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RENACIMIENTO

Ubicación geográfica

Movimiento artístico de revitalización cultural que se produjo en Europa Occidental en los siglos XV y XVI .Comenzó en Italia y sus centros fueron Florencia y Roma.

Contexto histórico

El Renacimiento es fruto de la difusión de las ideas del Humanismo que determinaron una nueva concepción de ver al hombre y al mundo.Los humanistas defendían el antropocentrismo, una concepción del mundo en la que el hombre ocupaba un lugar central-en oposición al teocentrismo medieval-pero sin negar la existencia y el poder de DIOS. Proponían una religiosidad más personal y directa, más libre de las interferencias del clero y de las instituciones religiosas.Las sociedades fueron dominadas progresivamente por instituciones políticas centralizadas, con una economía urbana y mercantil, en la que se desarrolló el mecenazgo de la educación, de las artes y de la música.Gutemberg inventa la imprenta.Tradicionalmente se distinguen en el Renacimiento italiano dos grandes períodos: el llamado Quattrocento, correspondiente al siglo XV y cuya sede principal fue Florencia, el Cinquecento s.XVI, en el que el predominio cultural pasó Roma.

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Características Generales.

Antropocéntrico.Racional.Equilibrado.Armonioso.Sentido de la perfección (anatomía, geometría y perspectiva)

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ARQUITECTURA

Proporciones equilibradas y armoniosas.Cúpulas.Arcos de medio punto.Iluminación natural.

Templete de San Pietro in Montorio, Roma

El templete o tempietto del convento de San Pietro in Montorio (1502), proyectado por Donato Bramante, es uno de los mejores ejemplos arquitectónicos del alto renacimiento.

Está compuesto como un espacio circular cubierto por una cúpula y rodeado de una columnata de orden toscano.

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LA ESCULTURA

Los escultores renacentistas adoptaron de los artistas clásicos el gusto por el mármol, el alabastro y el bronce, aunque no se rechazaron la madera, el barro cocido, pintado o vidriado. En la estatuaria renacentista se revalorizó la escultura del bulto, aunque sin renunciar al relieve. El estudio de la anatomía del cuerpo humano en los desnudos, fijó el canon de la estatuaria renacentista en una medida de entre 9(nueve) y 10 (diez) cabezas.

MÁXIMOS EXPONENTES:

*Donatello: Donato di Betto Bardi (1386-1466). Su importancia radica en la naturalidad de que dotó a sus modelos. En su DAVID, escultura en bronce realizada en una fecha incierta, en torno a 1440, por encargo de la familia Médicis en Florencia. Tiene un aire inequívocamente clásico debido a su desnudez y a su composición claramente praxiteliana. Por eso, aunque se trata de un tema bíblico, en este adolescente frágil y audaz se reconoce inmediatamente a un héroe de la antigüedad clásica.

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*Miguel Ángel :(1475-1564) Escultor, pintor, y poeta. En su arte encontró el modo total de expresión a través de la figura humana sobre el desnudo, para expresar y transmitir las verdades más profundas y los sentimientos más hondos.

*Obras representativas: “La piedad”, “ David”, “Moisés”.

*LA PIEDAD*:

Representa una virgen joven , bella y piadosa cuyas vestiduras se expanden con numerosos pliegues .La virgen sostiene al hijo muerto que intencionalmente , aparenta mayor edad que la madre .En una composición triangular sosegada y llena de ternura .Miguel Ángel hizo esto para mostrar a la virgen como una concepción inmaculada , eternamente joven y bella , una clara imagen renacentista.

En esta escultura predominan las armonías de contraste .Hay tres:1ª) Los ejes del cuerpo de Jesús (líneas quebradas) se contraponen a los pliegues curvilíneos y angulados de los vestidos de la Virgen María.2ª) El brazo derecho de Jesús cae inerte .Éste se contrapone al brazo izquierdo de la Virgen, que está lleno de vida.3ª) Los pliegues de la Virgen con oquedades forman contrastes de claroscuro .Estos se contraponen a las superficies claras y lisas del cuerpo de Jesús, expresados en “sfumato”.

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*DAVID:

Su David de mármol no sólo representa el coraje y la confianza de Florencia , enfrentada contra sus poderosos enemigos: es un tributo supremo a todo el valor y la confianza humana en dificultades abrumadoras.

PINTURA

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En la pintura renacentista realizada principalmente al temple y sobre tabla, desapareció prácticamente el retablo, con lo que el cuadro dejó de estar subordinado a un conjunto y adquirió vida en sí mismo. En cambio se mantuvieron los temas religiosos, pero sometidos ahora a un tratamiento profano. Se recuperaron los temas mitológicos y el paisaje alcanzó un nuevo protagonismo. Se generalizaron así mismo el retrato y los temas alegóricos. El pintor renacentista intentaba aprender la realidad dando volumen a las formas y creando una sensación de profundidad.

MÁXIMOS EXPONENTES:

*Masaccio: Manifiesta el naturalismo de las representaciones figurativas y escénicas, también el iluminismo espacial logrado por la perspectiva central con que crea sus imágenes.

*LA TRINIDAD:

Es una pintura al fresco que Masaccio hizo en un muro lateral de la iglesia de Santa Maria Novella de Florencia entre 1426 y 1428.La obra mide 6,67 por 3,17 metros y6 sobresale por su lograda perspectiva , en la que todas las líneas

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convergen en un punto de fuga único. La profundidad queda resaltada por el marco arquitectónico, formado por columnas, un arco y una bóveda de inspiración clásica. En primer plano aparecen los “donantes”, posteriormente la Virgen Maria y San Juan y detrás Cristo en la cruz y en el fondo presidiendo la escena, Dios Padre.

*Ucello Paolo: Representa animales y batallas, plantea figuras de frente, de atrás y de costado.

*Sanzio Rafael: Artista importante, sus figuras eran bellas. Pintó “La Sagrada Familia”, y “Madonnas”. Las imágenes desnudas van a ser de Venus. Colores armónicos, no hay contrastes. Ni dinamismo, figuras estéticas, caras regordetas.

*Da Vinci Leonardo: Pintaba mujeres regordetas, ideal femenino. Le interesaba la naturaleza y pintaba con precisión árboles .Toma el rectángulo áureo de Grecia “Virgen de las rocas”, composición piramidal, objetos con volumen y luz. Descubre la técnica del esfumado; pasa de un claro a un oscuro. En la “Gioconda”, no se ve marca de pincel, composición piramidal, sonrisa apacible. Las mujeres de la época se depilaban las cejas y la frente, el paisaje detrás de la Gioconda se supone que es el lugar donde vivía Leonardo. Otra obra del pintor “La última cena”, la mesa no está rebatida, tiene perspectiva frontal.

LA GIOCONDA:

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Año:(1503-1506).Técnica pictórica: óleo sobre tabla. Longitud: 77 cm anchura: 57 cm Localización: Museo de Louvre. París .Francia. El cuadro “La Gioconda”, es conocido también como “La Mona Lisa”, “La Monna Lisa” o “Madonna Lisa”.Su nombre oficial es Gioconda (que traducido del italiano al castellano es alegre), en honor a la tesis más aceptada de la identidad de la modelo, apoyada en el hecho de que era esposa de Francesco Bartolomeo del Giocondo y que su nombre era Lisa Gherardini. Es un óleo sobre tabla de álamo de 77 x 53 cm; pintada entre 1503-1506, y retocado barias veces por el autor. La técnica usada es el sfumato, procedimiento muy característico de Leonardo.

Técnica: Leonardo dibujó el esbozo del cuadro y después aplicó el óleo diluido en aceite esencial .La Técnica se conoce como sfumato, la cual consiste en prescindir de los contornos netos y envolverlo todo en una especie de niebla imprecisa que difumina los perfiles y produce una impresión de inmersión total en la atmosfera, lo cual da una sensación de tres dimensiones a la figura.

Descripción de la obra

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La dama esta sentada en un sillón, y posa sus brazos en los apoyos del asiento. En sus manos y sus ojos puede verse un claro ejemplo característico del esfumado, y también puede destacarse el juego que hace con la luz y la sombra para dar sensación de volumen. Aparece sentada en una galería, viéndose en el borde izquierdo del cuadro la base de una de las columnillas. La galería se abre a un paisaje inspirado en las visitas que Leonardo pudo alcanzar a divisar en los Alpes, cuando hizo su viaje a Milán. El paisaje posee una atmosfera húmeda y acuosa que parece rodear a la modelo.

*Miguel Ángel Buonarroti: Las pinturas cumbres se hallan en la Capilla Sixtina del Vaticano. Cubrió el techo con escenas del Génesis y con otras diversas figuras extraídas de escritos cristianos y paganos. Dio fuerza a las creencias de los cristianos. Sus grandes pinturas eran frescas. En esta técnica se cubre de yeso el techo o pared. Se le transfiere directamente al dibujo y se pinta con acuarelas, mientas se seca el yeso, que al ser muy absorbente fija perfectamente la figura .Miguel Ángel acentúa las formas anatómicas y el volumen, lo que confiere al conjunto un excepcional vigor. Hacia el final de su larga vida, cubrió la pared extrema de la misma capilla con una impresionante escena del Día del Juicio Final, imponente masa de figuras, soberbias expresiones que transmiten un sentimiento de majestuosa emoción.

*Boticelli Sandro: Cultivador de la pintura religiosa y mitológica y autor entre otras obras de “La virgen de la Granada”, “El nacimiento de Venus”, y “La primavera”.

*LA PRIMAVERA: (1478). Es un cuadro de tema mitológico y una alegoría del amor. Venus aparece en el centro , en su jardín, donde siempre es primavera, a su izquierda Céfiro persigue a la ninfa Cloris , que se transforma en Flora, a su derecha figuran las “ tres gracias”( una de las cuales será tocada por la flecha de Cupido)y

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mercurio. La naturaleza se concibe como un reflejo de belleza. Toda la composición tiene un ritmo ondulante y una luminosidad transparente. La obra está pintada en témpera y tiene grandes dimensiones 2,03 por 3,14 metros.

MANIERISMO

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Ubicación geográfica:

Siglo XVI; Italia, Venecia y se extendió hasta España, Europa Central y del Norte.

Contexto histórico:

El saqueo de Roma y la crisis económica de 1530 produjeron una ruptura de valores en el seno del arte italiano. Los artistas empezaron a buscar nuevas formas de expresión artística. Se abrió camino la idea de superación del lenguaje renacentista y a través de transgresiones y fantasías, nació el MANIERISMO, que se mantuvo hasta 1570.

CARACTERÍSTICAS GENERALES:

Las figuras son alargadas, los movimientos se vuelven crispados y los colores contrastantes.

Amontonamiento de figuras, hay dos espacios llenos; por Ej. Pintar figuras en el cielo y luego la otra escena debajo.

El tema religioso ocupa exclusivamente la atención, también temas mitológicos que permiten expresar mejor ciertos sentimientos propios de la época.

El arte manierista es cortesano, intelectual y teatral. Las composiciones rompen el equilibrio, líneas diagonales quebradas, espacios

inestables, estilizamiento de los cuerpos, con cabezas pequeñas y extremidades desproporcionadas, que ocupan todo el cuadro u que contratan con otras pequeñas figuras en la lejanía, audaces escorzos.

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Gusta la línea enroscada, los colores de tinta discordante y efectos extraños de luz. Los paisajes son irreales.

Escultura:

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La gracia, la virtuosidad técnica, el difícil equilibrio de las figuras serpentinas, el dinamismo de las siluetas helicoidales y la gestualidad caracterizaron las esculturas manieristas, que en ningún momento se pensaron para ser contempladas según una única perspectiva, sino para ser captadas desde todos los puntos de vista, como en la elegante escultura de Benvenutto Cellini (1500-1571), “El Perseo” (1554), la cual acentúa la atención en el movimiento y el dramatismo de las formas.

'Perseo. Benvenutto Cellini. 1554'

Una de las estrellas de la Loggia dei Lanzi o della Signoria es sin duda el Perseo de Benvenuto Cellini (Florencia, 1500-1571), quizá la obra más reconocida de su autor.El Perseo degollando a Medusa, fue fundido en bronce y finalizado en 1554, mide 320 cm, la escultura muestra la gallarda actitud de Perseo, semidios y héroe de la mitología griega, en esta escultura representa la personificación del triunfo de Cosme I de Médicis sobre sus oponentes republicanos, además de la fuerza de la figura principal destaca también el elaborado pedestal marmóreo con arpías y máscaras entre las que se abren cuatro hornacinas con dinámicas y elegantes figuras alusivas al mito de Perseo, es una de las cimas expresivas del manierismo maduro, una obra en la que se muestran influencias de la escuela florentina, de Miguel Ángel y de Rafael.

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Encargante: Cosme I de MediciUbicación: Loggia dei Lanzi de la Piazza della Signoria

Estilo artístico: Manierismo maduroTécnica: BronceDimensiones: 3.20 cm con el pedestalEstado de conservación: Bueno

Detalles de la imagen 'Perseo. Benvenutto Cellini. 1554'

Pedestal: Parte importante de la escultura, que pocas veces se trata, es el pedestal con decoración de arpías y máscaras en hornacinas decoradas con temas referidos al mito de Perseo.

Perseo: Perseo mató a la Gorgona Medusa, que con su mirada petrificaba a sus enemigos, gracias a un escudo.

Casco: Se lo dieron las náyades y era el casco de Hades, que permitía la invisibilidad a quien lo llevara puesto.

Sandalias: Las sandalias aladas fue un regalo de las náyades, que le dieron también un zurrón mágico y el casco de Hades.

Espada: Hermes, el mensajero de los dioses, le regaló la espada para acabar con la Gorgona.

Sangre: Una soberbia representación de la sangre cayendo en una escultura, dando movimiento y dramatismo a la escena. La leyenda cuenta que de la sangre de Medusa nació Pegaso, el caballo alado.

Cuerpo: A los pies de la escultura yace el cuerpo inerte de la Gorgona, aumentando el carácter dramático de la escena.

Valentía: Perseo blande la cabeza de Medusa en su mano con coraje de un guerrero. Esta escultura simboliza también la valentía y el coraje de Cosme I de Medici sobre sus oponentes republicanos.

Firma: El artista deja su firma en la banda que recorre el torso del joven.

Otro artista representativo fue Giambolonga (1529-1608), su obra; “Mercurio”.

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Pintura:

El pintor manierista sometió la realidad a su propio capricho, plasmando composiciones distorsionadas por perspectivas infinitas, una iluminación irreal, escorzos y figuras de proporciones alteradas y alargadas.

Artistas representativos:

Il Parmigianino: (1530-1540); “La Virgen del cuello largo”, caracterizada por la extrema verticalidad de la composición y una ambigua relación espacial.

Pintura encargada por Elena Baiardi para decorar el altar de la capilla familiar en la iglesia Santa María de Servi, en Parma.

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La figura de la Virgen ocupa la mayor parte de la superficie del cuadro. De cabeza pequeña, cuello largo y un cuerpo que se agranda progresivamente y luego vuelve a disminuir, se encuentra elegantemente vestida sobre un trono invisible.

A la izquierda, un grupo de ángeles observan al niño Jesús que descansa sobre las rodillas de María, destacándose el adolescente ubicado en primer plano mostrándonos su larga y hermosa pierna, mientras que abajo, a la derecha, la figura de un profeta añade una nota mas de misterio a la enigmática obra. La fría paleta utilizada (mayormente con azules) crea sombras y contrastes, mientras que la composición, vista desde abajo, da mayor grandiosidad a la figura central. Que ha sido pintada utilizando la “técnica del paños mojados”, un método donde la tela parece estar pegada al cuerpo para mostrar su anatomía.

Domenico Theotocopulos: “El Greco” (1541-1614). Crea un lenguaje pictórico personal, basado en la combinación de colores estridentes y el alargamiento de las figuras que reflejan cierto halo místico. “El entierro del Conde de Orgaz” es una de sus obras más representativas.

El entierro del conde de OrgazEl entierro del conde de Orgaz (1586), de El Greco, es una obra de gran expresividad y fervor religioso basada en una leyenda del siglo XIV. El lienzo (de 4,8 x 3,6 m) presenta una composición en dos mitades horizontales. La parte superior, en un estilo manierista tardío, muestra una fantasía y unas distorsiones mayores que las de la parte inferior, más relacionada con la época veneciana de El Greco.

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BARROCO

El término barroco: vocablo que proviene de la lengua portuguesa “barrueca” y designa una enorme perla de forma irregular y grotesca es, por tanto, un término despectivo acuñado para aludir a formas artísticas consideradas extravagantes.

Contexto geográfico:

Surgió en Italia y se irradió hacia la mayor parte de Europa.

Contexto histórico (Siglo XVII y mediados del XVIII):

Hay que situar el arte barroco en un periodo histórico y político marcado por la dialéctica entre la reforma protestante y la contrarreforma católica, y entre el absolutismo monárquico y las primeras formas del parlamentarismo protestante.

CARACTERÍSTICAS GENERALES:

Movimiento, energía y tensión

Fuertes contrastes de luces y sombras realzan los efectos escenográficos de cuadros, esculturas y obras arquitectónicas.

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Intensa espiritualidad aparece en las escenas de éxtasis, martirios y apariciones milagrosas.

Representación correcta del espacio y la perspectiva.

Naturalismo: las figuras se representan de manera individualizada, con su personalidad propia. Los artistas buscaban la representación de los sentimientos interiores, las pasiones y los temperamentos, magníficamente reflejados en los rostros de los personajes.

Intensidad, inmediatez, individualismo.

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ARQUITECTURA

Los edificios barrocos más representativos son las Iglesias y Palacios, realzados por plazas y jardines. También adquieren gran importancia las escalinatas, fuentes, teatros y puentes, en cuyo diseño se rechazó la línea recta por la curva. Los resaltes con movimientos cóncavos y convexos, los contrastes de luces y sombras y gran variedad de plantas.

Los arquitectos barrocos se inclinaron por las plantas centralizadas, con grandes cúpulas y espacios fluidos.

Representantes:

Lorenzo Bernini(1598-1680). Conocedor perfecto de las normas clásicas, el genio de Bernini radica en su absoluta libertad creativa para abordar cualquier planteamiento.

En 1623: realizó su primera obra, “El Baldaquino de San Pedro”, un magnífico altar de bronce sobre columnas salomónicas. En la plaza de San Pedro concibió y levantó una columnata en forma elíptica, rematada por estatuas.

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El Baldaquino de San Pedro (1624-1633)

El baldaquino se encuentra realizado completamente en bronce sobredorado, combinando elementos escultóricos y arquitectónicos.

El uso del orden salomónico es un tanto arbitrario, usando en las columnas un canon similar al corintio.

Las columnas están decoradas por pámpanos de vid, referencia a la eucaristía, en los cuales liban abejas.

Francesco Borromini:(1599-1667). Rompió todas las reglas, incorporó nuevos elementos y levantó fachadas onduladas, como las de “San Carlos de las Cuatro Fuentes”.

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San Carlo alle Quatro Fontane (1634-1641)

El primer encargo que recibió Borromini como arquitecto fue la iglesia de San Carlo alle Quattro Fontane (1638-1641; fachada concluida en 1667). La traza general se compone de una planta en forma de rombo, formada por la unión de dos triángulos equiláteros, cubierta por una cúpula oval. Los materiales usados son pobres, como el ladrillo estucado y pintado. Como todos los proyectos de Borromini, se ajusta a unas leyes estrictas de simetría y proporciones. Su fachada, más alta que la propia iglesia, presenta una ondulación que se convirtió en el arquetipo de las iglesias barrocas de Roma.

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ESCULTURA

Busca la monumentalidad. Sobre todas las otras características, la escultura barroca es movimiento. Los escultores reniegan del equilibrio y reposo renacentista y busca la expresividad de los gestos, la reproducción de la calidad de las cosas y la policromía. Cultivan tanto el género religioso como una exaltación del heroísmo humano, plasmada en la abundante escultura funeraria, en las estatuas ecuestres y en las fuentes de las ciudades.

Representante

Bernini : la renovación espacial y la violencia expresiva propias del barroco son obra de este autor, que en el orden técnico aportó innumerables descubrimientos. Aunque en el mármol halló su principal vena expansiva, utilizó todo tipo de materiales. En su Apolo y Dafne se aprecia el extremado naturalismo de la superficie y el afligido movimiento. “El Éxtasis de Santa Teresa” expresa intensa emoción; y en su diseño de un templete para la silla de San Pedro en el Vaticano, introdujo columnas, nubes, santos, ángeles y rayos de luz. En esta obra despliega toda la habilidad técnica del arte barroco.

Obra: Éxtasis de Santa Teresa

De Gian Lorenzo Bernini (1645 / 1652), en la iglesia de Santa María de la Victoria, en Roma.

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Representa a Santa Teresa de Jesús, escritora mística y reformadora de la sociedad religiosa, fue beatificada en el año 1614.

Las dos figuras principales que centran la atención derivan de un episodio descrito por Santa Teresa, en el que cuenta como un ángel le atraviesa el corazón con un dardo de oro, que representa el amor divino. La escena recoge el momento en el que el ángel saca la flecha, y la expresión del rostro muestra los sentimientos de Santa Teresa, mezcla de dolor y placer.

Las figuras están realizadas en mármol blanco principalmente, y los rayos del sol de bronce. Tiene una altura de 3,5 metros. La fuerte expresividad de la obra, el desorden de las figuras y en especial el despliegue del manto de la santa, es de claro estilo barroco.

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PINTURA

Durante el barroco la pintura adquiere un papel prioritario dentro de las manifestaciones artísticas. Siendo la expresión más característica del peso de la religión en países católicos y del gusto burgués en los países protestantes.

Se desarrollan nuevos géneros como: bodegones, paisajes, retratos, cuadros de género o costumbrista, así como se enriquece la iconografía del asunto religioso. Existe una tendencia y una búsqueda del realismo que se conjuga con lo teatral y lo efectista.

Iluminación violeta, énfasis en la representación del volumen.

Se impulsó el realismo, representar las cosas tal y como eran, incluso sus rasgos desagradables.

Se usaron composiciones menos simétricas, actitudes y personajes poco severos, para dar una mayor movilidad y fuerza a las representaciones.

Se utiliza una técnica llamada claroscuro. Se basaba en generalizar los fuertes efectos luminosos, es decir, que se mezclaban zonas de sombras con otras de intensa luz.

Las representaciones tenían gran emotividad y los personajes mostraban los sentimientos muy intensamente.

Principales exponentes

Caravaggio : (1569- 1609) Adoptó como base de su obra el contraste entre luz y sombra llamado “claroscuro”. Ansiaba plasmar en sus lienzos temas vivos y convincentes como si formaran parte del mundo cotidiano real.

Obras: “El Martirio de San Mateo”, “San Gerónimo” y “Sexto de Frutas”.

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EL MARTIRIO DE SAN MATEO.

Este lienzo preside el altar mayor y nos muestra una composición muy violenta y de difícil lectura, al aparecer algunos motivos envueltos en la oscuridad.

La iluminación es muy compleja y la composición se centraliza en torno al martirio del santo. Éste aparece en el momento en el que va a recibir el golpe de gracia, mientras que sobre el ejecutor aparece un ángel que le entrega la palma del martirio.

Alrededor de esta escena aparecen los demás personajes, huyendo de la crueldad de la escena. En las esquinas inferiores se encuentran las llamadas figuras de anclaje.

La iluminación tiene un carácter arbitrario, iluminando únicamente las partes más dramáticamente activas.

La obra fue realizada en 1599.La técnica utilizada es pintura al óleo. Posee una longitud de 323 cm y anchura de 34 cm.

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Petrus Paulus Rubens (1577- 1640) La vitalidad católica, aristocrática y sensual de Flandes encontró una traducción única en la prolija producción pictórica de Rubens, que contó con obras religiosas, escenas mitológicas, retratos y escenas de género, de cromatismo cálido y dinamismo compositivo.

Obra: “Las tres gracias”

Las tres Gracias es un cuadro de Rubens expuesto en el Museo del Prado de Madrid, España. Está pintado al óleo sobre tabla y mide 221 cm de alto por 181 cm de ancho.

Las Gracias de Rubens se destacan por la belleza sensual. Aglaya, Talía y Eufrósine fueron para Rubens, reproducción de las exuberantes formas de sus habituales modelos.

Las tres figuras que están conectadas entre sí a través de los brazos, el velo transparente que las cubre, y sus miradas, dando así unidad al grupo. La disposición de las Gracias forma un triangulo.

Las tres mujeres se caracterizan por la flacidez de sus carnes y la ampulosidad de sus contornos. Estas carnaciones claras irradian luz al resto de la obra. El trío está enmarcado por un árbol a la izquierda y una cornucopia dorada a la derecha, de la que brota agua, con una guirnalda de flores por encima.

A esto se une la esplendidez de un colorido cálido, brillante y luminoso con un fondo constituido por un pintoresco paisaje de una gran sutileza. En él pueden distinguirse pequeños animales pastando.

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Diego Velázquez : ( 1599- 1660). Hace grandes avances técnicos como la

resolución de la perspectiva aérea. Pinta temas mitológicos, “La Fragua de

Vulcano” y temas históricos como “La Rendición de Breda”. Retrata a la

Familia Real y a su Corte, junto con sus bufones.

Obras importantes: “La vieja friendo huevos”, “El aguador de Sevilla”, “El triunfo de

Baco”, “La Venus del espejo” y “Las Meninas”

Obra: “La Venus del Espejo”

Año 1647-1651.

Técnica pictórica: óleo sobre lienzo, longitud 122 cm, anchura 177 cm.

Localización: Nacional Gallery de Londre Londres, Reino Unido.

La obra representa a la diosa Venus en una pose erótica, tumbada sobre una cama y mirando a un espejo que sostiene el dios del amor sensual, su hijo Cupido. Se trata de un tema mitológico al que Velázquez, como es usual en él, da trato mundano. No trata a la figura como a una diosa sino, simplemente, como a una mujer.

La composición usa principalmente tonos de rojo, blanco, y gris, empleados incluso en la piel de Venus. Los colores luminiscentes usados en la piel de Venus, aplicados con un «tratamiento suave y cremoso, fundente»,que contrasta con los grises oscuros y el negro de la seda o satén sobre la que ella reposa, y con el marrón de la pared detrás de su cara.

Velázquez es capaz de conseguir profundidad gracias a la composición. Coloca objetos y cuerpos unos detrás de otros.

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ROCOCÓ (1730-1760)

Contexto histórico : su precedente se sitúa a inicios del siglo XVIII, coincidiendo con la regencia de Felipe de Orleáns, cuando empezaron los tímidos cambios que anunciaban el final del estilo tardo-barroco y su evolución hacia la expresión de un gusto más contemporáneo, independiente y hedonista, contrapuesto al arte oficial, inflexible y ostentoso del reinado de Luis XIV.

Características Generales:

Opone a la grandiosidad del Barroco un arte sensual y suntuoso, lleno de fantasía y refinamiento.

En arquitectura el interés se centra en los interiores, primando el aspecto decorativo sobre la organización del espacio: pequeños “otels”, palacetes, coquetos gabinetes y estancias coquetamente decoradas.

En centro Europa se introduce la decoración Rococó en Iglesias y Monasterios con magníficos interiores de estucos y dorados.

Extraordinarios desarrollos de las artes decorativas: lacas porcelanas, marqueterías, tapices biscuits.

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ARQUITECTURA

De interiores.Decorativa y recargada.

Escaleras.

Salones de baile.

Pabellones en jardines.

Uso de materiales preciosos.

Salón central del pabellón de caza de Stupinigi.

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PINTURA

Pintura de temática galante y sensual de cromatismo pastel y pinceladas evanescentes. En Italia también se dan centros ilusionistas y magníficas pinturas de vedute.

Los pintores usaron las formas curvilíneas decoraron las telas con querubines y mitos de amor. Sus paisajes con fiestas galantes y pastorales a menudo recogían comida sobre la hierba de personajes aristocráticos y aventuras amorosas y cortesanas. Se recuperaron personajes mitológicos que se entremezclan en las escenas dotándolas de sensualidad, alegría y frescura.

Artista representativo: Jean Antoine Watteau (1684 – 1721). Obra: Peregrinación de Cythera.

La obra, que data de 1717 simboliza el deseo de fuga de la realidad, a través de un bucólico deseo de una ideal tierra del amor: la isla de Citerea. En el margen izquierdo, el punto de partida es una escultura clásica de Venus decorada de rosas trepadoras. Una pareja de enamorados, deteniéndose por delante de la estatua, mientras otras se levantan para bajar con la pequeña ladera que lleva a la embarcación. Mientras, un grupo de angelitos amorosos circulan por el aire como mariposas esperando que los amantes suban a la góndola dorada que los llevará a la isla.

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ESCULTURA

Escultura: en general este estilo fue expresado mejor mediante la delicada escultura de porcelana. Los motivos amorosos y alegres son representados en la escultura, así como la naturaleza y la línea curva y asimétrica.

Cupido Edmé Bouchardon

Los motivos amorosos y alegres son representados en la escultura, así como la naturaleza y la línea curva y asimétrica.

El diseñador Edmé Bouchardon representó a Cupido tallando sus dardos de amor con el garrote de Hércules, un símbolo excelente del estilo Rococó. El semidiós es transformado en un niño tierno, el garrote que rompe huesos se transforma en flechas que golpean el corazón, en el momento en que el mármol es sustituido por el estuco.

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