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London Symphony Orchestra
Steve Reich Sextet | Clapping Music Music for Pieces of Wood LSO Percussion Ensemble
Supported by
3
Introduction
What a great pleasure for me to be involved in LSO
Live’s first foray into recording the music of Steve
Reich. It seems entirely appropriate given our
involvement with Steve and his music during my
time at the LSO, stretching back to our recording of
Three Movements with Michael Tilson Thomas in
the 1990s. Since then there have been numerous
concerts where I’ve been fortunate enough to get to
play with Steve and play so much of his fantastic
music. I thank the wonderful musicians, Classic
Sound and the LSO Live team for creating a disc
that is a perfect birthday homage. Happy 80th Steve!
Neil Percy
Principal Percussion
Sextet (1985)
acknowledged work, It’s Gonna Rain, a 17-minute
composition for magnetic tape composed in 1965.
In this seminal work Reich discovered the techniques
that became the kernel for his entire body of work to
the present day, and some of the defining features
of the minimalist aesthetic – repetition, pulse, a
pre-occupation with speaking patterns, and variation
by a process known as ‘phasing’.
Phasing – one of the most distinctive features of
Reich’s compositional language – is conceptually
relatively simple to describe, but can create a vast
range of musical patterns from consonant rhythmic
unison, to intricate, complex counterpoint. In its
most basic form, phasing consists of two identical
looping patterns, one of which remains fixed whilst
the other gradually shifts out of unison, allowing a
single pattern to be heard superimposed against
itself in all possible permutations.
The technique is perceived by the listener as a
gradual process, transforming from a subtle echo
to a complex canonic effect. The process finishes
when the shifting pattern and the fixed pattern
sound in unison again after one complete cycle.
In It’s Gonna Rain, a fixed tape work, the phasing
process was achieved electronically through the
manipulation of two identical tape loops. It soon
became a pre-occupation of Reich’s to see if this
inherently mechanistic procedure could be achieved
in live performance by musicians. The technique was
first scored for live performance in Reich’s Piano
Phase (1967) and then further refined in the works
Phase Patterns (1970) and Clapping Music (1972).
Clapping Music was composed during a period
where Reich was systematically stripping his musical
language back to its bare essentials. In his own words,
the work was conceived with a desire to create
a piece of music ‘that would need no instrument
beyond the human body’ – to this end, it is performed
(as the title implies) entirely by clapping. The basic
material for the whole work is a single rhythmic
cell consisting of 12 beats. This rhythm is modelled
on the African bell-rhythms Reich encountered
during his studies of African drumming in Ghana,
Steve Reich (b 1936)
Sextet (1985)
LSO Percussion Ensemble
Recorded live in DSD 128fs, 30 October 2015 at LSO St Luke’s, London
James Mallinson producer Classic Sound Ltd recording, editing and mastering facilities Neil Hutchinson for Classic Sound Ltd balance engineer, audio editor, mixing and mastering engineer Jonathan Stokes for Classic Sound Ltd recording engineer Neil Percy and Sam Walton executive producers Super Audio layer includes 2.0 stereo and 5.1 multi-channel mixes
Clapping Music and Music for Pieces of Wood published by Universal Edition. Sextet published by Hendon Music Inc. (Boosey & Hawkes Music Publishers Ltd).
Booklet notes / Notes de programme / Einführungstexte Translation into French / Traduction en français – Claire Delamarche Translation into German / Übersetzung aus dem Englischen – Elke Hockings
Hybrid–SACD Compatible with all CD players. Includes high density stereo and surround tracks that can be read by SACD players.
SACD, DSD and their logos are trademarks of Sony.
1 Clapping Music 3’37’’
2 Music for Pieces of Wood 11’42’’
Sextet
Total time 43’06’’
makes reference to many features and techniques
idiosyncratic to Reich’s early style. The opening
gesture of the work, for example – a series of block
chords on the piano that suddenly split between
the two hands – is reminiscent of the sound of a
tape loop that is beginning to phase.
The melody that dominates the second movement
is based on the (by now very familiar) African bell-
rhythm, that formed the basis of Clapping Music
and Music for Pieces of Wood, again exploiting the
pattern’s potential for rhythmic ambiguity.
The idea of the accumulation of patterns – which
was explored in Music for Pieces of Wood – is
very important to the Sextet, building complex
interwoven textures from relatively small amounts
of musical material.
In addition to the familiar, the listener is also treated to
a selection of novel effects employed to overcome the
inherent limitations of Reich’s ensemble. For example,
the use of bowed vibraphone and synthesisers in
the first movement compensates for the lack of any
sustaining instruments, and the unusual inclusion
of an un-pitched bass drum balances the ensemble’s
bias towards high- and mid-range instruments. Far
from being just passing effects though, these new
techniques are fully absorbed into the work’s musical
fabric, and become essential building blocks of the
many gradual processes that unfold as the piece
progresses.
© 2015 LSO
been called ‘America’s greatest living composer’
(The Village Voice), ‘the most original musical thinker
of our time’ (The New Yorker), and ‘among the great
composers of the century’ (New York Times).
His music has been influential to composers and
mainstream musicians all over the world. Having
moved away from serialism in his youth, he became
a leading pioneer of minimalism. His music is known
for steady pulse, repetition, and a fascination
with canons; it combines rigorous structures with
propulsive rhythms and seductive instrumental
colour. It also embraces harmonies of non-Western
and American vernacular music (especially jazz).
His studies have included the Gamelan, African
drumming (at the University of Ghana), and traditional
forms of chanting the Hebrew scriptures.
Different Trains and Music for 18 Musicians have each
earned him Grammy awards, and his documentary
video opera work with Beryl Korot has pushed the
boundaries of the operatic medium. Over the years
his music has significantly grown both in expanded
harmonies and instrumentation, resulting in a
Pulitzer Prize for his 2007 composition Double Sextet.
Reich’s music has been performed by major
orchestras and ensembles around the world,
including the New York and Los Angeles philharmonics;
London, San Francisco, Boston and BBC symphony
orchestras; London Sinfonietta; Kronos Quartet;
Ensemble Modern; Ensemble Intercontemporain;
Several noted choreographers have created dances
4
in 1970, and is ambiguous in that it can imply a
number of possible overarching time-signatures.
The entire span of Clapping Music is an exploration
of this basic rhythmic unit using a variation of the
phasing technique. Both performers initially clap the
rhythm out in unison, then after 8–12 repetitions
one performer shifts their pattern by a single beat
whilst the other remains fixed. This process continues
until it has come full circle and the music returns
to the original unison pattern. Clapping Music is the
most refined example of phasing in Reich’s output
and neatly encapsulates two of his main musical
concerns: clarity and economy of means, and the
idea of a systematic process as the basis of a long-
term musical structure.
restrained forces – five performers playing wood-
blocks or claves tuned to the notes A, B, C-sharp,
D-sharp and the D-sharp an octave above. Though
the wood-blocks are tuned, pitch is more or less
a secondary parameter, with the main focus still
firmly on the interplay of rhythmic patterns. It opens
with the highest wood-block on its own, setting out
a regular metronomic pulse, which continues all the
way to the end of the piece and is the backbone
around which it forms. The remaining four performers
then enter in canon, gradually revealing a dense
rhythmic grid based on a phased version of the
bell-pattern in Clapping Music. Here the ambiguity
of the pattern is brought to the fore, with each new
entry emphasising a different overlying pulse. For
the listener, this is perceived as sudden gear-changes,
where the music appears to shift between 6/4 and
12/8 rhythms. The piece comes to its close through
a gradual process of rhythmic diminution, whereby
whole beats are removed from the bars. The piece
cycles through sections in 4/4 and 3/4 before
coming to an abrupt end, as though the composer
has simply hit the stop button on a tape player.
Eleven years separates the composition of the
Sextet (1985) from its predecessors on this
recording, a period during which Reich composed
some of his most significant scores including Music
for 18 Musicians (1974–76) and Tehillim (1981). This
eleven-year period saw Reich introduce pitch and
harmony as significant parameters of his musical
language, all the while maintaining a clear focus on
pulse and rhythm.
As the title suggests, Sextet is scored for an ensemble
of six players: four percussionists who play (at
various times) marimba, vibraphone, bass drum,
crotales, and tam-tam, and two keyboard players
who double piano and synthesizers. The work is
set in five continuous movements, which create
an overall arch form (A-B-C-B-A), with movements
becoming gradually slower in tempo toward the
centre of the structure.
run seamlessly into one another through a process
known as metric modulation, whereby a new
tempo is established in relation to a previous pulse.
Harmonically the work is based on sequences
of dark, densely chromatic chords, which inhabit
a sound world incredibly reminiscent to that of
Reich’s 1984 work for large orchestra and chorus,
The Desert Music.
son langage, pour le rendre à ses éléments les plus
fondamentaux. Selon ses propres mots, l’œuvre
a été conçue dans le désir de créer une pièce de
musique « qui ne nécessiterait aucun instrument
autre que le corps humain » – à cette fin, elle est
jouée (comme l’indique le titre) entièrement en
frappant dans les mains. La totalité de la pièce est
engendrée par un motif rythmique unique de douze
temps. Ce motif prend modèle sur les formules
rythmiques que Reich avait découvertes lorsqu’il
étudia les percussions africaines au Ghana, en
1970. Il est porteur d’ambiguïté en ce qu’il peut
être transcrit selon différentes divisions métriques.
Clapping Music repose entièrement sur l’exploration
de cette formule rythmique fondatrice en recourant
à une variante de la technique de phasage. Les
deux interprètes commencent par frapper le rythme
à l’unisson, puis, après 8 à 12 répétitions, l’un des
interprètes se décale d’un simple temps, tandis
que l’autre continue sans varier. Le processus se
poursuit jusqu’à ce que la boucle soit bouclée et
que la musique retourne à sa configuration initiale,
à l’unisson. Clapping Music est l’exemple le plus
pur de phasage dans toute l’œuvre de Reich
et résume clairement deux de ses principales
préoccupations musicales : d’une part la clarté et
l’économie de moyens, d’autre part l’idée qu’un
procédé systématique puisse engendrer une vaste
structure musicale.
[Musique pour morceaux de bois] repose comme
on pouvait s’y attendre sur de nombreuses idées
explorées dans Clapping Music. Cette œuvre requiert
un effectif tout aussi réduit – cinq musiciens
jouant des wood-blocks ou des claves donnant
respectivement les notes la, si, do dièse, ré dièse
et le ré dièse une octave plus haut. Bien que les
instruments soient accordés, la hauteur de notes
est un paramètre plus ou moins secondaire, l’accent
restant placé sur l’interaction de motifs rythmiques.
La pièce débute par le wood-block le plus aigu, tout
seul ; il met en place une pulsation à la régularité
métronomique, qui perdure jusqu’à la fin et forme la
colonne vertébrale autour de laquelle tout s’organise.
Les quatre autres interprètes entrent ensuite en
canon, formant peu à peu un dense tissu rythmique
reposant sur une version phasée de la formule
africaine de Clapping Music. L’ambiguïté de ce motif
est ici soulignée, chaque nouvelle entrée mettant en
valeur l’une des pulsations potentielles qu’il sous-
entend. A l’oreille, cela donne l’effet de brusques
changements de braquet, la musique semblant osciller
entre des rythmes à 6/4 et à 12/8. La pièce se conclut
par un processus graduel de diminution rythmique,
où les mesures sont amputées successivement de
temps entiers. Elle fluctue entre des sections à 4/4
et à 3/4 avant de connaître une fin brutale, comme
si le compositeur s’était contenté d’appuyer sur le
bouton « stop » du magnétophone.
Ces onze ans ont vu Reich introduire la hauteur de
6
Jií Kylián, Jerome Robbins, Wayne McGregor and
Christopher Wheeldon.
Ce projet semble tout à fait opportun, étant donné
nos liens avec Steve et sa musique depuis que je
suis au LSO, en remontant à notre enregistrement
de Three Movements avec Michael Tilson Thomas
dans les années 1990. Depuis lors, de nombreux
concerts ont eu lieu où j’ai eu la chance de jouer
avec Steve et de jouer tant de ses magnifiques
partitions. Je remercie les formidables musiciens,
Classic Sound et l’équipe de LSO Live d’avoir réalisé
un disque qui forme un hommage d’anniversaire
idéal. Joyeux 80e anniversaire, Steve !
Neil Percy
Percussion solo
Clapping Music (1972)
Sextet (1985)
Les trois pièces regroupées sur ce disque découlent
d’idées explorées dans la première œuvre connue
de Steve Reich, It’s Gonna Rain [Il va pleuvoir], une
composition pour bande magnétique de 17 minutes
datant de 1965.
techniques qui deviendraient le noyau de toute sa
production jusqu’à ce jour, tout en posant quelques-
unes des bases de l’esthétique minimaliste – la
répétition, la pulsation, l’intérêt pour les motifs
empruntés à la langue parlée et la variation du
matériau musical par un procédé connu sous le
nom de « phasage ».
décrire, le phasage – l’un des éléments les plus
caractéristiques du langage de Reich – peut
générer une palette très large de types musicaux,
de l’unisson rythmique consonant à un contrepoint
dense et complexe. Dans sa forme la plus basique,
le phasage consiste en deux motifs identiques
repris en boucle, dont l’un reste fixe tandis que
l’autre se décale (se « déphase ») peu à peu par
rapport à l’homorythmie initiale – ce qui permet au
motif d’être entendu, superposé à lui-même, dans
toutes les permutations possibles.
un processus graduel, qui évolue d’un écho subtil
à des effets canoniques complexes. Le processus
s’achève lorsque le motif déphasé et le motif fixe
se superposent de nouveau exactement après un
cycle complet. Dans It’s Gonna Rain, une pièce figée
sur bande, le phasage est réalisé électroniquement
par la manipulation de deux boucles sur bande
identiques. Reich s’est rapidement interrogé sur le fait
de savoir si ce procédé intrinsèquement mécanique
pouvait être transposé à la musique jouée en direct.
La première pièce à mener cette expérience fut
Sa musique a influencé des compositeurs comme
des musiciens connus du grand public. S’étant
écarté du sérialisme dans sa jeunesse, il est devenu
l’un des principaux pionniers du minimalisme. Sa
musique est connue pour la permanence de sa
pulsation, pour son usage de la répétition et pour
sa fascination pour les procédés canoniques ;
elle combine des structures rigoureuses avec des
rythmes propulsifs et des couleurs instrumentales
séduisantes. Elle incorpore également des harmonies
issues de la musique populaire extra-occidentale
et américaine (en particulier le jazz). Steve Reich a
étudié notamment le gamelan, les tambours africains
(à l’Université du Ghana) et les formes traditionnelles
de la cantillation hébraïque.
remporté un Grammy Award, et l’ouvrage mêlant
opéra, vidéo et documentaire qu’il a réalisé avec
Beryl Korot a repoussé les limites de l’opéra. Au fil
des ans, sa musique s’est développée de manière
significative à la fois sur le plan de l’harmonie et
sur celui de l’instrumentation, ce qui lui a valu d’être
récompensé par un prix Pulitzer pour Double Sextet,
composé en 2007.
La musique de Reich est au répertoire des plus grands
orchestres et ensembles mondiaux, notamment les
Orchestres philharmoniques de New York et Los
Angeles, les Orchestres symphoniques de Londres,
San Francisco, Boston et de la BBC, le London
Sinfonietta, le Kronos Quartet, l’Ensemble Modern,
l’Ensemble intercontemporain, le Bang on a Can
All-Stars et Eighth Blackbird. Plusieurs chorégraphes
renommés ont créé des ballets sur sa musique, tels
Anne Teresa de Keersmaeker, Jií Kylián, Jerome
Robbins, Wayne McGregor et Christopher Wheeldon.
Einführung
Es ist mir eine große Freude, am ersten Ausflug von
LSO Live in die Aufnahme der Musik Steve Reichs
beteiligt zu sein. Angesichts unserer Beschäftigung
mit Steve und seiner Musik während meiner Zeit
beim LSO, die bis zu unserer Aufnahme von Three
Movements mit Michael Tilson Thomas in den 90er-
Jahren zurückreicht, empfinde ich das als glückliche
Fügung. Seitdem gab es zahlreiche Konzerte, bei
denen ich das Vergnügen hatte, mit Steve arbeiten
und viele Stücke seiner großartigen Musik spielen zu
dürfen. Ich danke den wunderbaren Musikern, Classic
Sound und dem Team von LSO Live für die Produktion
dieser CD, die einen perfekten Geburtstagsgruß
darstellt. Alles Gute zum Achtzigsten, Steve!
Neil Percy
Erster Perkussionist
Sextet (1985)
Alle drei auf dieser CD vorgestellten Stücke haben
ihre Wurzeln in Ideen, denen Steve Reich in It’s Gonna
Rain [Es wird regnen] nachging, eine 17-minütige
Komposition für Tonband von 1965, die als sein
frühestes Werk angesehen wird.
Techniken, die den Kern seines gesamten Œuvres
bis zum heutigen Tag bilden sollten. Hier trifft man
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de son langage musical, même si la pulsation et le
rythme y conservaient un rôle prééminent.
Comme le titre le laisse entendre, Sextet requiert un
ensemble de six musiciens : quatre percussionnistes
jouant (selon le moment) du marimba, du vibraphone,
de la grosse caisse, des crotales et du tam-tam, et
deux claviéristes passant tous deux du piano au
synthétiseur. L’œuvre consiste en cinq mouvements
continus dessinant une forme globale en arche
(A-B-C-B-A), dans laquelle les mouvements sont
dans un tempo de plus en plus lent à l’approche
du centre de la structure.
Les mouvements, bien qu’ils soient écrits dans des
tempos différents, s’enchaînent en douceur grâce
à un procédé nommé « modulation métrique », où
le nouveau tempo qui s’installe est proportionnel à
la pulsation précédente. Harmoniquement, l’œuvre
repose sur des enchaînements d’accords sombres,
au chromatisme dense, qui peuplent un monde
sonore rappelant énormément celui d’une pièce
de Reich pour grand orchestre et chœur de 1984,
The Desert Music.
se réfère à de nombreux traits stylistiques et
techniques typiques du premier style de Reich. Le
geste initial de l’œuvre, par exemple – une série
d’accords de piano qui se scindent soudain entre
les deux mains – rappelle le son de la boucle sur
bande qui commençait à se déphaser.
La mélodie qui domine le second mouvement repose
sur le (désormais très familier) motif rythmique
africain qui fonde Clapping Music et Music for
Pieces of Wood, et exploite à nouveau le potentiel
de son ambiguïté rythmique.
exploitée dans Music for Pieces of Wood – revêt
une grande importance dans Sextet, engendrant
des textures complexes et entremêlées à partir
d’un réservoir restreint de matériaux musicaux.
En plus de ces effets familiers, l’auditeur en découvre
plusieurs nouveaux destinés à dépasser les contraintes
intrinsèques à l’ensemble instrumental choisi par
Reich. Ainsi, l’usage dans le premier mouvement
d’un vibraphone joué avec l’archet et de synthétiseurs
compense l’absence d’instruments à sons tenus, et
l’incorporation inhabituelle d’une grosse caisse (dont
la hauteur de son est indéterminée) contrebalance la
polarisation de l’ensemble vers des instruments de
tessiture moyenne et aiguë. Cependant, ces nouvelles
techniques vont bien au-delà du simple effet pour
devenir des éléments constitutifs de l’œuvre, des
pierres essentielles aux nombreux processus graduels
qui se développent au fil de la pièce.
Notes de programme de Benjamin Picard
© 2015 LSO
Le compositeur Steve Reich, lauréat du prix Pulitzer,
a été désigné comme le « plus grand compositeur
américain vivant » (The Village Voice), « le penseur de
la musique le plus original de notre temps » (The
New Yorker) et « l’un des grands compositeurs du
siècle » (New York Times).
minimalistischen Ästhetik – Wiederholung, Puls,
durch einen Prozess, der „Phasing“ [eine Art
Phasenverschiebung] heißt.
in Reichs Musiksprache – lässt sich als Konzept ziemlich
einfach beschreiben. Es führt jedoch zu einem riesigen
Spektrum musikalischer Phänomene, die alles andere
als einfach sind, angefangen bei konsonantem
rhythmischem Unisono bis zu verwickeltem,
komplexem Kontrapunkt. In seiner Grundform besteht
Phasing aus zwei identischen, in Schleifen laufenden
Perioden, wobei eine konstant bleibt, während sich die
andere allmählich aus dem Unisono verschiebt. Das
ermöglicht das Hören einer Periode mit ihrer eigenen
Überlagerung in allen möglichen Permutationen.
Der Hörer nimmt diese Technik als einen allmählichen
Prozess wahr, bei dem sich ein subtiles Echo in einen
komplexen Kanoneffekt verwandelt. Dieser Prozess
ist abgeschlossen, wenn sich die verschiebende
Periode und die gleichbleibende Periode nach einem
vollständigen Zyklus wieder im Einklang befinden. In
It’s Gonna Rain, einem Werk für fertig geschnittenes
Tonband, wird der Phasing-Prozess elektronisch
durch die Manipulation von zwei identischen
Tonbandschleifen erzeugt. Bald ging Reich eifrig
der Möglichkeit nach, ob sich dieses inhärent
mechanische Verfahren auch durch Musiker live
im Konzert umsetzen lässt. Das erste Mal, als diese
Technik bei Liveaufführungen zum Einsatz kam,
war in Reichs Piano Phase [Klavierphase] (1967).
In den Werken Phase Patterns [Phasenperioden]
(1970) und Clapping Music [Klatschmusik] (1972)
entwickelte der Komponist dieses Konzept weiter.
Clapping Music wurde in einer Zeit komponiert, als
Reich seine musikalische Sprache systematisch zurück
bis auf seine wichtigsten Bestandteile vereinfachte.
Nach eigener Aussage entsprang das Werk dem
Wunsch, ein Musikstück zu schaffen, „dass kein
anderes Instrument außer dem menschlichen Körper
braucht“ – so kommt in dieser Komposition (wie der
Titel andeutet) ausschließlich Klatschen vor. Das
Grundmaterial für das gesamte Werk besteht aus
einer einzigen rhythmischen Zelle aus 12 Zählzeiten.
Dieser Rhythmus nimmt sich an afrikanischen Agogô-
Rhytmen ein Vorbild, auf die Reich 1970 bei seinem
Unterricht in afrikanischem Trommeln in Ghana
gestoßen war. Diese rhythmische Zelle ist mehrdeutig,
denn es ist möglich, ihre zusammengesetzte Gestalt
als Ausdruck unterschiedlicher Metren zu deuten.
Die gesamte Spanne von Clapping Music ist eine
Erkundung dieser rhythmischen Grundzelle vermittels
einer Variation der Phasing-Technik. Beide Interpreten
klatschen zu Beginn den Rhythmus unison. Nach
8-12 Wiederholungen verschiebt dann ein Interpret
seine Perioden um einen Schlag, während der
andere wie gehabt fortsetzt. Dieser Prozess hält so
lange an, bis der Zyklus durchschritten ist und die
Musik erneut wie am Anfang unison erklingt. Clapping
Music ist das deutlichste Beispiel für Phasing in
Reichs Œuvre und verkörpert hervorragend drei
wichtige musikalische Bestrebungen Reichs: Klarheit
und Ökonomie der Mittel sowie die Idee eines
systematischen Prozesses als Grundlage einer
größeren musikalischen Struktur.
baut natürlich auf vielen Gedanken aus Clapping
Music auf. Die Besetzung für dieses Werk hält sich
ähnlich in Grenzen – fünf InterpretInnen spielen
11
A, H, Cis, Dis und Dis eine Oktave höher gestimmt
sind. Trotz definierter Tonhöhe der Holzblöcke
spielt die Tonhöhe eine eher untergeordnete
Rolle. Die Aufmerksamkeit ist noch eindeutig auf
das Zwischenspiel zwischen den rhythmischen
Perioden gerichtet. Das Werk beginnt mit dem
höchsten Holzblock allein, der wie ein Metronom
einen regelmäßigen Puls vorgibt und bis zum Ende
des Stückes beibehält. So liefert diese Stimme das
Rückgrat, um das herum sich das Geschehen formt.
Die anderen vier InterpretInnen setzen dann wie in
einem Kanon ein und weben allmählich ein dichtes
rhythmisches Netz, das auf einer phasenverschobenen
Fassung der Agogô-Periode aus Clapping Music
beruht. Hier wird die Mehrdeutigkeit der Zelle
hervorgehoben: Jeder neue Einsatz betont nämlich
ein anderes interpretierbares Metrum. Für den Hörer
wirkt das wie ein plötzliches Gangschalten, wo die
Musik zwischen 6/4- und 12/8-Metren zu wechseln
scheint. Das Stück kommt durch sukzessive metrische
Diminution zum Abschluss, wobei ganze Zählzeiten
aus den Takten entfernt werden. Das Stück kreist
durch Abschnitte mit 4/4- und 3/4-Takten, bis es
unverhofft abbricht, als ob der Komponist einfach
durch Knopfdruck ein Tonband abgeschaltet hat.
Elf Jahren liegen zwischen dem Sextet [Sextett]
(1985) und seinen Vorgängern auf dieser CD. In den
dazwischen liegenden Jahren komponierte Reich
einige seiner bedeutendsten Werke wie z. B. Music
for 18 Musicians [Musik für 18 Musiker] (1974-76)
und Tehillim [Psalmen] (1981). In diesen elf Jahren
nahm Reich Tonhöhe und Harmonie als wichtige
Parameter in seine Musiksprache auf, stellte aber
eindeutig Puls und Rhythmus weiterhin ins Zentrum.
Wie der Titel andeutet, ist das Sextet für ein Ensemble
aus sechs Spielern: vier SchlagzeugerInnen, die
(zu unterschiedlichen Zeiten) Marimba, Vibraphon,
große Trommel, Crotales und Tamtam spielen, sowie
zwei Keyboard-SpielerInnen, die für sowohl Klavier
als auch Synthesizers verantwortlich sind. Das Werk
unterteilt sich in fünf ineinander übergehende Sätze,
die insgesamt eine Bogenform (A-B-C-B-A) bilden,
wobei die Sätze nach innen immer langsamer werden.
Obwohl die Sätze unterschiedliche Tempi haben,
gehen sie vermittels eines Prozesses nahtlos
ineinander über, der als metrische Modulation
bekannt ist. Bei dieser Modulation bezieht sich das
neue Tempo jeweils auf den vorangegangenen Puls.
Harmonisch beruht das Werk auf einer Folge dunkler,
dichter chromatischer Akkorde, die eine Klangwelt
schaffen, die unglaublich stark an Reichs Komposition
für großes Orchester und Chor von 1984, The Desert
Music [Die Wüstenmusik] erinnert.
verweist das Sextet auf viele Merkmale und
Techniken, die Reichs frühen Stil auszeichneten.
Zum Beispiel erinnert die Anfangsgeste des
Werkes – eine Folge von Akkordblöcken auf
dem Klavier, die plötzlich auf zwei Hände verteilt
werden – an den Klang von Bandschleifen, die
beginnen, sich gegeneinander zu verschieben.
Die Melodie, die den zweiten Satz beherrscht, beruht
auf dem (mittlerweile sehr bekannten) afrikanischen
Agogô-Rhythmus, der das Ausgangsmaterial für
Clapping Music und Music for Pieces of Wood lieferte.
Erneut wird das Potential der Zelle für metrische
Mehrdeutigkeit genutzt.
der Erkundung in Music for Pieces of Wood – ist im
Sextet sehr wichtig. Das Akkumulieren baut komplexe,
miteinander verflochtene Texturen aus einer relativ
geringen Menge musikalischen Materials.
Grenzen der gewählten Besetzung zu überwinden.
Zum Beispiel kompensiert im ersten Satz das Streichen
des Vibraphons mit einem Bogen oder der Einsatz
der Synthesizer den Mangel an Instrumenten, die
einen Klang aushalten können. Und die ungewöhnliche
Verwendung einer großen Trommel (Basstrommel)
ohne definierbarer Tonhöhe gleicht die Neigung des
Ensembles zu Instrumenten mit hoher und mittlerer
Tonhöhen aus. Diese neuen Klänge sind jedoch alles
andere als gelegentliche Effekte, sondern voll in das
musikalische Gewebe des Werkes absorbiert und
liefern entscheidende Bausteine in den zahlreichen
sukzessiven Prozessen, die sich im Verlauf des
Werkes entfalten.
Denker unserer Zeit“ (The New Yorker) bezeichnet
und zu den „größten Komponisten des Jahrhunderts“
(New York Times) gezählt.
Musiker in der ganzen Welt beeinfl usst. Er nahm
Abstand vom Serialismus seiner Jugend und
entwickelte sich zu einem führenden Wegbereiter des
Minimalismus. Seine Musik ist für ihren regelmäßigen
Puls, Wiederholung und eine Faszination mit Kanons
bekannt. Sie kombiniert strenge Strukturen mit
vorwärtsdrängenden Rhythmen und verführerischen
nicht-westlicher und amerikanischer Volksmusik
Gamelanmusik, afrikanisches Trommeln (an der
University of Ghana) und traditionelle Formen des
Singens hebräischer religiöser Schriften.
18 Musicians [Musik für 18 Musiker] bescherten ihm
Grammy-Preise. Reichs Arbeit mit Beryl Korot an
einer Dokumentarfi lmoper sprengten die Grenzen
der Operngattung. Über die Jahre hinweg wuchs
seine Musik beachtlich sowohl was Harmonie als
auch Besetzung betrifft. Der Prozess mündete in der
mit einem Pulitzer-Preis ausgezeichneten Komposition
Double Sextet [Doppelsextett] von 2007.
Reichs Musik wurde von bedeutenden Orchestern und
Ensembles der Welt aufgeführt wie zum Beispiel der
New York Philharmonic und Los Angeles Philharmonic,
dem London Symphony Orchestra, San Francisco
Symphony Orchestra, Boston Symphony Orchestra und
BBC Symphony Orchestra, von der London Sinfonietta,
dem Kronos Quartet, Ensemble Modern, Ensemble
Intercontemporain, den Bang on a Can All-Stars und dem
eighth blackbird. Mehrere berühmte Choreographen
schufen Tanzwerke auf seine Musik wie z. B. Anne
Teresa de Keersmaeker, Jií Kylián, Jerome Robbins,
Wayne McGregor und Christopher Wheeldon.
13
© K
Orchestra ; il est en outre à la tête du département
de timbales et percussion de la Royal Academy of
Music (Londres) depuis quinze ans. Durant ces
années, il a collaboré étroitement avec de nombreux
artistes et chefs majeurs, notamment Sir Colin Davis,
Pierre Boulez, Steve Reich, Karl Jenkins, Ravi Shankar,
Kent Nagano et Elgar Howarth, avec les compositeurs
de musiques de film John Williams, James Horner,
Patrick Doyle et Alexandre Desplat, et avec de
nombreux artistes pop et jazz. Neil est artiste en
résidence des cymbales Zildjian, artiste Yamaha
pour les peaux et les claviers, et artiste d’Evans
Drumheads et Freer Mallets.
David Jackson a étudié au Royal College of Music
(Londres), où il a bénéficié de la bourse Countess
of Munster et de la bourse Martin Musical et a été
finaliste de la bourse de percussion Shell LSO. Il a
joué avec les principaux orchestres londoniens. Il
est seconde percussion solo du London Symphony
Orchestra depuis 1996.
percussionniste et timbalier au sein des meilleurs
orchestres du Royaume-Uni, notamment le London
Symphony Orchestra, où il est percussion co-soliste,
ainsi que le London Philharmonic, le BBC Symphony,
le London Sinfonietta et le Chamber Orchestra of
Europe. Il travaille en outre avec les théâtres de
West End dans différents spectacles. En soliste, il a
joué avec le Royal Philharmonic Orchestra, l’Orquesta
Sinfónica de Castilla y León et le Gürzenich-Orchester
de Cologne. Il donne des récitals aussi bien en solo
qu’en duo avec Colin Currie, dans de nombreuses
salles au Royaume-Uni et dans le monde.
Antoine Bedewi est entré au London Symphony
Orchestra comme timbale co-soliste en 2012,
après avoir joué pendant une dizaine d’années
comme musicien indépendant avec les orchestres
et ensembles majeurs du Royaume-Uni. Hors
de la scène symphonique, il joue régulièrement
avec le Colin Currie Group, tant aux BBC Proms
qu’à travers le Royaume-Uni et à l’étranger, et
collabore au spectacle de West End The Lion King.
En 2007, il a été timbale solo du Teatro Municipal
de Santiago-du-Chili.
d’accompagnateur de lied et, plus récemment,
de chef d’orchestre. Cette saison, on peut
l’entendre notamment en récital au Wigmore Hall et
au Royal Festival Hall (Londres) et au Concertgebouw
(Amsterdam), ainsi qu’avec des artistes tels Pekka
Kuusisto, Mark Padmore, l’Elias Quartet et le Colin
Currie Group. Comme chef, il est réinvité par
l’Orchestre de la Radio suédoise et assiste Daniel
Harding au Verbier Festival. En juin 2010, il a été
élu Fellow à la Royal Academy of Music.
Philip Moore a étudié à la Royal Academy of
Music auprès d’Hamish Milne, avant d’embrasser
une carrière qui l’a mené en Europe, en Amérique
et en Extrême-Orient. Il a joué en concerto
notamment avec l’Orchestre Hallé, l’Academy of
St. Martin-in-the-Fields, le Philharmonia, le Britten
Sinfonia, le Royal Philharmonic et le BBC Scottish
Symphony. Il a joué avec de nombreux artistes
LSO Percussion Ensemble – biographies
Timpani and Percussion Department at the Royal
Academy of Music for 15 years. During this time he
has worked closely with many major artists and
conductors including Sir Colin Davis, Pierre Boulez,
Steve Reich, Karl Jenkins, Ravi Shankar, Kent Nagano
and Elgar Howarth; film composers John Williams,
James Horner, Patrick Doyle and Alexandre Desplat;
and many pop and jazz artists. Neil is the Zildjian
cymbals Artist-in-Residence, a Yamaha drums and
keyboards artist, and an artist for Evans Drumheads
and Freer Mallets.
Music where he was awarded a Countess of Munster
Scholarship, a Martin Musical Scholarship and was
a finalist in the Shell LSO Scholarship for Percussion.
David has performed with all the major London
Orchestras, and joined the London Symphony
Orchestra as Sub-Principal Percussion in 1996.
Sam Walton appears regularly as a percussionist
and timpanist with many of the UK’s top orchestras,
including the London Symphony Orchestra where
he is Co-Principal Percussion, as well as with the
London Philharmonic, BBC Symphony, London
Sinfonietta, and the Chamber Orchestra of Europe.
He also works in West End theatres on a variety
of shows. As a soloist, Sam has appeared with the
Royal Philharmonic Orchestra, Orquesta de Castilla
y Leon, and the Gurzenich Orchestra in Cologne.
He has appeared both as a solo recitalist and with
his duo partner, Colin Currie, at numerous venues
in the UK and worldwide.
Antoine Bedewi joined the London Symphony
Orchestra as Co-Principal Timpani in 2012, having
spent the previous decade freelancing with many
of the UK’s premier orchestras and ensembles.
Away from the orchestral scene he has performed
many times with the Colin Currie Group both
at the BBC Proms and throughout the UK and
abroad, and also for the West End show The
Lion King. In 2007 he served as Principal Timpanist
with the Teatro Municipal in Santiago, Chile.
Simon Crawford-Phillips has established a
varied career as soloist, chamber musician, lieder
accompanist, and most recently as a conductor.
Performances this season include recitals at the
Wigmore Hall, Concertgebouw and Royal Festival
Hall together with artists such as Pekka Kuusisto,
Mark Padmore, the Elias Quartet and the Colin Currie
Group. As a conductor he returns to the Swedish
Radio Orchestra as well as assisting Daniel Harding
at the Verbier festival. In June 2010, he was elected
a Fellow of the Royal Academy of Music.
Philip Moore studied at London’s Royal Academy
of Music with Hamish Milne, and has gone on to
perform throughout Europe, and in America and
the Far East. He has appeared as a concerto artist
with, among others, the Hallé, Academy of St
Martin in the Fields, Philharmonia, Britten Sinfonia,
Royal Philharmonic and BBC Scottish Symphony
orchestras. He has worked with many international
artists, giving chamber music performances and
broadcasts with the Hebrides Ensemble, the Colin
Currie Group, and as a guest of ECO Ensemble
and Conchord.
Player 1 Simon Crawford-Phillips
Player 2 David Jackson
Player 3 Neil Percy
Player 4 Sam Walton
Player 5 Antoine Bedewi
Player 2 Sam Walton
Player 3 David Jackson
Player 4 Antoine Bedewi
Player 5 Philip Moore
Player 6 Simon Crawford-Phillips
Players featured on this recording:
Harding beim Verbier Festival. Im Juni 2010 wurde
er zum Fellow der Royal Academy of Music ernannt.
Philip Moore studierte an der Royal Academy of
Music bei Hamish Milne und trat danach in ganz
Europa, Amerika und dem Fernen Osten auf. Als
Konzertsolist war er zusammen mit z. B. dem
Hallé Orchestra, Philharmonia Orchestra, Royal
Philharmonic Orchestra, BBC Scottish Symphony
Orchestra, der Academy of St Martin in the Fields
und Britten Sinfonia zu hören. Er arbeitete mit
zahlreichen internationalen Künstlern zusammen.
Group gab er Kammermusikkonzerte und nahm
Einspielungen vor. Als Gast trat er mit den Ensembles
ECO und London Conchord in Erscheinung.
internationaux, donnant des concerts de musique
de chambre et des concerts radiodiffusés avec
l’Hebrides Ensemble, le Colin Currie Group, et
comme invité avec l’ECO Ensemble et avec Conchord.
LSO Percussion Ensemble – Biografien
Symphony Orchestra und seit 15 Jahren Leiter der
Pauken- und Schlagzeugabteilung an der Royal
Academy of Music. In dieser Zeit arbeitete er eng
mit bedeutenden Künstlern und Dirigenten wie
z. B. Sir Colin Davis, Pierre Boulez, Steve Reich,
Karl Jenkins, Ravi Shankar, Kent Nagano und Elgar
Howarth sowie mit Filmkomponisten wie John
Williams, James Horner, Patrick Doyle und Alexandre
Desplat und zahlreichen Pop- und Jazzmusikern
zusammen. Neil Percy ist Artist-in-Residence
bei Zildjian Cymbals, ein Yamaha-Drums-und-
Keyboards-Artist und Artist bei Evans Drumheads
und Freer Mallets.
und Martin Musical Scholarship erhielt. Zudem war
er Finalist in den Stipendienbewerbungen für ein
Shell LSO Scholarship for Percussion. David Jackson
trat mit allen großen Orchestern Londons auf
und kam 1996 als 2. Schlagzeuger [Sub-Principal
Percussion] zum London Symphony Orchestra.
Sam Walton ist regelmäßig als Schlagzeuger
und Pauker in vielen großen Orchestern
Großbritanniens zu hören wie zum Beispiel dem
London Symphony Orchestra, wo er sich die
Stelle des 1. Schlagzeugers teilt [Co-Principal
Percussion], dem London Philharmonic Orchestra,
BBC Symphony Orchestra, der London Sinfonietta
und dem Chamber Orchestra of Europe. Er
arbeitet auch in Theatern des Londoner West End
in diversen Inszenierungen. Als Solist trat Sam
Walton mit dem Royal Philharmonic Orchestra,
Orquesta de Castilla y León und Gürzenich-
Orchester Köln auf. In Kammermusikkonzerten
war er als Solist und im Duett zusammen mit
Colin Currie auf diversen Bühnen Großbritanniens
und der Welt zu hören.
Antoine Bedewi kam 2012 zum London
Symphony Orchestra, wo er sich die Stelle des
1. Paukers [Co-Principal Timpani] teilt. Das Jahrzehnt
zuvor hatte er als freischaffender Musiker mit
vielen führenden Orchestern und Ensembles
Großbritanniens gespielt. Jenseits der Orchesterszene
trat er viele Male mit der Colin Currie Group bei
den BBC Proms, in ganz Großbritannien und im
Ausland auf. Er war zudem in der West-End-
Inszenierung The Lion King [Der Löwenkönig] zu
hören. 2007 hatte er die Stelle des 1. Paukers am
Teatro Municipal de Santiago/ Chile inne.
Simon Crawford-Phillips kann auf eine vielseitige
Karriere als Solist, Kammermusikinterpret, begleitender
Pianist von romantischen Kunstliedern und in
jüngster Zeit auch als Dirigent verweisen. Zu Konzerten
in dieser Spielzeit gehören Kammermusikauftritte in
der Wigmore Hall, im Concertgebouw und in der Royal
Festival Hall zusammen mit solchen Künstlern wie
Pekka Kuusisto, Mark Padmore, dem Elias Quartet
und der Colin Currie Group. Als Dirigent kehrt
Simon Crawford-Phillips zu Sveriges Radios
Symfoniorkester zurück und unterstützt Daniel
18
Music Director Designate Sir Simon Rattle OM CBE
Principal Guest Conductor Daniel Harding
Principal Guest Conductor Michael Tilson Thomas
Conductor Laureate André Previn KBE
Choral Director Simon Halsey CBE
The LSO was formed in 1904 as London’s first self-
governing orchestra and has been resident orchestra
at the Barbican since 1982. Valery Gergiev became
Principal Conductor in 2007 following in the footsteps
of Hans Richter, Sir Edward Elgar, Sir Thomas Beecham,
André Previn, Claudio Abbado and Michael Tilson Thomas,
among others. Sir Colin Davis had previously held the
position since 1995 and from 2007 became the LSO’s
first President since Leonard Bernstein. The Orchestra
gives numerous concerts around the world each year,
plus more performances in London than any other
orchestra. It is the world’s most recorded symphony
orchestra and has appeared on some of the greatest
classical recordings and film soundtracks. The LSO also
runs LSO Discovery, its ground-breaking education
programme that is dedicated to introducing the finest
music to young and old alike and lets everyone learn
more from the Orchestra’s players. For more information
visit lso.co.uk
en 1904. Il est en résidence au Barbican depuis 1982.
Valery Gergiev a été nommé premier chef en 2007,
succédant à Hans Richter, Sir Edward Elgar, Sir Thomas
Beecham, André Previn, Claudio Abbado et Michael
Tilson Thomas, entre autres. Sir Colin Davis occupait
auparavant le poste depuis 1995 et, en 2007, il devint
le premier président du LSO depuis Leonard Bernstein.
Chaque année, l’Orchestre donne de nombreux concerts
à travers le monde, tout en se produisant plus souvent
à Londres que n’importe quel autre orchestre. C’est
l’orchestre au monde qui a le plus enregistré, et on le
retrouve sur des enregistrements devenus de grands
classiques, ainsi que sur les bandes son des films les
plus célèbres. Grâce à LSO Discovery, l’Orchestre est
également un pionnier en matière de pédagogie; ce
programme s’attache à faire découvrir les plus belles
pages du répertoire aux enfants comme aux adultes,
et à permettre à chacun de s’enrichir au contact des
musiciens de l’Orchestre. Pour plus d’informations,
rendez vous sur le site lso.co.uk
Das LSO wurde 1904 als erstes selbstverwaltetes
Orchester in London gegründet und ist seit 1982 im
dortigen Barbican beheimatet. Valery Gergiev wurde
2007 zum Chefdirigenten ernannt und trat damit in die
Fußstapfen von Hans Richter, Sir Edward Elgar, Sir Thomas
Beecham, André Previn, Claudio Abbado, Michael Tilson
Thomas und anderen. Sir Colin Davis hatte diese Position
seit 1995 inne und wurde 2007 zum ersten Präsidenten
des London Symphony Orchestra seit Leonard Bernstein
erkoren. Das Orchester gibt jedes Jahr zahlreiche
Konzerte in aller Welt und tritt darüber hinaus häufiger
in London auf als jedes andere Orchester. Es ist das
meistaufgenommene Orchester der Welt und hat einige
der bedeutendsten klassischen Schallplattenaufnahmen
verantwortlich für LSO Discovery, ein bahnbrechendes
pädagogisches Programm mit dem Ziel, Jung und Alt die
schönste Musik nahe zu bringen und mehr von den
Musikern des Orchesters zu lernen. Wenn Sie mehr
erfahren möchten, schauen Sie bei uns herein: lso.co.uk
For further information and licensing enquiries
please contact:
E lsolive@lso.co.uk
W lso.co.uk
DIMITRI TIOMKIN Richard Kaufman – London Voices London Symphony Orchestra
featuring Rawhide – The Alamo – Wild is the Wind – High Noon Dial M for Murder – Giant – The High and the Mighty
LSO Live
Richard Kaufman London Voices, LSO
***** ‘This is an essential purchase’ Runmovies.eu
**** Special Merit Film Music Review
**** The Guardian
**** Audiophile Audition
SACD (LSO0720)
LSO Live
Sir Andrzej Panufnik Symphony No 10
Sir Antonio Pappano
London Symphony Chorus
London Symphony Orchestra
Sir Peter Maxwell Davies Symphony No 10 Sir Andrzej Panufnik Symphony No 10
Sir Antonio Pappano, LSO
Album of the Week Sinfini
Performance **** Recording **** BBC Music Magazine
Performance ****½ Sonics (Multichannel) **** HRAudio.net
***** Pizzicato
Roman Simovic LSO String Ensemble
Performance **** Recording ***** BBC Music Magazine
***** Diapason
***** The Guardian (UK)
‘ A reminder – if reminder were needed – of just how world-class the string section of the London Symphony Orchestra is’ Classical CD Choice
SACD (LSO0752)
Available on disc or to download from all good stores For further information on the entire LSO Live catalogue, online previews and to order online visit lso.co.uk
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