apuntes fundamentos del arte i. tema 8. arte del renacimiento en italia (i)

FUNDAMENTOS DEL ARTE I. TEMA 8. ARTE DEL RENACIMIENTO EN ITALIA

(I)

Ana Galván Romarate-Zabala

Fundamentos del Arte I

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TEMA 8. FUNDAMENTOS DEL ARTE I. ARTE DEL RENACIMIENTO EN ITALIA (I) 1.Introducción al Renacimiento. Contexto histórico-‐cultural. 2. La arquitectura renacentista en Italia. 3. La escultura italiana del Renacimiento. Donatello. 4 La pintura italiana del Renacimiento. 5. La indumentaria renacentista italiana a través de las fuentes iconográficas pictóricas. 1.INTRODUCCIÓN AL RENACIMIENTO. CONTEXTO HISTÓRICO-‐CULTURAL Podemos definir el Renacimiento como un movimiento cultural que surge en Italia y que implica una vuelta, un renacer a los ideales del mundo clásico (Grecia y Roma). Ese interés por el mundo antiguo clásico se manifestó en sus vertientes históricas, filosóficas, políticas, culturales y artísticas. La Antigüedad clásica es el modelo cultural a seguir y no sólo en las artes plásticas, sino a todas las manifestaciones del conocimiento humano.

Pocos movimientos culturales han sido más idealizados y mitificados como el Renacimiento, aunque sobrecoge la nómina de los arquitectos, pintores, escultores, etc. de la época y el extraordinario desarrollo de las artes durante el Renacimiento (Ghiberti, Donatello, Verrocchio, Miguel Ángel, Botticelli, Masaccio, Leonardo, Rafael...) Pero hay pocos movimientos en la Historia del arte que hayan explicado mejor que el Renacimiento su principal intención y que sin embargo, resulten luego más polémicos y complejos (se discute su cronología etc.).1 Sus raíces, son embargo, deben buscarse en la Edad Media tardía, a la que despreciaban y contra la que aparentemente reaccionaban. No parece claro que este renacimiento de la Antigüedad fuera la única causa del fenómeno cultural que se produjo en Italia en el siglo XV y que se extendió a partir del siglo XVI, por casi toda Europa (Italia, Francia, España…), ya que la relación con el mundo antiguo jamás se rompió y a lo largo de los siglos que abarcan el amplio periodo conocido por Edad Media, se produjeron varios momentos renacentistas del espíritu clásico. Recordemos que se puede hablar de renacimiento y “renacimientos”: carolingio, románico, etc. En todo caso, fueran cuales fueran sus antecedentes próximos o remotos, no hallaremos una conciencia clara de lo que debía ser el nuevo arte y un conjunto de normas teóricas y prácticas lo suficientemente articulado como para poder definirlo como un lenguaje distinto hasta el siglo XV, momento en el que se formula la teoría artística del Renacimiento en Florencia. El principal responsable de la misma fue un humanista florentino León Battista Alberti que publicó tres tratados artísticos además de ser un excelente arquitecto. Cronología: básicamente el Renacimiento se desarrolla durante los siglos XV y XVI. Se fue fraguando ya desde el siglo XIV (el Trecento en Italia).

*Siglo XV: iniciación, es el Quattrocento.

1 Mientras que los calificativos clásico, románico, gótico son posteriores a sus manifestaciones, Renacimiento fue la orgullosa autodenominación que los teóricos y artistas de aquella época adoptaron para que esta etapa fuese precisamente un renacimiento de los ideales estéticos del mundo grecorromano.

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*Siglo XVI: es el Cinquecento. Es la etapa de madurez, se la denomina Alto Renacimiento pero también en ese siglo surge la crisis de este estilo dando lugar a partir del año 1520 al Manierismo.

No es casual que el Renacimiento surgiera en Italia: a lo largo de la Edad Media no había renunciado por completo a su pasado clásico, incluso durante toda la Edad Media. Fue una época de hechos históricos transcendentales: El surgimiento del Renacimiento no se entiende sin tener en cuenta toda una serie transformaciones sociales, técnicas, y religiosas: inventos como la imprenta, avances en la navegación, perfeccionamiento de la cartografía y del transporte marítimo (lo que favorecerá los descubrimientos como el de América). Se desarrolla un incipiente capitalismo y se va afirmando la economía monetaria.

Nace la sociedad de mercado y con ella, el ascenso de la burguesía y de las ciudades en Italia, bancos, etc. Paralelamente, encontramos una nueva concepción política: idea de Estado moderno, ligado al desarrollo de las nacionalidades (Ej. RRCC en España o Enrique VII de Inglaterra).



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Reforma y Contrarreforma: Fue de vital importancia la Reforma protestante, llevaba a cabo durante el primer tercio del siglo XVI, que quebrantó la identidad cristiana occidental, dividiendo con un nuevo y profundísimo frente los intereses políticos de Europa. Siglo XVI: es la época tremenda de las guerras de religión (también una parte del XVII).Se produce una mayor expansión cultural (universidad, cultura secularizada…).

Italia durante el Renacimiento fue bocado apetecido de Francia y España. Se encontraba muy dividida en diversas ciudades estados, repúblicas, etc. Así, entre los centros de poder más destacados encontramos Florencia, Reino de Nápoles, Estados pontificios, la República de Venecia, Ducado de Milán… El Humanismo es el aspecto o vertiente intelectual del Renacimiento. El Renacimiento propicia el desarrollo de una cultura humanista: pasándose de una sociedad teocéntrica a una antropocéntrica, pero lejos de ser atea, y muy vinculada a la filosofía. El movimiento cultural del Humanismo surgió en Florencia a mediados del siglo XIV.

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El nuevo papel del artista fue crucial en esta etapa. Tratan de romper con su tradicional dependencia de los gremios artesanales. Los pintores, escultores y arquitectos abandonaron la condición de artesanos. Consideraban su labor como una actividad de carácter mental.

Surgió un nuevo tipo de institución, la academia, donde se formaban los artistas. Fue muy célebre la academia de los Médici, donde estudió Miguel Ángel, entre otros artistas. Se produjo un gran desarrollo del coleccionismo del arte. Las empresas artísticas no eran simplemente un lujo ni un dispendio innecesario, sino una inversión necesaria orientada a desarrollar la imagen y el honor de los mecenas y coleccionistas. Grandes coleccionistas fueron: los Medici, los Este, los Ferrara, los Montefeltro, etc. y en España sobre todo Felipe II. El contenido y la finalidad del arte renacentista es la belleza, la armonía, la perfección: ligado a la cultura clásica, pero no es una mera copia servil. Ha sido paradigma de perfección y belleza hasta el siglo XVIII. Entienden la belleza como imitación verosímil de la naturaleza (entre realidad e idealidad). Para ello aplicaron geometría, cálculos matemáticos, búsqueda de proporciones armoniosas (Alberti, Leonardo, Brunelleschi…). Buscan las proporciones áureas e idealizan la época y el arte de la antigua Roma. Los principales centros culturales renacentistas en Italia fueron Florencia, Nápoles, Roma, Venecia, Padua y Ferrara. El arte en todas sus manifestaciones (música, pintura, poesía, arquitectura) va a vivir un gran esplendor en las cortes europeas teniendo en ocasiones como función esencial la consolidación del poder del príncipe o monarca, es decir, las obras de arte son un medio de propaganda del poder principesco, aristocrático o de la realeza. En las artes decorativas hay un auge esplendoroso (cerámica, vidrio, rejerías, joyería y orfebrería, artes textiles, mobiliario, etc.).

2. LA ARQUITECTURA RENACENTISTA EN ITALIA La arquitectura renacentista, que tiene sus orígenes en Italia, y que se extenderá por toda Europa, cuenta entre sus fuentes de inspiración con, por un lado, las ruinas romanas – poco a poco redescubiertas y valoradas-‐ y por otra con textos y documentos de la antigua Roma, esenciales en la formación de los arquitectos renacentistas. 2 Al mismo tiempo, muchos arquitectos renacentistas escriben importantes tratados teóricos destacando los escritos por L. B. ALBERTI. Es importante resaltar que esa vuelta a los ideales de la arquitectura del mundo clásico no fue una mera copia sino una fuente de inspiración fundamental. Los arquitectos renacentistas buscaban crear, como los antiguos romanos, obras bellas, sólidas y prácticas pero debían dar respuesta a otras necesidades (construir iglesias, palacios, etc. Buscaban la proporción, la uniformidad, la perspectiva y el orden. Debe existir una relación proporcional entre las partes y el todo.

2 El más célebre y legendario tratado de arquitectura romana era el escrito por MARCO VITRUBIO, un ingeniero-‐arquitecto que desarrolló su actividad durante la época de César y Augusto, en los campos de la construcción de edificios, de la hidráulica y la artillería. A partir de entonces proliferan las ediciones ilustradas de Vitrubio.



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La decoración prolifera al comienzo –grutescos, cintas, guirnaldas, etc. – pero desaparece progresivamente. En el Quattrocento el centro artístico se encuentra en Florencia y en Cinquecento en Roma. Muchas soluciones constructivas son tomadas de la antigua Roma: *vuelta al sistema de soportes de los órdenes clásicos, encontrándose columnas de cualquiera de ellos. Los fustes suelen ser lisos. *arcos: el más habitual es el de medio punto. Suelen presentar molduras en el intradós y en el trasdós. *las cubiertas (bóveda de cañón, arista, cúpulas, cubiertas de madera con casetones). Las cúpulas van con pechinas, sobre tambor, en el que se abren ventanas, y están rematadas por una linterna. Son ejemplos excelentes Santa María de las Flores –el Duomo de Florencia– y la capilla Pazzi, ambas de Brunelleschi. *Domina la horizontalidad, frente a la verticalidad gótica.

El urbanismo renacentista en gran parte se basa en el urbanismo grecorromano. Al mismo tiempo es sumamente imaginativo y original. Existía una grave contradicción: a la vez que se elaboraba una nueva concepción de la ciudad, la ciudad preexistente hacía imposible llevarlas a la práctica. Fue más que nada un urbanismo de papel, es decir, con más propuestas teóricas que prácticas. Ejemplos de proyectos urbanísticos renacentistas son la ciudad de Sforzinda de Filarete, la ciudad de Ferrara, Pienza, etc.

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Por lo que se refiere a las tipologías arquitectónicas: La arquitectura civil va a aventajar a la religiosa: palacios, villas, hospitales… Es en la arquitectura civil donde se da el paso decisivo en el Renacimiento.

Las iglesias suelen presentar plantas centralizadas con cúpulas aunque no se abandona la planta basilical. En general se busca el equilibrio planta-‐alzado: la altura debe ser el doble que la anchura. El muro es más macizo y los vanos son menores.

Los palacios urbanos suelen tener tres cuerpos o plantas superpuestas, en ellos predominan la horizontalidad, llevan remate en cornisa y la articulación de todo el edificio se realiza en torno a un patio central o cortile. Los sillares se pueden realzar mediante almohadillado (Ej.: Palacio Rucellai de Alberti). En el siglo XV el palacio se abrió a la ciudad multiplicando los vanos y suprimiendo las torres y el aspecto amenazador, habitual durante la etapa medieval. 3

3 El modelo de palacio renacentista fue el Palacio Médici realizado por Michelozzo i (1444-‐1464).



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Las villas, especie de palacios campestres como alternativa a la vida en las ciudades, van a tener un gran desarrollo a lo largo de todo el Renacimiento.4 Por último, no podemos dejar de citar la enorme importancia que adquieren los jardines durante el Renacimiento, sobre todo durante el Manierismo, con su pasión por lo monstruoso y extravagante (grutas, fuentes….) como tan bien ejemplifican los *Jardines de Bomarzo de PIRRO LIGORIO. Otros arquitectos manieristas fueron Vignola, Palladio (con sus maravillosas “villas”), Rafael de Urbino, etc.

Ejemplos de arquitectura renacentista en Italia: el Quattrocento Si Florencia fue el centro artístico en el que se codificaron los principios de la nueva arquitectura, la obra del 4 Ejemplo: la villa que Giuliano da Sangallo realizó para Lorenzo de Médici en Poggio a Caiano hacia 1480.

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arquitecto FILIPPO BRUNELLESCHI (1377-‐1446) marca el comienzo de la arquitectura renacentista. Formado en Florencia, era además escultor y un artista con una amplia cultura científica. Medida, proporción y razón, son el fundamento de su arquitectura. Fue uno de los hombres que más contribuyó a crear la imagen de Florencia como Nueva Roma, como cuna del nuevo arte que estaba surgiendo. Aunque todas sus obras son muy significativas en ese sentido, hay una que destaca entre todas ellas, que es la cúpula de Santa María de las Flores, catedral de Florencia (1420-‐36). Con esta cúpula deseó asimilar la imagen de Florencia a la de la antigua Roma buscando un paralelismo con la cúpula del Panteón. Esta obra se convirtió en todo un símbolo de la nueva época y de la nueva arquitectura. Brunelleschi realizó esta cúpula sobre una iglesia medieval inacabada. La consideración y el nuevo el papel del arquitecto en una obra fue también consolidado por Brunelleschi, pues todo estuvo bajo su dirección -‐se enfrentó incluso a una huelga-‐ abriendo el camino del arquitecto-‐tracista, cuya consideración intelectual le aleja del artesano que trabaja con las manos.

Sin un precedente inmediato que pudiera servirle –aunque tenía en mente al Panteón-‐ Brunelleschi concibe una gran cúpula de 42 m. de diámetro, compuesta en realidad por dos cúpulas: una semiesférica comprendida en otra de sección apuntada. La cúpula descansa sobre un tambor octogonal, que sirven para neutralizar los empujes, a la vez que prestan al conjunto un perfil apuntado, en armonía con las formas góticas del resto de la iglesia. Esta cúpula va rematada por una gran linterna, con una estructura realizada con ladrillos. Los materiales utilizados son piedra y ladrillo lo cual confiere una bella bicromía a la obra.

También realizó el Hospital de los Inocentes, aunque en él intervinieron otros arquitectos. Fue un hospital realizado para recoger niños abandonados. Brunelleschi dirigió las obras desde 1419 hasta 1427. Presenta un pórtico a base de arcos en el que se refleja un sistema de proporciones perfecto. Brunelleschi realizó dos iglesias con planta basilical: San Lorenzo y Santo Spirito (Espíritu Santo). Para la iglesia de San Lorenzo en Florencia (1419) Brunelleschi creó una planta de cruz latina que, a pesar de ser espacialmente longitudinal, con cubierta plana de casetones y arcos de medio apuntados. Tanto en San Lorenzo, como en la otra iglesia de planta basilical, el Santo Spirito, utiliza el bicromatismo para enfatizar esa perfección geométrica del diseño que tanto debe a la



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perspectiva. En ambas iglesias la columna, al modo clásico, adquiere una importancia de primer orden y, a la vez que se respetan sus proporciones, su altura resulta aumentada mediante la inclusión de un fragmento de entablamento sobre el capitel.

Aunque el palacio Pitti, en Florencia, fuera muy transformado con el tiempo, ha permanecido como ejemplo de arquitectura palacial en el Quattrocento. Fue proyectado por Brunelleschi, aunque se construyera después de muerto éste. En este edificio se marca mucho el almohadillado y las dovelas de los arcos que parecen dibujar el muro. El teórico por excelencia de la nueva arquitectura renacentista fue LEÓN BATTISTA ALBERTI (1404-‐1472). Encarnó al nuevo artista, científico y erudito, que culminará con Leonardo. Sus escritos fueron tan importantes como los edificios que proyectó y, además, tuvieron una mayor difusión. Referidos concretamente a las artes escribió "De pictura", "De statua", "De re aedificatoria" y una descripción de la ciudad de Roma. 5 Alberti estudió también las ruinas romanas. Utilizó como formas geométricas básicas el cuadrado y el círculo. Para Alberti la belleza es la correspondencia de las partes entre sí y con el todo, del que nada se puede añadir ni quitar sin romper la armonía. Su conocimiento de la Antigüedad, su formación intelectual, el hecho de que ejerciera como arquitecto también en la práctica, sus contactos con los más avanzados centros culturales italianos y europeos (Roma, Ferrara, Francia, Alemania), y su capacidad para afrontar problemas de tipo teórico, le convirtieron con frecuencia en asesor de príncipes y Papas mecenas.

Alberti realizó la fachada de la iglesia de Santa María Novella (1456) en Florencia, que es una fachada a modo de 5 En "De re aedificatoria" tomó de Vitrubio, entre otras cuestiones, la idea de la proporción como fuente de belleza y la analogía entre la figura humana y la arquitectura.

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telón, de una iglesia gótica preexistente. En esta fachada Alberti utiliza como material mármoles de distinto color, que era una tradición constructiva toscana. En el empleo de un frontón clásico es otro elemento tomado del repertorio ofrecido por la Antigüedad, repertorio que Alberti reelaboró siempre con gran libertad. La relación armónica entre el ancho cuerpo inferior y el, mucho más estrecho, cuerpo superior de esta fachada, la resolvió el arquitecto con dos “aletones” o volutas motivo de gran repercusión en la arquitectura religiosa del siglo XVI y del barroco (iglesias jesuíticas). Hubo en Florencia un tipo de palacio que, aunque tuvo menos imitadores que el palacio Pitti, fue el que reflejó los principios de la nueva arquitectura con mayor rigor. Se trata del palacio Rucellai, (1450-‐60) cuya fachada se suele atribuir a Alberti: En esta fachada –donde vuelva a aparecer el almohadillado-‐ encontramos tres cuerpos claramente diferenciados en los que encontramos los tres órdenes clásicos. La inspiración de esta superposición de órdenes es clara: el Coliseo de Roma. La fachada se remata con una cornisa. La medida base es el cuadrado y la alternancia de vano/muro/pilastra marca un ritmo perfectamente armónico. Las proporciones y el lenguaje clásico de esta fachada otorgaron al edificio una gran consideración por parte de los contemporáneos. 6 Ejemplos de arquitectura renacentista en Italia: el Cinquecento y el Manierismo El siglo XVI es el siglo del Clasicismo y también de su crisis: el Manierismo. A la arquitectura del Cinquecento –sobre todo entre los años 1500-‐1520-‐ se la denomina Clasicismo o Alto Renacimiento. Implica llevar el ideal renacentista hasta su máximo desarrollo y esplendor. Esta etapa apenas dura las dos primeras décadas del siglo XVI. Durante el Cinquecento encontramos una arquitectura de una monumentalidad grandiosa, muy bien proporcionada e inspirada en el mundo clásico. Hay primacía de las líneas arquitectónicas en detrimento de la decoración arquitectónica y utilizan el “orden gigante” en los soportes. El gran centro artístico ya no fue Florencia sino Roma y el mayor mecenas, el papado (Julio II). También las cortes de las monarquías emergentes promovieron el arte. Se da una gran importancia al urbanismo y existe una preocupación por situar el edificio en el marco ambiental adecuado. Se conocen y dominan mejor las formas grecorromanas. Se presta gran atención a las cuestiones técnicas; en esta época se escriben muchos tratados. Pocas veces ha podido contar una ciudad con una reunión de talentos geniales como la que Roma logró en las dos primeras décadas del quinientos con Bramante, Miguel Angel y Rafael, la más alta cima del Clasicismo, y a la vez génesis de los movimientos manieristas que siguieron. También se dio en la Ciudad Eterna un plantel de mecenas y promotores que, junto con los pontífices, cardenales y banqueros, la embellecieron hasta convertirla en el enclave monumental más prestigioso de Europa.

Entre los principales arquitectos del Clasicismo del Cinquecento encontramos a DONATO BRAMANTE. La obra que marca el paso al Cinquecento es su templete de San Pietro in Montorio, en Roma, realizado por encargo de los Reyes Católicos. Se trata de un templete conmemorativo en un lugar de Roma donde, según la tradición, el apóstol San Pedro había sido crucificado y decapitado. Fechado en 1502, en él se concretan los ideales arquitectónicos del Renacimiento pleno o Clasicismo, por ello puede tomarse como modelo. La admiración que

6 Otra obra paradigmática de su producción fue el templo de San Francesco en Rímini (1450-‐1466) más conocido como templo malatestiano. Fue el encargo a Alberti de uno de esos príncipes humanistas que definen toda la época: Segismundo Malatesta.



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suscitó se pone de manifiesto en el hecho de que el pintor Rafael lo representase en su cuadro Desposorios de la Virgen. Este templete es de planta circular y se alza sobre tres escalones. Sobre ellos descansa una fila de dieciséis columnas de orden toscano y un friso con triglifos y metopas decorados con motivos ornamentales alusivos al Papado (tiara, etc.). Sobre el friso encontramos una balaustrada. Pero lo que hemos descrito no es sino el hermoso envoltorio que da acceso a un pequeño edificio circular de dos pisos. Aparecen profundas hornacinas con grandes ventanales, separados entre sí por pilastras. Este templete, de dos pisos o cuerpos, está cubierto con una cúpula. La cúpula, nos transporta desde el mundo terrenal al celeste. La huella de la arquitectura grecorromana es bien evidente en esta obra (templos de Vesta, el Panteón de Agripa…). Este edificio ha sido interpretado filosóficamente como la plasmación plástica de las teorías neoplatónicas.7

El Manierismo sucede a la etapa del Clasicismo. En torno a 1520-‐1530 se abandona paulatinamente la severidad, la claridad y el equilibrio del clasicismo. El modelo clásico entra en crisis. El manierismo adquiere una gran difusión en cortes europeas como en la del emperador Rodolfo II de Praga, en la de Felipe II en El Escorial, los círculos papales, la república veneciana, etc. Hay en el manierismo una fascinación por lo caprichoso, lo exótico y sorprendente. Es una tendencia ecléctica que no propugna un único modelo estético. El Manierismo se plasma en pintura, escultura, arquitectura y artes decorativas. Fue una tendencia artística un tanto críptica (: de difícil comprensión), sólo apta para iniciados. 8

El primer arquitecto en romper el lenguaje clásico será MIGUEL ÁNGEL. Arquitecto, escultor, pintor y poeta, él será quien inicie estas nuevas formas, sometiendo los elementos clásicos a una interpretación personal. Miguel Ángel se siente ante todo escultor y trata a la arquitectura como si de una escultura se tratase; utiliza las formas

7 La belleza es, para los neoplatónicos, el esplendor de la bondad divina, la cual se va desintegrando en su camino por la región celestial en tantos rayos como esferas o cielos hay. Los artistas que abrazan tal concepción del mundo van a crear formas próximas a esta idea de belleza unida a la divinidad. De ahí que el círculo y la esfera sean consideradas como las figuras perfectas y estén presentes en todas aquellas obras que aspiran a la consecución de un ideal estético cercano a lo absolutamente bello y, por tanto, a lo absolutamente perfecto. 8 El Manierismo afecta a todas las artes. Por lo que se refiere a la arquitectura se utilizan órdenes gigantes, se produce un gran desarrollo del entablamento, los frontones aparecen inacabados, esculturas en cornisas...

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clásicas con plena libertad. Entre las obras arquitectónicas que desarrolló Miguel Ángel la más grandiosa fue la cúpula de la Basílica de San Pedro del Vaticano. La basílica de San Pedro del Vaticano en su origen fue una iglesia paleocristiana construida para conservar el cuerpo del apóstol San Pedro, el primer Papa de la historia. Pero, con el paso de tiempo amenazaba ruina. Durante el Renacimiento varios arquitectos presentaron diversos proyectos para reconstruir la iglesia: en primer lugar, Bramante, que planteó una iglesia de planta de cruz griega inscrita en un cuadrado y cubierta por cinco cúpulas. Pero su muerte interrumpió este proyecto. Intervinieron después Rafael –que prefería una planta de cruz latina-‐; Sangallo; y Miguel Ángel. Miguel Ángel retomó la idea de Bramante de planta de cruz griega y diseñó la gran cúpula concebida sobre el altar mayor y la tumba del Apóstol San Pedro. La cúpula, con 4metros de diámetro y sobre un espectacular tambor, se eleva por encima de las colinas de la urbe, quedando como punto de referencia para toda la cristiandad. Presenta ventanales cuadrados en forma de pórtico greco-‐romano (igual que los del Partenón) alternándolos con ventanales cuadrados también pero con dintel de media circunferencia. Parejas de columnas gemelas recorren el tambor. Sobre el tambor se eleva un “segundo tambor” con decoración de guirnaldas y sobre éste la cúpula en sí, apuntada, y de nervios destacados. Sobre la cúpula se eleva una linterna abierta a la luz, también entre pares de columnas. Todo ello dentro ya de un lenguaje plenamente manierista. Esta cúpula, inspirada en la realizada por Brunelleschi para la catedral de Santa María de las Flores de Florencia, se terminó de construir varios años después de la muerte de Miguel Angel.9 La configuración actual de la basílica es posterior a Miguel Ángel. Fue Carlo Maderno durante el Barroco quien realizaría la fachada, la planta de cruz latina etc. Y Bernini, también en el Barroco, llevó a cabo la columnata y la bellísima plaza de San Pedro.

3. LA ESCULTURA ITALIANA DEL RENACIMIENTO La escultura renacentista surge, como la pintura y la escultura en Italia, en concreto en Florencia. Allí encontraremos a los más importantes escultores y teóricos de la escultura. Y también en Roma. La imitación de las formas clásicas comienza en la escultura antes que en las otras artes.

Podemos distinguir varias etapas:

• Quattrocento: formación, corresponde en Italia al siglo XV, aunque ya fue iniciado en XIV. En España y otros países europeos se reduce a los primeros años del siglo XVI.

• Cinquecento: en esta etapa encontramos dos tendencias: la madurez del Renacimiento, es el Renacimiento pleno (Clasicismo). Y el Manierismo (crisis del modelo clásico).

9 Los arquitectos que terminaron la cúpula diseñada por Miguel Angel fueron Doménico Fontana y Giacomo della Porta. Giacomo della Porta otorgó a la cúpula un perfil más agudo que el planteado inicialmente por Miguel Angel.



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La escultura renacentista en Italia se basa fundamentalmente en:

• El estudio e imitación de la naturaleza, embelleciéndola si es necesario. Son obras idealizadas, armoniosas, proporcionadas…

• La influencia de la escultura del mundo clásico (Grecia y Roma): en temática, materiales, ideal de belleza. • No es una mera copia del mundo clásico.

La escultura medieval solía tener una función de adoctrinar (docente-‐catequética), era muy importante la temática, y a veces interesaba más el fondo que la forma. Por el contrario los artistas del Renacimiento se buscan la perfección y la belleza y conceden menos importancia al mensaje religioso, aunque pueda tenerlo. Las esculturas renacentistas tienen un principio y un fin en si mismo, es el arte por el arte, la búsqueda del placer estético.

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La temática de la escultura renacentista en Italia oscila entre temas religiosos y profanos. Los temas religiosos representan a santos, figuras sagradas del Antiguo y el Nuevo Testamento, etc. El género religioso fue siempre cultivado con preferencia.

Por lo que se refiere a los temas profanos, la escultura profana en ocasiones está hecha para mayor gloria del retratado. Estatuas ecuestres y retratos de figuras poderosas de la ciudad pueblan las calles y plazas de las ciudades. El retrato es el gran descubrimiento de esta época. Encontramos frecuentemente temática de carácter mitológico. También los escultores realizan monumentos funerarios. Es la hora, asimismo, de la ornamentación de los jardines que reclaman, para sus glorietas y grutas caprichosas, fuentes y esculturas alegóricas, a veces volcadas hacia la extravagancia y la irracionalidad, pero ordenadas en pautas urbanísticas asomadas a la naturaleza, el verdor de la fronda y la cantarina sonoridad del agua. Las fuentes monumentales también contribuirán, en competencia con las estatuas y retratos históricos, al ornato de calles y plazas del trazado urbano.



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Surge en esta etapa una gran afición por el estudio científico y anatómico del cuerpo humano, del desnudo. El desnudo había estado muy vetado por la Iglesia durante la etapa medieval siendo poco frecuente en el arte. El gusto por el desnudo tanto en relieve como en bulto redondo es muy frecuente en la escultura renacentista, como lo fue también en la escultura grecorromana.

Encontramos ejemplos tanto en obras de bulto redondo o exentas como en relieve, ya sea altorrelieve, o bajo relieve.

Por lo que se refiere a los materiales, son diversos. La escultura del Renacimiento se sirvió de toda clase de materiales principalmente del mármol, bronce y madera. La técnica de la fundición del bronce alcanza una extraordinaria perfección igual que la habrá del mármol o de la piedra. Muchos escultores proceden del ámbito de la orfebrería, de ahí el uso del bronce. Se usa también la madera policromada. En Florencia se generalizó el barro cocido –la terracota-‐ que se solía colorear y vidriar.

• Las estatuas y relieves de madera en esta época suelen decorarse con pinturas siendo preferida en el siglo XVI (sin abandonarla del todo en los siguientes) la decoración llamada estofado.

• Las esculturas en mármol se dejan con el natural color de la piedra por haber creído los artistas que en la escultura clásica no se les aplicaba ninguna pintura.

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Los escultores salen del anonimato. Las esculturas del renacimiento no suelen ser anónimas. Los artistas suelen realizar las obras por encargo. Influyen en los artistas porque los coleccionistas atesoran las obras de arte que son fuentes de inspiración para los escultores. Ej. los Medici en Florencia

En el Renacimiento se vive una época dorada de la escultura.

En los primeros artistas del Quattrocento puede advertirse una esbeltez de proporciones y una elegancia lineal y curvilínea que viene del gótico internacional, junto a un gusto por lo realista y anecdótico de la misma procedencia. Los grandes escultores del Quattrocento fueron: Ghiberti, Donatello, Jacopo della Quercia, Verrocchio, Lucca della Robbia y un largo etcétera. La escultura del Cinquecento se caracteriza por el gusto por lo monumental, el relieve plano casi desaparece y se prefiere el bulto redondo y el tamaño superior al natural. Recordemos que en 1506 se produjo el descubrimiento de la escultura helenística del Laocoonte que tanto influiría en la época, sobre todo en Miguel Ángel. En el Cinquecento, el centro artístico fue Roma y los grandes escultores de esa etapa se vieron eclipsados por el gran genio de Miguel Angel. El Manierismo, por su parte, es una vuelta de tuerca más al Renacimiento. Implica la crisis del arte clásico, de su armonía y perfección y manifiesta una tendencia hacia la búsqueda de dinamismo, la expresividad, la inquietud,… Entre los escultores manieristas, el más destacado es Miguel Angel, exceptuando sus inicios, que podemos encuadrar dentro del Alto Renacimiento o Renacimiento pleno (clasicismo). Fueron también grandes escultores manieristas Bacio Bandinelli o Giambologna y especialmente Benvenuto Cellini. Cellini fue, además, un gran orfebre. En el Quattrocento destaca el escultor Donato di Niccolo di Betto Bardi, más conocido como DONATELLO (1386-‐1466). Fue el típico humanista del renacimiento, muy polifacético y apasionado, no sólo de la escultura, sino también de la pintura, la arquitectura, la orfebrería, etc. Podemos considerarlo como el gran creador del Renacimiento en escultura, el más importante hasta la llegada de Miguel Ángel. En su juventud estudió en Roma. Su obra se caracteriza por la búsqueda de equilibrio clásico y la belleza, una belleza frecuentemente idealizada aunque en ocasiones tiende hacia valores dramáticos. Trabajó para diversos mecenas y ciudades, dominando todos los géneros, materiales y técnicas. La gran expresividad que confiere a sus obras es uno de sus rasgos más característicos. Su gran preocupación temática en la escultura es el hombre y su tratamiento en distintas épocas: niñez, juventud, madurez. Crea la tipología del retrato renacentista e introduce también la escultura ecuestre, a partir de él este tipo de escultura tendrá una gran repercusión en el Renacimiento y en el Barroco. Los materiales que utiliza son preferentemente el mármol y el bronce. Hizo esculturas en relieves y de bulto redondo. Obras más destacadas de Donatello LA CANTORÍA DE LA CATEDRAL DE FLORENCIA: es un canto a la alegría infantil. Las figuras están concebidas en alto relieve y aparecen enmarcadas entre columnas. Esta obra es una excusa para el estudio anatómico, los plegados, el movimiento… Los paños transparentes permiten analizar el cuerpo humano.



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SAN JORGE: es el prototipo de caballero cristiano. Aparece muy bien vestido y su coraza le sirve de apoyo. DAVID: sobre esta figura bíblica realizó cuatro esculturas muy diferentes. En esta imagen, David aparece vestido como pastor, con un sombrero. Es una obra de un gran naturalismo idealizado, muy deudor del clasicismo griego. Presenta un ligero contraposto que nos recuerda a Praxiteles en la curva y contracurva. Es el primer ejemplo de escultura desnuda a tamaño real desde la Antigüedad. Reposo y dinamismo a partes iguales. Hay que destacar el gesto complaciente que presenta por haber vencido a Goliat. David simboliza la victoria de la inteligencia sobre la fuerza bruta.

MAGDALENA PENITENTE: es una obra realizada en madera policromada, en la que se ha perdido el idealismo de otras de sus obras. Muestra la vejez de una forma feísta. BUSTO DE NICOLLÒ DA UZZANO: Donatello creó la tipología del retrato de busto renacentista como se muestra en este ejemplo. Muchas familias le encargan este tipo de obras. El CONDOTTIERO GATTAMELATTA (en Padua): es uno de los retratos ecuestres más célebres del Renacimiento, realizado en bronce. Es una escultura de gran serenidad. El caballo apoya una pata en una bola para no perder el equilibrio. En las crines, los ojos, la boca, se observa un gran detallismo y naturalismo. El caballero muestra una actitud altiva, mirando al frente en actitud de vencer. Su fuente de inspiración fue la estatua del emperador romano Marco Aurelio. Esta obra está considerada como la primera estatua en honor a un guerrero de todo el mundo moderno.

4. LA PINTURA ITALIANA DEL RENACIMIENTO La pintura renacentista italiana es uno de los capítulos más apasionantes de la Historia del Arte de todos los tiempos. Es impresionante el elenco de grandes pintores, tanto del Quattrocento como del Cinquecento que encontramos en Italia.

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En Italia, y más concretamente en Florencia, se experimentó una auténtica revolución pictórica en todos los niveles, aunque no debemos olvidar las aportaciones técnicas que plantearon los artistas flamencos por la misma época: la técnica del óleo. Los principios estéticos de la nueva pintura fueron codificados por el humanista florentino León Battista Alberti en su tratado artístico “De pictura” (siglo XV).

La pintura renacentista supone una vuelta a la cultura clásica, a la búsqueda de la belleza basada en la medida, el número y la proporción. Son pinturas que se realizan por encargos (de mecenas políticos o religiosos). Se realizan contratos donde vienen especificadas hasta el mínimo detalle las condiciones (el número de figuras, los materiales…). Había pintores que estaban al servicio de un mecenas que les daba un sueldo mensual.

Es una pintura naturalista, es decir, preocupada por la representación de la realidad de la Naturaleza. Ello no es óbice para que se tienda a representaciones de belleza idealizada. La idea de mímesis del mundo grecorromano se hace presente.



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Los pintores renacentistas desarrollaron la perspectiva que podemos considerarla como el procedimiento para representar gráficamente objetos en tres dimensiones.10 La pintura se configura como una “nueva ciencia”: tiene su fundamento en la observación de la naturaleza y la perspectiva matemática.11 La perspectiva lineal o geométrica se utiliza para crear espacios tridimensionales, las líneas convergen en un punto de fuga. Da lugar a espacios construidos de una forma racional propia de la nueva mentalidad renacentista.

La temática de la pintura del Renacimiento en Italia es predominantemente religiosa pero se cultivan también temas mitológicos o profanos. El retrato tiene un gran auge, muchas veces de perfil. Los retratos –majestuosos y llenos de serenidad-‐ dejan de ser descriptivos para ser psicológicos, incluso dramáticos (ej.: en Rafael y en Tiziano), se cuida mucho la expresión, la posición de las manos, la riqueza de los vestidos, los gestos…Los estudios anatómicos son muy frecuentes.

También abundan las pinturas mitológicas y las alegorías: ideas abstractas representadas como imágenes. Por ejemplo la representación de los sentidos, del vicio versus la virtud, etc. El paisaje llega a convertirse en género independiente conforme va avanzando el siglo XV. La pintura se realiza sobre muros, tablas y lienzos, siendo las técnicas más comunes el fresco12, el temple13 y el óleo. La principal innovación técnica es, desde 1475, la técnica del óleo14.

10 La perspectiva aérea, por su parte, perfecciona la anterior, representando a la atmósfera que envuelve los objetos del cuadro, esfumando las líneas convergentes, eliminando los límites entre el dibujo, la forma y el color. 11 Ya decía Leonardo que pintar era “cosa mentale”. 12 Fresco: colores disueltos en agua. Se realiza siempre sobre muros que se preparan previamente con yeso fino. 13 Temple: técnica pictórica que consiste en diluir los colores en agua templada engrosada con aglutinantes como leche, huevo, goma arábiga. Se realiza sobre tabla o lienzo.

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La luz adquiere gran importancia. Es uniforme y a veces sirve para modelar y para crear espacios. Por lo que se refiere a la composición, las figuras se reparten ordenadamente y con un plan preconcebido destacando sobre un fondo paisajístico o arquitectónico. Son composiciones armoniosas y cerradas, en ocasiones con formas geométricas como triángulos. Como en el resto de las artes, se buscan las proporciones perfectas, las proporciones áureas.15 Cronológicamente, podemos distinguir varias etapas en la pintura italiana del Renacimiento: 1. El Quattrocento corresponde al siglo XV. Es la etapa de iniciación. Se desarrolla sobre todo en Florencia. Son sus principales representantes, entre muchos otros, Masaccio, Sandro Botticelli, Paolo Ucello, Doménico Ghirlandaio, Andrea Mantenga, Piero della Francesca etc. 2. En el Cinquecento, que es el siglo XVI, encontramos dos tendencias artísticas: la Clasicista (Alto Renacimiento o Renacimiento pleno) y por otro lado, contraponiéndose a la anterior, la tendencia Manierista. Los principales pintores del Cinquecento son: Leonardo, Rafael, Miguel Ángel, Giorgione y Tiziano. El Clasicismo es la etapa de madurez. Supuso llevar a sus máximas consecuencias los logros artísticos del Quattrocento. Las obras de Leonardo da Vinci, y parte de la producción de Rafael de Sanzio y Miguel Angel Buonarroti ejemplifican lo mejor del Clasicismo. Con el Clasicismo se avanza en el estudio de la luz, de las proporciones –siempre en base a la medida humana-‐ y se acentúa la representación de la belleza idealizada. El centro artístico del Clasicismo se encuentra en Roma. Pero el siglo XVI es la época también del Manierismo, es decir, de la crisis del modelo clásico y de la sociedad de la época16.

Es un arte intelectual, refinado y cortesano, por eso no tuvo expansión en las clases populares y quedó reducido a ciertas élites. Las figuras se deforman, pierden las proporciones, armonía e ideal de belleza clásico. Triunfan las líneas

14 Óleo: esta técnica utilizada a partir del siglo XV consiste en diluir los colores en aceites (linaza) secantes y aplicarlos sobre tabla o lienzo previamente preparados. Es la técnica maestra, da más riqueza en el colorido. 15 La sección áurea se representada con la letra griega PHI o FI Φ = 1,61803… La sección áurea es la división armónica de una segmento en media y extrema razón. Es decir, que el segmento menor es al segmento mayor, como este es a la totalidad. De esta manera se establece una relación de tamaños con la misma proporcionalidad entre el todo dividido en mayor y menor. 16 El saco de Roma realizado por las tropas de Carlos V; el surgimiento de la Reforma protestante; las luchas de Francia y España por dominar Italia, etc.



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“serpentinatas” (: en forma helicoidal). El manierismo de hace presente en los pintores italianos del Cinquecento como Miguel Angel, el Parmigianino, Arcimboldo, etc. y en el caso español, en el Greco, entre otros.

Ejemplos relevantes de la pintura del Quattrocento italiano

*MASACCIO (1401-‐1428) Masaccio revolucionará la pintura aportando soluciones nuevas. Su importancia es semejante a la de Brunelleschi en arquitectura y a la de Donatello en escultura. Murió en plena juventud, con tan sólo veintisiete años, pero lo que hizo en su corta vida fue suficiente para constituirse en el verdadero pilar del nuevo estilo pictórico, borrando de la pintura florentina todo resto del pasado. Masaccio mostró en sus obras el gusto naturalista para los fondos, paisajes o arquitectura, dotó a las figuras de peso, volumen y monumentalidad –son figuras que se pueden rodear-‐ y construyó racionalmente el espacio mediante la aplicación de la perspectiva. El estilo de Masaccio está inspirado en la escultura de Donatello. Concede gran importancia a la expresión y gestos de sus personajes y al empleo de la luz. Va a influir en artistas como Botticelli, Fra Filippo Lippi o Miguel Ángel. Sus obras clave fueron las pinturas al fresco que realizó para la capilla Brancacci de la iglesia del Carmine de Florencia: Adán y Eva, El tributo de la moneda, etc. El tributo de la moneda muestra una temática religiosa. Narra la llegada de Jesús con sus apóstoles a Cafarnaúm, recogida en el Evangelio según San Mateo, en tres episodios dentro de la misma composición: en el centro contemplamos al recaudador solicitando el tributo a Cristo y éste indicando a Pedro que en el agua encontrará el dinero; en el fondo, a la izquierda, observamos a san Pedro sacando una moneda de la boca de un pez; y en la derecha el pago del tributo ante una construcción.

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El tributo de la moneda, Masaccio

Las figuras del grupo principal se sitúan en un paisaje, formando casi un círculo y vestidas a la manera griega. Su monumentalismo -‐basado en proporciones áureas-‐ está inspirado en las estatuas clásicas y en las obras de Donatello por las que Masaccio sentía especial admiración. Conviene destacar la expresividad de los rostros, que aportan una tremenda sensación de realismo, reforzada por los gestos. Al ubicar al recaudador de espaldas, el maestro intenta involucrarnos en la escena y hacernos partícipes del episodio. La luz inunda la composición, resaltando los colores empleados -‐que también sirven para dar efecto de perspectiva a la obra colocando los más cálidos en primer plano y los más fríos al fondo-‐ y el efecto volumétrico de los personajes, interesándose Masaccio por la anatomía, como se observa en las piernas del recaudador mientras que los apóstoles ocultan sus cuerpos bajo pesadas túnicas. Incluso se puede afirmar que existe una cierta sensación atmosférica, desdibujando los contornos de la zona final. La arquitectura de la derecha es aún algo arcaica pero sirve para obtener perspectiva. Esta obra será un referente para muchos pintores renacentistas (Ucello, Piero della Francesca, etc.) Es una pintura donde se hace presente el anacronismo: sitúa la escena en una arquitectura renacentista, siendo la vestimenta típica de esa época. En la Trinidad que realizó para la iglesia de Sta. María Novella de Florencia, se aprecia el esfuerzo realizado para lograr una perfecta composición en perspectiva, muy cerca del espíritu de Brunelleschi. *SANDRO BOTTICELLI (1445-‐1510) Pertenece a la última generación de pintores del Quattrocento. Lorenzo el Magnífico, un miembro preeminente de la poderosa familia Medici, fue uno de sus principales mecenas. Botticelli participó activamente en el círculo de humanistas de la corte de esta figura esencial del mecenazgo y coleccionismo renacentista. Botticelli confiere más importancia al dibujo que al color. Usa y abusa de las formas sinuosas y fluidas, un tanto planas. Realiza figuras elegantes, refinadas, casi etéreas, con rostros ovalados y tendencia hacia la melancolía. Exalta a la mujer en sus obras. El paisaje es para él, algo secundario y da mucha importancia a la expresividad. Realizó temas religiosos y profanos. Desde un punto de vista formal, el pensamiento neoplatónico, de naturaleza mística, está en la base de la pintura de Botticelli. El neoplatonismo fue lo opuesto a las tendencias naturalistas en auge en esta época. Al final de su vida, su estilo resultaba algo arcaico y murió casi completamente olvidado, teniendo que pasar cerca de cuatro siglos para que, durante la segunda mitad del siglo XIX fuera reivindicado y se situara en el nivel de gran popularidad que hoy alcanza.



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El nacimiento de Venus y la Primavera, dos de sus principales obras, han sido interpretadas en clave neoplatónica. El nacimiento de Venus es una obra de su primera etapa. El tema deriva de la literatura homérica y latina especialmente de la Metamorfosis de Oviedo. Muestra un tema mitológico en un paisaje primaveral y bucólico, lleno de referencias clásicas. Esta obra sería el nacimiento de la Venus celeste, engendrada por la naturaleza y por la unión del espíritu con la materia. Pero este nacimiento de Venus puede ser también, según Argan, el del alma cristiana surgiendo del agua del bautismo, produciéndose así una concordatio17 entre pensamiento antiguo y religión cristiana. Prescinde Botticelli de la perspectiva, estiliza las figuras, trata a la naturaleza como decoración buscando ante todo la belleza: en La Primavera hace casi un inventario botánico de especies de flores. La Venus tienen un aire ausente y nostálgico que nos habla de la belleza de la perdida Edad de Oro, rememorada con nostalgia por los neoplatónicos.

17 Concordatio: procede del italiano, significa “concordancia”.

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Fuente de los gráficos: Jesús Vicente Patiño La Primavera: ha sido objeto de muchas interpretaciones. Aparece Mercurio lanzando su vaina al cielo, ahuyentando a la lluvia; la diosa Venus con Cupido, dios del Amor, y la Primavera cubierta de flores. La diosa Flora es perseguida por Céfiro (es un viento, mensajero de la primavera). El significado de esta obra ha sido interpretado en que en el amor lo que llega a la tierra como pasión (Céfiro), regresa al cielo como contemplación (Mercurio). Utiliza la técnica de las veladuras.18 Fue un encargo para los Médici y representa este estilo de pintura decorativa clásica y de tema mitológico.

18 La técnica de veladuras consiste en ir aplicando una capa de pintura sobre otra de manera muy fina, semitraslúcida de forma que se aprecie parte del fondo anterior y gane tonalidades diferentes con las nuevas capas.



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Ejemplos relevantes de la pintura del Cinquecento italiano: Clasicismo y Manierismo

*LEONARDO DA VINCI (1452-‐1519) Leonardo da Vinci es un ejemplo universal de síntesis entre la personalidad del artista y del científico. Era el prototipo del humanista del Renacimiento: pintor, dibujante excepcional, estudioso de la anatomía humana, diseñador de máquinas para volar…. Fue principalmente un teórico, no nos ha dejado demasiadas pinturas aunque realizó muchos dibujos. Nació en un pueblecito de la Toscana llamado Vinci. Su personalidad fue un tanto críptica y misteriosa. Durante gran parte de su vida pasó apuros económicos. Tuvo una vida artística errante (Florencia, Milán, Roma…), y empezó sus estudios artísticos en el taller de Verrocchio. Fue reclamado por diferentes mecenas entre ellos Ludovico Sforza (Ludovico el Moro), César Borgia, o el rey francés Francisco I. Por su influencia artística, doctrinal y práctica, es uno de los grandes talentos del Cinquecento, aunque generacionalmente pertenezca al Quattrocento. Podemos decir se convirtió en una especie de híbrido entre dos épocas. Una parte muy importante de su obra es inacabada o se perdió por su precaria conservación. Leonardo propondrá un nuevo sistema de perspectiva, la perspectiva aérea: consiste en representar la atmósfera que envuelve los objetos, esfumando las líneas (el sfumato de Leonardo es difuminar los contornos), eliminando los límites de forma y color, dando una impresión muy real de la distancia. Es una pintura de aire misterioso, aparentemente inacabada. Entre otras aportaciones de Leonardo destaca su uso extraordinario del claroscuro y una fantástica representación de la naturaleza. Sus dibujos son de una calidad excepcional y en gran parte se conservan en el Castillo de Windsor en Inglaterra. Por lo que se refiere a sus pinturas destacamos: la dama del armiño, la Virgen de las Rocas, La última cena y la Gioconda.

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La Virgen de las rocas muestra una ambientación muy innovadora: un paisaje irreal y ensoñador, muy misterioso, una especie de telón de fondo. Los contornos no están claramente definidos: es el célebre esfumato leonardesco. El esfumato propicia dar volumen a las figuras y suaviza los contornos. La perspectiva aérea está perfectamente conseguida. La composición es triangular, muy cerrada, todas las figuras están conectadas entre sí, siendo la Virgen el ángulo superior. La zona del triángulo recibe la iluminación principal. Las figuras están en reposo pero ciertos gestos de las manos otorgan dinamismo a la obra. La última cena se conserva en Milán, en el Refectorio del Convento de Santa María de las Gracias. Es un mural, arruinado ya en vida del propio autor por atrevidas ocurrencias experimentales y objeto de infames repintes y restauraciones. Fue un encargo de la familia de los Sforza, sus mecenas de Milán. El tema que representa es de carácter religioso: la última cena de Jesús. Representa el momento en el que Jesús anuncia que uno de sus discípulos le va a traicionar. La disposición de las figuras responde a un esquema nuevo: no hay rigidez, busca el dinamismo, y distribuye las figuras en cuatro grupos de tres personas. Son composiciones triangulares. Las figuras se conectan a base de gestos y miradas. La escena se desarrolla en una sala rectangular. La habitación se nos muestra en profundidad, en perspectiva, con una serie de líneas de fuga hacia el centro. Las líneas de fuga confluyen en la figura de Cristo, el cual está en el centro de la mesa. Al fondo, las tres ventanas dejan ver un paisaje que aumenta el espacio. –la composición es triangular-‐ y le otorga sensación de reposo. Cada rostro es perfectamente distinto a los demás reflejando la psicología de cada personaje.

La Gioconda es el retrato de una mujer real: Mona Lisa, tercera esposa de Giocondo de Florencia. Se conserva en el museo del Louvre de París y es una de las obras de arte más conocidas en todo el mundo. -‐Ha sido objeto de muchas versiones por otros artistas, incluso del siglo XX (Marcel Duchamp, Botero, etc.). Es una obra emblemática del estilo de Leonardo: este bellísimo retrato femenino se recorta –con el esfumato-‐ sobre un paisaje idealizado y ensoñador, envuelto en neblinas con rocas fantásticas. Todos los colores están trabajados a base de blancos y grises que diluyen las formas e integra a la figura dentro del paisaje.



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*RAFAEL SANZIO (1483-‐1520) Rafael Sanzio, conocido como Rafael, poseyó una personalidad más equilibrada que la de Leonardo y Miguel Angel. Natural de Urbino, no maduró como artista hasta pasar por Florencia, donde residió a inicios del siglo XVI. Se convirtió en el ejemplo más admirado del Clasicismo del Cinquecento: armonía, belleza ideal, claridad compositiva definen sus obras. A pesar de su corta vida -‐ murió a los 37 años en Roma-‐, realizó una obra es muy extensa. Sus influencias principales eran Leonardo y Miguel Ángel. Dominaba el dibujo y el color. En su etapa final muestra rasgos manieristas. Como retratista, Rafael fue un consumado maestro y destacó en las representaciones de la Virgen María con el Niño Jesús, refinadas y dulces, en el extremo opuesto del espíritu atormentado de Miguel Ángel. Entre sus obras destacan los frescos que pintó para diversas estancias vaticanas: “La escuela de Atenas”, “el incendio del Vorgo”, “el Parnaso” y “La disputa del Sacramento”.

La escuela de Atenas es una obra de madurez de su etapa romana, ejemplo del Clasicismo del Cinquecento. Esta obra se conserva en el Vaticano ya que fue el propio Papa el que le encargó la realización de este mural y de otros tres más en las estancias vaticanas. El marco arquitectónico, claramente renacentista y con reminiscencias grecorromanas, es monumental. Muestra su gran dominio de la perspectiva. Representa un templo imaginario y simbólico de la sabiduría. Los personajes que aparecen son científicos desde la Antigüedad hasta su época (aparece Platón. Aristóteles, etc.) pero pintados con rostros contemporáneos e individualizados. Aristóteles y Platón están en el centro rodeados de otros filósofos. Rafael quería representar las dos tendencias filosóficas opuestas: la platónica y la aristotélica. Hay otros grupos rodeando a los maestros. Los rostros son individualizados pero serenos, bellos en su senectud y muy clásicos. Los gestos son variados, el color armónico y el dibujo y la anatomía perfecta. El canon para las figuras es también el clásico en sus proporciones. Con el Incendio del Borgo, mural también de las estancias vaticanas, Rafael empieza a decantarse por un cierto Manierismo. Rompe el equilibrio armónico entre el fondo y la forma ya que emplea técnicas manieristas. Emplea ya cánones de un manierismo incipiente, cuerpos alargados y reduciendo el tamaño de la cabeza. Un gran retrato masculino es el que realizó Rafael a su buen amigo Baltasar de Castiglione, autor de la célebre obra renacentista llamada el “Cortesano”. Fue pintado circa 1514. El retratado va vestido a la moda, con un jubón de pelo gris y piel vuelta en muñecas y cuello, cubriéndose la cabeza con un elegante sombrero. Rafael ha sabido captar la profundidad psicológica del retratado en su mirada y los gestos de las manos. La figura es de tres cuartos ante un fondo neutro para resaltar su volumen, reforzada con la ubicación de las manos en primer plano. La obra fue copiada por Rubens y Rembrandt, indicándonos su maestría. Otro retrato realizado por Rafael y verdadera obra maestra, es la Fornarina. Fue su modelo y amanta, a la que presumiblemente retrató también en el cuadro llamado La Donna velata, conservado en Florencia en el Palazzo Pitti. La mujer fue identificada durante el siglo XIX con la Fornarina (panadera) Margherita Luti, hija del panadero Francesco Luti da Siena. Sin embargo, es probable que el verdadero sentido de la obra aún esté por aclarar. La mujer es representada con un sombrero de estilo oriental y los pechos desnudos. Hace el gesto de cubrir su pecho izquierdo, o volverlo con su mano, y está iluminada por una fuerte luz artificial que viene del exterior. Su brazo izquierdo tiene una estrecha banda que lleva la firma del artista.

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El gran pintor neoclásico francés Ingres (siglo XVIII), presenta claras influencias de este retrato en algunas de sus obras como la célebre Odalisca, y en un cuadro titulado precisamente “Rafael y la Fornarina”. Es el tema de la artista y la modelo que tantísimos artistas han representado en el arte a lo largo de los siglos, con ejemplos paradigmáticos en el Barroco, el siglo XIX, XX (Picasso, etc.) LA ESCUELA VENECIANA El único centro artístico capaz de rivalizar con Roma en el siglo XVI fue Venecia. No se trata sólo del número de pintores geniales que allí se sucedieron entre fines del siglo XV y durante todo el siglo XVI como Giovanni Bellini, Giorgione, Tiziano, Veronés, Tintoretto, sino de su marcada personalidad como escuela. La pintura veneciana del Renacimiento se caracteriza por el predomino del color sobre el dibujo y por una notable sensibilidad por el paisaje, que permitía sacar mucho partido a la luz y convertir el color en atmósfera. Es un arte sensual que concede una gran importancia al desnudo, al estudio anatómico, a las texturas –la piel, la indumentaria las joyas-‐ y se centra en el detallismo y lo anecdótico así como a la referencias del paisaje y del marco arquitectónico, –con frecuencia de carácter muy teatral y grandilocuente. Las composiciones son muy complejas con profundas perspectivas (diagonales, en zigzag) y juegos visuales. Aunque la temática es principalmente religiosa, suele ser tratada como si fueran grandes fiestas ambientadas en Venecia, mostrando la alegría de vivir y la riqueza de la esta poderosa ciudad. Las clave que elevaron la pintura veneciana a su más alta expresión fueron: Giorgione, Tiziano, Tintoretto y Veronés.

*TIZIANO (1487-‐1576) Su larga vida y una capacidad de producción asombrosa explican el papel crucial que ejerció Tiziano como máximo representante de esta escuela veneciana. Así, desde el estilo refinado, sensual, y brillante de su juventud, un poco a la manera de Giorgione, con el que llegó a colaborar en algunas obras, hasta su dramática e intensa producción final, la trayectoria de Tiziano resumen lo mejor del siglo XVI. Tiziano supo destacar en todos los géneros: mitológicos, históricos, religiosos, paisajísticos, y como retratista fue requerido por los mejores mecenas de Europa, ya que su prestigio alcanzó a Miguel Angel. Un ejemplo de todo ello fue la estrechísima relación que mantuvo Tiziano con Carlos V y Felipe II, siendo éste último su mejor cliente. Esta es la razón por la cual el Museo del Prado posee una de las mejores colecciones existentes hoy en el mundo de este extraordinario pintor. Su talento como retratista fue incomparable y estuvo jalonado de obras maestras como Carlos V en la batalla de Mülhberg, Dánae; Venus y Adonis; Diana y Acteón; Diana y Calisto; el Rapto de Europa y Perseo y Andrómeda, etc.



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*Carlos V a caballo en Mülhberg: es posiblemente el retrato ecuestre más impactante. En este lienzo Tiziano le retrata momentos antes de la victoria de Mülhberg contra los príncipes protestantes de Alemania y los Países Bajos que se habían aliado contra el dominio imperial. El trasfondo era claramente político, pero la excusa fue la guerra religiosa entre católicos y protestantes. Tal vez por esto, Tiziano dota a la imagen del emperador de un aura casi sagrada, en su gesto determinado, impertérrito y ajeno a la fatiga. El colorido tizianesco se aprecia por lo demás en toda su plenitud: los rojos y ocres de la tela son inimitables. Además, inaugura un género que hasta el momento se había tratado muy tímidamente y que alcanza su esplendor en el Barroco: el retrato real a caballo. Como dato curioso, que habla en favor del rigor histórico del artista, la armadura que viste el monarca es una valiosísima pieza labrada en oro y plata que se conserva en la Real Armería de Madrid. Venus y Adonis, es una obra de temática mitológica. Hoy se conserva en el Museo del Prado. Forma parte de la delicada serie que Felipe II encargó a Tiziano para decorar sus habitaciones privadas; se denominaron genéricamente las Poesías y tenían como objetivo mostrar a la mujer desnuda desde diferentes perspectivas. Tiziano se inspiró en la "Metamorfosis" de Ovidio19 para representar estas escenas mitológicas con un contenido claramente erótico. Felipe II se libera así de parte de esa fama de ser oscuro y casi inhumano que le ha caracterizado. La sociedad española de los siglos XVI y XVII sería muy propensa a la dualidad: se pregonaba una actitud y se realizaba la contraria. Si Dánae aparece de frente, la figura femenina en Venus y Adonis se encuentra de espaldas, intentando retener a su amado que, cuando se marche de caza, encontrará la muerte. Las figuras se insertan perfectamente en un paisaje, abandonando Tiziano los estudios arquitectónicos empleados en el Quattrocento para obtener efectos de perspectiva. Ahora las escenas son más naturales y verosímiles. *TINTORETTO (1518-‐1594) Su auténtico nombre era Jacopo Comin, pero era llamado “Tintoretto” porque su padre fue tintorero. Fue discípulo de Tiziano. Su pintura es puro color, con complejas composiciones y perspectivas así como dramáticos gestos y teatrales arquitecturas.

19 Ovidio fue un poeta romano del siglo I a de C que en su obra Metamorfosis muestra la mitología de la época.

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Una de sus obras más conocidas es el Lavatorio de los pies, una escena de contenido religiosa que trata de forma muy innovadora. El artista representa el episodio con Cristo y san Pedro en un extremo de la composición. La mayor parte del lienzo está ocupado por la estancia donde se desarrolla la Última Cena, con la mesa y los discípulos en torno a ella. En el centro sobresale un perro, y detrás los apóstoles descalzándose o en diversas posturas y escorzos. En un segundo plano se estaría relatando un milagro de San Marcos narrado por Jacobo de la Vorágine en su Leyenda dorada. El extremo de la izquierda está dominado por otro apóstol que se está desatando el calzado. Su musculosa anatomía nos remite a Miguel Ángel. La composición aparece descentrada, con la historia principal desplazada a un lado del cuadro. Esto se explica por el emplazamiento original de esta obra, en la pared derecha de una estancia alargada; los creyentes verían más cerca precisamente la parte donde estaba Jesús. Además, la mesa está orientada hacia esa zona, de modo que vista la obra desde la derecha, el escorzo de la mesa acentúa el efecto de perspectiva. A ello también contribuye el pavimento de losas con formas geométricas. En el fondo de este lado izquierdo se ven arquitecturas clásicas de una ciudad que recuerda a Venecia, con una barquichuela entre canales, en azules y blancos bañados por una luz fría, lo que da un aire un tanto irreal. Los elementos arquitectónicos están inspirados en ilustraciones de Sebastiano Serlio. *VERONÉS El Veronés representa en sus pinturas con gran habilidad las texturas y la rica vestimenta de sus personajes con todo detalle. Dominan los tonos fríos y claros como gris, plata, azules y amarillos. Influirá en el color que utilizarán los pintores del Barroco (Rubens), del siglo XVIII (Tiépolo) y en especial del Romanticismo del siglo XIX como Delacroix. Enmarca sus escenas en complejos escenarios arquitectónicos.

5. LA INDUMENTARIA RENACENTISTA ITALIANA A TRAVÉS DE LAS FUENTES ICONOGRÁFICAS PICTÓRICAS La etapa de la indumentaria del Renacimiento es uno de los capítulos más fascinantes de la Historia de la Moda. Hay que tener en cuenta que se conservan pocos vestidos originales del Renacimiento, de modo que es el estudio de la pintura y la escultura de la época, así como las referencias literarias y crónicas históricas20 las que nos arrojan luz sobre tan apasionante período. Por lo que se refiere a las fuentes pictóricas, hay que señalar que afortunadamente el retrato como género pictórico adquirió un inusitado desarrollo en este estilo artístico, dejándonos ejemplos interesantísimos en la pintura renacentista. También en obras de carácter mitológico, histórico, incluso religioso, encontramos en detalle, referencias a ricas texturas, tejidos e indumentos, tanto masculinos como femeninos. Los principales centros de riqueza del Renacimiento fueron los que marcarían la pauta en la moda21. Hasta 1510 fue Italia.

20 También en inventarios, testamentarías, cartas, relaciones de viajes de la época, etc. 21 Véase el catálogo de la Exposición sobre indumentaria renacentista celebrada en el Museo Cerralbo y llamada “La trama y el oro”, Madrid, 2001.



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Después, durante un breve periodo serían los alemanes y flamencos22, pero a partir de mediados de siglo sería España quien dominaría la escena. Hay que destacar el papel relevante que algunas mujeres del Renacimiento tuvieron en la configuración y difusión de modas y tendencias como la española casada con Cosme I de Medici, Leonor de Toledo o la italiana Isabella d´Este. La corte de Mantua, donde residía esta aristócrata, es la que mayor influencia ejerce sobre la moda italiana de la época. De hecho, se conservan cartas en los archivos italianos donde princesas y reinas

22 De Flandes.

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europeas –de Francia y España por ejemplo-‐ le piden a Isabella detalles de la moda del momento. Era además, una experta en perfumes.

Se observa una clara evolución en el vestir femenino: durante la primera mitad del siglo XVI la indumentaria era escotada –con escote cuadrado-‐, la saya o traje dejaba parte de la camisa al descubierto, y las mangas eran redondas y abultadas. En la segunda mitad del siglo XVI, y por influencia de la moda española, la vestimenta se vuelve mucho más rígida, desaparecen los escotes pronunciados, las mangas son más estrechas…

Venecia fue particularmente la ciudad italiana donde el vestido femenino se expresó con mayor libertad: escotes profundos y elementos procedentes de la indumentaria oriental, desde los pendientes a los tocados23. La pintura veneciana del siglo XVI, particularmente la de Tiziano, Tintoretto y Paolo Veronese, el Veronés son especialmente exquisitas en la importancia y detalle que otorgan a las texturas de las telas y ropajes. El color y el brillo de las pinturas de Veronés será fuente de inspiración para artistas de siglos posteriores, desde el Barroco hasta el siglo XIX incluido. Un zapato muy característico de la moda renacentista eran los chapines24. Eran de cuero y presentaban una gruesa suela de corcho, de unos cuadro dedos de altura, a modo de plataforma. No estaban sujetos por detrás y se agarraban con cintas sobre el empeine. Eran de origen morisco. Su influencia pasó a toda Europa, alcanzando sobre todo una gran aceptación en Venecia, donde sus plataformas podían alcanzar una altura considerable.

23 Un cronista se escandalizaba a este respecto porque vio a una veneciana llevando unos pendientes que eran “a guisa di mora”. 24 En Italia se les denominaba zoppieggi y sopei (en Venecia) y en otras regiones calcagnini y tappini.



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En este etapa se le dio una gran importancia al peinado y eran frecuentes las redecillas, que podían ser hechas de diferentes materiales como el terciopelo. Las joyas eran frecuentes en el pelo, sobre todo perlas.

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FUENTES DE IMÁGENES Y DOCUMENTACION Web de J. V. Patiño http://escueladeartetalavera.blogspot.com.es Redondus: http://es.slideshare.net/redondus/fundamentos6-‐romanico Blog de Algargos: http://algargosarte.blogspot.com.es artecreha.com artehistoria.com arteguías.com http://opusincertumhispanicus.blogspot.com.es google.images http://artpower-‐ana.blogspot.com.es/2013/05/la-‐joyeria-‐en-‐el-‐retrato-‐renacentista.html (video realizado por Sally Hernández)

apuntes fundamentos del arte i. tema 8. arte del renacimiento en italia (i)

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