Cai Dong Dong

photo sculpture - 7×7×27.5cm in wooden box , AP1 box 37x35 cm

His new series used his “waste films”. He developed them by hand in a darkroom. He read them constantly, and then processed their information and meaning to evoke a new meaning space. It’s interesting that his exercise corresponds with a famous theory, topology. Topology is a mathe-matic branch introduced in the end of the 19th Century and developed in the middle of the 20th Century. On this aspect Cai’s creation is equivalent to image experiment of topology. His processes are all based on “homeomorphism”. Centering on his old photos, he made different disturbances to create a series of visual spectacles. In “The Same Time”, a man walks out of a men’s room and a ladies’ room at the same time. The humorous narrative made by the contradiction is embar-rassing; in “One Tree”, he curled a gelatin silver print into a barrel, seen like a three-dimensio-nal tree. Is it an independent existence or information representative of the original image? In “Weeping Willows”, he turns 90 degree upside down of a willow blown up by wind, true to its name; he cuts two photos of two men and knits them together to make a mosaic, not missing any part of the two photos; in “Curled Road”, a road before a police car is curled and torn, becoming an obstacle for the police car; he curls leftward the photo of a naked girl, concealing the girl’s identity; in a black-and white picture, a girl gazes at you in a car’s backward mirror.

Sun Yanchu

Developer Painting - Winter Scenery V Gelatin Silver Print/Developer Painging , 2019, 43x50 cm, unique

An experienced darkroom printer, in 2013 Sun Yanchu started to experiment with chemical paintings on photographic paper. Incorporating chinese ink brush techniques and traditional darkroom processes, Sun Yanchu controls the liquid, temperature, light exposure and developing process to create this series of developer paintings. Layers of black and grays resemble traditional Chinese ink painting and calligraphy, which the artist has been exposed to since childhood. Developer paintings are a mixture of Sun’s passion for tradi-tional Chinese art and the technical, experimental, time and chance elements inherent in photography.

Cai Huanhe

Woodprint , 50x50 cm edition 5

The engravings of Cai Yuanhe resonate with a sence of isolation and dislocati-on. He has applied groups of images in different systems to be dismantled or grafted on one another, so as to make them in malposition and get the chan-ce to re-assemble as alien things with absurd appearance. In Cai Yuanhe`s works,the Guangzhou-based artist offers haunting images of figures who may be alone or in groups. Recalling the angst and alienation of German Expressi-onism.

Cassio Vasconellos

75 cm x 112 cm (30 x 44 in)

Cassio Vasconellos invades the tropical forest depicting its lush beauty fol-lowing the steps of his great-great-grandfather, Ludwig Riedel (Berlin, 1761 – Rio de Janeiro, 1861), the botanist of the Langsdorff Expedition, organized by Baron de Langsdorff, a German-Russian naturalist and explorer under the auspices of the Russian czar. “I remember my grandmother telling the family about the exploits of our ancestor botanist Riedel”, he recalls. With the aim of documenting his findings, the Baron also hired painters Rugendas, Taunay and Hércules Florence, who would later introduce photography in Brazil. These groups of foreign intellectuals became known as the travelling artists (in Por-tuguese, artistas viajantes), since they documented what they saw in waterco-lor later transformed in prints. Cherished by art lovers such as Vasconcellos, their romanticized paintings and detailed prints of Brazilian nature and local customs is a visual anthropological highlight of Brazil’s 19th century socio-art history. In Viagem Pitoresca pelo Brasil, Vasconcellos also renders another homage in the series’ title. It is the Count de Clarac, a Frenchman who also came to Brazil as a travelling artist and produced the series of watercolors and prints, Forêt vierge du Brésil (1816-1819), shown at the Paris Salon of 1819. The magic and mystery of the tropical land that so captivated these men is repro-duced with the same intensity and finesse in Vasconcellos’ images. They reveal a quasi lithographic process in its minute details bathed in magnificent pe-numbral light in the heart of the tropical forest that so fascinated his ancestor and, now, his great-great-grandson photographer.

Daido Moriyama

Print 254 x 305 mm Signed at verso

Daido Moriyama is een van invloedrijkste Japanse fotografen van zijn tijd. Het werk van de kunstenaar is doordrenkt van een soort van melancholie, en toont alledaagse beelden , vooral van de wijk waar hij woont Sjinjuku. Veel van zijn beelden zijn gelinkt aan het Wabi-Sabi begrip , een aesthetiek waar men schoonheid vindt in de imperfectie. Veel van zijn werken tonen het he-dendaagse Japan, en de teloorgang van de traditionele Japanse waarden in het naoorlogse Japan. Hij groeide op net buiten Tokyo, vlakbij een Amerikaanse militaire basis. Hij was heel sterk beeinvloed door On the Road van Kerouac, de beelden van Atget en Weegee, en de silkscreens van Andy Warhol.Moriyama maakte een indrukwekkende reeks beelden , en zijn stijl veranderde van de provocatieve beelden van de jaren 60 en 70 naar de meer lyrische kant vanaf de jaren 80. Hij toont het alledaagse leven, street photography, winkeletalages, portretten . Daido Moriyama werkt nog elke dag , en publiceert nog zijn be-kende reeks Record.

Boris Thiébaut

Untitled (Carolina pine, two planes), acrylic, shellac on wood, 21x30x9cm, 2018

Boris Thiébaut remains faithfully loyal to a fixed choice of materials , dimen-sions, and page layout. With a fine sense for -typographic- design he connects, in his drawings, out- of-context doodles with details from etched historical scenes. He always manages to reach a symbiosis of opposites within the con-fines of the paper base. It is one of his most important stylistic characteristcs . In essence he creates a dialogue between earlier, self- drawn notes with cut-outs of sixteenth century engravings. The hatchings, typical of this technique, are enlarged and coloured in like planes while the stains of his doodles in the enlargement are filled in with pencil lines. Copied details from the work of other -dead- artists are given as much importance as his own re-used old logo and boredom drawings.The drawings are as it were a collection of “appropriations” of fragments from his own and the collective memory.In the drawings of Boris Thiébaut, details from the past are integrated in a contemporary environnement through the use of timeless materials. A few years ago, the artist started using the space outside of the picture plane. His first black and white wallpaitings consisted of extremely enlarged sections of etchings by Jacques Callot and Hendrick Goltzius. Through the enlargement, the lines of the old engravings became planes in a abstract network. It is hard to deduce the origin of the picture from what is presented here. These floor-to-ceiling sized logos became backgrounds (décor) for a serie of drawings. Aside from this evolution, current affairs are given more and more importance in his young oeuvre. In recent work made for the public space, the artist has incorpo-rated traces from contemporary youth culture, such has graffiti and sprayed-on slogans, in an artistic commission assignement.

Ren Hang

Untitled 40x27 cm edition 10

The late Ren Hang used the photographic medium to depict scenes of spontaneity, where the young naked subjects are staged in explicit poses. Ren carefully choreographed the composi-tional arrangement, iconic make-up (e.g. red lips and red finger nails) and mise-en-scène, all of which straddle between meticulous intentionality and momentary inspiration. Despite the playful and colourful scenes filled with young and beautiful bodies, his images portray certain human conditions filled with loneliness and vulnerability.

Ren was awarded the Outset | Unseen Exhibition Fund at Unseen, Amsterdam in 2016 and Third Terna Contemporary Art Award, Italy in 2010. Hissolo exhibitions included “Ren Hang” (Museum of Fine Art, Leipzig, Germany, 2017), “Naked/Nude” (Foam Fotografiemuseum, Netherlands, 2017) and “Human Love” (Fotografiska, Sweden); His selected group exhibitions included “Medium of Desire: An InternationalAnthology of Photography and Video” (Leslie-Lohman Museum of Gay and Lesbian Art, USA, 2015), “Chinese Photography: Twentieth Century and Before” (Three Shadows Photography Art Centre, China, 2015), “Contemporary Photography in China 2009-2014” (Minsheng Art Museum, China, 2014), “Curated by RongRong: Inner Ear” (Ullens Center for Contemporary Art, China, 2011), and Rencontres d’Arles Festival (France, 2011, MEP Paris, CO Berlin.Ren’s works is collected by National Gallery of Australia and White Rabbit Contemporary Chi-nese Art Collection (Australia), CAFA Art Museum and Three Shadows Photography Art Centre (China), Kansas State University Art Museum (USA), and Multimedia Art Museum (Russia).

Béatrice Loret

Title, Size, Date, Material Le feuille et la feuille, 26cmx18,5cm, collage, janv.2020

Béatrice Lortet est artiste et enseignante. elle vite et travaille à Bruxelles. C’est à travers une pratique picturale et processuelle qu’elle pense l’image et ses complexités. Variation, digression, répétition, déplacement. Déconstruire les plans, opérer des gestes et se saisir des possibles. Le collage et la juxtaposition d’éléments fragmentaires donnent à voir un équilibre, un point de tension entre l’espace de l’image et l’espace qu’elle ha-bite. Le paysage se fabrique et sa genèse apparait, par intermittence. Mises au point et cadrages séquencés suggèrent au regard tant l’image que ses ellipses.

Thomas Vandenberghe

Silver Gelatin Print 6x4 cm, unique Unique-print 6x4 cm - frame 33x39 cm

Het werk van Thomas Vandenberghe (BE, ° 1985) is vaak beperkend en be-schouwend. Werken met herhaling en de enkele afbeelding, gebruikt de kun-stenaar vaak stakingen of krassen, evalueert het seriële karakter van de fotogra-fische afbeelding en de mogelijkheden om het enkelvoud te lezen

Thomas Vandenberghe maakt kleine, intieme foto’s, een soort dagboek van zijn persoonlijke leven. Met behulp van een compacte filmcamera met flits, is zijn esthetische stijl die van de privé-snapshot. Zijn werk behandelt de psychologie van het beeld evenzeer als de psychologie van relaties en wordt gedreven door verlangen, liefde en verlies.Als voor Vandenberghe de handeling van het fotograferen te maken heeft met verlangen, dan is de even belangrijke handeling van het afdrukken gericht op het geheugen. De noodzaak om niet alleen naar te kijken, maar ook om jezelf te verzoenen met wat ooit was, maar misschien nog meer met wat er had kun-nen zijn - maar dat is en nooit zal zijn. Herhaald, vervaagd of zelfs gescheurd, gekrast of gesneden, dragen zijn gelatine-zilveren afdrukken het aangrijpende bewijs van een voortdurend proces van gevoelens en reacties, of misschien zelfs een conclusie. Elke gedrukte foto van Vandenberghe bevat het drama van wat men hoopt en verlangt - een ingebeelde waarheid - en wat uiteindelijk overblijft. Ze zijn het aanhoudende, emotioneel belaste en na verloop van tijd vertekende bewijs van een realiteit waarmee men nu moet leven.

Lara Gasparotto

Silver Gelatin Print70x50 cmEdition 6

Spontaneous yet unpolished pictures. Sometimes provocative, sometimes intimate. Pictures in black and white next to images bursting with colour. Lara Gasparotto’s photography reveals who she is: a young woman of many talents, multi-layered and full of contrasts. The images may seem trivial at first, but make a lasting impression. Moments of stolen happiness and intimacy, captu-red without pretensions. A fragmented account of her life. Lara Gasparotto has pubished 5 booksShe has exhibited her works at Bonnefantenmuseum, Photo Breda, Fotomu-seum Den Haag, 3 Shadows Beijing, OCT Shenzhen, Guangdong Museum of Arts. She participated at ECCO HOMO in Antwerpen in 2017, at the Xiamen Rencontres Arles in 2017 , at CANVAS , Botanique Brussels.

Juanan Requena

Silver Gelatin PrintFrame 37x32 cm - Print 10,5x7 cm Unique

Born in La Mancha, Spain, the place where Don Quixote began his fierce se-arch for absolute truth with his vision and ideals, Juanan Requena experiences an initiatic journey of discovery which began with a road trip in the desert. An ordinary book full of photos and poems found at a supermarket was his map and lightbox. Juanan shared the road with the camera, this way emerging his experiences out of his perception and into the birth of the images carrying with them a memory and a story to tell.

Juanan’s creation seems to tell the story of an escape but in reality it is a de-parture to get even closer to the center. The living diary has its own scent, form, light, limitations and its own place among the limitless constellation of memories. Images are linked by words, which do not define them as a title but accompany them, shading a raw light over what the artist has lived – the same way Kerouac’s words became captions to the drawings in his masterpiece „On the road”. The raw light takes the shape of bulbs of light irradiating over the handwritten messages, trying to decipher the artist’s secret, to decode a deeply rooted message or translate a silence bursting with sounds and filmstrips.

Sybren VanoverbergheMoving Trees 01, 2017100x80 cm edition 3, framed

Zijn werk functioneert als een analyse van de correlatie tussen plaats en tijd en de steeds terugkerende ge-schiedeniscyclus. Hij zoekt naar elementen van mythen, natuur en erfgoed, zowel op dagdagelijkse sites als op plaatsen van historisch belang. Door welk proces hechten we betekenis aan deze locaties? Zijn praktijk deconstrueert locaties en brengt iconen samen om een nieuwe eenheid van het heden te vormen. VHerhaalt de geschiedenis zich in omvangrijke oorlogscycli, veranderende grenzen, politieke ideologieën of bestaat ze uit dit alles?

Misschien wordt de geschiedenis niet alleen door de winnaars gemaakt, maar ook door het principe dat we geen evolutionair kenmerk zijn en dat onze realiteit gebaseerd is op de voorinstellingen van bestaande vormstructuren die worden beheerst door de naderende en niet al te verre toekomst. Hierdoor wordt wat we geloven dat ons verleden kenmerkt - onze symbiotische worstelingen met terrein, met elkaar en met ideolo-gie - volledig irrelevant en vals ; een verhaal dat wordt gesmeekt door de voorgeprogrammeerde verplichte ‘menselijke’ behoefte en relatieve uitwisseling van communicatie en de impliciete overtuiging dat ‘A’, als er iets is, ons gecoaguleerde en symptomatische heden het beste definieert. Wat ik wel geloof is dat we in beelden bestaan en dat de beelden zelf geen chronologisch referentiepunt hebben dat de realiteit weerspiegelt van ons misschien gesimuleerde heden. We moeten de mogelijkheid afwegen dat de ionische kolommen die zo genadeloos zijn verbrijzeld als tandenstokers op de grond in Athene niets anders zijn dan een code en vector waarin het overeengekomen beeld van de kolom een verleden vertegenwoordigt dat nooit heeft bestaan. Dit is heel goed mogelijk. Technologie, in filosofische termen, beschouwt het heden niet als duidelijk en be-schouwt het verleden helemaal niet. Het is consistent in het geven van een idee van “vooruitgang”, het woord zelf dat is overgedragen aan het bestuur van “toekomst”. Door Brad Feuerhelm / American Suburbx