lodz design festival 2011

Interprint / Mecenas katalogu Łódź Design Festival 2011Interprint / Patron of the Łódź Design Festival 2011 catalogue

Paradyż Group / Główny Mecenas Łódź Design Festival 2011Paradyż Group / Main Patron of Łódź Design Festival 2011

06 – 07Zmiana! / Change!

008 – 031Program Główny – Przekierowanie / Main Programme – Redirection

032 – 059Program Główny – NeoFarm / Main Programme – NeoFarm

060 – 077Wystawy Specjalne / Special Exhibitions

078 – 103Przegląd Szkół / School Review

104 – 111make me!

112 – 143Wystawy Towarzyszące / Accompanying Exhibitions

144 – 159Wystawy Towarzyszące – Program Otwarty / Accompanying Exhibitions – Open Programme

160 – 161Ceramika Paradyż

162 – 163Łodź Design Festival 2010

164 – 165Podziękowania / Special Thanks

166 – 167Organizacja / Organisation

Spis treści /Contents

/ 06 Łódź Design Festival 2011 / CHANGE!

Jedną z cech niezmiennie ludzkich jest potrzeba podporządko-wania świata swoim wymaganiom i zmienianie go. Rozwijają się technologie i powstają sztuczne inteligencje. Świat zmienia się na skutek naszych działań, ale podlega także transformacjom wbrew naszej woli. Rozwój przemysłu i gospodarki rujnuje środowisko, powoduje przemiany społeczne, przeformułowuje sposób i warunki życia. Do tego dochodzą klęski żywiołowe, których skutkom możemy jedynie próbować zapobiegać. W ciągu zaledwie kilku pokoleń znany od stuleci świat bardzo się zmienił i na tym nie poprzestanie. Transformacji podlega społeczeństwo, gospodarka i ekonomia, a my jesteśmy spraw-cami i ofiarami tego procesu. Zmieniają się potrzeby i to, co najważniejsze – świadomość. To, co jest jednak stałe bez wzglę-du na wszystko, to potrzeba reagowania na zmiany na każdym poziomie: zarówno rozumu, czyli rozwiązywania problemów, jak i emocji, czyli ich oswajania.

W 5. edycji festiwalu Łódź Design właśnie zmianom poświę-camy dwie wystawy Programu Głównego: Przekierowanie, przygotowaną przez Centrum Architektury z Warszawy oraz NeoFarm, której kuratorami są Boaz Cohen i Sayaka Yamamo-to, izraelsko-japońska para działająca na co dzień w Eindhoven w Holandii. Wiele innych wydarzeń festiwalowych będzie do tego niezmiennego w swej ciągłości zjawiska nawiązywać.

Wystawa Przekierowanie opowie nam o zmianach w architektu-rze. O tym, jak ta sztywna, monumentalna i przeznaczona po to, by trwać jak najdłużej, dziedzina projektowania wytrzymuje ini-cjatywy użytkowników. Na ile jest elastyczna i gotowa sprostać przeludnieniu, kryzysowi surowcowemu czy dewastacji środo-wiska? Na ile architektura jest podatna na eksperyment? Czy te zmiany powstają z inicjatywy architektów, czy też są zjawiskiem oddolnym, na które architekci zmuszeni są reagować? W jakimś sensie budynek, zespół urbanistyczny, być może bardziej niż ja-kiekolwiek inne dzieło raz oddane w ręce użytkownika, zaczyna żyć własnym życiem. Wystawa Przekierowanie nie poda goto-wych recept ani odpowiedzi, lecz wskaże kierunki gdzie należy ich szukać. Pokaże, jak patrzeć i jak czytać, by zrozumieć istotę nieuniknionych zmian, z którymi architektura musi i będzie musiała się mierzyć coraz bardziej.

Wystawa NeoFarm odnosi się do zmian w strukturze społecz-nej. Mimo industrializacji i migracji znacznej części społeczeń-stwa do miast, pozostała w nas tęsknota do wiejskiego życia, rzemieślniczo wytwarzanych przedmiotów, naturalnych mate-riałów itp. Jednak nawet wyjeżdżając na wieś z trudem możemy je znaleźć. Poziom i jakość życia na wsi i w mieście zasadniczo dzisiaj się nie różni, a przynajmniej są wszelkie warunki po temu, by tak było. Wieś jest zmechanizowana. Pola są uprawiane, a zwierzęta „hodowane” przez komputery, które oczywiście obsługują ludzie. Jednak komputery, internet czy dostęp do wiedzy i do technologii – niewątpliwie wartościowe – pozba-wiły ludzkość innych wartości, związanych z wiejskim życiem. Unifikacja i przemysłowa powtarzalność przedmiotów jest niechcianym ubocznym efektem rozwoju. To zmiana, niedawna i nieodwracalna. Jednak projektanci wypełniają tę lukę. Zamiast proponować sztucznie i nieszczerze „naturalne” przedmioty, ba-wią się tradycją, po trosze zaspokajając emocjonalne potrzeby, a po trosze przyjaźnie z nich pokpiwając. Zbliżają się do granicy kiczu, żartu, pastiszu, lecz w gruncie rzeczy ich propozycje są całkiem poważne. To propozycje nawiązania nowego kontaktu z naturą i prostym życiem. Na innych warunkach, przyjaznych dla obu stron.

Zmiana to proces ciągły. Jednak by go dostrzec trzeba sie zatrzymać. By zrozumieć, trzeba się zatrzymać na dłużej. Propozycje Programu Głównego tegorocznego festiwalu Łódź Design zapraszają do refleksyjnego zwolnienia biegu i ponownego zadania pytania – skąd przychodzimy, kim jesteśmy i dokąd zmierzamy.

Agnieszka Jacobson-Cielecka Dyrektor Artystyczny Łódź Design Festival 2011

Zmiana! / Change!

/ 07 Zmiana! /Change!

One of the unchangeable human features is the need to subject the world to our demands and change it. Technologies are developing and artificial intelligences are being produced. The world changes as a result of our actions, but it also transforms against our will. Development of the industry and economy ruins the environment, causes social changes, reformulates the way we live and our living conditions. What is more, there are also natural disasters, whose results we can only try to prevent. During merely few generations, the world that we had known for ages has changed a lot, and it will not stop changing. The society and economy are transforming, and we are the perpe-trators and victims of this process. The needs are changing and so is the awareness. However, what remains stable regardless of other things is the need to react to changes on every level, both mental, which is to solve problems, and emotional – to get accustomed to these new feelings.

During the 5th Łódź Design Festival, we dedicate two exhibitions of the Main Programme to changes: Redirection, prepared by Centrum Architektury from Warsaw, and NeoFarm, whose cura-tors are Boaz Cohen and Sayaka Yamamoto, the Israel-Japanese couple that work in Eindhoven in Holland. Many other festival events will refer to this unchangeable and continuous phenomenon.

The Redirection exhibition will show us the changes in architecture – how this stiff, monumental field of design, meant to last as long as possible, faces grass-roots initiatives? To what extent is it flexible and ready to cope with overpopulation, resource crisis or environment devastation? To what extent is architecture prone to experiments? Are the changes caused by architects, or are they a bottom-up phenomenon to which the architects must react? A building, an urban complex, when it is handed over to the users, starts to live its own life, more than any other work. The Redirection exhibition will not provide ready recipes and answers, but it will show the directions in which to look for them. It will show how to look and read in order to understand the nature of unavoidable changes with which architecture must and will have to cope.

The NeoFarm exhibition refers to changes in the social structure. In spite of industrialization and migration of a considerable part of the society to cities, we still long for rural life, craft made objects, natural materials, etc. However, even if we go to the countryside, it is hard to find them. Nowadays, the level and quality of life in the countryside do not differ from the life in the city, or at least they do not have to be different. Villages are mechanized. The land is cultivated, and animals are ‘bred’ by computers, which are operated by people, of course. Yet, computers, the Internet or access to knowledge and techno-logy – undoubtedly valuable and needed – have deprived the humankind of other values connected with rural life. Unification and industrial repeatability are an unwanted side effect of the development. It is a change, new and irreversible. However, designers fill this gap. Instead of suggesting artificially ‘natural’ objects, they play with tradition and in this way they satisfy our emotional needs on the one hand and make light-hearted and rather warm fun of them on the other hand. They balance on the verge of kitsch, joke, pastiche, but their suggestions are quite serious. They encourage us to establish a new connection with nature and simple life, and establish new conditions, favourable for both sides.

Change is a continuous process. But to notice it, you have to stop running. To understand it, you have to stop for a longer time. The Main Programme of this year’s Łódź Design Festival invites us to slow down, think, and ask again – where do we come from, who are we, where do we go?

Agnieszka Jacobson-Cielecka Artistic Director of Łódź Design Festival 2011


Program Główny / Main Programme

/ 09 Program Główny /Main Programme

Domek Vardehaugen, projekt Fantastic Norway, zdjęcie: Håkon Matre Aasarød, dzięki uprzejmości Fantastic NorwayCabin Vardehaugen, Fantastic Norway project, photo: Håkon Matre Aasarød, courtesy of Fantastic Norway


Przekierowanie. O zmianie w architekturze.

Architektura jest w kryzysie.

Skończyła się epoka systemów organizujących całokształt życia człowieka i niosących w dziedzinie architektury gotowe recepty na poprawę bytu, jak maszyny do mieszkania czy całościowo zaplanowane miasta. Lawinowy przyrost ludności powoduje zwiększenie produkcji architektonicznej na niespo-tykaną dotąd skalę. Budownictwo podlega coraz szybszemu technologicznemu liftingowi. Tempo zmian pogłębia dezorien-tację. Niezmienną cechą architektury wciąż pozostaje sztyw-ność i odporność na przekształcenia. To stawia pod znakiem zapytania przyszłą użyteczność powstających budynków i osiedli ludzkich, zwłaszcza w kontekście nowych problemów współczesnych społeczeństw, jak przeludnienie, nadciągający globalny kryzys surowcowy, pogłębianie się różnic społecznych czy zanieczyszczenie środowiska.

Czy współczesna architektura ma pomysł na siebie? Sponta-nicznie, często oddolnie, pączkują nowe idee, które być może wskażą kierunki zmian. Przekierowania dokonują się tu i teraz: testom poddawane są pomysły na ekologiczne życie, ekspe-rymentalne modele edukacji i pracy, prototypowe systemy kalkulacji danych, takie jak dataizm, czy nowe formy partycy-pacji społecznej w projektowaniu miast. Nie wiadomo dokąd te zjawiska nas doprowadzą. Warto jednak przyjrzeć się im jako próbom zaradzenia kryzysowi. Zamiast gotowych odpowiedzi, prezentujemy wiele podpowiedzi.

Kurator: Centrum Architektury

Program Główny / Przekierowanie

/ 11 Przekierowanie /Redirection

Redirection. Change in architecture.

Architecture is experiencing a crisis.

The era of systems aiming to organise the entirety of human existence while providing ready architectural formulas to improve lives – such as ‘machines for living’ or comprehensi-vely planned cities – is over. Explosive population growth has caused an unprecedented increase in architectural production. The construction industry is rapidly undergoing a technolo-gical revolution. The pace of all these changes intensifies the feeling of confusion. On the other hand, rigidity and resistance to modifications continue to characterise architectural works, raising questions about their usability in a changing world. The design of modern buildings and housing estates must take into account society’s new problems, like: overpopulation, an approaching global resources crisis, deepening social differences as well as environmental concerns.

Does contemporary architecture have an idea for itself and its future? There are spontaneous, bottom-up ideas which indicate the industry’s future directions. Redirections are happening here and now. In fact, these ideas, such as environmentally friendly living, experimental modes of education and work, prototype systems for data calculation – dataism, or new forms of social participation in urban design, are all being tested right now. While we do not know where these ideas will lead us, it is worth examining them as attempts to avert a global crisis. There are no ready solutions and answers, but we do have some hints and strategies to share.

Curator: Centrum Architektury / Architecture Centre

Main Programme / Redirection


Miejskie rolnictwo / Urban agricultureSpółdzielnia pszczelarska w Chicago / Chicago Honey Co-opJadalny park / Edible ParkMiejski ogród leczniczy / Urban Physic GardenOgród Prinzessinnengarten w Berlinie / Prinzessinnengarten in Berlin

Eko-estetyka / Eco-aestheticsBudynek z makulatury PH-Z2 / Recycled Paper Building PH-Z2Sklep firmowy Freitag / Freitag Flagship Store

Dataizm / DataismDomek Vardehaugen / Cabin Vardehaugen

Nowa praca, nowa edukacja / New work, new educationWielofunkcyjna przestrzeń dla firmy Teletech / Multifunctional space for Teletech

Kultura współuczestnictwa / Culture of participationPodwórko na warszawskiej Pradze, ul. Równa/Szwedzka / A courtyard in Warsaw's Praga district, Równa/Szwedzka Streets Osiedle komunalne Quinta Monroy / Quinta Monroy social housing

Kierunki /Directions


Sklep firmowy Freitag, zdjęcie: Roger Frei, dzięki uprzejmości firmy FreitagFreitag Flagship Store, photo: Roger Frei, courtesy of Freitag


Spółdzielnia pszczelarska w Chicago, zdjęcie: Amanda Temple, dzięki uprzejmości Chicago Honey Co-opChicago Honey Co-op, photo: Amanda Temple, courtesy of Chicago Honey Co-op


Do 2050 roku liczba ludzi na Ziemi ma wzrosnąć o 3 miliardy. Aż 80 procent populacji będzie wtedy mieszkać w miastach – już teraz to około połowa ludzkości. Żeby wszystkich wyżywić, potrzebny będzie dodatkowy obszar ziemi uprawnej wielkości Brazylii i Libii razem wziętych. Skąd wziąć dodatkowe pola, skoro i tak niewiele ich już zostało? Ile jeszcze dwutlenku węgla emitowanego przez silniki ciężarówek wożących szpinak i sałatę do miasta może przyjąć nasza atmosfera ? A może by tak uprawiać warzywa na miejskich nieużytkach? W donicach na balkonie? Na dachach i ścianach? Miejskie rolnictwo nie rozwiąże problemów z wyżywieniem wszystkich mieszkańców Ziemi, ale pomoże lokalnym społecznościom. I radykalnie wpły-nie na wygląd miasta.

It is estimated that by 2050, the Earth’s population will have grown by 3 billion. As much as 80 per cent of the people will live in cities – currently, already about 50 percent do. In order to feed everyone, we will need additional farmland with an area of Brazil and Libya combined. But where will we find these new fields? How much more carbon dioxide emitted by trucks transporting spinach and lettuce to cities will our atmosphere accommodate? One solution is growing vegetables in urban wastelands, on balconies, walls and roofs. Urban agriculture is not going to solve the world’s food supply problem, but it will certainly help local communities, while significantly changing the appearance of our cities.

Miejskie rolnictwo /Urban agriculture

Łódź Design Festival 2011 / CHANGE!

/ 16

Pasieka na nieużywanym parkingu w Chicago, w okolicy zniszczonej w trakcie zamieszek na tle rasowym w latach 60. Spółdzielnia pszczelarzy-ochotników od 2004 roku produkuje miód i naturalne kosmetyki bez stosowania substancji chemicz-nych, zgodnie z zasadami zrównoważonego rozwoju, a także organizuje szkolenia zawodowe dla okolicznych mieszkańców.

The apiary is located in an abandoned parking lot in a Chicago neighbourhood that suffered major damage during race riots in the 1960s. Since 2004, this co-op of beekeeper-volunteers has been working in accordance with the principles of sustainable development to produce chemical-free honey and honey-based cosmetics, while organising job training programs for local residents.

Spółdzielnia pszczelarska w Chicago /Chicago Honey Co-op

Zdjęcie: Amanda Temple, dzięki uprzejmości Chicago Honey Co-opPhoto: Amanda Temple, courtesy of Chicago Honey Co-op

Przekierowanie /Redirection

/ 17

Jadalny park /Edible Park

Publiczny ogród warzywny w Hadze – projekt brytyjskiego ar-tysty Nilsa Normana. Ulokowany w środku warzywnika pawilon z ogrodem na dachu służy do odpoczynku, przechowywania narzędzi oraz jako punkt informacyjny dla odwiedzających. Wokół pawilonu zainstalowano urządzenia pokazowe dla eko-logicznego ogrodnika, np. toaletę kompostującą czy wiklinowy filtr do wody.

A public vegetable garden in The Hague, designed by the British artist Nils Norman. Situated in the centre of this urban farm is a pavilion which is a place to rest, a storage space for tools, and an information point for visitors. Around the pavilion, there are examples of eco-friendly gardening installations such as a composting toilet and a willow water filter.

Zdjęcie: dzięki uprzejmości Stroom Den HaagPhoto: courtesy of Stroom Den Haag

Zdjęcie: Eric de Vries, dzięki uprzejmości Stroom Den HaagPhoto: Eric de Vries, courtesy of Stroom Den Haag


Miejski ogród leczniczy /Urban Physic Garden

Tymczasowy ogród z roślinami leczniczymi, kawiarnią i bogatym programem wydarzeń kulturalnych, zbudowany przez wolontariuszy z materiałów z odzysku na nieużywanym terenie w południowym Londynie. Czynny od 11 czerwca do 15 sierpnia 2011 r.

A temporary medicinal herb garden, with a cafe and a rich pro-gramme of cultural events, built out of recycled materials by a group of volunteers on an abandoned site in south London. Open from 11 June to 15 August 2011.

Zdjęcie: Mike Massaro, dzięki uprzejmości Urban Physic GardenPhoto: Mike Massaro, courtesy of Urban Physic Garden


Ogród Prinzessinnengarten w Berlinie /Prinzessinnengarten in Berlin

Organiczny ogród warzywny w skrzynkach, w berlińskiej dzielnicy Kreuzberg, urządzony przez organizację non-profit Nomadisch Grün wraz z grupą pasjonatów, aktywistów, przyja-ciół, fanów i sąsiadów na terenie będącym od ponad pół wieku miejskim nieużytkiem.

An organic garden made up of moveable vegetable planting boxes. Located in Berlin/Kreuzberg, in an area which had been an urban wasteland for more than half a century. The non-profit Nomadisch Grün (Nomadic Green) organisation along with a group of enthusiasts, activists, friends, fans and neighbours created the garden.

Zdjęcia: Marco Clausen, dzięki uprzejmości PrinzessinnengartenPhotos: Marco Clausen, courtesy of Prinzessinnengarten


Design radzi sobie z wyzwaniami zrównoważonego rozwoju – przetwarzanie bezużytecznych przedmiotów w nowe, o innej funkcji lub wyglądzie, wykorzystywanie odpadów do produkcji nowych materiałów i pakowanie w szary papier od dawna uzna-wane są za normę. Architektura dopiero zaczyna na poważnie eksperymentować z eko-estetyką. Specjalistyczne technologie produkcji ogniw fotowoltaicznych, pomp ciepła i zaawanso-wanych, ekologicznych tworzyw to jedno. Powrót do prostoty, tradycyjnych, sprawdzonych materiałów i technik budowlanych oraz próby wykorzystania odpadów w budownictwie to drugie. Przywykliśmy do trawertynu, a może będzie trzeba okładać budynki dyktą? W krajach najbardziej rozwiniętych obserwu-jemy nowe zjawisko – „postbogactwo”. Stare domy odnawia się tylko na tyle, na ile naprawdę jest to potrzebne. Używane sprzęty wyrzuca się jedynie wtedy, gdy naprawdę do niczego już się nie nadają. Po co burzyć stary dworzec, jeśli wystarczy go umyć? Czy w kupionym właśnie mieszkaniu koniecznie trze-ba zbić kafelki, żeby położyć nowe? Dlaczego zrywać podłogi, skoro można je pomalować? Takie samoograniczenie bierze się z troski o środowisko. Nie możemy oczekiwać od architektury, że będzie się wciąż zmieniać, udoskonalać, unowocześniać.

Design has responded to the challenges of sustainable development – transforming useless objects into new by giving them a new function or appearance, utilizing waste to produce new materials and using recycled packing paper are all standard solutions by now. Meanwhile, architecture is just beginning se-rious experiments with eco-aesthetics. Specialist technologies of producing PV cells, heat pumps, and advanced ecological materials are one thing. The other one is a return to traditional, tested and proven methods, and making use of wastes in construction. We have gotten used to travertine facades, but what if we have to use plywood instead? In the most developed countries, a new trend has appeared – post-abundance. According to this new vision, old buildings are renovated only to the extent that it is really necessary, old appliances are thrown away only when they really stop functioning. Why demolish an old railroad station, when it is enough to clean it? Do we really need to remove tiles in a newly-purchased flat, just to put new ones in? Why tear-up old floors, when you can paint them? By asking such questions and changing our behaviour, we are acting out of care for the environment. After all, we cannot expect architecture to continuously transform, improve, and modernize our surroundings.

Eko-estetyka /Eco-aesthetics


Budynek z makulatury PHZ2 /Recycled Paper Building PHZ2

Budynek z makulatury. Projekt mobilnej przestrzeni do pracy autorstwa niemieckiej pracowni Dratz&Dratz Architekten, zrealizowany w 2008 roku. Sprasowane w kostki kartony z supermarketu (także wykonane z papieru z odzysku) okazały się tanim i wytrzymałym materiałem dla architektury (na razie) tymczasowej.

A building made out of waste paper, designed as a mobile work-space by German studio Dratz & Dratz Architekten, and built in 2008. Pressed into blocks, supermarket carton boxes (also made from recycled paper), turned out to be a cheap and solid material for (so far) temporary architecture.

Zdjęcia: dzięki uprzejmości Dratz&Dratz ArchitektenPhotos: courtesy of Dratz&Dratz Architekten


Sklep firmowy Freitag /Freitag Flagship Store

Sklep firmy Freitag, produkującej torby z używanych dętek i pa-sów bezpieczeństwa. Znajduje się w Zurychu i został urządzony w przenośnej konstrukcji z 17 kontenerów, z platformą widoko-wą na dachu. Projekt: Annette Spillmann, Harald Echsle.

A store for Freitag, a producer of bags made of used tyre tubes and seatbelts. It is located in Zurich, in a transportable structure made up of 17 containers, with a rooftop viewing platform. Design: Annette Spillmann, Harald Echsle.

zdjęcie: Roland Tännler, dzięki uprzejmości firmy Freitagphoto: Roland Tännler, courtesy of Freitag


Projektowanie opiera się na analizie danych: potrzeb, moż-liwości, zachcianek oraz ściśle policzalnych parametrów. W przypadku dataizmu ten ostatni czynnik staje się najważniejszy. Parametry i dane nie są jednym z czynników, lecz czynnikiem głównym, punktem wyjścia i punktem dojścia. Dzięki temu w czasach wymagających szybkich i racjonalnych decyzji projektowych ograniczona zostaje rola ego architekta. Dataiści podążają w stronę hodowania architektury, praktykowania zawodu, który staje się odporny na manifesty, bliższy hodowli koni czy wytwarzaniu wina. Architekci i projektanci nie tworzą już skończonych form tylko otwarte systemy.

The design process is based on analysing data: needs, capabi-lities, desires, and strictly quantifiable parameters. In dataism, this last factor is crucial. Parameters and data are not just some of the factors - they constitute the core, and are both the starting and ending points. Thanks to this approach, in times requiring quick and rational design decisions, the role of the architect’s ego has been limited. Dataists aim toward ‘growing’ architecture, practicing the occupation in a way resistant to manifestos, almost approaching the methodology of horse-breeding or winemaking. Dataist architects and designers create open systems instead of finished forms.

Dataizm /Dataism

Zdjęcia: Håkon Matre Aasarød, dzięki uprzejmości Fantastic NorwayPhotos: Håkon Matre Aasarød, courtesy of Fantastic Norway


Domek Vardehaugen /Cabin Vardehaugen

Nadmorski domek na norweskim półwyspie Fosen autorstwa pracowni Fantastic Norway. Został zaprojektowany tak, by za-oferować jak największy komfort w zmiennym i ostrym klimacie.

A seaside cabin on the Fosen peninsula, designed by the Fantastic Norway studio. It offers great comfort in the harsh and changing climate.


Dzięki internetowi można prowadzić firmę, nie ruszając się sprzed komputera. Telepraca wielu ludzi uwięziła w domu. Po jakimś czasie z powrotem zapragnęli oni kontaktu z ludźmi. Za-częli się zrzeszać i tworzyć miejsca wspólnej pracy. Zaś właści-ciele tradycyjnych biur dostrzegli, że ich pracownicy lepiej czują się w miejscach, które choć trochę przypominają dom. Lub knajpę. Mamy więc biuro w domu, dom w biurze albo platformę co-workingu i żadne z tych miejsc nie kojarzy się ze zwykłym miejscem pracy. A zresztą, czy forma jest jeszcze istotna? Pro-gramy komputerowe można pisać siedząc w budynku sprzed wieków. Dobry laptop sprawdzi się w prymitywnej chacie. Jak będą wyglądać kiedyś biurowce? Czy będą w ogóle potrzeb-ne? Również dzieci doświadczają zmiany w architekturze. W szkołach zamiast klas pojawiają się przestrzenie z ruchomymi ścianami. Sale lekcyjne nie przypominają sal wykładowych z biurkiem nauczyciela i rzędami ławek, jeszcze niedawno było to możliwe tylko w placówkach eksperymentalnych. Teraz nowe podejście do edukacji, w którym nauczyciel, zamiast przeka-zywać wiedzę zza biurka, towarzyszy uczniowi w odkrywaniu świata, coraz częściej wpływa na wygląd nowo budowanych lub odnawianych szkół i przedszkoli.

Thanks to the Internet, it is possible to run a company without even leaving your computer desk. Unfortunately for many, tele-work (or tele-commuting) has made the home-office a prison. These workers missed interacting with other people, and started gathering in groups and creating co-working spaces. At the same time, owners of traditional offices noticed that their employees feel better in spaces which look, at least a little bit, like home. Or a café. Thus, we have home-offices, homes at offices, co-working spaces, and none of these are like a ‘typical‘ workplace. So, is the form still that important? After all, you can write computer programs in centuries-old buildings – a good laptop is just as good in a simple cottage as it is in a big office. Which leads us to the question of what office buildings will look like in the future? Or, will we even need them at all? Children are not exempt from experiencing the changes happening in architecture. Instead of classrooms, they often learn in open-spaces with moveable walls. Learning no longer has to take place in a traditional setting with the teacher’s desk facing rows of students. Until recently, such arrangements were only available in experimental schools. A new approach to learning, where a teacher accompanies students in exploring the world, rather than instructing them from behind a desk, is increasingly influencing newly built or renovated schools and kindergartens.

Nowa praca, nowa edukacja /New work, new education


Wielofunkcyjna przestrzeń dla firmy Teletech /Multifunctional space for Teletech

Niskobudżetowe biuro w opuszczonej fabryce musztardy w Dijon, dla 600 operatorów call center, którzy będą mogli sami wybierać miejsce pracy w urządzonych nieformalnie przestrze-niach. Projekt holenderskiej pracowni MVRDV.

A low-cost office in an old mustard factory in Dijon, for 600 call centre operators. The employees can choose their own workspaces in the informally designed interior. Design by Dutch studio MVRDV.

Wizualizacja dzięki uprzejmości MVRDV / Visualisation courtesy of MVRDV


W misję architekta i urbanisty od zawsze wpisana była rola demiurga. Porządkował chaos organicznie narastających miast. Planował od nowa idealne przestrzenie. W czasach moder-nizmu projektował nowoczesne domy i osiedla pełne słońca, świeżego powietrza i zieleni. Niestety, pozbawiona ludzkiej skali przestrzeń przytłacza i odpycha. Dzielony z tysiącem anoni-mowych sąsiadów teren wydaje się niczyj, kto więc ma o niego dbać? Pozbawiony indywidualnych cech, zaprojektowany „do końca” budynek, w którym już nic nie można zmienić, wydaje się obcy, nieprzyjazny. Może by tak urządzić coś po swojemu? Architektura stoi na piedestale, jest traktowana jak dzieło sztuki, w które nie można ingerować. Wszelkie próby modyfikowa-nia jej przez użytkowników traktuje się jak świętokradztwo, a przecież są one wyrazem naturalnego dążenia człowieka do indywidualizacji estetycznej, oswajania, ocieplania, dostoso-wywania do potrzeb. Dosyć ikon w architekturze. Architekcie, zapytaj przyszłego użytkownika, czego chce!

Architects and urban planners have always acted a bit like demiurges – organizing the chaos of organically-growing cities, planning ideal spaces, designing modern houses and sunny estates full of fresh air and green trees. Unfortunately, a pro-ject that exceeds the human scale is overwhelming and rather repulsive. A space shared with thousands of anonymous neigh-bours seemingly belongs to no one, so nobody takes care of it. Devoid of individual features, a ‘completely’ designed building in which nothing can be changed, seems unfriendly and odd. The residents have no way of making their surroundings their own. Traditionally, architecture has stood on a pedestal, treated like a work of art, with which the public may not interfere. User’s attempts to modify it were considered sacrilegious, despite the fact that they only reflected a natural human desire for aesthetic individualisation and the taming, warming, and adjusting of our surroundings to meet our needs and desires. From now on, no more icons in architecture! Dear architects, it is time to ask future users what they want and need!

Kultura współuczestnictwa / Culture of participation


Podwórko na warszawskiej Pradze,ul. Równa / Szwedzka /A courtyard in Warsaw's Praga district, Równa / Szwedzka Streets

Społeczny projekt renowacji podwórka, powstały w wyniku ścisłej współpracy mieszkańców, lokalnych władz, administracji, Grupy Pedagogiki i Animacji Społecznej Praga-Północ oraz stowarzyszenia Odblokuj, działającego na rzecz poprawy środo-wiska mieszkalnego.

Projekt: Arch. Marek i Marlena Happachowie, arch. krajobrazu – Joanna Hernik, 2011

A community project for the renovation and improvement of an apartment-building courtyard, developed as a result of close collaboration between the residents, local authorities and administrators, Praga-Północ Pedagogy and Social Animation Group and the Odblokuj (Un-block) association.

Project: Architects Marek and Marlena Happach, landscape architect – Joanna Hernik, 2011

Zdjęcie: dzięki uprzejmości stowarzyszenia OdblokujPhoto: courtesy of Odblokuj association

Przekierowanie /Redirection

Osiedle komunalne Quinta Monroy /Quinta Monroy social housing

Osiedle komunalne w Chile projektu pracowni Elemental. Każdy budynek zbudowano do połowy, pozostałą część pozostawiając do indywidualnej rozbudowy przez użytkowników.

Social housing development in Chile, designed by Elemental. Only half of each building was built, so that residents could individually decide on its further development.

/ 31

Zdjęcie: Tadeuz Jalocha (lewe), Cristóbal Palma (prawe), dzięki uprzejmości ElementalPhoto: Tadeuz Jalocha (left), Cristóbal Palma (right), courtesy of Elemental


„Jesteśmy projektantami, nie kuratorami” – pomyśleliśmy, kie-dy poproszono nas o przygotowanie wystawy na Łódź Design Festival. Jednak niemal równolegle ta sama myśl przerodziła się w ekscytujące wyzwanie. Projektując, często stawiamy so-bie za cel połączenie różnych elementów i scalenie ich w jedną harmonijną całość, w wystawie także szukamy takiego właśnie podejścia.

Wybieranie różnorodnych prac i zestawianie ich ze sobą ma w sobie coś z budowania własnego gospodarstwa – miejsca, które zaspokaja podstawowe potrzeby, ale także niektóre z naszych największych pragnień. Wybrane przedmioty często „ożywają” dzięki nawiązaniom do naszego życia i otoczenia oraz wkomponowaniu ich w odpowiedni kontekst.

Z biegiem czasu wielu projektantów zdaje sobie sprawę z tego, jak ważne jest poszukiwanie i wychodzenie poza granice czysto funkcjonalnego wymiaru ich dzieł i zwracanie uwagi również na elementy emocjonalne i osobiste. To często prowadzi do silnej więzi na linii obserwator – obiekt. Takie wartości, wraz z wymo-gami funkcjonalno-praktycznymi, są niejednokrotnie postrze-gane jako niezbędny element „dobrego designu”, a często uzupełniają się nawzajem – funkcja budzi emocje i vice versa.

Chęć wyrażenia indywidualności w gwałtownie zmieniającym się otoczeniu popycha nas w stronę tego, co znajome, wywoła-ne doznaniami wizualnymi, a także dotykiem, zapachem lub in-nym bodźcem czuciowym. Powiązanie takie może mieć źródło w naszej tęsknocie lub rodzić się w pamięci zbiorowej.

W rezultacie mamy do czynienia z przyjaznym otoczeniem, które jest nam dobrze znane, a jednocześnie nowatorskie, ze środowiskiem z pozoru prostym, a jednak bardzo twórczym.

Kurator: BCXSY – Boaz Cohen & Sayaka Yamamoto

Program Główny / NeoFarm

/ 33 NeoFarm

“We are designers, not curators.” – this was the first thing which came to our minds when we were asked to create an exhibition for the Łódź Design Festival. Yet, almost at the same time, this thought transformed into an exciting challenge. When we design, our goal is often to bring together different elements and merge them into one harmonious entity, and when thinking about it, this approach is also what we would like to see when looking at an exhibition.

Choosing different works and placing them side by side is like building our very own farm – a place which provides our basic needs along with some of our utmost desires. The chosen objects are often ‘animated’ through the use of references to our life and our surroundings, and through the positioning in a relevant context.

In the course of time many designers have recognized the significance of exploring and looking beyond the purely functional properties of their creations, through additionally addressing emotional and personal aspects. This resolution often leads to a stronger bond between the viewer and the object. Such values, along with the functional/practical needs are often seen as essential in order to generate ‘good design’, and often are complementary – the function raises the emotion and vice-versa.

Our urge to express the individual within a rapidly changing milieu is drawing us toward the familiar, triggered by the visual properties, as well as the tactile, smell or any other sensory stimulation. The relation could derive from our own nostalgia, or emerge from collective memory.

The result is a welcoming surrounding which is well known, yet innovative. An environment seemingly simple, yet very clever.

Curator: BCXSY – Boaz Cohen & Sayaka Yamamoto

Main Programme / NeoFarm


Artyści /ArtistsArzu Firuz & Paul Huber

Christien MeindertsmaMax LipseyAZE designFront DesignMatylda KrzykowskiIka Kuenzelmischer'traxlerKraudTimo Sarpaneva5.5 DesignersLladróYanes WühlRonan & Erwan BouroullecFloris HoversPaul LoebachBig GameHans J. WegnerSebastian Wrong & Richard WoodsMarcel WandersBenjamin HubertDavid ClarkeJuliette WarmenhovenBenjamin Hubert

/ 35 NeoFarm


www.arzu-firuz.comFrancja / France Kolekcja drewniana Trompe l’Oleil / Wood Trompe l’Oleil Collection (2007)wykładzina PVC, wykrój cyfrowy / PVC floor covering, digital cutting

Twórczość Arzu i Paula opiera się na wymianie odniesień stylistycznych i synergii inspiracji. Zainteresowanie nomadzkim dywanem orientalnym doprowadziło ich do zakwestionowania konceptu pokrycia podłogi – postanowili skorzystać z wła-ściwości winylowych wykładzin podłogowych i połączyć je z delikatnością wzorów perskich i osmańskich, tworząc serię dywaników przeznaczonych do użytku domowego. Wykonane są one z wykładziny podłogowej imitującej drewno, w której wycięto wzory typowe dla kultury perskiej i wywodzące się z Maroka mozaiki. Lekkie i elastyczne dywaniki z kolekcji Trompe l'Oeil przypominają delikatną drewnianą koronkę.

Arzu and Paul's creations are based on their exchange of stylistic references and the synergy of their inspirations. Their interest for the oriental carpet as a nomad item led them to question the concept of floor covering. They chose to gather the qualities of a vinyl floor with the delicacy of Persian or Ottoman patterns in the collection of rugs suitable for private indoor use. Made in residential vinyl floor covering that looks like wood, in which antique Persian and Zellige designs are cut, these Trompe l'Oeil rugs look like delicate wood lace. Flexible and light, they are easy to carry.

Arzu Firuz & Paul Huber

/ 37 NeoFarm

www.christienmeindertsma.comHolandia / The Netherlands Lniany projekt / The Flax Project (2009)len, zwijanie liny / flax, winding rope

Analizując historię XVI-wiecznego holenderskiego przemysłu linowego, Christien Meindertsma ograniczyła produkcję do oryginalnego materiału Holendrów: lnu. Z włókien pocho-dzących z lokalnej uprawy powstała przędza, która następnie została spleciona w sznurek. To świeże i innowacyjne podejście Meindertsmy do bardzo starych technik, takich jak przędzenie, tkanie, wyplatanie i rozdzielanie lin, zaowocowało niesamowitą kolekcją różnych przedmiotów, a jednym z nich jest siedzisko Flax.

By analysing the history of the traditional Dutch 16th-century cordage industry, Christien Meinderstma has reduced the ropery to the original material: flax. Using the flax from a Dutch farmhouse, the filaments are spun in flax yarns, after which these are twisted into strands. The fresh and innovative approach of Meindertsma to the very old techniques as spinning, weaving, twining and splitting has resulted in an astonishing collection of different objects, and one of them is the Flax Ottoman.

Producent / Manufacturer: www.thomaseyck.com

Christien Meindertsma


www.lipsmax.netUSA Wieszaki-gałęzie / Branch Hooks (2008)farby proszkowe, aluminium lane / powder coating, cast aluminum

Wieszaki to część projektu mającego na celu wprowadzenie więcej życia i natury do naszych, często sterylnych i statycz-nych, domów. Haki na ubrania to aluminiowe gałęzie, które wyglądają jak drzewo przebijające się przez ścianę. Powierzch-nia kory, o wyraźnej fakturze, jest matowa, a końcówki gałęzi gładko wypolerowane, co daje efekt małych lusterek. Wieszaki o czystym, nowoczesnym wyglądzie jednocześnie przywodzą na myśl wrażenie naturalnego wzrostu, a taką dawkę „organicz-ności” jesteśmy w stanie tolerować w naszych domach.

Part of a project exploring ways to bring more nature and life into our often sterile, static home environments, the coat hooks are aluminum branches which pose a semi-violent intrusion of a tree growing in through the wall. The tree bark is a textured, matte surface which ends in a mirror polished flat. These clean and modern hooks also bring to mind a strong organic feeling of growth. I believe that we can tolerate this much ‘organicness’ in our homes.

Max Lipsey

/ 39 NeoFarm

Anna Kotowicz-Puszkarewicz, Artur Puszkarewicz

www.azedesign.plPolska / Poland Dywan NODUS / NODUS carpet (2006)sznur bawełniany, dywan wykonany ręcznie techniką szydełkową / cotton cord, handmade carpet, needlecraft technique

Dywan NODUS jest transpozycją historycznej i etnograficz-nej ludowej twórczości szydełkowej. Jej bogata ornamentyka i misterne sploty były wynikiem umiejętnego przetwarzania prostego tworzywa, jakim jest nić. Poprzez zmieniony materiał, rozmiar i zasadę kształtowania struktur obiekt zyskał zupełnie nowe przeznaczenie oraz zaskakujący efekt estetyczny. Dywan NODUS jest wykonany ręcznie z 1,5 km sznura bawełnianego.

The NODUS carpet is a transposition of historical and ethnogra-phical folk needlecraft art. Its rich ornamentation and elaborate weaves resulted from skilled processing of a simple material – thread. Changes introduced to the material, as well as the size and the structure shaping principle gave the object a new function and brought about a surprising aesthetic effect. The NODUS carpet is handmade from 1.5 km of cotton cord.

AZE design


Sofia Lagerkvist, Charlotte von der Lancken, Anna Lindgren

www.frontdesign.sewww.moroso.itSzwecja / Sweden Miękka sofa drewniana / Soft Wood Sofa (2010)pianka poliuretanowa odporna na nacisk, o zróżnicowanej gęstości, drewniana rama, pokrycie z tkaniny TREVIRA z na-drukiem zaprojektowanym przez FRONT / stress-resistant polyurethane foam with differentiated densities, wood frame, covered by TREVIRA fabric with digital print according to a specific design by FRONT

W twórczości grupy młodych szwedzkich projektantek Front wyraźnie zaznacza się zainteresowanie grą pozorów, iluzją. W kolekcji „Moment” w nietypowy sposób wykorzystują foto-grafie – przy ich pomocy wywołują wrażenie ruchu w przedmio-tach i zniekształcają odbiór ich kształtu oraz materiału, z jakiego są wykonane. Poduszki na kanapie zdają się balansować na krawędziach, płaska powierzchnia pokrywa się bogato udrapo-waną tkaniną, a drewno okazuje się być całkiem miękkie.

The concept of appearances emerges clearly in the work of an all-female group of young Swedish designers, Front. The ‘Moment’ collection makes a striking use of photographic images to create an illusion of movement in the objects and to twist the experience of their shape and materiality. The images make the cushions of the sofa balance on their edges, turn a flat surface into one richly draped with fabric, and make a wooden surface soft.

Producent / Manufacturer: Moroso

Front Design

/ 41 NeoFarm

www.matyldakrzykowski.comPolska / Poland Tatuś byłby dumny / Daddy Would Be Proud (2011)stare drewno gruszy, obróbka drewna / old peer tree wood, woodworking

Na targowiskach w Polsce można znaleźć niezwykłe drewnia-ne rzeźby. Te najbardziej interesujące powstają w Beskidach, paśmie górskim na południu Polski. Rzeźbiarze z tych regionów prezentują swoje wyroby na rynkach. Pochodzi stamtąd mój tato – mama zawsze mówiła, że jest prawdziwym Góralem, chłopcem z gór. Zainspirowana tradycyjnym rzemiosłem pochodzącym z mojej ojczyzny, wy-korzystałam swoje umiejętności, by stworzyć kolekcję małych przedmiotów z drewna gruszowego.

Extraordinary wood carvings can be found when you visit Polish markets. Some of the most interesting ones are carved in the Beskids, a mountain range in southern Poland.

The wood carvers from there present their wares on the markets, My father is from this region. My mother has always said that he is a true ‘Goral’, a boy from the mountains. Influenced by these crafts from the country of my origin, I used my own woodworking skill to create a series of small objects made of pear tree wood.

Matylda Krzykowski


ikakuenzel.comNiemcy / Germany Uwaga, rodeo! / Caution This Is Rodeo (2006)poliuretan, spienione tworzywo polimetanowe, skóra, klasyczne obicie / polyurethane, polymethane cellular plastic, leather, classical upholstery

„Uwaga, rodeo!” to pomysłowy stołek bujany – używane siodło trafiło ze stajni do salonu, gdzie ze z atrybutu aktywnego jeźdź-ca przeobraziło się w rozkołysane domowe siedzisko.

“Caution This Is Rodeo” is a ready-made rocking stool: a used riding saddle has been taken from the barn into the living room and transformed from an active sports tool into a domestic rocking chair.

Ika Kuenzel

/ 43 NeoFarm

Katharina Mischer, Thomas Traxler

www.mischertraxler.comAustria Odwrócone kształty / Reversed Volumes (2010)zaimpregnowany barwiony proszek ceramiczny, odlew / impregnated pigmented ceramic powder, casting

„Odwrócone kształty” to miski, o których formie stanowi odbicie owocu/warzywa w odlewie. Przestrzeń między naczyniem a owocem/warzywem jest wypełniana masą ceramiczną. Po usunięciu materiału organicznego, odlana miska zachowuje jego odcisk. Użycie proszku ceramicznego, który twardnieje bez potrzeby wypalania, sprawia, że każda miska jest tak samo niepowtarzalna, jak prawdziwy owoc/warzywo. Wszystkie naczynia są więc unikatami. Kształty odciśnięte są niezwykle dokładnie, a użytkownik spogląda na owoc/warzywo z innej perspektywy.

“Reversed Volumes” are bowls that are shaped by capturing the imprint of a fruit/vegetable. The space between a vessel and a fruit/vegetable is filled with ceramics. After the original orga-nic material is taken away, the bowl preserves the actual imprint. The use of ceramic powder, which becomes really hard without being fired, gives the possibility for each bowl to be as unique as the actual used fruit /vegetable. Therefore, each cast bowl is an unique piece. The surface of each fruit/vegetable is represen-ted in detail and lets the user see it from a different perspective.

mischer'traxler


Yvonne Fehling & Jennie Peiz

www.kraud.deNiemcy / Germany Martwe natury / Still Lives (2010)bryła z włókna szklanego, tradycyjne skórzane obicie, ręczne wykonanie / fiber glass body, traditional leather upholstery, handmade

Przedmioty przeznaczone do domu. Element wyposażenia, za-bawka, towar luksusowy, rzeźba. Wypchana zabawka, przyrząd do ćwiczeń. Obszar projekcji. Zaskakujące. Urocze. Co sprawia, że wprawiają nas w dobry nastrój? Ciche, wytresowane, nie wymagają specjalnej opieki. Być może wyrażają one rodzaj przesytu, może braku. Być może po prostu wystawiają na ciężką próbę klasycznie pojmowany design. W każdym razie z uporem godnym innego przedstawiciela parzystokopytnych opierają się wszelkim definicjom i jest w tym zarówno element zaskoczenia, jak i wolności. W każdym razie stanowią miłą odmianę w dość nieoczekiwanym kierunku. Objects for domestic space. Fitment, toy, luxury good, sculpture. Stuffed toy, gym equipment. Projection area. Confounding. Adorable. What is it that puts people in a happy mood when they see these objects? Silent, house-trained, low-maintenance. Maybe they are an expression of a certain type of saturation. Or of deprivation. Maybe, they simply eagerly strain the classic concept of design. In any case, they deliberately defy all defini-tion. There is something both confounding and liberating about it. In any case, they are a welcome change in an unexpected direction.

Kraud

/ 45 NeoFarm

www.iittala.comFinlandia / Finland Garnek Iittala Sarpaneva / Iittala Sarpaneva pot (1960)odlew żelaza, emaliowane wnętrze, drewniana rączka / cast iron, enamelled inside, wooden handle

Garnek zaprojektowany przez Timo Sarpanevę w 1960 r. to kla-syczny projekt, będący połączeniem użyteczności tradycyjnego żeliwnego naczynia z ponadczasową formą. Ten emaliowany, żeliwny wyrób jest praktyczny w kuchni i pięknie wygląda na stole. Idealnie nadaje się do przyrządzania wszelkiego rodzaju zapiekanek oraz wolno podpiekanych w piecu dań. Garnek Sarpanevy to klasyk, potwierdzający, że przedmioty zaprojek-towane w sposób przemyślany są odporne zarówno na skutki użytkowania, jak i upływ czasu.

Combining the practicality of a traditional cast iron pot with a timeless form, the pot designed by Timo Sarpaneva in 1960 is a popular evergreen. The pot is as practical in the kitchen as it is beautiful on the table. This enamelled, cast iron ware is ideal for various casseroles and slowly simmering oven dishes. The Sarpaneva pot remains a classic that demonstrates the ability of thoughtfully designed objects to withstand both use and time.

Timo Sarpaneva


www.cinqcinqdesigners.comwww.skitsch.itFrance / Francja Ognisko / Fire Kit (2010)dmuchane szkło, drewno / blown glass, wood

Od niepamiętnych czasów człowiek tworzył przedmioty pod wpływem inspiracji przyrodą. Głównym założeniem w tym wypadku jest powrót do źródeł poprzez skonstruowanie lampy wyglądającej jak ognisko na plaży. Podstawa zbudowana jest z dwóch skrzyżowanych drewnianych elementów, na któ-rych umieszczono „płomień”, czyli klosz z dmuchanego szkła zawierający żarówkę. Światło lampy pozwala poczuć się jak na pikniku na plaży.

Since ancient times, man has been forging objects inspired by nature. The idea is to return to the origin of artefacts by building a lamp that looks like a bonfire on the beach. The base is made of two crossed wooden elements supporting a blown-glass flame that contains the bulb. The light creates the illusion of a picnic on the beach.

Producent / Manufacturer: Skitsch

5.5 Designers

/ 47 NeoFarm

www.lladro.comHiszpania / Spain Papużki nierozłączki / Parrot Party (2010)ręcznie wytwarzane elementy porcelanowe / porcelain pieces made by hand with porcelain

Kolekcja „Papużki nierozłączki” to pierwszy projekt Lladró Ate-lier. Opierając się na szkicach lampy zaprojektowanej w 2007 r. w dziale wzornictwa Lladró, zespół kreatywny tego studia rozpoczął pracę nad projektem, którego owocem jest oryginal-na kolekcja porcelany. Szlachetna podstawa, przypominająca dzięki elementom poziomym i pionowym abstrakcyjne drzewo, kontrastuje ze szczegółowym upierzeniem ptaków. Całość cechuje swego rodzaju dualizm: tylko to, co konieczne wobec dodatkowych zdobień, funkcjonalność wobec dekoracji, jaskrawość i równowaga, mat i połysk… To właśnie dzięki niemu kolekcja Lladró Atelier jest tak wyjątkowa.

“The Parrot Party Collection” is the first initiative from Lladró Atelier. Taking its starting point in sketches of a lamp created in 2007 at the Lladró Design Department, its creative team began to conceive a project which ended up in this original collection. The refined forms of the supports, reminiscent of the abstrac-tion of a tree with its horizontality and verticality, contrast with the minute plumage of the birds. It depicts the duality – the essential and the ornamental, functionality and decoration, brightness and balance, matte and gloss – that makes the first Lladró Atelier collection so special.

Lladró


www.yaneswuhl.comSzwajcaria / Switzerland Piecyk opalany drewnem / Wood Stove (2010)odlew żelaza i beton zbrojony / cast-iron and armed concrete

Tworząc ten piecyk, traktowałem go jak rzeźbę czy pomnik – taki pokaźny sprzęt zazwyczaj na zawsze pozostanie w miejscu, w którym został ustawiony. Betonowa podstawa służy do prze-chowywania drewna, zaś górna, żeliwna część jest przystoso-wana do opalania drewnem. Po zamknięciu drzwiczek piecyk może służyć jako dodatkowy grzejnik, mogący ogrzać pomiesz-czenie o kubaturze do 120 m3, a gdy jest otwarty – stwarza przytulną atmosferę kominka opalanego drewnem.

I created my wood stove interpreting it as a sculpture, a monument, because generally it is an imposing object that once placed will not be removed anymore. It has a concrete base, which is used to store the logs, and a cast iron upper part, where the wood is burnt. When the door is closed, it can be an auxilary heater for a room of 120m3, and when open it creates a cozy fireplace atmosphere.

Yanes Wühl

/ 49 NeoFarm

www.bouroullec.comwww.vitra.comFrancja / France Algi / Algue (2004)polipropylen / polyprophylene

Plastikowe elementy dekoracyjne, przypominające rośliny, któ-re można łączyć na wiele sposobów, tworząc przejrzystą, gęsto utkaną, trójwymiarową zasłonę – sieć.

Plastic decorative elements, resembling plants, which can be combined in various ways, thus creating a transparent, densly knit, tridimensional curtain – web.

Producent / Manufacturer: Vitra

Ronan & Erwan Bouroullec


www.florishovers.com Holandia / The Netherlands Archezabawki / Archetoys (2005-2009)stal – metalowe rurki, cięcie, spawanie i malowanie / steel – metal tubes, cutting, welding and painting

Używając gotowych metalowych części, Hovers montuje mo-dele znanych wszystkim pojazdów, które sam nazywa Archeza-bawkami. Choć do stworzenia trójwymiarowych ambulansów, wozów strażackich czy piętrowych autobusów projektant wyko-rzystuje zaledwie kilka elementów, jego wyobraźnia sprawia, że patrząc na nie, uśmiechamy się z zaskoczeniem.

With basic, factory-made metal parts, Hovers assembles what he calls Archetoys, archetypes of familiar motorized vehicles. The designer creates a three-dimensional impression of an am-bulance, a fire truck or a double decker bus with few elements, but enough imagination to make anyone smile with surprise.

A może blaszana? / Suggesting Tin (2004)

Ta „klasyczna” szafka jest efektem fascynacji blaszanymi zabawkami oraz sposobem myślenia dzieci. Szafka wygląda na drewnianą, ale tak naprawdę wykonana jest z blachy. Przypo-mina trójwymiarową ilustrację z książki dla dzieci, jest meblem konkretnym i użytecznym, a jednocześnie pozostaje na granicy rzeczywistości i wyobraźni.

A fascination for tin toys and a passion for suggestive thinking of children formed a ‘classic’ cabinet. Not from wood, though it looks like this, but in fact it is made from tin-plate. It looks like a materialized, three dimensional illustration in a children book. Tangible and useful, yet somewhere between fantasy and reality.

Floris Hovers

/ 51 NeoFarm

www.paulloebach.comUSA

Krzesło Great Camp / Great Camp Chair (2010)drewno poddane obróbce frezarką typu CNC, tradycyjnie wyplatana trawa / CNC-milled wood, traditional grass weaving

Kolekcja „Great Camp” zainspirowana jest stylem spędzania wakacji popularnym wśród zamożnych Amerykanów w koń-cówce XIX wieku, najczęściej w górach Adirondack na północy stanu Nowy Jork – był to wyjątkowy czas i miejsce, gdzie wielkie, dostojne rezydencje letnie płynnie wtapiały się w niepo-skromioną naturę. Kolekcja powstała w Stanach Zjednoczonych przy użyciu autorskich technik mechaniki komputerowej, opra-cowanych specjalnie dla potrzeb tego projektu, dzięki czemu udało się uzyskać niezwykle szczegółowe, „ciosane” formy. Zaprojektowane dla MatterMade.

“Great Camp” collection derives its inspiration from the Adirondack vacation culture of upstate New York in the late 1800s – a unique time and place where untamed wilderness and bold domestic grandeur met in seamless fashion. Built in the USA, Great Camp is made using proprietary computerized machining techniques developed specifically for this project, capable of producing uncommonly meticulous faceted forms. Designed for MatterMade.

Paul Loebach


www.big-game.chwww.moustache.frSzwajcaria / Switzerland Łoś / Moose (2005)

Łoś jest jednym z trzech drewnianych trofeów, zaprojektowa-nych przez Big Game. Jest to przedmiot ozdobny, w którym dziedzictwo przodków konfrontowane jest ze współczesnym stylem życia. Należy do kolekcji „Heritage in Progress”, powsta-łej w 2005 roku, która zajmuje się różnymi aspektami współist-nienia tradycji i współczesności.

Moose is one the three assembled wood trophies designed by Big Game. It is a decorative item confronting heritage and mo-dern lifestyle. It belongs to the “Heritage in Progress” collection of 2005, focusing on the aspects of tradition and contempora-riness.

Producent / Manufacturer: Moustache

Big Game

/ 53 NeoFarm

www.pp.dk Dania / Denmark Pawie Krzesło / The Peacock Chair (1947)

Choć niemal postmodernistyczny design krzesła sugerowałby inaczej, powstało ono już w 1947 r. Nowoczesna forma krzesła nie służy jednak tylko oczom. Szerokie oparcie z nietypowo ukształtowanymi szczeblami to świetny przykład estety-ki w służbie ergonomii – spłaszczone części szczebelków, które nadają krzesłu pawi wygląd, są usytuowane dokładnie w miejscu, gdzie łopatki stykają się z oparciem. Co więcej, jak to u Wegnera, krzesło nawiązuje do historii – a konkretnie do słynnego fotela Windsor.

Despite the chair’s almost postmodern design, it was actually manufactured as far back as 1947. However, its consciously modern lines are not merely a matter of looks. Rather, the sweeping back with its extravagantly shaped sticks are a feat of ergonomic aesthetics. The flat parts of the sticks, which give them the peacock-like appearance, are placed where the shoulder-blades meet the chair’s back. Also, and not unusual with Wegner, the chair has a historical anchorage, namely the classic Windsor Chair.

Producent / Manufacturer: PP Møbler

Hans J. Wegner


www.richardwoodsstudio.comwww.establishedandsons.comWielka Brytania / Great Britain Ceglany Fotel / Brick Chair (2009)

Obicie fotela pokryte jest charakterystycznym dla Woodsa sitodrukiem, dzięki któremu dobrze znany, wielokrotnie wykorzystywany motyw ma szansę stać się użytkową „ikoną”. Ironia projektu wyraża się w kontraście pomiędzy wyjątkowym komfortem siedziska oraz pozorną „twardością” nadruku. Ele-ganckie, mocno zarysowane kształty fotela, dwusiedziskowej sofy czy otomany są idealnymi nośnikami dla śmiałego wzoru Woodsa.

The upholstery bears a classic Woods’ screen print that turns recycled, domestic motifs into applied ‘icons’. The irony of the design lies in the extreme comfort of the chair in comparison to the perceived ‘hardness’ of the print. The elegant, fundamental shape of the single seat chair, two-seater sofa and ottoman provide the ideal vehicle for Woods’ bold design.

Producent / Manufacturer: Established & Sons

Sebastian Wrong & Richard Woods

/ 55 NeoFarm

www.marcelwanders.nlwww.moooi.comHolandia / the Netherlands Jajeczny wazon / Egg Vase (1997)biała porcelana nieszkliwiona na zewnątrz, szkliwiona od wewnątrz / white unglazed porcelain outside, glazed inside

Kolekcja trzech figlarnych wazonów porcelanowych. Ich kształt powstał poprzez wypchanie prezerwatyw lateksowych jajkami ugotowanymi na twardo.

A collection of three playful porcelain vases. The form is created by stuffing latex rubber condoms with hard-boiled eggs.

Producent / Manufacturer: Moooi

Marcel Wanders


misterclarke.wordpress.comWielka Brytania / Great Britain

Niepraktyczna Zastawa / Unusable Tableware (2010)srebrzony nikiel i pewter, proste techniki wyrobu / silver plated nickel and pewter, simple fabrication techniques of objects

Łyżka – narzędzie, przyrząd, przybór kuchenny. Używana do na-kładania, mieszania, karmienia i odmierzania. Teraz zaś nadarza się okazja, aby przyjrzeć się znajomym wyrobom i z przymruże-niem oka zastanowić się nad funkcją, zachłannością i przesadą.

The spoon – a tool, an implement, a utensil. Used for serving, mixing, for feeding, and as a measure. Here, it is an opportunity to visit a familiar silversmithing object and raise questions about function, greed and excess in a playful manner.

David Clarke

/ 57 NeoFarm

www.juliettewarmenhoven.nlHolandia / The Netherlands

Ziemniaczana Pozytywka / Potato Music Box (2010)papier, sznurek, metal, plastik / paper, rope, metal, plastic coating

„Ziemniaczana Pozytywka” (należąca do kolekcji „Everyday Growing”) została wykonana w całości ręcznie, jest eleganc-ka i delikatna. Powstała jako realizacja pomysłu na ukazanie ukrytego piękna kiełkującego ziemniaka. Ziemniak, jako artykuł spożywczy, jest zazwyczaj ograniczany i nie pozwala mu się kiełkować. Kiełkujące ziemniaki są powszechnie uważane za zepsute. Pozytywka zachęca widzów do zmiany sposobu po-strzegania tej, zdawałoby się dobrze znanej, rzeczy – ziemniaka. Tym razem jego widok z pewnością wywoła błysk w oku. ”The Potato Music Box” (a part of the “Everyday Growing” collection) is a completely handmade music box which reveals its aesthetic elegance and delicate beauty. It reflects the original thoughts of showing the hidden beauty of the sprouting potato. The potato as a consumption article is usually constrained and therefore not allowed to shoot. Shooting potatoes are generally seen as tainted. This music box invites the audience to renew their view on this apparently familiar object. It will bring a twinkle to their eyes.

Juliette Warmenhoven


www.benjaminhubert.co.ukwww.viaduct.co.ukWielka Brytania / Great Britain Światło z komina / Chimney Light (2009)glina garncarska, terakota, piasek, białe szkliwo, odlew z masy lejnej / earthenware clay, terracotta, sand, white tin glaze, slipcast moulding

„Światła z komina” produkowane są przez Viaduct Furniture w walijskiej pracowni garncarskiej jako odlewy z masy lejnej, przy użyciu lokalnie pozyskiwanej białej gliny. Lampy są następnie ręcznie malowane za pomocą masy terakotowej, zawierającej 25% piasku. Proces malowania odbywa się na kole garncarskim. The Chimney Lights are manufactured by Viaduct Furniture. The lamps are produced using a technique known as slip-casting (liquid clay poured into plaster moulds) – they are cast with white earthenware clay. They are produced in a pottery studio in Wales and utilise the natural clay of the region.After casting, they are hand painted with a terracotta slip which has an addition of 25% sand. The painting process takes place on a potter’s wheel.

Producent / Manufacturer: Viaduct

Benjamin Hubert

/ 59 NeoFarm


Wystawy Specjalne /Special Exhibitions

/ 61 Wystawy Specjalne /Special Exhibitions


Artyści /ArtistsRuchoma wyspa – Kitchen Budapest / Moving island – Kitchen Budapest

Rzeźbiąc w świetle, czeskie lampy stołowe 1950-1990 / Light Sculptures, Czech table lamps 1950-1990

Przeminęło z wiatrem / Gone with the windNika Zupanc

...i obudziłem się w Europie / ...and I woke in EuropeAndrey Bondarenko Alexander KozynetsGrycja Erde Kateryna SokolovaIgor PiniginRoman ZubaryevTereza BarabashRoman ShpelykNataliya AulovaOleksandr ShestakovychValeriy Kuznetsov & Kateryna KuznetsovaMukomelov StudioOksana Shmygol

/ 63

Doświadczenia minionych edycji festiwalu uświadomiły nam, że otwierając się szeroko na światowe trendy, często nie zdaje-my sobie sprawy, co dzieje się w najbliższym sąsiedztwie. Nasi międzynarodowi goście przyjeżdżają do Łodzi, chcąc między innymi poznać wschodni design, zobaczyć projekty pochodzą-ce z tej części Europy, poznać projektantów, których nie spotka-li na największych europejskich wydarzeniach związanych z de-signem. Z tych względów postanowiliśmy podczas Łódź Design 2011 w ramach Wystaw Specjalnych zaprezentować design wschodni. Chcemy być mostem łączącym Wschód i Zachód.

Wybrane przez nas wystawy nie pretendują do obiektywne-go przeglądu zjawisk zachodzących w Europie Wschodniej, jednak bardzo dobrze sygnalizują aktualne trendy. Definiują obszary zainteresowań i prezentują to, czego „nikt się po nas nie spodziewa”. Pokazują, że choć mamy inną historię i bagaż doświadczeń, umiemy z nich uczynić atut i siłę naszego projek-towania.

The experience gained during the previous editions of the festival helped us realise that while we are opening up for the latest global trends, we are often not aware of what is happening in our own neighbourhood. Additionally, our international guests visit Łódź to experience eastern design as well, and see projects from this part of Europe. They would like to meet the designers that were not presented on the biggest European design-oriented events. Therefore, we decided that during Łódź Design 2011 we would display eastern design as part of our Special Exhibitions. We want to be the cultural link between the East and the West.

The exhibitions we selected are not intended to present the objective overview of tendencies in Eastern Europe, but they adequately reflect current trends. They define the areas of interest and surprise with the unexpected. Even though our history and experiences differ, we can make them our asset and the source of strength that makes our design so special.

Dlaczego Wschód? /Why East?



Ruchoma wyspa – Kitchen Budapest / Moving island - Kitchen Budapest

Nighmo / Nocek (2007-2011)

Kitchen Budapest (KIBU) to ruchoma wyspa, na której spotkać można młodych specjalistów (architekt, programista, artysta, designer), pracujących nad projektami kulturalnymi opartymi o nowe technologie. – KIBU to ruchoma wyspa, na której prowadzone są różne projekty eksperymentalne i badawcze, począwszy od instalacji interaktywnych, poprzez projekty typu „zrób to sam”, designerskie, badania autoetnograficzne, aż po aplikacje na telefony komórkowe. – KIBU to ruchoma wyspa, której celem jest dzielenie się wiedzą oraz umiejętnościami z uniwersytetami, szkołami, grupami kreatywnymi oraz firmami z Węgier i innych krajów. – KIBU to ruchoma wyspa, propagująca metodę wspólnej pracy, tj. wspólne warsztaty, projekty, wykłady oraz rezydentury. – KIBU to ruchoma wyspa, włączona w lokalne i międzynarodowe sieci kontaktów. – KIBU to ruchoma wyspa, będą innowacyjną platformą dla ludzi, którzy chcą się sprawdzić w czymś nowym. – KIBU to ruchoma wyspa, pełna dynamicznych, otwartych i kreatywnych ludzi.

Kitchen Budapest to media lab, powstały w 2007 roku przy wsparciu Magyar Telekom.


Kitchen Budapest (KIBU) is a moving island with young resear-chers from different backgrounds (architect, programmer, artist, designer), who are working together on new technology-based cultural projects. – KIBU is a moving island with various experimental and research projects, from interactive installations, through DIY or design prototypes, auto-ethnographic research to mobile applications.– KIBU is a moving island with the aim to share knowledge and skills with universities, schools, creative groups and companies from Hungary and other countries. – KIBU is a moving island with a collaborative working method – common workshops, projects, lectures, residencies. – KIBU is a moving island with a local and international network of contacts. – KIBU is a moving island which serves as an innovative platform for those who want to try themselves at new things. – KIBU is a moving island with a dynamic, open and creative community.

Kitchen Budapest is a medialab created in 2007 with the support of Magyar Telekom.

Arbour Light / Świetlna altana (2007-2009

LANdelion (2010)


Antonín Hepnar, Růžena Žertová, Jaroslav Anýž, Helena Frantová, Zukov Workshop, Pavel Grus, Josef Hůrka, Stanislav Kučera... i inni / and others

Kuratorski wybór lamp stołowych stworzonych w latach 1950-1990 w byłej Czechosłowacji, na terytorium dzisiejszych Czech /A curatorial selection of table lamps made in 1950-1990 in former Czechoslovakia, or in the territory of the present-day Czech Republic.

Wystawa rozpoczyna się od lat pięćdziesiątych dwudzieste-go wieku, kiedy to czechosłowackie wzornictwo nie musiało rygorystycznie podporządkować się realizmowi socjalistyczne-mu i historyzmowi. Czescy projektanci oświetlenia preferowali międzynarodowy styl modernistyczny. Lampy z tamtego okresu to subtelne posągi z funkcją oświetlenia – odnosi się to zarówno do procesu produkcji w nowo powstałych spółdzielniach (Napako, Drupol, Lidokov i Zukov), jak i do ręcznie wykonywa-nych lamp (Alena Novákova, Antonín Hepnar i in.). Ich estetyka i metody projektowania w wielu aspektach bliskie są modernistycznemu designowi europejskiemu i amery-kańskiemu, jednak szlachetne metale i staranne wykonanie ustępują miejsca imitacjom i podrzędnej jakości socjalistycznej produkcji. Wyjątkiem od tej reguły jest unikalna lampa stołowa zaprojektowana przez Jaroslava Anýža, będąca połączeniem porcelany, metalu i szkła. Projekty Josefa Hůrki, Pavela Grusa i innych są także bardzo eleganckie, mimo pewnych uchybień w jakości wykonania.

Estetyka dekoracyjna w tzw. stylu brukselskim (nawiązanie do Wystawy Światowej w 1958 r.), dominowała aż do późnych lat sześćdziesiątych. Lata siedemdziesiąte przyniosły nowe trendy – uproszczenie i monumentalizację. W tamtym okresie prace Růženy Žertovej i Antonína Hepnara wyróżniały się najbardziej, aż do lat osiemdziesiątych. Unikalne lampy, które wykonywali własnoręcznie w bardzo niewielkich seriach, odpowiadały powszechnemu w tamtym okresie zainteresowaniu projektami futurystycznymi i minimalizmem. Większość eksponatów po raz pierwszy pojawia się na tego rodzaju wystawie.

Rzeźbiąc w świetle, czeskie lampy stołowe 1950-1990 /Light Sculptures, Czech table lamps 1950-1990

Helena Frantová, Lampa stołowa i ścienna / Table and wall lamp

/ 67

The installation starts in the 1950s, when the Czechoslovak design was not forced to conform strictly to the period’s socialist realism and historicism. Czech lighting designers tended towards international modernism. Lights were delicate statues with a luminous function. This holds true for both the production in the newly established producer cooperatives, (Napako, Drupol, Lidokov, Zukov), and the hand-crafted lights (Alena Nováková, Antonín Hepnar, and others). Their aesthetics and designing methods approximated modernist designs of European and American designers in many aspects, but superb workmanship and materials were substituted with imitations and substandard quality of socialist production. The unique table lamp designed by Jaroslav Anýž serves as an exception here. It is an artful combination of porcelain, metal, and glass. Lamps designed by Josef Hůrka, Pavel Grus, and others are also very elegant despite some workmanship flaws.

The decorative aesthetics of the so-called Brussels style, named in relation to the world exhibition in 1958, dominated until the late 1960s. In the 1970s, new impulses arrived –simpli-fication and monumentalization. Růžena Žertová and Antonín Hepnar stood out most in that period and continued to do so into the 1980s. The unique lights, which they made themselves in very limited editions, correspond with the period’s interest in space-age design and minimalism. Most objects on display are presented in such a curatorial selection for the first time.

Kurator / Curator: Adam Štěch, OKOLO


Antonín Hepnar, Halogenowa lampa stołowa / Halogen table lamp


Nika Zupanc

www.nikazupanc.com

Wejdź do wietrznego ogrodu, w którym Czarne Wiśnie, Kostki Cukru i Skromne Myśli bez pamięci zakochują się w przyrodzie. Nika Zupanc przedstawi w nim swoje prace, skromne i samodzielne, reprezentujące nowy sposób rozumienia designu – przez symbole i emocje.

Enter the windy garden, where things such as Black Cherries, Sugar Cubes and Modest Thoughts fall hopelessly in love with the ways of nature. Inside the windy garden, Nika Zupanc pre-sents her family of objects on display. This time, they come to address you as advocates of a sort because they present a case for new symbolic and emotional readings of design, and are told through elements of modesty and self-reliance.

Patron wystawy / Exhibition patron: Elle Decoration

Przeminęło z wiatrem /Gone with the wind (2010)

Boris, Design by Nika Zupanc, 2009


Sugar Cubes, Design by Nika Zupanc, 2010


Projekt „...i obudziłem się w Europie” jest pierwszą prezentacją ukraińskiego designu w Europie (i na świecie).

Większość prezentowanych prac powstała w ciągu ostatnich pięciu lat, a więc kilkanaście lat po rozpadzie Związku Radziec-kiego oraz 20 lat po odzyskaniu przez Ukrainę niepodległości. O wschodnich sąsiadach Zachodowi przypomniało jednak dopiero zaangażowanie świata w „pomarańczową rewolucję”. I kiedy raptem Zachód ocknął się, żeby może Ukrainę do Europy wreszcie zaprosić, okazało się, że ona dawno już tam była. Ukraińcy sami pewnego dnia przebudzili się i zrozumieli, że podążają tą samą drogą. Że teraz wszystko, co robią, robią na europejskim poziomie. I taki też jest ukraiński design. Dojrzały, świadomy – z jednej strony swej tradycji, a z drugiej – przyna-leżności do wspólnej Europy.

Nowa fala, tzw. pokolenie posttransformacyjne, lekcję euro-pejskiej sztuki, która przez dziesiątki lat kształtowała doświad-czenie pozostałej części kontynentu, odrobiła zaledwie w ciągu dwóch dekad. Młodzi ukraińscy projektanci wytyczyli sobie drogę daleką od najprostszej. Jest w ich projektach coś świeże-go, nowego, przede wszystkim pozbawionego ideologicznych ograniczeń. To harmonijny wielogłos typowych dla ukraińskiej postmoderny: buntu, prowokacji, niedopowiedzeń, karnawaliza-cji i ekscentryzmu. Młodzi bawią się funkcją, mieszają hierar-chie, prowokują pytania. Szanują tradycję i dobre rzemiosło. Stawiają na profesjonalizm, ale, jednocześnie, w ciężkiej pracy wciąż odnajdują pasję.

Ukraina. Idealna geografia: stanowić nieodłączną część Europy, wpisywać się w światowy kontekst, a jednocześnie zachowywać swoją fantastyczną unikatowość. Projekt „...i obudziłem się w Europie” nie jest jedynie ekspozycją wybranych kilkunastu przy-kładów współczesnego wzornictwa. Towarzyszący wystawie katalog, prezentujący sylwetki poszczególnych projektantów i ich miast, stanowi zapis śladów i miejsc, w których kumulują się emocje młodego, wolnego pokolenia. To emocjonalny zapis pewnej drogi, która biegnie przez Europę. Drogi bez granic, szlabanów i wiz.

Tytułem wystawy jest zdanie bez początku. Dla nas liczy się to, co tu i teraz. Przeszłość pozostawiamy historykom. To ona stanowi właśnie pierwszą część zdania. Resztę niech każdy dopowie sobie sam. Nas interesuje ów moment przebudzenia. Pokazujemy sztukę pozbawioną ciężaru historii i wolną od epatowania martyrologią. Proponujemy za to kreatywny po-tencjał i dojrzałość młodego pokolenia. Projekt „...i obudziłem się w Europie” nie definiuje charakteru ukraińskiego designu, ale stanowi próbę pokazania dzieła w toku, work in progress, zmiany. Przecież jesteśmy świadkami początku zmian na men-talnej mapie Europy. Projekt ma charakter otwarty, gdyż, wedle ukraińskiego poety Andrija Lubki, zmiana jest tym, co już można odczuć, ale czego jeszcze nie można opisać.

Kurator: Ksenia Kaniewska

...i obudziłem się w Europie

/ 71

“...and I woke in Europe” is the first presentation of Ukrainian design in Europe (and in the world).

Most of the presented works were created in the last 5 years, i.e. more than 10 years after the dissolution of the Soviet Union and 20 years after Ukraine gained independence. The West took notice of its eastern neighbours only after the world got involved in “the Orange Revolution.” So when the West finally decided to invite Ukraine to Europe, it turned out that it was already there. The Ukrainians woke up one day and understood that they are on the same train and whatever they do, they do it on the European level. Ukrainian design is the same. It is mature and conscious of its tradition and European membership.

New wave, the so called post-transformation generation, took their lesson on European art, which had been shaping the expe-rience of the remaining part of the continent for ages, in less than two decades. Young Ukrainian designers have chosen a course far from the easiest one. In their projects, there is some-thing fresh, new, devoid of ideological limitations. This is a har-monious choir of typically post-modernist Ukrainian defiance, provocation, understatement, carnivalesque and eccentricity. The young play with function, they mix hierarchies and provoke questions. They respect tradition and good craftsmanship, and they believe in professionalism, but, still, they find passion in hard work.

Ukraine. Ideal geography: to be an inseparable part of Europe, set in the global context, and, at the same time, to retain the fan-tastic uniqueness. The “... and I woke in Europe” project is not only an exhibition of several selected examples of contempora-ry design. The accompanying catalogue, presenting individual designers and their cities, is a record of places and traces which accumulate emotions of the young and free generation. It is an emotional record of a road which runs across Europe. A road without borders, gates and visas.

The title of the exhibition is a sentence without the beginning. We value only here and now. We leave the past to historians. The first part of the sentence is past, whereas the rest is up to you. We are interested in this moment of awakening. We show art devoid of historical weight and free from martyrology. Instead, we offer the creative potential and maturity of the young generation. The “... and I woke in Europe” project does not define the character of Ukrainian design, but it is an attempt to show work in progress, change. We witness changes on the mental map of Europe. The project is of open character since, in the words of Ukrainian poet Andrij Lubka, change is what can be already experienced, but not yet described.

Curator: Ksenia Kaniewska

Patroni wystawy / Exhibition patrons:Ambasada Ukrainy w Polsce / Ukraine Embassy in Poland Fundacja CCA, Kijów / Foundation Center for Contemporary Art, KievInstytut Polski w Kijowie / Polish Institute, KievCersanit Koło

...and I woke in Europe



Andrey Bondarenko

jolkalapalkala.blogspot.com

Dog i Tax / Dog and Tax (2011)drewno, tkanina / wood, textile

Alexander Kozynets

www.kozynets.com

Linne (2011)ręcznie wykonany prototyp: metalowa podstawa, styropian, tkanina / handmade prototype: metal base, styrofoam, textile

/ 73

Kateryna Sokolova

www.behance.net/Sokolova

ZIG & ZAG (Redesign of Gerrit Rietveld chair / Nowa interpretacja krzesła Gerrita Rietvelda) (2006)sklejka / plywood


Grycja Erde

www.grycja.com

Najprostsze krzesło / The Simplest Chair (2010) drewno (dąb) / wood (oak)


Igor Pinigin

dorogaya.com

Föhn (2010)termoodporny polimer, szkło ceramiczne, metalowa rama / thermoresistant polymer, ceramic glass, metal frame

Igor Pinigin

dorogaya.com

Egglight (2006) jaja kurze, diody LED / hen eggs, LEDs

Roman Zubaryev

www.behance.net/Zubarev

ZU (2010)sklejka / plywood

/ 75

Roman Zubaryev

www.behance.net/Zubarev

ZU (2010)sklejka / plywood

Tereza Barabash

www.trbarabash.blogspot.com

Tryptyk: Dzieci / Triptych: Kids (2007)kolaż: tkanina, papier, druk /collage: fabric, paper, print


Roman Shpelyk

www.shpelyk.com

Pianokomoda / Pianocomod (2011)farbowana płyta MDF / painted MDF

Oleksandr Shestakovych

shestakovych.com

Duga (2011)pogięte i zespawane metalowe rury, miękkie siedzisko / bent and welded metal, soft seat


Nataliya Aulova

Organy Aulova / Aulova Organ (2011)drewno / wood

Mukomelov Studio

mukomelov.com

Lampa TR / TR Lamp (2010)plastik / plastic

Mukomelov Studio

mukomelov.com

Lampa-rekin / Shark Lamp (2010)plastic / plastic


Oksana Shmygol

www.oksanashmygol.com

„… i obudziłem się w Europie” katalog wystawy / “... and I woke up in Europe” exhibition catalogue (2011) książka w formacie 170x220mm, 150 stron / book, format 170x220mm, 150 pages

Valeriy Kuznetsov & Kateryna Kuznetsova

www.decorkuznetsov.com

Płaszczyzna / Plane (2006)sklejka z drewna brzozowego / birch plywood

Valeriy Kuznetsov & Kateryna Kuznetsova

www.decorkuznetsov.com

Leżanka / Lying-in (2008)drewno jesionowe / ash wood


Przegląd Szkół / School Review

/ 79 Przegląd Szkół / School Review


Szkoły /SchoolsAkademia Sztuk Pięknych w Łodzi /

Strzemiński Academy of Art ŁódźWalentyna BalcerzakDaria BalińskaAleksandra BarańskaAlicja ŁaciakMałgorzata MrózKatarzyna StarykAnna SzydłowskaMilena Wiaderek

Uniwersytet Artystyczny w Poznaniu / University of Arts in PoznańMagdalena AtamanMałgorzata MasłowskaWeronika Sochacka

Politechnika Koszalińska, Instytut Wzornictwa / Technical University of Koszalin, Design InstituteAleksandra GrośMarika LewandowskaMarcin SutułaAnna Szklińska

Szkoła Designu w Kolding / Kolding School of DesignDorte Agergaard

Akademia Gerrit Rietveld w Amsterdamie / Gerrit Rietveld Academie in AmsterdamJoshua EnkerPablo Londono Sarria

Uniwersytet Sztuki w Londynie, Central Saint Martins College / University of the Arts in London, Central Saint Martins CollegeHelen BullockPhoebe EnglishMyrza de MuynckShoun Samson

/ 81

Przegląd Szkół to jedno z kluczowych wydarzeń festiwalu. Pozwala na nawiązanie współpracy między uczelniami, kon-frontację programów i metod nauczania, wymianę myśli i do-świadczeń. Daje niepowtarzalną możliwość promocji uczelni i zaprezentowania przez nią swoich osiągnięć. Wystawy i multi-medialne pokazy przedstawiają prace najzdolniejszych, często debiutujących studentów i realizują w ten sposób podstawowy cel festiwalu – odkrywanie młodych utalentowanych osób.

W tym roku tematem Przeglądu Szkół jest „Tkanina”. Posta-nowiliśmy skupić się na nauczaniu projektowania tekstyliów. Niewiele jest rzeczy w naszym codziennym otoczeniu o tak długiej historii, jak tkanina. Towarzyszy nam od ośmiu tysięcy lat. Począwszy od prymitywnych plecionek, w których wyko-rzystywano naturalne materiały, jak trawy, włókna, elastyczne gałązki, po najnowsze odkrycia rodem z NASA i laboratoriów sportowych, zaspokaja potrzeby praktyczne, a równocześnie spełnia funkcje dekoracyjne i artystyczne. Nieustannie ewolu-uje, zachowując swoją tożsamość: wykorzystuje coraz to nowe tworzywa i technologie, odpowiada na zmieniające się ludzkie potrzeby i oczekiwania. Nieustannie żyje. Zaskakuje, przybiera-jąc nowe formy, wzory, kolory i funkcje.

Do Przeglądu zaprosiliśmy wszystkie uczelnie, wydziały i kierunki, które zajmują się tkaniną unikatową i przemysłową, innowacjami w tej dziedzinie oraz starym artystycznym rze-miosłem. Postanowiliśmy przyjrzeć się temu, czym jest tkanina współcześnie i jakie są kierunki jej rozwoju. Czy jest terenem odkrywania nowych możliwości, realizacji innowacyjnych pro-jektów, polem estetycznych dążeń, czy może jest tylko i wyłącz-nie historycznym artefaktem, któremu owszem można oddać honor, ale który nie jest już dzisiaj wyzwaniem projektowym? Każda z tych możliwości jest opisem i wyrazem zmiany. Zmiany ludzkich oczekiwań, dążeń i potrzeb. Czas rozstania z tkaniną jeszcze nie nadszedł. Ci, którzy przewidują trendy, wieszczą jej wielki powrót. Co mówi o nas dzisiejsza tkanina? Co mówią przez nią dzisiejsi studenci? Przywróćmy tkaninę Łodzi, niegdy-siejszej stolicy przemysłu tekstylnego.

The School Review is one of the key events of the festival. It allows art schools to establish cooperation and confront their curricula and teaching methods, to exchange thoughts and experiences. It is a great opportunity to promote themselves and to show their accomplishments. Multimedia shows and exhibitions present the works of the most talented students, and that is how the most fundamental aim of the Festival is realized – to discover young talents.

This year, the theme of the School Review is “Textile”. We decided to focus on the tradition of teaching textile design. There aren’t many things in our every day life that have a history as long as textiles. They have been part of our lives for eight thousand years. Starting with primitive pleats, made with natural materials such as grass, fibres, flexible twigs, all the way to the newest discoveries from NASA and sports laboratories, they fulfill our practical needs and at the same time play the decorative and artistic function. They continuously evolve, yet manage to retain their identity: they use ever newer materials and technologies that respond to the changing human needs and expectations. They live continuously. They surprise us by embracing new forms, patterns, colours and functions.

During the School Review, we decided to take a closer look at textiles and their meaning nowadays as well as at the directions in which they are evolving. Is it an area of discovering new possibilities, implementation of innovative projects, a field of aesthetic aspirations, or is it just a historic artifact which can be honoured, but is no longer a design challenge? Each of these possibilities is a description and an expression of change. The change of human expectations, their aspirations and needs. It is still too early to part with textiles. Those who foresee new trends promise their great comeback. What do modern textiles say about us? What do students try to say when working with them? Let’s bring textiles back to Łódź which was once the heart of textile industry.

Tkanina / Textile



www.atamandesign.com Doily (2011)stelaż stalowy, wypełnienie z plecionej gumki kapeluszowej / steel frame, plaited round elastics

Uniwersytet Artystyczny w Poznaniu, Wydział Architektury i Wzornictwa, Architektura Wnętrz, III Pracownia Projektowania Mebla, V rok /University of Arts in Poznań, Faculty of Architecture and Design, Department of Interior Architecture, Furniture Design Studio III, 5th year

Opiekun / Tutor: dr Mateusz Wróblewskiwww.uap.edu.pl

Siedziska doily. Wynieśmy serwetki na zewnątrz, do ogródka, na taras czy balkon i zanurzmy się w nich rozkoszując się słońcem.

Doily seats. Let’s take the napkins outside, to the garden, terrace or balcony, sink in them and enjoy the sunny day.

Magdalena Ataman

/ 83

www.archteam.pl Czerwona róża / Red Rose (2011)filc dekoracyjny, organza / decoration felt, organza

Politechnika Koszalińska, Instytut Wzornictwa, Wzornictwo Przemysłowe, Pracownia Projektowania Ubioru i Kostiumu, III rok / Technical University of Koszalin, Design Institute, Industrial Design, Studio of Clothing and Costume Design, 3rd year

Opiekun / Tutor: dr Alina Adamczak www.wzornictwo.tu.koszalin.pl

Inspiracją dla kreacji stała się symbolika róży oraz szczególna charakterystyka materiału, całość buduje się na relacji tych dwóch wartości i trzeciej, już niezależnej, tajemnicy kobiecości.

The outfit has been inspired by a rose as a symbol and by unique characteristics of the fabric. The whole concept is based on the relation of these two values, and on the third – independent – one, namely, the mystery of feminity.

Marcin Sutuła



www.pablolondonosarria.com Pedes in Orbis (chodząc w kółko) / Pedes In Orbis (walking in circles) (2011)

Akademia Gerrit Rietveld, Projektowanie, Moda, Mode11, IV rok / Gerrit Rietveld Academie, Design, Fashion, Mode11, 4th year

Opiekun / Tutor: Karima Benaliwww.gerritrietveldacademie.nl

Pedes in orbis to po łacinie „chodzenie w kółko”. Prezentowany projekt to moja wizja życia – i przeżycia – siedmiu młodych mężczyzn w odległej przyszłości. Ludzie ci przeszukują to, co zostało z dawno minionej cywilizacji, polując na odpadki i złom – skarby, które pozwolą im przeżyć kolejny dzień chodzenia w kółko. Tak zachowują się ludzie na pustyni, ale nie każda pustynia jest z piasku.

Pedes in orbis is Latin for ‘walking in circles’. This is my story about the survival of seven young men in a distant future. They scavenge the surface of what once was a civilization, looking for useful scrap, treasures that will help them survive another day walking in circles. That is what you do in deserts, but not all deserts are made out of sand.

Pablo Londono Sarria

/ 85

Lampy / Lamps (2010/2011)drewno, drut, przędza / wood, wire, yarn

Akademia Sztuk Pięknych w Łodzi, Wydział Tkaniny i Ubioru, Wzornictwo, Pracownia Dywanu i Gobelinu, III rok / Strzemiński Academy of Art Łódź, Faculty of Textile and Fashion, Design, Carpet and Tapestry Studio, 3rd year

Opiekun / Tutor: prof. Jolanta Rudzka-Habisiakwww.asp.lodz.pl

Seria unikatowych lamp wiszących i stojących inspirowanych naturą i ekologią.

A series of unique floor and pendant lamps inspired by nature and ecology.

Katarzyna Staryk



Z kolekcji Pure / The Pure Collection´s (2010/2011)tkaniny i druk cyfrowy / textiles and digital printing

Szkoła Designu w Kolding, Wzornictwo, Wydział Projektowania Produktu, Projektowanie tkanin, dyplom 2007 /Kolding School of Design, Design, Department of Product Design, Textile Design, graduate 2007

Opiekun / Tutor: Helle Graabaekwww.designskolenkolding.dk

Ideą kolekcji PURE jest „zachowanie czystości”. Kolekcja przeznaczona jest do domu, gdzie wyrazistość i formę uzyskuje się poprzez przearanżowanie układu przedmiotów codziennego użytku i umieszczenie ich w nowym kontekście – co stanowi swoistą grę z naszym pojęciem normalności. Projekt łączy zabawę z powagą. The concept behind the collections PURE is about ‘keeping it pure’. It is a design series created for home, where expression and form start from rearranging everyday objects and placing them in a new context – a play with our concepts of normality. It’s fun and serious.

Dorte Agergaard

/ 87

www.annaszydlowska.pl

Bez tytułu / Untitled (2010)tkanina żakardowa / jacquard-woven fabric

Akademia Sztuk Pięknych w Łodzi, Wydział Tkaniny i Ubioru, Wzornictwo, Pracownia Tkaniny Dekoracyjnej, IV rok / Strzemiński Academy of Art Łódź, Faculty of Textile and Fa-shion, Design, Decorative Textile Studio, 4th year

Opiekun / Tutor: prof. Krystyna Górskawww.asp.lodz.pl

Tkanina wnętrzowa oparta na prostym układzie geometrycz-nym i zastosowaniu cieniowanego wątku.

A fabric for interiors based on a simple geometrical pattern and shaded weft.

Anna Szydłowska



Ręcznie wykonany papierowy fotel i hoker / Handmade, Paper Lounge Chair & Paper Bar Stool (2011)stal, gazety z recyklingu / steel, recycled newspapers

Uniwersytet Artystyczny w Poznaniu, Wydział Architektury i Wzornictwa, Architektura Wnętrz, Pracownia Projektowania Obiektu, III rok / University of Arts in Poznań, Department of Interior Design, Design, Product Design Studio, 3rd year

Opiekun / Tutor: prof. Jolanta Usarewicz-Owsian prof. zw. UAPwww.uap.edu.pl

Ekologiczne, eleganckie meble (fotel i hoker) o nowoczesnej, prostej formie. Ich oryginalne i wbrew pozorom trwałe siedziska zostały wyplecione z gazet pochodzących z recyklingu. Idea plecenia siedzisk z papieru powstała podczas prób jego ujarz-mienia, kiedy to wyplot z papieru został wzmocniony cienkim stalowym drucikiem.

Environmentally friendly, stylish furniture (a lounge chair and a bar stool) with a simple, modern shape. Their unique and surprisingly strong seats have been woven of recycled newspapers. The idea of weaving seats made of paper was born in the process of restraining this material, when paper weave was strengthened with steel wire.

Weronika Sochacka

/ 89

Amfibia / Amphibia (2011)szkło, plastik, materiał fosforyzujący – kauczuk /glass, plastic, phosphorescent material – natural rubber

Akademia Sztuk Pięknych w Łodzi, Wydział Tkaniny i Ubioru, Wzornictwo, Pracownia Tkaniny Eksperymentalnej, I rok / Strzemiński Academy of Art Łódź, Faculty of Textile and Fashion, Design, Experimental Textile Studio, 1st year

Opiekun / Tutor: dr hab. Lidia Choczajwww.asp.lodz.pl

Obiekt wolnostojący, transparentny. Tysiące zmultiplikowanych kapsuł budują organiczną formę. Drobne elementy wypełniają-ce pojedyncze kapsuły świecą w ciemności, tworząc misterny koronkowy wzór.

A free-standing transparent object. Thousands of multiplied capsules compose an organic form. Small elements filling indi-vidual capsules shine in the dark and create a fine lacy pattern.

Walentyna Balcerzak



www.noboart.pl Płaszczyk z filcu / Felt coat (2011)filc / felt

Politechnika Koszalińska, Instytut Wzornictwa, Wzornictwo, Pracownia Projektowania Ubioru i Kostiumu, IV rok / Technical University of Koszalin, Design Institute, Industrial Design, Studio of Clothing and Costume Design, 4th year

Opiekunowie / Tutors: dr Alina Adamczak, dr hab. Zygmunt Laskowskiwww.wzornictwo.tu.koszalin.pl

Płaszcz, którego konstrukcja inspirowana jest strojem stewar-dessy, wykonany został z jednego kawałka filcu dekoracyjnego o grubości 2,5 mm oraz 1 mm.

A coat inspired by a flight attendant’s uniform, was made of one piece of decoration felt (2.5 mm and 1 mm thick).

Marika Lewandowska

/ 91

Akademia Sztuk Pięknych w Łodzi, Wydział Tkaniny i Ubioru, Wzornictwo / Strzemiński Academy of Art Łódź, Faculty of Textile and Fashion, Design

dzienny / daily (2011)wełna czesankowa, sznurek lniany, klej termotopliwy / worsted wool, linen string, hot-melt glue

Pracownia Tkaniny Eksperymentalnej, II rok / Experimental Textile Studio, 2nd year


Kompozycja składająca się z siedmiu elementów, stanowiących zestaw naszyjników na siedem dni tygodnia. Każdy następny naszyjnik jest logiczną kontynuacją poprzedniego.

The composition consists of seven elements – a set of necklaces for each day of a week. Every necklace is a logical continuation of the previous one.

patchwork (2011)papierowe rolki, opakowania po jajkach, szary papier, folia / paper rolls, egg trays, brown paper, foil

Pracownia Papieru, II rok / Paper Studio, 2nd year

Opiekun / Tutor: prof. Ewa Latkowska-Żychskawww.asp.lodz.pl

Monochromatyczna masa małych elementów zaskakuje swym wewnętrznych reliefem. Choć uzyskany został w bardzo prosty sposób, nie daje się od razu rozpoznać.

A monochromatic mass of small elements surprises with its internal relief. Although it was obtained in a very simple way, it cannot be identified immediately.

Alicja Łaciak



Wiwat Obojętność! / Viva Indifference! (2010-2011)tkanina z drugiej ręki, technika własna / second-hand fabric, author’s own technique

Politechnika Koszalińska, Instytut Wzornictwa, Wzornictwo Przemysłowe, Pracownia Projektowania Produktu, dyplom 2008 / Technical University of Koszalin, Design Institute, Industrial Design, Studio of Product Design, graduate 2008

www.wzornictwo.tu.koszalin.pl

Czym innym jest tkanina, jak nie materią położoną w najbliższej człowiekowi przestrzeni? Nosi w sobie tajemnicę, swój własny ciężar i ciepłotę naszego ciała, jego zapach... Jest chłonna, posłuszna, nieczysta. Jest jak nasze wnętrze.

What is a fabric if not the matter placed in our nearest space? It contains the mystery, its own weight and the warmth of our body, its smell… It’s absorptive, obedient, unclean. It’s like our inside.

Anna Szklińska

/ 93

www.ohhla.hostzi.com

Origami (2010/2011)ortalion, skaj, atłas / polyamide, artificial leather, satin

Politechnika Koszalińska, Instytut Wzornictwa, Wzornictwo, Pracownia Projektowania Ubioru i Tkaniny, IV rok / Technical University of Koszalin, Design Institute, Design, Studio of Clothing and Textiles Design, 4th year

Opiekun / Tutor: dr Alina Adamczakwww.wzornictwo.tu.koszalin.pl

Kolekcja ubiorów damskich i galanterii inspirowana origami demonstruje możliwości, jakie niesie ze sobą najstarsza sztuka składania papieru zaadaptowana do funkcji użytkowej, poka-zując jednocześnie zależności pomiędzy sylwetką a geometrią ubioru. Formy są zarazem proste i eleganckie, jak i pełne niedopowiedzeń, zaskakujących rozwiązań i nowoczesnych konstrukcji.

A collection of ladies’ clothing and accessories inspired by origami. It demonstrates the opportunities which are provided by the oldest art of folding paper when it is used in functional design, and it shows the relation between a silhouette and clothing geometry. The forms are simple but elegant and full of allusions, surprising solutions and modern constructions.

Aleksandra Groś



www.maslowskadesign.pl

90 m (2011)metalowe rurki, pręty, linka żeglarska (ok. 90 metrów), biały spray / metal pipes, rods, sailing rope (about 90 meters), white spray paint

Uniwersytet Artystyczny w Poznaniu, Architektura Wnętrz i Wzornictwo, Wzornictwo, III Pracownia Projektowania Mebla, III rok / University of Arts in Poznań, Department of Interior Design, Design, Furniture Design Studio III, 3rd year

Opiekun / Tutor: ad. Mateusz Wróblewskiwww.uap.edu.pl

Forma powstała w wyniku syntezy bryły i wstęgi, w której seria powtarzających się splotów buduje organiczną, interaktywną płaszczyznę ograniczoną stabilną, geometryczną konstrukcją. Główną inspiracją jest ruch włókna, jaki występuje podczas tworzenia się powierzchni tkaniny, jego rytmiczny tor oraz symetryczny, regularny podział długości.

The form is a result of the synthesis of a solid and a band, where a series of repetitive weaves build an organic, interactive surface limited by a stable geometrical construction. The main inspiration comes from yarn moving as the fabric surface is created, its rhythmical path and a symmetrical, regular division of length.

Małgorzata Masłowska

/ 95

Elewacje IX / Elevations IX (2008)tkanina żakardowa / jacquard-woven

Akademia Sztuk Pięknych w Łodzi, Wydział Tkaniny i Ubioru, Wzornictwo, Pracownia Tkaniny Dekoracyjnej, dyplom 2008 / Strzemiński Academy of Art Łódź, Faculty of Textile and Fashion, Design, Decorative Textile Studio, graduate 2008

Opiekun / Tutor: prof. Krystyna Górskawww.asp.lodz.pl

Tkanina dekoracyjna pochodząca z kolekcji dyplomowej inspi-rowanej nowoczesną architekturą wielkomiejską.

A decorative textile that comes from the author’s diploma collection inspired by modern urban architecture.

Daria Balińska



www.aleksandrabaranska.daportfolio.com

Metro (2011)maty bambusowe, gazety, taśma / bamboo mats, newspapers and magazines, tape

Akademia Sztuk Pięknych w Łodzi, Wydział Tkaniny i Ubioru, Wzornictwo, Pracownia Tkaniny Eksperymentalnej, III rok / Strzemiński Academy of Art Łódź, Faculty of Textile and Fashion, Design, Experimental Textile Studio, 3rd year


Tkanina eksperymentalna wykonana z bambusowych mat przeplatanych kawałkami kolorowych gazet i białej taśmy klejącej. Tkanina „Metro” może stanowić rodzaj ściany, dzielącej przestrzeń wnętrza.

Experimental textile made of bamboo mats in which straps of colour newspapers and magazines and white scotch tape are weaved. The Metro textile may serve as a ‘wall’ that divides the interior.

Aleksandra Barańska

/ 97

Nicielnicowa / Shaft (2008-2010)przędza, aluminium / yarn, aluminium

Akademia Sztuk Pięknych w Łodzi, Wydział Tkaniny i Ubioru, Wzornictwo, Pracownia Tkaniny Eksperymentalnej, V rok / Strzemiński Academy of Art Łódź, Faculty of Textile and Fashion, Design, Experimental Textile Studio, 5th year


Tkanina dwustronna, wykonana ręcznie na krośnie nicielnico-wym. Poza klasyczną osnową/wątkiem, w „ciało” tkaniny wbu-dowane zostało aluminium. Niezwykły efekt tworzą blikujące światła, ażury, subtelna gama barw.

A two-sided textile handmade on a shaft-based loom. Besides the classic warp/weft, the ‘body’ of the textile has been fitted with aluminium. Glittering lights, ajoure and subtle colours give a unique effect.

Małgorzata Mróz



32 (2011)folia przezroczysta, klisze RTG, nici / transparent plastic film, x-ray film, thread pieces

Akademia Sztuk Pięknych w Łodzi, Wydział Tkaniny i Ubioru, Wzornictwo, Pracownia Tkaniny Eksperymentalnej, III rok / Strzemiński Academy of Art Łódź, Faculty of Textile and Fashion, Design, Experimental Textile Studio, 3rd year


Tkanina eksperymentalna – transparentny ekran do wnętrz, zbudowany z rentgenowskich zdjęć zębów. Pierwszoplanowym elementem obrazu są nici.

An experimental textile – a transparent interior screen, build of dental x-rays. The main element of the picture are threads.

Milena Wiaderek

/ 99

www.myrzademuynck.com

Bieda de luxe, kolekcja jesień/zima / Poverty de luxe A/W (2011)ubrania / clothes

Uniwersytet Sztuki w Londynie, Central Saint Martins College, moda damska, dyplom 2011 / University of the Arts in London, Central Saint Martins College, Fashion Womenswear, MA in Fashion, graduate 2011

Opiekun / Tutor: Louise Wilsonwww.csm.arts.ac.uk

Myrza de Muynck inspirację zaczerpnęła z kolekcji sukien z lat 20-tych XX wieku oraz z licznych cytatów zebranych z książek o Paulu Poiret, Coco Chanel oraz Dianie Vreeland. Zafascyno-wana wymyślnymi projektami tkanin tamtego okresu, de Muynck postanowiła zaprojektować proste, sportowe w formie ubrania, wykonane jednak z bardzo wymyślnych i czasochłonnych, ręcznie tkanych materiałów. Nadała im w ten sposób mocny, współczesny rys – z jednej strony jest to haute couture, z drugiej, widać tu dążenie do standaryzacji.

Myrza de Muynck found inspiration for the collection in dresses from the 1920s and a series of quotes she collected from books about Paul Poiret, Coco Chanel and Diana Vreeland. She was fascinated by the elaborate fabric designs of this period and thought it would be interesting to make very time-consuming and handcrafted fabrics, but capture them in a simple sportswear-like silhouette. Her garments became more contemporary – in a way they’re couture fashions, but they project an image of standardisation.

Myrza de Muynck



www.phoebeenglish.com

Kolekcja dyplomowa / MA final collection (2011)ręcznie szydełkowanie z włosów, guma oraz włosy akrylowe / hand crochet threading with hair,rubber and acrylic hair

Uniwersytet Sztuki w Londynie, Central Saint Martins College, Moda damska, dyplom 2011 / University of the Arts in London, Central Saint Martins College, Fashion Womenswear, graduate 2011

Opiekun / Tutor: Wojciech Dziedzicwww.csm.arts.ac.uk

Kiedy pracuję, przede wszystkim badam związek pomiędzy ubiorem i ruchem. Ręcznie wykonane elementy ozdobne sta-nowią kluczowy element mojej twórczości, w której szczególnie skupiam się na kompozycji.

An experimentation into the relationship between garment and motion is at the forefront of my mind when designing. Hand-made laboured decorative details form the centre of my design ethos which includes a sharp attention to composition.

Phoebe English


www.helenbullock.com

Kolekcja jesień/zima / A/W (2011)sitodruk, ręczny malunek / screen printing, hand paintingpłótno, len, bawełna / canvas, linen, cotton

Uniwersytet Sztuki w Londynie, Central Saint Martins College, Moda, Projektowanie tkanin, dyplom 2011/ University of the Arts in London, Central Saint Martins College, Fashion, Textiles fashion, graduate 2011

Opiekun / Tutor: Wojciech Dziedzicwww.csm.arts.ac.uk

Kolekcja stworzona spontanicznie i intuicyjnie. Niespodziewa-ne połączenie kolorów i kompozycji, zainspirowanych stylem filmu „Candy” z lat sześćdziesziątych… marionetkami Paula Kleesa… grupą the Polyphonic Spree… twórczością Gordo-na Matta-Clarka, spódnicami z rozcięciem, a także własnymi rysunkami osobliwych kobiet. Stworzona metodą sitodruku, ręcznego malunku i malowania z użyciem szablonu. Skompono-wana z płótna, lnu oraz zakupionej kwiecistej tkaniny, wykorzy-stanej tak, by zasłonić niektóre jej fragmenty. Obuwie powstało przy wykorzystaniu znalezionego drewna, które zostało wyrzeź-bione tak, aby pasowało do reszty buta. A collection created from spontanaiety and intuition. Unexpected colours and compositions inspired by a festival scene of banners in the 60s movie “Candy” ... Paul Klee’s hand puppets... The Polyphonic Spree ... Gordon Matta-Clark, splits in skirts, and my drawings of odd ladies. Created using screen printing, stenciling and hand painting, and composed of canvas, linen and bought floral fabric, which was then manipulated by using a technique to block out some areas. Shoes have been created by using found wood that was then sculpted to fit the shoe.

Helen Bullock


shaunsamson.co.uk

Wiosna / Lato 2012Spring / Summer 2012koce meksykańskie, wełna, bawełna, igłowanie filcu / mexican blankets, wool, cotton, needle punch felting

Uniwersytet Sztuki w Londynie, Central Saint Martins College, Moda, Moda męska, dyplom 2011 / University of the Arts in London, Central Saint Martins College, Fashion, Fashion Menswear, graduate 2011

Prowadzący / Tutor: Peter Jenseswww.csm.arts.ac.uk

Tradycyjne koce meksykańskie, filc igłowany na różne inne materiały. Native Mexican blankets, needle punch felted onto various other materials.

Shaun Samson


Akademia Gerrit Rietveld, Moda, Wydział Mody, dyplom 2011 / Gerrit Rietveld Academie, Fashion, Fashion department, , graduate 2011

Opiekun / Tutor: Wojciech Dziedzicwww.gerritrietveldacademie.nl

Bez tytułu – serie flokowane / Untitled – flocked series (2011)papier Tyvek, włókno celulozowe, klej flokowy, flokowanie i ogrzewanie gorącym suchym powietrzem / Tyvek paper, cellulose fiber, flock glue, flocking and dry heat treatment

Seria ta jest wynikiem eksperymentowania z techniką flokowa-nia na materiale Tyvek. Flokowany papier daje bardzo ciekawe wrażenie dotykowe, a obróbka cieplna nadaje mu zupełnie nowy wymiar.

This series is the result of experimental research with flocking on Tyvek. The flock gives a completely different tactile feel to the paper and how the heat treatment adds yet another dimension.

Kolekcja dyplomowa / BA graduation collection (2011)papier Tyvek, jedwab, tkanina bawełniana, dżins, żółta taśma, igłowanie maszynowe, szycie / Tyvek paper, silk, cotton shirting, denim, yellow tape, machine punching, sewing

Inspiracją do stworzenia kolekcji był „Boro”, czyli ubiór japoń-skich wieśniaków. Były to stroje robocze dla mężczyzn i kobiet, pozszywane z kawałków i resztek ubrań. Piękno zrodzone z potrzeby.

The main inspiration came from “Boro”, Japanese peasant textiles. It was work wear for both men and women, patched together from scraps and remnants over the years – a case of beauty born out of necessity.

Joshua Enker


Konkurs make me! / make me!

contest

/ 105 Konkurs make me! / make me! contest

Konkurs make me! / make me!

contest

Fundatorem nagrody głównej 20 000 zł jest Mecenas Festiwalu – Ceramika Paradyż / The main prize, PLN 20 000 is funded by the Main Patron of the Festival – Ceramika Paradyż

Fundatorami pozostałych nagród / The remaining awards are funded by


make me! /2011

1 / Agnieszka Przewoźna (Polska / Poland) www.adesignstudio.pl Multiplo (2011) papier / paper

2 / Agnieszka Dybowska (Polska / Poland) www.agdyby.eu Fiu Fiu (2011) drewno, farba, gięty drut / wood, paint, bent wire

3 / Anna Kruk (Polska / Poland) www.aniakruk.com 100YEARS.PL (2011) strona www, animacja flash / website, flash animation

4 / Cordula Kehrer (Niemcy / Germany) www.cordulakehrer.de Plecione kosze / Bow Bins (2008) czerwone plastikowe wiadro, biała wiklina / red plastic bucket, white willow

1 /

2 /

3 /

4 /

/ 107

5 / Daniel Glazman (Izrael / Israel) www.danielglazman.com Stołek w uścisku / Clamped Stool (2011) drewno klonu, stal, mosiądz / maple wood, steel, brass

6 / Chang Yu-Chih, Hu Tsuo-Ning (Tajwan / Taiwan) www.eandjdesignstudio.com Typ Y / Type Y (2011) sklejka / plywood

7 / Fawory (Polska / Poland) Małgorzata Piotrowska, Monika Niezabitowska, Zofia Hejduk www.fawory.com Transformacja / Transformation (2011) komunikacja >> interakcja >> fabrykacja / communication >> interaction >> fabrication

8 / Jacek Ryń (Polska / Poland) www.razy2.pl Gryzmoł / Doodle (2011) aluminium, pleksiglas, mdf, lakiery i farby / aluminium, acrylic glass, MDF, varnishes and paints

5 /

6 /

8 /

Konkurs make me! / make me! contest

7 /


9 / Jakub Marzoch (Polska / Poland) Płachta / Shelter (2011) poliester ripstop, aluminium / polyester ripstop, aluminium

10 / Katarína Siposová (Słowacja / Slovakia) www.katarinasiposova.blogspot.com Serwetki Re-born / Re-born napkins (2010) tkanina bawełniana, nić bawełniana, krochmal / 100% cotton fabric, cotton thread, starch

11 / Katarzyna Augustyniak (Polska / Poland) projektkatarzynow.blogspot.com Czerwony Kapturek / Little Red Riding Hood (2011) książka / book

12 / TODO (Polska / Poland) Katarzyna Jakubowska, Tomasz Gębala www.to-do.com.pl Kafel ceramiczny CALDO / CALDO ceramic tile (2011) plastyczna ogniotrwała glina, glazura / formable fireproof clay, glaze

9 /

11 /

12 /

10 /

/ 109

13 / Kristína Sekerová (Słowacja / Slovakia) Dżinsowe wzory / Denim patterns (2011) dżins / denim

14 / Magdalena Garncarz (Polska / Poland) www.magdalenagarncarz.com Stołek Baby Jagi / Baba Yaga’s stool (2011) 8 szczotek (zamiataczy) + bukowe kołki / 8 brooms (sweepers) + beech studs

15 / Pilar Rojo Peso (Hiszpania / Spain) www.pilarrojo.es Seria fotoksiążek ShowOFF / Series of ShowOFF Photobooks (2011) książki / books

16 / Sylwia Sroka (Polska / Poland) www.facebook.com/sylwiasrokatextile Kryształy / Crystals (2011) poliester w 3 kolorach, biała osnowa, techniki tkackie / polyester in 3 colours, white warp, weaving techniques

14 /

16 /

13 /15 /



17 / Thibaut Godard (Francja / France) www.thibautgodard.fr Porcelana / Porcelain (2010-2011) porcelana, korek / porcelain, cork 18 / Urszula Kowal (Polska / Poland) cargocollective.com/ulakowal IGE Indywidualny Generator Energii Open Source / IGE Individual Energy Generator Open Source (2011) tektura falista 2 mm, panele fotowoltaiczne, akumulatory AAA, port USB, diody kierunkowe, przewody / 2 mm corrugated board, photovoltaic panels, AAA batteries, USB port, diodes, wires

19 / Wojciech Kawczyk (Polska / Poland) YGREK (2010) stal nierdzewna i pleksi / stainless steel and acrylic glass

20 / Tomasz Pydo (Polska / Poland) www.pydodesign.com Owijka / Wrappie (2011) ceramika / ceramics

17 /

19 /

20 /

18 /

/ 111

make me! /2010

Nagrodzone projekty / Awarded projects:

Nagroda Główna - 20.000 zł / The main prize PLN 20,000

1 / Poliszdizajn: Kamila Niedźwiedzka i Nikodem Szpunar Lampa Komar / Mosquito Lamp

Pozostali laureaci / Other laureates:

2 / Emmanuel Gardin Recto Verso (2008)

3 / Wiktoria Gołębiewicz Drop – nalewaczka dla osób starszych / Drop – pouring device (2010)

4 / Magdalena Karasińska Stolik Moso / Moso Table (2010)

5 / Aleksandra Pięta & Piotr Wiśniewski (Polska / Poland) Smaki Podhalańskie / Podhale Tastes (2010)

6 / Filip Wcisło & Katarzyna Bukowska-Wcisło SpaghettiMonster (2010)


1 /

4 /

2 /3 /

5 /

6 /


Wystawy Towarzyszące / Accompanying

Exhibitions

/ 113 Wystawy Towarzyszące /Accompanying Exhibitions


must have to plebiscyt, w którym grupa zaproszonych przez Łódź Design ekspertów wskazała najciekawsze, najbardziej wyróżniające się projekty rodzimego wzornictwa, odzwiercie-dlające aktualne trendy polskiego designu. Wśród laureatów must have znalazły się duże i znane przedsiębiorstwa, a także małe rodzinno-przyjacielskie inicjatywy z dziedziny meblarstwa, dekoracji wnętrz, oświetlenia, opakowań i zabawek. W każdym przypadku o wyborze decydowały innowacyjność, funkcjonal-ność, ergonomia, jakość wykonania oraz uroda projektu.

Spośród 150 nominowanych przedmiotów wyłoniono 44 pro-dukty, które rekomendujemy jako przykłady mądrego i świado-mego inwestowania w design.

To zestawienie, które polecamy jako must have – po prostu musisz je mieć.

must have is a vote in which a group of experts invited by Łódź Design has selected the most interesting, attention-worthy projects of Polish design, reflecting current trends in our country. The laureates of must have include big and well-known enterprises, and also small family and friends’ initiatives related to furniture, interior design, lighting, packaging and toys. In each case, the choice was determined by their innovativeness, functionality, ergonomics, quality and beauty of the project.

Out of 150 nominated objects, 44 have been selected which we recommend as examples of a wise and conscious strategy of investing in design.

We recommend the following as must haves.

must have


BoConcept, IKEA, Kinnarps, &tradition

Prostota i funkcjonalność. Tak można określić wzornictwo skan-dynawskie, którego pragmatyczny charakter w dużej mierze podyktowany jest surowym klimatem krajów dalekiej półno-cy. Śnieżne zimy sprzyjały koncentrowaniu życia w domach: wnętrza stawały się oazami przytulności, wygody i ciepła. Dizajn północy nawiązuje również do wiekowej tradycji rękodzielni-czej; solidność i wytrzymałość mebli idzie w parze z naturalnym urokiem drewna. Formy wynikają z konkretnych potrzeb (także estetycznych), nie ma zbędnych elementów. Na sukces i silną pozycję skandynawskiego dizajnu składa się przekonanie, że każdy obywatel powinien mieć do niego dostęp. Brzmi uto-pijnie? Żyjąc w kraju, w którym realia odbiegają od wyobrażeń, skorzystajmy z tego, co wypracowano w Skandynawii.

Simplicity and functionality. This is how we can describe Scandinavian design, whose pragmatic character is largely determined by the harsh northern climate. Snowy winters have always made people spend most of their everyday live at home: interiors became cosy, comfortable and warm oases. Scandinavian design makes use of the centuries-old handicraft tradition; and the solidity and durability of furniture is combined with the natural beauty of wood. Form is determined by specific needs (also aesthetic), there are no redundant elements. The success and strong position of Scandinavian design are shaped by the belief that it should be accessible for every citizen. Sounds utopian? In our country, where the reality is rather far from our wishful thinking, let us at least find inspiration in the ideas implemented in Scandinavia.

Energia Wnętrza. Styl Skandynawski /Interior Energy. Scandinavian Style (2011)

Zdjęcie / Photo: BoConcept

Zdjęcie / Photo: IKEA

Zdjęcie / Photo: Kinnarps Group, marka / brand: Materia


Wystawa Stowarzyszenia Twórców Grafiki Użytkowej (STGU) / Exhibition of the Association of Applied Graphic Designers

Wydaje się, że w Polsce mainstream projektowy pozostawia wciąż wiele do życzenia. Jednocześnie wielu młodych projek-tantów coraz częściej buntuje się przeciwko terrorowi przeeste-tyzowanej formy, eksperymentując z estetyką niedoskonałości. Jak jest naprawdę? Czy rzeczywiście grozi już nam zjawisko „przedizajnowania”? Czy też „brud” i „bylejakość” to tylko chwilowa moda? A może jest to sposób na szukanie własnej tożsamości w dizajnie? Wystawa pozwoli zastanowić się nad tym, jakie miejsce zajmuje polska grafika użytkowa A.D. 2011 w odniesieniu do pojawiającego się w „starych demokracjach” zjawiska dizajnu totalnego, kiedy wszystko wydaje się już zaprojektowane.

It seems that Polish ‘design mainstream’ leaves much to be desired. At the same time, many young designers more and more often rebel against the terror of ‘over-aesthetic’ form by experimenting with the aesthetics of imperfection. What is it really like? Are we already in danger of ‘overdesigning’? Or are ‘dirt’ and carelessness only a temporary fashion? Or maybe it is just a way of searching our own identity in design? The exhibition will encourage us to think about the place of Polish applied graphics A.D. 2011 in response to the phenomena of total design typical of “old democracies”, i.e. the situation when everything seems to have already been designed.

Kurator / Curator: Agata Szydłowska

Przeprojektowane? /Overdesigned? (2011)

Projekt / Design: Jan Bajtlik


Monika Jaworskawww.jaworska.com.pl

Wierząc, że stare podniszczone ubrania ze strychu mają swoją historię, stworzyłam damską kolekcję o takim właśnie klimacie. Widzimy małą dziewczynkę włożoną w za duże, męskie ubranie. Zabawa konstrukcją, poszukiwania nowej formy, tworzenie iluzji dwóch rzeczy w jednej, inspiracja męską garderobą – a ściślej wnętrzem tych ubrań – to w efekcie wolność od obowiązków sezonu, rozmiaru i poprawności krawieckiej...

I believe that old clothes found in the attic have their own histo-ry. I have created a ladies’ clothing collection of this kind. There is a little girl dressed in men’s clothes, much too large. Playing with the structure, searching for the new form, creating an illusion of two things in one, inspiration found in men’s clothes – and to be more precise, what is inside them – brings freedom from all the restrictions related to the current season, size and tailor’s accuracy...

Modus Vivendi (2011)


www.slaskarzecz.pl

„Śląska Rzecz” to jedyny regionalny konkurs designu w Polsce. Zamek Cieszyn organizuje go od sześciu lat. Chcemy, żeby dobry design był równie popularny jak śląskie kluski. Dlatego w konkursie „Śląska Rzecz” nagradzamy firmy, które postawiły na współpracę z projektantami i wzornictwo światowej jakości. Konkurs przyczynia się do odbudowy śląskiego etosu – region jest kojarzony z pracowitością i produktem dobrej jakości. A o każdym ze zwycięzców możemy powiedzieć: „Dobre, bo śląskie”.

Konkurs „Śląska Rzecz 2010” jest organizowany w ramach drugiej edycji projektu „Design Silesia” ze środków Unii Euro-pejskiej w ramach Europejskiego Funduszu Społecznego oraz budżetu państwa.

“Silesian Icon” is the only regional design contest in Poland. Cieszyn Castle has organised it for 6 years. We want good design to be as popular as Silesian dumplings. Therefore, in the “Silesian Icon” contest we award companies which decided to cooperate with designers and make use of world-class design. The contest contributes to the reconstruction of the Silesian ethos – the region is associated with diligence and high quality products. Therefore, what we can say about any of the winners is: “It is good because it is Silesian”.

The “Silesian Icon 2010” contest is organized within the second edition of the project “Design Silesia”, funded from the EU resources under the European Social Fund and the national budget.

Aranżacja wystawy / Exhibition arrangement: Grupa Projektowa Wzorro: Natalia Jakóbiec, Katarzyna Pełka, Marcin Krater

Śląska Rzecz 2010 /Silesian Icon 2010

Kolekcja "Mała Rzecz", nagroda specjalna, kategoria: produkt / “Small Thing” collection, special award, category: product


www.muzeum.stalowawola.pl

Wystawa „Dziecinada” to prezentacja prac polskich projektan-tów przeznaczonych dla najmłodszych odbiorców. Przytulanki, klocki, lampy i meble dla maluchów. Niektóre jednostkowe, unikatowe, niepowtarzalne, inne powielane w krótkich seriach lub produkowane przemysłowo. Osobną kategorią są wydaw-nictwa, doceniane i nagradzane na międzynarodowych forach, mniej znane w kraju. Polska ilustracja książkowa ma świetną i wartą popularyzacji tradycję. Przedmioty prezentowane na wy-stawie wymykają sie stereotypowemu myśleniu o zabawkach i przedmiotach dla dzieci. Podważają konwencję, dyskutują z odbiorcą, prowokują do pytań i do zabawy. Wymuszają niejako dialog między dorosłym a dzieckiem. Ucząc, bawią.

The “Childishness” exhibition presents works of Polish designers addressed to the youngest audience. Cuddly toys, blocks, lamps and furniture for kids. Some are individual, unique, inimitable, whereas others are produced in short or long (industrial) series. Publications are a separate category – they are valued and awarded around the world, but less known in Poland. Polish books illustration has a great and tradition worth much more attention. The items presented on the exhibition are far from the stereotypical way of thinking about toys and children’s stuff. They undermine the convention, discuss with the user, provoke questions and play. They force a dialogue between a parent and a child. They teach and entertain at the same time.

Kurator / Curator: Agnieszka Jacobson-Cielecka Organizator / Organiser: Muzeum Regionalne w Stalowej Woli / Regional Museum in Stalowa Wola

Dziecinada – polski dizajn dla dzieci /Childishness – Polish design for children

Kalimba, Natka Luniak, Konik na patyku / Stick Horse


www.ngispen.com

NgispeN to nowa holenderska marka założona przez Gispen, jedną z najstarszych i największych firm meblarskich w Holandii. Kolekcję stworzyli, pod opieką artystyczną Richarda Hutten, Jerszy Seymour, Michael Young, Dick van Hoff, Maarten Baas, James Irvine, Studio Makkink & Bey, Fabio Novembre, ZUS, W.H. Gispen, Gerrit Rietveld, Wim Rietveld, Wiro van Vilsteren i Ontwerpers.nu.

Wszystkie projekty mają jedną wspólną cechę: zostały opra-cowane zgodnie z doktryną „zabawa tradycją”. Ponad połowa portfolio NgispeN znajduje się w kolekcjach muzeów na całym świecie.

NgispeN is a new Dutch brand founded by Gispen, one of the oldest and largest office furniture companies from The Netherlands. Under the art direction of Richard Hutten, the collection is designed by Jerszy Seymour, Michael Young, Dick van Hoff, Maarten Baas, James Irvine, Studio Makkink & Bey, Fabio Novembre, ZUS, W.H. Gispen, Gerrit Rietveld, Wim Rietveld, Wiro van Vilsteren and Ontwerpers.nu.

All these products have one thing in common, they are designed under the credo ‘playing with tradition’. Did you know that more than 50% of the product portfolio of NgispeN has been acquired by museums from all over the world for their own collections?

NgispeN

Jerszy Seymour, Amateur Master A

Richard Hutten, LayersTable, Centraal Museum Chairs, Thunderball Lamps


www.rosenthal.pl

Od 50 lat Rosenthal Studio-Line jest synonimem innowacyjne-go i awangardowego designu. W tym okresie wielu wybitnych artystów oraz designerów, m. in. Walter Gropius, Tapio Wirkkala, Björn Wiinblad, Jasper Morrison, Marcel Wanders i Patricia Urquiola, stworzyło dla marki Rosenthal wyjątkowe kolekcje, które charakteryzuje najwyższa jakość zarówno w formie, jak i funkcji. W ciągu dekad stanowiły one kamienie milowe w rozwoju Rosenthal Studio-Line. Ponad 150 artystów i projektantów sprawiało, że Rosenthal Studio-Line podążał za-wsze z duchem czasu, a ponad 350 międzynarodowych nagród jest świadectwem kreatywności niemieckiego atelier. For 50 years, Rosenthal Studio-Line has been a synonym of innovative and avant-garde design. In this period, numerous famous artists and designers, i.e. Walter Gropius, Tapio Wirkkala, Björn Wiinblad, Jasper Morrison, Marcel Wanders and Patricia Urquiola, have created for the Rosenthal brand their unique collections that are of highest quality in terms of both form and function. For decades, they have been milestones in Rosenthal Studio-Line development. Thanks to over 150 artists and designers, Rosenthal Studio-Line has always followed the spirit of the times, and over 350 international prizes are the evidence for the great creativity of the German atelier.

Organizator / Organizer: Rosenthal PolskaKurator / Curator: Remigiusz M. Kuczuba

50 lat Rosenthal Studio-Line, 50 lat designu / 50 years of Rosenthal Studio-Line, 50 years of design

Jerszy Seymour, Amateur Master A

Trinidad-Troy, Philip Rosenthal 1989


Karolina Hałatek

Wystawa powstała w wyniku osobistych poszukiwań uniwer-salnego języka dotyczącego podstawowych i fundamentalnych kwestii właściwych każdemu człowiekowi, bez względu na uwarunkowania kulturowe. Światło jest pierwszym warunkiem dla zaistnienia sztuki. Budowa fizyczna światła, składającego się z nieuchwytnych, pozostających w nieustannym ruchu fotonów, jest bezpośrednią inspiracją, jak i kluczem interpretacyjnym wystawy, która składa się z 3 instalacji: Blue Gate, Light Timer i Prism.

The exhibition has been created out of personal search for a universal language referring to the basic and fundamental hu-man issues, regardless of cultural background. Light is the first condition for art to exist. Physical composition of light, made of elusive, always moving photons, is a direct inspiration and a key to understanding the exhibition, consisting of three installations: Blue Gate, Light Timer and Prism.

Praca prezentowana w ramach I Festiwalu Kinetycznej Sztuki Światła „Light Move Festival” / The work presented as part of “Light Move Festival” – the 1st Festival of Kinetic Light Art

Enter Me – Spiritual Design (2011)


Jaroslav Bejvl, René Šulc, Jaroslav Vetvicka, Dorota Koziara, Przemysław Stopa

Światło jest niematerialne, ale kształtowane jest przez materia-ły. Sztuka transformacji światła przez twórcze wykorzystanie materiałów i innowacyjne kształty przekroczyła kolejną granicę. Materiał DuPont™ Corian® zapoczątkował nową erę projekto-wania, oferując projektantom wyjątkowe możliwości modelo-wania i unikalną sensoryczność. Wystawa odkryje różnorodne i inspirujące przedmioty świetlne stworzone przez kreatywnych profesjonalistów z Republiki Czeskiej i Polski.

Light is immaterial but is transformed by materials. The art of transforming light through the creative combination of materials, and through innovative shapes has reached a new frontier. The DuPont™ Corian® material has begun a new designing era and offers designers superior modeling possibilities and sensorial qualities. The exhibition will discover various inspiring light objects made by creative professionals from the Czech Republic and Poland.

Kurator / Curator: Andrzej Wojciechowski

Fresh Light of Corian® (2011)

Dorota Koziara, Floe, zdjęcie / photo: DuPont™ Corian®

Jaroslav Bejvl, Mystery, zdjęcie / photo: DuPont™ Corian®


www.kinnarps.pl

Dobrze zaprojektowane miejsce spotkań to coś więcej niż design i wygoda. Tworzymy takie miejsca, które stymulują, inspirują i skłaniają do otwartości. W tym tkwi tajemnica „Creative Meetings”!

Idea kreatywnych miejsc spotkań stała się ostatnio bardzo popularna. Zwrócono uwagę na aspekty psychologiczne wyposażenia takiego miejsca, jego wpływ na atmosferę i kre-atywność. „Od połowy 90. lat XX w. promujemy nowe wzorce funkcjonalności i projektujemy takie wnętrza, które sprzyjają kreatywności w pracy. To nasza specjalność”, mówi Lars Bülow, projektant serii siedzisk Centrum i Plint. Według Kinnarps rolą każdego biura jest pobudzanie do pracy. Tworząc rozwiązania dla różnych miejsc spotkań, zwracamy uwagę, aby projekt wnę-trza zachęcał uczestników do aktywności. Na wystawie można te pomysły obejrzeć i wypróbować!

A well-designed meeting place means more than design and comfort. We create places which stimulate, inspire and make people more open. It is the secret of “Creative Meetings”!

The idea of creative meeting places has become very popular recently. Psychological aspects of their furnishing, as well as their influence on the atmosphere and creativity, have also been noticed. “Since the mid-1990s, we have been promoting new functionalities and design interiors that support innovative work processes. This is our unique expertise, our speciality,” says Lars Bülow, Centrum and Plint seatings designer. According to Kinnarps, each office should stimulate to work. By creating solutions for different workplaces, we pay attention to make the interior design encourage to activity. Our solutions are available to be tested at our exhibition!

Twórcze spotkania! / Creative Meetings!

Zdjęcia / Photos: Kinnarps


www.pininfarina.it

Wystawa przedstawia najnowszy projekt ze znakiem PININFA-RINA – stół ORBITAL, wykonany dla firmy Calligaris. Będzie to jego premierowa prezentacja w Polsce, ukazująca proces jego tworzenia – od pomysłu-inspiracji do gotowego mebla.

Na wystawie pokazane są również wcześniejsze, mało znane dokonania tego wyjątkowego studia – ikony światowego designu. Szybkie łodzie motorowe, zegarki, okulary, flakony do perfum, ekspresy do kawy, walizki, a nawet szczoteczka do zębów noszą charakterystyczne logo PININFARINA. Wystawa jednak skupi się na meblach – ORBITALu oraz innych meblach projektowanych na przestrzeni ponad 80-letniej historii studia dla różnych firm. Reflex, Snaidero, Riva 1920 czy Ares Line to niektóre z nich.

The exhibition presents the latest project with the PININFA-RINA logo – the ORBITAL table, designed for Calligaris. It will be the first presentation of the table in Poland, showing the process of its creation, from the concept-inspiration to the ready item of furniture.

Additionally, the exhibition presents earlier, less-known works by this amazing studio – the icon of global design. Fast motorboats, watches, glasses, perfume bottles, coffee makers, suitcases, and even a toothbrush, all bear the distinctive logo. The exhibition focuses on furniture, though – ORBITAL and other items designed for various customers (incl. Reflex, Snaidero, Riva 1920 or Ares Line) during the over 80-year history of the studio.

Organizatorzy / Organizers: Alto Galeria, Calligaris

PININFARINA nieznany – ORBITAL i inne arcydzieła designu / PININFARINA unknown – ORBITAL and other masterpieces of design (2011)


domosfera.plbryla.pl prezentacja multimedialna / multimedia presentation

Ta multimedialna podróż w czasie wciąga widza w świat, które-go już nie ma. W dobie nowoczesnych technologii wspominamy życie bez przenośnych komputerów, elektronicznych książek i smartfonów. Zapomniane budynki, zapomniane przedmioty, zapomniane miejsca. Z tej układanki na nowo odkrywanych klisz każdy ułoży własną historię.

This multimedia time travel takes the viewer into the world that does not exist anymore. In the age of modern technologies, we recall life without portable computers, e-books and smartphones. Forgotten buildings, forgotten objects, forgotten places. Discovered anew, these images are waiting for you to make your own story out of them.

Realizacja multimedialna / Multimedia realization: Krzysztof Wykrota

Kuratorzy / Curators: Agnieszka Rumińska – Bryla.pl (redaktor naczelna/editor-in-chief), Marta Lubaszewska – Domosfera.pl (redaktor naczelna/editor-in-chief)

Partner projektu / Project partner: Narodowe Archiwum Cyfrowe / National Digital Archives

Czas przeszły dokonany /Simple Past (2011)

Zdjęcie / Photo: Narodowe Archiwum Cyfrowe / National Digital Archives


W kwietniu 2010 r. specjalistka IKEA ds. rozwoju produktów tekstylnych, Emma Jones, dołączyła do studentów Beckmans College of Design w Sztokholmie. Podczas warsztatów 22 stu-dentów, wykorzystując rożne techniki, stworzyło setki czarno--białych szkiców. Wszystkie projekty za zgodą autorów trafiły w formie cyfrowego archiwum do biura IKEA w Älmhult. Tam zostały przekształcone w nowe wzory zgodne z duchem firmy. W sierpniu tego roku IKEA wprowadziła je do swojego asor-tymentu. Tkaniny MADDE, EDMA, GULLIVI, LILLIVI, JULITA, DURITA, zasłona prysznicowa SANDGRUND i pościel EIVOR ORD są doskonałymi przykładami tej owocnej współpracy.

In April 2010, Emma Jones, IKEA specialist for textile product development, has started her studies in Beckman’s College of Design in Stockholm. During workshops, 22 students used various techniques to create thousands of black and white sketches. With the authors’ consent, a digital archive of all the projects has been sent to the IKEA office in Älmhult. There, they have been turned into new patterns in tune with the company’s spirit. This August, IKEA included them in its range of products. MADDE, EDMA, GULLIVI, LILLIVI, JULITA, DURITA textiles, SANDGRUND shower curtain, and EIVOR ORD bedclothes are great examples of this fruitful collaboration.

Od szkiców w Sztokholmie do tkanin dla domu / From sketches in Stockholm to textiles for homes (2011)

Zdjęcia / Photos: IKEA


Architects Welcome! w Atak Design to miejsce przyjazne architektom, miejsce, w którym będą mieli oni możliwość zobaczenia znanych kolekcji klasyków designu, stałych kolekcji znanych marek i nowości dopiero co pokazywanych na targach. Wszystko w takiej aranżacji, aby przebywanie z nimi stało się prawdziwą przyjemnością kontemplowania dobrego designu, w atmosferze lekkiego lenistwa przy muzyce i dobrej kawie. Do-datkowo dla architektów będą przygotowane katalogi, pliki 3d, materiały informacyjne. Atak Design zaprasza do zobaczenia kolekcji takich projektantów, jak Philippe Starck, Charles & Ray Eames, Verner Panton, Arne Jacobsen, Alberto Meda, Antonio Citterio, Marcel Wanders, Patricia Urquiola, Patric Jouin, Fer-rucio Laviani, Frank Gehry, Ron Arad, Eero Aarnio. Przedstawi takie marki jak Vitra, USM, Kartell, Magis, Fritz Hansen, Alias, Moooi, B&B Italia, Foscarini, Diesel, Artemide, Belux, Fatboy, Bulthaup, Lightyears, Porro, Gandia Blasco i inne.

Architects Welcome! at Atak Design is an architect-friendly place – they will have an opportunity to see the collection of design classics, permanent collections of well-known brands as well as the new releases only just shown on fairs. The arrangement of all that makes staying there a real pleasure – contemplating good design in a lazy atmosphere, listening to music and drinking good coffee. Additionally, the architects will be provided with catalogues, 3D files and informational materials.Atak Design invites you to see the collections of such designers as Philippe Starck, Charles & Ray Eames, Verner Panton, Arne Jacobsen, Alberto Meda, Antonio Citterio, Marcel Wanders, Patricia Urquiola, Patric Jouin, Ferrucio Laviani, Frank Gehry, Ron Arad, Eero Aarnio. It will present brands: Vitra, USM, Kartell, Magis, Fritz Hansen, Alias, Moooi, B&B Italia, Foscarini, Diesel, Artemide, Belux, Fatboy, Bulthaup, Lightyears, Porro, Gandia Blasco and others.

Architects Welcome!


Maciej Strumiłłowww.mstrumillo.com

Wystawa ta łączy w sobie kreatywne wykorzystanie tkaniny i całej technologii związanej z projektowaniem. Qi w Feng Shui oznacza „siłę życiową” i dlatego daje światło, a że jest ubrana w tkaninę, uczłowiecza przedmiot, czyli „lampę”. Natomiast „Dancing Fabric” to kolekcja nowoczesnych tekstyliów wyko-nana metodą sitodruku, dzięki któremu tkanina „tańczy”. Autor z pewnością należy do wąskiego grona projektantów, którzy tworzą z pasją niepowtarzalne dzieła sztuki designu z wykorzy-staniem tkaniny.

Honorowy patronat: Hanna Zdanowska, Prezydent Miasta Łodzi

The exhibition combines a creative use of fabrics and a wide range of technology related to designing. In Feng Shui, the term Qi denotes ‘a life force’, and this is why it glows with light. The fabric it wears makes the item – a lamp – more human--like. “Dancing Fabric”, in turn, is a collection of contemporary textiles, created with the use of a screen printing technique, which makes the fabric ‘dance’. Their author surely belongs to a small group of designers with passion, who create unique works of design art using fabrics.

Honorary Patron: Hanna Zdanowska, Mayor of Łódź

Qi i roztańczona tkanina /Qi & Dancing Fabric


Mobilna Sala Ekspozycyjno-Szkoleniowa KOŁO od wiosny 2011 r. jeździ po Polsce i Europie. Obiekt zaprojektował Janusz Kaniewski, którego festiwalowa publiczność zna z lat ubiegłych. Wielka ciężarówka Sanitec Koło jest kontynuacją zaintereso-wania jej projektanta przemysłem motoryzacyjnym. Wcześniej współpracował z takim firmami jak Ferrari, Honda czy Fiat. MSES KOŁO składa się z 470-konnego ciągnika siodłowe-go Scania i naczepy, w której wnętrzu urządzono wystawę. Eksponowana jest tam ceramika łazienkowa, wanny, kabiny natryskowe oraz meble oferowane przez wiodącego producen-ta i dystrybutora branży łazienkowej w Polsce – firmę Sanitec Koło.

Since spring 2011, the mobile KOŁO Exhibition-Training Room travels around Poland and Europe. The construction was designed by Janusz Kaniewski, who is already known to the festival audience from previous years. A huge Sanitec Koło lorry is a continuation of the designer’s interest in the automotive industry. Earlier, he cooperated with such brands as Ferrari, Honda or Fiat. MSES KOŁO consists of a 470-horsepower Scania truck tractor and a semitrailer with an exhibition of bathroom tiles, bath tubs, shower cabins and furniture offered by the leading producer and distributor in the bathroom branch in Poland – the Sanitec Koło company.

MSES KOŁOby Janusz Kaniewski


Aukcja Dizajnu oraz poprzedzająca ją wystawa łączą w sobie dwa cele – popularyzację polskiego wzornictwa oraz sprzyjanie idei kolekcjonowania dizajnu. Wystawa przedaukcyjna to wybór kilkudziesięciu autorskich przedmiotów, powstałych od lat 30. XX w., przez kolejne dekady, aż do czasów współczesnych – przekrojowa prezentacja najważniejszych zjawisk i kierunków w polskim wzornictwie, w kontekście przykładów z innych krajów europejskich. Wśród obiektów znajdują się zarówno przedmioty wdrożone do produkcji przemysłowej, krótkie serie, jak i prace unikatowe. Wystawa i Aukcja Dizajnu ma być w naszej intencji krokiem ku zmianie funkcjonowania polskiego dizajnu na rynku sztuki i zachętą do budowania własnej kolekcji.

Design Auction and the preceding exhibition combine two aims – to popularize Polish design and to support the idea of collecting design. The pre-auction exhibition is a selection of several original items created since the 1930s up to today. It is an overview of the most important phenomena and trends in Polish design, set in the context of examples from other European countries. The items include projects implemented in mass production, short series and unique works. In our intention, the exhibition and Design Auction are meant to be a step towards changing the way Polish design functions on the art market, and the way to encourage the audience to build private collections.

Kurator / Curator: Katarzyna Figura, ARTon

Aukcja Dizajnu /Design Auction

Oskar Zięta, Plopp Standard


Wzornictwo mebli to kombinacja materiału, kształtu i koloru. Ale co właściwie pasuje do siebie? Interprint odpowiada na to pytanie, prezentując inspirujące zestawienia. Pod hasłem „Combinations” kryje się połączenie dekorów odzwierciedlają-cych struktury drewna, kamieni czy też motywów fantazyjnych z jednolitymi kolorami metalicznymi. Właściwie dobrany jed-nobarwny odcień eksponuje wygląd powierzchni, równoważy, nadaje akcent lub, jeśli to pożądane, wizualny efekt kontrastu. Combined by Interprint – firma oferuje nie tylko inspiracje po-przez prezentację aktualnych trendów we wzornictwie dekorów, ale także ukierunkowuje projektantów na tworzenie odpowied-nich zestawień kolorystycznych.

Furnishing is almost entirely about the combination of materials, shapes and colours. But what actually goes really well together? Interprint answers this question with inspiring combinations. Under the motto ‘Combinations’, the new Interprint décors (wood grains, stones and fancy pictures) offer a great complement to trendy metallic single colours. The right single colour positively influences the effect of the surface. It balances out, sets accents or, if necessary, produces the visual tension. Combined by Interprint – the company that not only inspires with its trendy décors, it provides a versatile complement for combinations with the perfect colour.

Combinations (2011)


Świat sztukaterii to wciąż niedocenianie źródło inspiracji do zmian w przestrzeni. Akademia SZTUKaterii & Aniro przedsta-wia kierunki ZMIAN, które stworzyły nowe oblicze sztukaterii.

ZMIANA spojrzenia na klasyczne elementy dekoracji wnętrz: nowe rozety i listwy. ZMIANA przestrzeni poprzez zastosowanie sztukaterii z kolekcji 3D. ZMIANA jako inspiracja do śmiałych pomysłów projektowych. ZMIANA jako nowe drzwi we współczesnym designie wnętrz.

Nowe oblicze SZTUK(I)aterii – to prawdziwa radość ZMIAN.

The world of stuccowork is still an underestimated source of inspiration for spatial changes.The Academy of Decorative Elements & Aniro present new directions of CHANGES which have contributed to creation of the new image of stuccowork.

CHANGE of the outlook on classic elements of interior decoration: new rosettes and battens. CHANGE of space by using 3D stuccowork. CHANGE as an inspiration for bold design projects. CHANGE as a new door in contemporary interior design.

New image of artwork and stuccowork – genuine joy of CHANGES.

SZTUKAteria ZMIAN /Stuccowork of CHANGES


www.moomoo.pl

MOOMOO Architects (Jakub Majewski, Łukasz Pastuszka)

% (2011)


www.jurczykdesign.com

Wystawa prezentuje dorobek 13 lat pracy studia Jurczyk Design, które działa od 1998 r. Narodziło się z zamiłowania do harmonii, estetyki i... papieru. Ich najmocniejszą stroną i tym, co ich wyróżnia, jest stosowanie niekonwencjonalnych i śmiałych rozwiązań w zakresie druku i uszlachetniania papieru. Specja-lizują się w budowaniu wizerunku firm i marek, począwszy od projektów znaków firmowych i towarowych, poprzez opraco-wywanie akcji marketingowych, a skończywszy na realizacji tych pomysłów. Dążąc do tego, aby być agencją full service, zajmują się przygotowywaniem prezentacji multimedialnych i stron internetowych. Mają także na swoim koncie cykl szkoleń i warsztatów przygotowanych na zamówienie klienta.

The exhibition presents the output of 13 years of work by the Jurczyk Design studio. Jurczyk Design has been operating since 1998. The studio was born out of passion for harmony, aesthetics and... paper. Their strongest and most distinguishing point is application of unconventional and bold solutions in printing and paper refining. They specialize in creation of corporate and brand image, starting with trademark design, planning marketing campaigns, and ending with putting these ideas into practice. As they want to be a full-service agency for their clients, they also prepare multimedia presentations and websites. They have also organised a series of training courses and workshops for their customer.

Jurczyk Design projektuje /Designed by Jurczyk Design (2011)


Od 22 lat Akademia Sztuk Pięknych im. Wł. Strzemińskiego w Łodzi jest organizatorem konkursu pod nazwą „Konkurs im. Wł. Strzemińskiego”. Konkurs jest prezentacją prac studentów powstających we wszystkich pracowniach projektowych uczel-ni: Wydziału Tkaniny i Ubioru, Wydziału Grafiki i Malarstwa oraz Wydziału Wzornictwa i Architektury Wnętrz.

Wystawa konkursowa umożliwia młodym projektantom zapre-zentowanie swoich pomysłów i skonfrontowanie ich z realiami rynku. Przedstawia projekty z takich dziedzin, jak ubiór i tkanina, obuwie, biżuteria, projektowanie graficzne i wzornictwo prze-mysłowe.

For 22 years, the Władysław Strzemiński Academy of Art in Łódź has been the organiser of a competition known as ‘Strze-miński Competition’. The competition presents students’ works created in all design studios of the academy: Faculty of Textile and Fashion, Faculty of Graphics and Painting and Faculty of Industrial Design and Interior Design.

Young designers present their ideas and works on an exhibition, where they can confront them with the reality of the market. We can see designs relating to such areas as fashion and textiles, shoes, jewellery, graphic design and industrial design.

Kurator / Curator: mgr Przemysław Hajek

XXII Konkurs im. Władysława Strzemińskiego – Projekt 2011 / 22nd Strzemiński Competition – Design 2011


Pracownicy Katedry Malarstwa i Rysunku Wydziału Sztuk Wizualnych Akademii Sztuk Pięknych im. Władysława Strzemińskiego w Łodzi / Employees of the Department of Painting and Drawing, Faculty of Visual Arts at the Strzemiń-ski Academy of Art in Łódź:

prof. Jolanta Wagner, dr hab. Włodzimierz Stelmaszczyk prof. ASP, dr hab. Aleksandra Gieraga prof. ASP, dr hab. Andrzej Michalik, ad. Tadeusz Wodziński, ad. Przemysław Wachowski, ad. Rafał Sobiczewski, mgr Maciej H. Zdanowicz, mgr Maciej Bohdanowicz, mgr Krzysztof Ostrowski

Jakie znaczenie ma obraz? Czy ciągle jest wartością samą w sobie? Stawiamy pytanie o granice obrazu, czy rzeczywiście one istnieją? Czy można określić granice znaczeniowe? Jakie obszary anektuje obraz? Czy pojawi się pytanie: obraz kogo? Czego? Czy pojawi się pytanie o symboliczne białe płótno? Czy, wraz z podjętą próbą redefinicji pojęcia obraz, powróci właści-we obrazowi miejsce? Jakie ono będzie?

What kind of meaning does an image have? Does it still con-stitute a value in itself? We ask about the limits of an image, do they really exist? Can we define the borderline of meaning? Which areas does an image annex? Will the question be asked: the image of whom? Of what? Will the question about the symbolic white canvas be asked? Will the attempt to redefine the concept of an image manage to return the image its place? What will it be?

Kuratorzy / Curators: Aleksandra Gieraga, Maciej H. Zdanowicz

Obraz / Image (2011)


Mateusz Stankiewicz, Aldona Karczmarczyk, Artur Wesołowski, Robert Ceranowicz

Wielka moda w obiektywie najlepszych polskich fotografów, spektakularne plenery i światowej sławy modelki. Rozmach i dynamiczne kadry mody miejskiej kontra nostalgiczne i malar-skie zdjęcia w plenerze. Graficzne i nowoczesne fotografie stu-dyjne. Do współpracy przy takich sesjach zawsze zapraszamy nie tyko fotografów, ale też makijażystów i fryzjerów z najlep-szych polskich agencji. Te publikacje to wizytówka ELLE. Great fashion in the lens of the best Polish photographers, spectacular shooting locations and world-famous models. Dynamics and verve of urban fashion frames, as well as modern studio photographs. We always invite photographers, make-up artists and hair stylists from the best Polish agencies to such sessions. These images are ELLE’s showpiece.

Fashion Flash. Moda w obiektywie Elle /Fashion Flash. Fashion in Elle Lens (2011)

Zdjęcie / Photo: Aldona Karczmarczyk (Van Dorsen Talents)Modelka / Model: Zuzanna Bijoch (D'vision)


Wystawa kolekcji meblowych Cassina autorstwa Le Corbusier, Charlotte Perriand oraz Pierre Jeanneret koncentruje się na koncepcji autentyczności, interpretowanej na różne odmienne sposoby, używając przy tym zwięzłego języka typowego dla SMS-ów.

Moduły ekspozycyjne, wykonane z ekologicznych paneli tektu-rowych, poświęcone są wybranym zagadnieniom, związanym z prezentowanymi kolekcjami – kolorom, standardom, prawom autorskim, koncepcji skali modulor, harmonii przestrzeni itp.Wystawa prezentuje zatem zmiany w kolekcji Le Corbusier, jakie dokonały się w ostatnich latach, zarówno w kwestii stosowanej kolorystyki (bogate możliwości łączenia kolorów) i materiałów (np. wypełnienie z pierza, miękkie skórzane obicia), jak i w aspek-cie prawnym (Cassina to obecnie jedyny licencjonowany produ-cent mebli Le Corbusier na świecie).

The exhibition dedicated to the Le Corbusier, Charlotte Perriand and Pierre Jeanneret collections signed by Cassina employs a concise language of short messages and centres on the concept of authenticity, which is interpreted in various different ways.

The display modules, made of recycled cardboard panels, focus closely on the chosen themes – e.g. colour, standards, copyright, Modulor, harmony of space. The exhibition is thus a presentation of the updates made to Le Corbusier Collection over the last years, both in terms of the colours (numerous colour combina-tions) and materials used (e.g. feather filling, soft leather coverings) and legal issues (Cassina as the only licensed producer of Le Corbusier furniture in the world).

Prawdziwy kolor / Authentic Colour


Cock’nbullstory, Grupa CUKIER, Szymon Hanczar, JOTE, Mi-chał Kacperczyk, Bartosz Kosowski, Libido Architects, Jacek Olszewski, Pink Pug Design, Maria Rybicka, Take Me, Tamizo Architects Group, Artur Tenczyński, Maja Urbańska Allure

Z okazji pierwszej rocznicy PechaKucha Night Łódź powstała wystawa, na której na żywo można zobaczyć wybrane prace prezentowane podczas pierwszych pięciu edycji „peczakczy”. To niepowtarzalna okazja, aby przyjrzeć się projektom związa-nym z architekturą, designem, modą, grafiką, fotografią oraz ilustracją.

Wydarzenie zakończy kolejna odsłona PechaKucha Night Łódź – 29 października.

On the occasion of the first anniversary of PechaKucha Night Łódź, we would like to invite you to the exhibition where you can see selected works presented during the first five editions of Pecha Kucha. It is a unique opportunity to watch the projects related to architecture, design, fashion, graphics, photography and illustrating.

The event will close with another edition of PechaKucha Night Łódź on 29 October.

Kurator / Curator: Grupa CUKIER

PechaKucha Night Łódź – Review (2011)

Cock’nbullstory


www.filatelistyka.poczta-polska.pl

Magdalena Błażków, Jacek Brodowski, Marzanna Dąbrowska, Jacek Dąbrowski, Joanna Fleszar, Przemysław Krajewski, Paweł Myszka, Anna Niemierko, Jarosław Ochendzan, Agnieszka Sancewicz, Agnieszka Sobczyńska, Janusz Wysocki

Znaczek pocztowy – produkt filatelistyczny, walor płatniczy i obiekt kolekcjonerstwa – powszechnie dostępny, dociera do najdalszych zakątków świata. To również małe dzieło sztuki polskiego designu. Mimo niewielkiego formatu zaskakuje siłą wyrazu porównywaną z plakatem. Ten uniwersalny język arty-styczny polskich znaczków zyskał światową renomę. „Polskie znaczki pocztowe” to wystawa projektów polskich walorów filatelistycznych i materiałów promocyjnych wydanych przez Pocztę Polską S.A., które w ciągu ostatnich kilku lat zdobyły nagrody i wyróżnienia w konkursach krajowych i zagranicznych.

A stamp – a philatelic product, store of value, and collectors’ object – is widely available and reaches the furthest corners of the world. It is also a little piece of Polish design art. What is startling is that in spite of the small size the expression is comparable to a poster. This universal artistic language of Polish stamps has become world-famous. “Polish Stamp Design” is an exhibition of Polish stamps and promotional materials provided by Poczta Polska S.A., which in the last few years have won awards and honours in Polish and international contests.

Kurator / Curator: Agnieszka Trząskowska

Polskie znaczki pocztowe /Polish Stamp Design / Poczta Polska S.A. (2011)


Albino Celato, Enrico Benettawww.diehldesign.pl

„Moja przestrzeń” to wystawa prezentująca harmonię prze-strzeni i elementów małej architektury, które nas otaczają, z wykorzystaniem projektów Albino Celato dla firmy De Castelli. Ukazuje, w jaki sposób elementy te mogą pozostawać w symbiozie z naturą – niektóre naśladują ją w formie, inne w strukturze powierzchni. Wzornictwo to perfekcyjnie współgra z prezentowanymi na wystawie meblami i innymi elementami wyposażenia wnętrz, reprezentującymi najbardziej ekskluzywny design światowy: Antonio Citterio, Paola Navone, Karim Rashid, Jamie Hayon, Patricia Uruquiola, Roberto Lazzeroni, Jasper Startup, Zaha Hadid, projektujący dla firm wyznaczających trendy współczesnego designu.

“My Space” is an exhibition that presents the harmony of space and elements of street furniture that surround us, with the use of the Albino Celato’s projects for De Castelli company. It shows how the elements can live in symbiosis with nature – some of them imitate its forms, while others imitate the structure of a surface. Such design stays in perfect harmony with the furniture and other elements of interior furnishing presented at the exhibition, representing the world’s most prestigious projects by Antonio Citterio, Paola Navona, Karim Rashid, Jamie Hayon, Patricia Uruquiola, Roberto Lazzeroni, Jasper Startup, Zaha Hadid, who work for companies which set trends for contemporary design.

Moja przestrzeń /My Space (2011) 03


03


Program Otwarty /Open Programme

W tym roku po raz pierwszy ogłosiliśmy otwarty nabór do pro-gramu wystaw towarzyszących, będący odzewem na rosnące zainteresowanie festiwalem wśród projektantów. Spośród 70 nadesłanych zgłoszeń, w kategorii Open Programme obejrzeć można 10 wystaw.

This year, for the first time, we have announced an open call for the accompanying exhibitions programme, as a response to the growing interest of designers in the festival. In the Open Programme, we can see 10 exhibitions selected out of 70 entries.


Gunnar Green, Santiago Ortega Haboud, Vilma Jaruseviciute, Marek Kultys, Gerard Rallo, Dominic Wilcox, Ludwig Zeller, Sitraka Rakotoniaina, Studio Duho (Hina Thibaud & Olivia Decaris), Revital Cohen, James Auger & Jimmy Loizeau, Alexandra Daisy Ginsberg

Łac. fictio, f. – tworzenie, kształtowanie, wymyślanie Łac. factio, f. – czyn, działanie

Przez ostatnie sto lat ciało ludzkie zmieniło się, jak nigdy wcze-śniej. Badania pokazują, że jesteśmy wyżsi, ważymy więcej, nasze ciała mają inną budowę. W ten sposób ludzki organizm przystosował się do szeregu zmian, jakie wydarzyły się w ciągu ostatniego stulecia. To, z czym biologia jeszcze nie zdążyła się uporać, stało się nowym polem zainteresowań projektantów. Przenośne mini-urządzenia, tymczasowe protezy i aktywne implanty są ich odpowiedzią na postęp technologiczny. Są to także przykłady na to, jak bardzo zmienił się zakres dizajnu. Do szerokiego spektrum projektowania 2- i 3d dołączyło tworze-nie alternatywnych scenariuszy i spekulatywnych rozwiązań wybiegających daleko w przyszłość. Dizajn pełni także rolę krytycznego komentarza na temat współczesności: naszego stylu życia, ambicji i pragnień. Jednocześnie mąci nasz komfort bycia użytkownikiem, sprawiając, że z niepokojem zaczynamy się zastanawiać, czy jest to projektowa fikcja, czy kolejny krok w ewolucji technologicznej.

Partnerem projektu jest British Council.

Lat. fictio, f. – creation, shaping, inventing Lat. factio, f. – action

For the last hundred years, human body has changed like never before. Research shows that we are taller, we weigh more, our bodies have different build. This way, human organism has adjusted to a variety of changes which we have been exposed to during the last century. Where biology still has to work on something, designers get involved. Mobile mini-devices, tempo-rary prostheses and active implants are their response to the technological progress. These are also examples showing how much design itself has changed. A wide spectrum of 2D and 3D planning has been joined by creation of alternative scenarios and speculative solutions which run far into the future. Design is also a critical commentary on contemporariness – our lifestyle, ambitions and desires. At the same time, it disturbs our comfort of being a user, making us wonder if what we witness is design fiction or another step in the technological evolution.

Partner of the project – British Council.

Kurator / Curator: Kasia Jeżowska

Design Faction (2011)

Ludwig Zeller, Introspectre


Piotr Antonów, Mariusz Bykowski, Marcin Czechowicz, Hanna Długosz, Cezary Hładki, Yassen Hristov, Olek Iwaszkiewicz, Kalbar, Jacek Kucharczyk, Rafał Lipski, Jerzy Malinowski, Michał Mrowiec, Sara Niedźwiedzka, Adam Oleksiak, Anna Orłowska & Mateusz Lipiński, Magda Pacana, Jakub Pajewski, Michał Przeździk, Joanna Siedlar, Michał Skorupski, Juliusz Sokołowski, Aneta Tryczyńska, Radek Wojnar, Leo Zappert, Krzysztof Zasuwik

Wystawa zdjęć 25 najlepszych polskich fotografek i fotografów współpracujących z magazynami wnętrzarskimi oraz archi-tektonicznymi, która obejmuje pół tysiąca fotografii artystów z różnym stażem, zajmujących się rozmaitymi tematami z za-kresu fotografii wnętrz. Zestaw ten przekrojowo przedstawia tę dziedzinę fotografii, skupiając się głównie na najnowszych realizacjach. Dzięki wystawie dowiadujemy się, jak wyglądają polskie wnętrza oraz jaki jest artystyczny poziom ich rejestracji.

The exhibition of 25 best Polish photographers cooperating with interior design and architecture magazines, consisting of five hundred photos by artists of various professional experience, dealing with different themes related to interior photography. The collection provides a review of this field of photography, focusing mainly on the newest projects. The exhibition shows us what Polish interiors look like and what is the artistic level of their portrayal.

Współczesna Polska Fotografia Wnętrz / Contemporary Polish Interior Photography (2011)

Zdjęcie / Photo: Cezary Hładki


KamilosKuztomKreationz i A dizajn pod szyldem Kanciapa Kuztom Kreationz / KamilosKuztomKreationz and A dizajn as Kanciapa Kuztom Kreationz

Adrian Łucejko, Kamil Stysiak

metaloplastyka / metalwork

Ergonomiczne rowery o niepowtarzalnym wyglądzie i formie, projektowane pod indywidualne upodobania. Team Kanciapa Kuztom Kreationz tworzy je kompleksowo, począwszy od szkiców koncepcyjnych, a skończywszy na samodzielnym wykonaniu każdego modelu. Projektanci inspirują się zarówno designem motocykli, samochodów czy owadów, jak i realizują własne futurystyczne wyobrażenia, a poszukiwania najciekaw-szej formy trwają czasem parę miesięcy. Celem jest stworzenie roweru o niebanalnej formie, zapewniającego jednocześnie maksymalny komfort i przyjemność jazdy.

Ergonomic custom-designed bicycles of exceptional look and form. The members of the Kanciapa Kuztom Kreationz team create them comprehensively, starting from conceptual sketches and finishing with hand construction of each model. The designers are inspired by motorcycles, cars or insects, but they also realise their own futuristic ideas, and the search for the most interesting form sometimes lasts a few months. The aim is to create a distinctive bicycle which is also very comfortable and pleasurable to ride.

Kastom bajks / Custom bikes (2011)


W Katedrze Biżuterii Akademii Sztuk Pięknych im. Wł. Strzemiń-skiego w Łodzi kształcą się przyszli projektanci biżuterii i form złotniczych. Projektują i wykonują przedmioty z różnych mate-riałów oraz w różnych technologiach. Zmieniająca się rzeczywi-stość modyfikuje nasz odbiór, naszą wrażliwość, nasze potrzeby. Tworząc biżuterię i przedmioty użytkowe, trzeba szukać dla nich nowych form, nowych zestawień materiałowych, aby powstałe prace nie wyglądały, jak wyjęte z babcinej szuflady, aby komu-nikowały się z odbiorcą współczesnym językiem. Na wystawie prezentowane są prace dyplomantów katedry. Różnorodność najlepiej świadczy o rozwijaniu indywidualnych postaw artystycz-nych ich autorów.

The Jewellery Studio at the Strzemiński Academy of Art trains future designers of jewellery and goldsmiths. They design and produce items made of various materials and with the use of various technologies. The changing reality influences our perception, sensitivity, and needs. When creating jewellery and other items, we need to search for new forms and new material combinations so that our works do not look as if taken out from grandma’s drawer. They need to communicate with the audience using a contemporary language. The exhibition presents works by graduates from the studio. The diversity of these objects is the best proof of development of individual artistic personalities of their authors.

Kuratorzy / Curators: Sergiusz Kuchczyński, Michalina Owczarek

Wystawa Katedry Biżuterii Akademii Sztuk Pięknych im. Władysława Strzemińskiego w Łodzi / Exhibition by the Jewellery Studio at the Strzemiński Academy of Art in Łódź (2011)

Marcin Nowak, Bransoleta


Agnieszka Lasotawww.agnieszka-lasota.pl

Video-instalacja oprowadza widza po nieistniejącej wystawie designu, w której bohaterami filmów są obiekty, lecz wydźwięk całości jest antymaterialny.

„Pustka to stan niechciany, niewart kontemplacji. W dobie przymusu nieustannej produkcji rzeczy tym bardziej brakuje miejsca dla Pustki. Projekt Agnieszki Lasoty generuje ją. Artyst-ka, zamiast proponować przedmioty, niweluje je. Daje widzowi namiastkę obiektów w postaci obrazów video i uwalnia go od przymusu konsumpcji, zapraszając do niełatwego celebrowania efemerycznego stanu Braku.” Marika Kuźmicz.

This video-installation shows the audience around a non--existent design exhibition. The main characters of videos are objects, but the general message remains anti-material.

“Emptiness is an unwanted state, not worth contemplation. In the times of the omnipresent pressure to produce things, the lack of space for Emptiness becomes even more evident. The project by Agnieszka Lasota generates it. Instead of creating items, the artist removes them. She gives the audience a taste of objects in the form of video images and frees them from the pressure of consumption, inviting to difficult celebration of the ephemeral state of Absence.” Marika Kuźmicz.

... A ten pokój będzie pusty /

... And this room will be empty (2011)


Anna Gawłowskawww.pracownia-szklana.com

Wystawa ma kształt małego ogrodu warzywnego. Sadzenie warzyw, prowadzenie ogrodu, w tym przypadku szklanego warzywnika, ma charakter symboliczny, niemalże mistyczny. Ma symbolizować powrót człowieka do natury, uświadomić prostotę, a zarazem kruchość i wagę, naszego istnienia na ziemi. „Szklany Warzywniak” to manifest naturalności dla odważnych i zdecydowanych kobiet, które swoim wyglądem, sposobem bycia oraz zachowaniem reprezentują same siebie naturalnie i szczerze. Wiedzą, jaki mają wpływ na rzeczywistość, otoczenie, więc świadomie wybierają swoje życiowe cele. Zawsze w zgodzie ze swoją naturą, otoczeniem i rzeczywisto-ścią. Najwyższą wartością jest dążenie do spełnienia i szczęścia w naturalny, bliski przyrodzie sposób, w ogólnym poszanowaniu wartości obu stron.

The exhibition has the form of a small vegetable garden. Planting vegetables, cultivating a garden – in this case a glass vegetable one – has a symbolic, even mystical character. It is meant to symbolise human’s return to the nature, and show the simplicity, but also fragility and importance, of our existence on the Earth. “Glass Vegetable Garden” is a manifesto of naturalness for brave and determined women who by their appearance, way of living and behaviour represent themselves in a natural and sincere way. They know how they influence the reality, and their surroundings, so they knowingly choose their life goals. They always live in harmony with nature, surroundings and reality. The highest value is to find fulfilment and happiness in a natural way that is close to nature, respectful for the values of both sides.

Szklany Warzywniak /Glass Vegetable Garden (2008)


kinoportal.pl Chrum.Company (Ewa Cieniak-Nowakowska, Bartosz Nowakowski)

Wystawa fotograficzna „Tu było kino” pokazuje zmiany zacho-dzące w wyglądzie i stanie tradycyjnych budynków kinowych. Zmiany te spowodowane są tzw. „ucieczką z kina do multiplek-su, komputera, telewizora”. Pozostawione samym sobie kina nie wytrzymują konkurencji i popadają w ruinę. Czasami ktoś do-strzeże w nich potencjał do wykorzystania, jeśli jednak nie może ono spełniać choćby funkcji komisu czy sklepu spożywczego, zostaje zburzone i na jego miejsce stawiane są apartamentow-ce. Jest to smutny los wielu obiektów przez nas udokumento-wanych. Mamy świadomość, że w pewnym sensie nasze zdjęcia pozostaną ostatnim świadectwem istnienia tych kin.

The photography exhibition titled “There used to be a cinema here” shows changes in the appearance and condition of traditional cinema buildings. The changes are caused by the ‘escape from the cinema to a multiplex, computer, TV’. Left on their own, cinemas are not able to bear competition and fall into ruin. Sometimes, somebody finds potential in them that can be used, but if a cinema building cannot even function as a second-hand shop or a grocery store, it gets destroyed and replaced with new apartment blocks. It is a sad lot of many buildings that we have photographed. We are aware that, in a way, our pictures will be the last testimony to the existence of these cinemas.

Tu było kino / There used to be a cinema here (2008)


www.femina.art.pl Golińska/Biernacki (Gosia Golińska, Remigiusz Biernacki)

Zmiana to konieczny, zasadniczy element życia człowieka i jego przestrzeni. Tematem tego projektu jest śledzenie, odkrywanie i wizualizowanie zjawisk niezmienności i zmienności. Bohater-kami zdjęć są postaci młodych, zaprzyjaźnionych kobiet. Po obudowaniu ich torsów rekwizytami, następuje zmiana najbliż-szej przestrzeni bohaterek – na granicy ich skóry zmienia się sposób komunikowania z otoczeniem. Każdej z nich towarzyszą inne atrybuty, inna charakterystyka oświetlenia, odrębne prze-strzenie czasowe. Obok fotografii pojawiają się instalacje Gosi Golińskiej wykonane z rekwizytów zastosowanych w procesie fotografowania, powstałych z używanych swetrów, szali, narzut, spódnic, sukien, tkanin i jeansu.

Change is an essential, fundamental element in our life and environment. This project focuses on watching, finding and visualising the phenomena of un-changeability and changeability. The photographs present young female friends. After props are attached around their bodies, the nearest surrounding of the wo-men changes – the way of communicating with the environment on the boundary of their skin is not the same any more. Each of them is provided with different props, different lighting, different time spaces. The photographs are accompanied by Gosia Goliń-ska’s installations which are constructed of the props used in the process of photographing, made of worn jumpers, scarves, bed covers, skirts, dresses, textiles and denim.

Ludzka przestrzeń / Zmiana /Human Space / Change (2011)


SPRAWCY (Jan Kochański, Agnieszka Mazur, Kamila Niedźwiedzka, Przemek Ostaszewski, Maciek Sobczak, Nikodem Szpunar, Łukasz Wysoczyński, Małgorzata Żółkiewska)

„Na zmianę” to eksperyment projektowy z udziałem mło-dych polskich designerów. Każdy z członków grupy stworzy jeden obiekt i włączy go w cykl ingerencji przez pozostałych „sprawców”. Tytułowe hasło „na zmianę” opisuje metodę pracy, w której efekcie powstanie kolekcja funkcjonalnych obiektów, będących jednocześnie zapisem cech wszystkich projektantów, którzy podjęli się ingerencji. Jednocześnie tytuł projektu dotyka istoty „zmiany” – tegorocznego tematu festiwalu. Kluczowym aspektem całości jest proces projektowania i kolejne etapy rozwoju, które zostaną udokumentowane i zaprezentowane w postaci filmu podczas trwania wystawy. “In turns” is a design experiment involving young Polish designers. Each group member will create one object and incorporate it into a series of interventions introduced by others. The title motif, ‘in turns’, refers to the method of work which will result in a collection of functional objects, a recording of features of all the designers who decided to intervene. At the same time, the title of the project touches upon the nature of ‘turn’ as a ‘change’ – the main motif of the festival this year. The key aspect of the whole is the design process and subsequent stages of development which will be documented and presented in the form of a video during the exhibition.

Na zmianę / In turns (2011)


Młody Polski Design – wybrane obiekty /Young Polish Design – Selected Objects

„Młody Polski Design – wybrane obiekty” to wystawa, która powstała spontanicznie. Jest odpowiedzią na liczne zgłoszenia zawierające tylko jeden lub kilka ciekawych obiektów, przez co nie mogłyby one stworzyć samodzielnie odrębnej wystawy. Nie taki był cel ogłoszenia Otwartego Programu, w założeniu adresowanego do kuratorów, chcących zaprezentować swoje koncepty lub projektantów, pragnących pokazać skończone cykle prac, instalacje lub inną formę prezentacji tworzącą indy-widualną wystawę. Pojedynczy obiekt, lampa lub mebel takiej możliwości nie dają. Projekty, o jakie nam chodziło, otrzymali-śmy także, i one właśnie stworzyły program wystaw towarzy-szących festiwalowi.

Na wystawę „Młody Polski Design – wybrane obiekty” składają się natomiast obiekty, które powstały w ostatnim roku, a które nie zostały ujęte w żadnej z wystaw kuratorskich. Wysta-wa prezentuje stan młodego polskiego projektowania, pokazuje co nowego. I, co ciekawe: choć tematem przewodnim Progra-mu Otwartego był główny temat festiwalowy Change!, można zaryzykować twierdzenie, że wśród młodych designerów ten-dencja jest niezmienna: flirt z rzemiosłem, powrót do rękodziel-niczych korzeni, prace powtarzalne, ale jednak unikatowe. To cieszy – tak myślący projektanci mogą stawić czoła wyzwaniom przemysłowym, o ile ktoś zechce je przed nimi postawić.

Kurator: Agnieszka Jacobson-Cielecka

The idea of “Young Polish Design – Selected Objects” was born spontaneously in response to numerous entries which contained only one or few interesting items, which meant they would not constitute a separate exhibition. This was not the purpose of the Open Programme, which was addressed to curators who wanted to present their ideas, or designers who wished to show their completed series of works, installations, or other forms that could make an individual exhibition. A single object, a lamp or a furniture piece does not provide such an opportunity. We did receive such projects as we wanted, and they are included in the festival’s programme of accompanying exhibitions.

“Young Polish Design – Selected Objects”, on the other hand, consists of objects created during the last year which haven’t been used in any of the curatorial exhibitions. The exhibition presents the condition of young Polish design and its new aspects. Interestingly, although the subject of the Open Pro-gramme was the main theme of the festival, namely “Change!”, we can actually say that young designers do not change: they flirt with crafts, return to handiwork roots, their works are repetitive, but unique at the same time. It is a good sign, as it means that such designers are able to face the industrial challenges, if anyone wishes to present them with such a task.

Curator: Agnieszka Jacobson-Cielecka


1 / Knockoutdesign / Marta Florkowska-Dwojak, Magda Juszczak, Maya Ober, Dorota Kabala www.knockoutdesign.eu Awateef (2011)

2 / Lessdesign www.lessdesign.pl Tubo Motus (2010) Babeczki / Buns (2011) La Urna (2011)

3 / Szymon Hanczar Symbol (2010)

4 / Karolina Gwóźdź Isolation Loop (2011)

1 /

2 /

3 /

4 /


5 / Maciej Baszko Trybek www.bashko-trybek.com Fotel / Armchair (2010)

6 / Paulina Lis Łazienkowiec / Bathroom Thing (2011)

7 / Tomasz Tomaszewski Tańczące taborety / Dancing stools (2009)

8 / Zuzanna Jura Toolset (2010)

5 /

6 /

8 /

7 /


9 / Aleksander Pawlik Foton / Photon (2011)

10 / BOSO studio www.bosostudio.pl Plotkarka / Braider (2011)

11 / Fawory www.fawory.com Małgorzata Piotrowska, Monika Niezabitowska, Zofia Hejduk Druciaki / Wire Chairs (2011)

9 /

10 /

11 /


12 / Marzena Rusiłowicz www.cargocollective.com/marzenarusilowicz Luzak / Idler (2011)

13 / Arek Wolski www.arekwolski.com Bóg Honor Ojczyzna / God Honour Motherland (2011)

14 / Dominika Laskowska www.projektowanie.kei.pl Półka / Shelf (2007)

12 /

13 /

14 /


Ceramika Paradyż to wiodący polski producent płytek ce-ramicznych. Od ponad 21 lat tworzy produkty, które zyskują uznanie klientów w 37 krajach na całym świecie. Ofertę firmy wyróżnia nowatorski design, dbałość o dopracowanie detali oraz szeroka gama kompletnych kolekcji ścienno-podłogowych i elementów zdobniczych w wielu formatach. Uznanie klientów potwierdzone dynamicznie rosnącymi wynikami sprzedaży oraz licznymi nagrodami przyznanymi w prestiżowych konkursach, m.in. „Laur Konsumenta”, „Jakość Roku” „Perły Ceramiki UE” czy „Łazienka – Wybór Roku”, dowodzi, że Grupę Paradyż można dziś uważać za przewodnika po światowym designie na rodzimym rynku materiałów budowlanych i wyposażenia wnętrz.

Ceramika Paradyż, jako firma nowoczesna i otwarta na nowe trendy, jak co roku uczestniczy w łódzkim przeglądzie najnow-szych nurtów światowego projektowania. Niezwykła wrażliwość na sztukę oraz powiązanie ze środowiskiem artystycznym to powody, dla których Grupa Paradyż zdecydowała się objąć Mecenat nad V Międzynarodowym Festiwalem Łódź Design.

Już od 4 lat, czyli od początku istnienia festiwalu, firma wspiera jego organizatorów i co rok zaskakuje nowymi pomysłami. W 2010 r. zaprezentowała nowatorskie rozwiązanie – Multimedialne Studio Projektowe 3D.

Ceramika Paradyż is the leading Polish manufacturer of tiles. For over 21 years, it has been creating products which win recognition of customers from 37 countries. The company’s range is distinguished by innovative design, carefully refined details and a wide variety of complete wall and floor collections and decorative elements of various sizes. Clients’ recognition has been confirmed by dynamically increasing sales results and many prizes awarded in prestigious contests: “Laur Konsumen-ta” (Consumer’s Laurel), “Jakość Roku” (Quality of the Year), “EU Pearls of Ceramics” or “Łazienka – Wybór Roku” (Bathro-om – Choice of the Year), which prove that Paradyż Group can be considered as a leader of international-quality design on the Polish market of construction materials and interior decoration.

Ceramika Paradyż is a modern company that is open for new trends. Like every year, it takes part in the Łódź review of the newest directions of international design. Unique artistic sensi-tivity and cooperation with the artistic milieu are the reasons for which Paradyż Group has decided to become the Main Patron of the 5th International Design Festival in Łódź.

For 4 years, since the very beginning of the Festival, the com-pany has been supporting the organizers and surprising the audience with new ideas. In 2010, it has presented an innovative solution – 3D Multimedia Design Studio.

CeramikaParadyż

/ 161 Ceramika Paradyż

Zdjęcia / Photos: Joanna Świderska, Łódź Design 2010


Łódź Design Festival 2010

/ 163 Łódź Design Festival 2009 Relacja /Łódź Design Festival 2009 Photo Coverage

Zdjęcia / Photos: Joanna Świderska, Łódź Design 2010


Czesława Frejlich, Gian Luca Amadei, Łukasz Kardas, Sylwia Lasota, Jacek Kłak, Irmina Kubiak , Katarzyna Dubik, Stowarzyszenie Teatralne Chorea, Bartłomiej Wojdak, Izabella Korczak, Paweł Brzeziński, Andrzej Jaskólski, Joanna i Marek Więckowscy, Przedszkole Niepubliczne „Koliberek”, Agnieszka Trząskowska, Remigiusz Kuczuba, Andrzej Wojciechowski, Aleksandra Brzuchała, Małgorzata Bąblewska, Monika Sikora, Dorota Kaźmierczak, Adriana Nowicka, Paulina Roswag, Adrian Burzyk, Salvattore Figliuzzi, Iwona Łuczak-Szymańska, Aleksandra Krawsz, Anna Gołębicka, Ludmiła Mielczarek, Anna Rejniak, Renata Bobrowska, Marzena Jach, Kacper Chudzikiewicz, Dominika i Krzysztof Wilżak, Wojciech Kustosz, Justyna Drogowska , Paweł Fedorowicz, Małgorzata Jezierska, Dagmara Kapitułka-Wojdak, Joanna Łozińska, Radosław Altheim, Anna Grabarek, Anna Zabdyrska, Magdalena Węglewska, Marian Andrzej Kareński-Tschurl, Agata Sadza, Robert Stańczyk, Wiesława Pabjańczyk, Rafał Szymański, Tomasz Przytarski, Maciej Zarembski, Maciej Lebiedowicz, Justyna Burzyńska, Paweł Kuzański, Księgarnia Artystyczna BookOff, Stanisław Zaręba, Beata Milewska, Weronika Ruszec-ka, Anna Tomaszewska, Paweł Grobelny, Piotr Wróblewski, Ewa Solarz, Wojtek Gajewski, Jan Sukiennik, Marta Morawska, Józef Mrozek, Krystyna Łuczak-Surówka, Ksenia Kaniewska, Ewa Banaś, Ewa Ayton, Katarzyna, Piotr Robak, Bartosz Robak, Jan Krajewski, Marzena Jach, Tomasz Ćwikliński, Paweł Brzeziński, Dorota Stępniak, Justyna Makowska.

Specjalne podziękowania dla naszych wolontariuszy i wszystkich tych, którzy nas wspierają! / Special thanks to our volunteers and all the people who support us!

Podziękowania / Special Thanks

/ 165

Zdjęcia:str. 20 Budynek z makulatury PHZ2, dzięki uprzejmości Dratz&Dratz Architektenstr. 28 Osiedle komunalne Quinta Monroy, zdjęcie: Tadeuz Jalocha, dzięki uprzejmości Elementalstr. 35 Max Lipsey, Wieszaki-gałęzie (2008)str. 60-61 Nika Zupanc, Black Cherry lamps (2010)str. 78-79 Katarzyna Staryk, Lampy (2010/2011)str. 104 Thibaut Godard, Porcelain (2010-2011)str. 112-113 www.atakdesign.pl, kolekcja Gandia Blasco Flatstr. 144-145 Gerard Rallo, Urządzenia do bezmyślnej komunikacjistr. 165 Domek Vardehaugen, projekt Fantastic Norway, zdjęcie: Håkon Matre Aasarød, dzięki uprzejmości Fantastic Norway

Photos:p. 20 Recycled Paper Building PHZ2, courtesy of Dratz&Dratz Architektenp. 28 Quinta Monroy social housing, photo: Tadeuz Jalocha, courtesy of Elementalp. 35 Max Lipsey, Branch Hooks (2008)p. 60-61 Nika Zupanc, Black Cherry lamps (2010)p. 78-79 Katarzyna Staryk, Lamps (2010/2011)p. 104 Thibaut Godard, Porcelain (2010-2011)p. 112-113 www.atakdesign.pl, Gandia Blasco Flat collectionp. 144-145 Gerard Rallo, Devices for Mindless Communicationp. 165 Cabin Vardehaugen, Fantastic Norway project, photo: Håkon Matre Aasarød, courtesy of Fantastic Norway


Organizator / Organizer

Łódź Art CenterTymienieckiego 3, 90-365 Łódźtel./fax: +48 42 684 20 [email protected], [email protected]

Krzysztof Candrowicz – Dyrektor / DirectorMichał Piernikowski – Wicedyrektor / V-ce DirectorMałgorzata Żmijska – Dyrektor Programowy / Programme DirectorMaja Kudlińska – Dyrektor Wykonawczy / Executive DirectorAgnieszka Jacobson-Cielecka – Dyrektor Artystyczny / Artistic Director

Dział współpracy z partnerami oraz sponsorami / Cooperation with partners and sponsors

Emilia Kołowacik – Dyrektor ds. Rozwoju / Business Development DirectorOlga Łosiak – Koordynator ds. Współpracy z Partnerami / Coordinator of Cooperation with PartnersNatalia Wasilewska – Koordynator Wystaw Partnerskich / Coordinator of Partner Exhibitions

Dział promocji / Promotion

Aleksandra Kietla – Dyrektor Działu Promocji, Rzecznik Prasowy / Promotion Director, SpokespersonKasia Dobrzańska – Koordynator Produkcji Reklamowej / Advertising Production CoordinatorKasia „Frania” Frankowska – Koordynator Identyfikacji Przestrzeni, Gadżety Festiwalowe / Space Identification Coordinator, Festival GadgetsKasia Zawada – Koordynator Działań w Internecie / Internet Operations Coordinator

Dział koordynacji/ Coordination

Andrzej Sieczkowski – Koordynator Wystaw Programu Głównego / Main Programme Exhibitions CoordinatorMarta Piechocka – Koordynator Wystaw Towarzyszących, ReMade Market, wystawy pokonkursowej make me! / Coordinator of Accompanying Exhibitions, ReMade Market, make me! post-contest exhibition Agnieszka Żebrowska – Koordynator Przeglądu Szkół / School Review CoordinatorKatarzyna Gołaszewska – Koordynator Wystaw Towarzyszących / Coordinator of Accompanying Exhibitions Maria Ostrowska – Koordynator Przeglądu Portfolio, Wykładów, Strefy dla Dzieci / Coordinator of the Portfolio Review, Lectures, Design PlaygroundKasia Dobrzańska – Koordynator Tłumaczeń, Redakcja Tekstów / Coordinator of Translation, EditingWiktor Szkopek – Koordynator Transportów / Transports CoordinatorMagda Herbst – Koordynator Wolontariatu / Coordinator of Volunteer WorkTomasz Włodarczyk i Szczepan Dyszewski – Koordynatorzy Biura Festiwalowego / Festival Office CoordinatorsAgnieszka Gernand – Koordynator Gości / Guest Care CoordinatorWeronika Marczak – Koordynator Bankietu oraz Imprez / Banquet and Parties CoordinatorEmilia Szywała – Asystentka Dyrektora Programowego / Programme Director’s Assistant

Organizacja / Organization

/ 167

Dział techniczny / Technical department

Tomasz Krukowski – Kierownik Działu Technicznego / Technical Department ManagerMaciej Kobalczyk – Koordynator Centrum Festiwalowego / Festival Centre CoordinatorPiotr Wdówka – Koordynator Przeglądu Szkół / School Review CoordinatorKrzysztof Butryn, Wojciech „Budzik” Górniak, Marcin Tomes, Arkadiusz Rogoziński, Wojciech Kucharski, Krzysztof Sły-chań, Zbigniew Stasiak, Maciej Karolczak – Dział Techniczny / Technical Department

Księgowość / Accountant

Marta Redzynia, Anna Gacka

Współpraca / Cooperation

Magda Kubicka, Michał Chojnacki, Katarzyna Zdzieńkowska, Rafał Marciniak, Radosław Starczewski, Marta Szymańska

Współorganizator / Co-Organizer

Fabryka Sztuki w Łodzi / Art FactoryTymienieckiego 3, 90-365 Łódźtel./fax: +48 42 646 88 [email protected]

Maciej Trzebeński – Dyrektor Naczelny / Chief ExecutiveTomasz Rodowicz – Dyrektor Artystyczny / Artistic DirectorMaria-Magdalena Sobczyk – Rzecznik Prasowy / Spokesperson

Album

Kasia Dobrzańska – redakcja / editingPiotr Okrasa BDSN / Progressivo – projekt graficzny i skład / design & editorial / www.bsdn.plTranslateria – tłumaczenie, weryfikacja, korekta / translation, proofreading, editing / www.translateria.plDrukarnia Poligraf – druk / printing / www.poligraf.net.pl

© 2011 Łódź Art Center, Poland, All rights reserved

ISBN 978-83-61332-20-6

The only authorized authentic www.cassina.com www.lccollection.cassina.com

LC2 by Le Corbusier, Jeanneret, Perriand and Cassina.Design first.

ul. Rydygiera 8, bud. 6 01-793 Warszawa tel. +48 22 639 44 55 www.ideamm.pl