuando se pretende ser una copia imperfecta de algo que no es, y es éste el meollo del asunto.
La palabra “persona” hace referencia a un individuo auténtico e irrepetible, y que a su vez está
relacionado con toda la vida existente. La originalidad personal es una aportación única para el bien
de todos los hombres, ya que la vida se lleva a cabo a través de la unión de las diversidades. Así que
la originalidad personal es una aportación única para el bien de todos los hombres. Por eso llega a ser
valioso un artista y por eso exitoso también. “Sólo cuando estamos estables los demás pueden confiar
en nosotros”. (Kumaris, 1994, p.7)
El ser humano necesita bienestar, y también le gusta brindar bienestar, pero para poder lograrlo
primero debe identificarse con el amor, amor hacia todo lo bueno que tiene y hace. Las cosas difíciles
y molestas es difícil amarlas pero cuando se las entiende en un plano positivo y predispuesto a ser
analítico en el sentido de detectar la falencia para posteriormente superarla, éstas nos ayudan a ser
fuertes. Al menos cambiamos a otro estado mental en el que dejamos de maldecirlas. Todo se puede
lograr a través del amor es por eso la importancia de amar aquello que se hace como artistas y como
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seres humanos es vital. Amar implica también el amarse a sí mismo, aparte de amar a todo lo que nos
rodea. Sin duda el amor es el sentimiento máter de todos los demás, todo lo demás se ramifica de la
negación o aceptación de éste.
Técnicas para meditar en aquello que queremos hacer con éxito y amor:
1. Buscar un lugar apartado, tomar asiento o recostarse, y poner los ojos cerrados.
2. Respirar a profundidad enfocando la atención en el plexo solar.
3. Remontarse a un recuerdo en el cual se mire algo que se ha hecho con verdadera pasión y
amor, en todo lo que sentíamos y hacíamos ese momento.
4. Pensar el momento en que alguien hizo algo por nosotros con amor. Remontarse a este
momento y revivir la situación y lo que se sintió ante la actitud del otro. Respirar
profundamente. Después de sentir nuevamente lo que es dar amor y recibir amor, abrir los
ojos y entender como se hace cualquier cosa con amor.
2.3 Arte y comunicación
El comunicarse entra en la vida como parte de la naturaleza humana y de su capacidad avanzada de
inteligencia; se involucra además con todo lo que nos rodea. Puede mantenerse en la memoria del
receptor con poderosa retención siempre y cuando haya rozado con lo más profundo de su
sensibilidad.
Convierte al ser humano en la persona reflexiva, responsable, que admite o no, juzga o reconfigura,
aquello que escucha, mira, o siente. Es por esto que desde siempre se ha tratado de manipular este
medio a través de poderosas estrategias. El problema nace cuando las mentes creativas se dejan
manipular por las mentes corruptas para ser víctimas de todos sus caprichos, no obstante, siempre
puede quedar la excusa de que se lo hace por necesidad, no todos tienen el valor de arriesgarse por
completo para ser libres, como también a veces el concepto de ser libres es tan errado y lo que nos
convierte en verdad, es en cautivos.
Sin embargo no toda la comunicación es fatalista sino necesaria. ¿Cómo podríamos conocer un
producto si antes no fuese publicitado? Por ejemplo en el campo de la publicidad alcanzar que un
producto sea visto es difícil, sino se hace pensando en los gustos de los consumidores. Cuando vemos
un anuncio en cualquiera de los medios de comunicación, ya ha sido analizado por los creadores,
ellos ya definieron cuál es el grupo objetivo que está siendo más atacado con este tipo de imágenes,
pero puede ser que también el grupo objetivo tenga otro límite, que en este caso sería la
susceptibilidad hacia las imágenes estéticas. Se debe conocer muy bien a quién vamos a dirigirnos,
para que el mensaje pueda transmitir lo que deseamos y así se pueda permanecer en la mente de cada
25
persona, el comprometernos a tal punto que recibamos la satisfacción de saber que el resultado
obtenido fue el esperado siempre será una de las cosas más gratificantes de la vida.
“Lo que vale no es el dibujo como tal, sino lo que es dibujo expresa”. (Ivan Tubau, 1971, pg 13)
Mirar el arte desde la vida cotidiana es acercarse más a la esencia psicológica de lo que es el arte en la
vida de los seres humanos, pero está muy lejos de los institucionalizados mitos estéticos.
La acción de observar, escuchar, examinar y varios procesos motores, corporales, psicológicos, etc.
son esenciales para alcanzar la conciencia estética, en los seres humanos. Las condiciones vivenciales
del arte están determinadas por medio de la experiencia que pasan las personas.
El arte y la comunicación están conectados en todos los aspectos de la vida de las personas, ya que sin
arte no puede haber una efectiva comunicación y sin comunicación no se puede transmitir mensajes
por medio del arte. El arte es más fácil de interpretar por todos, y de una u otra manera se lleva el
mensaje a todos. (Freud, (1973), pag 44)
26
CAPÍTULO III
ARTE Y HUMOR DE LA CARICATURA
3.1 La sensibilidad del arte
Antes de llegar a entender en qué momento se convierte la caricatura en un arte y a lo que conllevará
esta situación, es fundamental entender un poco de lo concerniente al criterio de lo que esto significa.
No cabe duda como se ha dicho muchas veces, que definir esto nunca ha sido fácil, todo lo que
hemos logrado hacer es simplemente acercarnos al borde de su significado.
Definir el arte resulta en una definición abstracta que no puede ser nunca literal, los conceptos que
pueden resultar del intentar definir la palabra arte resultan diversos y cada uno se relaciona y
complementa con los diversos aportes que puede dar la gente. La influencia de la sociedad y el
mundo de cada época resultan innegables e inevitables. El resultado de observar el arte es atemporal,
ya que pese a que se observe una obra de una determinada época siempre la interpretación que se da
resulta del análisis de la época en que vive quien lo observe. Esta la razón de porque se revaloriza
siempre el arte y porque una obra puede llegar a ser más valiosa con el tiempo como ha ocurrido con
tantos artistas del pasado, el observador de arte se convierte también en un curador.
En toda escuela o universidad de arte se estudia que las primeras manifestaciones de lo que llamamos
arte están relacionadas al concepto de “magia”: Las pinturas rupestres, las estatuillas de dioses, etc.,
del arte prehistórico. Son la combinación del mito primitivo y la habilidad técnica. Pero lo que
llamamos arte ha evolucionado hasta dejar de tener ese sentido mágico para tener exclusivamente, un
sentido estético. No ha existido en ninguna época ni en ningún lugar, algún momento en donde no se
haya presentado algún tipo de fricción entre la estética y la didáctica, además de lo conceptual. Esto
ha sido el resultado de intentar darle funcionalidad al arte según el concepto al que aluda, y
mostrando que arte o tipo de arte tiene mayor jerarquía que los demás.
El criterio en el que hoy muchos concuerdan es que en realidad en el arte ya no importa tanto aquello
que simplemente pueda cautivar a los sentidos, ni aquello que pueda ser el elemento del que pueda
llamarse “único, asombroso”, simplemente por el virtuosismo del que esté dotado dicho objeto. La
verdad es que el virtuosismo o la genialidad se la puede alcanzar según el sacrificio y competencias
que posea cada persona si le dedica el suficiente tiempo y constancia. Pero lo que realmente ha
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importado más en el nuevo devenir del arte contemporáneo es “la idea”, la interpretación que se hace
acerca de dicha realidad es lo que hoy marca el lenguaje del arte más que en cualquier época anterior.
Desde Grecia al arte se lo vincula con la naturaleza, la cual se interpreta de forma más o menos
idealizada o realista. Aunque la forma de imitar la naturaleza cambia con las épocas. Sin embargo,
siempre ha existido una tensión entre realismo y abstracción, entre la imitación fiel y la idealización
más o menos simplificada. La abstracción llegará a su punto culminante en el siglo XX, con la
abstracción no figurativa, que Kandinsky llamaría “arte total”.
Desde el siglo XVIII el arte se concibe como un juego, el arte por el arte, que dirían los románticos, la
estética pura, y el elemento decorativo sin más complicaciones. Pero el arte también, en la medida
que interpreta la realidad, sirve como espejo de la época, y como vehículo de denuncia social y de
transformación humana. Un día liberó al arte la fotografía de su obsesión por la imitación, por lo que
el arte buscó otros caminos que le definan y le individualicen.
No puede existir un concepto universal de arte, ni tampoco puede existir un lenguaje o alguna manera
única de expresarlo debido a que el pensamiento del hombre es único aun cuando se encuentra dentro
de una misma cultura, siempre difiere. Es vano tratar de volver literales los conceptos del arte, cada
cultura tiene su propio concepto y cada cultura lo interpreta a su manera y según su modo de ser y ver
las cosas, son indefinibles los conceptos de arte. (Freud, 1973, pg 53).
Uno de los principios fundamentales del arte es quizás el hacer referencia a la valoración que tiene
una obra en cuanto a los aspectos más fundamentales de su identificación tales como su valoración
estética, aquello que nos permita identificarla dentro de una determinada época y estilo, todo lo
anterior no siempre es algo concreto ya que también se puede dar el caso de obras de arte que se
hallan en una transición difícil de identificar e interpretar, incluso algunas pueden ser las pioneras de
nuevas tendencias que den un giro a nuevas formas de apreciar el arte como ha sucedido en
innumerables ocasiones.
Es entonces de esta manera más fácil comprender porque clasificamos el arte según épocas y
tendencias estéticas pues caso contrario todo se convertiría en un desorden inclasificable. Así por
ejemplo si hablamos del arte Barroco, podemos ubicarnos cronológicamente en el siglo XVII Y
XVIII que justamente hacen referencia a esta determinada época. La singularidad de cada
acontecimiento importante queda grabada en la historia, aunque es claro que puede perder detalles
importantes, sin embargo esto no significa que no pueda volver a retomarse en algún determinado
instante. Es común por ejemplo que hoy se use esto según la necesidad en particular de un artista que
quiera dar a su obra un cierto matiz de alguna otra época del arte y así pueda pintar un cuadro con
cierta carga de elementos barrocos, esto cabe redundar en que da como consecuencia una obra en que
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pese a que pueda tener un aspecto similar o idéntico al que se buscaba, nunca será considerada como
tal, es decir, si pretendo hacer arte Barroco en esta época, nunca será arte Barroco realmente, por más
esfuerzos. Dicha imagen a pesar de su apariencia no es un cuadro barroco ya que nunca podrá
responder al sentimiento real y la visión que tenían del mundo en ese momento.
La derivación etimológica del arte debe su significado al término latín “ars” que significa tener
habilidad y precisamente se refiere a realizar cualquier acción que requiere de una preparación o
especialidad. No hace mención a aquello que por lo general conocemos como artes, sino a tener
habilidad en cualquier cosa en lo que nos consideren como preparados y llenos de dominio en dicha
habilidad. Podríamos llamar así por ejemplo el arte de la jardinería, de cocinar, de conducir, jugar
ajedrez, el arte de la guerra, etc.
Hoy el arte es entendido también como un talento lleno de creatividad, y no solamente es el decir que
arte es aquello en lo que una persona pueda ser capaz y hacerlo con infinita habilidad. Más bien hoy
en día la competencia lleva a que se mida otro factor más, y este es el ver quien de todas aquellas
personas sumamente hábiles, es el más capacitado. Ya no prima así solamente el contexto de
profesionalismo y más trata de provocar una reacción que va más allá de lo puramente emocional o
estético o incluso intelectual, así es como busca dominar todas estas cosas y ver aquello que
realmente supera hasta lo conmovedor.
La estética surgió como una subdivisión de las diferentes ramas de la filosofía, relacionándose así con
todo aquello que haga mención a como se percibe la belleza o la fealdad. El trabajo de la estética
define aquello que pueda considerarse como agradable aún dentro de una estética de lo no agradable
convencionalmente hablando. Por ejemplo algo grotesco como los restos putrefactos de un animal
muerto pueden resultar asquerosos y totalmente despreciables si se los percibe directamente por el
sentido olfativo, pero podría resultar estético o agradable si se presentan los colores de esta
putrefacción a través de una pintura o fotografía. Así entonces se podría mostrar una estética de lo
desagradable y no necesariamente solo de aquellas cosas que consideramos agradables por lo obvias
que resultan como la pintura de una mujer bella.
Entonces el objetivo de la estética pasa a otro plano más subjetivo en el que los objetos llegan a
percibirse de un modo peculiar que puede ser estético si es que lo tienen, pero no necesariamente
deberían tenerlo. Más bien consiste en detectar aquellas cualidades que lo hacen único y que podrían
posteriormente ser las que le brinden el adjetivo y cualidad de elemento estético.
“(…) por este lado la música puede ser desarrollada hasta convertirse en el arte de la apariencia”.
(Nietzche, Friedrich, 1870, El nacimiento de la tragedia.)
29
Las primeras tesis acerca del significado de estética fueron abordadas por Platón y Aristóteles, ellos
hablaron del arte como algo que tenía la finalidad de imitar la realidad, considerando que la estética
está entrañablemente unida a la moral y a la política.
La modernidad del pensamiento e impulso estético surgió en Alemania, en el transcurso del siglo
XVIII, cerca de todos estos cambios estuvo el famoso filósofo Gottieb, el mismo que consideraba a la
belleza como una virtud moral. Luego muchos más lo precedieron, ampliando la idea originaria entre
ellos Kant y Nietzche, y le dieron también vital importancia a sus obras en el campo de la estética.
Posteriormente los artistas empezaron a cuestionar los enfoques tradicionales de la estética, según los
cuales el arte es imitación de la naturaleza y las obras de arte son tan útiles como bellas. El salto que
precedió de todos los estudios acerca del campo de la estética, desembocó hacia el estudio del arte
abstracto, quizás como lo llamaría muchos, este arte es el estilo concreto ya que no redunda en
principios obvios y más bien busca la sutileza de aquel detalle que contenga lo más puro o esencial de
aquello que se quiere hablar o podría decirse también aquello que se pretenda representar, como decía
Platón y Aristóteles “Aquella representación de la realidad”. El ser concreto lo hace bello, no es un
significado que lo haga valioso por lo bien que pueda explicar algo, sino que lo hace valioso en sí
mismo. Es en este punto final donde la caricatura posteriormente va a tomar toda la fuerza y energía
necesaria que lo hará tremendamente poderosa y comunicativa.
Si bien es cierto el arte de caricaturizar ha nacido en diferentes lugares del mundo, sin embargo su
máxima altura la alcanzó en Italia del siglo XVl con figuras como Ludovico y Anibbale Caracci, que
en realidad podría llamárseles sus padres. No obstante este arte es mucho más antiguo, podría decirse
que nació el día en que el hombre aprendió a dibujar.
Las prácticas de caricatura siempre han tenido una cierta proximidad en cuanto a lo que su temática
considera. Temas relacionados entre magia, brujería y hechicería, han sido propios de sociedades
primitivas quienes se arraigaron de una manera muy profunda y aparentemente inocente a este
concepto.
En segundo lugar podría estar lo que se refiere a la pintura difamatoria, que fueron prácticas muy
frecuentes en la Edad Media y primer Renacimiento Europeo, el objetivo de este tiempo ya no era la
persona, sino su honor.
Luego se podría estimar como una afirmación el hecho de que así es como una reinterpretación
marcada incluso por diversas escalas de agresividad, no va a corregir ningún riesgo de que se pueda
mezclar con la realidad. Esta es una de las razones por las que nos produce risa. Resultante en el
hecho de que si algo gráficamente es gracioso, lo será mucho más si en verdad guarda alguna relación
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con la realidad que conocemos y con la cual nos podemos mofar cuando resulte sobre todo irónica en
infame, resulta algo muy parecido a la risa sarcástica que puede provocar la realidad cuando casi no
hay nada que hacer, cuando las manos parecen estar atadas ante las injusticias de la política, por
poner un ejemplo de los más comunes.
El arte en relación a la política podríamos considerarlo en un cuarto lugar, sobre todo actualmente ya
que es lo que más se muestra en el devenir de todos los días.
La caricatura ha sido una manifestación perseguida y enfrentada, la mayoría de veces con injusticia.
A través del humor ha denunciado con valentía las corruptas falacias de la justicia y se ha quitado la
máscara de muchos lobos disfrazados de ovejas. Esta es una de las formas que más ha enardecido
siempre a los que son heridos en su estima. Personalmente pienso también que nada determina más
el carácter de una persona como la broma que la ofende.
“Su ojo tiene que poseer un sosiego solar, aun cuando esté encolerizado y mire con malhumor, se
halla bañado en la solemnidad de la bella apariencia.” (Nietzche, 1870, pg 45)
3.2 Sobre humor
Términos como contrastante, inverosímil, exagerado, insólito, burlesco, son términos que a través de
la historia del pensamiento se han empleado casi indefectiblemente como ingredientes de las
definiciones sobre el humor.
Para unos el humor o lo cómico es el placer que nos produce la contemplación del contraste entre lo
real y lo inverosímil. Para otros lo cómico debe su existencia a una contradicción lógica que al
enfrentarse ante nuestra consideración nos provoca la risa.
La caricatura política ha sido históricamente un instrumento de crítica mordaz, utilizada a veces con
sutileza, pero en muchas otras con agresividad poco temperada por el humor, su lenguaje icónico es y
ha sido la manera de mostrar y mostrarse.
Aquel que se atreve a mirar a los poderosos satirizando sus aciertos y desaciertos de alguna manera
llegará a convertirse en un villano o en un sabio con excelente humor.
Siempre ha sido importante el tema de la lucha del poder, este interés nunca ha sido un vano
capricho, para el caricaturista es una forma de abrir sus labios hacia aquello que mira y no siempre
tiene porque aceptar, es la voz del pueblo expresada en trazos llenos de fuerza y pasión, es la voz
valiente de quien no teme decir ni pintar lo que mira. No se trata solamente de satirizar ni burlarse de
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alguna manera de la sociedad y todos sus afanes, sino que también es una manera muy honesta de
escribir la historia, nos muerta una visión a detalle de cualidades que tal vez no se escriban en los
libros. (Freud, 1973, pg 52)
El humor va mucho más lejos de ser una simple respuesta anímica en respuesta de nuestro cerebro al
recibir algún estímulo que lo inunde de gracia, no solo es una muestra del comportamiento cultural,
social o psicológico de cada individuo. Sino que es todo un proceso maravilloso y casi místico de las
respuestas que puede dar nuestra inteligencia hacia los diferentes estímulos externos. Nunca pueden
repetirse las mismas respuestas incluso ante los mismos estímulos, pero se pueden determinar
generalidades que nos ayuden a comprender patrones repetidos. Así si decimos que una persona
posee un buen sentido del humor entonces podríamos analizar o medirlo con el sentido de humor de
otra persona, y podríamos así hasta pesarlos como en una balanza y ver que uno de los dos nos agrada
más. Y quizás para alguien una de las personas consideradas como alegres por otras, para ellas resulte
totalmente aburrida y sin gracia.
El humor es un proceso cultural que puede observarse y medirse dentro del colectivo social de
algunas generalidades como pueden ser los regionalismos. Para explicar mejor lo anterior, se puede
trazar un mapa de asimilación a los medios de comunicación diferente entre lo que es la población de
la costa y la población de la sierra. Ya que algo que para la población de la región sierra pueda
parecer divertido, para la región costa pudiera resultar demasiado aburrida.
El humor existe a lo largo de toda la historia humana y es posible encontrar diferentes
representaciones extremadamente antiguas en las que la realidad era analizada de manera burlona o
graciosa. Además, el humor ha sido utilizado en diferentes momentos de la historia con fines políticos
e ideológicos. Hoy en día, el humor es un recurso muy importante de la cultura occidental y cuenta
con gran desarrollo, como también numerosos métodos, estilos y variantes.
Al hablar de la caricatura en el sentido más literal de su significado o su significado de diccionario si
así se lo quiere ver, nos lleva a crear una cierta relación con el retrato, pero de una manera poco usual
en la que se exageran las expresiones y rasgos físicos faciales, del comportamiento, de la manera de
vestir o de los modales, moral, pensamiento, etc. De un individuo al cual se lo presenta de una
manera grotesca y que causa un humor a costillas de su pesar. El origen Italiano de la palabra lo
traduce en “Carga o exagerar”, esta relación lo define muy bien porque es precisamente aquello lo
que se hace en una caricatura. El ridiculizar las diferentes situaciones que se puedan presentar con al
algún tipo de gracia, sobre todo las de aspecto político, social o religiosas y todo lo que conlleve el
acto y panorama de estos grupos de la sociedad.
32
El hacer mofa de esos determinados aspectos sociales, califica a la caricatura en una forma de
satirizar la intención más que en muchos casos como la mayor parte de la gente pensaría, de
solamente resultar humorístico. No obstante tiene una buena intención, su visión o propósito casi
siempre es llevar a concientizar a las personas hacia un cambio que les predetermine una mejor vida.
La promesa más grande es quizá el sueño de que pueden venir mejores gobernantes que la basura de
gobernantes que la caricatura presenta. El burlarnos de ellos es el primer paso para dejarlos de querer
y despreciarlos hasta el punto de perder la fe en ellos, para luego luchar porque se vayan para siempre
y dejen de guiar mal a un pueblo que tiene sed de cambio.
La forma más conocida y quizás común es la de presentarla a través de la viñeta que consiste en una
manera simplificada de presentar imágenes haciendo un uso ahorrador del espacio, usa un lenguaje
icónico que muchas veces lleva como complemento el texto. El término exageración en la caricatura
también se refiere a lo textual y no solamente a lo gráfico. También usado para pequeños cortos
animados en Latinoamérica.
En un sentido más moderno más moderno Bolonia desarrolló parentesco a lo que conocemos como
caricatura, la escuela de arte que la desarrollaba estuvo bajo el cargo de los Caracci. Bajo el techo de
esta escuelas los estudiantes hallaban distracción al representar y visitantes y personas que se
encontraban en el lugar, sumidos en una apariencia que mezclaba lo humano y lo animal o también lo
humano y lo inanimado.
Se encargó de mantener la tradición el grabador Pier Leone Ghezzi quien trabajó en Roma y se dice
que tenía la costumbre de caricaturizar a los turistas por un precio realmente módico, Los artistas
italianos siempre han tenido renombre en las actividades relacionadas al arte, y pues, no iba a ser la
caricatura la excepción. Se destacaron en este arte y aunque lo hacían con fines humorísticos además
de privado, pocas veces usaban recursos que lo vuelvan satírico o malicioso, sin embargo si se lo
hacía de vez en cuando.
Exagerar los personajes es tan natural a la caricatura, como lo es hacer uso del elemento humorístico,
aquel efecto que pueda despertar a la capacidad que tenemos de reír es considerado como una fuente
de alegría gráfica. No obstante la finalidad de transmitir la idea permanece intacta, pero es necesario
tener la madurez de entender lo que el recurso de la caricatura pretende, para no caer en prejuicios
que puedan servir como canal de ruido al mensaje que se quiera dar. La fuerza del dibujo de la
caricatura debe estar dotada de gran fuerza, con trazos que resulten sumamente expresivos, además de
simbólicos y de gran carga y contenido creativos. El ser simbólico le da un matiz de sutileza a este
arte y lo encamina a ser simbólico y fácil de reconocer o reproducir. De esta manera es más fácil
lograr el fin de difusión que este medio tiene, de llegar a los espectadores con una idea casi
subliminal a través de una sonrisa. La clave para transmitir cualquier mensaje eficaz es crear vínculos
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o como llamarían algunos neuro lingüistas “Lograr empatía”, ya que al establecer un vínculo, y que
mejor si es a través del recurso de la risa, se tendrá a nuestro favor la certeza y seguridad de que los
demás mensajes que se pretendan enfocar, lleguen de manera agradable , sutil y anhelada por el
público, así entonces se puede convencer a masas y de cierta forma se alcanza un cierto poder de
manejar a la gente para que tome decisiones. Esta es la razón de que tenga tanto poder la caricatura
política por ejemplo, ya que esta puede desvirtuar a un personaje de la realidad, volviéndolo grotesco
y detestable al público que lo conoce y que quizás antes lo amaba.
La caricatura es un tema más interesante de lo que a primera vista pueda parecer. Por muchos ha sido
considerado como una forma de divertimento espiritual que es sumamente importante en la historia
del desenvolvimiento humano; haciendo de ella una historia de la ironía y del humor que de alguna
manera nos lleva a recordar las cosas con un criterio más tranquilo y calmado, pero cumple su
objetivo en que nos ayuda a recordar la historia, y qué mejor que recordarla riéndonos. Esta fue una
manera interesante de ver la vida en lo que fue el legado de grandes caricaturistas que sirvieron como
pioneros y maestros de inspiración en este género.
La historia en general del arte se relaciona con todos los actos políticos, religiosos, sociales, y en sí
históricos del acontecer de los tiempos. En el caso de la caricatura va mucho más allá ya que ha sido
el medio de influencia artístico que más ha metido mano en las decisiones políticas y dictámenes
autoritarios. Por más frívola que resulte una imagen que se relacione o pretenda marcar cualquier
tendencia de comportamiento y decisión, su poder puede resultar sin precedentes e incalculable,
nunca puede deducirse en exactitud el impacto que pueda llegar a tener una imagen.
El interés que pueda lograr transmitir un gran artista no se encuentra simplemente en la calidad y
buena factura que pueda tener una obra de arte, hay mucho más, también tiene que ver con la
capacidad informativa que pueda llegar a tener una obra, así por ejemplo son de gran valor en el
mucho de la historia de la humanidad aquellas obras que guardaron en sus trazos alguna situación que
haya acontecido en el pasado. Así es como se han logrado salvar muchas situaciones que han quedada
grabadas gracias a la retina de algún artista y gracias a que en algún momento de su vida tuvo las
ganas de salvar aquella situación en una obra de arte, desde aquellos sin demasiada relevancia hasta
aquellos llenos de mucha importancia y que despiertan gran interés en cuanto a la comprensión de
porque se dieron ciertas consecuencias históricas, las obras de arte nos pueden mostrar a través del
ojo de un artista por qué se dio alguna situación. También sirven como una autobiografía de los
artistas que guardan algo del recuerdo de su vida en sus obras de arte, siendo alguno más románticos
y sentimentales que otros, se pueden entender muchos aspectos, incluso el del pensamiento que tenía
los artistas y en si la gente de aquella época del tiempo. Entonces vale definir en una síntesis pequeña
que tres de los aspectos fundamentales del arte en cuanto a la información que pueden brindar son: El
aspecto cultural, el aspecto sociopolítico y otro estilístico.
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Los primeros acontecimientos históricos que se grabaron a detalle pueden remontarse a culturas que
alcanzaron un gran desarrollo en su estructura política y social además de científica, por lo que
lograron dejar plasmado un alto contenido de su historia en relación de otros pueblos y sociedades de
los cuales incluso se han perdido del mapa sin dejar nada más que restos arqueológicos sin mayor
detalles.
La escritura sin duda demostró y logró ligar vínculos que unían a culturas separadas por varios años,
y lo más gracioso fue que las imágenes que llevaron a tal conclusión fueron escenas como en las que
aparecen representados varios animales como el asno, el león, el cocodrilo o el mono, tocando
instrumentos dentro de un lujoso ambiente, o incluso una escena en la que una rata sentada en un
trono recibe como ofrenda una flor de loto por parte de un gato, escena que es contemplada por otras
ratas que portan atributos reales.
Otro de los periodos donde más floreció la caricatura del Antiguo Egipto, es en el de la XVIII
dinastía, fundamentalmente en el periodo Amarniense, momentos en los que tras la reforma de
Amenofis IV (Akenaton) se produce una fuerte crítica a toda su política de cambios, y es en este
sentido donde nace uno de los géneros y términos tan usados en la actualidad, aparecen en este
sentido los famosos "grafiti" encontrados en las antiguas murallas de Tebas, representando de manera
muchas veces soez a Nefertiti y Akenaton.
La cultura griega es rica en representaciones caricaturescas, cuya evolución respondió a los diversos
conceptos que sobre el tema de lo "cómico" aparece en su filosofía, así desde un punto de vista
teórico esta ciencia se preocupaba por indagar la esencia y el valor moral de lo cómico analizando su
aspecto estético.
“Algunos autores dicen que no debe existir arte pobre, lo que sí existe es Política Pobre, Filosofía
pobre e incluso una manera de ser pobre.” (Jaramillo, 2008, pg. 116)
Platón mostró gran preocupación en hacer notar su manera de ver el mundo en cuanto al arte, decía
por ejemplo que no contempla nada bueno en la habilidad y su razón la razón era que la encontraba
escasa de interés. Sin embargo este pensamiento parece haber evolucionado en su discípulo Teofastro
ya que este empezó a mostrar el arte desde un punto de vista diferente en el que hacía resaltar el lado
cómico del arte como algo positivo, así es como el arte desarrolla posteriormente una amplia gama de
enriquecidos ejemplos de caricaturas tanto en la literatura como en lo meramente gráfico.
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En Europa la difusión a escala amplia de la caricatura política se dice que nació en Inglaterra, según
las compilaciones del material encontrado de los grabados del siglo XVIII. Entre los artistas más
conocidos y de los cuales tuvo la importancia de caricaturizar a importantes personajes de la época
fue George Townshed, se dice que el mismo distribuía los folletos de sus dibujos impresos. Otro
conocido e importante artista de este género fue William Hogarth se quien se dice que fue el que tenía
mayor número de sátiras en inglés; este artista tenía una afinación especial para detectar y convertir
en humor todo aquello que le parecía absurdo de las costumbres sociales además de todo lo que tenga
que ver con las corrupción moral de la gente de Londres de su época.
Entre los años que acontecieron de 1761 a 1770, ocurrió una acogida importante de los artistas en
algunos medios que empezaban a acoger con interesada demanda de parte del público los trabajos de
los mejores artistas. Se hallaron publicaciones importantes en medios igualmente de mucha
importancia como “The Town and Country Magazine”, “TheMuseum”. Esto se convertía en un
nuevo y poderoso medio para difundir las sátiras representaciones de las más destacadas personas de
la época junto a sus particulares personalidades, además de una dotación especial de un toque especial
de mofa política. Grabadores tan importantes como Thomas Rowlandson ridiculizaba el estúpido
comportamiento de todos aquellos a quienes consideraba aristócratas pedantes. Ilustradores
importantes como James Gillray mostraban de una forma muy cómica sus representaciones de
personajes públicos de su tiempo con trajes que se inventaba y que resultaban ser fantásticos, las
cabezas y la exageración de las mismas cobró fuerza. El grabador famoso George Cruiskshank
expresó sus ilustraciones en una especie de ligadura nostálgica de todas las clases y conductas de las
diferentes clases sociales e instituciones de la vida Inglesa, satirizando y haciendo que cobren mucho
interés las cosas cotidianas de las familias diferentes y a la vez tan comunes.
Una de las publicaciones más conocidas en el mundo de la caricatura llegó a través de la fundación
del seminario humorístico Punch fundado en 1841, llegó a convertirse en una de las publicaciones
más importantes en el mundo de la caricaturas, se hicieron famosos entre otras cosas por sus bromas
y sátiras hacia la familia real inglesa. Estos satirizaban en colaboración de George Maunier a la vida
social y de elegancia de todas las clases sociales. John Lenchhacia de menor a los hombres de estado
más notables de su tiempo, pormenorizando su carrera y tratando de opacarlos. Años más tarde cerca
de 1868 surge otra revista conocida como VanityFair, esta presentaba caricaturas realizadas en
litografía hecha a color de importantes personalidades, los artistas empezaban a usar los famosos
seudónimos que luego se hicieron tan importantes. Entre aquellos que lograron mayor fama y fueron
los más destacados del XIX y principios del XX, estaban Max Beerbohm quien se especializo en
personajes sociales y literarios, sus caricaturas llevaron al resultado de una gran comentar ismo
político. Finalmente cuando acababa el siglo XX, el mercado más importante de la caricatura política
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de Inglaterra fueron los famosos diarios creados en la revista satírica PrivateEye cuyo máximo
representante fue Gerald Scarfe.
“Las convenciones narrativas del comic y sus onomatopeyas se han visto reflejadas también en la
literatura”. (Nietzshe, Friedrich 1940, pg 44)
El arte en Francia también desarrollo la caricatura política como un arte, empezó a surgir en los
primeros años del siglo XVIII. Este fue un siglo conocido entre otras cosas por el surgimiento de
numerosos libros y revistas, esto se dio en mayor parte durante el conocido periodo revolucionario de
1789 a 1792. Muchos periodistas importantes franceses como es el caso del conocido Charles
Philipon, hicieron de la caricatura una parte muy importante en el acontecer político creando muchas
revistas satíricas como “La Caricature” que se fundó en 1830, tenía colaboradores de renombre como
Honoré Daumier, GavaniDaumier y GustaveDorier, se hicieron muy conocidos por que fueron
encarcelados por que su caricatura resultaba ofensiva para la corona del rey Luis Felipe I de Orleans.
La caricatura de Francia era de excelente calidad y muestra de ella fue que la influencia que lograban
era importante pues seguían resurgiendo nuevos artistas como Toulouse Lautrec que fue conocido por
satirizar a los clientes frecuentes o activos de los teatros de las variedades
España es sin duda una de los lugares en donde más se ha desarrollado este tipo de lenguaje artístico,
alcanzando la calidad e importancia artística que más han marcado a la historia del arte de los finales
del siglo XVIII. El ejemplo más grande en cuanto a la máxima expresión de este arte lo encontramos
en la persona de Francisco de Goya. La serie de “Los Caprichos” y “Los desastres de la guerra”
muestra una profunda crítica fundamentada en cada una de las injusticias políticas, religiosas y
sociales que el artista percibía en su época. En total 82 planchas muestran la pulcritud y dominio
técnico. Denuncia las injusticias cometidas en la iglesia y refleja las atrocidades de la guerra que se
produjo durante la invasión Napoleónica y la guerra de la independencia española. El siglo de oro del
arte de la caricatura satírica en España fue el siglo XIX con la aparición de revistas importantes como
Madrid cómico y el seminario pintoresco español que fue fundado por Mesonero Romanos en la
ciudad capital de Madrid, artistas como Francisco Ortega, Leonardo Alenza y Urrabieta fueron de los
artistas que más popularidad alcanzaron en las revistas que publicaban.
A raíz temprana del siglo XX surge una generación de artistas que con sus excelentes publicaciones
de alto contenido crítico e intelectual lograron rivalizar a las publicaciones extranjeras. Los más
destacados fueron Xaudaró, Alfonso RodriguezCastelao, K.Hito. A través de sus dibujos y pinturas
buscaron denunciar las injusticias sociales de su época. Luego de inevitables guerras Civiles el campo
visual del humor gráfico obviamente se veía reducido, no obstante seguían apareciendo dibujantes de
exquisita calidad que como resultado de la creación de revistas como “La codorniz” o “Don José”, a
esta publicación se añadió el nombre de artistas excelentes como Mingote, Serafín, ChumyChumez,
37
todos los anteriores son nombres artísticos de firma caricaturesca que alcanzaron mucha fama y
popularidad en dicha revista. La lista de artistas es innumerable pero de ella es imperdonable que los
artistas contemporáneos no busquen influencia de aquellos que más han revolucionado, entonces no
es conveniente olvidar el nombre de famosos dibujantes como Forges, Máximo, Summers y Peridis.
Gracias a personajes de tan alto nivel la caricatura ha sido extendida a revistas de humor
especializadas en este campo, a la prensa diaria y a cualquier tipo de publicaciones en donde ya se
hace impensable el hecho de no incluir el humor y la crítica fina de los caricaturistas.
En algunos lugares diferentes de Europa los artistas utilizaron la caricatura como un medio de crítica
reflexiva social. Artistas como el pintor alemán George Grosz del siglo XX destacan en el aspecto
mencionado. Su interesante y vasta colección de trabajos caricaturescos titulada Ecce, se refiere a un
feroz ataque contra el creciente militarismo del cual ya estaba hastiada toda la población alemana,
porque a raíz de la I guerra mundial suelen suceder estas cosas.
En América para muchos autores de publicaciones que hacen mención al mundo de la caricatura, es
fácil conferir el derecho al posible mejor candidato de la caricatura política estadounidense a Thomas
Nast, quien para muchos es sin duda el mejor caricaturista del siglo XX, a este personaje se le
atribuye la creación de los símbolos de los partidos Republicano y Demócrata, el elefante y el asno.
Es también de gran importancia el nombre de Joseph Keppler, fundador en 1826 y editor más
destacado del seminario humorístico de Puck, junto a su colega y socio BernhardGillam, se hicieron
notables por sus arduos ataques a la corrupción de los políticos de su época, así como a tantos
empresarios adinerados y que creaban conflicto debido a su alta corrupción también.
Una de las tribunas más importantes de la sátira social de Estados Unidos en el siglo XX ha sido la
revista The New Yorker, mientras que la más difundida en el ámbito internacional es
MadMagazine.RananLurie, quizá el más famoso caricaturista de las últimas décadas del siglo XX,
colabora, entre otros, con el semanario Time, a través de Cartoonews International Syndicate, con
base en Nueva York.
Entre las tribunas de la sátira más importante de Estados Unidos compiten también muchas de las
revistas que se dedicaron a esto, entre ellas la revista The New Yorker. La revista Mad Magazine
alcanzó popularidad entre otras cosas porque fue la que más se difundió en el ámbito internacional.
El que quizás sea el más famoso de los caricaturistas de fines del siglo XX, RananLurie, colabora con
otros grandes el seminario Time que es una firma de caricaturistas internacionales de renombre con
base en Nueva York.
En México, se considera que la primera caricatura política, ‘Tiranía’, se publicó en 1826, en el
periódico El Iris. En 1847 apareció en Mérida, Yucatán, el periódico Don Bullebulle donde Gabriel
38
Vicente Gahona, alias Picheta, publicó una serie de dibujos de tono crítico y satírico, posiblemente
influido por su estancia en Europa, donde conoció a los principales caricaturistas franceses. En 1861
se fundó La Orquesta, la primera publicación consagrada a la caricatura política. Le siguieron muchas
otras; entre las más notables, El Ahuizote (1867), El Hijo del Ahuizote (1874) y Multicolor. Desde las
páginas de estas publicaciones, en las que se ejercía una crítica feroz al poder, grandes dibujantes,
como el joven Constantino Escalante, hacían gala de su talento y de su valor civil, ya que se exponían
constantemente a la persecución de los gobernantes. Por ello, y por su enorme capacidad creativa, a
Escalante se le ha llegado a llamar el “Daumier” mexicano.
“El residuo insoluble, la armonía, habla de las formas de apariencia, no es, pues, meramente
simbolismo del sentimiento, sino del mundo. El concepto es en su esfera completamente imponente.”
Haciendo un recorrido hacia la ciudad fronteriza, México, la influencia de la caricatura
estadounidense se hizo notoria en cuanto a la calidad similar que alcanzaron artistas destacados. De
esta manera relatan que la primera caricatura política sobre la Tiranía se publicó en 1826 en el
periódico Iris. En el año de 1847 comienza a tomar más forma el aspecto crítico y formal de los
artistas mexicanos a través de trabajos publicados en el periódico Don Bullebulle en donde artistas
destacados como Gabriel Galona alias “Picheta”, adornaban el medio con sus publicaciones de tono
crítico y satírico, aunque debe mencionarse que este artista también tenía como mucho una gran
influencia Europea, por esta razón muchos artistas mexicanos tienen un matiz Francés. En el año de
1861 se fundó la Orquesta que fue una revista consagrada y separada especialmente al tema de la
caricatura política. La influencia entre revistas se sucedió con otras como El Ahuizote fundada en
1867, El hijo del Ahuizote en 1874, entre otras menos importantes. La crítica hacia el poder es un
punto común en todos aquellos que se dedican a la caricatura, sin embargo cuando se torna feroz se
considera mucho más osado al artista y en consecuencia más apreciado debido a que no teme hablar.
Dibujantes como Constantino Escalante, mostraban abiertamente sus trabajos mostrando su talento y
valores civiles, exponiendo también la constante persecución política en la que siempre se mostraban
como victimarios. Esto le atribuyó a Escalante el sobre nombre de “El Daumier mexicano.
Otro gran artista de este género fue José Guadalupe Posada, que a través de sus grabados populares
daba cuenta de los sucesos políticos y sociales de la época. Su obra tenía el poder y la fuerza natural
del más genuino arte popular, a lo que se sumó el innato atractivo que ejerce la muerte sobre los
mexicanos. Su mayor creación fueron las ‘calaveras’, unos esqueletos multifacéticos de los que se
servía, al igual que Goya con sus Caprichos, para dar rienda suelta a sus conceptos críticos. Influyó
notablemente en quienes llegarían a ser los grandes muralistas mexicanos, José Clemente Orozco y
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Diego Rivera. Otros caricaturistas sobresalientes han sido Miguel Covarrubias, Antonio Arias Bernal,
Abel Quesada y Eduardo del Río (Rius).
José Guadalupe Posada era un grabador muy prestigioso y uno de los que a través de grabados que
tocaban el tema de lo popular, involucraban procesos políticos y propios de época. Su obra de arte
tenía una fuerza natural que replicaba con mucha exactitud en cómo es la vida del pobre, de alguna
manera resultaba cómoda y familiar a las personas. Añadió además un matiz tradicional acerca de
cuáles son las tradiciones populares más celebradas de su gente y de igual forma tratar de dar una
explicación lógica al porqué de la admiración que sienten los mexicanos hacia la muerte, al porqué de
su mayor creación que son las calaveras. Posada disfrutó mucho de su trabajo, al igual que Goya,
Posada se divertía haciendo uso de este símbolo mexicano tan importante entre su gente. Su concepto
crítico era muy pensado y profundo por esto es que fue tan importante su influencia sobre el grupo de
quienes luego se harían famosos bajo el nombre de “Los muralistas mexicanos”, y en quienes luego
se convirtieron en los muralistas mexicanos más famosos, José Orozco y Diego Rivera.
En América del Sur sobresalen el brasileño MillorFernándes (1923), el argentino Oski, el uruguayo
Hermenegildo Sábat (1933) y el argentino-español Joaquín Salvador Lavado (Quino), famoso por los
personajes de sus tiras cómicas y por sus cartones en los que cuestiona los valores establecidos y la
hegemonía del poder político y económico
Es imprescindible el hecho de mencionar también personajes de América del sur y entre ellos, el
brasileño MiltónFernandez, el argentino Oski, el UruguayoHermenegildoSábat y el argentino español
Joaquín Lavado alias “Quino”, genialidades tan grandes deben ser revisadas por todo buen
caricaturista. Los personajes de Quino fueron inmortalizados en unas bellas tiras cómicas y por
algunos cartones en donde crítica una serie de valores establecidos y las hegemonías que podían
enfrentar los poderes del estado y esto reflejado en el poder político y económico.
3.3 Psicología de la caricatura
El arte sin duda está íntimamente ligado a una interpretación del comportamiento humano, al estudiar
la psique humana y dar cuenta de ella, el psicoanálisis facilita el acceso a los productos de la psique,
entre los que se encuentra tanto el arte como la literatura.
“No solamente el arte en si forma parte de la expresión cultural sino además, se consolida con
fenómenos sociales relacionados con la justicia, el humanismo, la libertad, la paz, aquellos
fenómenos discriminatorios, bajo su observación y expresión pretendiendo más bien de forma
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particular denunciar, comunicar, reflexiones, criticas, proponer, proyecta, invitando a imaginar, soñar,
recrear propuestas plasmadas a través de la obra.” (Jaramillo, 2008, pg. 199).
El arte sin duda guarda relación directa con el comportamiento humano, al ser la caricatura un arte no
es de sorprenderse que el punto focal sea el humano también, la psicología humana resulta un campo
que aún puede considerarse poco explorado y al tratar de dar cuenta de ello los artistas basan su
interpretación a través del estudio de las diferentes gestualidades. Las gestualidades que denotan las
personas guardan relación directa con su psique, y es entonces el trabajo del artista capturar la sutileza
y expresividad que conlleva a cada estado anímico y psicológico. La literatura hace algo similar por
medio de las palabras, mientras que el caricaturista de figura humana lo hace por medio de las
gráficas, de aquí debe destacarse que la labor gráfica es más compleja debido a que según los
expertos en cinesis aproximadamente el 70% de la comunicación humana es no verbal.
Freud (poner referencia bibliográfica) consideró por ejemplo que el arte es una actividad encaminada
a mitigar deseos insatisfechos, tanto en el creador como en el espectador de la obra. El artista ha
buscado siempre una liberación personal y la logra comunicando su sentir a los demás, que sufren
también insatisfacción de ese deseo. Todo deseo del artista toma forma a través de la forma artística y
ésta finalmente resuelve en pequeños detalles de placer.
El arte tiene la capacidad de mitigar los deseos insatisfechos ya que a través de él todo es posible, se
puede representar cualquier cosa que nos imaginemos, este sentimiento de mitigación es mutuo en el
artista y en el espectador. No es de extrañar que en medio de las personalidades diversas de los
artistas y sus conflictos naturales en relación a sus estilos de vida, busquen una salida para liberar
toda tención, para lograr tener una mejor comunicación con las demás personas e incluso lograr
vínculos con aquellos que pudieran sentirse en un estado similar de insatisfacción de deseos, así por
ejemplo podrían encontrar juntos la manera de resolver un conflicto. Todo deseo y anhelo en lo más
profundo de un artista puede ser de alguna manera resuelto en el arte brindándole detalles pequeños o
más grandes de placer.
La caricatura no es una manera de burlarse del mundo, o solo mostrar una sonrisa ante él, sino que es
una forma de verlo. Los ojos del artista son los ojos de un ser humana no común, que tiene la
capacidad de mostrar en formas estéticas el funcionamiento de su inconsciente, del mundo de sus
sueños y también de los demás. Muestra también una manifestación del sentir de los demás y sus
expectativa junto a sus actitudes ante lo que viven día a día.
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La caricatura es una manera de plasmar estados de ánimo muy obvios y llenos de expresividad, más
que una manera de burlarse del mundo es un relato que pretende mostrarnos como somos en realidad
las personas y el desenmascarar los motivos que mueven a las personas a tomar.
Si pudiéramos relacionar a la caricatura con algún objeto quizás se parecería a un microscopio que
puede darnos el detalle de cosas que no son fácilmente visibles o entendibles. Los ojos de los artistas
no son de naturaleza común, ya que estos poseen una compleja habilidad para desnudar el alma y
mostrar lo que puede reflejar la gestualidad de una persona, aunque quizás no sean conscientes de
aquello. El artista tiene la capacidad de reflejar el estado subconsciente de sí mismo o de las demás
personas de una manera inconsciente también, es como algunas personas lo califican poéticamente
diciendo que los artistas pueden reflejar el mundo de los sueños, es natural que los gestos sean
espontáneos y que pese a que puedan parecer grotescos, exagerados e incluso hasta ofensivos,
terminan siendo aceptados gracias a su nivel puro de fuerza y energía, así es como los artistas
consiguen mostrar los sentimientos de los demás junto con las expectativas y actitudes que las
personas puedan estar adoptando en el día a día.
La Caricatura dramatiza los conflictos internos y externos a través de personajes, que de alguna forma
llegan a ser recordados como si existiesen de verdad o como que así fuera la esencia de su ser. Un
ejemplo de esto es cuando se satiriza a un personaje político, si para su mala suerte el caricaturista
refleja alguna condición desagradable de dicho político, la gente lo recuerda como si este fuera así en
todo su contexto.
La caricatura es una manera de dramatizar los conflictos que pueda tener una persona en su interior,
es una manera de describir los altibajos que tienen las circunstancias de una manera lúdica y dinámica
como llega a ser el recurso del dibujo. Es una manera poderosa de plasmar recuerdos poderosos en la
mente de las personas valiéndose de las propias representaciones o similitudes con lo que se pretende
mostrar. El observador de un trabajo caricaturista no tiene problema en aceptar el símil del dibujo en
relación a lo que pueda suceder en la realidad.
Incluso a veces llega a considerar más real y genuina la interpretación que ha hecho algún artista
sobre cualquier personaje, que lo que en realidad pueda pasar en el mundo de esa persona. Ejemplos
sobran, no es de extrañarse cuando un político que es representado por algún artista que lo ha
satirizado negativamente, pierda luego validez en su veracidad de convencer a los demás o que la
gente deje de mostrar el mismo interés en sus discursos y planes. Aquel político que ha caído en el
lápiz crítico de un buen caricaturista reconocido, ha caído en un grave problema, ya que la gente lo
recordará como lo ha representado dicho artista, en todo su contexto he allí el meollo del problema al
que se enfrentan dichos personajes.
42
“Tanto el artista como el espectador pueden reducir su energía pulsional o dominar tensiones
conflictivas a través de la obra de arte , El artista impone una determinada forma a la representación
conflictiva, cuya contemplación permite al artista reproductor, esto es, al receptor, elaborar conflictos
similares.” (Jaramillo, 2008, pg. 199).
Sin duda todo personaje puede tener muchas virtudes también, pero es necesario entender que en el
arte de la caricatura no siempre se produce el conocido efecto “catarsis” que según Aristóteles(poner
referencia bibliográfica) producía una purificación del alma al vernos reflejados en un personaje que
muestra nuestras pasiones. Puede causar un placer para algunos, pero por lo general no para quienes
se sienten ofendidos ya que como reza aquel dicho: “A nadie le gusta que le canten sus verdades”.
Se ha mencionado que resulta un problema cuando la gente identifica en un contexto literal alguna
representación en contra de un personaje político por parte de un caricaturista, ya que dicho personaje
político puede poseer muchas otras buenas virtudes también, entonces aquellos que forman parte del
papel crítico deben desarrollar criterio y discernimiento en descifrar los código s y significados del
mensaje, porque tampoco es cierto que el artista sea un santo y que se vaya a manejar siempre en
honor a la verdad.. No obstante el conocer que la caricatura posee el efecto de impacto conocido
como “catarsis”, que según filósofos como Aristóteles decía que produce una purificación del alma
también es importante, ya que al reírse de uno mismo sin resentimientos la gente empieza a librarse
de complejos y más bien empieza aceptar con alegría lo particular de su propia esencia como persona
y como ser humano. Por eso decimos que la catarsis del arte puede llegar a causar placer aunque
generalmente no para aquellos que se sienten ofendidos, ya que se necesitaría un estado de madures
amplio y una amplia autoestima para poder aceptar sin desprecio ni rencores dicha situación.
Dicho todo lo anterior es necesario aclarar también que en el caricaturista no siempre encontraremos
una mirada pura y sincera, ya que a veces como ocurre en todo el mundo, ésta puede ser afectada por
conjeturas políticas, las mismas que ya manchan la pureza del pensamiento absoluto del artista, esto
vendría a ser como auto-privarse de la libertad de expresión . En este momento halla cabida la frase:
“No todo lo que brilla es oro”.
Es normal conocer que a veces por fines la mayor parte de veces económicos y personales pueden
llegar a corromper las primeras intenciones que pueden tener, y es entonces razonable entender por
qué pueden verse seducidos ante propuestas con fines políticos o intereses fuera de lo personal. Las
conjeturas políticas han manchado muchas veces la pureza del pensamiento absoluto, esto es lo que
se conoce en el lenguaje de los artistas como el privarse de la libertad de expresión o aún en un
término más grotesco “la prostitución del arte”.
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Al recordar aquella frase popular: “Una imagen vale más que mil palabras”, sin duda y casi por
sentido común, podemos entender que se trata de una exaltación de la imagen, no obstante y pese a lo
conocida que es esta frase, simplemente es una mala traducción de un proverbio chino que en su
contexto original dice: “el significado de una imagen puede expresar diez mil palabras”, que no
superpone lo gráfico a lo textual, sino que los hace convivir en armonía.
El efecto de una imagen es tan grande que puede llevar a sacudir al poder, mover sus cimientos y
finalmente llegar al punto de querer silenciarlo a la fuerza. Un ejemplo de esto ocurrió en la vida de
Daumier, cuando en 1835 la monarquía para evitar que los siguiera caricaturizando promulgó una ley
que prohibía en la prensa las imágenes antigubernamentales, en cambio, siguió permitiendo
comentarios literarios de contenidos similares, con lo que demostraba la superior fuerza persuasiva de
la imagen sobre la palabra.
Las imágenes producen un efecto influyente en los espectadores. En relación con esta idea se puede
leer la costumbre italiana, documentada desde hace siglos de pintar figuras difamatorias. Entre ellas
se encontraban imágenes de personas que habían cometido fraudes e imágenes de criminales
ahorcados, especialmente traidores.
Se dice que la caricatura participa sobre todo de la agresividad de lo risible. La persona caricaturizada
se siente degradada, amenazada en su individualidad por la duplicación de su imagen, desalojada de
su secreto vergonzante. Freuddecía que hay formas cómicas inocentes que llamaba “chanzas”, en este
caso el placer del emisor consiste en disparatar y exhibir ingenio ante el oyente.
La caricatura se involucra sobre todo en una manera de volver risible aún las cosas que más molestia
puedan causar, está dotada de un matiz de agresividad por lo que mucha gente que ha pedido
voluntariamente ser caricaturizada se ha sentido afectada y degradada. Al sentir una duplicación falsa
de la persona la gente tiende a sentirse amenazada y desalojada de algo que de pronto podían
considerar como privado., puede hacer que se sienta descubierto algún secreto que avergüence ya sea
de algún aspecto físico u emocional. Es interesante conocer que según algunos estudios de la
psicología de los artistas en cuanto a que el placer que produce la caricatura, no es solamente para el
espectador dicho placer, sino que también para quien lo realiza puede resultar placentero el mofarse
de los demás y de representar sus situaciones de vergüenza, este placer se lo conoce como chanzas y
consiste en disparatar a una persona con mucho ingenio.
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El carácter social de la fuerza que puede tener una caricatura depende sin embargo de las condiciones
históricas y económicas: cada período, cada clase social, cada comunidad, tiene su peculiar forma de
reír. Además, lo risible busca la comunicación entre el emisor y receptor.
3.4 El chiste
Aunque el humor y el chiste se encuentran profundamente ligados, no son lo mismo. Un chiste es un
dicho u ocurrencia aguda y graciosa. Es una corta serie de palabras o una pequeña historia hablada o
escrita con fines cómicos, irónicos o burlescos, contiene un juego verbal o conceptual capaz de mover
a risa. Muchas veces se presenta ilustrado por un dibujo, y puede consistir solo en éste.
De paso es importante también entender el concepto de broma que consiste en cambio en crear una
situación cómica a partir de una persona, una situación o un evento reales.
El humorismo hace uso de la comicidad implícita en los chistes y las bromas para derivar en una
forma de entretenimiento y de comunicación humana, que tiene la intención de hacer que la gente no
se sienta infeliz y ría. La risa es, además, una de las pocas cosas que individualizan al ser humano y a
algunas especies de homínidos respecto a otros animales; los etólogos señalan que el humor es ante
todo un rictus que aparece en los labios de los primates y se muestra cuando éstos se enfrentan a
situaciones para ellos absurdas o incomprensibles: enseñar los dientes es una forma de desviar un
impulso agresivo o de resumirlo mímicamente, un tipo de sublimación.
La comicidad es parte natural del humorismo, está involucrada en todo lo que tiene que ver con el
chiste, las bromas y lo risible. Busca entre sus objetivos principales el brindar entretenimiento por
medio de una forma de comunicación humana muy particular, la alegría. La intención es hacer feliz a
la gente por medio de las situaciones más cotidianas, por medio de aquellas incluso que puedan
resultar incómodas, es como hacer de lado los problemas y transformar la angustia que estos
ocasionan por una perspectiva diferente de felicidad, reírnos de ellos es una manera de enfrentarlos y
de saber que los vamos a superar.
“La teoría del acto y de la potencia es el descubrimiento Aristotélico más importante. Antes de él no
podía explicarse del ser ni del devenir.”(Jaramillo, 2008, pg 37).
La risa es muy particular y es una de las cosas que dotan de una personalidad auténtica a cada
persona, la risa es además algo que en el mundo animal también puede tener un significado que se
relaciona con el nuestro, así por ejemplo en el mundo de los primates la risa puede considerarse un
mecanismo de advertencia, mostrar los dientes es símbolo de que los animales son peligrosos y que
están armados, aunque también puede significar ansiedad. Los etólogos que se encargan de estudiar el
comportamiento animal señalan que la risa también puede aparecer en los animales cuando estos se
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ven confrontados con situaciones a las que encuentran absurdas o poco comprensibles. Enseñar los
dientes también ayuda a desviar el impulso agresivo o lo puede resumir considerablemente, es una
especie de sublimación.
Hay chistes que han cruzado las fronteras de los países, incluso han sido modificados para acomodar
la cultura donde se exprese, dígase el nombre del personaje principal del chiste o el pueblo al que el
chiste hace referencia (dicho por alguien perteneciente al mismo pueblo).
Los chistes tienen clasificación según el orden de su contenido o como se diría en otras palabras,
dependiendo de su color. Todo esto depende de cuanto pueda llevar implícito en vulgaridad, picardía
o violencia verbal contenida. Así tenemos por ejemplo que los chistes conocidos como “blancos” son
aceptados por todo el mundo en todo lugar y condición porque son aceptados como puros y sin
ninguna ofensa verbal, mientras que también existe los chistes conocidos como “rojos” y que no
pueden ser contados en cualquier lugar debido a su carácter considerado como vulgar y netamente de
alto contenido sexual, se requiere de prudencia para poder contarlos y por lo general se dan en
situaciones y condiciones de grupos de amistad y confianza marcada, bajo un grupo de amistad estos
chistes pueden ser aceptados y graciosos, pero en situaciones como las de un grupo de gente que
acabamos de conocer el mismo chiste puede parecer obsceno.
Los chistes negros están ligados a lo referente con enfermedades, dde los conocidos chistes negros,
que son netamente aquellos que tienen un matiz de crueldad ya que se ríen de cosas que en la vida
real no causarían risa en lo más mínimo. Burlarse de enfermedades, cosas tristes, discapacidades y
hasta la muerte son una de sus características. Entonces el burlarse de una persona que cae de un
edificio y se muere sería un ejemplo de humor negro.
Las parodias hablan de chistes que burlan a personas particulares o a etnias en particular usando algún
representativo o frase que dicho o visto de cierta forma cause risa. Ejemplo: poner en burla las
patadas giratorias de ChuckNorris es hacer una parodia sobre él.
Existe también un conocido tipo de comedia llamado “parodia”. En este género se busca burlarse de
la realidad de personas especialmente que manejan el poder y tienen una imagen pública, buscando
representar a esa persona tergiversando su realidad con situaciones que hagan burla de cosas como
alguna mala decisión que hayan tomado o alguna cosa de su carácter que sea poco comprendida o sea
una buena alternativa para satirizar. Un ejemplo puede ser el satirizar a algún personaje de televisión
del cual se haya exagerado en cuanto a su fuerza, así están como algunos candidatos los conocidos
chistes de ChuckNorris, así es como nacieron muchos chistes que hacen parodia de la fuerza de este
personaje, y la gente los vuelve populares y aceptados.
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Épico, lírico o trágico, representa su objeto a través de un lenguaje específico (…). (Bakhtin, 1978, p.
418.).
La parodia es otra forma de burlarse de las personas sin nombrarlas. Un ejemplo de esto lo
encontramos en las fiestas de fin de año ecuatorianas que se asemejan a las fiestas de la sociabilidad
islandesa, son la ocasión perfecta para caricaturar a aquellos con los que convivimos todo el año.
Después de haber bebido, por supuesto, porque este humor de proximidad sólo funciona cuando la
embriaguez es la excusa para cometer cualquier tipo de atrevimiento.
Los chistes son uno de los mecanismos más comunes de acoso o violencia en la escuela (mobbing)
usado por los abusivos para demostrar su superioridad sobre los acosados haciendo referencia a ellos
usando palabras ofensivas incorporadas a una situación graciosa que hace sentir mal al acosado ante
los demás o el Bulling .
Esto es una particularidad extraña que ha surgido en los últimos años aunque a ciencia cierta debió
existir siempre solo que no con la violencia que tiene en nuestros días, en este caso hace
protagonismo el chiste que de verdad es violento, aquel que surge como una forma de acoso y que se
da principalmente en las escuelas, a este tipo de chiste se lo conoció inicialmente como “mobbing,
este tipo de chiste siempre fue usado por los abusivos para demostrar una supuesta superioridad que
por lo general solo es física sobre aquellos a quienes acosan; usan palabras ofensivas que incorporan
situaciones humillantes y que dotan a la escena en ese momento de una especie de humor macabro, lo
que se pretende es principalmente hacer sentir mal al acosado ante las demás personas, todo esto más
tarde fue denominado como “bulling” y es el término que se usa actualmente.
Las bromas en forma verbal directa o ahora muy comúnmente a través de los sms o internet son
poderosos y sutiles mensajeros que impunemente, la mayoría de la veces, logran ser "escuchados".
Con la excusa de que son solo para reír logran en muchos casos ser poderosos mecanismos de
violencia usados en muchos campos, político, entre géneros, racistas, etc.
Las bromas de este tipo tienen un alto contenido de ofensa verbal directa, la tecnología de la que
disponemos hoy en día la puede convertir en alta y rápidamente difundida, una muestra de ello es el
tipo de bulling que han hecho a varias personas a través de sms o conocidos también como mensajes
de texto que se constituyen en una manera aparentemente indirecta de violencia pero que obviamente
no lo es. También es conocido y aún más estos casos a través de las redes sociales. La excusa siempre
es la misma que dice que solo buscan hacer reír, pero al ser bajo la ofensa de una persona que no está
.disfrutando del chiste resulta demasiado incómodo y nada aceptable si se da en forma frecuente y
repetitiva. La mayor parte de veces esta situación se establece sobre barreras de índole político,
religioso y racista.
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Con la intención de evitar este tipo de violencia injustificada, nace el llamado humor inteligente, o
"políticamente correcto" que tiene como misión, no solo hacer reír al público sino que trata de no
ofender a nadie con ello.
Han surgido algunas respuestas inteligentes ante este tipo de violencia injustificada, la idea es evitar
este tipo de bromas crueles, el conocido “humor inteligente” es un tipo de reacción ante esta situación
y la idea es demostrar que no se necesita violentar a nadie para construir la base de una buena broma,
este humor también lo conocen como el humor políticamente correcto. Busca que todos rían con él y
obviamente sin ofender a nadie.
El chiste tendencioso dispone de fuentes de placer distintas de la del chiste inocente, ya que el placer
entre otras cosas también depende de la técnica, a lo que cita textualmente, no se sabe fijamente de
que nos reímos.
El mecanismo de placer del chiste tendencioso es diferente del chiste inocente que podría resultar
ofensivo accidentalmente, ya que el anterior es calculado y repetitivo. El placer que otorga el chiste
inocente depende de una cierta técnica, en hacer mención a una cita textual pero con alguna reacción
física graciosa e inocente que la acompañe, a decir verdad a veces resulta en algo que al ser
mayormente gestual es casi subconsciente, entonces muchas veces no llega a comprenderse bien de
que se ríe, es el típico chiste que se da entre dos personas que tienen mucha simpatía en amistad o en
atracción física y hasta en amor.
Freud se preocupaba de investigar si es este mismo el papel que el chiste desempeña al servicio de la
tendencia hostil, ya que los impulsos hostiles se dan desde nuestra niñez individual, al igual que la
civilización humana tiene impulsos sexuales.
Los impulsos hostiles se dan desde la niñez según muchos estudios psicológicos y son parte de la
naturaleza humana, el grado de hostilidad depende de muchos factores y principalmente el de las
condiciones familiares en las que se desarrollaron, este impulso es tan natural como lo es el deseo
sexual.
Dentro de nuestro propio círculo hemos realizado grandes progresos en el dominio de los
sentimientos hostiles, las ocasiones en que ahora podría decirse discúlpeme por favor, antes llevaba a
bofetadas.
En el entorno individual es donde se pulen los progresos en cuanto al dominio de los impulsos y
sentimientos, entre ellos es de la hostilidad. Todo sentimiento tiene una sabiduría implícita y una
razón de ser, la clave está en saberla utilizar en la cantidad adecuada y con mucha prudencia aún si se
trata de un tipo de chiste que pueda considerarse hostil.
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La hostilidad violenta ha quedado sustituida por la inventiva verbal. Más tarde nos enseñaría la
cultura que es indispensable el insulto en vez de la agresión física, y ésta nos hará sentir incluso más
placer al ver la derrota verbal del enemigo.
Por lo tanto el papel que tendrá el chiste en la agresión hostil, permite emplear contra nuestros
enemigos del arma del ridículo, y, por tanto, elude nuevamente determinadas limitaciones y abre
fuentes de placer que habían devenido inaccesibles.
Entonces el chiste tiene un papel importante en la agresión hostil, que podría ser el utilizar contra
nuestros enemigos el ridiculizarlos como un mecanismo de defensa, por tanto elude evita a
limitaciones determinadas que puedan aparecer y abre ciertas fuentes de placer que otorga una buena
respuesta a situaciones innecesariamente conflictivas, pero esto una vez más debe ser aclarado que
solo podría obtenerse con prudencia y en punto adecuado sin abusar del recurso.
Pero su categoría social le hace imposible expresar esto de manera directa. Otro ejemplo sería el del
chiste del rojo Fadian, básicamente nos reímos de la persona que se nos presenta calificada de rojo
Fadian y especialmente del rojo color de su cabello. Pero el hombre culto no se ríe de los defectos
físicos, esto sólo seda en escolares y entre la gente de pueblos bajos.
Se dice que un hombre culto no debe reírse en la vida real de los defectos físicos ni cosas similares y
que esto queda especialmente separado para gente inmadura y de edad escolar y también gente de
pueblos con poca cultura.
Hay otros tipos de chistes de fachada lógica en lugar de cómica, chistes intelectuales sofísticos. En
uno de ellos, el intermediario se las arregla para cerrar la boca al novio, que se queja de la cojera de la
muchacha, con una razón incontrovertible en apariencia. La cojera es un hecho consumado.
En otra historieta análoga se las arregla el intermediario para rechazar con excelentes argumentos al
novio, hasta que ya no puede más. Las frases del intermediario son de apariencia lógica, aunque usa
la expresión verbal. Sin embargo, la fachada chistosa impuesta hace no que se vea muy clara la
seriedad del asunto.
Todas las historietas que presentan una fachada lógica quieren realmente decir aquello que afirman,
basándose en fundamentos defectuosos, por lo tanto el chiste dependerá de la tendencia.
Cuando las historietas presentan un fachada lógica es porque pretenden ser literales en aquello que
presentan, aunque muchas veces se ha dado el efecto contrario ya que se basan en fundamentos
defectuosos, entonces más bien el chiste quedará dependiente de la tendencia a la que evoca su
intencionalidad.
49
“En efecto, como en el episodio de Margites, en la historia de “La doncella tonta”, el acto sexual se
consuma, gracias a la necedad de los protagonistas, mediante engaño, pues, igual que la mujer miente
para que copule con ella, del mismo modo, en la fábula, el hombre que tenía trato carnal con una
burra contesta a la estulta joven, deseosa de recuperar el juicio, que está inspirado, inteligencia al
animal. (Adrados, 1987, pg. 597).
Otro ejemplo análogo a estas historias son las del dependiente. Estos chistes se caracterizan por tener
muy poca técnica, siendo básicamente esta la formación de una fachada y gracias a esto toman el
efecto del chiste. A esto se le puede llamar también argot.
Otra analogía de los chistes de características no común recae bajo el nombre de chistes dependientes,
cuya característica es tener muy poca o nada de técnica, resultan como un estado natural y no
planificado de una broma que se da por alguna situación en particular y de la cual toma provecho
alguien para crear una situación cómica. A este tipo de chistes se los conoce también como chistes
Argot.
Ejemplo: ¿Qué cualidades exige usted de la novia? Respuesta: tiene que ser bonita, rica e instruida.
bien−replica el intermediario−; pero de eso hago yo tres partidos Aquí la burla del intermediario es
directa completamente.
Un ejemplo podría ser el de un persona que pregunta a otra: ¿Que exigiría usted en una nova?, a lo
que la otra persona contesta: Yo exijo que sea bonita rica e instruida. Muy bien- dice la persona que
pregunto, pero también comenta: De esa situación yo saco tres partidos diferentes
50
CAPÍTULO IV
DANDO VIDA AL PERSONAJE
4.1 El cómic
El cómic es fruto de varios siglos de experimentación. Como forma de representación debe asociarse
a la cultura de masas. El cómic es, por consiguiente, un producto industrial, independientemente de su
valoración estética o semiótica.
El comic es un arte que lleva siglo experimentándose. Es una forma de comunicación y expresión que
se encuentra íntimamente vinculado a la cultura de las masas, por ende se trata de un producto
industrial y de consumo masivo, todo esto sin que necesariamente muestre algún vínculo con su
valoración estética o semiótica.
El componente verbal parece un complemento del gráfico, que es muy importante. Por este
desarrollo, y por la posible aparición de palabras, creemos que la tira cómica, aunque se aporte en la
caricatura, pertenece ya a otro tipo de risibilidad: al “chiste”. Propiamente nos parece un “chiste
gráfico”.
El elemento verbal aparece como una parte que complementa a lo gráfico y esto es sumamente
importante en la estructura del comic. Gracias a este avance y a la aparición posible de las palabras,
se cree que la tira cómica, aunque se encuentra ampliamente apoyada en la caricatura, pertenece ya a
otro tipo de clasificación de lo risible, específicamente al chiste, es un chiste gráfico.
Se dice que corresponde al humorista y dibujante ginebrino RodolpheTöpffer el haber inventado la
historieta dibujada. "Las novelas humorísticas en dibujos de Töpffer son inocente antepasados de los
sueños manufacturados de hoy. Encontramos todo en ellos, aunque todavía bajo una tonalidad
genuinamente cómica". La estética de la ilustración, el humor político y el periodismo satírico son
géneros a tener en cuenta a la hora de considerar las influencias en el origen del cómic. En Europa se
suman a estos elementos la tradición proveniente, por un lado, de aucas y aleluyas y, por otro, el auge
de las novelas por entregas.
51
Se ha dicho por historiadores que gracias al humorista RodelheTopffe se llegó a desarrollar la
historieta dibujada. Este famoso dibujante realizó excelentes novelas gráficas que hoy en día resultan
pioneros e innovadoras.
Las aucas eran dibujos de origen pagano que tenían al pie de la imagen una frase mientras que las
aleluyas eran estampitas religiosas con la palabra "aleluya", más tarde se llamó de esta manera a una
serie de viñetas con una frase corta en su pie.
El dibujo de influencia pagana tiene sus máximos ejemplares en la imagen de los dibujos llamados
“los aucas”, estos dibujos se caracterizaban por tener al pie una pequeña frase, mientras que otros
conocidos como los “aleluyas” se conocían por ser pequeñas estampillas o estampitas que tenía la
palabra aleluya, este término luego fue modificado en su finalidad cuando fue implementado en un
sin número de viñetas con una frase cortita de viñetas al pie.
En la primera mitad del siglo XX la historieta americana ejerce un control hegemónico a nivel
internacional, pero el monopolio del cómic va a variar sustancialmente a partir de los años 60 con la
irrupción en el mercado internacional de las historietas provenientes de Francia, Italia, Alemania,
Bélgica, España, Argentina. Los temas marginales y aquellos que denuncian una sociedad cada vez
más deshumanizada y consumista, son el motivo principal de la historieta underground que, en la
década de los 80, constituyen el punto de atención de los nuevos lectores de los cómics.
Cuando la historieta americana se encontraba a mediados del siglo XX, comienza a poseer un control
hegemónico a nivel internacional, sin embargo aún no se puede considerar a esta etapa como un
momento de monopolio del comic que va a variar con mucha importancia a parte de los 60 con la
influencia del comic que se desarrollaba en lugares como Italia, Alemania, España, Francia,
Argentina entre otros. Las temáticas tenían un orden enfocado en la denuncia de la cada vez más
deshumanizada sociedad que solo veía su propio interés al margen de un consumismo exagerado.
Estos mismos interés sirvieron de influencia temática en la caricatura underground de la década de los
80, además lograron atraer a un número mucho mayor de nuevos espectadores interesados en este
nuevo campo de creatividad a través del comic.
En estos momentos conviven cómics tradicionales y aquellos que tratan de imponer nuevos
planteamientos estéticos. "Vinculada íntimamente a los procesos sociales -dice J. Acevedo- la
evolución de la historieta depende de cómo la asuman autores y editores, y de la relación que se
establece con los lectores, relación definitoria, sentido último de la historieta" (poner referencia
bibliográfica)
52
Fue un momento especial para el comic ya que trato de convivir el comic tradicional junto al comic
contemporáneo y de nuevas propuestas planteadas por los artistas, todo esto estuvo como no es de
extrañarse, estrechamente vinculado a los procesos sociales. El avance evolutivo de las historietas
dependía de cómo lo asumían tanto autores como editores del comic y de cómo estos mantenían una
relación constante con los lectores, una relación muy fuerte e indefinida.
El cómic toma en cuenta un principio que muestra la interacción de personajes:
PERSONAJES
HABLAN SE MUEVEN TIENEN RASGOS HABITAN
Expresión
Lingüística Expresión Dinámica
Expresión Plástica
Expresión Social
La Expresión Lingüística está relacionado con el conocimiento de los elementos básicos de la
narración a través del cómic, observar y comprender la secuencia del guión y el montaje del cómic
mediante lo que se ha escrito.
Al hablar de dicha expresión lingüística se hace referencia a todo aquello que se encuentre
relacionado con todos los elementos más primordiales y básicos que se necesitan para alcanzar una
adecuada narración por medio del canal comunicativo del comic, esto obviamente como
complemento de lo que además ya comunica la imagen. Esto sirve como una ayuda importante para
que se entienda sin margen de error aquello que pretende comunicar el guión implícito en el montaje
de las diferentes escenas del comic junto a todo lo que ha sido escrito.
La Expresión Dinámica de los personajes debe estar dotada de mucha imaginación, cada personaje
debe ser particularmente interesante, si bien es cierto en toda obra hay persones principales y
secundarios, sin embargo el cómics ha de tomar en cuenta no dejar de hacer interesante a cada uno de
sus personajes, incluyendo a los secundarios.
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“Las comunidades arcaicas más diversas tienen necesidad de cuestionar periódicamente el orden
cósmico y social, a través de un juego de narraciones insolentes, subversivas incluso, pero destinadas
a consolidar de inmediato este mismo orden con más energía.” ( Brelich, 1975, pp 103-118.).
Es importante que cada personaje desborde imaginación, cada uno de ellos debe estar dotado de algo
que en particular lo vuelva interesante, algo que no posean los demás. Algo a destacar es el
conocimiento de quienes van a ser los personajes principales y secundarios en la obra, pero teniendo
en cuenta que todos los personajes deben ser muy interesantes también ya que el hecho de que hayan
personajes primarios y secundarios no quiere decir que los demás no deban tener su grado de
importancia.
La Expresión Plástica compete a los artistas, es la magia de las formas y los colores, los trazos y sus
movimientos, la composición adecuada de una imagen que atrape al espectador por sí sola, la
habilidad de hablar con un buen dibujo.
La expresión plástica es algo que está dentro de la naturaleza de un artista, es la manera particular de
mostrar su apreciación estética a través de cada una de las formas y coloración que puede dar a cada
una de ellas, cada particularidad que pueda a adornar a la forma incluyendo como importante el
detalle de los trazos y de los movimientos, es lo que puede lograr que el espectador sea cautivado y
que quede atrapado por la obra en sí misma, esto es una de las características a aprovechar de una
imagen, esa capacidad de hablar a por medio de una imagen, de comunicar de una manera diferente,
de comunicar sin palabras.
Experiencia Social es vital para crear una atmósfera adecuada en nuestra historia, esto hará aún más
interesante la narración del cómic, ya que así se puede enfocar y canalizar todos los aspectos
narrativos hacia un momento en particular, tomando detalles propios de la época y el momento hacia
donde se lleva a los personajes; esto nos ayudará a encontrar aspectos gráficos y narrativos más
acertados haciendo que todo se interrelacione de manera lógica, y hasta cierto punto puede ligarse a
un conocimiento histórico.
Está relacionado con tres aspectos básicos:
Es importante desarrollar actividades que nos ayuden a adquirir destreza en el manejo de estas
herramientas de los cómics, podemos empezar por ejemplo buscando un personaje con algún tipo de
naturaleza, ejemplo: Buscar en cómics personajes de naturaleza y características diversas como
animales, seres inanimados, héroes, antihéroes. Luego se debe dibujar y colorear sucesivamente el
rostro de un mismo personaje en distintos estados de ánimo.
54
Después podemos elaborar una composición escrita sobre la figura del héroe, poniendo ejemplos de
la antigüedad clásica, Edad Media y de la actualidad. También es importante buscar personajes
principales y secundarios.
El tomar en cuenta la secuencia narrativa de la historia en lo referente a la parte visual, evitando caer
en una perífrasis gráfica, y evitando caer en una vana redundancia de imágenes. Lo importante es que
cada escena atrape los sentidos y desborde imaginación y pensamiento.
La composición narrativa de un cómic se basa en el montaje y yuxtaposición de pictogramas o
viñetas cuya articulación se realiza mediante un lenguaje elíptico. En las viñetas debe estar incluido lo
más significativo y se omiten espacios muertos que el lector va a recrear en su mente.
La estructura fonética le da una estructura superior, le dota de un sentido de acción dramática, la cual
está constituida por una o varias escenas, además de un criterio amplio de espacio y tiempo.
El narrador nos cuenta la historia, aunque a menudo su figura luce ausente, sin embargo su acción
siempre da mayor agilidad al relato, aclara contenidos y enlaza viñetas. El narrador es quien se
encarga de cargar de color a los personajes, su naturaleza es de esta manera diversa en los cómics, en
los que la animación y personificación de animales, plantas y objetos inanimados es frecuente.
Los personajes suelen representar prototipos caracterizados a partir del gesto, el lenguaje y el vestido.
El conocimiento del código gestual es muy importante, para comprender los sentimientos y
psicología de los mismos. Sus gestos representan sentimientos: odio, alegría, enfado, sorpresa… y
suelen ir acompañados de posturas y actividades corporales acordes con ellos.
Dentro de lo que es parte de la narración es importante destacar el que sin duda es para mí y para la
mayoría de los estudiosos de la comunicación, un aspecto vital a tomar en cuenta. Por ejemplo se ha
comprendido que apenas el 35% de lo que asimilamos se lo realiza a través de la comunicación
verbal, y el sobrante 65% viene de todo aquello que expresamos con nuestros gestos.
El lenguaje corporal no es otra cosa que todo aquello que hacemos con nuestro cuerpo, o sea nuestros
gestos. Me impresiona lo cuan estrecho se relacionan nuestra mente con nuestras emociones y nuestro
cuerpo.
Al hablar del lenguaje corporal nos estamos refiriendo a todo lo que somos capaces de comunicar con
nuestro cuerpo, cada gesto está cargado de un mensaje muchas veces difícil de interpretar y oculto a
simple vista, son muchas emociones las que podemos expresar y debido a la velocidad con las que
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logramos transmitirlas es difícil tener una noción consciente de ellas, pero que inconscientemente
siempre somos capaces de percibirlas.
Para entender mejor es necesario tener algún conocimiento de la PNL; que trata de conexiones, de
cómo nuestros pensamientos, lenguaje y acciones nos unen a otras personas, al mundo y a la
dimensión espiritual.
Es necesario conocer algo de programación neurolingüística para que podamos mejorar nuestra
capacidad de entender con mayor detalle estos mensajes implícitos en los gestos, cada una de dichas
conexiones es lo que nos une o nos separa de las personas, rebelan cosas acerca de nuestra manera de
pensar y lo que pensamos acerca de la persona con la que nos encontramos, es una dimensión más
que física, espiritual.
Nuestro cuerpo y nuestra mente parecen invariables, pero se encuentran en un estado de cambio
continuo, como un río. El movimiento y la metamorfosis son incesantes; no obstante, hay algo que no
cambia en algún lugar debajo de la superficie. Los pensamientos y la fisiología están íntimamente
relacionados: nuestros pensamientos afectan nuestro modo de vivir, del mismo modo que nuestra
salud física y nuestro bienestar afectan nuestros pensamientos.
Tanto la mente como nuestra condición física pueden parecer inmovibles, constantemente estamos
llevando al cuerpo a que se enfrente a cambios continuos. Se trata de constantes movimientos que
llevan a una metamorfosis que no se detiene nunca. Todo lo que piensan las personas está relacionado
con su fisiología. Los pensamientos tienen la capacidad de influir directamente en la manera en que
las personas llevan su vida o sea en su modo de vivir, y esto inversamente se afecta también entre sí,
o sea que la manera en que se lleve la salud física puede influir también en una salud del
pensamiento.
Terminar sin terminar rotundamente; es decir, que la buena narración no debe tener un final
definitivo, seco, matemático. Es más bello, más artístico, el final indeterminado, impreciso, un tanto
vago. En nuestra vida nada acaba de golpe y porrazo; todos los episodios de nuestra existencia acaban
sin acabar, y en ocasiones, esos finales son el principio de otro episodio. La vida, en suma, es una
cadena, cuyos episodios o trances, son a modo de eslabones. Ni siquiera la muerte es un final
definitivo. Además, conviene dejar al lector un tanto en suspenso para que él, con su imaginación,
colabore con el autor en la construcción definitiva del final inconcluso.
Con lo anterior no se quiere decir que exista una mejor o una peor manera de terminar las cosas, sino
simplemente entender que una buena narración sea a través de palabras o de imágenes no debe ser
cuadrada ni definitiva. En ocasiones incluso lo que puede resultar como un final, puede resultar en el
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comienza de otra situación, la vida misma de cualquier personaje es una suma de episodios que llevan
una conexión directa con otras situaciones en un círculo que nunca termina e incluso ni la muerte
podría marcar un final porque siempre quedará una influencia del relato de la vida de esa persona
sobre otra que fue marcada. Conviene dejar también que el espectador resuelva en su mente con su
imaginación las cosas y que de esta manera resuelva algún final que pudiera estar inconcluso al
parecer.
La ley del interés, cuyos recovecos vamos descubriendo, encierra otro problema: el de la curiosidad.
Y para despertar la curiosidad del lector, es preciso que haya novedad.
El interés es casi una magia, lograr que la gente lo posea enfrasca el problema de cómo capturar la
curiosidad. Y una de las cosas más importantes es que para que se pueda despertar curiosidad en los
lectores, es muy importante que exista novedad.
En una narración no es lo nuevo aquello que pueda resultar en una noticia, sino más bien aquello que
esté dotado de mucho aspecto vivencial humano. El considerar aspectos y enfoques personales que no
sean réplicas de otras personas., el aspecto original y sincero hace la diferencia. Esto puede venir de
algo que sucedió o de una idea. El argumento en una narración tiene muchos límites. Lo que no se
limita es el alcance humano de respuestas ante los diferentes hechos.
4.2 Dando vida al personaje
Cualquier lector o espectador necesitan identificarse hasta cierto grado con la narración que le están
ofreciendo, tanto si es en forma de lectura como en forma de imágenes. Esto se parece a cuando
vemos una telenovela por casualidad pero de alguna extraña manera no podemos cambiar de canal, la
razón de esa conducta es que de alguna manera nos estamos identificando en mayor o menor medida
con ese personaje. Son los personajes los que dirigen en su mayoría al desarrollo de una historieta.
Las situaciones dan la oportunidad a los personajes para hacer algo, pero es el personaje quien decide
si actuar o no frente a esa situación. Así que los personajes deben estar bien construidos para que la
historia sea efectiva.
Cada circunstancia crea el momento para que ocurra algo, siempre queda a elección como actuar ante
ella, el hacerlo o no. Por esta razón los personajes deben estar bien estructurados para que de esta
manera pueda resultar una historia efectiva.
Cualquier personaje bien construido está hecho de varias capas. Estas capas se abren, se despliegan o
se caen para revelar otra más interna y más compleja de lo que al principio se creía. Eso les da
profundidad, les hace parecer más humanos y menos caricaturas. Hagamos un pequeño y superficial
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análisis: en Starwars, Han solo es en principio bastante caricaturesco: Un aventurero que se mueve
por el dinero y al que le gusta la vida fácil.
Un personaje bien construido está formado por capas múltiples que se abren, capas que pueden
desplegarse o caen para revelar otras más internas y mucho más complicadas de lo que en un inicio
podría creerse. Es lo anterior aquello que dota de un sentido de profundidad que hace que los
personajes se vean más humanos y menos caricaturas.
Comencemos por más evidente: la genética. ¿Es grande o pequeño? ¿Hombre o mujer? ¿Hay algún
rasgo genético que lo distinga de los demás? ¿Ese rasgo es positivo o negativo? Peso, color y tipo de
pelo, color de ojos, cuántos son en su familia... Todas estas características son muy importantes de
definir al principio de la creación. Estamos en la primera de las pieles, la presencia (o pre-esencia, lo
que antecede a la esencia de la persona). Todas estas características físicas determinarán de algún
modo el devenir del personaje.
“Según Freud, la producción creadora no es el resultado de un esfuerzo consciente, sino más bien un
proceso preconsciente o inconsciente, cuyo resultado aparece de pronto en la consciencia sin que se
pueda reconstruir paso a paso el procese que lo originó.” (Schuster, 1982, p.66.).
Es importante primero conocer su genética que tiene que ver con la descripción física del personaje es
decir si este es grande o pequeño, hombre o mujer, ¿Hay algo que lo diferencie de entre los demás?,
¿Aquello que lo diferencia resulta algo positivo o negativo?, ¿Cuál es el color de sus ojos, cabello,
piel? Todo está relacionado en la manera de ser del personaje incluyendo aquellos datos de influencia
familiar o afectiva. Describir todas estas características físicas pueden parecer difíciles e incluso no
muy importantes, sin embargo es fundamental esto y se lo debe hacer en la creación del personaje.
Esto será la primera piel del personaje, todo esto va a influir de alguna madera en el futuro del
personaje.
Está la familia o la tribu. Todo lo que no es instinto se toma del grupo desde que nuestro personaje
nace hasta los 4 ó 5 años de edad. Este momento es muy importante para el personaje. Es a partir de
este momento cuando se forma como un ser autónomo y comienza su función en la sociedad.
Cualquier cosa que le pase en este periodo va a afectar irremisiblemente, para bien o para mal, su vida
posterior.
El momento de los 4 o 5 años de edad del personaje, es un momento de mucha importancia es su
desarrollo, pues es aprobado por la mayoría de estudios que se han hecho, que una persona en este
momento de su vida, se forma como un individuo independiente y que está listo para entender el
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inicio de una función en la sociedad. Cualquier cosa que le ocurra dentro de este período va a
lastimarlo irremediablemente de manera positiva o negativa de por vida.
La actitud racial, el respeto por las personas, etc. Son valores aprendidos, y si vamos a crear un
personaje basado por ejemplo en características psicopáticas, debemos saber claramente, cuándo y
por qué se aprenden estos valores. Casi siempre, el exceso o la falta de la educación en estos valores
fuerzan a un personaje a comportarse de una manera más o menos apartada del código ético aceptado
por la sociedad.
4.3 Lo espiritual
Vamos a movernos ahora más allá del dominio de la experiencia física de nuestro personaje. Se
puede opinar que esto entra dentro de lo aprendido, pero hay una diferencia y es la capacidad de
cambio espiritual a lo largo de la vida de un personaje es mucho mayor que la capacidad de cambio
intelectual. Y estos cambios pueden afectar otras partes de la personalidad, y viceversa. Un ejemplo
sería: ¿Cómo afectará la creencia en la vida posterior a la muerte de los padres de un niño de 4 años
quienes han muerto en accidente? ¿Cómo afectará a los miembros de una familia atea el hecho de que
uno de sus miembros se haga adepto a una secta?
Si nos acercamos a situaciones que van más allá de meras experiencias físicas, podría mostrar el
resultado de lo que significa basarse en lo aprendido, no obstante hay una buena diferencia entre la
capacidad intelectual y aquella capacidad emocional. Cambiar uno de estos detalles puede afectar a al
individuo. Dichos cambios afectan incluso a las demás partes y se retroalimentan. Ejemplo de esto
sería el determinar ¿cómo será la vida a futuro de un niño que perdió sus padres a temprana edad?
Está en todas partes y es imposible ignorarla, incluso si uno decide aislarse de ella. Existe una
preocupación sobre el progresivo poder que está tomando la sociedad sobre los valores del individuo.
Nuestra única protección es la "invisibilidad social", el anonimato. ¿Está nuestro personaje de
acuerdo con las masas? ¿Querrá arriesgarse a ser reconocido y criticado o perseguido por la sociedad
o quienes la dirigen? ¿Si se quiere arriesgar, de qué modo lo va a hacer? Responder a estas preguntas
va a revelarnos mucho más sobre las aspiraciones, inquietudes o motivaciones de nuestro personaje.
Al encontrarse en todo dodo lugar resulta muy complicado no tomarle en cuenta ni dejar que ejerza
influencia. Existe además una creciente preocupación debido a la influencia que está ejerciendo esta
fuerza en los valores actuales del individuo. Quizás la única protección resulte volverse invisible a la
sociedad y aislarse en el anonimato. ¿Sera importante considerar si nuestro personaje forma parte de
una influencia de masas, si está de acuerdo o no con ellas? ¿Sería nuestro personaje capaz de resistir
59
el ser reconocido, perseguido o criticado ante la sociedad? Resolver estas preguntas nos deja ver
mucho de los ideales.
Tiene que ver con todo aquello que ha hecho el personaje, de forma libre o coaccionada por otros o
por las circunstancias. ¿Hay algo que el personaje ha hecho en el pasado y de lo que se arrepiente? ¿O
hay algo que el personaje hizo en el pasado y que le proporcionó la felicidad o el placer, y que ha
regido su forma de actuar en el presente?
Todo aquello que se hace o se vive constituye una experiencia para el personaje, la experiencia puede
llegar de forma voluntaria, o coaccionada ante las inevitables circunstancias. Se debe analizar todo lo
que constituye lo más importante del pasado, si hay algo de lo que pudiera o no arrepentirse el
personaje, algún recuerdo que pudiera provocar placer o felicidad, todas estas cosas ayudarán a
entender su forma de actuar en el presente.
Todos hemos tomado decisiones en el pasado que nos han hecho arrepentirnos, y buena parte de los
conflictos actuales sobrevienen cuando estas decisiones erróneas vuelven para atormentarnos.
También son estas experiencias las que conforman el carácter de nuestros personajes.
Todos decidimos alguna vez algo de lo cual nos hemos arrepentido, la gran mayoría de veces estos
recuerdos regresan a nuestra mente para atormentarnos, son todas estas experiencias muy valiosas
entonces ya que llegan a formar el carácter del personaje.
Y una vez dicho todo lo anterior, tenemos la materia prima para desarrollar la coherencia de nuestro
personaje a través de sus acciones, esto es lo que más ayudará para que los espectadores de la historia
se identifiquen con él y de esta manera anhelen seguir conociendo la historia y buscando sobre
nuestro personaje. Por supuesto, este estudio de caracteres no debería extenderse a todos los
personajes, sino solo a los más cruciales de la historia que estamos contando.
Entonces al comprender la importancia de la experiencia de vida que posea el personaje en sus
primeros años, tenemos ya detalles muy importantes que servirán como materia prima para modelar
con coherencia a un personaje mediante su manera de actuar. Esto atrapará también al espectador ya
que si se llegará a interesar en la vida de un personaje va a querer seguir aprendiendo de él. Pero sin
duda este buscar de las características de la formación de un personaje, solo se las debe dejar para
aquellos personajes que son los más importantes o cruciales de la historia o del relato.
El caricaturista debe ser un buen guionista da vida a sus personajes porque los conoce demasiado,
crearlos es saberlo todo sobre sus vidas, vivir con ellos todas las experiencias que han llegado a
hacerlos como son en el presente. Y remitirse a esa base cuando hay una escena que les fuerza a
actuar siguiendo su idiosincrasia
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CAPÍTULO DE V
CÓMICS EN LO CONTEMPORÁNEO
5.1 Cómics en lo contemporáneo
Muchos afirman que el cómic en su sentido más puro y fiel a sus orígenes ya está en decadencia,
aunque varios lectores consideren la afirmación como una mera ocurrencia, lo cierto es que hay
quienes están tomando provecho de este dilema para así redefinir una nueva interpretación de lo que
es el cómic actualmente. Hoy en día una de la metas de varios artistas entre los cuales me incluyo, es
adaptar el cómics en un campo más intelectual y artístico en el sentido de que se lo pueda usar por
ejemplo como obra independiente de un folleto para ser trasladado a una pintura o una escultura, pero
no con ello decir que un cómics ilustrado en una revista no sea arte, pero creo que actualmente si ha
trascendido la escena ilustrada en una historieta a una escena ilustrada en medios menos habituales
como pueden ser las paredes de una calle, los costados del metro, el piso de una avenida, hasta
lugares más formales como un museo o una galería.
Sea cual fuere el medio de expresión en el cual se encuentra el cómics actualmente, lo cierto es que
está tomando un revuelo y si no es así, eso es lo que muchos autores pretenden. Uno de los pioneros
en dar un vuelco más intelectual al arte del cómics fue Eddie Campbell nacido en Escocia en 1955,
fue conocido por sus colaboraciones con el guionista Alan Moore, recibió varios premios, pero
sorprende sobre todo por la calidad literaria de sus trabajos, la misma que obliga a revisar prejuicios
entre aquellos lectores que aún consideran el cómic un entretenimiento infantil más deudor de la
cultura del espectáculo que de la alta literatura.
El cómic está entrando ahora en una época parecida a la de Duchamp y Picasso, de Joyce y Proust.
Ahora los dibujantes de cómics tienen la oportunidad de llegar mucho más lejos, trascendiendo los
vendajes y privaciones que antes privaban de difundir libremente cualquier tipo de ideas, hoy es
evidente que hasta eso puede ser burlado, y aunque siempre existirá persecución para que los que no
tengan pelos en la lengua para hablar directamente y con verdad ante varias situaciones sociales, aún
con todas cosas se sigue teniendo ventaja. Se ve por ejemplo como en la actualidad se transmiten
cómics libremente a través de las redes sociales y recursos compartidos que el mundo de las redes y
61
sistemas del permiten hacer libremente, se entiende que no tardará mucho en resurgir una nueva
manera de difundir este maravilloso arte bajo otro criterio tecnológico y contemporáneo.
Hablando de la libertad de expresión se puede rememorar a la obra de Enrique Chagoya que con ese
mismo argumento nombró a una de sus famosas obras en lo que demuestra un conocimiento
profundo e interpretativo del cómics que se veía llegar, la literatura académica no se detiene en
exceso a discutir el término equívoco pero aceptado de la forma consuetudinaria con el que titula su
obra. Según este artista lo que pretendía con esta obra en un sentido resumido fue simplemente crear
un tipo de cómics adulto y moderno que reclama lecturas y actitudes distintas del cómics de consumo
tradicional.
Es evidente entonces que el sentido de cambiar una de las maneras tradicionales de ver el cómic ya
estaba sembrada en el corazón y sentir de muchos artistas y así ha sido en el devenir de estos últimos
años, el tránsito por ejemplo del cómic tradicional a la novela gráfica fue una transición de un
modelo industrial a otro basado en la libertad del creador individual y esto dio como resultado un
cómic underground, de 1968 a 1975, y a lo que entre 1980 y 2000 fue llamado cómic alternativo.
El cómic alternativo coincidió con la pérdida de relevancia normativa y económica de las grandes
editoriales de cómic y sus intentos de incorporar a los autores underground con la finalidad de
revitalizar el negocio, los cambios en la forma de comercialización, entonces bajo este preámbulo
aparece la idea de crear un cómic que aborde historias de largo aliento.
El comic de las nuevas tendencias empata con el rompimiento de la importancia de las normas
tradicionales del comic y de la importancia económica del mismo. Ni los grandes intentos del
revitalizar lo clásico de la caricatura con algunos artistas underground lograron detener las nuevas
tendencias de reproducción del negocio. Hay tres autores que contribuyeron ampliamente en el
desarrollo del cómics a un objeto cultural prestigioso: Art Spiegelman, Robert Crumb y a los
hermanos Gilbert y Jaime Hernández. Spiegelma es el autor de la extraordinaria Maus en 1989 y de
Breakdowns, las cuales contribuyeron con la experimentación de la distribución del cómic en un
espacio y tiempo diferentes al original, recopilaron influencias tan heterogéneas como la revista
MAD y el cine de vanguardia y se distancian de la ortodoxia narrativa de Maus que acercaría a su
autor al gran público.
Y más convencional aún resultó la amplia producción de “Los Bros” Hernández que comprende
obras como La educación de HopeyGlass en 2008 y los tres volúmenes de la serie Las Locas 2006-
2007, de Jaime, y los dos volúmenes de las series Río Veneno (1996y 2000) y Palomar (2005 y
2009), de Gilbert. A pesar de ser hermanos, y aunque sus obras guarden cierta similitud por el uso de
los contrastes acusados en el aspecto gráfico y por la importancia otorgada a las narraciones corales
62
centradas en mujeres en sus argumentos, Gilbert y Jaime son autores profundamente individuales. El
primero de ellos es el creador de Palomar, el pueblo ficticio “al sur de la frontera” en que transcurren
la mayor parte de sus obras, cuya invención ha llevado a que algunos críticos lo relacionen con
Gabriel García Márquez (aunque su forma de narrar, sustentada en un uso magistral de la elipsis,
difiera radicalmente de la del colombiano, basada en la redundancia y en la repetición), al tiempo que
Jaime, que tiene un estilo más urbano y centrado en la vida de las adolescentes en los suburbios. Ha
sido considerado en ocasiones un miembro periférico de la llamada Generación X.
El pionero fue el mentor del Palomar, que resulta en pueblo no existente que se ubica al sur de la
frontera y es el lugar en donde suceden la mayor parte de las ideas de sus obras. Algunos críticos han
legado a comparar a este artista con Gabriel García Márquez, su manera de hacer la narración de la
historia se basa en un uso espectacular de la elipsis. La diferencia con el escritor colombiano radica
en que este mucho más redundante y repetitivo. La manera de escribir de Jaime es de un matiz más
urbano, le gusta centrarse en la vida de los que adolecen en lugares olvidados, muchas veces ha sido
considerado como un gran miembro de la generación X.
La obra de Robert Crumb es, por su parte, deudora de algunas experiencias personales, aun cuando
aparentemente carezca de fondo biográfico: el suicidio de Charles, su hermano mayor y principal
mentor, su amor por los cómics de las décadas de 1940 y 1950, su descubrimiento tardío del sexo y
sus experiencias con las drogas, su fracaso matrimonial, su terror al compromiso y su transformación
en un personaje de sí mismo; también, de una mirada descarnada al fondo patológico de la cultura
popular norteamericana de la segunda mitad del siglo xx.
Al momento de inmortalizar las experiencias personales en un libro, Robert Crumb resulta ser un sutil
intérprete de su propia vida. Ha tenido que enfrentar situaciones muy complicadas como el suicidio
de su hermano de mayor edad que además fue su gran maestro también. Su gran amor por la magia
de los comics de entre los años 1940 y 1950, tuvo también un encuentro tardío con el sexo,
acercamientos con las drogas, el paso por un matrimonio fracasado, miedo al compromiso y
finalmente la aglomeración de este todo en un personaje basado en su propia realidad, la manera de
mirar a una sociedad como el trasfondo de su misma construcción patológica llevado por una cultura
popular de masas de a mediados del siglo XX.
La aparición de contenidos autobiográficos también es parte de una convención de lo que es el cómic
contemporáneo, la emergencia de autores como Daniel Clowes, DaveMcKeany el recientemente
fallecido HarveyPekar, así como la pluralidad, son para Santiago García las señas de identidad del
período que posibilitaría la consolidación de la novela gráfica. En este último período se asignó el
nombre de cómics de vanguardia.
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A diferencia de lo que pudo creerse en otras épocas, leer cómics o novelas gráficas en la actualidad
no supone aparcar el pensamiento crítico, como creía el poeta español Pedro Salinas, quien en 1948
mostró su perplejidad ante la popularidad de las tiras cómicas en la prensa, donde es innecesario, el
pensar, superfluo; y el lenguaje humano, pobre servidor de los dibujos. Algo más de sesenta años
después, un crítico del ChicagoTribunere comendaba una muestra de Chris Ware a los muchos
adultos que han sufrido un retraso en su desarrollo provocado por los cómics.
Se trata de la persistencia de unos prejuicios en torno a un medio artístico que, a diferencia de sus
detractores y de sus juicios, se ha transformado. La novela gráfica es la auténtica literatura de
vanguardia de estos tiempos en los que, a veces, el futuro parece una cosa del pasado.
Diferente a otras épocas, actualmente el que una persona lea comics o las historietas, no es para
suponer necesariamente el pensamiento crítico, alguna vez esto fue considerado por el poeta y crítico
español Pedro Salinas que alguna vez mostró su perplejo pensamiento sobre lo que son las tiras
cómicas en las prensa, en donde mostraba que el pensamiento humanos se muestra como un simple
servidor innecesario y superfluo.
Otro famoso crítico de Chicago Tribune sugería que se mire la obra de Chris Ware al inmensurable
número de adultos que han sufrido de un retroceso en su personalidad debido a los comics. La
insistencia de tantos juicio alrededor de los medios artísticos no ha sido limitante para que
actualmente se considere a la novela de gráficas como una original literatura vanguardista de los
últimos tiempos y que el futuro parezca una cosa pasada.
El cómics también ha tomado fuerza en un íntimo vínculo que nació entre la ficción y la realidad,
muchos de nosotros recordamos escenas de hermosos robots dotados de vida propia y humanos
sentimientos como Maginzer o los Alcones galácticos, no es de extrañarse entonces que cuando haya
una propuesta tecnológica de nuevos alcances en la ingeniería mecánica, se puedan ver en los museos
robots junto a gráficas de los más famosos comics y a su vez como se retroalimentan entre ellos.
Fue así que en Barcelona se llevó a cabo una convención importantísima de la cual fueron solo un
selecto grupo los afortunados, esto fue lo que ocurrió en el “Salón 30 del cómics en Barcelona” que
tuvo como invitado a China, fue por esta razón que se entremezclaron estos dos ámbitos.
El salón se inundó de todo tipo de robots, habían no sólo viñetas, sino también chips y robots reales
de metal. Los robots fueron invitados precisamente porque ellos tuvieron su primera inspiración a
partir de historietas famosas, su historia en el cine y en las viñetas de los cómics, desde los autómatas
a Terminator, desde Frankenstein a Maginzer Z, desde los robots de Metrópolis a los de La guerra de
las galaxias o los de la reciente Eva de Kike Maíllo, fueron sin duda los grandes protagonistas de este
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Saló. Pero China, país invitado, hizo un pequeño desembarco, con incluidos autores como Benjamín.
Y, para como para festejar la trigésima edición del certamen, hubo numerosas exposiciones, desde
una dedicada al recientemente desaparecido Moebius a otras dos que celebran respectivamente los 50
años del arácnido favorito de los tebeos, Spiderman, y de la revista Cavall Forte. Esto no es sino otra
más de las muestras de como el arte del cómic sigue trascendiendo y reinterpretándose día a día, pero
cabe destacar la labor de los artistas españoles en eventos ya desde hace muchos años como el
mencionado.
Spiderman, y de la revista Cavall Forte. Esto no es sino otra más de las muestras de como el arte del
cómic sigue trascendiendo y reinterpretándose día a día, pero cabe destacar la labor de los artistas
españoles en eventos ya desde hace muchos años como el mencionado. Con el paso de los años es de
sorprenderse al observar como cada cosa que veíamos en algún momento como parte de una fantasía
originada en un dibujo, de pronto comenzaba a tomar forma, fue así con los celulares, con los viajes
espaciales, con la clonación, hasta con pronósticos negativos como el calentamiento global o las
guerras que se escuchaban hablar y que hoy parecen tan próximas como la tercera guerra mundial
cuyo punto detonante parece estar cerca de medio Oriente entre países como Irán, Iraq e Israel, no
cabe duda que alguna vez hemos visto escenas de este tipo en tirajes como los de Marvel Comics.
Todo esto lo estamos en tiempo real en sonido e imágenes y ahora hasta con formas tridimensionales
como los mencionados robots.
Todo esto puede llegar a nacer primero en la mente de algún artista que mira más allá de lo visible, y
cada vez se vuelve más real.
Regresando al tema de lo concebido en esta exposición declaraba un ingeniero industrial que es el
creador de la muestra Robots en su tinta y que ha logrado programar una larga lista de actividades,
que él cree que a través del arte, de los tebeos, y de las películas, se puede divulgar mejor la ciencia y
la tecnología para hacer más interesante la formación académica e incluso despertar vocaciones
científicas.
En cuanto a lo planteado en esta exposición comentaba un ingeniero industrial que fue la mente de
una fantástica muestra de Robots a tinta y el mismo que fue capaz de encarnar una grandiosa lista de
actividades. Declara que a través del arte de los tebeos y los films se puede difundir de mejor manera
los misterios de la ciencia y la tecnología para que de esta manera se fomente un interés más grande
por la misma e incluso despertar una formación académica que lleve a los nuevos mentores a una
vocación científica.
De la ficción a la realidad, comienza por los autómatas de siglos pasados y que recuerda la obra de
Mary Shelley Frankenstein, "la primera novela de ciencia-ficción donde se da la creación de un ser
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vivo autónomo, donde el científico tiene la osadía de convertirse en Dios y crear vida, y luego esa
criatura se rebela contra él". Una rebelión que se repetiría a partir de entonces y para la que Asimov,
recuerda, crearía las tres leyes de la robótica en 1942, la primera de las cuáles establece que "un robot
no puede hacer daño a un ser humano o permitir que un ser humano sufra daño". Increíble verdad,
pero así es, el mundo de la ficción nunca estuvo tan lejos del mundo real, por eso llegó a formar parte
de este segundo.
De lo ficticio a lo real y recordando a los interesantes siglos pasados al recordar la obra de Mary
Shelley en lo que fue Frankenstein que por cierto fue la primera novela de ciencia ficción en donde se
ogra llevar a la vida a un ser autónomo que primero fue inerte convirtiendo al científico en un osado
Dios que crea vida para luego ver como esta su creación se rebela contra él. Esta idea luego se
repartió en obras similares durante muchos años. Es por eso que una de las leyes de la robótica
dictamina que un robot no debe tornarse nunca en contra de un ser humano o permitir que un humano
sufra daño. De esta manera y por increíble que parezca se puede afirmar que la ficción nunca está tan
alejada de la ciencia real.
El cómic clásico y las películas, con especial atención a La guerra de las galaxias con la colaboración
de la asociación StarWars Barcelona, organiza diversas actividades y una sección especial dentro de
macro muestras Robóticas, en su tinta titulada Droides de las galaxias, hicieron todo un homenaje a
los robots que salen en la saga y que incluye un modelo R2-D2 que estuvo activo durante el Saló de
Barcelona.
Muchos afirman que habrá un reencuentro entre la trilogía fílmica clásica: Julian Glover y Paul Blake
y parte de nuestro mundo también. Quizás algún día exista un espacio para los robots en el manga y
el anime, desde Doraemona Astroboy o Mazinger Z, que serían protagonistas muy aceptables si se les
pudiera dar forma robótica real en lo que también es un proyecto no muy lejano, con esto me refiero a
los sirvientes o ayudantes robóticos. El autor japonés GôNagai ha pensado alguna vez en escenas
como estas, quizá esa sea la razón por la cual nunca cesa en su labor.
Pero de ahí, recuerda Ojeda, de la ficción, pasarán a la realidad de los robots en salones como estos,
quizás no muy lejos de hoy, luego estaremos acercándonos a Salones de cómics como estos pero con
la finalidad de comprar nuestro robot y quizás por ahí también exista alguno que sepa dibujar muy
bien y nos ayude a realizar nuestra obra artística.
También ya existen concursos internacionales de robots que organiza la asociación de estudiantes
AESS de la UPC, habrá presentaciones sobre el futuro de la robótica asistencial o la quirúrgica, habrá
robots de servicio como el REEM, con el que se podrá interaccionar y solicitarle cosas, se mostrarán
prototipos del Instituto de Robótica e Informática Industrial de la UPC como la pareja formada por
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Tibi y Dabo, con sensores adecuados para guiarse por la ciudad y funciones de guía, transporte,
asistencia y vigilancia...
Un cúmulo de información y entretenimiento alrededor de un mundo que, dice Ojeda, causa muchas
sensaciones contradictorias: fascinación y a la vez extrañeza, familiaridad y misterio, ternura y terror,
"porque no sabes cómo se comportará". Unas sensaciones que, dice, ya explicó bien Freud en su
definición de lo siniestro y a las que luego los autores de ficción "han dado más intensidad".
Intensidad y, también, el signo de los tiempos: en los actuales, en los que la tecnología avanza tan
velozmente, y en los que "podremos ver cambios en poco tiempo, que tendrán implicaciones
socioeconómicas y para la calidad de vida", se pone el acento desde la ficción especialmente en "la
robótica social", como en Inteligencia artificial o en Eva, subraya.
El comic puede llegar a ser una manera entretenida de información y entretenimiento mediante el cual
se descubre un mundo de sensaciones nuevas muy interesantes y muchas veces contradictorias. Es
una mezcla de pasión y a la vez una sensación extraña, entre lo familiar y misterioso, lo tierno y lo
terrorífico. No se sabe cuál será el comportamiento ni el nivel nuevo de contraste. Es una manera
intensa de mostrar la creatividad y el ingenio humano sumado a su avance tecnológico voraz. Puede
también llegar a mostrar cambios en poco tiempo que llevarán a implicaciones socioeconómicas y de
alta calidad para la vida. La ficción pone un especial énfasis en la robótica, como una inteligencia
artificial.
Los robots formarán parte también de las actividades paralelas del certamen: habrá un cosplay de
robots, esto es, los participantes se deberán hacer un disfraz de robot y mostrar su arte cibernético en
el escenario. También habrá cosplay de superhéroes y no faltará siquiera una tanda de conciertos:
actuarán Avalanch, Lax'n Busto, Los Coronas o Terapia de shock. También habrá talleres de cómic a
cargo de la Escuela de Cómic Joso, que además tendrá una de las muchas muestras del Saló.
Actualmente los robots son parte fundamental en los eventos y certámenes cosplay, se trata de
divertidos momentos en que los participantes crean disfraces de sus personajes favoritos para lo luego
realizar el montaje en el escenario. En estos eventos es importante también invitar a músicos afines al
mismo y aprovechando la oportunidad también se imparten clases y cursos a cargo de alguna escuela
del comic.
Empresarios del mundo del cómic esperan poder exportar la producción autóctona a muchos lugares
que se han mostrado receptivo con el cómic occidental- y, por supuesto, artistas: desde el creador y
teórico Chen Weidong hasta Zhang Bin -que trabaja bajo el nombre de Benjamín y que ha publicado
en España obras como Oneday, Remember y Orange, las tres en Glénat, o Skydollla chrima Christi,
en Norma editorial-, pasando por la guionista e ilustradora Lotulist o Andy Cheng.
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El Cómic en nuestra sociedad es y será siempre parte de nosotros, ya hemos visto como su influencia
abarca diferentes campos y espacios. No solo es capaz de causar sentimientos tales como alegrías y
tristezas, sino también de cambiar nuestra forma de pensar.
Aun cuando es un medio de comunicación poco recurrido para tales usos, tiene un gran potencial en
el público en general, puede decirse que captura primordialmente a un campo adolescente e infantil,
pero no por ello los adultos quedan excluidos.
Solo es cuestión de tiempo para que la creatividad que produce unos cómics pueda influir de alguna
manera en el pensamiento directo de las personas.
Una de sus características más importantes y de las que nadie quisiera que cambien, es la capacidad a
nivel social que posee de "llegarle" al lector, haciendo que este se identifique con el mismo y se
interese más en él. Es tanto así, que por el simple hecho de ver una imagen en una viñeta puede
identificar e incluso predecir los acontecimientos de la historia. Pueden ser capaces de crear
emociones en el lector, angustia, intriga, miedo etc. De crear una especie de unión entre el lector y el
protagonista de la historia. Mucha gente imagina de igual manera casi adivinando que muchas de las
que hoy pueden ser fantasías en la mente de un artista se materialicen en algún objeto o hasta alguna
convicción científica.
No obstante, por esas mismas características es que el cómics tiene tanta influencia en el día a día de
nuestra sociedad, sin embargo quiero aclarar que no todo lo que brilla es oro, también hay quienes
valiéndose de este recurso lo utilizan de manera incorrecta y para ser más preciso como una "Mala
influencia" para los niños y jóvenes, aunque también pudiera tener que ver con otros factores como la
interpretación que le pueda dar el lector, etc. En fin la responsabilidad de seguirle dando vida está en
la mano de los artistas y si algún día un artista a mirar el arte suyo con criterio, es aconsejable que
nunca deje que se apague su sueño y materialice sus proyectos.
La responsabilidad que tienen las instituciones de poder, tendrá que cambiar algún día la manera de
educar acerca del arte, eso si en verdad quiere ver algún día un crecimiento intelectual y una cultura
más avanzada, educar a los niños desde temprano desarrollando su mente y sus ideas es fundamental
con el arte, tiene que ser fundamental, no en vano los griegos sabían que para que una persona se
considere como parte de un grupo de gente sabia este también tenía que desarrollar las habilidades
necesarias que le permitan ser un gran científico, artista y deportista. Es de vital importancia luchar
porque cambie la forma en que se aprecia el arte en los países con bajo nivel de aprecio cultural.
Finalmente me despido agradeciendo a todos aquellos que me brindaron su tiempo en compartir el
conocimiento del arte, y también a aquellos que casi logran apagar el fuego y la pasión de hacerlo
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realidad, a esas personas que solo les interesa sumar un sueldo y no aman realmente enseñar les digo
gracias porque aún eso nos hace fuertes.
5.2 El mercado perdido del cómic y la caricatura
Es notable la trascendencia que hoy en día tiene el arte del cómics en cualquier sociedad, es difícil
imaginar un periódico que no tenga imágenes que hagan resaltar el mensaje de una noticia, es difícil
imaginar acerca de un tema de carácter político o social sin hacer mención a una caricatura. Al
parecer se trata de mucho más que una mera síntesis decorativa que brinde de cierta comodidad visual
al espectador, el poder que tiene un dibujo trasciende el habla, no es mentira cuando alguien dice que
una imagen vale más que mil palabras.
El caricaturista tiene la obligación de conmover con sus imágenes, su propuesta tiene que estar dotada
de vida propia. El arte de la caricatura está ligado casi de forma mágica a una curiosidad inevitable
que produce en el espectador que no pueda evitar mirarlo, es como si ambos estuvieran conectados,
sinceramente no existe una sola persona que pueda pasar por alto el quedarse aunque sea un pequeño
instante clavado en una de estas imágenes.
La capacidad natural de poseer importancia que tiene la caricatura es una herramienta poderosa de la
que puede tomar ventaja quien se dedica a fabricar mensajes, por así decirlo, el mercado del cómics
es sin duda una fuente poderosa de capturar atención, es por ello que mucha gente que se dedica a la
publicidad se vale de este recurso en estrategias de mercado, si un producto nuevo del cual se espera
que tenga buena competencia a nivel de mercado está acompañado de una imagen agradable que lo
identifique adecuadamente, es más probable que pueda venderse.
El trabajo del caricaturista quizás no sea el más reconocido o mejor pagado de todos, sin embargo es
poco común y no cualquiera lo puede hacer, entonces es de entender porque en las universidades se
ven con poca demanda los pasillos de quienes han elegido estudiar esta carrera, mientras que de
aquellas que tienen un nivel de ingresos más altos las universidades se encuentran repletas de
estudiantes.
Es a la hora de buscar trabajo sin embargo cuando se reflejan mejor estas condiciones,
económicamente hablando, puesto que mientras una profesión con mayor demanda ofrece difíciles
posibilidades de conseguir trabajo, aquellas como el arte al no tener mucha demanda de estudiantes
lanza al mercado menos profesionales y muchos de ellos no tienen el propósito de generar ingresos
dedicándose solamente a esta actividad, entonces el trabajo del caricaturista no se vuelve copado y es
de esperar que se presenten muchas alternativas donde pueda aplicar su conocimiento y en general
cualquier artista plástico. No con esto pueda entenderse mal dicha situación y entender como
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consecuencia que el trabajo del artista sea fácil y que sobreabunden ofertas de trabajo, pero lo que sí
es claro es que existe un buen campo laboral para aplicar dichos conocimientos.
En este tiempo a aquellos que les alienta el ímpetu de lograr su sueño en cuanto al arte no se les debe
engañar diciendo que sería la profesión mejor remunerada del mundo, pero sí se debería indagar en
todas las opciones que pueden lograrse a través de esto, de las posibilidades de trabajo, de desarrollo
personal, etc. No obstante al artista le depara una preparación mucho más amplia que solamente
estudiar arte si realmente desea conseguir una estabilidad financiera y mejores resultados, el
complementarse con otras alternativas a fines a su labor será indispensable
No se puede engañar a las personas diciéndoles o haciéndoles creer que el arte es una profesión de las
mejores remuneradas del mundo, sin embargo sería importante el que se les diera a conocer todas las
alternativas que tienen a su disposición para aplicar este don que poseen, aquellas posibilidades que
desde el trabajo pueden pasar a ser parte de un desarrollo personal también. No es de sorprenderse
entonces que para que un artista le vaya bien, no es simplemente de arte todo lo que debe saber, sino
que también debe conocer cosas más amplias y afines a su profesión para que de verdad tenga
muchas alternativas y herramientas de trabajo en la sociedad.
Actualmente en los tiempos que vivimos, tiempos cada vez más competitivos en donde son cientos de
miles de nuevos profesionales que son lanzados cada año a competir en el mercado y así como puede
existir un buen campo laboral del arte, es de mencionar que también se necesita un arte de excelencia
y es entonces donde será necesario, talento, buena factura, calidad intelectual, entre otras cosas que
hacen que una obra trascienda.
Todo artista debe explorar que mercado o nicho del arte tiene una puerta de acceso, en términos
económicos esto es lo que los economistas hablan cuando se refieren a un mercado que no sea
perfectamente competitivo, ya que el término perfectamente competitivo indica mercados en los que
un producto es demasiado parecido y por ende su precio es casi el mismo y no varía, como ejemplo
de esto podemos citar al arte decorativo que es un arte que está al acceso de casi cualquier persona y
que se lo puede conseguir fácilmente.
Aquel mercado que no es perfectamente competitivo es aquel que se diferencia por tener algo que los
demás no tiene, puede ser aquel que marca una nueva e interesante tendencia, que se diferencia por
tener algo más de factura o cualquier cosa novedosa, este es el tipo de arte que marca la diferencia y
que crea una demanda especial, a esos mercados debe apuntar el artista o mejor aún debe tratar de
crearlos.
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Actualmente en ecuador se están generando movimientos urbanos que buscan desarrollar las nuevas
tendencias artísticas propuestas en la calle, hacia un espacio más representativo y que valora más su
propuesta, es entonces que se está creando una manera más amplia de ver esto que antes era
observado por muchos como un arte vandálico o de gente sin oficio, me refiero al mercado del grafiti,
hoy en día es cada vez más solicitado en espacios de mucha circulación de personas, en lugares y
zonas que presentan a este arte como una galería popular que se encuentra ya no en un cuaderno o
una tímida pared, sino en lugares no convencionales, sin duda este arte actualmente se está
adentrando a profundidad en nuestro país a tal punto que el trabajo de estos grupos cada vez es más
solicitado y más aceptado, sin duda es esto una muestra del trabajo por hacer que las cosas
trasciendan del común denominador y se transformen en algo divertido, lúdico e intelectual.
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CAPÍTULO VI
EXPRESANDO A TRAVÉS DEL COMIC
5.1 Expresando a través del cómic
Aunque casi no generen conflicto en cuanto a cómo se comprendan estos conceptos es importante
hacer mención a una notoria relación que los vincula en un sentido inherente a la realidad diferente
que podría decirse que poseen, el cómics sin duda puede entenderse en un conocimiento general
como aquello que conlleva al mundo de las historietas, la fantasía, la narración gráfica, entre otras. El
grafiti por otra parte y en el mismo sentido popular o mejor dicho general puede entenderse como el
acto de pintar con aerosol en paredes y lugares no convencionales
Casi no genera ningún conflicto el entender cómo se comprenden los conceptos de evolución del
grafiti pues es parte de un momento contemporáneo y con muchas evidencias y registros, la relación
que los vincula no está desapegada a la realidad de la sociedad y los tiempos actuales, poseen una
gran carga de la realidad del momento y a su vez es tan solo un momento el que perduran.
Al comic se lo puede comprender como aquello que nos lleva en un viaje al maravilloso mundo de las
historias fantásticas. La narrativa gráfica es el material primordial sin duda alguna. Mientras tanto que
el grafiti es casi lo mismo anterior solamente que aplicado a superficies no convencionales, sobre
todo a manera de mural con aerosol.
Desde un punto de vista más objetivo estas dos ideas no deben estar separadas ya que ambas son
complemento entre ellas, ejemplo de esto es que para que un grafiti robe atención tiene que poseer
una cierta característica de humos, y para que trascienda masivamente tiene que ser pública y abierto
al cambio.
El lenguaje característico del gasfitero es el de pintar textos sobre alguna idea en particular la cual
pretenda elevar a una idea hasta el punto de que se convierta en un mensaje que comunique, denuncie
o inspire, moralmente hablando, porque también hay de aquellos de carácter obsceno y grotesco que
son marginados, pero que no obstante no dejan de menos importantes, puesto que también comunican
acerca del nivel cultural de una sociedad. El fin de expresarse de esta manera es divulgar ideas como
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objetivo primordial, buscando ser atractivo y con un alto impacto visual, es parte del movimiento
revolucionario y rebelde de la calle, es indispensablemente urbano, es por eso que un mensaje de
convenio político no se acepta como grafiti, puesto que este debe ser libre y estar desligado de todo
afín comprado por alguien.
La manera de realizarlo es rápida y espontánea, se busca siempre espacios públicos aunque también
pueden presentarse otros más personales, también pueden tener una identificación anónima.
El aerosol es parte y ha sido considerado como parte del mundo de la cultura del hip-hop, que
muestra una identificación hacia este arte debido a la libertad y al mensaje social directo que se
pretende dar. El término grafiti es italiano, es el plural de grafito que significa marca o inscripción
que se ha hecho rayando un muro, los arqueólogos usan también este término cuando hacen mención
a las caligrafías, símbolos y dibujos dejados por las culturas antiguas en los muros.
Rafael Garucci fue el arqueólogo que es responsable de haber hecho famoso y popular a éste término,
así puede entender indirectamente como el neologismo de una palabra nace por necesidad, moda, o
por nuevas denominaciones. En el caso del grafiti inicio su popularidad terminológica en el inglés
coloquial para luego usarse en el castellano y otros idiomas.
Cuando el término se popularizo al castellano curiosamente se mantuvo intacto, empleando así su
origen y forma natal, esta palabra es común de escuchar en las personas de habla española, es una
palabra muy usada, es cotidiana. Los gaiteros además de los editorialistas o medios de comunicación
utilizan y aceptan el término inicial.
Los romanos tenían por costumbre usar esta manera de comunicarse haciendo una escritura ocasional
sobre alguna idea en muros o columnas, esgrafiaban y pintaban de manera muy natural varias
inscripciones. Las declaraciones de amor eran las que cobraban un tinte más común y aceptado,
tenían un amplio repertorio de caricaturas y dibujos. Los lugares que han sido protegidos por estar en
un lugar fresco como cuevas o santuarios muestran ejemplos realizados por marineros y piratas que
después de largos viajes plasmaban relatos y aventuras interesantes, veces solo dejaban sus iniciales o
seudónimos marcados sobre piedra usando nada más y nada menos que corchos quemados.
El grafiti contemporáneo surge casi como un impulso alocado por llamar la intención, ha sido
realizado por gente normal con ganas de gritar algo al mundo y por locos en busca de explicar su
demencia, hasta Jack el destripador dejó su huella en una pared antes de huir por el asesinato de su
víctima, escribió en 1888 en una pared de la calle Goulston que no solamente los judíos serían
culpados sin motivo. Mostraba así su demencia en lo que era uno de los primeros grafitis de la época
aunque muy macabro como para valerse de ejemplo.
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Actualmente el grafiti puede considerarse como un exagerado intento por llamar la atención, es
realizado por gente normal con ganas de llamar la atención del mundo, es la manera en la que el
común de las personas podrían considerar a unos cuantos locos que buscan llamar la atención a como
dé lugar. Es así como a manera de broma sarcástica dicen que hasta Jack el destripador dejó su huella
para inmortalizar su macabro pensamiento. Fue uno de los primeros grafitis del año 1988 y sirve
como ejemplo macabro.
6.2 Proceso histórico y evolutivo del grafiti
Cerca de los años 1967, los edificios de las ciudades ya se encontraban saturados de nombres sobre
los edificios, los gasfiteros creaban lemas que reflejaban el cambio social de toda una época en la
ciudad de New York. Así muchos símbolos aparecieron para volverse inmortales y dejar su legado, se
atacó desde un inicio también a la labor no admirada de la militancia.
Al inicio los artistas asignaban a sus trabajos descripciones que eran imitadas por doquier, una de
estas características era la de asignar la numeración de la calle en la que vivían los artistas. La
mayoría eran gasfiteros de Manhattan. Cerca de 1971 se conoció a este momento como una era
pionera del grafiti que tuvo varios saltos conocidos de popularidad., para 1976 ya se veían vagones
enteros de los trenes con características de grafiti tipo cómics, nombres en grafiti como Roger, Chino,
Dime, Tage, Flame se hicieron famosos por pintar el primer tren en grafiti para el bicentenario,
contaban aquí sus historias sobre miedo y amor por lo que les costó crear su movimiento, a estos
carros pintados les bautizaron con el nombre de “Wole Cars”, poco a poco esto se convirtió en algo
grande que día a día ganaba más adeptos, hasta el punto que la policía los buscaba para detenerlos,
se retribuía la responsabilidad como un daño a la propiedad, se denominó a los gasfiteros como buffs
que quiere decir entusiastas y se tomaron medidas como instalar vallas más sofisticadas en las
cocheras de los vagones del metro.
Los artistas al ser parte de esta persecución se fueron a Europa en donde difundieron este arte y esta
subcultura en el viejo continente, pero al poco tiempo de sucedido también surgió una droga letal
llamada “crack!, la cual gente asoció con el fenómeno grafiti haciendo que se prohíba la venta de
pintura a jóvenes en las ciudades y penando a aquellos que infrinjan esta disposición, pero no tardó
poco en generar a aún más rebeldía y violencia en aquellos que hacían y se dedicaban a este arte.|
Los medios de comunicación y las familias se volvieron en contra de los gasfiteros, promovían
campañas anti grafiti intentaban crear conciencia acerca del supuesto mal que el grafiti creaba en la
sociedad, pero los gasfiteros solo aumentaban y se volvían más territorialitas.
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Con el aparecimiento de algunos videojuegos como el Jet Grind Radio que cuenta la historia de la
opresión de una policía que tiene como objetivo limitar la expresión de los gasfiteros este arte
empieza a tener nuevamente simpatía.
El graffiti se forma gracias al contenido de la opinión social llegando así a formar una comunicación
visual. Existen tres géneros bien marcados acerca de lo que significa este arte.
Los “Lemas” era también otro del grafiti también conocido en el medio popular como grafiti público,
estos partían de la opinión personal a través de la idea de tratar temas políticos, ambientales,
feministas, de relaciones internacionales, de amor y en fin sociales. Todos comparten en común que
quieren compartir con la audiencia su forma de ver las cosas.
Otro tema fue la “La trinia” también conocido como grafiti privado, que se trata del grafiti que se
encontraba en los baños, es decir en las paredes y puertas espejos que se encuentran en los baños.
Hay ocasiones en las que los contenidos son dibujos, palabras o incluso poesía y reflexiones
personales.
Existe otra y muy importante conocida como “Tagging”, que es como una etiqueta o acrónimos de un
grupo de personas, se suelen utilizar abreviaturas o simplemente siglas pero realmente comprende
más que firmas, es expresar un estilo propio por medio de un alias, esto se debió a que en muchas
partes del mundo este arte era ilegal y entonces de alguna manera debían mantener este es por eso que
usaban los pseudónimo para no ser reclamados o arrestados. Mediante el tag se identifica el gasfitero
porque esto le da un sentido de estilo propio, además de la seguridad mencionada. Los gasfiteros se
dan cuenta fácilmente cuando una persona lleva mucho tiempo practicando este arte, una de las
formas de darse cuenta es por la falta de pericia de los aerosoles y pon no existir un estilo propio.
A principios de 1971 el Tagging empezó a entrar en los trenes del metro de New York, al inicio solo
eran realizadas con marcador, luego se desarrolló y los gasfiteros hacían logos a partir de sus letras,
Joe 136 se convirtió posteriormente en el rey de la línea. Lee 163 fue el primero en firmar cada
vagón de la línea de Bronx, resulta irónico el nombre del primer grupo de gasfiteros tagg el cal era
“Los ex vándalos”, resulta irónico pues justamente eso era lo que le que consideraban a una persona
que raye la pared.
El estilo propio del gasfitero dependía de cualquier detalle que le dé un sello de autenticidad y de
identificación al trabajo, como ejemplo en 1972 el primero en usar nubes alrededor de una firma fue
Superkool 223 quien tomó este diseño de la burbuja de los bocadillos del cómics, mostrando así la
relación que estos dos tipos de arte tenían. Desarrollaban también estilos de caligrafía entre los cuales
uno de los más famoso fue el estilos de Broadway, algunos gasfiteros contribuyen el hecho de
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contornear las letras a dos mujeres grafiteras como Bárbara 62 y Glozzy 62, fueron de las grafiteras
más importantes del momento.
El estilo de Broadway se complementó con una técnica en la que se usaban boquillas industriales para
crear líneas más grandes, después de esto surge un estilo de las BubbleLetters que significa letras
pompa, de aquí en adelante las letras seguían adquiriendo aún más estilo y seguían surgiendo nuevas
maneras de representarlas.
En la década de los 70, el futuro era el arte en el subterráneo era la nueva esperanza para poner a
circular nuevas flotas de trenes pintados de color plata y una franja azul, el grafiti seguía dando
nuevos pasos y a su vez surgían nuevas innovaciones en este arte. Poco a poco fue apareciendo el
estilo de las letras en 3D, y se atribuye el primer trabajo al gasfitero Pistol 1 y Flink 707. Algunos
círculos de grafiti comenzaban a ser vistos como arte.
El estilo “Trow ups” se desarrolló en 1975 estaba relacionado al concepto de velocidad, mientras más
rápido pintabas eras el mejor de todos
Y probablemente aquel que pueda hacerlo sería considerado como el “All City King” el rey de toda
la ciudad, la mayor parte del tiempo eran muchos los que disputaban por este título. Entre los
requisitos para obtener este distintivo se necesitaba que por donde quiera que uno se encuentre pueda
verse el nombre de los gasfiteros, debía entonces saturar las calles y los trenes, pintar los vagones y
bombardearlos enteros desde la ventana hasta abajo. Después de esto el arte del grafiti pasó a ser
enorme en Brooklyn siendo los trowups el arma preferida de estos grupos. Brooklyn también se
desarrolló en el estilo de las letras duras y doradas hechas populares por Uncle John 178.
Aquel que pueda llegar a cualquier lugar con sus grafitis sin duda será considerado como el rey del
grafiti en esa ciudad, este título es muy peleado ya que son muchos gaiteros los que lo disputan. El
requisito es que por donde quiera que cualquier persona vaya, sea casi seguro que se encontrará con
uno de sus grafitis y que se pueda ver el nombre del gasfitero. En Brooklyn era de lo mejor pintar en
los vagones de los trenes ya que estos podían ser vistos por todas partes y mucha gente. El grafiti
llegó a ser extremadamente difundido y de excelente factura en las letras.
Tracy 168 llegó a convertirse en el rey absoluto del grafiti alcanzando 10000 obras, consiguiendo lo
que quería, eran diez mil obras que no eran bonitas pero que a decir verdad estaban en todas partes.
El personaje más conocido y nombrado como el rey absoluto del grafiti fue Tracy 168 quien se
impuso un reto de alcanzar 10000 obras y que aunque no eran de lo más bonitas, lo que más
importaba es que estaban en todas partes.
76
Durante 1982 y 1983 el arte del grafiti se unificó en un estilo similar en casi toda Europa y Estado
Unidos, los años 90 en España están profundamente marcados por la aparición de una marca de
sprays de pintura especializados para grafiti, se trataba de la marca Montana, permitiendo tener al
alcance de los gasfiteros una pintura de calidad y de precio asequible, anteriormente toda la pintura
era sustraída en grandes superficies o ferreterías, se publicaron revistas y videos sobre el tema del
grafiti se financiaron concursos exhibiciones o festivales de grafiti dentro de sus actividades
culturales.
Existieron plataformas de arte urbano a partir de entonces que se celebraban cada año, en cada una de
ellas se impartían nuevas posibilidades y descubrimientos acerca de este maravilloso arte en
crecimiento, participaban artistas nacionales e internacionales del mayor nivel.
Se publicaron varias películas que mostraban a artistas españoles trabajando en este arte en vivo,
durante el año 2000 se dieron interesantes producciones como Cebovideo 2 o Barcelona bajo tierra,
estás fueron rápidamente difundidas gracias a que tenían un cierto grado de énfasis en el vandalismo.
Después de todo esto el Portaerosol o Arte urbano adoptaron técnicas dotadas de gran complejidad,
aunque a decir verdad esto ya se veía desarrollándose desde finales de los años ochenta, y desde los
años noventa tomaba mucha más complejidad con interesantes métodos como el de la aplicación de
aerosol con plantillas, y el pegado de carteles y pegatinas. De esta manera el artista podía hacer su
arte desde la casa o en el taller, luego en la calle, de esta manera el trabajo se hacía más rápido
reduciendo el tiempo que el artista estaba antes expuesto a ser detectado.
Este arte urbano es mucho más complejo de lo que parece y adopta técnicas que están cargadas de
una gran complejidad. Esto empezó a desarrollarse ya desde el final de los años ochenta. A partir de
los años noventa todo fue mucho más complejo y adoptó métodos muy novedosos como el del
aerosol con plantillas y las imágenes hechas en pegatinas y en carteles. Fue de esta manera que el
artista podía realizar su arte de una manera más rápida y evitar así los peligro de infringir espacios.
También podía trabajar desde su hogar y su taller, para después llevar su trabajo a las calles.
Existen grafitis que no han perdido su conexión tradicional a otros tipos de arte como el de la cultura
hip hop, y que se han mantenido hoy y han seguido evolucionando con mucha independencia, a veces
estos son influidos por el post grafiti urbano.
Existen formas de grafiti que no pierden su forma tradicional y conexión con otros elementos de la
cultura hip hop que se han mantenido hoy y que siguen evolucionando con mucha
Otras formas de expresión se han plasmado en elementos orgánicos como lo son las cortezas de los
árboles, al punto que hoy en día esto es considerado como una de las extensiones técnicas de este arte,
77
frecuentemente cuando se ve una inscripción en una corteza de árbol esta se halla relacionada a
declaraciones de enamorados, ideologías, aunque pueden transmitir muchos otros mensajes. Es una
práctica arriesgada para el árbol ya que la incisión profunda, o un anillo que abarque case todo el
ancho del tronco puede dañarlo e incluso acabar provocándole la muerte.
El artista holandés autodenominado “Influenza” fue uno de los mejores artistas en el género de arte
urbano, este desarrolló en 2003 una serie de técnicas aplicadas a las cortezas de los árboles situados
en lugares públicos, este artista recogió posteriormente una serie de fotos de estas acciones en un
pequeño libro auto publicado que llevaba como título “Treeffiti”, desde entonces este término a sido
conocido por todos los que practican este arte cuando hacen mención a este tipo de intervención y
normalmente esto trasciende de la típica inscripción de enamorados que se practica en los árboles,
más bien esto está ligado al espíritu del street art, aunque debe mencionarse que esta técnica es una de
las menos usadas.
El grafiti no se queda simplemente en una mera experiencia visual sino que es una experiencia
temporal y espacial ya que existe un número de condiciones tales como la localización, la influencia
social, el momento, el acontecimiento político y cultural o personal, si cumple todos estos requisitos
sería considerado plenamente como fiel al espíritu del grafiti. De esta manera podría estar clara la
intencionalidad de lo que se pretende transmitir al espectador. Este conjunto de requisitos no se
observan explícitamente y es más, la gente ni siquiera lo conoce o piensa siquiera en ello, pero
siempre están escondidas detrás de lo que pudiera llamarse un grafiti de buena calidad.
El grafiti social se extiende en el análisis del léxico visual al que hace mención, pero como todo arte
no está ligado únicamente a estos aspectos, puede llegar a presentarse como palabras, letras o dibujos,
el espectador no ve únicamente estos aspectos.
Bajtín fue el autor de un nuevo concepto clave en este arte casi sin tener la intención de alcanzar
dicho objetivo. Él fue el encargado de ayudar en la conceptualización del grafiti desde la psicología
de la comunicación. Le dio el nombre de “Ultrance” que español se entiende como declaración o
expresión, hace mención a lo que pretende decirse, es el lenguaje de unidad del discurso y que en
relación directa al grafiti, es aquello que se escribe o que se dibuja, también se relaciona con el
término “heteroglosia” que hace referencia a que contextualmente sea dependiente. Las palabras,
cada una de ellas escrita o hablada están influenciadas por varias condiciones históricas, políticas,
psicológicas, etc. Esto le dará un carácter enriquecido con una crítica intelectual que a su vez difiere
del significado que podría tomar el mismo contexto dentro de otros parámetros de comunicación
exentos del mundo del grafiti.
78
En relación a la heterogonía también se debe considerar la importancia de los mensajes implícitos,
cuyo significado no es obvio ni evidente a simple vista, sino que requiere de un nivel más profundo
de conocimientos, también está ligada a la experiencia del área, de los individuos, de las culturas y
de las subculturas de estas áreas. Depende también del grado en que somos informados o
desinformados por así decirlo en el caso de que nos den una información poco verás o peor aún,
errónea.
79
CAPÍTULO VII
INVESTIGACIÓN DE TESIS EN MI PROPUESTA ARTÍSTICA
CONCLUSIONES Y RECOMENDACIONES
7.1 Proceso personal de identidad artística
Todo ser humano se enfrenta en algún momento de su trayectoria al cuestionamiento de que si
aquello que hace es coherente con su búsqueda personal de vida, sea esta profesión, área
sentimental, o incluso valores espirituales. Cuando ya nos encaminamos en alguna de dichas
directrices se sigue analizando si la decisión tomada fue la correcta o no, y para esto se hace
necesario un tiempo de conocer lo elegido y de dar un intervalo de tiempo también para analizar
después los acontecimientos del proceso y llegar a conclusiones que nos permitan determinar y
saber si debemos continuar o no con el camino elegido. A veces aquello incluso por lo que
creíamos sentirnos determinados puede resultar en un triste impulso de emoción y no ser realmente
aquello que nos apasiona y que finalmente nos da la felicidad que buscamos.
En mi proceso de identidad como artista debo recalcar que nunca tuve ninguna duda sobre mi
pasión hacia el arte, sin embargo tuve que enfrentarme a otras problemáticas que resultaban más de
carácter social, nacional y familiar. Realidades como el hecho de que la cultura del arte en Ecuador
país en el que nací, no aseguraba una estabilidad económica ni financiera, además de que tampoco
aseguraba siquiera algún tipo de reconocimiento por trayectoria artística, ecuador es un país
tercermundista aún en su producción cultural.
Dichas realidades causaron conflicto en cuanto a si debía continuar con el estudio de una profesión
que amaba pero que no me aseguraba una estabilidad ni un reconocimiento, sin embargo ya estaba
muy adentrado en el proceso y le había dedicado ya muchas horas de estudio y sacrificio que
pensaba que no tenían que ser en vano, razón por la cual después de haberme retirado a finales de
80
tercer año tomé la decisión luego de continuar nuevamente y reintegrarme en el proceso de
formación académica.
Entendí que en nuestro país no es que no existiera arte, lo que no existía era una formación cultural
de las personas y esto es una problemática más amplia que involucra principalmente a la formación
académica en todas sus etapas ya que mientras más evolucionan las personas de este país en su
proceso académico, menos importancia le dan también al arte. Era poco lo que hacía el gobierno
para dar algún tipo de estabilidad y oportunidades a los artistas en aquellos años de mi formación
académica y lo sigue siendo actualmente. Todas esas razones paradójicamente me daban fuerzas
para continuar y para entender que no debía rendirme y que era casi una misión de vida el hablar de
todas estas problemáticas sociales a través de mi expresión plástica y hacer algo para al menos
dejar un legado que afecte la reflexión intelectual, todo cambio inicia primero en uno mismo.
Aquello que primero fue un factor des motivante en mi vida y mis anhelos como artista, se
convirtió luego en una motivación y en un estímulo para ser más creativo y para poder continuar, se
convirtió casi en una rebeldía justificada y con enfoque de afectar positivamente al cambio.
El desarrollo económico, científico, y artístico de una nación se refleja casi como un espejo en sus
expresiones artísticas, en su afectación nacional, mundial y también en su trascendencia en el
devenir del tiempo, en su legado generacional.
Naciones que han dado mucha importancia a su cultura artística como Argentina, Colombia o
México, por poner algunos ejemplos latinos, son ejemplo de que no se necesita ser una potencia
económica para tener un excelente nivel cultural en el arte, lo principal es saber inculcar este
aprecio por el arte en la población desde su formación más temprana, incluso antes de la escuela.
Dicho como acotación este pequeño relato de mi experiencia debo recalcar que todo eso creo en mí
una especie de identidad con la rebeldía y las ganas de protestar y de denunciar también la tiranía
de las élites, monopolios, oligarquías y nepotismos que reinan en este país, y porque no, hablar
también extendiéndome a mirar el mundo y aunque quizás no se refleje de manera directa aquella
misión y visión del arte en mi obra gráfica previa a la obtención de la titulación en artes plásticas,
aquello es parte de mis ideales y proyectos posteriores como artista. Me identifico poco a poco con
un sentir revolucionario de no ser parte del montón, de no hacer “cuadritos” que cuiden de no herir
la susceptibilidad de nadie ni el bolsillo de nadie, me comprometí a no ser una marioneta de nadie y
principalmente a aprender todas la herramientas necesarias para emprender un nuevo horizonte.
Después de haberme identificado con un sentir revolucionario de hacer algo diferente y
constructivo ante todas las problemáticas que iba encontrando durante de mi formación académica
y artística, además de mi futuro enfrentamiento con la sociedad como profesional en dicho campo,
81
empecé a relacionar mis tendencias formales y conceptuales de trabajos universitarios y recuerdos
de mis trabajos en los primeros pasos de mi vida antes de conocer una carrera universitaria.
Empecé a crear conexiones y relaciones que primero fueron en su mayor parte subconscientes, pero
que finalmente me llevaron a entender que para nada se constituían como meras gratuidades,
empezaba a entender que todo aquello era un reflejo de lo que había en lo más profundo de mi ser,
y que tenía que buscar más, que tenía que encontrarme conmigo mismo y aportar con algo al
mundo algún día, soñaba con dejar un legado a través de mi arte y ya no me entristecía tanto el
hecho de todas las problemáticas que había encontrado, simplemente empezaba a soñar con dejar
un legado y esto me estimulaba para no rendirme y para continuar ya que había mucho conflicto
con mi familia que no estaba de acuerdo con lo que había elegido como profesión.
7.2 Análisis de la obra gráfica
Nació entonces a la par de todas aquellas experiencias la idea de crear un personaje (Figura 1) que
me identifique y que me lleve a investigar más sobre el arte de la caricatura y la psicología oculta
detrás de esta forma de expresión plástica. Desarrolle un personaje que visualmente se podía
identificar como un payaso de expresión triste y que se encontraba de manera coincidente en
escenas y sucesos importantes actuales y algunos pasados, era una especie de espectador de dichos
sucesos y que me reflejaba subliminalmente a mí y a mi forma de sentirme en ese momento.
Figura 1: COMO SLAH/Serie de los Anhelos – 2011 - marcadores/papel – 0.70 x 1,00 m.
82
El traje de payaso significa la falsa identidad a la que nos toca casi obligadamente someternos para
encajar en una sociedad económica de explotación a la que poco o nada le importan nuestros
intereses de vida. Nos vemos obligados así a fingir y aguantarnos muchas veces las injusticias para
no perder un puesto laboral o para no ser expulsados de una universidad por caer a golpes a un
profesor corrupto por sus injusticias, etc.
La expresión triste del payaso significaba como me sentía en ese momento de mi vida y lo
relacionaba con las escenas en las que aparecía dicho personaje caricaturizado. El haber escogido a
un payaso representaba la alegría con la que me había identificado siempre y que forma parte de mi
naturaleza pero que debido a la gente mal intencionada y al pecado de haber crecido con muchos
limitantes económicos frustraron muchos anhelos y oportunidades de formar y desarrollar mis
habilidades, sucesos que he tenido que conocer en mi proceso de vida y que han sido tristezas pero
también motivantes para surgir y seguir luchando sin rendirse para que las cosas mejoren.
Así fue como me adentré en el proceso de creación de personajes y escenas encaminadas a
desarrollar un espíritu crítico en mi para continuar con esto durante toda la vida pero con razón de
causa y efecto, casi como la misión y visión de una empresa, había entendido que eso era lo que me
gustaba hacer y lo que quería hacer como artista. El personaje que desarrolle es simplemente un
pretexto para desarrollar una especie de tira cómica crítica a través de dicho personaje y de esta
manera tener lógica e hilaridad con lo descrito en este trabaja, además de que es un gusto personal
muy grande el crear formas cómicas y caricaturescas, el objetivo es llevar esto a una expresión
plástica elaborada con razón y causa, además de ese gusto y pasión real.
Dicho personaje me confirmo que los artistas muchas veces no nos conformamos simplemente con
hablar de algo, sino que también de alguna manera queremos incluso dejar nuestra huella ahí con
nuestra imagen o con algo que la represente o simbolice subliminalmente o directamente también.
83
Figura 2: EL Mendigo/Serie de los Anhelos – 2011 – marcadores/papel– 0,70 x 1,00
En la (Figura 2) trato de expresar aquello de lo que hablé en este trabajo de
tesis acerca de la falta de aprecio hacia el arte en nuestra cultura y gran parte
de nuestra sociedad, de lo difícil que es ser artista e intentar vivir del arte.
Muchas veces nos hemos sentido los artistas como mendigos sin futuro y
solos en el mundo después de ver cómo nos cierra las puertas a nuestros
proyectos e ideales de trabajo, en lo persona muchas veces he tenido que
vivirlo en carne propia después de ir a los ministerios de cultura de mi país y
proponer exposiciones o presentar proyectos para promover el arte o para
conservar y promover el arte colonial y he tenido que presenciar como mi país
es como una tierra de nadie en la que nadie conoce nada, ni le interesa nada
realmente, he tenido que presenciar tantas veces a gente que trabaja en el
campo de la cultura en nuestro país sin que tengan realmente pasión ni
conocimiento, mucho menos ideales que promuevan al mismo con aportes
que puedan apreciarse nacionalmente y mucho menos en el campo
internacional. Muchas veces me han llamado pesimista por denunciar estas
situaciones, pero yo no me considero así, simplemente soy una persona
consciente con su entorno y que no puede quedarse callada ante la corrupción
y que no teme hablar y denunciarla, soy una persona realista y valiente que no
se prostituye ni vende por unos cuantos centavos.
En la (Figura 3) abordo trato de expresar lo que yo siento y pienso que es un
artista comprometido, ya que para mí Leonardo Da Vinci fue un ejemplo de
que los artistas no somos tontos para nada como mucha gente piensa, y que
además piensan que estudiamos arte por alguna falencia de capacidad
intelectual o cualquier idiotez que digan, realmente un artista comprometido
es como un científico ya que al tener sus oídos afinados al acontecer mundial,
debe conocer un poco de todo un poco y tocar múltiples temáticas a fin de
84
estar actualizado e interesado de todas las situaciones que le interesen para
dejar su legado crítico en la retina de la historia del arte.
Figura 3: EL Científico/Serie de los Anhelos – 2011 – marcadores/papel–
0,70 x 1,00
En lo personal yo me siento así, como un científico, porque siempre estoy
leyendo y aprendiendo cosas, para mí la limitación económica no es motivo
para rendirme ni dejar de luchar y trabajar para seguir mejorando, y más aún
cuando el conocimiento ha evolucionado tanto y se ha vuelto más accesible
por medio de la internet y tanta variedad de fuentes que podemos tener en este
momento tecnológico que vivimos. La anécdota del Científico Benjamín
Franklín y su experimento con la cometa para entender el funcionamiento de
la electricidad, me sirvió para utilizar mi personaje y relacionarlo con dicho
sentir que mencionaba, realmente los artistas no tenemos ningún tipo de
limitación y hasta considero que somos los científicos del arte, muchas veces
el intelecto de los artistas se ha comprobado que es más amplio que muchas
personas que pueden tener mucho dinero, en todo caso son diferentes tipos de
inteligencias como habla Gardner.
85
Figura 4: CASI POBRES -2011 – Óleo/lienzo - 1,10 x 1,00 m
La idea de hablar acerca de temáticas relacionadas con nuestro tiempo ha sido usada en todos los
momentos del arte y por casi todos los artistas, que de alguna manera nos convertimos en una
especie de libros que recopilamos y analizamos todas las situaciones que queramos y que
alcancemos a hacerlo porque dicho sea de paso no somos cámaras de fotos como algunos piensan y
como creen también que debería ser nuestra factura en la obra gráfica. No resulta trascendente el
simple hecho de hacer un arte sin buscar un impacto, sino que como artistas tenemos la tendencia a
buscar algo más allá de lo meramente sensitivo, buscamos mover emociones y crear un impacto y
llevar a las personas a que abras los ojos ante aquello de lo que no son conscientes o quizas se
hagan los de la vista gorda porque sienten que poco o nada pueden hacer, pero por nuestra parte los
86
artistas quizás pensemos que poco podemos hacer al expresar situaciones por medio del arte, pero
en todo caso aquello no es ajeno para nosotros y es precisamente para lo que nos preparamos y para
lo que estudiamos tanto. Reflexionar y opinar reflexionar profundamente sobre las ideas que
planteamos es parte de nuestra naturaleza.
En la (Figura 4) decidí hablar sobre un tema de carácter internacional y de afectación mundial
como lo fue la crisis financiera de los Estados Unidos expuesta por los medios de comunicación de
todo el mundo en el año 2008. En la pintura “Casi Pobres” involucré al personaje creado para la
serie gráfica como un espectador de lo que sabemos que finalmente ocurrirá dicho país que es el
mayor deudor del planeta, su riqueza es fiduciaria y realmente frágil ya que ellos son el ejemplo
vivo más claro del funcionamiento Bancario que se basa en crear riqueza por medio de lo
inexistente, de prestar dinero que no viene de la ganancia real del trabajo, prestan dinero inexistente
a los países para que ellos lo trabajen y recién en ese momento lo conviertan en riqueza real, así es
como se han ganado mucha de su fortuna y por lo que están teniendo ahora mismo tanto problema
económico, además es conocido por todos que estados unidos está en la mira de las otras grandes
potencias que ya están hartas de su monopolio y sus narices metidas en todo. Se habla también
según los científicos y muchos teólogos de la caída de los Estados Unidos a causa de la falla de San
Andrés que es la falla tectónica más grande del mundo y por volcán Yellowstone que es también el
más grande del planeta, por esta razón presento a Estados Unidos con sus rascacielos convertidos
en un juego de dominó que puede colapsar en cualquier momento y a su mandatario caricaturizado.
De esta manera abordó también temáticas relacionadas con mi trabajo de titulación como lo que
mencionaba sobre que el artista debe estar conectado con su tiempo y hablar sin miedo de las
situaciones que presenciamos y vivimos tanto nacional como internacionalmente.
Mientras materializaba mis ideas en bocetos para la presentación de las obras de último año, me
preguntaba si debía encontrar algún estilo que me identifique como artista o si aquello era algo
innecesario puesto que sentía también que ya todo lo que pudiera haberse hecho ya había sido
planteado antes por otros artistas. Poco a poco me fui dando cuenta de que mi trabajo tenía una
cierta factura que me identificaba, eran las formas, los materiales, las pinceladas, la valoración
tonal una especie de constante que aunque quería llevar por otras partes finalmente terminaba
coincidiendo en algo parecido a lo que estaba buscando.
Aparecían nuevas cosas que iba solucionando pero al mismo tiempo aparecían también nuevos
desafíos y nuevos conflictos también. Me di cuenta que el llevar a mis trabajos al punto en el que
me gustaba y sentía que finalmente había concluido mi trabajo, me llevaba mucho tiempo y que
tenía que encontrar una solución para producir más y trabajar menos. Una vez más y sin saber si a
manera de pretexto o solución aparecía la respuesta de lo conceptual, la idea. Entendí que una obra
no es mejor porque tenga mayor detalle, una obra es mejor porque tiene impacto, impacta con lo
87
mucho o poco que se le ponga. En el momento de desarrollar mis trabajos sentía el hacer muchas
cosas y hablar de muchas cosas pero era un reto limitante el tiempo con el que contábamos y la
producción no llego a ser mucha, sin embargo ya iba entendiendo mejor como hacer las cosas y me
iba sintiendo más seguro conmigo mismo a la vez que también sentía más convicción acerca de lo
que tenía que hacer como artista y de cómo lo tenía que hacer.
Figura 5: SOCIEDADES ALTERNAS – 2011 – Óleo/lienzo-1,20 x 1,20 m.
La (figura 5) tiene mucho valor para mí, ya que es el resultado de lo que yo pretendía encontrar
visualmente como mi lenguaje plástico, es una pintura que me satisface como artista y que siento
que tiene mi carácter cromático y mi lenguaje expresivo también, es una especie de muestra de lo
que quiero tener como lenguaje visual y factura visual también.
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En dicha imagen se muestra al personaje presentado en la serie como una entidad sobre la cual
recae el peso de todas las personas y el cual alzando sus ojos al cielo clama ayuda. Puesto que
todos nos vemos afectados durante toda nuestra vida con la influencia de todo el mundo, nace la
necesidad de tener una identidad propia tomando de todas nuestras experiencias aquello que nos
sirve y desechando aquello que nos sirve, dicha imagen pretende hablar de esa situación, también
de los diferentes estratos y de la variedad humana, la importancia de dicha imagen radica en que
debemos trascender de dicho peso e influencia social para convertirnos en seres auténticos y sin
máscaras comprometidos a tener una vida real.
Mientras realizaba mis trabajos también buscaba información acerca de que es lo que volvía a una
obra de arte impactante, y cada vez me encontraba con mundo s más amplios y mi curiosidad iba
en aumento. Me di cuenta que incluso la universidad y los conocimiento impartidos dejaban de ser
suficientes al momento de analizar todo el trabajo y los patrones subconscientes escondidos detrás
de un trabajo que impacte. Aparecían también respuestas a viejas interrogantes, entendí finalmente
cosas que con muchas ansias buscaba descubrirlas y que nadie me las podía explicar bien. Descubrí
que una obra de arte importante habían también ocultos patrones matemáticos de armonía
pitagórica y con esto me refiero al famoso número áureo, número de Dios o número de Fibonacci.
Una obra de arte visual que impacte debía contener implícito el número áureo que es el número de
la estética de la vida, entendí y comprobé que desde las partículas más pequeñas de vida como la
espiral microscópica de algún grano de arena con forma de caracol, hasta la espiral de los brazos de
las galaxias estaban marcados por esta constante matemática hipnótica de la belleza y que si quería
buscar una obra de arte que impacte visualmente, debía obligatoriamente hacer uso de esta
matemática escondida pero sin caer en lo robótico y meramente geométrico.
Entender todas las cosas que estaba descubriendo me desenfocaron mucho ya que era mucha
información nueva y aquello dispersaba la concentración y me llevaba a pensar mucho buscando
como usar toda esta información en mi vida y mi arte. Encontré finalmente una solución que
prometía mucho y que me llevaría a ser más productivo y la propuse pero aquello resultaba muy
poco elaborado para mis maestros que exigían mayor virtuosismo en mi paleta ya que de alguna
forma decían conocer por donde más o menos iba mi argumento plástico.
Mi solución no pudo ser aplicada en ese momento pero quedó muy marcada en mi mente para
saber que tenía que hacer después de todos aquellos retos como lo eran la universidad y todos los
conflictos que conlleva implícito el proceso de ser estudiante universitario de una carrera con poca
seguridad económica.
Mi solución de lo que significa una obra de impacto quizás no sea la misma que la de otro artista,
pero aun así quiero dejarla plasmada en este trabajo escrito previo a la obtención de mi licenciatura
en artes plásticas. Mi solución es ser autentico con lo que se hace, me refiero a no ser una copia de
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nadie, ser influenciado, sí, y también enriquecerse de la cultura y el conocimiento de otros, pero
nunca ser un remedo de nadie y ni siquiera de uno mismo. Mi solución fue que toda obra de arte
importante debía tener de alguna manera implícita el número áureo y sus construcciones
matemáticas, y un mensaje subconsciente, subliminal o directo importan. Mi solución fue que una
obra de impacto debía tener aquellas dos premisas mencionadas más una tercera que la denominé
“deleite propio” y esto es tan fácil de explicar cómo el decir: Si te gusta mucho a ti y te satisface el
resultado con mucho agrado, es muy probable que haga lo mismo en los demás. Aquello que se
hace con deleite y pasión es como una estrella, brilla con su propia luz y es muy diferente a los
planetas que necesitan de la luz de las estrellas para brillar.
Figura 6: FIESTA MACABRA-2011-ÓLEO/LIENZO-1,50 X 1,70- 1,50 x 1,70
En la (figura 6) una vez más el sentimiento de conectarse con la tierra y aquello que le estamos
ocasionando me invadió y lo presenté por medio de una denuncia de lo que le hacemos al planeta
con el cambio climático y todos los factores de destrucción acumulados durante miles de años, en
esta imagen se muestran los siete factores de destrucción de los cuales somos testigos todos los días
y en gran medida también los causantes indirectos. Esta imagen habla sobre la destrucción animal,
destrucción de los mares, destrucción de la tierra, destrucción de los bosques, la explotación minera
y en general de toda la explotación que le ocasionamos a la vida de nuestro planeta, el personaje
anciano en la esquina inferior izquierda es representa a la gente que mira todo esto como un teatro
y sin hacer nada, sin embargo el no poder hacer nada también es parte del monopolio de dominio
de los grupos minoritarios y archimillonarios que nos controlan con su poder económico sin que
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podamos hacer mucho, más allá de quejarnos intentar algo más sería quizas arriesgarnos a que nos
quiten la vida y a quedarnos sin nada, esa precisamente es una de las misiones del artista.
Estas cosas las tenía ya en mente en el proceso de trabajo de mis obras de último año pero debo
mencionar que todo aquello estaba como una riqueza en bruto y con asperezas que se purificaron
después de salir de la universidad y las desarrollé mucho mejor al salir de la universidad.
Figura 7: LA ÚLTIMA PALABRA - 2011 – Óleo/lienzo – 2,00 X 1,00 m.
En lo imagen de la (figura 7) pretendo relacionar una de las frases de uno de los pensadores más
importantes del siglo XIX como lo fue Friedrich Nietzsche con uno de los temas más polémicos y
difíciles de tratar además de preferiblemente evitados para no causar roces entre la gente ni
conflictos que en muchos lugares hasta ocasionan las famosas guerras santas, la fé, por no llamarlo
religión. Nietzsche pretendía representar por medio de dicha frase la conciencia cósmica que
simboliza a la libertad del espíritu atemorizado por los diversos órdenes mitológicos y teocráticos.
Para mi Dios va más allá de las religiones y los saberes y pensamientos humanos, no importa
cuanto lo neguemos o tratemos de destruirnos ya que cuando nosotros dejemos de existir, el
universo y la vida seguirá existiendo en un universo del cual apenas podemos observar con
nuestros limitados inventos de observación una insignificante parte, para finalmente mirarlo de
lejos y darnos cuenta de lo ínfimamente pequeños que somos en nuestro pequeño planeta tierra que
es menos que una partícula de polvo comparado con toda la majestuosidad y bastedad de lo que
existe, si dejáramos de existir nosotros, el universo y sus complejas leyes químicas y matemáticas
seguiría existiendo como lo hicieron antes de que nosotros existamos y para mi precisamente eso es
Dios en lo físico, pero también en lo emocional, creo que Dios engloba en conclusión a todos los
derivados del amor y de lo que su uso puede ocasionar en la vida de todos los seres vivientes y de
las cosas que existen. En dicha pintura a manera de tira cómica se concluye diciendo Dios ha
muerto porque después que murió Nietzsche Dios sigue existiendo y lo seguirá haciendo aunque
nosotros dejáramos de existir.
91
En la (figura 7) se resume mi búsqueda para este trabajo de tesis en lo que a lo conceptual y gráfico
se refiere, en esta obra incluí algunos de los puntos tratados en este trabajo de titulación como lo es
el conocimiento y manejo de las expresiones psicológicas por medio de los gestos, el enfoque
temático, desarrollo de personajes, lógica en el desarrollo del guion y temática tratada y finalmente
la búsqueda de una factura conceptual y grafica representada por medio de una serie para
exposición de trabajo de tesis previo a la obtención de la licenciatura en artes plásticas de la
Universidad Central del Ecuador de la cual fui parte y llevare en mi mente y alma con mucho
cariño y aprecio por todo lo que me enseñaron y por toda la formación y desarrollo de mi carácter
en el reto de afrontar y enfrentar con valentía todos sus retos, dificultades y falencias.
En conclusión a este apartado debo mencionar que todo es un proceso y que una cosa lleva a otra,
mi proceso de entender lo que soy y lo que debo hacer como artista se ha ido completando y
perfeccionando con el tiempo, no obstante eso es algo que siempre mientras vivamos ira
evolucionando y modificando a los caminos por los que nos va llevando la mente en las diferentes
experiencias que vivimos cada día.
7.4 Conclusiones y Recomendaciones
Recomiendo y aconsejo a todos mis amigos artistas y en general personas que quizás puedan leer
este escrito que nunca dejen de luchar por cumplir sus expectativas, nunca dejen de mirar al mundo
como lo hicimos alguna vez cuando fuimos niños. Mirar a mundo con la curiosidad de un niño es
mirar la vida con entusiasmo y ganas de vivir y seguir aprendiendo día a día. Dios es infinito y
todas las cosas que existen en nuestro mundo y el universo es una muestra muy clara de su poder y
de su ilimitada creatividad, por esto nunca se debe creer que se conoce todo, pues cuando esto
ocurre la vida pierde su sabor y todas las cosas se vuelven una monotonía.
En mi proceso de reconocimiento y exploración como artista me di cuenta que aunque pudiera
haberme convencido a mí mismo de ser un artista y también aunque pudiera haber encontrado algo
que me identifique en la plástica quizás a manera de estilo, uno nunca debe ser una copia de sí
mismo sino una persona que constantemente mira al mundo y que constantemente también está
explorando todas las experiencias de su vida y su entorno más cercano así como su entorno global
también. Dejar un legado quizás es la parte más difícil de un artista y en la que menos piensan,
porque dejar un legado es dejar una marca de influencia en la gente para que aprenda de lo que
hicimos y para causar inspiración en ellos de tal manera que puedan también continuar y
complementar cosas a nuestras investigaciones y aportes realizados en nuestro desempeño como
artistas. Quiero recomendar a mis amigos artistas y a quienes quizás pudieran servirle estas simples
pero sinceras palabra a que nunca olviden sus anhelos más profundos y a que siempre estén
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buscando la manera de materializarlos, nunca se rindan ante las dificultades de la vida, que las
tristezas sean un motor para continuar y levantarnos, si hubo errores que la próxima vez que lo
intentemos sean comprendidos y perfeccionadas las labores para no volver a repetir estos errores.
Concluyo finalmente agradeciendo a todos mis maestros por su tiempo de vida prestado para estar
conmigo en este reto y desafío de haber escogido una profesión tan hermosa y maltratada por la
sociedad, agradezco incluso a aquellos maestros que no tuvieron el amor necesario como para
inspirarme y hacer mis días más alegres en el transcurso de mi formación académica esperando lo
mejor para ellos y alegría y felicidad para sus vidas. Creo que una de las cosas que más nos pueden
alegrar como seres humanos es el estar seguros de que aquello que hacemos es lo que amamos y
que lo hacemos con pasión y felicidad porque es para lo que nacimos, hay mucha gente que vive
vidas falsas y que lo refleja por medio del trabajo mediocre que hacen y la falta de ganas e
inspiración que transmiten a los que los rodean, pienso que yo era una de esas personas pero he
despertado y con el paso de los años y las dificultades he aprendido a avalorar más mi tiempo y mi
vida y todas las cosas en las que dejo mi firma, fue hermoso haber estudiado artes plásticas y no me
arrepiento ni un segundo de ello porque me atreví a hacer lo que amo y jamás tendré la frustración
de preguntarme que hubiera ocurrido si lo hubiera hecho. Deseo lo mejor a todos mis maestros y
colegas de mi tiempo como estudiante y ahora ya de mi tiempo en mi vida profesional. Muchas
bendiciones en sus vidas, muchas gracias a todas las personas que me ayudaron a concluir este
proceso y me guiaron con generosidad y sinceridad, agradezco infinitamente la honestidad y el
amor. Gracias.
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BIBLIOGRAFÍA
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