artitudes 2017 catalogue expo à salon de provence

En couverture photo d’Henri KAUFMAN

Le Cercle des Artistes de la vallée des Baux est très honoré d’exposer A R T I T U D E S

2017 à l’espace culturel Robert de Lamanon à Salon de Provence. Il va ainsi à la rencontre

de nouveaux amateurs d’art, en illustrant le thème de l’art moderne et contemporain.

Qu’est-ce que l’ A R T I T U D E S ? C’est d’abord le plaisir des yeux, c’est la rencontre

avec des artistes très divers, la découverte de nouveaux amateurs d’art, ceux qui voudraient

devenir aussi artiste mais n’ont pas encore osé franchir le pas, c’est aussi le dialogue et le

partage dans des lieux magnifiques.

Vous allez rencontrer une grande variété de styles de peintures, de sculptures légères ou

monumentales, de photos, d’installations, etc.

Vous pourrez apprécier l’inspiration et la richesse artistique de notre chère vallée des Baux

et de la Provence, avec des œuvres abstraites et figuratives, des sculptures étonnantes, des

photos d’affiches déchirées, des œuvres inspirées par ce fameux nombre d’or qu’on retrouve

sur le temple du Parthénon et aussi sur le tableau de la Joconde ou sur l’homme de Vitruve,

sans oublier l’art brut dont le but unique n’est pas l’art tel qu’on l’imagine mais la

provocation de nos rétines.

Les 36 artistes, Julian Alonso, Catherine Arniac, B A Sculpteur, Bertran photographe, Werner Bieri,

Anik Bottichio, Danielle Boullard, Blandine Bouquet, Nicole Brousse, Sylvie Chaufour, Céline Constan, Cécile Cormeraie, Philippe Cousin, Yoann Crépin, Anne-Catherine Durand, Nadine Fourré, Gudrun Clouzeau, Henri Kaufman, Annie Lefebvre, Dominique Lefebvre, Elio Lussato, Jean-Michel Marais, Nissim Marshall, Philippe Michelot, Christophe Ribereau-Gayon, Vincent Sagona, Mike Sajnovski,

Bernard Sauve, Sophie Serra, Pascal Servera, Tové Storm, Françoise Subra, Philippe Trefois, Isabelle

Vinson, Yaume, et Placide Zephyr … vous souhaitent la bienvenue !

Pour conclure, j’emprunterai la citation de Robert Filliou : « l’art est ce qui rend la vie plus intéressante que l’art ».

A réfléchir !

Président du Cercle des Artistes de la vallée des Baux

[email protected] 06.45.90.43.67

http://julianalonso.fr/

Julian Alonso, photographe autodidacte Franco-Espagnol né en 1986 en région Parisienne. Pratiquant une photographie volontairement basée sur des mises en scène et ayant pour vocation le traitement de sujets sociétaux, il a toujours vu la fable comme la métaphore de la réalité. Ainsi, donner à ses photos une forme artificielle mais en lien direct avec le réel lui permet de favoriser une approche symboliste et expressive afin d’inciter à la réflexion et à l’introspection en dépassant la simple barrière visuelle des images.

Mon triple négatif 1, 2 et 4 - 50 X 65 - 500 € chacun

Le processus de création reposant sur la photographie tend à réduire le temps alloué à la « construction technique » au profit d’une maximisation du temps de recherche, d’analyse et d’approfondissement du sujet.

La prise de vues n’est alors que le dernier acte, il s’agit de la synthèse matérialisée de l’ensemble du travail de réflexion réalisé en amont.

Quant à l’esthétique, elle ne revêt jamais l’intention primaire de sa démarche bien que contribuant tout de même à la compréhension des images. Cependant, la pratique exclusive du noir et blanc lui permet d’accentuer le travail sur la lumière qui, renforcé par la présence unique de la gamme de gris, focalise l’attention sur l’unique sujet de la création sans aucune autre forme de distraction risquant de perturber la lecture.

Sa première série photographique « Mon triple négatif et moi » a été présentée lors de la nuit de la photographie dans le cadre du festival international de Tbilissi en Septembre 2017 et a fait l’objet de publications notamment dans L’œil de la photographie, hebdomadaire consacré à la photographie d’auteur.

mailto:[email protected]

[email protected]

06.20.31.25.70 https://www.catherinearniac.com/

Originaire de l’Aveyron, Catherine ARNIAC a grandi dans un milieu rural. Son premier regard porté sur l’art a été la découverte des vitraux de l’Abbaye de Conques. Elle a suivi des cours d’arts plastique en utilisant toute sorte de matières sur la toile.

Son thème récurrent est le traitement de « l’enveloppe », qu’elle soit végétale (écorces, bois, arbres, …), organique (la peau, les carapaces, …) ou sociétale (vêtements, ouvertures, …).

Elle s’est également intéressée au thème de « l’enfermement », volontaire ou non, et à toute les protections (étuis, masques, boucliers, reliquaires secrets, …).

Elle réalise aussi bien de très grands formats que de petites boîtes semblables à des écrins ou des installations et œuvres de grands volumes.

LES LIENS 01 L - 130 X 162 - 3.000 € Elle a exposé au Japon, en Espagne, en Russie à Saint Pétersbourg, à Venise, mais aussi au grand-palais à Paris, à Cannes … . Son intention est d’attirer le regard sur ce qui est caché et apparaît partiellement sous ces multiples peaux, sur toutes les formes de privation de libertés individuelles, qu’elles soient le fait de censures personnelles, constitutionnelles ou induites par notre société.



Très tôt artiste en herbe, BA souhaite s’exprimer par le dessin, la peinture, puis la terre … Née à Lyon et après avoir vécu en Savoie de nombreuses années, c’est en Provence, où elle vit depuis seize ans, qu’elle décide de prendre divers cours de modelage et d’art vivant. Très vite elle décide d’installer son atelier à Eyguières au pied des Alpilles pour s’adonner à sa passion, la sculpture. BA puise son inspiration lors de ses voyages et au cœur des traditions provençales.

Depuis 2006 elle expose en galerie et sur diverses manifestations artistiques.

Le cloître St-Trophine en Arles accueil ses œuvres lors du salon international des Santonniers de novembre à janvier. A l’occasion d’expositions avec un collectif qui regroupe des artistes plasticiens et poète du pays Salonais, BA a travaillé sur des thématiques comme la société connectée, la COP21, etc …

Masque vigne – 55 X 14 X 25 – 450 €

Imani – 123 X 5,5 X 5,5 – 390 € Jahia – 47 X 14 X 25 – 350 €

Elle pratique aussi le Raku, résultat d’une technique d’émaillage développée dans le Japon du XVIème siècle, qui utilise un grès chamotté plus solide car les pièces doivent résister à de forts chocs thermiques.



http://www.laboutiquedesgravures.fr/ L’art de la colorisation photographique est aussi ancien que le tirage des photographies sur support papier. Il ne doit pas être confondu avec la photo couleur. Il disparait avec la popularisation de la pellicule couleur vers les années 1970. A partir d’une épreuve noir et blanc un artiste va, manuellement, coloriser l’image le plus souvent de manière hyper- réaliste. Parfois coloriées par de bons artistes ou d’humbles tacherons, les photos colorisées sont toujours des chefs d’œuvre d’art populaire.

Photographe de longue pratique, BERTRAN-Photographe est un précurseur de la restauration numérique des photographies anciennes. Le pas vers la colorisation est franchi par son studio depuis plus de deux décennies.

Deux marocaines - 47 X 58 - 420 € Président-fondateur de l’association européenne de la photo colorisée, BERTRAN possède une collection privée de 250 photos coloriées originales couvrant la période de 1880 à 1970. La plus grande partie de ces photos colorisées sont dans leur cadre d’origine.

Jeunes coiffeuses - 51 X 58 - 600 € Les deux amis - 40 X 60 - 420 €

Les œuvres présentées dans cette exposition sont des photos en noir et blanc restaurées et coloriées par BERTRAN dans son studio. Elles sont présentées dans un cadre d’époque.

C’est à notre connaissance une des premières fois que des œuvres de cette tendance artistique sont présentées en exposition.


http://www.laboutiquedes/


Par sa profession de médecin-dentiste, il était chaque jour confronté au remodelage de formes détruites.

Pensant que la sculpture pourrait être un moyen de continuer à cultiver cette passion pour la retraite, il s’est joint à un groupe de sculpteurs guidé par une femme sculpteur Christine Demierre dès 1990.

Actuellement il continue à se perfectionner avec les conseils d’un autre artiste accompli, Serge Bloch, lauréat du prix de Madrid.

Danseuse - 58cm – 6.000 € Provocation - 32 cm – 600 €

Son but principal est de se faire plaisir avec le modelage et de le faire partager.



Après des études aux Beaux-arts, Anik BOTTICHIO se tourne vers l’art-thérapie. Son parcours artistique entre en résonnance avec cette formation, sa peinture est le reflet de ses états d‘âme, symbolique de passages de vie.

" En vérité, mon art est une confession que je fais de mon plein gré, une tentative de tirer au clair mon rapport avec la vie ... C'est au fond une forme d'égoïsme, mais je ne renonce pas à espérer qu'avec son aide je parviendrai à aider d'autres gens " Edward Munch. Anik Bottichio : « La première fois que j'ai entendu parler d'Art-thérapie, cela m'a interpellé, car j'avais souvent éprouvé le besoin de prendre un pinceau, des couleurs, de façon à déposer souffrance, angoisse ou colère ... ». Le support de la toile, comme une page blanche à écrire, un exutoire, une nécessité, quand les mots ne suffisent plus.

Les autres – 90 X 120 – 1.500 €

Peindre comme une solution ...



https://www.facebook.com/danielle.boullard.photographies/

Enfant, Danielle Boullard passait son temps à dessiner au crayon, à la craie de couleur sur le sol, à la peinture. Son institutrice l’inscrit à son premier concours de peinture alors qu’elle n’avait que 10 ans. Le sujet était Vincent Van Gogh. Aujourd’hui, elle travaille au Parc naturel régional des Alpilles à Saint-Rémy-de-Provence. Elle a fait du dessin et de la peinture son expression favorite.

Elle illustre des recueils de poèmes pour enfants avec des aquarelles pour la conteuse Francine Colard Duprouilh, aux Editions Hugues Facorat.

Noan - 40 X 50 - 260 € Danse sous la pluie – 40 X 50 – 260 €

Elle dessine et peint pour les adultes aussi. Ses sujets sont la nature et les personnages, souvent les visages. Ce qu’elle aime, c’est placer dans ses œuvres le mouvement et la conversation des couleurs.

Ce qu’elle recherche, c’est un mouvement toujours plus subtil, une conversation toujours plus délicate.

Elle s’inspire tout particulièrement de l’art japonais.



A comme art…. A comme animal … Depuis sa naissance, elle vit dans le monde animalier. N’ayant pas bénéficiée d’un cadre de scolarité ; ses journées se passaient dans les collines Provençales et les garrigues sauvages.

D’une petite grive au sanglier, en passant par le renard, la couleuvre de Montpellier, la pie et le lapin de garenne, tous ces animaux ont séjourné dans les strates de son enfance.

Un toucher, un regard, une patte, un son ou ne serait-ce qu’une respiration…

Patch - 30 X 13 X 22 - 100 € Avec des techniques simples, et sans produits de composition animalière, Blandine BOUQUET peint ce monde tel qu’elle le vit et avec ses propres expériences.

Scar - 13 X 10 X 30 - 150 e

C’est en rendant un animal vivant avec de simple traits ; et le laisser sortir de l’image qu’elle exprime son travail.



http://sculpteurnicolebrousse.org/

Artiste inclassable, Nicole Brousse s’affranchit de toutes les conventions. Elle vit son œuvre comme un voyage dans le temps, de l’antiquité vers le futur, traversant des civilisations et des cultures à partir de son propre voyage intérieur. Au croisement de ces parcours, naissent des sculptures hors du temps, classiques et modernes, figuratives et symboliques, où le réel rencontre la fantasmagorie. Parallèlement à ses recherches artistiques elle entend mieux se connaître. Elle entreprend alors une quête intérieure, une exploration de son « moi ».

Elle ne voit pas encore de rapport entre ces deux recherches, mais au fil de ses découvertes, elle prend conscience que tout est lié, que tout se complète. Chaque humain, au plus profond de lui, est relié à l’univers. Après avoir été guerrières et héroïques, ses femmes grandissent, se font plus sereines et plus énigmatiques. Cette recherche constante influe sur son travail, l’oriente et fait évoluer son approche de la sculpture.

Chevauchée fantastique - x fois 70 X 60 X 50 - A partir de 2007, Nicole Brousse développe son « parcours » composé de 20 à 30 sculptures, véritable concept qu’elle décline à l’infini, selon les lieux proposés, en habitant les espaces, lieux, jardins et villes, « ses sculptures prennent vie ». Symbolisme et spiritualité inhérents à ses créations nous plongent dans un parcours initiatique et magique et nous invitent à « Renaître à soi ». Elle sent alors qu’il s’agit de retrouver l’essence même de la vie à travers ses œuvres en ouvrant grand ses yeux, son esprit et ses ailes.



http://sylviechaufour.com/

Née en 1945, Sylvie Chaufour a toujours été passionnée par la sculpture et le dessin.

De 1972 à 1975, de retour à Paris elle devient l’élève du portraitiste Mac Avoy. De 1975 à 1981 elle réside au Brésil (Rio de Janeiro), apprend de nouvelles techniques de sculptures avec Pedro Correa de Araujo. Puis elle devient son assistante avant d’être nommée responsable des cours de sculpture au musée d’art moderne de Rio de Janeiro.

Moca d’agua - 26 X 36 X 132 - 6000 € De retour en France elle reprend la direction d’une entreprise familiale durant 19 ans, période durant laquelle elle a dû laisser de côté ses créations artistiques. En 1999 séduite par la beauté et le climat des Alpilles, elle établit sa résidence principale à côté d’Eygalières et se consacre exclusivement à sa passion : la sculpture.

New flamme - 96 X 24 - 6500 € Le doigt - 106 X 33 X 33 - 6000 €

Ses bronzes, principalement des femmes lianes, sont minces et élancées.

Par la simplification des formes, Sylvie cherche avant tout à privilégier le mouvement.



Elle naquit à Versailles. Dans son enfance ne cesse de dessiner peindre. Et durant toute sa scolarité elle présente ses toiles. Elle est deuxième au concours inter collèges de l’ile de France, et se dirige vers le bac artistique. Encouragée par son professeur, elle est admise sur dossier à l’école Boule.

Elle vit sa peinture. C’est sa respiration.

Elle pratique la sculpture terre. Elle aime changer de supports : bois, métal, verre. Elle aime les mélanges. Elle cuit sa peinture, elle suit son instinct, son intuition.

Coucher de soleil sur les Baux - 70 X 60 - 500 € Les Baux la nuit - 50 x 60 - 200 €

Soleil de Provence - 50 X 20 - 200 €

Elle vit dans les Alpilles, et a exposé au Paradou, Fontvieille, Mouriès, Saint-Rémy-de-Provence …



Formée aux sciences humaines et sociales, à la psychanalyse, Cécile CORMERAIE a participé durant près de 20 ans à l’accompagnement des sujets fragilisés au cœur des quartiers sensibles. Son ouverture sur les pratiques culturelles et artistiques a teinté son action des couleurs de l’éducation populaire. Elle a choisi aujourd’hui de poursuivre sa route hors des institutions afin de concilier différentes démarches : la psychanalyse, la peinture et le théâtre.

La peinture est pour elle un point d’accroche indispensable. Lorsque l’imaginaire déborde, elle s’arrime aux couteaux et spatules… Depuis 2007, elle tripatouille techniques, couleurs, matières et se raconte des histoires qu’elle peint.

Dans ses portraits, cent fois elle cherche les regards. Cent fois elle fouille, efface, repart… Il faut que le portrait parle. S’il reste silencieux, la peinture n’est pas finie.

Lorsque, enfin, le portrait se met à dire quelque chose, elle se retire… à l’inverse de la psychanalyse.

Soit même comme un autre - 100 X 153 - 800 €

Certaines de ses peintures sont étroitement liées à ses centres d’intérêts littéraires et peuvent s’accompagner de citations et de lectures audio enregistrées :

Anna-Karenine - 90 X 90 - 600 €

à trois personnages sont issus du livre de Marguerite Duras « Le ravissement de Lol. V. Stein ». à un portrait s’intitule « Anna Karenine » inspiré du roman éponyme de L. Tolstoï. à une œuvre est une variation à partir de son tableau « Hanoï » sur la thématique de l’altérité et s’intitule

« soi-même comme un autre » selon le livre éponyme de P. Ricoeur.


[email protected]

Le Piranèse, Canaletto ou Hubert Robert… L’œuvre de ces grands peintres et graveurs du XVIIIème siècle l’a toujours fasciné. Enfant, il rêvait déjà devant leurs perspectives vertigineuses et leurs palais à l’abandon qui semblaient avoir été taillés pour des Dieux. Il leur rend aujourd’hui hommage avec cette série de « Caprices Provençaux » -le mot « Caprice » désignait alors des paysages imaginaires organisés ou recréés à partir d’éléments réels. Pour ce faire, il s’est inspiré librement de ce qu’il voyait autour de lui, ruines romaines, sites archéologiques, montagnes et garrigues…

Le mas de la lune - 150 X 100 - 6000 € Il les a agencés selon une scénographie de son crû. Le bois, la pierre et l’empreinte humaine sont du Temps fossilisé, l’air, l’eau et les arbres sont du Temps vivant.

Le Cirque du Mas - 150 X 100 - 6000 € Le Mas des Eaux - 150 X 100 - 6000 €

De leur rencontre naît cette impression d’éternité propre aux paysages méditerranéens.

Cette éternité, il la dessine en noir et blanc pour être au plus près de l’émotion : le noir, c’est l’ombre, le blanc, c’est le soleil.



http://www.yoanncrepin.com/ Né à Arles en 1983, Yoann CREPIN passe son enfance dans les Alpilles, au milieu des collines et de la garrigue. D’abord lieu d’aventure et de liberté, la nature devient source d’inspiration et lieu de création. La découverte du Land-Art après sa vingtième année influence sa démarche artistique : créer dans et avec la nature.

Les œuvres réalisées en pleine nature sont confectionnées à partir d’éléments naturels caractéristiques des lieux, elles tendent à fusionner et interagir avec la nature. Certaines jouent avec le vent, la lumière, l’apesanteur. D’autres s’unissent avec l’eau, la terre et les végétaux.

Galets flamboyants – 57, 35, 17 - 650 €

Depuis plusieurs années, il réalise également des créations dans les parcs et les jardins privés. A l’inverse des œuvres éphémères réalisées en pleine nature celles-ci ont une longue durée de vie, certaines sont pérennes.

Yoann CREPIN est à la recherche d’une alliance entre deux créativités : humaine et naturelle. Laisser l’homme s’exprimer à travers la nature et réciproquement, laisser la nature s’exprimer à travers l’homme.



http://anne-catherine-durand.france-artisanat.fr/

Originaire du Bassin Parisien, elle baigne dès sa plus tendre enfance dans un milieu artistique fait d'échanges, d'enseignement, de liberté et de fantastique.

Etablie à Saint Rémy de Provence, elle réalise des tapisseries et crée sa propre ligne de couture.

En parallèle, inspirée par ses longues marches dans les Alpilles où elle se ressource, son imagination sublime les matières en sculptures et ses rêveries se projettent en dessins.

Le paon - 57 X 20 X 12 – 320 € L'oiseau exotique - 50 X 30 X 12 – 280 € Personnage - 40 X 12 X 8- 110 €

La nature est sa source d'inspiration.



https://www.youtube.com/watch?v=SiOYA6Ds480 De ses 18 années au Japon consacrées au design, particulièrement avec l’architecte Takéo Kumaï quand les projets la conduisent du Nord au Sud, Nadine Fourré se sensibilise à l’art de l’épure. Cet esprit de renoncement à la surcharge s’exprime dans la culture japonaise par le « Kiri-soutté » ou « Couper-jeter » en tant que choix esthétique mais aussi spirituel.

« Depuis mon retour en 2000, j’arpente le socle mouvant de la Durance parmi un océan de pierres, à l’affût de la perfection du hasard, du chef d’œuvre de la nature. Dans un va et vient constant entre rivière et atelier, « capturer la nature vivante » est un défi où le temps passé sur chaque œuvre est la face cachée, à l’échelle des millénaires qui ont façonné sa matière. Au cours d’un processus de création qui peut souvent s’établir sur plusieurs années pour les grandes pièces, j’élabore la stabilité de mes EQUILIBRES de pierres en m’aidant d’éléments de bois flottés ».

Sans outil, la discipline est exigeante puisque les pierres sont préservées intactes. Entre forces et tensions compensant l’inertie, courbes et contre-courbes aux galbes ajustés avec un soin d’horloger, tous les centres de gravité fusionnent. A cet art, soumis à l’attraction universelle, s’impose encore l’exigence de l’harmonie dans l’espace, à travers le choix des matières et des nuances de couleurs, la légèreté des volumes et la justesse des proportions.

Cascade – 200 cm - 1.800 €

Hors du temps et des modes, la simplicité des équilibres renoue avec un geste enfoui dans la mémoire du monde. Selon l’auteur américaine J.E. Hugues : « Le champ d’expression artistique de Nadine Fourré requiert un rare talent d’adaptation qui nous plonge dans un environnement animé des idéaux zen, stimulant la réflexion pour éveiller à la contemplation. Introduisant le Sauvage au cœur de la civilisation de nos maisons, son art ouvre les portes à la présence du Sacré ».



www.facebook.com/goddapeinture

Ayant quitté la Norvège, son pays d'origine, « GODDA » s’est installée à Eguilles près d'Aix en Provence en 1994. Elle est autodidacte. Après avoir essayé l'écriture pour la jeunesse, c'est finalement dans la peinture que j'ai pu m'exprimer.

Un jour ma fille aînée m'a demandé si je voulais peindre avec elle. On a étalé des grandes feuilles de papier sur le sol du salon et j'ai sorti des pastels secs. Et c'est parti. Je suis partie. L'odeur de peinture à l'huile et de la térébenthine au sous-sol du musée d'art de Stavanger m'est revenue.

Pont - 60 X 80 - 400 € Sentier - 60 X 80 - 400 €

Puis des techniques que j'ai apprises durant ma formation en arts plastiques quand j'étudiais pour devenir enseignante en Norvège. Ensuite les cours du soir en Angleterre, où j'ai appris à observer la lumière et les ombres sur des objets et sur des nus... Tout m'est revenu.

Le pastel sec me donne une grande liberté. J'ai besoin de le travailler d'une manière très spontanée. De ne pas savoir où je vais. Il me faut un départ, des ombres sur le papier, une couleur qui fait appel à une autre, et puis l'inconnu.


http://www.facebook.com/goddapeinture


http:/henrikaufman.typepad.com/eclectihklog/

Avant d’être un artiste, Henri Kaufman est d’abord un amateur d’art. Ingénieur des Arts et Manufactures et Docteur en mathématiques appliquées à l’économie, il a aussi été professeur (de géométrie !) aux Beaux-Arts à Paris. Sa culture mathématique a beaucoup inspiré ses productions, où l’on retrouve le nombre d’or, les perspectives, les illusions d’optique… A force de fréquenter des galeries ou d’organiser des expos dans son agence de publicité, il a décidé un jour de s’exposer lui-même. D’abord une expo de photos « perspectives » avec un focus, entre autres, sur le Flat Iron Building de New-York. Puis une expo mathématico-créative : la Couleur du Hasard réalisée en collaboration avec Riad Hattouti : Recherche de patterns graphiques dans les nombres irrationnels dont le nombre d’or, Pi, Racine de 2, etc…

- - Co-création de la ligne de meuble Minimals exposée à Saint-Rémy-de-Provence et Place Saint-Sulpice à Paris.

- - Puis l’expo « Infinitudes » (avec Riad Hattouti) exposée à Eygalières. Cette expo de tableaux numériques avait pour ambition de jouer à cache-cache avec l’œil du spectateur en le faisant passer subrepticement d’un espace bidimensionnel à un espace tridimensionnel. Un parcours jouant avec le nerf optique dans un labyrinthe aux perspectives changeantes.

Volupté déchirée - 48 X 66 - 666 €

L’affiche - 65 X 27 - 550 €

HKUBE - 80 X 80 - 555 €

Son thème actuel le conduit à attacher des « HKubes » dans les arbres : des cubes mobiles en 2D qui paraissent être des cubes en 3D et vice versa.



Annie Lefebvre a toujours été attiré par le dessin, la peinture, la sculpture, les musées, les belles choses, bref, elle est attirée par l’art sous toutes ces formes dès le moment où cela touche au « beau ». Son sens de l’esthétique a toujours été très affuté. Quand elle était adolescente, elle aurait voulu s’orienter vers un métier artistique, mais dans son milieu de la bourgeoisie, on apprenait D’ABORD un métier … De nombreuses années après, lors de l’une de ses nombreuses expatriations, elle commença à faire de la peinture, et ainsi Annie a franchi le pas pour rejoindre les artistes qu’elle se contentait auparavant de contempler ...

Mucem – 50 X 25 – 150 €

L’architecture complait son sens de l’esthétique, les musées son sens de l’art et du beau.



Devenu artiste parait-il, et grâce au Cercle des Artistes de la vallée des Baux, Dominique LEFEBVRE, donc artiste, est un iconoclaste décalé et inclassable, récent retraité hyper actif.

Gourou (sic !) de la finance, après avoir tâté de la photographie de concert de jazz pour La Seine TV, il s’investit dans les arts numériques, notamment le montage vidéo de son grand réservoir de photographies (plus de 85.000 !). Mais comme il n’est pas du niveau des photographes professionnels, il réussit à magnifier ses photos dans des montages vidéo parfois délirants.

Caricatures ARTITUDES 2017 – 57 X 36 – 150 €

Dominique Lefebvre est par nature peu respectueux et tourne tout en dérision en employant un langage du 2ème ou du 3ème degré. Mais il a su se policer (sic) pour la réalisation de ce catalogue en faisant dans le respectueux pour ces artistes, peut-être la seule catégorie qu’il ne se permet pas encore de brocarder. De par sa démarche, il essaye de ne pas vivre en contradiction avec les idées qu’il ne défend pas ... A relire plusieurs fois ….



www.artmajeur.com/fr/artist/eliolussato/ Elio LUSSATO, artiste autodidacte, est bien connu dans notre région des Alpilles, en tant qu'artiste mais aussi en tant que Président de l'A.C.J.A (Association Culturelle Juive des Alpilles).

Fort de ses connaissances du judaïsme, cet artiste l'utilise, avec des images et des métaphores plus aptes à exprimer ce qui est au-delà des mots.

Il aime travailler la matière comme il ne cesse de le dire ou plutôt de sculpter sa peinture qui est un mélange de sable, de cendres de cigares, de couleurs ...

Elio Lussato définit son travail en affirmant qu’il ne peint pas seulement mais qu’il sculpte aussi. Il a créé une technique très personnelle à base de matières naturelles, cendres de cigares (Havane uniquement), sable, ocres et bien entendu agrémenté de couleurs.

Jarres de Qûmram 1 - 150 X 50 - 1.300 €

Jarres de Qûmram 2 - 100 X 100 - 1.300 €

Jetées sur une toile, toutes ces matières se mélangent et se confondent. Ces derniers temps il s'est consacré à travailler sur les "JARRES DE QÛMRAN". La découverte de ces jarres, uniques au monde, contiennent des manuscrits bibliques hébreux datés entre le IIIème siècle avant J.C et le Ier siècle après J.C.

Elio LUSSATO veut partager ce moment unique de l'humanité.



http://www.jeanmichelmarais.over-blog.com/ Invité à un voyage initiatique, le spectateur vagabonde dans une dimension intemporelle qui résonne de bruit du fond de l’univers. Peintre et écrivain, Jean-Michel MARAIS saisit la magie, le secret de visions somnambules où la nature se tient au centre.

« De ses images mentales émergent ces lieux qui m’émerveillent, des atmosphères poétiques de mondes en apesanteur. Le glissement fugitif de mes couleurs dessine le contour de paysages qui s’imposent à moi, tableaux spontanés dont je suis le premier spectateur. »

En regardant ses toiles, l’artiste Louis Pons parle de « réel imaginaire, de poussées végétales, de germination du paysage… ».

A l’image d’une machine à remonter le temps, l’œuvre se teinte d’un idéal romantique dont la grandeur laisse songeur.

Pas de peinture sur le motif, mais une imagination créatrice évoquant le mystère des Temps géologiques qui nous rappelle que l’homme s’est toujours installé dans des sites remarquables.

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Cascade - 146 X 89 - 1.500 €

Dans cette qualité du silence, l’esprit s’arrête, contemplatif.

mailto:jeanmichelmarais@gmail


http://nissim-recentpaintings.blogspot.com/ Il a fait un long voyage, de Bombay aux Baux. Soixante années de peinture en route. Parmi d'autres occupations et préoccupations. Ces tableaux, ce sont des Traces qu'il a voulu laisser Chemin faisant….

Après quelques incursions et incartades dans la peinture réaliste, il s’oriente désormais vers l’abstraction qu’il considère comme une sorte de retour à l’enfance. Une enfane sans préméditation ni repentir.

Ses tableaux sont le fruit d’un combat perpétuel qui oppose l’innocence du nouveau-né sans passé et ébloui d’avenir, à l’exigence du professionnel.

Condition humaine A, B et C - 100 x 100 - 900 € (chacun)

Sur ses toiles, il n’y a ni objet, ni paysage ; en fait une abstraction pure sans rien de reconnaissable.



http://ribereau-gayon.over-blog.com/ C’est un lien puissant qui l’unit à l’argile pour transmettre à travers le canal lumineux de l’inspiration des images venant imprégner l’esprit d’un langage universel, au-delà de son histoire personnelle. Le pouvoir magique de l’argile, de par la neutralité de sa matière, est d’imprimer l’invisible, l’inconscient pouvoir renforcé par l’épreuve du feu de la cuisson qui permet de fixer définitivement l’évanescent.

Mamaïa - 50 X 50 - 8400 €

C’est le hasard qui l’a mené un jour à toucher l’argile : ce fut comme un choc électrique, une mise à la masse. De ses mains sortaient aberrations, monstres, cris voire hurlements, comme si une vanne avait été ouverte pour un vomissement antidépressif. De cette surproduction sans souci technique ni esthétique est né un fil d’inspiration au chemin chaotique, en forme d’auto-psychothérapie. Certaines œuvres sont ainsi l’expression de profondeurs personnelles.

Etir - 45 X 25 - 1900 € Homme végétal - 42 X 28 - 800 €

Le bronze souligne et renforce alors la générosité et le mystère de l’œuvre.



http://vincentsagona.com/

Vincent n’a pas choisi de peindre. Pour lui, l’art et la vie se confondent. Tout est rencontre. Rencontre avec le sujet, par une lecture, une musique, un évènement. Rencontre avec les objets : bois, papier, métaux, terre et pigments. Tout est matière : ce qui surgit le saisit… de stupeur, d’effroi ou de bonheur. Toujours d’étonnement.

Nine 1, 2 et 3 - 100 X 81 - 1200 € chacun

La toile alors « réfléchit » comme un miroir et nous appelle à regarder, sentir, palper, écouter.

La peinture est perception et émotion. Elle est corps et âme.



https://www.instagram.com/mike_sajnoski/

Né en Normandie en 1971, Mike a étudié aux beaux-arts de Rouen. Il vit actuellement dans le sud de la France avec sa famille et sa femme la photographe Joanna Maclennan. Il aime flâner, voyager, chiner et il retranscrit ses expériences dans la peinture, collage, création de mobilier, graphisme et le Street Art. Affectionnant la rencontre avec les matériaux simples, de récupération et la liberté de la rue il compose un art varié ayant pour thème l’humain et la faune.

Cabinet de curiosités - 2500 € l’ensemble

La vie n'étant pas toujours rose il a un penchant pour une certaine noirceur « à la Caravage » et les curiosités « comme les cabinets studiolo italien » qui influence ses photographies et ses collages.

Mike envisage la création comme un tout nécessaire et quotidien pour avoir un impact et une influence autour de soi.

La vision de Joseph Beuys sur l'art utile et l'anthroposophie lui convient parfaitement car il aime créer des projets, des ambiances, des propositions et des univers pour le plus grand nombre.



Peintre amateur et autodidacte, la très grande majorité de ses tableaux, tous figuratifs, sont des paysages.

Une exception, 14 tableaux inspirés par les fragments du jubé du 12ième siècle, un « chemin de vie ». Ces tableaux au format nombre d’or (40 x 65 cm) viennent d’être exposés pendant huit mois (mars-octobre 2016) dans le déambulatoire de le cathédrale Saint Etienne de Bourges. Le « chemin de vie » est devenu un « chemin de lumière » et a fait l’objet d’un livre.

Bord de Loire - 65 X 200 - 15.000 €

Son approche est la recherche de ses limites dans la technique picturale et dans l’expression figurative.

Il ne cherche aucune notoriété, il ne cherche pas à vendre ses toiles à tout prix, il cherche simplement à se faire plaisir après une vie de travail. C’est simple.


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http://serra.dictionnairedesartistescotes.com

Passionnée en particulier d'architecture, de design et d’espaces naturels, Sophie Serra aime immortaliser sa vision instinctive d’un angle de vue, d’un instant, d’une émotion… Bien qu’autodidacte et éclectique dans divers domaines artistiques, elle s’est orientée vers la photographie et a souhaité suivre quelques courtes formations professionnelles à l’Ecole Nationale Supérieure de la Photographie d’Arles afin d’optimiser ses connaissances techniques.

Photographe artiste-auteur, son intérêt pour les contrastes et le graphisme se retrouve dans son travail qui s’articule autour de la géométrie, des perspectives, des matières, entre contemporain et ancien, jeux d’ombres et lumières, lignes droites et courbes.

Amoureuse de sa région la Provence, sa première exposition " Au cœur de l’Amphithéâtre d’Arles " est un retour aux sources pour cette Arlésienne de naissance qui tenait à mettre à l'honneur un des joyaux du patrimoine de sa ville natale.

D’un environnement urbain à un environnement rural, en opposition ou en osmose, son regard se porte vers la quête d’une esthétique créée artificiellement à celle déjà existante à l’état naturel.

L’ombre des colonnes – 80 X 100 - 950 €

En effet, que ce soit dans la complexité ou la simplicité, elle s’intéresse autant à une architecture façonnée par l’homme qu’à une nature sauvage dans laquelle elle aime se retrouver, induisant une réflexion nécessaire sur l’harmonie possible entre ces différents milieux.

Son travail s’inscrit dans une démarche qui vise également à sensibiliser et soutenir la préservation du patrimoine, la protection animale et environnementale.


https://www.facebook.com/Pascal-Servera-219606304737167/

Pascal Servera pratique la photographie depuis son enfance, sur les traces fondatrices de son père. Plus tard il s’oriente vers la topographie, une parente formatrice : la précision de l'optique lui enseigne une façon rigoureuse de saisir l'espace physique.

Son travail se trouve comme pris en tension entre réalisme brut et onirisme.

L'âpreté d'une nature marquée au fer de l'industrie humaine - un arbre amputé - finit par prendre des airs surnaturels.

Il y a une sorte de refus de l'effet, il n'y a pas l'intention du fantastique, et pourtant il affleure de certaines visions âcres du réel. Nous sommes extraits de la trivialité grâce à une sorte de tendresse ou de pitié, un désarroi touchant, peut-être.

Dans les œuvres plus picturales, où l'abstraction d'un horizon, d'un point de fuite peut tendre vers le monochrome, émane un sentiment de force et d'ordre. Comme si trouvant la cause de l'absurde dans notre petitesse, nous accédions à une certaine paix.

Il s'agit aussi de montrer ce qu’ordinairement on ne sait pas voir, ces choses invisibles d'avoir toujours existé : les restes, les déchets exclus des souvenirs, sont donnés à voir sans jugement et offerts à une réflexion personnelle sur notre rapport au monde.

La roubine - 100 X 66 -700 €

Les Cormorans - 100 X 66 - 700 €

La tribu - 83 X 66 - 650 €

"L'œil ne voit que ce que l'esprit est prêt à comprendre." (Bergson)



http://www.tovestorm.com/presentation-tove-storm-collages/

Tové Kristiane Storm est d’origine norvégienne, diplômée de L’Ecole Supérieure d’Arts Appliqués d’Oslo en Norvège et de Genève en Suisse. Elle est arrivée à Paris en 1994 pour travailler dans le prêt-à-porter féminin comme styliste.

En 2000 elle s’installe avec sa famille d’abord pendant trois ans à Marseille et après à Salon de Provence où elle a travaillé comme intervenante en arts plastiques dans les écoles et les associations.

Jardin 1 – 116 X 89 – 1600 € Jardin 2 – 116 X 89 – 1600 €

En parallèle elle a développé sa technique artistique associant peinture acrylique, fragments de papiers imprimés et photos ainsi que d’autres matériaux pour créer des tableaux riches en textures et expressions. La vie, avec la terre, le soleil, l’eau, constituent des éléments centraux de ses tableaux figuratifs ou abstraits. Tové Kristiane Storm cherche à exprimer une ambiance apaisante et harmonieuse dans ses compositions. Elle invite le spectateur à voyager, à s’immerger dans un monde poétique.

Elle voudrait que le spectateur prenne le temps de lâcher prise et qu’il s’envole vers des destinations inconnues, du Nord au Sud, d’ici ou d’ailleurs.



http://francoisesubra-glaneuse-bricoleuse.blogspot.fr/ Née au cœur d’un vignoble Charentais, Françoise Subra a toujours aimé pétrir et modeler la terre. Puis elle s’est tournée vers des matériaux plus légers, plus aériens : Fils de fer rouillés, Bois flottés ou vermoulus, Ecorces, Champignons et autres trouvailles, glanées lors de ses ballades, ... papier, tarlatane ...

Les silencieux – de 31 à 120 cm – de 50 à 300 € selon la taille

Cheval errant - 33 X 36 - 420 €

Autant de matières qui font écho et deviennent le support de tentatives d'inscriptions telles que mouvement, traversée, suspens, déchirure, envol, absence ...



http://www.philippe-trefois.com/fr/

Si Vincent Van Gogh fut son peintre préféré, l’apprentissage des techniques de la peinture comme la pratique du dessin et du modèle vivant qui lui furent enseignés au sein de divers Ateliers, à Bruxelles puis en France, conduisirent Philippe Trefois à accueillir l’influence déterminante de James Ensor et, par la suite, celles d’artistes comme Paul Rebeyrolle, Chaïm Soutine ou Francis Bacon. A l’image de ces maîtres, Philippe puise son énergie créatrice au plus profond de son être ainsi que dans les déchirements intérieurs cachés en chacun d’entre nous.

Sa recherche de l’émotion, que lui dicte une sensibilité instinctive, s’inscrit dans l’exploration de la nature humaine.

C’est dans cette quête très singulière, pétrie de l’angoisse de son temps, que se situe l’essentiel de la thématique picturale de l’artiste. Aujourd’hui, son travail se résout de la manière la plus prégnante dans une recherche de déstructuration de la forme par des techniques touchant simultanément aux effets de matières, aux dilutions pigmentaires et aux graphismes incisifs. L’homme est le temple de sa peinture et c’est à travers la mise en scène du corps qu’il est toujours à la recherche d’une nouvelle expression. S’y trouve souvent représentée la main, outil créatif, qui vient témoigner chez le peintre, à travers la réminiscence des cycles éternels de création et de destruction, comme l’expression achevée d’une authentique humanité.

Le tabouret jaune – 146 X 97 – 2.000 €

Réunion de famille – 100 X 81 – 1.200 € Hommage à Francis Bacon – 116 X 89 – 1.500 €



https://vinsonbrunel.wordpress.com/

Isabelle Vinson-Brunel a passé son enfance en Ile-de-France puis a vécu dans différentes régions de France. Cela lui a permis de rencontrer Roberte Braem, Irène Häfliger et enfin Anne Tostivint et de suivre leurs cours de peinture.

Sa démarche principale est d’aller à la découverte de soi. Par la fluidité des encres et leur chatoiement, elle veut exprimer une vie intérieure, spontanément, sans altération, au plus authentique de son être. Quand elle regarde la terre, elle saisit l’écho (que nous renvoient les roches) de notre humanité. Par les matières, les tonalités, les pigments naturels, elle révèle le dialogue.

Murmures - 65 X 54 - 320 € Roucas 1 - 100 X 73 - 480 € Roucas 2 - 100 X 73 - 480 €

Elle a surtout exposé en Provence et en Normandie. Elle aime s’associer à des regards complémentaires de plasticien, photographe, musicien, metteur en scène..

Son intention est de restituer nos émotions intérieures et d’illustrer le dialogue de la nature avec l’homme.



http://www.yaumepeintre.com/

Marqué par sa jeunesse au Cameroun et ses séjours en Egypte et au Maroc, Yaume a pendant de longues années été à la recherche dans les masques et l’art africain d’une forme personnelle d’expressionnisme, parfois aux limites de Cobra. Mais ces dernières années ont vu son œuvre abstraite, lyrique par moments, prendre le dessus et s’enrichir d’une gamme chromatique intense.

Inspiration – 80 X 80 – 1.200 € Expiration – 80 X 80 – 1.200 €

Volontairement et exclusivement attaché à l’huile, Yaume considère que ce médium reste le seul qui possède toute la subtile profondeur de l’encre sans en avoir la sécheresse.

Actuellement, Yaume s’oriente vers une perception plus orientale de l’espace pictural, ménageant des parties de travail complexes au milieu de parties plus simples, plus nues.

Plus le vide et le blanc seront présents, plus ils créeront une tension interne au sein même de la densité et de la fusion des couleurs.



http://www.placidezephyr.fr/

Placide ZEPHYR est d’origine Haïtienne et vit à Nimes.

« La peinture de Placide Zéphyr est travaillée par le signe africain. Placide refabule le masque comme signifiant fondamental de la mémoire culturelle. Elle lui fait porter la trace à peine discernable des vèvè, les dessins incantatoires des rituels vaudou dont on voit défiler les héros (diab, croix Baron…). Placide pose l’équation numérique du 3 d’un point de vue graphique ainsi que comme marqueur d’une mythologie personnelle, ce que souligne la présence d’un portrait de famille porteur de cette inscription. Elle semble tirer des fils imperceptibles au visiteur pressé. Ce jeu formel rappelle son attrait pour la performance et le temps répété de l’acte de création, conçu comme un présent qui s’étire dans la durée comme dans l’espace de l’imagination."

Franck-Hermann Ekra , critique d'art, Prix international de l’AICA.

Tatoun – 150 X 101 – 3000 €

Placide expose à New-York, Marrakech, Paris …

Placide refabule le masque comme signifiant fondamental de la mémoire culturelle.

mailto:artzephyr@gmail

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