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Carlos V Una de Romanos: un paseo por la

historia de Roma

La palabra Pintada

Leyendas

Boletín CEBIDOC : : Diciembre 2014

La lección de cada fracaso

Balenciaga El “sin sentido” de unas fiestas con mucho sentido

La alianza entre el lujo y la gran

distribución

Algo para ver en TV

Recomendaciones de cine

Clásicos de biblioteca

¿A donde ir? El arte del buen comer

Arte gráfico Origen y etimología de algunas palabras

LIBROS Carlos V / Philippe Erlanger

Encuéntralo en Biblioteca con la clave: 943.031 E75c

Autor: Erlanger, Philippe Madrid: Palabra, 2000 Temas: Carlos V, Emperador del Sacro Imperio Romano Germánico, 1500-1558, Reyes y gobernantes, Biografía, Historia Bibliografía: Incluye referencias bibliográficas (p. 339-344).

Biografía de Carlos I de España y V de Alemania (1500-1558), hijo de Juana la Loca y Felipe el Hermoso, rey de España y emperador de Alemania. Erlanger, especialista en historia contemporánea, publicó esta obra en 1980. No es un trabajo exhaustivo, pero sí bastante detallado. El libro se estructura en dos partes; la primera, tras una breve referencia a los antecesores de Carlos V, abarca hasta su coronación imperial en Bolonia, y la segunda, hasta su muerte en el monasterio de Yuste. Aporta datos acerca de la personalidad del monarca y de su política interior y exterior. Recoge algunos entretenidos rumores. El estilo es directo y cuidado, con viveza expresiva, y de amena lectura.

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Una de Romanos: Un paseo por la historia de Roma

Encuéntralo en Biblioteca con la clave: 937 G65u 2007

Autor: Goñi Zubieta, Carlos, 1963 Barcelona: Ariel, 2007 Temas: Roma - Historia Bibliografía: Incluye referencias bibliográficas (p. 287-291).

Amplio recorrido a través de la historia de Roma, que abarca desde la fundación de la ciudad por Rómulo y Remo (753 a. de C.) hasta la caída del Imperio, en el año 476 de nuestra Era. Carlos Goñi (Pamplona,1963), doctor en Filosofía y Letras por la Universidad de Barcelona, describe con lenguaje sencillo y ameno, de tono divulgador, algunos de los episodios centrales de la historia del pueblo romano, que sirven para conocer las distintas épocas de aquel gran Imperio y sus aportaciones al desarrollo de la cultura occidental. Las primeras conquistas de Rómulo y Remo, el rapto de las Sabinas, la Ley de las Doce Tablas, las guerras cartaginesas, la Monarquía, la República y los Césares, abren paso a la Roma vencedora del mundo, que permite la expansión del cristianismo en los territorios dominados. Aunque se reconocen los méritos de Roma, tanto en el ámbito del derecho como en el militar y político, o en el de la administración y las grandes obras públicas, no se oculta la degeneración de las antiguas virtudes que fueron el origen de su fuerza. El autor se refiere a la pérdida de valores familiares, al lujo y deseos de riqueza, a la injusticia tolerada, a los sangrientos juegos de gladiadores y al sacrificio de los cristianos arrojados a las fieras. En todos los casos, la obra destaca la similitud entre ciertos hábitos de la Roma depravada que se repiten dentro de la sociedad actual.

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La palabra pintada

Encuéntralo en Biblioteca con la clave: MAM 759.06 W65p 1976 Autor:Wolfe, Tom Traductor: Medina, Diego Barcelona: Anagrama, 1976 (reimpr. 1989) Temas: Pintura moderna - Siglo XIX - Aspectos psicológicos Notas: Donado por la familia Alonso Coratella. Notas: Traducción de: The painted word. Notas: Al reverso de la portada aparecen diferentes ediciones, pero son reimpresiones de la 1a ed. de 1976.

En "La palabra pintada", Tom Wolfe describe el curso errático de la historia social del arte moderno, desde sus inicios revolucionarios una revolución contra el contenido literario en las obras artísticas hasta su estado actual. Según Wolfe, el arte moderno se ha convertido, inconscientemente, en una parodia de sí mismo, obsesivamente devoto de ciertos críticos-«gurús» hasta el punto de reducción al absurdo en que se ha convertido: tan literario, académico y manierista como la pintura contra la que se había rebelado. El arte moderno pronto se puso de moda. La alta sociedad (le beau monde, Culturburgo) y los críticos de arte se adhirieron a él en calidad de peces piloto, y el tinglado empezó a crecer. Del Expresionismo Abstracto se pasó al Pop, del Pop al Op, el Op cayó ante la ofensiva del Minimal, y de éste se pasó al Arte Conceptual en un proceso que continúa hasta nuestros días. Los peritos y expertos se esfumaron y ocuparon su lugar le beau monde y los críticos, los celadores de la Palabra Pintada: Greenberg, Rosenberg, Steinberg. Éstos son los grandes, éstos quedarán en la Historia del Arte, argumenta sarcásticamente Wolfe, y no los pintores, llámense Pollock, de Koonig, Johns, Lichtenstein, Rauschemberg. La argumentación suena convincente y en cualquier caso resulta terriblemente divertida. Cuando describe el ritual de los jóvenes artistas aspirantes a la fama (en dos fases, La Danza de los Bohemios y La Consumación) o establece el censo de Culturburgo, la ironía de Tom Wolfe es devastadora.

Con información de: Editorial Anagrama

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Leyendas

Disponible en PDF

Autor: Bécquer, Gustavo Adolfo Castalia, Madrid 2012

Edición que contiene las leyendas más destacadas del poeta sevillano, acompañadas por un interesante estudio preliminar sobre Bécquer y una cuidada selección bibliográfica sobre el poeta. Están escritas en prosa poética que no desmerece de la pura creación lírica del autor, el más alto representante del romanticismo español. En estas leyendas se combinan las más delicadas fantasías con una narración apasionante. Se percibe con claridad la influencia de los poetas románticos alemanes sobre el fondo y la forma de la prosa y lírica becquerianas. El motivo dominante de estas leyendas es el amor: platónico, sublimado, cargado de sentimiento, que esconde indudables valores humanos y religiosos. Recopiladas por sus amigos tras su muerte y publicadas en 1871, habían visto la luz por entregas en revistas, entre 1858 y 1864. En la prosa de Bécquer perviven elementos románticos, como su gusto por recuperar el pasado histórico, y se perciben las sombras de Walter Scott, Poe y Hoffman. Algunas de estas narraciones son poesía en prosa y otras transcriben el relato que el narrador oyó de algún viajero o gente del lugar. Ambientadas casi todas en época medieval, recogen locuras, ruinas, luces extrañas, y un miedo que en ocasiones se transforma en horror por la presencia diabólica. Si aparecen fantasmas, no debe extrañar, pues también fantasmas son los que “formamos en nuestra imaginación y vestimos a nuestro antojo, y los amamos y corremos tras ellos”. Algunos hallazgos fantásticos todavía impresionan, como las estatuas de La ajorca de oro, que descienden de sus nichos y miran con sus ojos sin pupilas para evitar un sacrilegio. Los muertos descansan mal en sus tumbas y tienden a levantarse el

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día de su fallecimiento: resucitan templarios y castellanos en El monte de las ánimas, resucita Maese Pérez el organista para volver a acompañar la Nochebuena, vuelven el caballero y la hermosa mora en busca del agua que un día los salvó. La muerte tampoco es obstáculo para que se pueda cumplir un juramento: en La promesa se traspasan los muros de las tumbas para celebrar una boda prometida. Las ánimas cantan en El miserere, pululan mujeres fatales de ojos verdes que quieren ahogar a inocentes enamorados, se lanzan exorcismos para acabar con diabólicos saqueos. La atmósfera se llena de adjetivos y ocurre con naturalidad todo tipo de fenómenos imposibles, como la bofetada que asesta el caballero de piedra al atrevido que quiere besar los labios de la mujer yacente. Lo sobrenatural es el elemento común a este conjunto de relatos, que provienen (o el autor los hace provenir) de viejas tradiciones orales: milagros, encantamientos, intervenciones de espíritus, misterios insondables, fantasías en general, situadas en épocas diversas, predominando, como es de esperar, los ambientes medievales. Hay también cierto gusto por las leyendas hindúes (La creación, El caudillo de las manos rojas). Cada relato, con todo, suele estar conectado con el presente por medio de algún objeto, un recuerdo... como sugiriendo que lo sobrenatural se halla de algún modo latente y pronto a surgir en cualquier momento, como en épocas pasadas.

REVISTAS La lección de cada fracaso

Alfonso Aguiló

Thomas Alva Edison nació en 1847. Era el séptimo hijo de una familia humilde

recientemente establecida en Ohio y que había pasado por numerosas penalidades.

A los ocho años, el pequeño Thomas acudió por primera vez a la escuela. Después

de tres meses de asistencia a clase, un día regresó a su casa llorando: el maestro

lo había calificado de alumno "perezoso e inútil".

Su madre logró que el chico fuera readmitido en la escuela y aquello supuso un gran

respaldo para él: "Descubrí que una madre es algo maravilloso. Fue la defensora

más entusiasta que hubiera podido tener cualquier niño, y fue precisamente

entonces cuando tomé la decisión de que sería digno de ella y le demostraría que

no estaba equivocada."

A los doce años trabajaba vendiendo periódicos en el tren matutino que iba de Port

Huron a Detroit. En la ciudad de destino el tren hacia una parada de seis horas, que

el pequeño Edison aprovechaba para ir a una biblioteca pública donde empezaba

por el primer libro del panel inferior y seguía por orden con los demás hasta terminar

con toda la estantería.

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No se conformaba con leer insaciablemente, sino que probaba diferentes

experimentos basándose en lo que leía. Utilizaba un vagón vacío como taller y

laboratorio, y pronto comenzó a editar el Grand Trunk Herald, un sencillo semanario

del que tiraba cuatrocientos ejemplares.

A los dieciséis años empezó a trabajar como telegrafista. A los dieciocho, obtuvo un

empleo en la Western Union y se trasladó a Cincinnati y luego a Boston. Edison ideó

a los veintiún años un instrumento muy simple para el recuento mecánico de votos.

Al año siguiente, en 1869, consiguió en Nueva York un empleo de condiciones muy

ventajosas, después de haber resuelto una grave avería en un indicador telegráfico

que señalaba los precios del oro en la Bolsa.

A los treinta años llevó a cabo uno de sus primeros inventos importantes, el

fonógrafo. A continuación, se propuso encontrar un material que permitiera construir

una bombilla incandescente. Al fin, consiguió un filamento de bambú carbonatado

que alcanzaba la incandescencia sin fundirse. El 21 de octubre de 1879 Edison

realizó la primera demostración pública ante más de tres mil personas reunidas en

Menlo Park (California), con una bombilla que lució ininterrumpidamente durante 48

horas. Edison logró comercializar un primer prototipo viable de bombilla eléctrica

que llegaba a funcionar 1200 horas.

Hubo muchos más inventos, bastantes de los cuales fueron la base para el avance

de la industria eléctrica, la electrónica y el cine. Cuando Edison falleció en Nueva

Jersey en 1931, era ya considerado como uno de los más importantes inventores

de la historia, con más de mil trescientas patentes en los más diversos ámbitos.

De todos aquellos logros, quizá el de la bombilla incandescente requirió de él un

particular esfuerzo. Durante ochocientos días, con bastantes de sus noches,

apoyado por sus colaboradores, tuvo la paciencia de ensayar con más de mil fibras

diferentes, tanto vegetales como minerales y animales. Se cuenta que, durante las

últimas semanas, uno de sus colaboradores le preguntó por qué persistía de esa

forma en aquel empeño, tras casi mil intentos sin haber conseguido otra cosa que

fracasos. Edison le respondió con sencillez: “No son fracasos. En cada experimento

he descubierto un motivo por el que la bombilla no funcionaba. Gracias a eso, he

logrado saber ya mil formas de cómo no se debe hacer una bombilla”.

Cada error trae consigo una enseñanza, aunque sólo sea un simple detalle que

corregir y mejorar. Hay muchas cosas que no nos salen bien, y a lo mejor llevamos

tiempo aparentemente sin avanzar, pero, si seguimos buscando pequeños detalles

en que mejorar, sin desalentarnos, quizá ya hemos aprendido mucho y nos falta

poco para llegar a un buen resultado. Se ha dicho que “una persona inteligente se

recupera enseguida de un fracaso, pero una persona mediocre tarda mucho en

recuperarse de un triunfo”. A veces, los fracasos son un modo de aprender y, en

cambio, los éxitos nos hacen acomodarnos en una mediocre complacencia.

Hacer Familia nº 204

Balenciaga Texto María Zárate

El vestido era para él la casa del cuerpo. Y consideraba que cada cuerpo era distinto a los demás. Por eso buscaba la perfección en todas sus creaciones. “Es un verdadero modisto”, solía decir de él Coco Chanel. Cuarenta años después de su muerte, nadie tiene dudas de que Cristóbal Balenciaga (1899-1972) elevó la moda a la categoría de arte. Estos días, algunos de sus diseños se pueden admirar en Nueva York, en una exposición de título elocuente: “Balenciaga, maestro español”.

La boda de Fabiola de Bélgica, fue el primer gran acontecimiento que miles de personas pudieron admirar en directo gracias a la naciente Eurovisión. En Bruselas había nevado y el termómetro no superó los cero grados aquel jueves invernal, pero la joven española que había enamorado a Balduino se presentó en la catedral de San Miguel y Santa Gúdula con un deslumbrante traje de novia que el periodista Fermín Urbiola ha descrito con algo de detalle en su reciente biografía de la soberana: el vestido era de satén blanco, con una larga cola y varios adornos de piel de visón en el escote y en el talle. El conjunto, “que se ceñía ligeramente al cuerpo”, lo había diseñado “en armonía con el carácter sencillo y elegante” de la novia el modisto guipuzcoano Cristóbal Balenciaga.

Aquellas imágenes nupciales de Fabiola de Mora y Aragón que dieron la vuelta al mundo –y que incluso se popularizaron en cromos coleccionables– vinieron a confirmar el prestigio del diseñador español, que ya había cumplido entonces 65 años, y que había visto cómo la fama de su apellido se multiplicaba en revistas de papel couche de todo el mundo.

Hoy, medio siglo después, Balenciaga sigue siendo una marca que se pronuncia con respeto y admiración.

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El arte y el folklore españoles, y la inspiración que Balenciaga siempre encontró en sus raíces

Un director de orquesta

Guetaria se encuentra cerca de Zarauz, y en Zarauz solían veranear algunas de las grandes familias de la aristocracia española. Una de ellas era justamente la familia De Mora y Aragón. Miren Arzallus cuenta en la biografía del modisto (Cristóbal Balenciaga. La forja del maestro) que la abuela de Fabiola, la marquesa de Casa Torres, hacía encargos frecuentes a la madre del futuro diseñador. Se trataba principalmente de arreglos en la ropa de los niños o el servicio que ella realizaba en su modestísima vivienda. Y que fue en el interior de aquel hogar asomado al Cantábrico donde se produjo el punto de inflexión que años después hizo posible el espectacular vestido de novia de la reina de Bélgica. Ocurrió al parecer que el joven Cristóbal, en el que ya latía la pulsión creadora, propuso a la marquesa de Casa Torres copiar a mano uno de sus vestidos. Ella aceptó el reto algo incrédula y poco tiempo después se rindió admirada ante la capacidad y a la destreza del muchacho. Desde entonces fue su primera clienta y su mecenas. También su hija Blanca se puso en manos del modisto y colaboró con él en numerosas ocasiones. Gracias a esos apoyos, y gracias especialmente a las enseñanzas de su madre, Cristóbal Balenciaga pudo desplegar todo su potencial. Era capaz de imaginar cualquier traje y de plasmarlo en la tela con sus manos. Esa forma de trabajar sería desde siempre su insignia: la alta costura.

Empezó trabajando por su cuenta, pero en 1919 se asoció con las hermanas Lizaso, dos costureras de San Sebastián, y poco después abrió su primera tienda en el número 2 de la avenida de la Libertad de la capital guipuzcoana. Pronto hubo treinta personas trabajando para él en el establecimiento. Inauguró a continuación otras dos tiendas en Madrid y Barcelona, y su nombre alcanzó gran fama entre las mujeres españolas de cierta posición. Durante la Guerra Civil se trasladó a París y se instaló en un tercer piso de la avenue Georges V, un elegante inmueble que aún acoge la representación de la marca. Sólo entre 1954 y 1955, Balenciaga

abocetó 607 diseños, vendió 2.325 modelos, convirtiéndose en uno de los grandes couturiers de la moda.

Entre sus clientas se encontraba lo más selecto de la alta sociedad internacional: desde las actrices Marlene Dietrich o Greta Garbo hasta la condesa de Bismarck o la duquesa de Windsor, entre otras muchas. Los elogios a su trabajo se convirtieron en una cantinela que recorría los grandes salones europeos. Quienes le veían trabajar se maravillaban por su habilidad para cortar patrones y unir las piezas a mano. Coco Chanel, otra de las referencias indispensables en el mundo de la moda de aquellos años, afirmaba: “Es el único capaz de diseñar, cortar, montar y coser un vestido con sus propias manos”. Para Chanel, Balenciaga era “un verdadero modisto”; a los demás los consideraba sólo “diseñadores de moda” (y se incluía a sí misma en ese colectivo). Christian Dior también quedó hechizado por su trabajo, en el que incluso descubrió algunos paralelismos con la música: “La alta costura es una orquesta que sólo Balenciaga sabe dirigir. Nosotros, el resto, seguimos sus indicaciones”. Hubert de Givenchy fue otro de sus admiradores más destacados, además de amigo: “Balenciaga no sólo ha creado un estilo, sino también una técnica. Es el arquitecto de la alta costura”, declaró en una ocasión.

Balenciaga se inspiraba en el Arte para todos sus diseños. Solía recordar a sus trabajadores que un gran modisto debe ser un arquitecto para las líneas, un escultor para las formas, un pintor para los colores, un músico para la armonía y un filósofo en el sentido de la medida. No era un diseñador común, su peculiar carácter difería del resto de modistos. Era muy discreto, serio, perfeccionista, reacio a los actos sociales y a las fiestas, evasivo con la prensa y, sobre todo, humilde. Cuando en 1968 dejó la moda, había completado una larga carrera de diseños e innovaciones textiles. La sociedad y el mundo de la moda estaban cambiando, y quizá ya no había hueco para él. O quizá él ya no deseaba el espacio que hasta entonces había tenido. Falleció en 1972.

Piezas del artista

¿Balenciaga sin Balenciaga?

Desde 1978, la marca que Cristóbal Balenciaga puso en marcha en 1919 ha pasado por distintas manos. Hoy pertenece al Grupo Gucci, y su director artístico

es Nicolas Ghesquière. Como ha ocurrido en otras casas de moda que también perdieron a sus creadores originales, los propietarios nombraron a un director artístico que orientase la línea de los diseños. En la historia más reciente de la moda, las relaciones entre la casa y el director artístico han sido, por lo general, muy intermitentes. La gran mayoría ha permanecido en su puesto muy poco tiempo. Ghesquière, sin embargo, es uno de los pocos modistos que mantiene una relación estable con su empresa: trabaja en Balenciaga desde 1997. Hay quienes defienden su labor creativa, pero también se le ha acusado de apartarse de la esencia del modisto. Cuarenta años después de su muerte, la pregunta parece inevitable: ¿Consigue Balenciaga ser Balenciaga? La respuesta no es sencilla, pero no cabe duda de que Balenciaga sigue siendo una de las boutiques y una de las marcas más prestigiosas de la moda actual.

En realidad, hasta la segunda mitad del siglo XX los grandes costureros no creyeron que su nombre sobreviviría a su muerte. Consideraban que los modistos más jóvenes que se habían formado con ellos crearían sus propias marcas. En el caso de Balenciaga ocurrió algo de ese estilo con los aprendices Emanuel Ungaro y André Courrèges, a quienes él mismo animó a montar sus propios talleres. Gracias a la reputación de su maestro, sus firmas se han perpetuado hasta la actualidad.

Inicialmente, la casa Balenciaga la heredó la familia del diseñador, que mantuvo el negocio vendiendo perfumes y accesorios. Seis años más tarde se hizo con ella el grupo alemán Hoechste, que en 1986 la vendió al grupo francés de perfumes Bogart, dirigido entonces por Jacques Konckier. Lesley Ellis Miller cuenta en su libro Balenciaga que la operación pretendía aprovechar la tradición de Balenciaga y no olvidar su aportación a la moda. Paradójicamente, los beneficios de la empresa en el 2000 se debieron principalmente a las ventas de perfumes, y no a la ropa. Un año después la compró el grupo Gucci. Domenico De Sole y el diseñador tejano Tom Ford deseaban convertir el nombre de Balenciaga en una marca global de lujo. Tenían experiencia porque ya eran los dueños de los bolsos y zapatos de Bottega Veneta, de la ropa de Yves Saint Laurent, de los diseños de Stella McCartney y Alexander McQueen, de los zapatos de Sergio Rossi o de las joyas de Boucheron. El grupo Gucci compite en la actualidad con otro gran conglomerado de marcas de moda: Louis Vuitton Moet Hennessy.

—Un líder. Desde 1947 y hasta mediados de los sesenta, Balenciaga fue considerado líder de la alta costura parisina.

El papel de ghesquière.

En esa duradera relación de Balenciaga con el grupo Gucci ha sido muy importante la aportación de Nicolas Ghesquière. En las casas de moda, el director artístico es el responsable de que todos los diseños, telas, bordados, puntadas, dobladillos y bocetos suenen con el mismo tono, siempre perfectamente afinados. Al principio, el joven Nicolas Ghesquière –se hizo con la batuta cuando sólo tenía 26 años– dirigió la orquesta sin alejarse de las partituras originales de Balenciaga. No le fue mal porque obtuvo el Premio al Mejor Diseñador del Año en el 2000 y, doce meses después, el Premio al Mejor Modisto Internacional. Sin embargo, acabó centrando sus esfuerzos en el prêt-à-porter, un concepto muy alejado de la alta costura. Esta consiste en diseños exclusivos: se trata de coser a mano y a medida una prenda única para el cuerpo de una mujer concreta. Por el contrario, el prêt-à-porter o “listo para llevar” se limita a producir ropa en serie con patrones que se repiten. Por supuesto, el prêt-à-porter también puede ser diseño de lujo. Sin embargo, el uso de esta fórmula por parte de Ghesquière abría la posibilidad de que las melodías de Balenciaga –la esencia de su estilo– pudieran desafinarse.

Ana Balda, por ejemplo, sostiene que la moda que hace ahora Ghesquière no se identifica del todo con el espíritu de Balenciaga. Su afirmación es relevante porque lleva meses trabajando en una tesis doctoral sobre el mundo visual del modisto guipuzcoano. Dirige su trabajo Jorge Latorre, profesor de la Universidad de Navarra y doctor en Historia del Arte. A juicio de Ana Balda, Ghesquière es uno de los modistos con más talento creativo y proyección del panorama actual de la moda: “Hay cosas que llevamos que podemos ver en desfiles suyos de hace cinco temporadas. Probablemente en eso se parece mucho a Balenciaga: en que crean tendencia. Pero sus estilos son distintos, independientemente de que siga haciendo o no alta costura”.

El diseñador Pablo Durán también cree que ha habido una ruptura. Él hizo su proyecto fin de carrera sobre Balenciaga y hoy trabaja en el taller del modisto cántabro Ángel Schlesser, por lo que se maneja bien en el plano teórico y en la práctica. “Ghesquière no guarda la esencia de la antigua casa –indica–. Continúa con el mismo estilo en general, asume mucho de las formas, de las líneas, las mangas, las costuras, pero no lleva la misma esencia. La casa ya no hace alta costura sino prêt-à-porter”.

Pero también hay especialistas que sostienen lo contrario. Uno de ellos es Iñaki Carvajal, estudiante de Periodismo y Moda en el centro Saint Martins de Londres, que se ha hecho famoso por su blog de moda So vip zone, un espacio de tendencias muy visitado. Frente a las opiniones de Ana Balda y Pablo Durán, él cree que el apellido Balenciaga y la marca Balenciaga siguen compartiendo la misma esencia. Y lo explica: “Lo que caracteriza a las casas tradicionales de moda no son los cortes exactos que sus fundadores crearon, sino la motivación y la base de sus creaciones. En el caso de Balenciaga, eso pasaba por crear ropa fácil de llevar, que realzase lo bueno y ocultase lo malo, y que ofreciera además una estética diferente a cualquier otra cosa disponible en el mercado. En mi opinión, hoy día la marca reúne exactamente las mismas características”. Carvajal también defiende sin paliativos la labor de Ghesquière como director artístico: “Lo que le caracteriza como diseñador es la forma en la que juega con materiales. Cristóbal Balenciaga había hecho lo mismo observando cómo un mismo color varía del tweed al tafetán y al moiré. La diferencia es que Ghesquière lleva ese planteamiento más allá, haciendo uso de la tecnología moderna para crear nuevos materiales y transformarlos en prendas. Por ejemplo, la técnica láser para cortar los materiales. Aun así, los acabados se hacen a mano, siguiendo las delicadas técnicas de la alta costura. Todo son paralelismos entre Ghesquière y Balenciaga”.

Es un debate complejo, también porque las circunstancias y las personas son distintas respecto a las de hace unas décadas. Ana Balda señala que no se puede perder de vista que la moda actual se ha uniformizado más: “Las tendencias han cambiado, como la propia sociedad. Antes había una liga de grandes diseñadores (Chanel, Dior y Balenciaga) y una elite minoritaria que se vestía en esas casas de moda. Desde fines de los ochenta, con la aparición de las marcas de low cost, la

moda se ha ‘democratizado’ y la tendencia es que incluso las personas con más medios mezclan el prêt-à-porter de lujo con marcas baratas que cada vez están presentes en más ciudades del mundo”.

¿Balenciaga sigue siendo Balenciaga? Es complicado responder a una pregunta cuya respuesta siempre estará inducida por los gustos y la cultura visual de cada observador. Las opiniones recogidas en los párrafos anteriores revelan que hay varias interpretaciones posibles. Es indudable que Ghesquière ha conquistado una plaza en la moda actual gracias a su permanencia en la casa. Y también es cierto que su contribución profesional a la firma ha permitido que la marca Balenciaga no se haya visto zarandeada por cambios bruscos de diseño e imagen. El actual director de Dior es John Galliano, que se incorporó a la empresa en 1997, como Ghesquière, pero antes que él habían pasado por el puesto Yves Saint Laurent (un año), Marc Bohan (31 años) y Gianfranco Ferré (ocho años).

—El proceso. Balenciaga diseñaba sus colecciones a partir del estudio del comportamiento de los tejidos y construía los vestidos directamente sobre la maniquí.

Una forma de arquitectura.

La moda es Arte. Son Arte los diseños que se crean y también lo es el procedimiento que se emplea para crearlos. Balenciaga sabía muy bien cómo componer excelentes melodías utilizando el Arte como instrumento: la arquitectura, la pintura, la escultura, la música y hasta la filosofía estaban presentes de un modo intangible en cada uno de sus vestidos. El modisto guipuzcoano logró establecer lazos muy estrechos entre la arquitectura y la moda: más que diseñar vestidos, los construía. “Si la estructura es buena, se puede construir lo que sea”, afirmó una vez. Ana Balda lo explica con referencias concretas: “Para él el vestido era la casa del cuerpo, bonito o feo, con imperfecciones o no. Era la forma de esconder lo peor y resaltar lo mejor. Por eso, jugaba con las siluetas, las cambiaba. Si creía que algo no era el punto fuerte, decidía centrar la atención en una zona distinta del cuerpo, con sutileza. Ese creo que era su arte y en lo que estaba permanentemente concentrado. Para él no existían solo el talle o el busto, estaban también la espalda o la nuca, y se permitía crear vestidos que eran distintos vistos de frente, de perfil o desde atrás. Era eso

lo que resultaba tan moderno y lo que expertos y no expertos admiraban de una mujer vestida de Balenciaga”.

En su documental Balenciaga, el legado de un mito, Arancha Gorostola recrea la obsesión del maestro por conseguir el equilibrio y la perfección en la construcción del vestido. Y eso que Balenciaga prescindía con frecuencia de los bocetos iniciales por miedo a limitar su espontaneidad. Después de encontrar la tela y el material adecuado, calculaba los patrones y las líneas con una perfección geométrica. El resultado era una arquitectura de volúmenes y originalidad en las mangas, en el cuello o en el talle. Dotaba a los vestidos, a las faldas, a las chaquetas o a los abrigos de un carácter arquitectónico que conseguía que la ropa y el cuerpo de la mujer se confundieran y se complementasen al mismo tiempo.

Ese planteamiento creativo era además compatible con fuentes de inspiración muy pegadas al terreno. Por ejemplo, la indumentaria tradicional de los pescadores que conoció y trató en su Guetaria natal tuvo un papel destacado en el origen de algunas de sus creaciones. La pintura fue otra de sus musas, sobre todo a la hora decidir los colores y algunas formas de sus vestidos. Cecil Beaton, fotógrafo inglés de Vogue y de otras publicaciones del sector, lo bautizó como “el Picasso de la moda”. Hay un parentesco muy estrecho entre sus diseños y las pinturas de Goya, Pantoja de la Cruz, Zurbarán, Velázquez o Zuloaga. Influido por la plástica del barroco español, Balenciaga se decantó por los colores austeros y oscuros en algunos de sus diseños. Fue amigo de Joan Miró, al que envidiaba porque no necesitaba a nadie para componer sus cuadros. Y así se lo hizo saber: “Tienes suerte porque tus obras de arte las pintas tú solo; yo necesito a 500 personas”.

Balenciaga era un genio de las proporciones. El cuerpo de la mujer era para él una escultura viva que la moda podía completar. A partir de 1947, comenzó a dibujar líneas que se despegaban del cuerpo: los abrigos de la línea tonneau, en forma de barril; los vestidos balloon, en forma de globo; los trajes semi-ajustados; los vestidos baby doll, aniñados y espaciosos; y los vestidos queu de paon, es decir, “cola de pavo real” (corta por delante y larga por detrás), fueron las creaciones más innovadoras y exitosas de aquella época. Apostó también por la túnica, carente de toda forma, austera como él mismo, y, sin embargo, muy sofisticada. El escultor donostiarra Eduardo Chillida, gran amigo de Balenciaga, esculpió una obra para homenajear la labor del modisto. Se trata de una pieza en la que se advierte la figura de una mujer entre dos piezas de acero: toda una metáfora de la filosofía que animaba el trabajo el diseñador. Sus modelos no tenían que ser guapas ni altas ni muy delgadas: la perfección del diseño era suficiente. Tampoco se prodigó en desfiles espectaculares o grandes fiestas: el vestido tenía que ser lo fundamental.

El final de una época.

Sin embargo, el ímpetu creador de Balenciaga no fue capaz de sustraerse a los cambios de mentalidad que la segunda mitad del siglo XX impuso en Francia. La agitación estudiantil de mayo del 68 fue quizá la manifestación más visible de que se avecinaba una nueva época, pero hubo antes otros síntomas, también en el mundo de la moda.

La alta costura, que hasta hacía poco se había considerado un arte, se convirtió en pocos años en un procedimiento arcaico e inaccesible: los jóvenes que intentaban amortiguar su desengaño con algunas ideas procedentes del marxismo dejaron de identificarse con ese lujo textil que tanto había atraído a las generaciones anteriores. La primera muestra de que algo importante iba a pasar en el ámbito de la moda se produjo cuando la revista Elle, todavía en 1952, dedicó un reportaje al prêt-à-porter. Y también Vogue y Harper´s Bazaar publicaron varios artículos sobre la nueva tendencia. Muchas casas de costura empezaron a producir ropa en serie. Ni siquiera Dior se resistió a la nueva técnica. Fue igualmente entonces cuando Yves Saint Laurent cedió al esmoquin todo el protagonismo en una de sus colecciones de temporada. El pantalón se impuso como elemento transgresor: era el “masculino chic”. En 1965, André Courrèges, uno de los aprendices de Balenciaga, abandonó el taller del modisto vasco y creó su propia casa de moda, de donde saldría poco después la minifalda, que causó furor entre las jóvenes. Para él, la creación de diseños se obtenía a través de la máquina de coser, y no manualmente.

Balenciaga asistió con tristeza a estos cambios. La prensa lo nombró “grand old man of couture”, el gran anciano de la costura. No comprendía ni aceptaba ninguna de las innovaciones de Yves Saint Laurent o de Courrèges. Y menos aún las de Mary Quant: odiaba la minifalda. Pero la moda estaba tomando otros rumbos, y sus diseños fueron progresivamente reemplazados por los de otros creadores. Fue una época difícil que Ana Balda resume así: “Balenciaga no entendía el prèt-a-pòrter básicamente por dos razones: en primer lugar, porque creía que cada cuerpo es distinto y no todo quedaba igual a todas. Y en segundo lugar, por su perfeccionismo: él era un artista en el sentido estricto del término, y

un cuello o una manga tenían que quedar perfectos en quien los llevaba. Era su mentalidad y la tenía muy arraigada. Por eso, cuando vio que la producción en serie no garantizaba sus aspiraciones artísticas, entendió humildemente que su tiempo se había terminado y se marchó”.

En 1968 decidió probar suerte con el prêt-à-porter cuando Air France le propuso diseñar los uniformes de sus azafatas. Pero se resistía: a pesar de que el diseño era idéntico, el veterano modisto pidió que le acondicionaran un sitio en el aeropuerto de Orly donde poder probar los uniformes a cada azafata para garantizar que les quedaran bien. Insistía en que sólo la alta costura le permitía crear. Aquel mismo año, mientras los estudiantes trataban de encontrar la playa bajo los adoquines de París, el maestro se retiró. Fue una decisión que entristeció y sorprendió a casi todos sus admiradores. Cerró las casas París, Madrid y San Sebastián, y volvió a su tierra natal para recluirse en su caserío del Monte Igueldo, junto a la capital guipuzcoana. Durante algunas temporadas también se refugió en Jávea (Valencia). Su última aparición pública fue en 1971, en el funeral de su rival y amiga Gabrielle Coco Chanel, que se celebró en la iglesia de la Madeleine, en París.

—El presente. Nicolas Ghesquière representa desde 1997 la nueva imagen de Balenciaga.

El último diseño.

Ya retirado, Balenciaga accedió a crear un último vestido: el que llevaría en su boda Carmen Martínez Bordiú, duquesa de Cádiz y nieta del general Franco. Fue un conjunto de raso natural blanco, con ciertos reflejos grises y rosáceos, de manga larga, y dotado de un bordado en el que predominaban las flores de lis, especialmente la que destacaba sobre el pecho. Como había hecho con Fabiola unos años antes, diseñó el vestido en armonía con el carácter de la novia.

Aquella boda que la televisión y las revistas llevaron hasta el último rincón de España vino a ser el epílogo de uno de los más grandes couturiers de la moda. Los diseños, los tejidos, los cortes y los colores de Balenciaga abrieron nuevas

posibilidades, emocionaron a sus clientas y convirtieron el apellido del modisto en una marca perdurable, a pesar de que él siempre trató de vivir alejado de los focos y los micrófonos. Prudence Glynn fue la única periodista que tuvo la suerte de entrevistar a Cristóbal Balenciaga. En agosto de 1971, con toda justicia, The Times anunció el texto como una “exclusiva mundial”. Quizá ese carácter peculiar, tan reservado, haya privado a su propia historia de una mayor popularidad, como la de Chanel.

Eso sí, permanecen su marca y sus diseños. En 1973, sólo un año después de su muerte, se organizó la primera exposición sobre su obra en el Metropolitan de Nueva York. Desde entonces ha habido iniciativas similares en la Fundación de Moda de Tokyo, en el Museo Histórico de Tejido (Lyon), en la Power House de Sidney, en el Museo de la Moda y Textil (París) o, el año pasado, en el Museo de Bellas Artes de Bilbao. Asimismo, las muestras promovidas por distintas casas de subastas han contribuido a revalorizar su obra. Blanca Ramos Jarque, redactora de la revista Subastas del siglo xxi, asegura que Balenciaga es un gran reclamo en firmas como la Kerry Taylor Auctions de Londres. En el mundo de la alta costura, es la marca más demandada.

En el 2000, el Ayuntamiento de Guetaria creó la Fundación Balenciaga con el objetivo de dar a conocer la trascendencia que el diseñador ha tenido en la historia de la moda mundial. Y se prevé que dentro de poco concluya la construcción de un museo permanente. La marca tiene hoy boutiques abiertas en Nueva York, París, Hong Kong, Tokio, Cannes, Londres, Milán, Los Ángeles, Dubai, Osaka, Bangkok, Shangai, Las Vegas, Moscú y Atenas, entre otras capitales de los cuatro puntos cardinales. Su nombre conserva un prestigio que perdura en el tiempo y una herencia que pocos diseñadores han logrado, algo que parecía improbable cuando aquel joven que trataba de emular a su madre y a su abuela en un pequeño pueblo pesquero de la costa vasca dibujó sus primeros diseños. Hablar de Balenciaga es hablar de uno de los mejores modistos que el mundo de la moda ha conocido. Hablar de Balenciaga es hablar de Arte, con mayúscula.

Abrigo en otomán de seda Vestido de día en lana beige, Vestido brocado en seda e hilo fucsia y botones forrados. 1950. Posterior a 1960. dorado. Posterior a 1960.

El “sin sentido” de unas fiestas con mucho sentido

Jorge Enrique Mújica

Hoy somos testigos del vacío de significados al que se está sometiendo nuestra

cultura cuando, directa o indirectamente, se tergiversan y confunden las fiestas

religiosas, cívicas y sociales. A las religiosas se les añaden elementos del todo

ajenos o se suprime la realidad última que conmemoran; a las cívicas se les

instrumentaliza según el grupo político que las "haga suyas" y a las sociales se les

suprime el fundamento o se comercializan al extremo.

Podrían parecer detalles sin importancia, pero son tan graves que podemos llegar

a perder la propia conciencia histórica y la identidad cultural como pueblo, olvidar

de dónde venimos y hacia dónde vamos.

La cultura es el conjunto de las manifestaciones en que se expresa la vida

tradicional de un pueblo. Parte de esas manifestaciones son las fiestas que celebran

los ciudadanos. Y es que ante la cultura sólo caben dos posturas: la de los que van

contra ella o la de los que la promueven.

Se va contra la cultura cuando se cae en laicismo, reduccionismo, sincretismo o

consumismo.

Laicismo. Cuando en nombre de la aconfesionalidad del Estado y el "respeto" a los

demás credos, se suprime el Belén o Nacimiento en las escuelas públicas donde la

Índice

mayoría de los alumnos son católicos, se habla de "fiestas de invierno" en lugar de

Navidad, o se cambian por imágenes de montañas nevadas y monos de nieve las

portadas de las tarjetas o adornos que hasta hace poco tenían alusiones abiertas

en relación al niños Dios, a la Virgen o a los Reyes Magos.

Reduccionismo. Es pretender reducir una idea significativa a una menos importante

o bien, entender un concepto pero sólo enfocándose en una de sus partes en lugar

de comprenderlo como un todo. Se cae en reduccionismos cuando por ejemplo, los

aniversarios cívicos (Independencia, Revolución Mexicana, 5 de mayo o día del

trabajo) se desvirtúan al grado de llegar a ser sinónimos de "borracheras" u

ocasiones para que tal o cual grupo político se tome la libertad de apropiarse del

festejo en su conjunto como si fuese una fiesta partidista.

Sincretismo. Puede ser cultural o religioso. Consiste en fundir o asimilar elementos

del todo ajenos a la concepción original. De alguna forma es como abdicar de lo

nuestro, de lo que nos caracteriza, y abrazar lo ajeno. Un ejemplo es cuando se

adoptan formas de celebrar de otros países. También está el caso del abandono de

las piñatas, el rechazo por los juguetes típicos mexicanos o los productos

nacionales.

Consumismo. Es reducir la cultura a objeto de consumo; es lucrar con ella

despojándola de sentido y condicionándola a la ley de la oferta y la demanda. Ahí

está, por ejemplo, san Valentín (14 de febrero), el día de la madre o del padre, en

los que no importa la memoria del santo ni el amor hacia la pareja, la mamá o el

papá sino cómo y con cuánto se "manifiesta" ese "amor" que se dice tenerles (con

la consecuencia "lógica": a mayor amor más elevado el costo del regalo). Lo mismo

sucede en Navidad. En esta temporada se nos bombardea con anuncios que nos

invitan al consumo de toda clase de productos, y se desvía la atención del motivo

de la celebración.

Promover la cultura es conocer los orígenes de ella, profundizar en ellos,

defenderlos y transmitirlos. Conocer los orígenes no es sólo ir a la búsqueda

histórica de los inicios festivos de las celebraciones, sino indagar en todo lo que

conllevan de significados. Profundizar en ellos es tratar de "penetrar" el porqué de

cada celebración.

Defender la cultura es reconocer lo mucho que de bueno hay en ella, es valorar lo

que ha hecho por el progreso de nuestro país. Transmitirla es procurar que muchas

generaciones más la conozcan pero con la debida pureza, sin manchas, íntegra. Y

para eso no debemos permitir que las fiestas religiosas, cívicas y sociales sean

adulteradas.

Tampoco podemos permitir que se invoque la aconfesionalidad del Estado para que

sean sofocadas. Si el Estado no tiene religión propia es porque tiene el deber de

proteger a todas las religiones, empezando por la mayoritaria, que libremente

quieren profesar y vivir sus ciudadanos. La obligación del Estado aconfesional es

respetar y apoyar las manifestaciones religiosas de los ciudadanos; más todavía

cuando esas manifestaciones no atentan contra la dignidad humana sino que la

ayudan y hacen al hombre ser más hombre.

Si de verdad queremos defender la cultura, debemos velar para que las fiestas no

se transformen en ocasiones para el consumo sin más; en "fiestas comerciales".

Permitirlo sería renunciar al legado cultural que llevan consigo.

La cultura en un pueblo es como la harina en un pastel, el agua en un caldo o la

grenetina en una gelatina. Sin harina no hay pastel, sin agua no hay caldo y sin

grenetina no hay gelatina. No se puede dejar vaciar de contenido a las fiestas

religiosas, cívicas y sociales porque son parte constitutiva de la cultura. Permitirlo,

hacerlo, es el primer paso para enterrar a la sociedad. Sin cultura, sin nuestra

cultura, no somos nada.

¡Tenemos que Hablar!

Yo influyo

La alianza entre el lujo y la gran distribución

Virginia Rodríguez

Las colecciones cápsula son ediciones de moda, de producción limitada, que se

realizan para una marca concreta

En estos días hemos asistido a un gran despliegue publicitario mundial llevado a

cabo por la cadena sueca H&M y la exclusiva firma italiana Versace. El motivo ha

sido el lanzamiento de una nueva colección en la que ambas marcas han

colaborado.

Llamativos anuncios en televisión y en prensa, una ingente actividad en redes

sociales, venta especial previa reservada a personajes famosos, desfiles. Todo para

dar paso a la venta al público general, que se concentrará, en una fecha señalada,

en determinados establecimientos. La oferta permanece en el punto de venta

mientras se disponga de existencias y se mantenga el interés.

H&M ha explotado esta estrategia de colaboración con otras marcas y diseñadores

de moda desde 2005. En su haber encontramos grandes nombres como Stella

McCartney, Viktor & Rolf, Roberto Cavalli, Jimmy Choo o Lanvin, a los que se unen

algunos participantes más, como Madonna o Sonia Rikyel, con éxito comercial

desigual.

Colecciones cápsula

Índice

Estas colecciones cápsula (que así han pasado a conocerse) podrían definirse

como ediciones de moda, de producción limitada, que se realizan por y para una

marca en concreto. Bien dentro de la misma, bien en colaboración con otras marcas,

incluso de sectores de negocio diferentes.

Los artículos de esta colección cápsula distan de las calidades habituales y la

exclusividad propias de la firma italiana

Ejemplos de las primeras podemos buscarlos en Missoni, con el desarrollo, en la

primavera de 2010, de una edición limitada para los más pequeños, con sus

característicos diseños en punto. Más reciente, la colección “Made in…”, con la que

Prada pretendía reivindicar las antiguas y cuidadas técnicas artesanales de distintos

lugares del mundo.

En cuanto a las muestras de colaboración entre distintas enseñas, no sólo se ciñen

a empresas extranjeras o a grandes cadenas internacionales, como H&M. En

España, esta estrategia de negocio está también presente en las colaboraciones de

Desigual y Christian Lacroix o en las numerosísimas que ha protagonizado, desde

mediados de los años 80 hasta la actualidad, Agatha Ruiz de la Prada junto a

Castañer o Swatch, por mencionar solo algunas de ellas.

Ediciones limitadas

Algunas de las personas entrevistadas, a la salida de los establecimientos

seleccionados por Hennes & Mauritz en los que se puso a la venta la colección “The

very best of Versace for H&M”, comentaban cómo se había visto cumplido su anhelo

de tener un ‘versace’.

Si bien esta colección iba más allá de la ropa de mujer y hombre, para incluir

accesorios femeninos y ropa para el hogar, no es, exactamente, un ‘versace’ lo que

han comprado estos clientes. Aunque con una calidad diferente y un precio más

elevado que la media de los productos de la cadena sueca (vestido H&M colección

party 39,95€ vs. vestido H&M colección Versace 129€), los artículos de esta

colección cápsula distan de las calidades habituales y la exclusividad propias de la

firma italiana.

Si buscamos una característica definitoria de las colecciones cápsula, deberíamos

quedarnos con que son ediciones limitadas. Sobre todo si tenemos en cuenta que

las fórmulas de colaboración ni siquiera son terreno exclusivo de las marcas de

moda (ahí están Ford y Microsoft, Iberia y Heineken, Lomography y White Stripes),

aunque hayan proliferado especialmente en este sector.

Las colecciones cápsula más populares son aquellas en las que las diferencias

entre las marcas colaboradoras son más evidentes. Más aún si la maquinaria de

publicidad funciona a todo gas para vendernos la coparticipación en un proyecto

entre un diseñador del ámbito del lujo y una gran cadena de la distribución, motor

principal del gran consumo.

Detrás de este comportamiento, que en otras épocas sorprendería, existe una

estrategia comercial y de negocio. La alianza entre dos marcas para dar lugar a un

único producto, co-branding, no es un proceso propio de la moda ni necesariamente

característico de épocas de mayor turbulencia económica o dificultad financiera.

La estrategia de las asociaciones entre marcas

¿Qué pueden perseguir las asociaciones entre H&M (moda) y Versace (moda),

Adidas (deporte) y Vespa (automoción), Agatha Ruiz de la Prada (moda) y Vorwerck

(pavimentos/alfombras), Nike (deporte) y Apple (tecnología), La Martina (moda) y

Nesspreso (café)?

Los objetivos son variados: ampliar la base de clientes; conseguir beneficios

estratégicos o financieros; dar respuesta a necesidades, incluso potenciales, de los

consumidores; fortalecer la posición competitiva; introducir un nuevo producto con

una imagen fuerte; crear un nuevo valor percibido por el cliente (Doshi, 2007).

Por lo tanto, al menos en lo que a la teoría se refiere, una estrategia empresarial y

de negocio mueve estas asociaciones entre marcas.

Los resultados que los asociados obtienen de su participación en el proyecto común

son difíciles de evaluar en muchos casos. Más aún si consideramos que,

tradicionalmente, cierto hermetismo ha envuelto las cifras de los negocios de moda,

en lo referente a sus resultados de ventas y su publicidad.

Sin embargo, observar cómo en cuestión de minutos los percheros de las tiendas

de H&M quedan absolutamente vacíos e, incluso, se debe fraccionar por minutos el

acceso de cada cliente al establecimiento para comprar los ‘versaces’, son aspectos

que ofrecen pistas sobre el éxito de ventas de la operación, al menos desde la óptica

de la cadena de distribución. La repercusión en la imagen y la cifras de Versace es

otra cuestión.

Aceprensa

CINE Algo para ver en TV

Héroes cotidianos

HBO: Miércoles 14:15 hrs., Jueves 16:05 hrs., Viernes 16:00 hrs.

Las historias de personas que van más allá de sí para ayudar a otras personas que están en desventaja o vulnerables llegaran a la pantalla de HBO, a través de la serie documental Héroes cotidianos; cuenta con la participación de seis cineastas mexicanos.

La producción que comenzó en 2013 consta de seis episodios dirigidos por el mismo número de documentalistas mexicanos: Ernesto Contreras, Juan Carlos Rulfo, Everardo González, Alejandra Sánchez y Lucía Gajá y Mercedes Moncada.

"Surge de la necesidad por generar un contenido que pueda motivarnos, buscamos otro ángulo de las historias de esto series anónimos que buscan beneficiar a su comunidad, son seis historias poderosas", comentó Contreras, director general de la serie.

Héroes cotidianos realiza un recorrido por algunas zonas del país, incluso más allá de la frontera, a fin de captar historias auténticas, con las que espectador pueda conectar, "historias entrañables que lleguen al sentido humano", dijo Contreras.

Entre las historias destaca la labor que realizan Las Patronas de Veracruz, para alimentar a los migrantes que cruzan por territorio nacional sobre La Bestia; Los topos, niños de escasos recursos o profesores jubilados, entre otras.

Índice

Ingeniería Extrema

Discovery Channel: Martes, 13:00 hrs.

Serie que nos permite llegar al interior de monumentales proyectos de construcción para darle un vistazo a lo que será la ingeniería del futuro. Por medio de espectaculares imágenes generadas por computadora, la serie nos presenta los obstáculos de alta tecnología que deben ser superados y cómo avanza la tecnología de hoy para acomodarse a las necesidades de estas portentosas estructuras del

mañana.

Pride and Prejudice

BBC Entertainment: Lunes 21:00 hrs., 22 hrs., Martes 05:00 hrs., 06:00 hrs., 13:00 hrs., 14:00 hrs.

En mitad de la campaña inglesa de finales del siglo XVIII, la Sra. Bennet se entera de una gran noticia: un joven rico y soltero acaba de mudarse. Madre de cinco hijas

sin dote, su gran objetivo es que una de ellas se case con él.

Recomendaciones de Cine

El Juez

Director: David Dobkin Clasificación: B Año: 2014 Género:

Robert Downey Jr. protagoniza esta película interpretando al gran abogado Hank

Palmer, quien regresa a su hogar de la infancia cuando su distanciado padre, el

juez del pueblo (Robert Duvall) es sospechoso de asesinato. Es cuando se

dispone a descubrir la verdad y en el proceso, se reencuentra con la familia de la

que se alejó años antes.

Índice

Clásicos de biblioteca

The ultimate gift

Sinopsis: Base don Jim Stovall’s best-selling novel, The ultimate gift sends a Young man

of privilege on an improbable journey. Trust fund baby Jason Stevens (Drew Fuller) loves

all of life’s gifts, as long as they’re bankable. But when his weathy grandfather, Red (Garner),

diez, Jason recieves a most unusual inheritance: twelve tasks, which Red calls “gifts”, to

challenge Jason to grow as a man. If he succeeds, the experience will not only change

Jason forever, but he will discover the real meaning of wealth.

COCA-COLA THE HISTORY OF AN AMERICAN ICON

Sinopsis: It’s hard to imagine life without COCA-COLA. But justo ver 100 years ago, the

world had never Heard of a cola, let alone bottled soft drinks. Times have certainly changed,

and through it all – war, depression, prosperity and the technology revolution- COCA-COLA

has remained the “pause that refreshes” for countless people on a daily basis.

Encuéntralo en Biblioteca con la clave: PEL 306 ULT 2007 Ei. 1

Imp. / Ed.: 20th CENTURY FOX Descripción: 1 disco óptico de computadora (117 min.): sonoro, digital, color ; 4 3/4 plg. Detalles de sistema: DVD Región 1 y 4.

Encuéntralo en Biblioteca con la clave: DOC 650.1 COC 2001

Ej. 1

Imp. / Ed.: MPI Home Video Descripción: 1 videodisco (145 min.) son., col. 4 3/4 plgs. Detalles de sistema: DVD Región 4.

Índice

Who says we can’t do it?

Sinopsis: 13 de junio de 2012. Todo cambia para el aclamado ciclista ganador de 7 Tours

de Francia Lance Armstrong, cuando es acusado de dopaje sistemático por la Agencia

Antidopaje de Estados Unidos (USADA). Esta acusación continúa adelante hasta el

fatídico 23 de agosto de 2012 en el que la USADA decide retirarle sus 7 Tours de Francia

y suspenderle de por vida.

Estos acontecimientos marcan la vida del ciclista, admirado por su entrega y su valentía a

la hora de vencer en la máxima competición sino también por superar un cáncer de

testículos y volver a proclamarse vencedor. Su caso, insólito y triste a la vez hizo

tambalearse los cimientos de un deporte como el ciclismo.

El 17 de enero de 2013 decide confesar en una entrevista con Oprah Winfrey, haber

consumido EPO, testosterona y transfusiones de sangre para mejorar su rendimiento. Lo

que para muchos fue un secreto a voces, este suceso supuso un antes y un después en

el mundo del deporte. Este documental nos mostrará todas las caras del heptacampeón y

la mentira que asoló al ciclismo.

Entre Marte y Venus

Sinopsis: ¿Es verdad que los hombres son de Marte y las mujeres de Venus? ¿A caso la

similitud entre los géneros humanos es lo que al mismo tiempo los hace tan diferentes?

John Gray es un hombre que mediante su búsqueda por la empatía entre el hombre y la

mujer ha encontrado lo que impulsa las emociones de ambos y como estas – a pesar de

todo- pueden funcionar de manera armoniosa. Atrévete a descubrir el punto exacto donde

hombre y mujer convergen para enriquecer sus virtudes no solo como individuos sino

también como pareja.

Encuéntralo en Biblioteca con la clave: DOC 796.609 2 LAN

2002 Ej. 1

Imp. / Ed.: Enterprise Media Descripción: 1 videodisco (58 min.): NTSC, color Detalles de sistema: DVD Región 1 y 4.

Encuéntralo en Biblioteca con la clave: DOC 155.2 GRA 2007

ej. 1

Imp. / Ed.: Art House Movies Descripción: 1 videodisco (47 min.) son., col. 4 3/4 plgs Detalles de sistema: DVD Región 1 y 4.

CULTURA ¿A donde ir?

Centro Cultural "La Ferro" 09 de Enero a 31 de Diciembre Lunes a viernes de 9:00 a 20:00 y sábados de 9:00 a 15:00 hrs Lugar del evento: Calle 10 entre la Calle 9 y Calle 7 Precio:

Descripción:

Buscando fortalecer las capacidades de la

sociedad civil para gestionar sus propios

proyectos.

Museo de Arte Zapopan

Inaugurado el día 2 de Agosto del 2002, este

museo busca difundir las mejores expresiones del

arte universal en sus diversas manifestaciones.

Cuenta con tres salas de exposición y un foro

multidisciplinario que albergara propuestas

contemporáneas de música, danza, teatro y

medios audiovisuales.

El público que se adentre en este nuevo espacio

para el arte, descubrirá muestras temporales de

obras clásicas de autores tan diversos como

Rodín, Picasso, Tamayo, Warhol y propuestas

actuales con las de Soriano, Toledo, Yazpik,

Sueter, Álvarez, así como colecciones de arte

mexicano.

Domicilio: Andador 20 de Noviembre #166, Zona

Centro

Zapopan, Jalisco

Tel: (33) 3818-2575

Horario: Martes a Domingo de 10:00 a.m. a 6:00

p.m.

Índice

Museo de Caza "Benito Albarrán"

Uno de los hobbies del Sr. Benito Albarrán era la caza de animales salvajes; el museo ofrece una gran variedad de animales exóticos que forman parte de su colección los cuales son aproximadamente 270 ejemplares, entre los que se encuentran un oso polar, un venado de cola blanca, un wapiti, un búfalo, un rinoceronte blanco, leones, tigres, etc.

Domicilio: Paseo de los Parques #3450, Colinas de San Javier Zapopan, Jalisco Tel: (33) 3641-4511 Horario: Domingos y días festivos de 10:00 a.m. a 2:30 p.m.

Vivir para el ver 12 de Noviembre a 21 de Diciembre Martes a domingo de 10:00 a 18:00 hrs. Lugar del evento: Globo Museo del Niño (Unidad Administrativa Reforma, 5 de Febrero, esq. Analco) Precio: $20 pesos

Descripción:

De Carlos Garduño.

Poesía y pintura por Susana Poblette 11 de Diciembre 18:00 hrs Lugar del evento: Casa Musa GDL (Lapislazuli 2581, entre Islote y Litoral) Precio: Descripción: Ameniza el dueto de Gypsy Jazz UNO MAS UNO

El arte del buen comer

Las frutas y verduras

Clasificación de las verduras

- De hojas: Se llama verduras de hoja a aquellas plantas que cuentan con hojas

comestibles, a veces estas comprenden también “peciolos” (es el rabillo que une

la lámina de una hoja a su base foliar o al tallo). Se conocen casi 1000 especies

de plantas con hojas comestibles, en su mayoría plantas herbáceas, como la

lechuga, la espinaca, acelga, col de bruselas.

- De raíz: Son la parte de una planta que crece bajo tierra y que es comestible,

suelen ser ricos en hidratos de carbono, azúcar y almidón. Dentro de este género

encontramos verduras como: la zanahoria, el nabo, puerro….. etc.

- De bulbo: Los bulbos son escamosos y concéntricos con un tallo corto de donde

salen las raíces, consumiéndose las hojas escamosas de reserva, en algunos

casos, se consumen las hojas verdes. Aquí en encontramos verduras como la

cebolla, cebolleta, ajo, remolacha, chalota.

- De fruto: Es el producto de una planta, la pulpa es la parte comestible, poseen

semillas, piel o cáscara, en unas su piel es comestible: jitomate, pimiento,

berenjena, calabacín, pepino, aguacate.

Índice

- De flor: Su origen es vegetal, crecen separados de la tierra, el centro del follaje

de hojas es su parte comestible: coliflor, alcachofa, romanescu

- Brotes germinados: Se compone de tallo y raíz, su parte comestible es el tallo y

el brote, se sirven en platos fríos o calientes. Vainas: Guisantes, habas, judías

verdes

- Inflorescencia: Es la forma o disposición en que se agrupan las flores en

plantas. Algunas son consumidas como hortalizas, como los alcauciles. Tallos y

peciolos: espárrago, cardo, apio

- Tubérculos: Son ricos en hidratos de carbono, principalmente almidón e inulina,

ya que son porciones del tallo o raíz que se engrosan acumulando estas

sustancias de reserva. Los tubérculos son generalmente subterráneos, aunque

también pueden ser aéreos: patata, batata.

Clasificación de las frutas

Según sea el Fruto

Futas de hueso o carozo

Son aquellas que tienen una semilla encerrada en un endocarpio duro,

esclerificado; como el damasco (albaricoque) o el durazno (melocotón).

Frutas de semilla o pomáceas

Son frutos derivados de un receptáculo engrosado que como la pera y la manzana

poseen cinco semillas sin cubierta esclerificada.

Frutas de grano

Son las frutas resultantes de un receptáculo engrosado, cuyos frutos verdaderos

(aquenios) presentan aspecto de minúsculas semillas en su interior. Tal es el caso

del higo, fruto que recibe el nombre botánico de sicono.

Según el Tiempo de Recolección

Fresca

Cuando el consumo se realiza inmediatamente o a los pocos días de su

recolección, de forma directa, sin ningún tipo preparación o cocinado.

Seca O Pasa

Es la fruta que tras un proceso de desecación artificial se puede consumir meses,

e incluso años, después de su recolección como las nueces en general

(incluyendo las castañas y las avellanas), los cacahuates, el cacao, las pasas o los

orejones. Las uvas, fruta mediterránea obtenida de la vid, se trata de una típica

fruta no climatérica

Según el Tipo de Maduración

Frutas climatéricas

Son aquéllas que muestran un incremento más o menos marcado en la tasa

respiratoria y en la síntesis de etileno. Entre las frutas climatéricas se cuentan: la

manzana, la pera, el plátano, la banana, el melocotón, el albaricoque, el kiwi y

lachirimoya, entre otras. Estas frutas evidencian una maduración coordinada por el

etileno, que regula los cambios de color, sabor, textura y composición.

Frutas no climatéricas

No presentan variaciones sustanciales en la tasa respiratoria o en la síntesis de

etileno durante la maduración. Entre las frutas no climatéricas se encuentran: la

cereza, la naranja, el limón, la mandarina, la piña, la uva y la fresa, entre otras.

Según Características Comunes

Fruta Cítrica

Aquella que se da en grandes arbustos o arbolillos perennes (entre 5 y 15 m)

cuyos frutos o frutas, de la familia de las Rutáceas, poseen un alto contenido en

vitamina C y ácido cítrico, el cual les proporciona un sabor ácido muy

característico. Las más conocidas son la naranja, el limón, la mandarina y la lima.

Fruta Tropical

Aquella que se da de forma natural en las regiones tropicales, aunque por

extensión, se aplica a las frutas que necesitan para su desarrollo unas

temperaturas cálidas y alta humedad, como la banana, el coco, el kiwi y la piña.

Fruta del Bosque

Un tipo de frutas pequeñas que tradicionalmente no se cultivaban sino que crecían

en arbustos silvestres en los bosques, como la frambuesa, fresa, la mora, grosella,

la zarzamora y las endrinas

Fruto Seco

Aquella que por su composición natural (sin manipulación humana) tiene menos

de un 50% de agua. Son alimentos muy energéticos, ricos en grasas, en

proteínas, así como en oligoelementos. Las más conocidas son la almendra, la

nuez, la avellana y las castañas.

Cómo preparar y cortar las hortalizas, frutas y verduras.

Las hortalizas y verduras proceden en su mayoría de la tierra, es decir han estado

todas en contacto directo con la naturaleza por lo que pueden venir con restos de

tierra y polvo o incluso con insectos. Por lo que es muy importante realizar una

correcta limpieza y desinfección.

Con las patatas, zanahorias, nabos, etc., lo más normal es que vengan con restos

de tierra y polvo. Por lo que siempre habrá que lavarlas debajo del agua antes y

después de pelarlas y en algunos casos extremos será necesario cepillarlas.

Con las hortalizas de hoja, en lechugas, acelgas, espinacas, etc. primero tenemos

que separar las hojas desechando las que no estén en perfecto estado visual (por

lo general las primeras capas de hojas) y después lavamos bien con agua para,

finalmente, escurrirlas.

En algunos casos nos hará falta desinfectar las hortalizas y verduras que vayamos

a preparar. Por lo general esto será necesario hacerlo con todas aquellas que

vayan a consumirse crudas. Hay productos específicos destinados a realizar esto,

pero simplemente nos valdrá si añadimos unas gotas de lejía apta para la

desinfección de agua de bebida en la dosis y tiempo que indique el fabricante.

Después siempre deberemos aclarar con agua abundante para eliminar cualquier

resto de olor a lejía.

Tipos de cortes más comunes de hortalizas frutas y verduras.

-Mirepoix: Es solo el corte en forma irregular de los vegetales que utilizamos para

la preparación de fondos, salsas o sopas. Generalmente significa picado en

cuartos sin importar que no tengan una forma artística definida porque la mayor

parte de las veces una vez cumplida su función de dar sabor son sacados y

desechados.

-Paisana: Son triángulos pequeños y de diferente tamaño de vegetales que son

ingredientes de algunas sopas. El corte en paisana consiste en hacer dados de 1

a 1,5 cm de grosor, se hace con patatas, calabacines, tomates, zanahorias, etc. se

utiliza para tortillas, pistos y guarniciones.

-Juliana: Juliana (Viene del francés Julienne. Francia la cuna de la gastronomía):

Es el corte de cualquier alimento, principalmente las verduras, en tiras muy finas.

Decimos de cualquier alimento porque de pronto podemos ver en una receta

"pechuga de pollo cortada en julianas" o tocineta, jamón queso cortado en juliana

y no es más que una forma de decir en tiras muy finas. El corte en juliana se

caracteriza por hacer unas tiras finas de unos cinco centímetros de largo. Se

aplica en cebollas, puerros, apios, judías verdes, etc. Se emplea en sopas y

ensaladas principalmente. Los vegetales cortados en juliana y salteados en

mantequilla pueden servir de acompañamiento o guarnición de un gran plato.

-Jardinera: Es muy conocido. Es una forma de cortar vegetales como la zanahoria

o la papa en bastones o tiras grandes de al menos 3cm. de largo. Si es para hacer

aderezos se deberá hacer muy fino.

-Bastón: Corte rectangular de unos 6 centímetros. de largo por 1 centímetro de

ancho. Se aplica para hacer patatas fritas y en otras verduras empleadas para

guarnición (zanahorias, apio). Primero se cortan rebanadas y luego los bastones

tratando que el tamaño sea uniforme.

-Brounoisse: (se pronuncia Brunua) El corte brounoisse se emplean hortalizas

cortadas de 1 a 3 mm de lado. Depende el tipo de hortaliza, pero por lo general se

hace un corte en rebanadas estilo juliana primero para luego coger todas las tiras

juntas y pasarle el chuchillo para picarlas. Se emplea con ajo, cebolla, puerro,

zanahoria, etc. Principalmente se usa en sofritos y salteados para rellenos, para la

confección de sopas y algunas salsas.

Macedonia: Son verduras o frutas cortadas en dados grandes aproximadamente

de 1cm. mezcladas entre si, es como una brunoise pero se diferencia en el

tamaño que es mucho mas grande.

Torneado: El torneado es un corte en que se deja la hortaliza con forma ovalada.,

dejando marcadas las aristas y como si fuese una pelota de rugby. Para ello

primero cortamos la patata como si fuese un cubo rectangular y luego se cortan

las 4 aristas de punta a punta y de forma ovalada. Se aplica en zanahorias,

patatas y calabacines (con piel mejor). Se utiliza para hervir, rehogar, blanquear,

risolar, siempre como guarnición. (Hay un torneado de champiñones pero no es

similar, y tampoco es una técnica básica).

Cascos: cuartos o gajos. Generalmente se utiliza en patatas, huevos duros y

tomates. Como su mismo nombre indica se trata de cortar en cuatro trozos a lo

largo. Si el tamaño del ingrediente es mayor, el número de gajos puede aumentar.

Ejemplos de corte en cuartos o cascos: Cebolla para escabeche, jitomate para

lomo saltado, huevos duros para adornar, etc.

Concassé: Es un corte que se emplea para el tomate pelado y sin semillas. Es un

picado de tomates crudos que han sido escalfados previamente para poder pelar y

eliminar más fácilmente la piel externa y se les ha quitado la semilla. Se pica

finamente: el nombre concasse en francés significa: finamente picado.

Château o torneado clásico: Es un corte para guarniciones de papas,

zanahorias, zapallitos italianos, etc. que una vez torneados se cuecen al dente y

se hacen siete cortes (método francés). . Se terminan salteando en mantequilla y

espolvoreándolos con perejil picado y deshidratado.

Chiffonade: Se trata de un corte muy fino en hilos, aplicado mayormente a

vegetales. Es más fino que el corte juliana. y se emplea en verduras de grandes

hojas en tiras alargadas muy finas, como la lechuga, espinacas, albahaca, hojas

de endibia, etc. Se lavan y se secan las hojas, Se apilan poniendo las hojas más

pequeñas en la parte inferior. Se enrollan las hojas Se cortan transversalmente en

cortes de 2 a 3 milímetros de grosor, lo que nos proporciona unos 'hilos' de

verdura denominados "chifonade" (de la palabra francesa chiffonner).

Emincé: Tiras gruesas de 1 cm. de ancho por 4 de largo aproximadamente.

También es llamado a veces corte pluma y es muy utilizado en algunos países

para el ceviche, por ejemplo.

Giratorio: Corte de verduras alargadas que tiene su origen en la cocina asiática.

Para aplicarlo se tienen que cortar las verduras en sentido diagonal al longitudinal

(sesgado). Tras el primer corte se le tiene girar 1/4 la verdura y se hace el

siguiente corte.

Hilo o paja: Primero se cortan rebanadas y a continuación a tiras finitas. El

ejemplo más conocido con las patatas a la paja (papas al hilo). Para esto es útil

darles el primer corte en una mandolina y después, se hacen montoncitos y se les

da el corte definitivo a cuchillo.

Fetas: Los alimentos cortados en láminas, generalmente lo oímos de los quesos

madurados como el parmesano, cuando cortamos los pedazos con el pelapapas,

o con un laminador como la mandolina

Noisette: Es un corte formando bolitas del tamaño de una avellana que se hacen

utilizando una cucharita especial llamada "sacabocado" o "boleador". Se emplea

para frutas y verduras como las típicas noisette de melón, sandía, papaya, etc

Parisien: Son bolitas de un tamaño más grande que las noisette y para hacerlas

se emplea un boleador más grande. Cuando las noisettes o parisienes se hacen

con patatas se les llama "pommes rissolete".

Parmentier: Son cortes con forma de cubos de aproximadamente 2 centímetros

Generalmente se usa con las patatas, aunque algunas veces también se aplica

este corte en verduras y carnes.

Doble cincelado o pluma: Se utiliza en las cebollas, y es cuando picamos una

cebolla por la mitad y luego cada mitad en lonjas finas, horizontal y verticalmente.

También se les dice Plumita

Van Dicke: Corte decorativo. Se aplica a frutas y verduras dándoles una forma

redondeada. Se les hacen cortes en forma de zig zag. Para poder hacer este tipo

de corte hay cuchillos especiales que permiten llevarlo a cabo con más precisión y

uniformidad. Se utiliza para canastas de sandía, melón, etc.

Rodajas: Cortes en forma de tajadas y dependiendo del alimento pueden ser

redondas como en las cebollas, o sesgadas como el plátano para freír o la papa,

tienen tamaños diferentes. Si se quiere un corte más parejo y preciso hay que

utilizar mandolina (un utensilio de cocina que se utiliza para cortar verduras,

queso, jamón y otros alimentos en rodajas uniformes de grosor)

Chips o Ruffles. Es un corte a base de tajadas redondas muy finas. Se suele

utilizar en patatas (papas) batatas, plátanos, etc. Corte de rodajas que con un

cuchillo especial se dibujan ondulas.

Vichy: Es un corte específico de verduras alargadas, anillos de 2 a 3 centímetros

de grosor. Es muy importante que el tamaño sea parejo.

Vichy Maigre: es un corte formando rodajas delgadas.

Vichy Gros: Es un corte formando rodajas gruesas.

Gaufrettes: Es un corte en rodajas con forma de rejilla que se puede realizar

gracias a los aparatos del mercado

Podemos seguir avanzando en el torneado y llegamos al tipo diente de ajo.

Consiste en cortar las patatas torneadas cortándolas a su vez en cuartos y

suavizando las aristas. Se hacen risoladas como guarnición.

Avellana. También conocido como noisette, son bolas de patata obtenidas con una

cucharilla sacabocados o vacía-tomates. También se elaboran risoladas como

guarnición.

El corte en bastón es la típica patata frita. La diferencia viene marcada por el

grosor, podemos hacer paja, cerilla, bastón (larga y totalmente cuadrada),

española (larga y rectangular).

Preparados para fondos. Se utilizan hortalizas a las que se le vacía la parte central

para rellenar con alguna farsa o salsa. Primero se hierven y después van

glaseados. Es muy común un fondo de alcachofas, calabacín, etc. Y se utiliza para

fondos.

El corte en cuartos se trata de cortar la hortaliza en cuartos de forma longitudinal,

se emplea con zanahorias, calabacín, champiñones y alcachofas. Principalmente

se utilizan para salteados y hervidos.

Por último también se pueden hacer cortes planos. Se utilizan para distintas

preparaciones, son cortes transversales de diferente grosor. Desde lo más fino

para hacer chips un poco más grueso para el tipo soufflé, más grueso y

conseguimos un tipo panadera (como las patatas) y más grueso para hacer

rodajas.

Espero que os haya gustado el segundo capítulo de nuestro curso de cocina,

cómo preparar y cortar las hortalizas y verduras.

Arte gráfico

Índice

Articulo Cultural

Origen y etimología de algunas palabras

PROPINA. En latín, propinare significaba ofrecer algo para beber. En la antigua

Roma, "propinar una paliza" era el modo de compensar un mal servicio. Así,

dejarle propina al mozo tiene una doble raíz: es un curioso "autogolpe" a nuestra

billetera cuando creemos haber sido atendidos mejor de lo que esperábamos.

RAYOS X. Wilhelm Konrad Röntgen recibió el Premio Nobel de Física en 1901 por

su descubrimiento en 1895 de una radiación desconocida hasta entonces, y que

llamó por eso "rayos X".

RH. En 1940, cuando ya contaba 72 años de edad, el patólogo austriaco K.

Landsteiner logró descubrir la existencia del factor Rhesus, conjuntamente con

Alexander Salomon Wiener. Este aglutinógeno, conocido generalmente como

factor RH, se convirtió muy rápido en un recurso imprescindible para la

determinación de los grupos sanguíneos y para evitar la producción de reacciones

hemolíticas.

ROSARIO. Esta palabra viene del latín y significa rosaleda. Es una oración a la

Virgen María que se formó hacia el año 1400 y está compuesta por el rezo de 50

Avemarías.

Índice

SIESTA. La Regla de San Benito incluía la norma de guardar reposo y silencio

después de la "sexta hora" (que a su vez proviene de la hora sexta latina, es decir,

del mediodía). Ahí tuvo su origen la palabra "sextear" o "guardar la sexta", que

después se deformó en el popular "sestear" o "guardar la siesta".

SNOBS. Es un acrónimo de la expresión "sine nobilitate" (en latín: sin nobleza), y

ha derivado en utilizarse para referirse a quienes aparentan una mayor posición

social de la que en realidad tienen.

SUELDO. Con la reforma de Carlomagno, se estableció un nuevo sistema de

moneda en el que 1 libra eran 20 sueldos (240 dineros); 1 sueldo eran 12 dineros;

1 dinero eran 2 óbolos. La importancia de esa moneda hizo que con el tiempo

pasara a usarse esa expresión para referirse al pago que se recibía por el trabajo.

WHISKY. Pproviene del galeico "usquebaugh" o "uisge beatha”, "aqua vitae" en

latín y del francés "eau de vie"; todos significan "agua de vida".