direction michel didym – - théâtre de la manufacture · de la manufacture de 18h à 23h - 5€...

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– D I R E C T I O N M I C H E L D I D Y M –

CONTACT PRESSE NANCY • EMMANUELLE DUCHESNE, SECRÉTAIRE GÉNÉRALE • [email protected] • +33(0)3 83 37 78 03

2 Centre Dramatique National Nancy Lorraine, La Manufacture - Saison 2019-2020

LE PROJET EUROPÉEN FABULAMUNDI & LA MOUSSON D’ÉTÉ ........................ p.3

FESTIVAL INTERNATIONAL DU FILM DE NANCY .............................................. p.5

ON OUVRE LES PORTES + ROYAL ROYAL ORCHESTRA ...................................... p.6

LES ARTISTES ASSOCIÉS DE LA SAISON 2019/2020 ....................................... p.7

21, RUE DES SOURCES ...................................................................................p.10

Carte blanche à Philippe Minyana .........................................................p.12

≈ [PRESQUE ÉGAL À] .....................................................................................p.13

NANCY JAZZ PULSATIONS À LA MANUFACTURE .............................................p.16

VIVRE SA VIE ..................................................................................................p.17

NEUE STÜCKE #8 SEMAINE DE LA DRAMATURGIE ALLEMANDE ....................p.19

PLACE ............................................................................................................p.21

DU CIEL TOMBAIENT DES ANIMAUX ............................................................... p.23

RUY BLAS ...................................................................................................... p.26

COMPARUTION IMMÉDIATE 2 - JUSTICE : UNE LOTERIE NATIONALE ?...................... p.29

BRITANNICUS ................................................................................................ p.34

LOVE, LOVE, LOVE ......................................................................................... p.36

B.TRAVEN ...................................................................................................... p.39

PLUS GRAND QUE MOI ................................................................................... p.42

LES BIJOUX DE PACOTILLE ............................................................................ p.45

Carte blanche à Céline Milliat-Baumgartner .......................................... p.48

LA VRAIE VIE (dans la cadre de la mousson d’hiver) ............................................. p.49

FESTIVAL RING #7 ........................................................................................ p.51

CYRANO ....................................................................................................... p.52

CARDAMONE ................................................................................................ p.55

LA PETITE FILLE DE MONSIEUR LINH ............................................................ p.59

LES PRODUCTIONS EN TOURNÉES ................................................................. p.63

LES COPRODUCTIONS EN TOURNÉES ............................................................. p.64

L’ACADÉMIE THÉÂTRALE DU TEMPS LIBRE / ATELIERS / AVEC LES PUBLICS ........ p.65

LES TARIFS .................................................................................................... p.68

LES PARTENAIRES DE LA MANUFACTURE ...................................................... p.69

SOMMAIRE

CRÉATION

CRÉATION

CRÉATION

CRÉATION

Centre Dramatique National Nancy Lorraine, La Manufacture - Saison 2019-2020 3

LE PROJET FABULAMUNDI PLAYWRITING EUROPE: BEYOND BORDERS?

Fabulamundi Playwriting Europe 2017-2020 c’est : - 120 auteurs sélectionnés par 16 pays européens- 200 pièces traduites, soutenues et diffusées dans toute l’Europe- La création d’un portail dédié et d’outils de développement (catalogue,

publications, rencontres professionnelles, formations, études des publics)- Un dispositif de mobilité entre pays participants permettant de multiples

partenariats : résidences, rencontres, ateliers, actions culturelles...- Le Fabulamundi European Festival, nouveau rendez-vous des écritures

dramaturgiques contemporaines, prévu en 2020.Les auteurs Fabulamundi soutenus par la France sont :Lucie Depauw, Nathalie Fillion, Magali Mougel, Pauline Peyrade, Alexandra Badea, Aurore Jacob, Lancelot Hamelin, Baptiste Amann, Guillaume Poix, Gérard Watkins

Le projet de coopération Fabulamundi Playwriting Europe vise à accroître les collaborations entre théâtres, festivals et instituts culturels de 16 pays d’Europe afin de créer une plate-forme de soutien à la création et à la diffusion de la dramaturgie contemporaine. Fonctionnant sur une base triannuelle, il a entamé en 2017 son troisième cycle intitulé « Beyond Borders », qui a remporté l’appel à projets du programme Europe Créative financé par l’Union européenne. En France, la Mousson d’été – Maison européenne des écritures contemporaines (Meéc) et Théâtre Ouvert sont les deux structures sélectionnées pour mettre en œuvre ce dispositif.

LES RENDEZ-VOUS FABULAMUNDI DE LA SAISON Depuis 2017, la Mousson d’été – Meéc donne corps à Fabulamundi à travers un ensemble d’actions coorganisées avec les auteurs, traducteurs et institutions partenaires. En plus de l’incontournable festival de la Mousson d’été, dans le cadre duquel seront reçus cette année une douzaine d’auteurs pour un cycle de rencontres professionnelles, un atelier se tiendra au mois de décembre autour du thème « Théâtre et frontières ». Dirigé par la metteuse en scène Tamara Al Saadi, lauréate du prestigieux prix Impatience pour le spectacle Place, présenté au théâtre de la Manufacture à la même période (cf. p.22), il s’organisera autour d’un texte de l’un des auteurs européens soutenus par Fabulamundi. Par ailleurs, les rencontres théâtrales pour la jeunesse de la Mousson d’hiver interviendront pour la première fois au CENTQUATRE-PARIS, une semaine avant ce temps fort annuel programmé à Pont-à-Mousson et au Théâtre de la Manufacture en mars 2020.


Depuis 1995, la Mousson d’été s’est progressivement imposée, bien au-delà de la région Grand Est, comme le rendez-vous immanquable des écritures dramaturgiques contemporaines. Ancrée dans le territoire mussipontain, au sein de l’abbaye des Prémontrés, elle met en lumière les textes de théâtre d’aujourd’hui et ceux qui les font vivre. S’y côtoient auteurs d’ici et d’ailleurs, traducteurs, acteurs confirmés, et public de tous horizons, néophyte ou averti, dans une ambiance conviviale.L’esprit de partage qui fait l’originalité et la force de la Mousson d’été depuis sa création permet d’instaurer une véritable dynamique d’échanges entre le public et les professionnels invités, portée par une programmation d’excellence et un cadre exceptionnel. L’Université d’été, qui offre à de jeunes comédiens, étudiants, enseignants, professionnels de la culture et autres passionnés l’opportunité d’accéder à un programme de formation autour des textes pendant toute la durée du festival, est un autre volet de ce dialogue.Cette année, à l’occasion de son 25e anniversaire, le festival représentera 13 nationalités à travers 15 auteurs dont les textes seront traduits et présentés en français en avant-première mondiale dont Tristan Choisel et Faustine Nogués (France), Monica Isakstuen (Norvège), Maya Arad-Yasur (Israël), Tyrfingur Tyrfingsson (Islande), Tom Holloway (Australie), Nacho Ciatti et Laura Córdoba (Argentine), Jacinto Lucas Pires (Portugal), Ayse Bayramoglu (Turquie), Claudia Cédo (Espagne), Valentina Diana (Italie).

22 > 28 AOÛT 2019 ABBAYE DES PRÉMONTRÉS

Pont-à-Mousson

Université d’Été européenne et rencontres théâtrales internationales - 25e édition

Lectures – mises en espace spectacles – rencontres

facebook.com/lameeclamousson

CONTACT Erell Blouët Responsable de la coordination

03 83 81 20 [email protected]

LA MOUSSON D’ÉTÉ 2018ÉCRIRE LE THÉÂTRE D’AUJOURD’HUI

www.fabulamundi.euwww.meec.org


Manifestation cinématographique de référence dans l’Est de la France, le Festival international du Film de Nancy, pour cette 25e édition, met l’accent sur la Corée du Sud.

Le FIF Nancy propose des séances de projection en salle et en plein air pour tous les publics. Dans un cadre convivial, le Festival présente au grand public des expositions, conférences, tables rondes, atelier stop motion et des apéros concerts, sur le site de la Cour de la Manufacture et salles adjacentes, ainsi qu’au Goethe-Institut, Centre culturel André Malraux à Vandœuvre et au cinéma Caméo Commanderie. Soirées DJ les vendredis et samedis après la séance en plein air.

DES LONGS MÉTRAGES EN PLEIN AIR – SÉLECTION DE PRESTIGE « SOUS LES ÉTOILES » Du 30 août au 7 septembre à 21h15 Chaque soir, un court métrage (dévoilé le soir même) ouvrira la place à un long métrage. Les focus et panoramas du festival 2019 seront représentés dans cette sélection « Sous les étoiles ». La salle du théâtre de la Manufacture servira de salle de repli en cas de pluie pour les séances en plein air

DES SÉLECTIONS OFFICIELLES DE DOCUMENTAIRES

Depuis 2013, le Festival, propose une « Compétition européenne de documentaires » et une sélection de documentaires hors compétition. Ces longs métrages apportent un regard artistique et émouvant sur les préoccupations des pays européens et pays invités et témoignent de vies singulières. Projections dans la Grande salle du théâtre de la Manufacture Vendredi 30 août séance à 16h30 Et du samedi 31 août au samedi 7 septembre inclus, séances à 14h et à 16h30.

APÉROS-CONCERTS ET RESTAURATION Du 30 août au 7 septembre 19h30 - sous le marronnier, site de la Manufacture

SOIRÉES DJ Vendredis 30 août et 6 septembre / Samedis 31 août et 7 septembre sous le marronnier, site de la Manufacture, après la séance en plein air.

30 AOÛT > 8 SEPT SITE MANUFACTURE

CONTACT [email protected]

FESTIVAL INTERNATIONAL DU FILM DE NANCY 24e ÉDITION

Centre Dramatique National Nancy Lorraine, La Manufacture - Saison 2019-20206

ON OUVRE LES PORTES & ROYAL ROYAL ORCHESTRA

Dans le cadre des 36e Journées européennes du Patrimoine et du 80e anniversaire du CNRS, le CDN Nancy Lorraine vous invite à découvrir tous les espaces du théâtre (publique et coulisses) en compagnie de Raphaël Gouisset et de Matthieu Roy, artistes associés au théâtre cette saison. Ils vous proposent des surprises à tous les étages...

EXPOSITION MÉTÉORITES ET MISSIONS SPATIALES (voir ci-dessous) • 11h30 - Inauguration de l’exposition • 11h30 > 20h - Visites en présence de chercheurs du CRPG

11h > 19h .....................PRÉSENTATION VIDÉO DES SPECTACLES DE LA SAISON par leurs metteurs en scène 11h > 12h30 .....................INITIATION À LA PRATIQUE THÉÂTRALE avec Émeline Touron Midi ..................VISITE DU THÉÂTRE ET DE SES COULISSES ET PRÉSENTATION DE LA SAISON 19/20

autour d’un verre 14h .....................L’ART DÉLICAT DU DISCOURS INTERSIDÉRAL (Théâtroweb)

Par Raphaël Gouisset . Il créera Je ne suis pas un astronaute les 2 et 3 avril 2020, en ouverture de RING. «Je viendrai proposer un tutoriel intersidéral pour aider à l’écriture de grands discours spatiaux (que ce soit dans le fond, dans la forme mais aussi dans les techniques qu’il faut savoir employer).»

15h .....................VISITE DU SITE DE LA MANUFACTURE par Nancy Tourisme 16h .....................L’ART DÉLICAT DU DISCOURS INTERSIDÉRAL 17h .....................VISITE DU THÉÂTRE ET SES COULISSES et présentation de la saison 19/20 autour d’un verre 19h .....................GROS Apéro-spectacle

de et avec Sylvain Levey, proposé par Matthieu Roy Matthieu Roy présentera le diptyque Macbeth et Qui a peur du loup ? du 9 au 12 avril, à l’occasion de RING, à la Grande Halle l’Octroi

ROYAL ROYAL ORCHESTRA#4Soirée musicale en compagnie des 60 musiciens du Royal Royal Orchestra.

Le Royal Royal Orchestra c’est quoi ? Prenez des musiciens Lorrains, mélangez-les avec un peu d’audace, beaucoup de plaisir et de rock’n’roll et vous obtenez le cocktail le plus détonnant de cette rentrée.

Tirés au sort par des mains innocentes et impartiales en juin, les 60 musiciens sélectionnés forment 12 groupes éphémères et interprètent, à leur sauce, un répertoire imposé !

Proposé par le Royal Royal, l’association Ôlavach et Muzik Live Buvette et restauration assurées par le Royal Royal

SAM 21 SEPT À LA MANUFACTURE

de 11h à 20h Entrée libre

SAM 21 SEPT COUR

DE LA MANUFACTURE de 18h à 23h - 5€

MÉTÉORITES ET MISSIONS SPATIALESEXPOSITION présentée par le CRPG (Centre de Recherches Pétrographiques et Géochimiques) à l’occasion du 80e anniversaire du CNRS• Visites accompagnées les mercredis à 10h et 14h• Cafés sciences au bar du Théâtre :

Mardi 24 septembre à 19h - Météorites Jeudi 10 octobre à 19h - Eau et matières organiques dans le système solaire

• Conférence grand public - Samedi 19 octobre à 16h Avec Bernard MARTY - Professeur à l’École Nationale Supérieure de Géologie (ENSG-Université de Lorraine) Chercheur au CRPG (CNRS-Université de Lorraine) Cocktail de clôture

21 SEPT > 19 OCT LA MANUFACTURE

Entrée libre

C R P G

Centre de RecherchesPétrographiques et Géochimiques

www.crpg.cnrs-nancy.fr


ARTISTES ASSOCIÉ(E)S ET CARTES BLANCHES

CÉLINE MILLIAT-BAUMGARTNERAutrice, comédienne. Après dix ans de danse classique au Conservatoire de Lyon, elle intègre la Classe libre du Cours Florent où elle se forme jusqu’en 2001. Au théâtre, elle travaille notamment

avec Jean-Michel Rabeux, Frédéric Maragnani, Cédric Orain, Séverine Chavrier, David Lescot, Marc Lainé. Elle tourne au cinéma et à la télévision avec de nombreux réalisateurs dont Irène Jouannet et Dante Desarthe. Sur France Culture, elle interprète différentes pièces radiophoniques et elle enregistre pour l’École des loisirs des livres audio de Colas Gutman.Elle publie aux Éditions Arléa un premier livre, Les bijoux de pacotille (2015). «Ce livre devient un inventaire de souvenirs : ceux qui restent, ceux qui ont disparu, ceux qui n’ont jamais existé, et tous ceux que j’invente. Ce livre est mon album photo fantasmé. Ma pensée magique. Celle qui me conforte dans l’idée qu’il vaut mieux vivre dans l’erreur que dans l’incertitude».Céline Milliat-Baumgartner présente Les bijoux de pacotille du 3 au 6 mars 2020 Détails de la carte blanche page 48

PHILIPPE MINYANAAuteur et metteur en scène. Il a écrit plus de cinquante pièces, des livrets d’opéra et des pièces radiophoniques. Il met en scène lui-même certains de ses textes, mais la plupart sont montés par

de nombreux metteurs en scène parmi lesquels Christian Schiaretti, Alain Françon, Edith Scob, Catherine Hiégel, Robert Cantarella, Michel Didym... Il a également écrit le scénario et les dialogues du téléfilm Papa est monté au ciel, réalisé par Jacques Renard pour Arte. Deux de ses pièces, Chambres et Inventaires, sont inscrites au programme du baccalauréat à l’option théâtre en 2000/2001. Ses textes lui ont valu de nombreux prix – Prix SACD pour Inventaires, nomination Molières 1988 comme meilleur auteur ; nomination Molières 2006 comme meilleur auteur pour La Maison des morts, Prix théâtre de l’Académie Française 2010. Michel Didym a monté Boomerang ou le Salon rouge et Philippe Minyana est associé à la Mousson d’été depuis sa création.Ses œuvres sont parues aux Éditions Théâtrales, à L’Arche et aux Solitaires Intempestifs.Philippe Minyana présente 21 rue des Sources du 2 au 11 octobre 2019 Détails de la carte blanche page 12

Michel Didym souhaite associer plusieurs artistes à cette nouvelle saison afin de faire découvrir leurs univers artistiques au public. Performances, rencontres, regards croisés, concert, workshop, cabaret, master class, atelier de pratique...Nos artistes associé(e)s ont carte blanche !

Les cartes blanches de nos artistes associés sont détaillées dans les pages de chacun des spectacles


RAPHAËL GOUISSETComédien, metteur en scène. Raphaël Gouisset est membre des Particules (coopérative de spectacles), un groupement d’artistes qui met en jeu la place de l’individu et sa créativité dans la société. Au sein de cette coopérative, il explore les possibilités

d’intégrer le numérique et notamment le web à l’art vivant. Il a conceptualisé et joué Worldwidewestern un western numérique accueilli à RING 2018 et présenté Robots la saison dernière à la Manufacture.www.lesparticules.org/raphael-gouisset-theatre-numerique

Raphaël Gouisset créera Je ne suis pas un astronaute Les 2 et 3 avril 2020, en ouverture de RING

PERFORMANCE L’ART DÉLICAT DU DISCOURS INTERSIDÉRAL Je viendrai proposer un tutoriel intersidéral pour aider à l’écriture de grands discours spatiaux (que ce soit dans le fond, dans la forme mais aussi dans les techniques qu’il faut savoir manier). En s’appuyant sur quelques moments clefs de l’Aventure Spatiale, nous tenterons de déceler les ingrédients qui font qu’un discours est capable de dépasser l’attraction terrestre pour aller toucher droit au cœur tous les êtres du cosmos droit au cœur.Samedi 21 septembre à 14h et 16hThéâtre de la Manufacture, entrée libre

PERFORMANCE LES 28 COUPS DE BOTTE D'ALEKSANDR ALEKSANDROVICH VOLKOV ANECDOTES ET FAITS DIVERS DANS LE SPATIAL Le vide spatial est bourré d’anecdotes. En voici deux que j’ai repérées sur le Web : celle du cosmonaute russe qui aime donner des coups de pieds dans les satellites et celle du spationaute français rentré de sa première balade spatiale le 6 juillet 1982. Un événement se situant exactement deux ans avant ma naissance... ce qui s’avère un élément de grande importance pour ma candidature au poste d’astronaute de l’ESA.Lundi 27 janvier (horaire à préciser)

Théâtre de la Manufacture, entrée libre après la présentation du programme RING


MATTHIEU ROYMetteur en scène. Diplômé de l’École supérieure d’art dramatique du Théâtre National de Strasbourg (TNS) dans la section mise en scène-dramaturgie, il codirige la Cie du Veilleur implantée à Poitiers

depuis 2007. Matthieu Roy travaille essentiellement à la création d’œuvres inédites d’auteurs vivants (Christophe Pellet, Mariette Navarro, Gustave Akakpo, Marius von Mayenburg, Alexandra Badea, Aiat Fayez...). Chaque spectacle est conçu comme une expérience immersive accessible à tous les publics (enfants, adolescents, adultes). Il a présenté Days of nothing de Fabrice Melquiot à la Manufacture en avril 2017 dans le cadre de la Mousson d’hiver.Il codirige avec Johanna Silberstein La Maison Maria Casares - Centre culturel de rencontre et Maison des Illustres - à Alloue, en Charente.www.compagnieduveilleur.net et www.mmcasares.fr

Matthieu Roy présente le diptyque Macbeth et Qui a peur du loup ?Du 9 au 12 avril 2020, à l’occasion de RING

APÉRO-SPECTACLEGROS de et avec Sylvain LeveyDans sa famille, tout le monde était en surpoids, même le chat. Quand on parlait de lui, on ne l’appelait pas par son prénom : on disait le petit bouboule.De qui s’agit-il ? De Sylvain Levey, auteur qui a voulu raconter son parcours, de sa naissance jusqu’à aujourd’hui, et où il dira tout de son attirance pour le gras et le salé. Mais pas seulement : il racontera comment grâce à un atelier de théâtre, il a découvert l’écriture. Comment il a su tout de suite qu’il allait y traîner, pour le restant de ses jours, outre son sac de graisse, un sac de mots nettement plus utile et nettement moins encombrant...Samedi 21 septembre à 19hThéâtre de la Manufacture, entrée libre

ATELIER CE SILENCE ENTRE NOUS Par Matthieu Roy et Mihaela Michailov, autrice, autour de son texte Ce silence entre nous. Il est question de la maternité. Comment s’inscrire en tant que femme dans le cycle de la vie – être fille puis potentiellement mère ? Qu’est-ce que la société implique de cette place qui nous incombe ? Quel poids pèse sur les épaules de chacune ?Du 17 au 21 février 2020Pour public amateur à partir de 16 ans Théâtre de la ManufactureTarif plein 52€ / réduit 40€ Inscription à partir de septembre


2 > 11 OCT GRANDE SALLE

1h15 - dès 14 ans

Texte et mise en scène Philippe Minyana

AvecLaurent Charpentier

Catherine MatisseMusique Nicolas Ducloux

Assistant à la mise en scène et servant de scène Julien Avril

Costumes Raoul FernandezMagie Benoît Dattez

Scénographie, Lumière Marylin Alasset

Production CDN Nancy Lorraine, La Manufacture

Coproduction Comédie de Caen - CDN de Normandie, La Passerelle

- Scène nationale de Saint-Brieuc, Théâtre du Rond-Point Paris

Texte lauréat de la Commission nationale d’Aide à la création de

textes dramatiques - ARTCENA

Compagnie en résidence à La Passerelle, Scène nationale de

Saint-Brieuc

21 RUE DES SOURCESPHILIPPE MINYANA

Dans 21 rue des Sources deux revenants vont de pièce en pièce dans la maison abandonnée. « Tu les entends ? » « Oui je les entends. » Qui ? La parentèle. Des gens ordinaires. Ils ont aimé, travaillé. Usine, épicerie. Les Trente Glorieuses. « C’est là que je suis morte » dit madame Avril. « Je me suis offert un platane » dit l’Ami. Pas de drame. Pas de tristesse. L’évocation est légère, on rit. Car les fantômes s’amusent. « L’ordre des choses est toujours un désordre » dit l’Ami. Les fantômes philosophent, ils nous entraînent dans des visions familières et traversent allègrement le temps, comme le font tous les fantômes.

Qui sont-ils ces deux-là qui errent dans la maison vide ? Des revenants, des fantômes ? Ils vont de pièce en pièce et se remémorent. Là c’était une chambre, après c’était un salon. C’est dans ce lit que je suis morte ! Et les souvenirs défilent, c’était la guerre et j’ai connu l’amour. Il y avait là une épicerie ; les clients c’étaient les ouvriers des usines ; là il y avait des prairies, et puis plus du tout ; à la place, des villas, des HLM ; où sont-ils tous les voisins, les amis ? Ils parlent à voix basse mais qui les entend ?

J’ai toujours rêvé d’un spectacle où il y aurait de la magie ! Or, ayant vu un spectacle de Mirabelle Rousseau sur les « tables tournantes de Victor Hugo » où la magie proposait cette extravagance de la représentation, j’ai imaginé que moi aussi j’allais avoir recours à cet artifice ! Ayant écrit 21 rue des sources, à savoir 2 « fantômes » errant dans la maison de mon enfance, il m’est apparu que c’était le moment ! Meubles, objets, végétaux qui sont évoqués pourraient être matérialisés de façon « magique ». Ils arriveront sur l’espace de la scène de façon incongrue ; en volant, en plongeon, etc... Ainsi la chronique d’une époque, les 30 glorieuses, dans ce territoire industriel, la région de Sochaux, pourrait être transfigurée par ces « événements » singuliers, mystérieux. J’ai donc contacté le magicien, Benoît Dattez, qui opérait dans le spectacle de Mirabelle. On s’est parlé au téléphone, on s’est vus et on a rêvé ensemble. Dans cet espace quasiment nu de la scène, où on ne verra tout d’abord qu’un piano, puis le pianiste, puis les acteurs ; et le magicien, alors apportera des « choses troublantes » ; une plante apparaît et frémit... Un lampadaire gigote...une boîte de conserve jaillit dans les mains de l’acteur... Réalité des choses dites et étrangeté d’un monde déréglé ; ce mariage me plaît. Et le piano créera des musiques à la fois connues, et d’autres singulières ; c’est alors que le spectacle devrait œuvrer vers un style « baroque réjouissant » et celui, plus repérable d’un portrait de Femme qui traverse un quart de siècle ; femme qui survit entre maternité et tentative de liberté. Spectacle tout public, comme on dit ; on pourra s’y reconnaître, on pourra se réjouir ; c’est mon vœu le plus cher.

Philippe Minyana . Janvier 2019

artiste associé

CRÉATION


PHILIPPE MINYANA - Auteur et metteur en scèneIl a écrit plus de cinquante pièces, des livrets d’opéra et des pièces radiophoniques. Il fut auteur associé au Théâtre Dijon-Bourgogne entre 2001 et 2006. Il met en scène lui-même certains de ses textes, mais la plupart sont montés par de nombreux metteurs en scène parmi lesquels Christian Schiaretti, Alain Françon, Édith Scob, Catherine Hiegel, Robert Cantarella, Florence Giorgetti, Marcial Di Fonzo Bo, Frédéric Maragnani, Monica Espina, Michel Didym... Lucien Attoun a fait entendre la plupart de ses textes dans son Nouveau répertoire dramatique et pour les Drôles de Drames sur France Inter. Des enregistrements vidéo ont également été réalisés, comme Inventaires et André par Jacques Renard, Anne-Marie par Jérôme Descamps. Georges Aperghis, Philippe Mion et Marin Favre ont mis en musique Jojo, Léone et André.

Il a également écrit le scénario et les dialogues du téléfilm Papa est monté au ciel, réalisé par Jacques Renard pour Arte.

En 2006, La Maison des morts est mise en scène par Robert Cantarella au Vieux- Colombier ; et en 2008, La Petite dans la forêt profonde, son adaptation d’Ovide, est mise en scène par Marcial Di Fonzo Bo au Studio-Théâtre. La même année, Florence Giogetti crée Voilà au Théâtre du Rond-Point. En 2011, le Théâtre des Abbesses présente cinq textes inédits de l’auteur : J’ai remonté la rue et j’ai croisé des fantômes et Tu devrais venir plus souvent mis en scène par Monica Espina, De l’amour par l’auteur, Sous les arbres par Frédéric Maragnani et Les Rêves de Margaret par Florence Giorgetti. En 2014, Marcial Di Fonzo Bo crée à nouveau un texte de l’auteur : Une femme, montée à La Colline.

Les pièces de Philippe Minyana sont paru aux éditions théâtrales (Inventaires, Chambres, Les Guerriers, La Maison des morts...). Depuis 2008, il est publié chez L’Arche Éditeur (La Petite dans la forêt profonde, Voilà, Une femme...). Ses textes lui ont valu le prix de la Société des auteurs et com- positeurs dramatiques pour Inventaires (1988), le prix de la critique musicale (1991) et le grand prix du théâtre de l’Académie française (2010). Inventaires et Chambres ont tous deux été inscrits au programme du baccalauréat option théâtre en 2000 et 2001. Il est officier des Arts et des Lettres.


LA VALISE DE L’AUTEUR / ÉPOPÉES INTIMES Philippe Minyana nous ouvre sa valise de textes. À l’occasion de trois rendez-vous, il nous lira des extraits de ses propres textes et de ses auteurs favoris parmi lesquels Emmanuel Bove, Jane Bowles, Thomas Bernhard, Richard Brautigan, Colette, Raymond Carver, Adelheid Duvanel, Jon Fosse, Paula Fox , Julien Gracq , Christophe Huysman, Thomas Hardy, Kazuo Ishiguro, Cookie Mueller, Patrick Modiano, Katherine Mansfield, Haroki Murakami, Noëlle Renaude, Adalbert Stiefter, Michel Vinaver, Peter Stamm, Natsume Soseki, Robert Walser, Hélène Zimmer.

Samedi 14 septembre (Lieu à préciser) Lundi 7 octobre en compagnie des acteurs de 21 rue des Sources (Théâtre de La Manufacture) Mardi 26 novembre en compagnie de Céline Milliat-Baumgartner (Lieu à préciser)Entrée libre (horaires à préciser)

Carte blanche à Philippe Minyana


5 > 8 NOVGRANDE SALLE

2h avec entracte - dès 14 ans

De Jonas Hassen KhemiriMise en scène Laurent Vacher

Traduit du suédois par Marianne Segol-Savoy

Éditions Théâtrales, éditeur et agent de l’auteur

Avec Quentin Baillot, Pierre Hiessler Odja Llorca, Alexandre Pallu

Marie-Aude Weiss (en cours)Collaboration artistique

Faustine NoguèsScénographie Jean-Baptiste Bellon

assisté d’Alice GirardetLumière Victor Egéa

Son et musique Michael SchallerCostumes Virginie Alba

Administration Véronique Felenbok et Marion Arteil

Presse Olivier SaksikDiffusion Marie Leroy

Production Compagnie du Bredin Coproduction Château Rouge -

Annemasse CDN Nancy Lorraine - La

Manufacture Espace BMK - Metz

Accueil en résidence CDN Nancy Lorraine - La Manufacture, Espace

BMK - Metz, Les Tréteaux de France La Compagnie du Bredin est

subventionnée par le Ministère de la Culture - DRAC Grand Est

≈ [PRESQUE ÉGAL À] JONAS HASSEN KHEMIRI / LAURENT VACHER

≈ [PRESQUE ÉGAL À]... L’HISTOIRE DE GENS FAUCHÉS, OU PRESQUE.« Tout le monde a été au moins une fois dans sa vie vraiment fauché... On s’est tous déjà retrouvés devant le distributeur avec le reçu encore chaud à la main indiquant le montant du débit sur notre compte, et avoir ressenti ce vertige en pensant au prochain loyer à payer ! Non ? On sait tous que certains amis ne répondent plus aux coups de fil de certaines personnes à certaines dates, on a tous fait les poches de nos vieux blousons dans l’espoir de trouver quelques pièces non ? »

Jonas Hassen Khemiri.

Dans ≈ [Presque égal], vingt personnages subissent à des places différentes la crise d’un modèle financier à bout de souffle. Vingt personnages dont la vie est entièrement régie par l’argent et qui s’affrontent dans une compétition anonyme. Certains d’entre eux sont comme les figurants de mon histoire : le banquier de la Caisse d’Épargne, l’homme au guichet de la BNP, l’ami riche. Ils semblent vivre en harmonie avec la société de consommation et acceptent le rôle qu’elle leur attribue. Puis il y a ces cinq personnages dont les destins se croisent, se frôlent, s’entremêlent. Cinq personnages qui manifestent chacun d’une façon singulière le refus d’un déterminisme social. Cinq personnages qui se débattent pour tenter de construire leur vie, d’échapper aux griffes économiques du monstre, monstre représenté par la figure de Mammon, personnification de la richesse et du gain. Un monstre tentaculaire qui, malgré leurs gesticulations désespérées, les avale et assène avec d’autant plus de violence l’impossibilité à s’affranchir de leur condition sociale et du système économique. Un système qu’ils contribuent malgré eux à nourrir par leur consommation et leur quête d’un quotidien meilleur.

La lecture de ≈ [Presque égal à] m’a replongé dans ma propre histoire. Elle m’a renvoyé à l’humiliation subie dans l’agence de la Caisse d’Épargne du 13ème arrondissement, ce matin où « mon » banquier, muni d’une grosse paire de ciseaux, découpe sous mes yeux mon chéquier et ma carte de retrait en m’annonçant que je tombe sous le coup de dix ans d’interdiction bancaire. Dix ans à payer par mandat postal ou aux caisses des différents fournisseurs. Il me fallait compter et déposer l’argent devant le regard suspicieux de mes créanciers, regard suggérant que mon argent était maudit ou mal acquis, comme si la pauvreté me rapprochait de la malhonnêteté. Dix ans se sont écoulés jusqu’à ce matin où un courrier de la banque de France m’annonce la fin de mon interdiction et ma requalification. Je redeviens un client « normal ». Cependant la suspicion à mon égard se poursuit : on refuse de me donner un chéquier et une carte de retrait, on me propose cinq années de mise à l’épreuve. Humilié à nouveau, je quitte la Caisse d’Épargne et entre dans la première banque que je croise, une BNP. Je demande l’ouverture d’un compte sans étaler mon histoire. L’homme au guichet disparaît et, par l’entrebâillement d’une porte, je le vois accumuler les coups de fil avant de me proposer d’ouvrir un compte sans moyen de paiement : une situation de mise à l’épreuve sur les premières années qui pourrait évoluer en cas de bonne conduite. Il me fallut l’intervention d’un ami qui gagnait énormément d’argent, de sa caution, pour retrouver une relation avec une banque...

Laurent Vacher

Tout comme Frankenstein, l’économie est devenue un monstre, c’est une invention que plus personne ne semble être en mesure de dominer.

CRÉATION


JONAS HASSEN KHEMIRI - AuteurNé en 1978 d’un père tunisien et d’une mère suédoise. Il a grandi à Stockholm, à Paris et à New York. Ses début ont été très remarqués avec Ett öga rött/One Eye Red, (200 000 exemplaires vendus en Suède, prix Borås Tidning du 1er roman, et adaptation cinéma).Montecore, son 2e roman, a été récompensé par le prix P O Enquist et était finaliste pour le August literary award. Montecore a reçu aussi le prix Sveriges Radio’s Romanpris du “meilleur roman” 2007.

Invasion ! est sa première pièce théâtrale.Jonas Hassen Khemiri a écrit à ce jour cinq autres pièces :Fem gånger Gud (Cinq fois Dieu), créée en 2008 au Théâtre régional de Blekinge Kronoberg

Vi som är hundra (Nous qui sommes cent), créée en 2009 au Théâtre national de Göteborg, mise en espace en 2011 par Mikael Serre à la Comédie de Reims, créée en 2012 par Édouard Signolet à Théâtre Ouvert, publiée aux éditions Théâtrales en 2013 et mise en scène en 2015 par le collectif Fluorescence au Théâtre National de Belgique.

Apatiska för nybörjare (L’Apathie pour débutants), écrite en 2010, créée en 2011 au Théâtre municipal de Göteborg, mise en lecture en 2012 par Yannick Toussaint à la Mousson d’hiver, créée par Virginie Berthier (compagnie Le Bouc sur le toit) au Théâtre Berthelot et publiée aux éditions Théâtrales en 2017

Jag ringer mina bröder (J’appelle mes frères), créée au Théâtre national de Malmö et sélectionnée à la Biennale de théâtre en Suède en 2013. En France, elle est publiée aux éditions Théâtrales en 2013, créée en 2014 par Mélanie Charvy (compagnie Les Entichés) ; en Belgique, elle est mise en scène en 2016 par Rachid Benbouchta à l’Espace Magh.

Sa dernière pièce, ≈ [ungefär lika med] (≈ [Presque égal à] ), est créée en 2014 au Théâtre dramatique royal de Stockholm dans une mise en scène de Farnaz Arbabi.

LAURENT VACHER - Metteur en scèneAprès des débuts laborieux dans la mécanique, le commerce des produits maraîcher, coursier, militaire, surveillant de sieste, tueur, manutentionnaire, réparateur de dériveur, producteur etc... Laurent Vacher prend des cours de théâtre à l’école Jacques Lecoq puis chez Andréas Voutsinas. Il joue dans plus d’une vingtaine de spectacles, puis petit à petit se lance dans la mise en scène et créé sa compagnie : La compagnie du Bredin en 1998 avec la création Les Oranges d’Aziz Chouaki. En plus de son activité en France, Laurent Vacher met régulièrement en scène des spectacles à l’étranger : Tchad, Paraguay, Mauritanie, Mali...Il créé Lost in supermarket, une comédie musicale sociale d’après le texte de Philippe Malone (présenté à la manufacture en 2013), Tranchées spectacle avec des amateurs des villes de Chaumont et de Mancieulles et trois interprètes professionnels (2014) et En attendant Godot de Samuel Beckett créé en octobre 2014 au Théâtre Poche de Genève, Le Garçon incassable de Florence Seyvvos et Pandoras box, de Philippe Malone, projet européen créé à Berlin en mars dernier.Laurent Vacher a créé la compagnie du Bredin en 1998. Après trois ans de résidence, une saison en artiste associé au Carreau-Scène Nationale de Forbach, une résidence au Théâtre Gérard Philippe de Frouard, puis au Théâtre IcI&Là, à l’action culturelle du Pays


de Briey. Elle mène sur le territoire un véritable projet d’investigation locale mettant en jeu l’histoire architecturale avec celle de l’urbanisme industriel de la région. Laurent Vacher est conseiller à la mousson d’été depuis sa création : comité de lecture, choix des comédiens et organisation artistique de la manifestation.Il conseille et collabore avec le secours populaire pour la mise en place d’ateliers et de sorties culturelles et artistiques en direction de public en difficulté.


NANCY JAZZ PULSATIONS À LA MANUFACTURE

RYMDEN (Jazz / Scandinavie)

Bugge Wesseltoft (piano, claviers) / Dan Berglund (contrebasse) / Magnus Öström (batterie)

CLAIRE PARSONS & ERAN HAR EVEN DUO (Jazz / Luxembourg – Israël) Claire Parsons (chant, clavier) / Eran Har Even (guitare)

MOUTIN FACTORY 5TET (Jazz / France) François Moutin (contrebasse) / Louis Moutin (batterie) / Manu Codjia (guitare) / Christophe Monniot (saxophone alto & sopranino) / Paul Lay (piano)

MELUSINE (Jazz / France) Anthony Caillet (euphonium) / Stan Delannoy (batterie, percussion) Christophe Girard (accordéon, composition) / William Rollin (guitare électrique) / Simon Tailleu (contrebasse)

HAILEY TUCK (Jazz vocal / USA) Hailey Tuck (chant) / Joe webb (piano) / Alex Haines (guitare) Chris Hyson (basse) / Lloyd Haines (batterie)

MADISON MCFERRIN (Nu Soul / USA) Madison McFerrin (chant et machines)

OMAR SOSA & YILIAN CAÑIZARES (Jazz / Cuba) Omar Sosa (piano, fender rhodes) / Yilian Cañizares (violon, voix) Gustavo Ovalles (percussions)

ADAM BEN EZRA (Jazz / Israël) Adam Ben Ezra (contrebasse, voix, machines, flûte, claviers, clarinette)

MICHEL EDELIN 5tet « ECHOES OF HENRY COW » invite John Greaves (Jazz / France – UK) Michel Edelin (flûtes) / Sylvain Kassap (clarinettes) / Sophia Domancich (piano, Fender Rhodes) / Stéphane Kerecki (contrebasse) / Simon Goubert (batterie) / Special guest : John Greaves (spoken words)

OBRADOVIC-TIXIER DUO (Jazz / Croatie – Grand Est) David Tixier (piano, voix) / Lada Obradovic (batterie, voix, percussions, glockenspiel)

LU N DI 14 O CTOBR E – 20 H 0 0 Tarifs : plein 23€ / réduit* 20€ / soir du concert 26€

M A R DI 15 O CTOBR E – 20 H 0 0 Tarifs : plein 21€ / réduit* 18€ / soir du concert 24€

M E R C R E DI 16 O CTOBR E – 20 H 0 0 Tarifs : plein 21€ / réduit* 18€ / soir du concert 24€

J EU DI 17 O CTOBR E – 20 H 0 0 Tarifs : plein 23€ / réduit* 20€ / soir du concert 26€

V E N DR E DI 18 O CTOBR E – 20 H 0 0 Tarifs : plein 21€ / réduit* 18€ / soir du concert 24€

LAURENT DE WILDE ‘’NEW MONK TRIO’’ (Jazz / France) Laurent de Wilde (piano) / Bruno Rousselet (contrebasse) / Donald Kontomanou (batterie)

NONET DAMIEN PRUDHOMME MEDIUM ENSEMBLE (Jazz / Grand Est - Allemagne) Patrice Lerech (trompette) / Phillip Shug (trombone) / Michaël Cuvillon (alto sax) / Dom Gatto (tenor sax) / Sylvain Courtney (guitare) / Volker Engelberth (piano) / Franck Agulhon (batterie) / Gautier Laurent (contrebasse) / Damien Prud’homme (saxophone)

S A M E DI 19 O CTOBR E – 20 H 0 0 Tarifs : plein 21€ / réduit* 18€ / soir du concert 24€

Abonnement Trio Manufacture (3 concerts différents au choix) : Tarif unique en prévente 45€

17Centre Dramatique National Nancy Lorraine, La Manufacture - Saison 2019-2020

14 > 16 NOVGRANDE SALLE

1h25 - dès 15 ans

Adaptation libre du film de Jean-Luc Godard

Accompagnée des textes de Virginie Despentes, Marguerite Duras

Henrik Ibsen, Bernard-Marie Koltès Grisélidis Réal, Sophocle

Frank Wedekind et Simone WeilMise en scène Charles Berling

Avec Hélène Alexandridis Pauline Cheviller

Sébastien Depommier et Grégoire Léauté

Dramaturgie Irène BonnaudScénographie Christian Fenouillat

Lumière Marco GiustiMusique Sylvain Jacques

Vidéo Vincent Bérenger et Cyrille Leclercq

Coiffures & maquillage Cécile Kretschmar

Costumes Marie La RoccaAssistante costumes Léa Perron

Assistant mise en scène Matthieu Dandreau

Chorégraphie Lyse SeguinDécors Espace & Compagnie (69)

Production Châteauvallon - scène nationale / Le Liberté - scène nationale Production déléguée

Châteauvallon - Scène nationale Coproduction (en cours) Théâtre

Gymnase-Bernardines (Marseille), CDN Nancy Lorraine, La Manufacture

Le spectacle a reçu le soutien du Théâtre des Halles - Scène

d’Avignon, du TGP - CDN de Saint-Denis, du CENTQUATRE-PARIS En

partenariat avec Le Théâtre des Halles - Scène d’Avignon, Direction Alain Timár Remerciements à Jean-

Luc Godard, Jean-Paul Battaggia, ainsi qu’aux Films du Jeudi et

Gaumont Création 2019 - Festival Off d’Avignon, du 05 au 28 juillet

2019 au Théâtre des Halles - scène d’Avignon.

VIVRE SA VIE JEAN-LUC GODARD / CHARLES BERLING

Nana rêve de devenir actrice. Elle décide de quitter Paul et leur enfant, pour exister, «Vivre sa vie».Son salaire de vendeuse est insuffisant mais elle refuse de retourner vers Paul et se retrouve à la rue. Elle éconduit un homme qui veut l’emmener chez lui après une séance de cinéma, rencontre un photographe qui lui propose de poser nue pour intéresser des producteurs, et se retrouve au commissariat pour avoir tenté de voler un sac à main.Finalement, se promenant sur les boulevards, elle est prise pour une prostituée par un homme qui la conduit dans une chambre d’hôtel. C’est son premier client, et l’argent qu’elle gagne est sans rapport avec son salaire précédent...Quelque temps après, elle retrouve une amie Yvette, devenue prostituée qui dit assumer sa nouvelle condition. Elle présente Nana à son proxénète, Raoul. Les semaines passent, Nana devient une prostituée expérimentée, mais elle s’ennuie de la monotonie de son travail et va à l’hôtel comme on irait au bureau ou à l’usine.Un jour, elle rencontre par hasard un jeune homme dont elle tombe amoureuse et décide d’annoncer à Raoul qu’elle arrête. Exaspéré par ce désir de liberté, il décide de la vendre à un autre réseau, mais la transaction tourne mal et Nana est tuée lors d’une fusillade. Son cadavre est abandonné dans une rue de Paris.

Il faut se prêter aux autres et se donner à soi-même.

Montaigne

Pauline Cheviller m’a parlé du film Vivre sa vie de Godard.C’est un film magnifique qui reprend une intrigue de mélodrame - une jeune femme se prostitue pour gagner sa vie, elle tombe amoureuse et veut arrêter, et meurt assassinée. Les qualités littéraires des dialogues du film de Godard m’ont frappées et j’ai tout de suite pensé qu’il serait fantastique de porter ce texte au théâtre. Ce film remue des choses importantes pour nous aujourd’hui : les différences de conditions entre hommes et femmes, les bas salaires, les professions méprisées, réservées à un genre plutôt qu’à l’autre, la perception de la sexualité féminine, le débat sur la prostitution qui produit des lignes de rupture, des antagonismes très profonds au sein du mouvement féministe parce que la prostitution pose des questions multiples et décisives, sur notre rapport au corps, à l’argent, au sexe, à l’intimité, aux rapports de domination, à l’inconscient. Le film est une histoire d’amour et un film très politique - c’est ce mélange qui m’intéresse.L’idée n’est pas de réaliser une simple adaptation du film, mais de dialoguer avec lui. (...). Il est important pour moi de construire le texte du spectacle avec les trois interprètes, Pauline Cheviller, qui jouera le rôle d’Anna Karina, Sébastien Depommier et Hélène Alexandridis, qui joueront plusieurs rôles, tour à tour femme ou homme, avec Irène Bonnaud, ma dramaturge et Grégoire Léauté à la guitare ainsi que toute l’équipe artistique. Les sessions de répétitions permettront de s’approprier, par un travail de plateau, le matériau donné par Godard et de faire résonner le destin magnifique et tragique de Nana en 2019.Le film de Godard vaut beaucoup par la performance d’Anna Karina, mais elle ne prend la parole que très peu dans le film. Brice Parain lui fait un cours de philo, un proxénète lui


explique la prostitution, son époux-cinéaste lui fait une sorte de déclaration d’amour à travers son film... Mais elle, qu’en dit-elle ? C’est pour cette raison qu’on va faire entendre des voix de femmes dans le spectacle : la chanson de Pauline, de grandes écritures comme celles de Duras ou de la philosophe Simone Weil, mais aussi les voix d’anciennes prostituées comme Grisélidis Réal, Virginie Despentes qui ont osé prendre la parole pour raconter leur travail, ce qui était inimaginable à l’époque du film. Ce sont des points de vue contradictoires, opposés entre eux parfois, mais le théâtre n’est pas là pour asséner une réponse, plutôt ouvrir des questions.Je sens une grande proximité entre l’histoire que raconte Vivre sa vie et l’espace de la scène : l’exergue du film, cette phrase de Montaigne, «se prêter aux autres, mais se donner à soi-même», est une définition possible du métier d’acteur. On n’aura pas à construire un décor au sens traditionnel, plutôt à faire voir la réalité de la scène comme podium, avec un piano, des surfaces de projection, des micros. Et bien sûr le corps des acteurs, comme jetés en pâture au public. Pauline Cheviller qui jouera le rôle de Nana racontera aussi quelque chose d’elle-même, de sa génération, par les chansons qu’elle écrit et qui viendront ponctuer le spectacle.

C.B.

CHARLES BERLINGEn parallèle à une carrière essentiellement théâtrale, entamée depuis de nombreuses années aux côtés des plus grands metteurs en scène (Moshe Leiser, Jean-Pierre Vincent, Bernard Sobel, Claude Régy, Alain Françon, Jean-Louis Martinelli, Ivo van Hove), Charles Berling se fait connaître du grand public par le film Nelly et Monsieur Arnaud de Claude Sautet et surtout, en 1996, Ridicule de Patrice Leconte. Il alterne films populaires (Père et Fils, 15 août, Le Prénom...) et d’auteur (L’Ennui, L’Heure d’été...). Ce comédien revendiquant sa liberté s’investit dans des aventures collectives qui lui donnent l’opportunité de prendre des responsabilités dépassant celle du jeu. Sa maison de production cinématographique participe à la même logique, lui permettant de défendre ses projets documentaires ou de fictions... Avec plus de cinquante rôles au théâtre, tout autant au cinéma, et plusieurs mises en scène, sa curiosité et ses désirs éclectiques ne tarissent pas et l’amènent sur le terrain de l’écriture (son premier roman, édité en 2011, empruntant son titre à Camus, Aujourd’hui, maman est morte, reçoit le prix Jean-Jacques Rousseau) et sur celui de la chanson avec son album Jeune Chanteur, en 2012, dont il écrit la totalité des textes et à l’occasion duquel il se produit sur scène. Il aborde la mise en scène dans les années 1990 et monte Dreck de Robert Schneider en 1997, puis Caligula d’Albert Camus, Fin de Partie de Samuel Beckett, Gould Menuhin spectacle théâtral et musical et Calek en 2014. Nommé directeur du Liberté, scène nationale de Toulon, à son ouverture en septembre 2011, il y défend, avec Pascale Boeglin-Rodier, codirectrice, une politique de créations et une programmation exigeante, des arts vivants aux arts numériques, principalement tournée vers la Méditerranée. En février 2018, ils ont été nommés également à la direction de Châteauvallon, scène nationale. En 2015, Charles Berling est à l’affiche de Vu du pont d’Arthur Miller, mis en scène par Ivo van Hove à l’Odéon – Théâtre de l’Europe, un rôle pour lequel il obtient le Molière du comédien dans un spectacle de théâtre public. Il joue actuellement dans la reprise d’Art de Yasmina Reza.

19Centre Dramatique National Nancy Lorraine, La Manufacture - Saison 2019-2020

NEUE STÜCKE #8SEMAINE DE LA DRAMATURGIE ALLEMANDE

Neue Stücke est réalisé en partenariat avec le Goethe-Institut Nancy, le Badisches Staatstheater de Karlsruhe, Prinzip Gonzo, le Saarländisches Staatstheater de Sarrebrück, DOPPELPASS.Neue Stücke est devenu un temps fort régulier autour de la culture allemande en favorisant les échanges entre auteurs français et allemands ainsi que les créations franco-allemandes. Cette année, nous vous proposons deux spectacles phares, un spectacle-performance participatif sur le plateau de la grande salle, des rencontres avec les artistes, un concert au bar du théâtre, en partenariat avec OFF KULTUR.

VIANDE EN BOÎTE (DOSENFLEISCH)LA VIE EST UN AUTOROUTE Voie rapide, tracé de destinsIl est des endroits où il ne fait pas bon s’attarder : c’est le cas de ce restoroute où va se dérouler un thriller macabre à quatre personnages. Agent d’assurance, Rolf vient pour enquêter sur la structure sous-jacente – imagine-t-il – qui mène cette portion d’autoroute à être le lieu d’accidents répétés et inexpliqués. Beate, la patronne des murs et ancienne personnalité du petit écran, accompagnée de la séduisante Jayne qui a planté la tente ici depuis un certain temps, surveille de près cet homme un peu trop curieux à son goût. Toutes deux ont eu affaire à la violence des autoroutes et se chargent aujourd’hui d’organiser le sabotage de ces entailles de goudron dans le paysage. Depuis l’habitacle de son camion stationné sur l’aire de repos, un routier observe et commente pour nous la scène qui se joue sous ses yeux. Dans l’obscurité d’une nuit fendue par les phares de voiture, les lampadaires qu’attirent les papillons de nuit et les nouvelles diffusées par radio infotrafic, le temps s’étire, pesant, au grand dam d’un Rolf qui aurait mieux fait de passer son chemin.Ferdinand Schmalz, né en 1985 à Graz (Autriche) sous le nom de Matthias Schweiger, est un dramaturge et prosateur autrichien, théoricien du théâtre.De Ferdinand Schmalz Mise en scène Niklas Ritter Avec Johannes Frick, Christiane Motter, Laura Trapp, Michael Wischniowski Scénographie et costumes Karoline Bierner Lumières Michael Dankert Son Samir Taibi Musique Johannes Frick Dramaturgie Corinna Popp Droits S. Fischer Verlag. Frankfurt am Main Traduction Henri Christophe Production Saarlandishes Staatstheater Saarbrücken

18, 19 NOV GRANDE SALLE 1h - dès 15 ans

Spectacle en allemand, surtitré en français

MONGOSDe la folie de devenir adulte : lorsqu’Ikarus et Francis font connaissance à l’hôpital, leur avenir n’a rien de rose. Francis lutte contre une sclérose en plaques, Ikarus est depuis peu paraplégique. Ils sont aux antipodes l’un de l’autre. Ikarus est une grande gueule, un frimeur. Francis est un calme, un sensible qui aime écrire des poèmes. Après s’être tapé sur le système, ils finissent par devenir des amis inséparables. Ils boivent ensemble, fument, vont au cinéma, parlent de sexe et des femmes et vivent leur premier chagrin d’amour. Deux jeunes entre adolescence et âge adulte. Lorsque Francis quitte la clinique, Ikarus, qui se veut pourtant toujours si cool, perd les pédales.

Une pièce émouvante sur deux marginaux frimeurs et attachants de Sergej Gößner, acteur au Jeune Schauspielhaus de Hamburg et boursier du Prix Théâtre Jeunesse du Baden Wurtemberg.

De Sergej Gößner Mise en scène Maximilien Pellert Avec Dario Neumann, Constantin Petry Dramaturgie Nele Lindemann Costumes Tamara Goldfeld-Schiefer Pédagogie théâtrale Virginie Bousquet Assistant à la mise en scène Djuna Delker Assistante stagiaire Alina Joy Fleisch Traduction et surtitrage Pascal Paul-Harang

Production Badisches Staatstheater Karlsruhe

20 NOVLA FABRIQUE

1h15 - dès 12 ansSpectacle en allemand, surtitré en français


CONCERT AVEC OFF KULTURPour son Festival annuel (le FOK), Off Kultur sait s’entourer d’artistes de talent, choisis au coup de cœur pour une sorte de chasse aux trésors, conviviale et éclectique. OFF KULTUR développe un projet de Festival de musique franco-allemand entre Nancy et Karlsruhe (projet lauréat de Oh my Goethe!).Artistes à découvrir en avant-première à Neue Stücke.Off Kultur est lauréat de Oh my Goethe! 2019 (Laboratoire Culturel et créatif franco-allemand)

20 NOVBAR DU THÉÂTRE

À 21h30 - Entrée libre

*DOPPELPASS (Fonds pour la coopération théâtrale) vise à encourager la collaboration entre les collectifs artistiques indépendants allemands et les institutions théâtrales publiques. Le CDN Nancy Lorraine est lauréat du Doppelpass avec le Staatstheater de Sarrebrück et

le collectif Prinzip Gonzo avec THE END, une réflexion menée sur la vie après la mort au travers de formes théâtrales immersives et participatives. Prinzip Gonzo a travaillé en 2014 sur un projet intitulé Das Spiel des Lebens (Le Jeu de la vie). THE END s’inscrit dans la continuité de ce projet. www.kulturstiftung-des-bundes.de

GAME OVER EXPÉRIENCE THÉÂTRALE DE SIMULATION EN OPEN-WORLDUne simulation en open world de „Prinzip Gonzo », en coopération avec le Théâtre de la Manufacture de Nancy, soutenu par le fonds Doppelpass de la Fondation culturelle de l’Etat fédéral allemand.

QUE NOUS COÛTE NOTRE FIN ? La valeur de la vie est en jeuY-a-t-il une vie après la mort ? Que se passe-t-il après la fin ? Ces questions sont probablement aussi vieilles que l’humanité car elles viennent de la peur de la mort. Par les différentes représentations que l’on se fait de l’au-delà, on essaie de diminuer cette peur de la mort ou d’opposer au caractère éphémère de la vie une éternité qui lui est supérieure. Inévitablement se pose une question économique : Qu’est-ce que pourrait m’apporter une vision de la vie après la mort ? Cette idée d’utilité ne pose rien d’autre que la question de la valeur de la vie elle-même. « Prinzip Gonzo » cherche d’éventuelles réponses en traitant la question à travers GAME OVER. Le public est invité à se perdre dans le labyrinthe entre la vie et la mort, ou à découvrir des jardins paradisiaques, ou à rencontrer Dante, ou à mijoter dans l’un des neuf cercles de l’enfer. Où sera-t-on le mieux ?Prinzip Gonzo (un collectif composé par Alida Breitag, David Czesienski, Robert Hartmann, Holle Münster, Tim Tonndorf) invente un format participatif et crée des mondes fictifs à l’intérieur desquels le public agit lui-même.Avec Spiel des Lebens / Jeu de la vie (2014), le groupe a inventé sa première expérience théâtrale de simulation en open world qu’il prolonge maintenant avec Game Over. Game Over est le premier élément de THE END, un projet de coopération de deux ans entre le Staatstheater Saarbrücken, le Théâtre de la Manufacture de Nancy et le collectif « Prinzip Gonzo ». Leur deuxième spectacle, G.O.U.L.E. sera créé en avril, lors de RING 2020. Elles seront à voir tant à Sarrebruck qu’à Nancy.Conception et mise en scène Prinzip Gonzo Avec Luise Kinner, Barbara Krzoska, Nadja Migdal, Clément Böcher, Sébastien Jacobi, Philipp Seidler Décors et costumes Thea Hoffmann-Axthelm Concepteur jeu Markus Schubert Développeur jeu toto.io (Markus Schubert et Christoph Wanja) Administratrice de production Simone Kranz

Coproduction Saarlandishes Staatstheater Saarbrücken et CDN Nancy Lorraine, La Manufacture Soutenu par le Fonds Doppelpass* de la Fondation Culturelle Fédérale en Allemagne

21, 22 NOVGRANDE SALLE

1h15 - dès 15 ansSpectacle en anglais, allemand

ou français (au choix sur smartphone)


3 > 6 DÉC GRANDE SALLE

1h30 - dès 12 ans

Texte et mise en scène Tamara Al Saadi

Avec David Chausse, Yasmine Nadifi Mayya Sanbar, Françoise Thuriès

Ismaël Tifouche, Roland Timsit Marie Tirmont et un enfant

Collaboration artistique Justine Bachelet & Kristina

ChaumontScénographie Alix Boillot

Lumières Nicolas MarieSon Fabio Meschini

Costumes Pétronille Salomé

Production Compagnie La Base Coproduction Comédie

de Saint-Étienne Centre dramatique national

Avec le soutien du Théâtre de la Bastille

du Festival To Gaether - Carreau du Temple et de La Loge.

Lauréat du Prix Impatience 2018 et du Prix des lycéens Impatience 2018

PLACE TAMARA AL SAADI

GRAND PRIX ET PRIX DES LYCÉENS DU FESTIVAL IMPATIENCE (THÉÂTRE ÉMERGENT) 2018.SPECTACLE PRÉSENTÉ AU FESTIVAL AVIGNON IN 2019.Yasmine ne sait plus lire. Un enfant aux allures de thérapeute l’invite à retraverser son histoire afin de comprendre ce qui lui arrive. On découvre alors l’arrivée de Yasmine à Paris et son chemin jusqu’à l’âge adulte. Un aller-retour incessant entre une cellule familiale coincée dans un espace-temps figé, Bagdad, la guerre, les souvenirs… et une société française méconnue qui fait résonner en elle la ritournelle de la différence et la peur viscérale d’être irrémédiablement ramenée sur le banc du service étranger de la préfecture de police. Afin d’exister dans ces deux mondes antagonistes, Yasmine est contrainte de se dédoubler. Dans une mise en scène mêlant humour et émotion, Dragon Ball Z et la guerre en Irak, le public découvre cette jeune femme dans les moments marquants de son existence quelque part entre une salle d’attente et un champ de bataille.

Autrice franco-irakienne, Tamara Al Saadi décrit le sentiment qu’éprouvent souvent les « étrangers » à n’être jamais au bon endroit, la quête permanente de légitimité dans les yeux des autres et les dégâts qu’engendre l’assimilation. Comment apprendre à être au monde malgré la culpabilité de ne pas connaître son pays d’origine et la honte de ne pas connaître son pays d’accueil ?

Je suis née à Bagdad. Quelques années après la guerre Iran-Irak, ma famille et moi sommes partis en vacances en France. La première guerre du Golfe a éclaté, les frontières se sont fermées, nous ne pouvions plus rentrer, alors nous sommes restés. En attendant. En attendant la paix, en attendant la fin de l’embargo, en attendant je ne sais plus trop quoi exactement. J’avais alors 5 ans. J’ai grandi à Paris, dans un « en attendant ».Je me suis construite en suspension, entre deux langues qui s’interdisent l’une l’autre, sur un entre deux. Ma famille s’est barricadée dans l’espoir d’un éventuel retour. Cette illusion a tué en mes parents toute initiative de transmission de ma culture d’origine. J’ai été propulsée dans une cours de récréation avec des enfants, des adultes, des chansons, des saveurs, des saisons méconnues jusqu’à lors, qui faisaient résonner en moi la ritournelle de la différence, et une peur viscérale que quoique je fasse je serai irrémédiablement ramenée sur le banc du service étranger de la préfecture de police.Place est née de la nécessité de parler d’une impasse, de ce sentiment qu’éprouvent parfois les « étrangers » à n’être jamais au bon endroit, de la bonne façon. Une quête permanente de légitimité dans les yeux des autres et les dégâts qu’engendre l’assimilation.J’ai appris à être au monde malgré la culpabilité de ne pas savoir d’un côté et la honte de ne pas savoir de l’autre. J’ai voulu raconter les alliés et les obstacles. Raconter les peurs sourdes qui tuent la dignité et effacent les rêves. Raconter un basculement dans la perdition d’un dédoublement, d’un paraître, d’un besoin obsessionnel d’être acceptée, coûte que coûte.Puis, une délivrance, à la lisière d’un poème, de mes propres yeux, de deux peuples.

Tamara Al Saadi


TAMARA AL-SAADI - Metteure en scèneAprès une licence de Sciences-Politiques, Tamara est formée au métier de comédienne à l’École du Jeu. Á sa sortie, elle écrit et met en scène Chrysalide mais aussi Pièce d’Identité et J’espère qu’on sera mieux demain. En tant que comédienne, elle joue sous la direction de Roland Timsit, Marie-Christine Mazzola, Camille Davin, Clio Van de Walle, Jean-Marie Russo et Brice Cousin...

Parallèlement, elle rencontre Arnaud Meunier qui lui propose participer à la mise en lecture du Tigre du Bengale au Zoo de Bagdad et joue le rôle de Jacky dans sa mise en scène de Fore !, ce qui la conduit à rejoindre l’Ensemble Artistique de la Comédie de Saint-Étienne.

D‘autre part, elle est admise en Master d’expérimentations en Arts et politique à Sciences Po Paris (SPEAP), sous la direction de Bruno Latour puis est invitée à intégrer son comité pédagogique.

Par ailleurs, en collaboration avec Mayya Sanbar, elle crée la compagnie La Base et est conviée par de nombreuses structures dont Citoyenneté Jeunesse à diriger des ateliers sur la question de « l’image de soi » via la création théâtrale. En 2018, elle remporte le prix du Jury et le prix des Lycéens du Festival Impatience pour Place dont elle signe l’écriture et la mise en scène.



1h10 - dès 15 ans

De Caryl ChurchillTraduction Élisabeth Angel-Perez

Mise en scène Marc PaquienAvec Charlotte Clamens, Danièle

Lebrun (de la Comédie-Française) Geneviève Mnich, Dominique

ValadiéDécor Emmanuel Clolus

Costumes Claire RisterucciSon Xavier Jacquot

Lumières Alain ParadisAssistante à la mise en scène

Julie Pouillon

Coproduction Théâtre Montansier - Versailles, Théâtre de Nîmes - Scène conventionnée, Comédie de Picardie

Compagnie Ithopios L’Arche est éditeur et agent théâtral

du texte représenté

DU CIEL TOMBAIENT DES ANIMAUXCARYL CHURCHILL / MARC PAQUIEN

« Je marche dans la rue et il y a une porte entr’ouverte dans la palissade et derrière, trois femmes que j’ai déjà vues. »

Voilà longtemps que je connais l’œuvre de Caryl Churchill, et son écriture ne cesse de m’interpeller depuis toutes ces années. Chaque nouvelle pièce est un moment de découverte, d’audace et de vérité. Âgée maintenant de 80 ans, ses préoccupations sont toujours celles d’une auteure engagée, militante de la cause des femmes, inscrivant sans relâche son théâtre dans un questionnement politique en prise avec le présent. Dans la pièce A number, elle s’attaque aux dérives de la science, à travers l’histoire d’un père et ses fils clonés, questionnant ainsi le thème de l’identité. Elle n’hésite pas à s’élever contre la guerre en Irak et le rapprochement Anglo-Americain, en mettant en scène George Bush et Tony Blair dans les rôles de Jack and Joe, un couple homosexuel aux prises avec l’alcool dans Drunk enough to say I love you. Mais plus encore, Caryl Churchill, dans la grande tradition du théâtre anglais, expérimente la langue et les genres, créant ainsi une œuvre majeure dont se sont inspirés beaucoup d’auteurs de la nouvelle génération.

Du ciel pleuvaient des animaux, sa dernière pièce créée au Royal Court à Londres, nous apporte une nouvelle fois la preuve de son esprit visionnaire et fulgurant. Quatre dames âgées dans un jardin discutent de leurs vies, de leurs bribes d’existences, du temps désormais passé. C’est un après-midi d’été. Parmi elles, une voisine, une étrangère, Cassandre des temps modernes ou fantôme du futur. Elle a vu la catastrophe du monde, et vient nous délivrer sa parole poétique et prophétique, brûlante, pleine d’un humour acerbe, un rire hénaurme. Mise en garde contre les dérives de l’hyper-capitalisme et d’une mondialisation non-maîtrisée...Ce que le texte donne à entendre et à visualiser dans notre imagination, c’est la radicalisation de tous les maux du monde actuel : le développement immobilier et la surexploitation des carrières, la soif des uns, le trop d’eau des autres, l’hyper digitalisation de la société, l’épuisement des ressources... Le monde est devenu un Léviathan maléfique et ce qui est le plus incroyable, c’est que Caryl Churchill trouve les mots pour le dire.Mettre en scène aujourd’hui cette écriture et la faire enfin découvrir en France me semble primordial. Tout comme donner la scène à quatre actrices uniques, faire entendre quatre destins de femmes.À l’heure du thé et de la catastrophe... une comédie au goût de fin du monde.

Marc Paquien


CARYL CHURCHILL - Auteur

Née à Londres en 1938, Caryl Churchill grandit au Canada puis revient en Angleterre pour suivre des études de littérature à l’Université d’Oxford. C’est à cette période qu’elle écrit ses premières pièces : Downstairs, You’ve No Need to be Frightened et Having a Wonderful Time. Elle compose ensuite de courtes pièces radiophoniques pour la BBC : The Ants en 1962, Lovesick en 1967, Abortive et Not, Not, Not, Not Enough Oxygen en 1971 et Schreber’s Nervous Illness en 1972. Elle écrit également pour la télévision : The Judge’s Wife diffusée sur la BBC en 1972, The After Dinner Joke en 1978 et Crimes en 1982.Au début des années 1970, elle se dirige vers la scène et travaille comme auteur résident au Royal Court Theatre de Londres entre 1974 et 1975. Elle collabore également aux travaux de compagnies telles que « Joint Stock » et « Monstrous Regiment » dont le mode de création repose principalement sur des ateliers d’improvisation avec des auteurs. Durant cette période de recherche et de travail intense, elle écrit de nombreuses pièces qui deviendront des succès. Entre autres, Light Shining on Buckinghamshire et Vinegar Tom en 1976, Fen en 1983, A Mouthful of Birds en 1986 et Serious Money en 1987, couronnée à cinq reprises meilleure pièce de l’année.Devenue auteur dramatique reconnue, Caryl Churchill continue d’animer des « workshops » qui l’aident dans son écriture. Ainsi, par exemple, Mad Forest est écrit après un voyage en Roumanie en 1990. En 1994, elle écrit The Skriker ; en 1999 Far Away ; en 2002 A Number. Sa dernière pièce, A Dream Play, créée au National Theatre en 2005, est une nouvelle version du Songe de Strindberg.L’Arche Éditeur publie en français Top girls, Septième ciel (Cloud Nine, 1979) et A Number sous le titre Copies. Cette dernière, créée en 2002 au Royal Court de Londres et consacrée meilleure nouvelle pièce par l’Evening Standard Award, est créée pour la première fois en langue française par le Rideau de Bruxelles.Caryl Churchill est un auteur de premier plan qui se singularise par sa finesse de style et son humour quasi surréaliste. Protéiforme, le théâtre de Churchill est surtout connu pour ses attaques féministes et socialistes contre la société thatchérienne et post-thatchérienne, et plus récemment pour ses dystopies sombres, qui évoquent aussi bien le totalitarisme que la manipulation génétique.

MARC PAQUIEN - Metteur en scèneMarc Paquien débute la mise en scène avec La Mère de Witkiewicz au Théâtre Gérard-Philipe de Saint-Denis, puis Face au mur et Cas d’urgences plus rares de Martin Crimp au Théâtre national de Chaillot. Il reçoit pour ces deux spectacles le « Prix de la révélation théâtrale de la mise en scène », décerné par le Syndicat de la critique. Il met ensuite en scène Le Baladin du monde occidental de John Millington Synge au Théâtre national de Chaillot, l’opéra Les Aveugles de Xavier Dayer d’après Maeterlinck avec l’Atelier lyrique de l’Opéra national de Paris, puis La Dispute de Marivaux à la MC93 Bobigny. Pour le Festival Odyssées il créé le texte jeune public L’ Assassin sans scrupules de Henning Mankel.Il crée en France La Ville de Martin Crimp au Théâtre des Abbesses et dirige à nouveau les chanteurs de l’Atelier Lyrique dans Le Mariage secret de Cimarosa à la MC93 Bobigny, puis dans L’Heure espagnole de Ravel au Théâtre Impérial de Compiègne.


Pour la troupe de la Comédie-Française, il met en scène au Théâtre du Vieux-Colombier Les affaires sont les affaires d’Octave Mirbeau, au Studio-Théâtre La Voix humaine de Jean Cocteau, puis Antigone de Jean Anouilh au Vieux-Colombier et Salle Richelieu ainsi qu’en tournée en France. Suivront Les Femmes savantes de Molière au Théâtre de la Tempête, Oh les beaux jours de Samuel Beckett en tournée en France, en Belgique et au Canada, et au Théâtre de la Madeleine, La Locandiera de Goldoni en tournée en France et au Théâtre de l’Atelier, puis Et jamais nous ne serons séparés de Jon Fosse au Théâtre de l’Œuvre. Au Théâtre des Bouffes du Nord, il met en scène Molly Bloom de James Joyce et La Révolte de Villiers de l’Isle-Adam. Dernièrement il a mis en scène Les Voisins de Michel Vinaver au Poche-Montparnasse, Les Fourberies de Scapin de Molière en tournée en France, Constellations de Nick Payne au théâtre du Petit Saint-Martin et Le silence de Molière de Giovanni Macchia au Théâtre de La Tempête.En 2017, il met en scène Phèdre, opéra de Lemoyne, au Théâtre de Caen et au Théâtre des Bouffes du Nord. En 2019, Il mondo della luna de Haydn à la Cité de la Musique, puis Cendrillon de Isouard à l’Opéra de Saint-Etienne.Pédagogue, il intervient aussi régulièrement dans les écoles nationales. Il intervient régulièrement à l’Ensatt (Lyon), l’Estba (Bordeaux), l’Epsad (Lille), à l’Ecole des Teintureries – Lausanne et au Cours Florent – Paris



2h20 - dès 14 ans

De Victor HugoMise en scène Yves Beaunesne

Avec Thierry Bosc, François Deblock Zacharie Feron, Noémie Gantier

Fabienne Lucchetti Maximin Marchand, Guy Pion

Jean-Christophe Quenon, Marine Sylf

Musiciennes Anne-Lise Binard, Elsa GuietConseillère artistique Marion

Bernède Scénographie Damien Caille-Perret

Costumes Jean-Daniel Vuillermoz Lumière Nathalie Perrier

Musique Camille Rocailleux Maquillages, coiffures et masques

Cécile KretschmarAssistanat à la mise en scène

Pauline Buffet et Laure RoldànDramaturgie Jean-Christophe

BlondelMaître de chant Haïm Isaacs

Production La Comédie Poitou-Charentes - Centre dramatique

national avec le soutien de la DRAC Nouvelle-Aquitaine, Ministère de la Culture et de la Communication, de la Région Nouvelle-Aquitaine et de

la Ville de Poitiers Coproduction et création Fêtes Nocturnes du Château

de Grignan Coproduction Théâtre de Liège, Théâtres de la Ville de

Luxembourg, Théâtre Montansier - Versailles, Théâtre d’Angoulême -

Scène nationale Avec la participation artistique de l’ENSATT Construction décors Ateliers du Théâtre de Liège

RUY BLASVICTOR HUGO / YVES BEAUNESNE

Don Salluste, ministre déchu par la reine d’Espagne, trame sa vengeance en introduisant à la cour son valet Ruy Blas sous les habits de Don César, son cousin. Épris de justice et éperdument amoureux, Ruy Blas séduit la reine par la loyauté, avant que ne se referme sur leur union impossible le piège maléfique de Don Salluste... Un conte de fée sur fond de tragédie sociale, aux accents indéniablement comiques.

RUY BLAS, ÉCRIT EN 1838 MÉLANGE LES GENRES TELS QUE LA COMÉDIE, LA TRAGÉDIE ET LE DRAME. L’action de Ruy Blas se situe à la fin du XVIIe siècle, à la cour d’Espagne. Don Salluste, noble par le titre mais qui est un personnage ignoble, est condamné par la reine à l’exil pour avoir déshonoré une jeune femme. Poussé par le dépit, il décide finalement de se venger en mettant au point un piège pour la reine. De son côté, la reine est malheureuse, étant loin de sa famille et se sentant délaissée par son époux. Rapidement, son palais se transforme en prison pour elle.Sachant cela, Don Salluste met au point son piège, prévoyant de rendre amoureuse la reine, puis de la faire surprendre et de la chasser. Pour y parvenir, il compte bien évidemment sur Don César, un noble devenu un vagabond mais celui-ci refuse. Salluste le fait alors vendre comme esclave et le remplace par Ruy Blas, son valet, qui aime la reine en silence. Néanmoins, après beaucoup de rebondissements Don César revient.À la fin, après avoir vécu avec la reine, et l’avoir vengée, Ruy Blas trouve pour sauver son amour pour la reine la force de lever son masque, et de lui révéler sa vraie identité, il tue alors son maitre et s’empoisonne. Malheureusement c’est lorsqu’il meurt qu’elle découvre qu’elle aussi l’aime, et lui crie son amour, Ruy Blas dans un dernier soupir la remercie et repose en paix.

Le drame tient de la tragédie par la peinture des passions, et de la comédie par la peinture des caractères. Le drame est la troisième grande forme de l’art, comprenant, enserrant et fécondant les deux premières.Corneille et Molière existeraient indépendamment l’un de l’autre, si Shakespeare n’était entre eux, donnant à Corneille la main gauche, à Molière la main droite.De cette façon, les deux électricités opposées de la comédie et de la tragédie se rencontrent et l’étincelle qui en jaillit, c’est le drame.Victor Hugo, Préface à Ruy Blas, Éditions Gallimard, Folio, 1997.

Je vais monter en 2019 Ruy Blas de Victor Hugo. Depuis mon aventure du Cid, j’ai pris goût aux alexandrins, je voulais y retourner vite et retrouver par la même occasion ces textes éternels qui permettent de mettre à distance et en perspective notre époque. Ruy Blas sera François Deblock, qui est depuis le début de son formidable parcours l’égérie de Jean Bellorini (Les Frères Karamazov, La Bonne Ame du Se-Tchouan, Paroles gelées), un jeune acteur happé autant par le théâtre (Prix Beaumarchais, Molière de la révélation théâtrale) que le cinéma (avec Gérard Jugnot, Louane Emera, Géraldine Chaplin...) et la jeune reine sera Noémie Gantier qui porte haut depuis plusieurs années les couleurs du


travail de Julien Gosselin.Il y a avec ce Hugo qui se montre si proche de nous dans sa sensibilité aux désordres du monde un conte de fée - un valet aime la reine et devient son premier ministre -, un mélodrame - deux cœurs purs saisis d’amour fou succombent à un serpent machiavélique -, une tragédie sociale - malgré sa valeur, un prolétaire meurt victime de la tyrannie des grands -, un drame romantique - puisque l’homme du peuple a le génie pour couronne, sa place n’est plus dans les marges ou les bas-fonds, mais au sommet de la société -, ou une comédie avec ses scènes cultes que n’ont pas reniées Louis de Funès et Yves Montand. Ou tout ensemble, et pour cela il me faut une sacrée troupe pour assumer ces rôles de haute volée : ce sera l’occasion de poursuivre mon aventure avec ces fidèles qui composent pour moi une sorte de troupe rêvée, comme les Marine Sylf, Fabienne Lucchetti, Maximin Marchand et d’y adjoindre de formidables nouveaux camarades comme Thierry Bosc, Jean-Christophe Quenon, Guy Pion.

Yves Beaunesne

VICTOR HUGO - Poète, romancier et dramaturgeNé le 26 Février 1802 à Besancon, Victor Hugo est sans conteste l’un des géants de la littérature française. Ses romans Notre-Dame de Paris (1831) et Les Miserables (1862) figurent parmi les plus connus.L’auteur des Misérables, des Châtiments et de nombreux poèmes a allié à la fois ambition, longévité, puissance de travail et génie, ce qui ne pouvait que concourir à ce mélange de fascination et d’irritation qu’il suscite encore aujourd’hui. Il écrivait avec simplicité et puissance les bonheurs et malheurs de la vie. Victor Hugo était un travailleur acharné.Entre 1827 ( Préface de son drame Cromwell) et 1830 (représentation d’Hernani, qui est l’occasion d’une célèbre «bataille»), Victor Hugo s’affirme comme le chef du romantisme.De 1830 à 1840, il publie: un grand roman historique, Notre-Dame de Paris (1831) ; des drames, Marion de Lorme (1831), Le roi s’amuse (1832), Marie Tudor (1833), Lucrèce Borgia (1833), Ruy Blas (1838); et surtout quatre recueils de poésies, où il se montre maître dans l’expression lyrique des idées et des sentiments: les Feuilles d’automne (1831), les Chants du crépuscule (1835), les Voix intérieures (1837), les Rayons et les Ombres (1840).Victor Hugo est mort à Paris le 23 Mai 1885 à 83 ans. Plus de 3 millions de personnes ont assisté à ses funérailles...

YVES BEAUNESNE - Metteur en scèneAprès une agrégation de droit et de lettres, il se forme à l’INSAS de Bruxelles et au CNSAD de Paris.Il signe, en 1995, sa première mise en scène, Un Mois à la campagne de Tourgueniev, spectacle qui a obtenu le Prix Georges Lerminier décerné par le Syndicat de la critique dramatique.Il a mis en scène entre autres L’Éveil du printemps de Wedekind et La Fausse Suivante de Marivaux au Théâtre de la Ville à Paris, Yvonne, Princesse de Bourgogne de Gombrowicz, La Princesse Maleine de Maeterlinck, Oncle Vania de Tchékhov et L’Échange de Claudel


au Théâtre National de la Colline, Le Partage de midi de Claudel et On ne badine pas avec l’amour de Musset à la Comédie-Française, ainsi que Conversation chez les Stein sur Monsieur de Goethe absent de Peter Hacks, Dommage qu’elle soit une putain de John Ford, Le Canard sauvage d’Henrik Ibsen, Lorenzaccio de Musset, Le Récit de la servante Zerline de Hermann Broch, Pionniers à Ingolstadt de Marieluise Fleisser, L’Intervention de Victor Hugo, Roméo et Juliette de Shakespeare, qui a inauguré le Théâtre de Liège, le 6e épisode de Camiski ou l’esprit du sexe de Pauline Sales et Fabrice Melquiot, Lettres à Elise de Jean-François Viot, L’Annonce faite à Marie de Claudel, aux Bouffes du Nord. Il a créé Intrigue et amour de Schiller pour les 120 ans du Théâtre du Peuple à Bussang en 2015, et Le Cid de Corneille en novembre 2016 au Théâtre d’Angoulême. Il a présenté en février 2018 Ella d’Herbert Achternbusch à La Coursive, Scène Nationale de la Rochelle, et a créé Le Prince travesti de Marivaux début novembre 2018 à la Scène nationale d’Angoulême.A l’opéra, il met en scène Werther de Massenet et Rigoletto de Verdi à l’Opéra de Lille, Così fan tutte de Mozart à l’Opéra de Versailles, Orphée aux enfers de Offenbach au Festival d’Aix-en-Provence, Carmen de Bizet à l’Opéra Bastille.Il a été en 2002 nommé directeur-fondateur de la Manufacture - Haute École de Théâtre de la Suisse romande. Il dirige depuis 2011 la Comédie Poitou-Charentes, centre dramatique national.


17 > 20 DÉC 3, 4 JAN

LA FABRIQUE 1h15 - dès 15 ans

Texte Dominique SimonnotMise en scène Michel Didym

Collaboration artistique et interprétation Bruno Ricci

Scénographie David Brognon et Stéphanie Rollin

Lumière David Brognon et Sébastien Rébois

Création sonore Michel JaquetCostume Éléonore Daniaud

Décor Atelier de construction du CDN Nancy Lorraine

Production Centre Dramatique National Nancy Lorraine, La

Manufacture Coproduction Théâtre de Grasse

COMPARUTION IMMÉDIATE 2JUSTICE : UNE LOTERIE NATIONALE ?

DOMINIQUE SIMONNOT / MICHEL DIDYM

On dit la justice lente, elle l’est. Mais il est une procédure qui va très vite. Ce sont les comparutions immédiates ou « CI », héritières des légendaires «flagrants délits». Les flags. La règle est simple. Un délit commis, une arrestation, une garde-à-vue et un jugement immédiat. Trente minutes suffisent pour distribuer des mois de prison.Ce sont des audiences qui durent tard. Souvent au-delà de minuit. On y voir défiler des voleurs, agresseurs, époux violents, sans-papiers, dealers, toxicos, cambrioleurs. Et ceux qui ont, encore, bu un coup de trop, insulté un policier. Et aussi des malades mentaux et des innocents. Et, maintenant des « gilets jaunes ». Tous jugés à la sauvette, défendus par des avocats commis d’office qui n’ont eu que quelques minutes pour examiner le dossier.

Avec 53400 procès en 2017, les « CI », s’appliquent à des délits, punis de 6 mois à 10 ans d’emprisonnement et sont les premières pourvoyeuses des prisons.À ces audiences - ces « chambres de la misère » disent les magistrats - se retrouve un précipité de la société avec ses travers, ses douleurs, mais aussi un certain humour. Une saisissante galerie de portraits, un ensemble hétéroclite d’affaires, sur lesquelles se penchent des juges aux yeux rougis, fatigués, qui en fin d’audience, après 20 prévenus, s’emmêlent dans les noms, accélérant la cadence au fur et à mesure des heures qui passent, soupirant devant le tas de dossiers qui reste à traiter. Etonnant spectacle ! Au nom d’une justice pressée, ultra-rapide, les grands principes enseignés dans les facultés de droit en viennent à être oubliés. Où sont cette présomption d’innocence, ces preuves et ce doute qui doit profiter au prévenu ? La dignité, la sérénité de la Justice ? Tous engloutis par la hâte. Pourquoi six mois à celui-ci ? Pourquoi un sursis à tel autre ? Pourquoi ces 4 ans, infligés aussi vite. Nul ne ressort indemne d’une séance aux « flags », et souvent avec une méchante impression de loterie.

Notre pièce raconte donc ces CI, rien n’est inventé, pas un mot, pas une phrase, pas une peine (seuls les prénoms ont été modifiés). Tout a été scrupuleusement retranscrit. Tout y est vrai. Et un seul acteur réussit la prouesse de jouer tous les rôles de cette étrange « justice »...

Dominique Simonnot et Michel Didym

CRÉATION


DOMINIQUE SIMONNOTJournaliste française, spécialiste des affaires judiciaires.

Après des études de droit, elle a été éducatrice à l’administration pénitentiaire, et est devenue journaliste à Libération, où elle sera un temps présidente de la Société des rédacteurs, elle crée en 1998 une chronique judiciaire, intitulée « Carnets de justice ». En 2006, elle quitte Libération pour le Canard enchaîné, où elle tient la chronique judiciaire « Coups de barre », d’où sont issus le texte de cette pièce.

Elle a publié également des livres, L’immigration : une chance pour l’Europe ? chez Casterman, 1997. Justice en France : une loterie nationale, avec les photos de Michel Vanden Eeckhoudt à La Martinière, en 2003. Plus noir dans la nuit édité chez Calmann-Lévy en 2014. Et, en 2018 au Seuil Amadora, une enfance tzigane.

BRUNO RICCI - ComédienComédien diplômé de l’École Supérieur d’Art Dramatique du Théâtre National de Strasbourg (Promotion 1992). Au théâtre, il joue avec Jean-Louis Hourdin, Gildas Bourdet, Laurent Lafargue, Joël Jouanneau, Jean-Marie Villégier, Christophe Perton.

Avec Michel Didym, il créé Comparution immédiate d’après les chroniques judiciaires de Dominique Simmonnot journaliste au Canard Enchaîné (à l’affiche du Théâtre du Rond-Point à l’automne 2017) ; joue Sancho Pança dans La vie du Grand Don Quichotte de la Manche et du Gros Sancho Pança de António José Da Silva ; Le notaire, Thomas Diafoirus, Monsieur Fleurant dans Le Malade imaginaire de Molière. Il interprète Stanislas Leszczynski, Roi de Pologne et Duc de Lorraine, dans Le petit coucher de Stanislas et dernièrement le serviteur de Montaigne dans Voyage en Italie d’après Montaigne.

Pendant deux ans, il joue Comment réussir un bon petit couscous, écrit et mis en scène par Fellag. Il écrit et interprète Peppino dans une mise en scène de Mario Gonzales.

Il fait ses débuts au cinéma dans L’Appartement aux cotés de Monica Bellucci et Vincent Cassel, il joue également dans Cash d’Éric Besnard et La Loi De Murphy de Christophe Campos en 2009. Suivent les tournages de La Tête En Friche de Jean Becker (2010), Captain America : the first avenger, de Joe Johnston (2010), Le Capital de Costa-Gavras (2012), La Confrérie des Larmes de Jean-Baptiste Andrea (2013) et Three days to kill de Joseph Mc Ginty Nichol (2014), Dalida de Lisa Azuelos (2016).

Parallèlement à sa carrière cinématographique, Bruno Ricci mène brillamment sa barque au petit écran et figure au casting de nombreuses séries.

MICHEL DIDYM - metteur en scène et comédienNé à Nancy, il grandit à l’époque du Festival Mondial du Théâtre. Il y vit de nombreuses expériences cinématographiques, musicales et théâtrales.Il poursuit ses études supérieures d’art à l’école du Théâtre National de Strasbourg - Direction Jean-Pierre Vincent. Il est Héraclès dans Héraclès V de Heiner MULLER au Festival d’Avignon. Il a joué sur les plus grands plateaux français, avec Alain FRANÇON dans la Cour d’honneur


du Palais des Papes à Avignon et au Théâtre de l’Odéon, André ENGEL et Georges LAVAUDANT au TNP de Villeurbanne, Jorge LAVELLI au Théâtre National de La Colline ainsi que dans plusieurs films d’auteurs dont Pas très catholique de Tonie MARSHALL dont il partage l’affiche avec Anémone. Il joue Le Dépeupleur de Samuel BECKETT, mise en scène par Alain FRANÇON, au Théâtre de l’Athénée-Louis-Jouvet. Pour ce travail d’acteur, il reçoit le prix Villa Médicis en 1989.Tenté par la mise en scène et la dramaturgie, il devient collaborateur artistique d’Alain FRANÇON pendant 7 ans.Suite à cette collaboration, il fonde en 2001 la compagnie BOOMERANG à Nancy puis à Metz où il initie la construction du Théâtre du Saulcy – Espace Bernard-Marie Koltès. Il crée à l’Abbaye des Prémontrés de Pont-à-Mousson LA MOUSSON D’ÉTÉ - Rencontres internationales des écritures contemporaines dont il est le directeur artistique. Il dirige chez l’éditeur Solitaires Intempestifs la collection du même nom.

Il a mis en scène des auteurs CONTEMPORAINS :- Philippe MINYANA - Boomerang ou Le Salon Rouge - Théâtre Bastille à Paris - Valère NOVARINA - Pour Louis de Funès - Théâtre National du Venezuela à Caracas- Bernard-Marie KOLTÈS - La nuit juste avant les forêts - Festival Théâtre en Mai de Dijon et tournée à Moscou, Roumanie, Hambourg et Amsterdam... puis en Colombie La Noche-Nuit version franco-espagnole au Mapa Teatro de Bogota et au Théâtre Kafka de Buenos Aires suivi d’une tournée en Espagne et dans 6 pays d’Amérique Latine.- Bernard-Marie KOLTÈS - Sallinger - Théâtre de la Ville de Paris.- Michel VINAVER - Le dernier sursaut à l’Opéra Théâtre de Metz - Iphigénie Hôtel à Besançon - un atelier spectacle Nina it´s différent à New York.- Armando LLAMAS - Lisbeth est complètement pétée en Colombie, Festival International de Bogota, Casa del Teatro nacional et à Théâtre Ouvert, Centre Dramatique National de Création à Paris.- Avec 10 auteurs français (Enzo CORMAN, Olivier PY, etc.), il crée Confessions au Festival d’Avignon. Le succès est tel que suivront 3 nouvelles créations : au Théâtre National de Lima - Pérou, au Théâtre San Martin de Buenos Aires, Argentine et au Museo de la Solidaridad Salvador Allende à Santiago du Chili. - Le Ministère des Affaires Étrangères français lui confie la direction artistique du projet TINTAS FRESCAS, vaste projet de quatre ans visant à développer le rayonnement international des auteurs français en Amérique latine (créations, éditions, etc.). Ce projet se conclut par un festival international d’auteurs français en langue espagnole réunissant 14 spectacles lors du festival du même nom TINTAS FRESCAS dans 8 théâtres de Buenos Aires.- Poursuivant son travail autour de la dramaturgie de la personne, il commande à 10 auteurs français et 10 auteurs latino-américains Divans qu’il crée au Festival Cervantino de Guanajuato au Mexique et qui se jouera plus de 6 mois au Théâtre El Galeón de Mexico. Il fera une nouvelle création de Divans à Santiago avec des auteurs chiliens puis au Théâtre San Martin de Buenos Aires.À l’invitation de la Schaubühne de Berlin, il crée Die Couch-Divans avec Marius VON MAYENBURG et Jon FOSSE, Falk RICHTER et 5 auteurs français utilisant la troupe de la Schaubühne. Ce projet sera à nouveau adapté avec des auteurs autrichiens pour le SchauspielHaus de Vienne.


- Daniel DANIS - Le Langue-à-langue des chiens de roche - Comédie française- En Asie, il présente Xavier DURRINGER avec Histoire d’hommes au Setagaya Public Theatre de Tokyo et à Paris. Ce texte est interprété par Judith MAGRE qui obtiendra pour ce rôle le Molière de la Meilleure actrice. Il poursuit son intense collaboration avec le Théâtre de la Ville de Paris et présente après Visiteurs de Botho STRAUSS, Les animaux ne savent pas qu’ils vont mourir de Pierre DESPROGES, repris 2 saisons de suite dans ce théâtre après une grande tournée nationale. Il crée ensuite Face de cuillère de Lee HALL adapté par Fabrice MELQUIOT pour Romane BOHRINGER.- Mardi à Monoprix de Emmanuel DARLEY par Jean-Claude DREYFUS connaît un immense succès avec plus de 300 représentations. - Invasion ! de Jonas Hassen KHEMIRI est créé pour le Théâtre des Amandiers à Nanterre et suivi d’une tournée nationale.Le Napoli Teatro Festival Italia de Naples sera le cadre de la création de Le tigre bleu de l’Euphrate de Laurent GAUDÉ avec Tchéky KARYO et création musicale de Steve SHEHAN et suivi d’une tournée française.

En dehors de ces créations il adapte des auteurs MODERNES :Il utilise les comptes-rendus des rencontres autour de la sexualité par les Surréalistes André Breton, Louis Aragon, Queneau, Prévert, Man Ray, etc. et crée au Festival d’Avignon La rue du Château qui sera repris à La Cartoucherie de Vincennes. Le Festival d’Avignon lui commande 2 ans plus tard la création Yaacobi et Leidental de Hanokh LEVIN en coproduction avec la Grande Halle de La Villette. Il collabore de nouveau avec le Théâtre National de La Colline à Paris avec Normalement de Christine ANGOT puis autour de l’auteur Serge VALLETTI dont il va créer successivement Quand le jour s’est levé, je me suis endormie et Poeub ! réunissant une importante distribution de 24 acteurs qui effectuera une tournée nationale de plus d’un an.

Il a monté trois opéras : L’Écume des jours de Boris VIAN - musique de Edison DENISOV, Rigoletto de Giuseppe VERDI - tous deux créés à l’Opéra National de Mannheim en Allemagne et La Clémence de Titus de MOZART à l’Opéra Théâtre de Metz.

Depuis 2010, il dirige le Centre Dramatique National de Nancy où il a achevé son triptyque Pierre DESPROGES avec Chroniques de la haine ordinaire par Dominique VALADIÉ et Christine MURILLO et Savoir Vivre où il est sur scène en compagnie de Catherine MATISSE. Ces deux spectacles tourneront en France, Belgique, Luxembourg, Suisse, Allemagne. En 2010, il crée le Festival RING - Rencontres Internationales Nouvelles Générations réunissant des spectacles venus du monde entier. Il entame une intense collaboration avec le Goethe - Institut de Nancy et y crée le festival NEUE STÜCKE mettant en valeur la dramaturgie allemande. Il y présente Examen spectacle interactif mêlant auteurs français et allemands. En janvier 2013, il réunit Romane Bohringer et Richard Bohringer dans une mise en scène du texte d’Angela Dematté J’avais un beau ballon rouge. Le « Palmarès du Théâtre » a décerné le prix « Coup de cœur du Théâtre public » à Romane et Richard Bohringer pour leur interprétation dans ce spectacle.


En 2015, il monte son premier grand CLASSIQUE : Le Malade imaginaire - comédie ballet de MOLIÈRE (janvier 2015) - coproduction : Théâtre National de Strasbourg / Les Célestins, Théâtre de Lyon / Théâtre National de Liège. Le spectacle dépasse les 250 représentations depuis sa création - il est présenté en Suisse - Belgique - Allemagne - Chine. Au cours de la tournée 2016-2017, le spectacle est notamment présenté au Maroc à Casablanca, Marrakech, Rabat et Meknès. En décembre 2017, Michel Didym reprend le rôle d’Argan pour deux mois de représentations au Théâtre Déjazet - Paris. Le spectacle est toujours sur la route et sera notamment présenté en juin 2019 en Argentine à Buenos Aires.

Il présente, par ailleurs, l’œuvre d’une jeune auteure roumaine Mihaela MICHAILOV Sales Gosses en coproduction avec le Théâtre National de Timisoara en Roumanie présenté en mai 2016 à la Comédie de Reims.En 2016, il créé également à l’ENSATT Meurtres de la princesse juive, Bon titre, publicité mensongère de Armando Llamas. Le spectacle est présenté à Nancy, Maubeuge, Thionville, Villeurbanne et Chambéry au cours de la Saison 2016- 2017. En Janvier 2018 il met en scène Les Eaux et Forêts, texte de Marguerite Duras avec Brigitte Catillon/Anne Benoit (en alternance), Charlie Nelson et Catherine Matisse. Le spectacle sera présent en Chine en juillet prochain.

En février 2019, il crée à l’Opéra National de Lorraine de Nancy, 7 Minuti - opéra de Giorgio Battistelli d’après le texte de Stefano Massini. Le travail mené sur Molière l’amène à se tourner à nouveau vers les textes classiques et notamment ceux de Montaigne. Le 12 mars 2019, il présente au CDN Nancy Lorraine Voyage en Italie d’après Les Essais et Journal de Voyage de Montaigne.


14 > 21 JAN GRANDE SALLE 2h - dès 14 ans

De RacineMise en scène Jean-Thomas

BouillaguetCollaboration à la mise en scène

Emeline TouronAvec Denis Ardant, David Bescond

Jean-Thomas Bouillaguet Stéphane Robles, Delphine Sabat

Emeline TouronScénographie René Maury

Musique Jérémie Gasmann, Vincent Dono

Son Nicolas GardelLumière Vincent Dono

Costumes Éléonore Daniaud

Production T.I.L. - Théâtre Ici et Là -

Mancieulles CDN Nancy Lorraine, La Manufacture

(en cours)

BRITANNICUSJEAN RACINE / JEAN-THOMAS BOUILLAGUET

En épousant Claude avant de l’empoisonner, l’habile Agrippine a pris soin de faire adopter son propre fils, Néron, le propulsant ainsi héritier légitime de l’empire romain aux dépens du jeune Britannicus. Depuis trois ans, le règne du fantasque Néron, amuseur public, musicien et chanteur à ses heures, semble satisfaire le peuple de Rome. Pour apaiser la frustration et la colère de Britannicus, Agrippine lui promet Junie pour épouse.Néron perçoit que le véritable pouvoir lui résiste, confisqué par sa mère et ses conseillers.Il décide alors de contrer les plans d’Agrippine en enlevant Junie...

Vous êtes en des lieux tout plein de sa puissance.

Ces murs mêmes, Seigneur, peuvent avoir des yeux ;

Et jamais l’Empereur n’est absent de ces lieux.

Jean Racine, Britannicus (1669)

Britannicus est un tissu d’intrigues entre professionnels de la politique où tout est question de pouvoir. Fidèle à l’écriture des grandes passions caractéristiques de l’œuvre racinienne, cette version de Britannicus joue sur les frontières entre anticipation et réalité, histoire et actualité, soulignant la modernité du texte. D’étonnantes résonnances entre la décadence de l’Empire romain et la société occidentale actuelle émergent alors...

LES PERSONNAGES - ROUAGES DE L’APPAREIL POLITIQUE Le cœur de la pièce se concentre sur la figure de Néron. À nos yeux, il est le personnage central de cette tragédie, car c’est à partir de lui que « la société du spectacle » est orchestrée, et que les actions des différents protagonistes se déploient.Chaque personnage qui entoure l’empereur occupe une place importante dans la mécanique du pouvoir : Narcisse, dans le rôle de conseiller en communication, manipulateur et égocentrique ; Agrippine, mère possessive et dominatrice obsédée par le contrôle qui refuse de céder la place à son fils ; Burrhus, qui peine à faire entendre ses conseils et dont la loyauté envers Néron cause la perte ; Junie, victime à priori mais loin d’être innocente et insensible aux enjeux d’un pouvoir qu’elle pourrait partager avec Britannicus ; Albine, en maîtresse de cérémonie qui distribue les informations et la parole aux différents personnages ; et enfin Britannicus, naïf et impulsif, aveuglé par la frustration, le pouvoir et l’amour à tel point qu’il ne se rend pas compte qu’il se fait manipulé de toutes parts.Le théâtre racinien est réputé pour être le théâtre des grandes passions ; on les envisage la plupart du temps à travers les relations amoureuses. Il nous semble que pour cette pièce en particulier, celles qui dévorent les personnages ce sont les grandes passions du

CRÉATION


pouvoir, entraînant des montées d’adrénaline au moins aussi fortes et violentes que les sentiments amoureux. C’est pour cela que nous faisons le choix de laisser de côté les relations de couples qui traversent la pièce. Plus précisément, ces relations ne nous apparaissent que comme des stratégies pour accéder au pouvoir ou le conserver : Néron n’est pas tombé amoureux en une nuit de Junie, mais le faire croire appartient à son plan ; le couple formé par Britannicus et Junie cache une alliance politique qui a pour but de renverser le pouvoir... Le jeu amoureux n’est qu’un jeu. Partout, il n’est que stratégie.Dans notre proposition, Néron est autant empereur que dirigeant du seul groupe médiatique du pays. Il est donc non seulement celui qui agit à sa guise, mais aussi celui qui sélectionne, arrange et diffuse les images qu’il souhaite voir reçues par le peuple. En avançant dans l’histoire, nous souhaitons que les spectateurs se questionnent sur la nature et le contenu des images fabriquées par Néron et par les autres personnages publics de la pièce.

Jean-Thomas Bouillaguet

JEAN-THOMAS BOUILLAGUET - Metteur en scène et comédienInspirés par les écritures contemporaines, ils trouvent parallèlement dans les textes classiques l’universalité des préoccupations humaines. En ce sens, ils n’hésitent pas à bousculer les cadres traditionnels en impliquant des amateurs ou en sortant des salles de théâtre (Les Naufragés d’après L’Île des Esclaves en 2014, Surprise-Party chez les Capulet en 2017). Le regard qu’ils portent sur le monde contemporain met ainsi en abîme les époques et leurs questionnements, à travers des histoires universelles, animées par les passions humaines, nos désirs et nos limites.Toujours en quête d’émotions partagées, la Cie MAVRA accorde une place déterminante à la vidéo, au cinéma, à la danse mais aussi et surtout à la musique. Rock et populaire, dans le respect des textes initiaux ou ajoutée en contrepoint, enregistrée ou jouée live, la musique participe à transporter le public dans l’univers de chaque spectacle.Associé au CDN Nancy Lorraine en 2017, la compagnie vient y jouer plusieurs spectacles dans la saison (Play Loud et Dans les Rapides) et dans les festivals du CDN (L’Île des Esclaves au festival RING et Roméo et Juliette à la Fête de la Manu), et proposent 4 cartes blanches autour du rapport entre la musique et le théâtre notamment au travers de grandes figures des États-Unis (James Dean, Kurt Cobain...)En juillet 2017, la Compagnie est sélectionné par la région Grand Est pour participer au festival d’Avignon, elle y propose le spectacle Dans les Rapides de Maylis de Kerangal.


28 > 31 JAN GRANDE SALLE

1h30 - dès 14 ans

Texte Mike Bartlett Mise en scène Nora Granovsky

Traduction Blandine Pélissier & Kelly Rivière

Avec Émile Falk-Blin, Jeanne Lepers Bertrand Poncet, Juliette Savary

Son Antoine PesleVidéo et scénographie Pierre Nouvel

Lumière Fabien Sanchez Costumes Nora Granovsky

Production déléguée BVZK Coproduction Comédie de Picardie,

Ville de Lille - Maisons Folie de Lille Soutiens avec l’aide de la

DRAC Hauts-de-France, du Conseil départemental du Pas-de-Calais,

de l’ADAMI, du Conseil régional Hauts-de-France, SPEDIDAM (en cours) et le soutien du Manège -

Scène nationale de Maubeuge et du Théâtre Ici et Là - Centre culturel de

Mancieulles Nora Granovsky est artiste associée

à la Comédie de Picardie La pièce LOVE LOVE LOVE de Mike

BARTLETT est représentée dans les pays de langue française par

l’agence DRAMA-Suzanne Sarquier www.dramaparis.com en accord avec

The Agency à Londres ; LOVE LOVE LOVE suivie de Bull de Mike Bartlett

(trad. Blandine Pélissier & Kelly Rivière) est publiée aux éditions

Actes Sud-Papiers (2017)

LOVE LOVE LOVEMIKE BARTLETT / NORA GRANOVSKY

LOVE, LOVE, LOVE RACONTE L’ÉVOLUTION D’UNE FAMILLE DE LA FIN DES ANNÉES 60 À NOS JOURS.Dans l’Acte I, nous sommes en 1967, l’Angleterre découvre les Beatles et Kenneth a le coup de foudre pour Sandra, la petite amie de son frère Henry. Portés par la vague de liberté et de révolte qui souffle sur la jeunesse des années 70, Kenneth et Sandra décident de partir vivre l’aventure.Acte II, nous sommes en 1990, les Stone Roses ont remplacé les Beatles. Kenneth et Sandra ont la quarantaine, deux enfants, une maison dans la banlieue de Londres, une vie rythmée par le travail et les affaires du quotidien et... des amants. Au cours de la soirée d’anniversaire des seize ans de leur fille Rose, qui tourne en règlements de compte, Sandra annonce son intention de divorcer.Acte III, les enfants ont grandi. Les parents ont refait leur vie, ils profitent de leurs retraites et de leurs grandes maisons. Mais Rose et son frère Jamie peinent à trouver leur voie. Jamie vit toujours chez son père. Rose n’a pas d’homme dans sa vie, pas d’enfants, pas de travail fixe. Elle décide de réunir la famille. Et si tout était de la faute de ses parents ? Si le mouvement Peace and Love et son lot de slogans libertaires n’étaient que les élans égoïstes d’une génération qui n’a fait que favoriser l’ultra-capitalisme et ses valeurs désastreuses pour la génération d’après ?

NOTE D’INTENTIONL’écriture de Mike Bartlett est teintée d’un humour cinglant, corrosif. La langue est directe, acérée et l’auteur est virtuose dans la maîtrise du rythme et la pertinence des répliques. D’une situation qui pourrait sembler banale, et quasiment quotidienne, l’auteur nous entraîne progressivement dans une digression de la réalité ; subtilement le rythme s’accélère et nous plonge dans une mise en abîme du réel. Une écriture percutante qui permet une belle liberté de mise en scène.Mes dernières créations Chien, Femme, Homme de Sybille Berg ; Guillaume Tell/ LeSoulèvement de Kevin Keiss, avaient pour axe central la quête de l’utopie à travers l’intime, à travers le politique ; Comment l’homme s’empare-t-il du réel pour le soulever, le bouleverser et tenter de mettre sur pied un «monde meilleur». Suite à ces expériences, j’ai ressenti la nécessité profonde d’aborder la question de notre génération face à celle de nos pères. D’une utopie à une autre, d’un bouleversement à un autre, que reste-t-il de l’utopie en quelque sorte...Peut-on transformer le monde quand la génération qui nous précède est encore pour nous l’emblème de la jeunesse, quand nos parents ont fait mai 68, Woodstock ou l’île de Wight...Quand notre musique originelle est celle des Velvet Underground, David Bowie, les RollingStones... comment inventer un monde après «ça» sans ne jamais tuer le père ? Est-il nécessaire de le faire? Mais que nous ont-ils laissé ?Just kids de Patti Smith, Les Intéressants de Meg Wolitzer sont des textes biographiques à partir desquels je commençais à rêver d’un spectacle et j’ai découvert Mike Bartlett.Dans Love Love Love, la question de l’utopie est posée à la fois à travers l’intime et le politique. Par le croisement de ces deux niveaux, cette création va permettre une forme d’aboutissement autour de cette thématique.La pièce donne à voir l’histoire d’une famille à travers laquelle résonne l’évolution politique et idéologique de la société anglaise de 1967 à 2011.


Construite en trois parties, trois époques, à chacune son constat : 1967 (Acmé/ Summer of Love) ; 1994 (Désenchantement/fin des années Thatcher) / 2011 (Flottement/crise des valeurs) et une question demeure : Comment réinventer le monde aujourd’hui ?Au-delà d’une confrontation entre deux générations, la pièce pose la question de l’influence de l’évolution économique et idéologique d’une société sur notre trajectoire intime.L’auteur donne à voir des humains qui se débattent avec leurs problématiques de «petits-bourgeois» : la tromperie, le divorce, l’accès à la propriété. De la même manière que l’auteur américain Jonathan Franzen (Freedom, Les Corrections), Mike Bartlett dresse le tableau d’une famille sur plusieurs décennies et exprime, au-delà de l’apparente banalité de nos existences , l’essence même de ce qui nous rattache à la vie, ce qui nous pousse à croire : le Tout réside dans le Rien.Nous travaillons sur la scénographie avec Pierre Nouvel. La définition du mot « Utopie » par l’écrivain anglais Thomas More, « En aucun lieu », est le point de départ de notre approche: une scénographie épurée, qui transpose l’espace réaliste décrit par l’auteur , permet d’impulser du jeu aux comédiens et de raconter cette histoire. L’idée étant de transposer cet espace hyper quotidien en un espace intemporel, complexe qui laissera la place à la projection mentale des personnages et à l’imaginaire des spectateurs. Les didascalies de la pièce, qui nous décrivent le décor et les accessoires, seront dites par les comédiens. De cette manière, le spectateur pourra imaginer sa représentation idéale de l’espace. Cette transposition va permettre de ne pas ancrer la représentation dans une reproduction du quotidien. Jouer sur l’espace, les diagonales, les corps en tension, la chute, créer des ellipses de temps par le mouvement des corps.Nous travaillons sur un élément «évolutif» pour matérialiser l’effet d’onde de choc qui parcours les tableaux jusqu’au chaos de la troisième et dernière partie (cendres, sédiments, ruines...).La lumière viendra sculpter l’espace et les corps. Un travail sur l’image avec l’utilisation de la video nous permettra de développer un contre champ et ainsi de créer des respirations poétiques face à l’énergie cinglante des situations et des mots de la pièce, à la manière des photographies de Bernard Plossu.Une bande sonore originale sera composée pour le spectacle à partir de sons synthétiques, de boucles répétitives superposées, et de samples.Le jeu des acteurs doit être central et puissant. Un Festen en trois actes qui monte, qui monte, qui monte...

Nora Granovsky, metteur en scène

MIKE BARTLETT - AuteurNé en 1980, Mike Bartlett est un dramaturge anglais diplômé de l’Université d’Oxford et de Leeds. Après avoir été auteur en résidence au Royal Court Theatre en 2007 puis au National Theatre en 2011, il est actuellement auteur associé à la compagnie Paines Plough. En 2010, sa pièce Cock reçoit un Olivier Award, puis en 2011, Love, Love, Love reçoit le prix de la meilleure pièce contemporaine aux Theatre Awards UK. Sa pièce radiophonique Not Talking a remporté les prix Tinniswood et Imizon, et Artefacts a été primée au festival Old Vic New Voices. Il travaille actuellement en collaboration avec les théâtres Headlong Theatre, Liverpool Eryman and Playhouse, Hampstead Theatre et Royal Court Theatre.


NORA GRANOVSKY - Metteure en scène Suite à sa formation de comédienne de l’École du Passage sous la direction de Niels Arestrup à Paris, elle se consacre à la mise en scène et assiste Jean-Claude Penchenat au Théâtre du Campagnol sur Les Enfants gâtés. Parallèlement, elle obtient une maîtrise d’Études Théâtrales sous la direction de Georges Banu. Après plusieurs mises en scène en Belgique, elle travaille durant quatre années à la Comédie de Béthune, où elle s’occupe de la formation et monte Le Précépteur de Bertolt Brecht. En résidence de création à la Culture Commune - scène nationale, elle crée Solo para Paquita d’Ernesto Caballero.

De 2005 à 2009, sa compagnie est en résidence à l’Escapade à Hénin- Beaumont, scène missionnée du Pas-de-Calais. Elle y monte successivement Mais qu’est-ce qu’on fait du violoncelle ? de Matéi Visniec, La leçon d’Eugène lonesco, À table ! (création collective), I wish – I AM librement inspiré de La Métamorphose de Franz Kafka.

Son intérêt croissant pour les formes musicales la conduit vers l’Opéra. Elle travaille sur La Traviata de Verdi, mise en scène par Irina Brook, à l’Opéra de Lille en 2007. De 2008 à 2011, elle assiste Stuart Seide sur Mary Stuart de Friedrich Schiller au Théâtre du Nord, CDN du Nord-Pasde- Calais et crée Le Moche de Marius von Mayenburg (octobre 2010). En mars 2011, elle écrit et crée le spectacle Anywhere out off, opéra minimal, composé par Braka à la scène nationale de Montbéliard. En septembre 2012, Nora Granovsky crée Chien, femme, homme de Sibylle Berg au Théâtre Vidy-Lausanne. En 2014, elle collabore à la création Front de Luk Perceval au Thalia Théâtre à Hambourg, crée le spectacle Noces (écriture collective) à Tourcoing pour le festival Les rues joyeuses et crée Guillaume Tell/Le soulèvement de Kevin Keiss à la Comédie de Picardie à Amiens. En mars 2015, elle écrit et met en scène un spectacle jeune public, La Véritable Histoire de Guillaume Tell, à la Maison Folie de Wazemmes à Lille. Enfin, elle est artiste associée à la Comédie de Picardie depuis 2012.

COMPAGNIE BVZKCompagnie de théâtre pluridisciplinaire, BVZK existe depuis 1999, elle est dirigée par Nora Granovsky, metteur en scène.Un théâtre en mouvement, à la recherche d’une forme, d’un langage, d’une esthétique qui lui est propre dans lequel la musique a une place prépondérante. Un théâtre qui donne au spectateur une place active, réactive, créative.Soutenue par le Théâtre Vidy-Lausanne pour la création de Chien, Femme, Homme de Sibylle Berg et associée à la Comédie de Picardie depuis 2012, BVZK approfondit sa recherche autour des écritures contemporaines.

Dans le bassin minier du Pas de Calais de 2003 à 2012, la compagnie a été associée à la ville de Tourcoing de 2013 à 2014 . BVZK mène depuis une dizaine d’années un travail de territoire avec la population parallèlement à ses créations ( Vivre les livres, I wish I AM avec la participation d’orchestres locaux: le N’Euro Jazz Band et l’Harmonie de Harnes, Ma vie Ma ville - Harnes 2010/11/12, Noces création 2014).

En juillet 2007 puis 2011, BVZK a participé à l’opération «La Région Nord - Pas-de-Calais en Avignon» avec ses spectacles Solo Para Paquita et Le Moche.


4 > 7 FÉVGRANDE SALLE

2h40 - dès 15 ans

Texte et mise en scène Frédéric SonntagAvec Simon Bellouard, Julien Breda,

Romain Darrieu, Amandine Dewasmes, Florent Guyot, Sabine Moindrot, Malou

Rivoallan, Fleur Sulmont, Paul Levis, Gonzague Octaville

Vidéo Thomas RathierMusique Paul Levis

Lumière Manuel DesfeuxScénographie Marc Lainé

Accessoires Mathilde Apert Costumes Hanna Sjödin

Maquillage, coiffure Pauline Bry Assistanat à la mise en scène

Leslie MenahemAvec la participation de

Philippe Canales Administration, production, diffusion

Emilie Henin (Bureau Formart)

Production Cie AsaNIsiMAsa (2018) Coproduction et résidence SN61 - Scène nationale d’Alençon, Flers, Mortagne-au-Perche, Le grand R

- Scène nationale de La Roche-sur-Yon, Le Nouveau Théâtre de Montreuil

- CDN Soutien en résidence La Ferme du Buisson - Scène nationale de

Marne-la-Vallée, Le POC - Alfortville, Théâtre Ouvert - Centre national des

Dramaturgies Contemporaines.Action financée par la Région Île-de-France. Avec le soutien de la

SPEDIDAM, la participation artistique du Jeune Théâtre National, le soutien

du FIJAD, Fonds d’Insertion pour Jeunes Artistes Dramatiques, la

DRAC et la Région Provence-Alpes-Côte d’Azur et le soutien du Fonds d’insertion de L’éstba financé par la Région Nouvelle-Aquitaine La

compagnie AsaNIsiMAsa est associée au Grand R, au Nouveau Théâtre de

Montreuil, à l’Apostrophe, Scène Nationale Cergy-Pontoise & Val d’Oise

et fait partie du collectif d’artistes « Les Intrépides » de la SN61. Elle est

conventionnée par la DRAC Île-de-France et par la Région Ile-de-France

au titre de l’aide à la permanence artistique et culturelle.

Le texte est publié aux Éditions Théâtrales.

B. TRAVENFRÉDÉRIC SONNTAG

Comment raconter la vie d’un homme qui a passé son temps à se cacher, à multiplier les fausses identités et les noms d’emprunts ? Peut-être faut-il renoncer à démêler le vrai du faux et accepter de se perdre dans cette énigme, peut-être même d’y participer ? Peut-être faut-il abandonner toutes ses certitudes et commencer par se poser cette question : qui n’a jamais rêvé de vivre plusieurs vies ?

Poursuivant leur exploration de l’histoire du XXème siècle et des mythologies de la culture pop, Frédéric Sonntag et la Cie AsaNIsiMAsa nous entraînent, entre roman d’aventure et polar, de 1914 à 2014, dans la traversée d’un monde où les écrivains doivent se cacher sous des noms d’emprunts pour continuer à écrire, où les perroquets sont des agents secrets, où Speedy Gonzales croise le sous-commandant Marcos, où le premier champion du monde de boxe noir affronte le poète-boxeur inventeur de la nouvelle « Boxing Dance », où des catcheurs mexicains sont les dignes héritiers de Che Guevara, où Léon Trotsky a participé à un film d’espionnage qui pourrait changer le cours de la Guerre froide...

B. Traven est la troisième pièce qui compose, avec George Kaplan (présenté en mai 2014 au Théâtre de la Manufacture) et Benjamin Walter (présenté en novembre 2017 au Théâtre de la Manufacture), la «Trilogie fantôme». Un cycle qui, à travers trois personnages fantomatiques, mène l’enquête sur le concept d’identité et sur la fonction des récits au cours XXème et du XXIème siècle.

RÉSUMÉEn 1977, une journaliste californienne se rend à Mexico dans l’objectif d’écrire la biographie de B. Traven, écrivain culte et auréolé de mystère, mort dans cette ville sept ans auparavant. Mais comment écrire la biographie d’un homme aux multiples identités, qui s’est toujours acharné à brouiller les pistes autour de sa réelle identité ? En 1950, en pleine chasse aux sorcières, un scénariste renommé inscrit sur la liste noire d’Hollywood doit fuir les États Unis avec sa famille pour se rendre au Mexique où il continue d’écrire des scripts sous de multiples noms d’emprunts. Persuadé d’être poursuivi par le F.B.I. et d’être personnellement persécuté par J. Edgar Hoover, il sombre lentement dans la paranoïa. Son imagination lui joue des tours à moins qu’elle ne lui ouvre les yeux sur une importante machination politique. En 1994, en France, un jeune homme, fraîchement débarqué de sa province, s’installe dans un squat parisien situé dans un vieux cinéma abandonné, dans l’attente de pouvoir se rendre au Chiapas pour rejoindre la lutte armée au côté des guérilleros du sous-commandant Marcos. La rencontre d’une jeune fille remet soudain en question son projet et vient ébranler ses convictions. En 1916, Arthur Cravan, poète et « boxeur aux cheveux les plus courts du monde », s’offre un ticket pour les Etats-Unis en affrontant Jack Johnson, le premier champion du monde de boxe noir. Sur le bateau qui le conduit de l’autre côté de l’Atlantique, il fait la rencontre de Léon Trotski qui vient d’être expulsé d’Europe. Arrivés à New York, ils tentent de gagner leur vie en tant que figurants de cinéma et participent alors au tournage d’un film dont l’existence, quelques années plus tard, pourrait bien changer le cours de la Guerre Froide. En 2014, un réalisateur travaille à un documentaire sur l’histoire d’un squat d’artistes


à Paris dans les années 90, il essaie de retrouver les différentes personnes qui ont participé à cette aventure. Son enquête va l’entraîner beaucoup plus loin qu’il ne l’aurait imaginé.

Ces différents destins tournent chacun autour d’une des différentes identités du mystérieux B. Traven. Ils vont s’entrecroiser, se recouper, pour finir par ne former qu’une seule et même histoire, avec pour destination finale et point d’horizon : le Mexique, terre d’exil de nombreux individus au cours du XXème siècle. À la façon d’un jeu de pistes, B. Traven est une course-poursuite sur plusieurs générations, où les histoires se télescopent d’une décennie à l’autre, où les destinées personnelles rencontrent la grande Histoire, où le présent n’en finit pas d’être hanté par les fantômes du passé.

Personne n’a jamais su qui était réellement B. Traven, l’auteur mystérieux de plusieurs romans devenus cultes (notamment Le Vaisseau des Morts ou le Trésor de la Sierra Madre, adapté au cinéma par John Huston et récompensé plusieurs fois aux Oscars). De sa jeunesse anarchiste pendant la première guerre mondiale à son exil au Mexique, il a revêtu de nombreuses identités et a multiplié les fausses pistes sur son existence. Cette volonté de fuir la médiatisation et de rester dans l’ombre obéit chez Traven à une revendication d’ordre politique : échapper à toute identification, à toute appartenance, à toute récupération.Son œuvre est parcourue par cette obsession et par la défense des individus et des peuples opprimés et exploités, notamment les Indiens du Chiapas, auxquels il a consacré plusieurs romans. B. Traven est une pièce qui met en scène, de 1914 à 2014, sur plusieurs continents, plusieurs destins qui se croisent autour des multiples identités de ce mystérieux personnage. Les différentes histoires qui composent cette pièce tissent ainsi un réseau de résonances, d’intertextualité, sur la notion d’identité à travers l’histoire du XXème siècle, et interrogent la place des mythes et des récits dans le processus historique, c’est-à-dire la façon dont le présent est hanté par le passé (et travaillé par lui) par l’intermédiaire des récits dont nous héritons (mythologies familiales, héritages idéologiques, imageries véhiculées par les médias ou le cinéma...).À la croisée entre roman noir et roman d’aventure, B. Traven nous entraîne de la première guerre mondiale à la guerre de Bosnie, de la république de Bavière à la révolte au Chiapas, en passant par les années sombres du maccarthysme à Hollywood et les coups d’état des années 70 en Amérique du Sud, dans le sillage des multiples vies – réelles et fictives – d’un homme pour qui la question de l’identité fut une obsession de nature politique.


FRÉDÉRIC SONNTAG - Auteur et metteur en scèneAuteur et metteur en scène, Frédéric Sonntag a créé la compagnie ASANISIMASA à sa sortie du CNSAD. Il a écrit et mis en scène une douzaine de pièces. Il vient d’achever la création de la «Trilogie Fantôme» : George Kaplan (2013), Benjamin Walter (2015) et B. Traven (2018). Il travaille également à l’élaboration de formes performatives et de formes courtes consacrées aux mythologies de la culture pop, comme Atomic Alert ou le ditpyque Beautiful losers. Ses pièces ont été principalement publiées par Théâtre Ouvert / Tapuscrits et les Éditions Théâtrales. Elles ont été traduites en plusieurs langues et créées dans plusieurs pays.

Né en 1978, Frédéric Sonntag est auteur, metteur en scène et acteur. À sa sortie du CNSAD, il fonde la compagnie AsaNIsiMAsa et travaille à la création de ses propres textes.Il a écrit une douzaine de pièces (parmi lesquelles George Kaplan, Sous contrôle, Nous étions jeunes alors, Intrusion...) pour lesquelles il a été boursier du Centre National du Livre, lauréat de l’Association Beaumarchais et de l’Aide à la création du Centre national du Théâtre.Il les a présentées, dans ses propres mises en scène, dans différents théâtres et festivals en France. Il est associé, avec sa compagnie, à différentes structures (Forum du Blanc-Mesnil, Ferme du Buisson, SN 61 Alençon…).Depuis 2009, il a participé à plusieurs manifestations internationales autour des dramaturgies contemporaines (en Allemagne, Italie, Espagne, Chili, Argentine, Danemark…)Il a obtenu le Prix Godot des lycéens (2010), le Prix de la pièce de théâtre contemporain pour le jeune public (Bibliothèque Armand Gatti, 2010), et a été lauréat des Journées de Lyon des auteurs de théâtre (2012).Depuis 2008, il mène un travail de pédagogie sur les écritures théâtrales contemporaines sous la forme d’ateliers, stages, workshops, avec différents publics.Ses pièces ont été traduites en plusieurs langues : anglais, allemand, espagnol (Chili, Argentine), bulgare, catalan, portugais, tchèque, finnois, grec, serbe, danois, russe, italien, et sont jouées dans plusieurs pays.http://fredericsonntag.virb.com


10 > 13 FÉV GRANDE SALLE 1h - dès 12 ans

SOLO ANATOMIQUETexte et mise en scène

Nathalie FillionAvec Manon Kneusé

Et la voix de Sylvain CreuzevaultChorégraphie Jean-Marc Hoolbecq

Lumière Jean-François Breut, adaptée par Nina Tanné

Son Nourel BoucherkConstruction décor

Ateliers du Théâtre de l’Union - Alain Pinochet, Claude Durand

Réalisation costumes Atelier du Théâtre de l’Union, Noémie Laurioux

Scénographie Nathalie FillionConseils scénographiques

Charlotte Villermet

Production Théâtre du Baldaquin, Théâtre de l’Union - Centre

dramatique national du Limousin, Théâtre du Nord - CDN Lille-

Tourcoing – Hauts-de-France Avec le soutien de La Chartreuse

- Villeneuve lez Avignon - Centre national des écritures du spectacle CNES et de Faits & Gestes (accueil-

studio au Foyer de Marminiac). Projet bénéficiant du dispositif

d’aide à la coproduction de la Région Nouvelle-Aquitaine

Le texte est édité aux Éditions Les Solitaires Intempestifs,

préface de François AngelierRemerciements à

Marieva Jaime-Cortez

PLUS GRAND QUE MOI NATHALIE FILLION

Cassandre Archambault est née en 1986 à Paris 11ème. Cassandre Archambault est unique, comme tout le monde. Comme tout le monde, Cassandre Archambault n’a choisi ni son nom, ni son sexe, ni son époque. Elle aimerait bien changer le monde mais elle ne sait pas par où commencer… Alors, pour y voir plus clair, elle enfourche sa bicyclette, et chaque nuit parcourt la terre. Plus grand que moi est un tableau impressionniste de notre époque à travers le portrait d’une jeune femme d’aujourd’hui, Cassandre Archambault, qui interroge sa place dans le monde, ce qu’elle a d’unique et ce qui la relie aux autres. Dans une performance aussi physique que verbale, elle met en scène les multiples dimensions de notre existence, du loufoque au tragique. À travers la géographie de son propre corps qu’elle mesure sous nos yeux, ce sont nos petitesses et nos grandeurs quotidiennes qu’elle explore, nos aspirations, notre quête de sens. Plus grand que moi est un questionnement existentiel joyeux sur le déterminisme et sur le libre arbitre, sur le mot Liberté à l’échelle d’une vie. Entre destin individuel et horizon collectif, c’est une prise de mesure de la tension qui agite chacun. C’est un pied de nez à notre époque anxiogène et grimaçante, un pacte imaginaire passé avec les spectateurs pour affronter ensemble le fracas du monde. C’est aussi un voyage entre rêve et réalité, une parole impertinente sur l’émerveillement d’être au monde, tout pourri qu’il soit.

UNE RENCONTRE À l’origine du projet, ma rencontre avec Manon Kneusé, jeune actrice que j’ai dirigée à sa sortie du conservatoire dans À l’Ouest, un de mes spectacles. Sa sensibilité à mon écriture, à ses rythmes, à sa fantaisie, à ses tremblements aussi, était là, comme une évidence. La vie des écrivains de théâtre est faite de ces rencontres avec des interprètes, et nous savions toutes deux que nous retravaillerions ensemble. Un jour que nous avions rendez-vous dans un café sur les quais de Seine, je l’ai vue arriver haute de son mètre quatre-vingt-un, droite sur sa bicyclette, cheveux au vent, pédalant ferme et joyeusement dans le soleil sur les pavés hostiles, radieuse. Ceux qui ont déjà pédalé sur les pavés hostiles savent qu’y rester radieux n’est pas donné à tout le monde. Je me suis dit : décidément, cette fille est inspirante. Et cette image de vie, ce mouvement sur fond d’eau stagnante du canal de l’Ourcq, se sont gravés dans ma tête. J’y ai vu comme une métaphore de la vie de tant de femmes. Leur quête quotidienne pour s’arracher, hautes et droites, à la pesanteur d’un monde qui leur est si souvent hostile. Cet effort constant pour avancer, surmonter les obstacles, s’emparer au jour le jour de cette liberté toute neuve à l’aune des siècles, et la défendre pas à pas, timides ou téméraires, dans un esprit de conquête joyeuse. Parce que Manon est une grande actrice d’un mètre quatre-vingt-un, parce qu’elle porte en elle l’énergie des femmes éprises de liberté et une exigence d’artiste, j’ai eu tout simplement envie d’écrire pour elle un texte sur mesure : Plus grand que moi. Envie aussi que ce texte nous dépasse toutes les deux et nous entraine dans un vertige de fiction et de réalité, une quête de sens dans le chaos de la vie et le fracas de ce début de siècle grimaçant. C’est la première fois que j’écris pour une actrice. Ce geste est une aventure à part entière, une expérience d’écriture, et de vie.

Nathalie Fillion, Paris, mars 2016


NATHALIE FILLION - Autrice, Metteure en scène

Nathalie Fillion est autrice, metteure en scène, actrice et pédagogue. Artiste coopératrice au Théâtre de l’Union, CDN de Limoges, direction Jean Lambert-wild, depuis janvier 2015.Après une formation d’actrice et une dizaine d’années de plateau, elle écritsa première pièce, Pauvre Télémaque ou pas facile d’être le fils d’Ulysse, créée à la Scène Nationale de Cergy Pontoise et qui reçoit le prix du jury et prix du public de la Tournée Océane 1996. Boursière du Centre National du Livre en 1999, elle fait de nombreuses résidences à la Chartreuse de Villeneuve les Avignon de 2001 à 2006 tout en y dirigeant des ateliers. Pendant ces mêmes années, elle répond à des commandes de compagnies, et joue dans des spectacles divers. En 2004, sa création Alex Legrand (l’Harmattan), joué 100 fois à Paris et en tournée, salué par la critique, marque un tournant dans ses priorités. S’impose alors la nécessité de mener de bout en bout l’aventure théâtrale. Depuis, elle se consacre exclusivement à sa compagnie. Sa recherche la mène de l’écriture au plateau, dans un mouvement constant. Elle met en scène ses textes, explorant des formes et formats divers, alternant spectacle jeune public et tout public, collaborant régulièrement avec des musiciens et des chorégraphes. Artiste polyvalente, elle préfère désormais se dire femme de théâtre.

Elle enseigne à l’ESCA (Asnières) depuis la création de cette formation par l’alternance, en 2008, et partage son temps entre écriture, mise en scène et transmission. Ces trois activités sont liées par une nécessité de questionnement et de partage, autant sur l’art de l’acteur que sur la transmission des écritures. Depuis 2012, elle intervient au Festival La Mousson d’été, université d’été européenne. Depuis 2016, elle intervient à l’École du Nord, dans la section écriture dramatique.

Polyglotte, musicienne, voyageuse, la musicalité est au cœur de son travail, y compris celle des langues. Elle écrit certains textes en plusieurs langues, dont son livret Lady Godiva, opéra pour un flipper, joué par le CREA à l’amphithéâtre de l’Opéra Bastille en 2002, lu au Festival In d’Avignon 2006, et repris au Théâtre du Chatelet en 2012. Elle a traduit et adapté l’Oiseau vert de Carlo Gozzi pour la Compagnie Sandrine Anglade.

Depuis 2005, elle partage de nombreuses expériences d’écriture avec un groupe d’écrivains complices. Sur un projet de Fabrice Melquiot, ils fondent ensemble La Coopérative d’Écriture. Leurs aventures les conduisent dans divers théâtres de France et de Navarre, du Royal Court de Londres au Deutsches Theater de Berlin, en passant par Rome, Madrid, Montréal, et San Francisco.

En 2007, la Comédie Française lui passe commande d’une pièce courte, les Descendants, traduite en roumain et en italien, mise en espace à Rome, et diffusée sur RAI 3.

En 2010, elle est invitée à Montréal par l’Académie des Lettres du Québec, à la Rencontre québécoise internationale des écrivains.

La même année, sa pièce À l’Ouest, reçoit l’Aide à la création du CNT. Sélectionnée par le bureau des lecteurs de la Comédie Française, elle est lue au Théâtre du Vieux Colombier, mise en espace à Montréal par Martin Faucher au Festival Dramaturgies en Dialogue, à San Francisco au festival Des voix 2012 et créé à Marburg (Allemagne) par Matthias Faltz (2014).

Nahalie Fillion est l’une des dix

autrices françaises faisant partie

du projet Fabulamundi


Traduite en allemand, en anglais et en espagnol, publiée dans la revue Scène-Theater der Zeit, À l’Ouest a reçu le prix de la fondation Barrière 2011.

En mai 2014, elle est invitée au Festival Le Jamais Lu à Montréal, et à la deuxième édition du Festival Des voix à San Francisco. Son texte Pling est créé à Moscou en 2013, à Erevan en 2014.

Sa pièce Spirit est présentée à Montréal, au festival le Jamais Lu 2015 et au Théâtre de la Manufacture en janvier 2018.

En juillet 2016, elle est nommée Chevalier des Arts et Lettres.


3 > 6 MARS GRANDE SALLE

1h15 - dès 14 ans

Texte et interprétation Céline Milliat-Baumgartner

Mise en scène Pauline BureauDramaturgie Benoîte Bureau

Scénographie Emmanuelle RoyComposition musicale et sonore

Vincent HulotLumière Bruno Brinas

Costumes et accessoires Alice TouvetVidéo Christophe Touche

Magie Benoît DattezTravail chorégraphique Cécile

ZanibelliDéveloppement / Diffusion

Olivia PeressetchenskyAdministration Claire Dugot

Chargé de production et logistique Paul Lacour-Lebouvier

Production La Part des Anges Coproduction Théâtre Paris-Villette,

Le Merlan - Scène nationale de Marseille, Théâtre Romain

Rolland - Scène conventionnée de Villejuif Avec le soutien du Conseil

départemental du Val-de-Marne dans le cadre de l’aide à la création

et de la Ville de Paris pour l’aide à la diffusion Résidences de

création au Théâtre Paris-Villette, au Théâtre Romain Rolland et

au Théâtre de la Bastille Créé en 2017 au Théâtre Romain Rolland, scène conventionnée de Villejuif

Remerciements à Julien Ambard et Carole Mettavant. Merci à Adrien De

Van pour son regard amical Le texte est publié aux Éditions Arléa

Pauline Bureau est artiste associée à la Comédie de Caen - CDN de

Normandie Aquitaine

LES BIJOUX DE PACOTILLECÉLINE MILLIAT-BAUMGARTNER /

PAULINE BUREAU

Des bracelets, des boucles d’oreilles, du métal noirci. C’est tout ce qui reste, tout a brûlé dans l’accident de voiture. Le père et la mère aussi. Le baby-sitter décroche le téléphone au petit matin : la narratrice et son frère sont orphelins, trop petits pour assister à l’enterrement de leurs parents. Tout ce qu’ils comprennent de leur deuil à faire tient dans la main : des bijoux de pacotille. La narratrice écrit, trente ans après l’accident, le récit de cette absence, cheminement lent, aventure d’enfant, épopée d’une gamine face à une épreuve dont elle ne comprend rien. Aujourd’hui, seule en scène, elle se souvient, réinvente, elle joue sa vie. Le récit paraît en 2015, poème de résilience, travail de mémoire, c’est le premier texte autobiographique de la comédienne Céline Milliat Baumgartner, habituée aux univers de Jean-Michel Rabeux, David Lescot ou Pauline Bureau. Elle confie à celle-ci la mise en scène du seule en scène. Elle se racontera, pudique et fragile, soutenue par les images d’un magicien, tableaux d’une enfance trouble, trouée d’oublis, album de souvenirs inventés, extrapolés. Pauline Bureau, fondatrice de la compagnie La Part des Anges, a présenté Sirènes au Théâtre de la Manufacture en février 2016. Elle accompagne l’auteure, premier sujet et comédienne d’une œuvre forte, pièce qui fait la lumière, permet d’y voir clair et de tourner les pages.

J’écris Les Bijoux de pacotille pendant l’été 2013, pressée par la nécessité de poser des mots sur mon enfance, et d’en faire ma propre histoire. Cette histoire retrace l’accident mortel de mes parents, qui vient bousculer le bon déroulé de ma vie d’enfant, et qui fait naître chez moi des trous noirs, des absences, des incertitudes. Cette histoire est un exercice de souvenir. Ou de deuil. En écrivant, je plonge dans ma mémoire, et tout le champ lexical de la nage y passe : submergée par le flot du passé, je brasse à contre-courant de l’oubli, les longues apnées abyssales font place à des éclairs lumineux, parfois je flotte, parfois je coule, souvent je rame. L’écriture s’avère physique, elle envahit mes jours et mes nuits, elle comble un manque, elle m’enivre. Ce livre devient un inventaire de souvenirs : ceux qui restent, ceux qui ont disparu, ceux qui n’ont jamais existé, et tous ceux que j’invente. Ce livre est mon album photo fantasmé. Ma pensée magique. Celle qui me conforte dans l’idée qu’il vaut mieux vivre dans l’erreur que dans l’incertitude. Le livre est publié en février 2015 aux éditions Arléa. Mes mots et mes morts, mes fantômes, sont ainsi rangés dans cet objet, ils ont trouvé une place et n’envahissent plus ma vie n’importe quand, n’importe comment. C’est bien. C’est plus confortable. Après la parution, je suis invitée à lire des extraits du livre, de façon informelle, dans une librairie, dans un café, même dans un appartement, et aussi de façon plus traditionnelle et qui m’est plus familière, sur une scène de théâtre, à la Maison de la Poésie. Je lis à voix haute ce concentré d’intimité, tout en craignant l’impudeur et l’indécence du dévoilement alors que l’écriture impose une distance dans ma voix, une distance joyeuse et évidente, que le corps se souvient de la traversée de ces mots : comme l’avait été l’écriture du livre, la lecture devient physique. C’est alors le théâtre qui s’invite et c’est presqu’une délivrance. Ce n’est plus seulement ma petite histoire que je livre, je comprends qu’en faisant de mes morts des personnages, qu’en leur donnant voix, j’ouvre la porte de l’enfance, de toutes


les enfances. À voix haute, je m’interroge sur le chemin qui y mène. Je m’interroge sur ce mécanisme essentiel : comment chacun s’arrange avec ses souvenirs, comment chacun modèle sa mémoire et fait de ses fantômes le terreau rêvé de sa vie d’adulte. C’est pourquoi, forte de cette interrogation, j’ai travaillé sur une adaptation de ce livre pour en faire un spectacle. J’ai invité Pauline Bureau à venir voir ce début de travail. Parce que j’aime infiniment dans ses spectacles le regard qu’elle porte sur l’intime, parce que j’aime sa façon sensible et délicate, incisive, de jouer du faux et pointer le vrai pour raconter des histoires authentiques, fortes, universelles. Et parce qu’il y a les fantômes de l’enfance dans le théâtre de Pauline. Elle a accepté de m’accompagner dans cette aventure, et de la raconter avec moi. Sans doute y aura-t-il un peu de magie aussi, de la vraie magie faite par un vrai magicien, Benoît Dattez. Et ensemble, nous rêverons à cette invention de l’esprit qu’est l’enfance.

Céline Milliat-Baumgartner, Janvier 2016

En 2001, au studio de l’Ermitage, j’assiste à une représentation de L’Homosexuel ou la difficulté d’exister. C’est un spectacle de Jean-Michel Rabeux. Sur scène, je me souviens qu’il y a Michel Fau, Claude Degliame et Céline Milliat Baumgartner. Elle a mon âge et je la trouve incroyable sur scène. Très libre. Très singulière. Des années plus tard, on travaille ensemble, sa présence si particulière me touche à chaque scène. Quand il sort, je lis son livre. Je sors bouleversée de la traversée de cette histoire. J’aime ce qu’elle met en jeu et comment elle raconte son enfance à la lumière de la femme qu’elle est devenue. Elle parle exactement de ce qui m’interroge. Qui devient-on et d’où venons-nous. Quels silences nous ont fondés et comment dire pour respirer, avancer, vivre. Je me dis tout de suite : ça ferait un beau spectacle. Un jour, nous sommes en tournée ensemble pour Sirènes, j’apprends qu’elle y a pensé, qu’elle commence à y travailler. Elle me propose de venir voir ses répétitions au Théâtre de la Bastille. Je suis heureuse de l’accompagner dans ce projet et qu’on cherche ensemble comment faire du théâtre avec ça. Il y aura Céline, seule en scène. Un bout du lac des cygnes et des films en super 8. Ce qui fait une enfance et ce qui la défait. Et le long chemin qu’il faut faire parfois pour regarder en face l’enfant qu’on a été.

Pauline Bureau, Novembre 2017

PAULINE BUREAU - Auteure et metteuse en scèneAprès une formation au Conservatoire National Supérieur d’Art Dramatique (promotion 2004), elle fonde la compagnie La part des anges avec les acteur.trice.s qui sont toujours au cœur de ses spectacles aujourd’hui.En 2014, elle écrit et met en scène Sirènes et signe depuis, le texte de la plupart de ses créations. Sirènes et ses autres pièces sont publiées aux éditions Actes Sud-Papiers.

En 2015, Pauline Bureau reçoit le prix Nouveau Talent théâtre de la SACD.Cette même année, elle crée Dormir cent ans. Le spectacle reçoit le double prix Public et Jury de MOMIX 2016 (Festival international de la création pour la jeunesse) ainsi que le Molière 2017 du spectacle jeune public.


2017 est l’année de deux créations :Mon cœur, un spectacle qui raconte le parcours d’une victime du Médiator puis Les bijoux de pacotille de et avec Céline Milliat Baumgartner.

En 2018, l’Opéra Comique lui propose d’adapter et de mettre en scène Bohème, notre jeunesse d’après Giacomo Puccini.Conviée par Éric Ruf, Pauline Bureau écrit pour les acteur.trice.s de la Comédie Française, Hors la loi qu’elle mettra en scène au Vieux Colombier en mai 2019.De 2014 à 2018, elle a été associée à des maisons qui lui ont permis de développer son univers en accompagnant fortement ses créations : Le Théâtre Dijon Bourgogne, CDN, Le Volcan, Scène nationale du Havre et Le Merlan, Scène nationale de Marseille.En 2019, sur invitation du directeur du CDN de Normandie, Marcial Di Fonzo Bo, Pauline Bureau est artiste associée à la Comédie de Caen.Elle créera fin 2019 Féminines, l’histoire d’une poignée de femmes qui, d’une kermesse à Reims en 1968 à la coupe du monde de football en 1978, vont écrire un épisode décisif de l’histoire mondiale du sport.

Les textes de Pauline Bureau sont publiés aux Éditions Actes Sud-Papier.

CÉLINE MILLIAT-BAUMGARTNER - ComédienneElle se forme pendant dix ans à la danse classique au Conservatoire de Lyon, puis à l’École Florent, dont elle intègre la classe libre jusqu’en 2001. Au théâtre, elle travaille avec Jean-Michel Rabeux (L’Homosexuel ou la difficulté de s’exprimer au Théâtre de la Bastille, Le Songe d’une nuit d’été à la MC93, La Barbe bleue, en tournée, La Nuit des rois, en tournée), Jean Maqueron (L’Androcée au Théâtre de l’Étoile du nord), Monica Espina (La Compagnie des Spectres, au Théâtre national de Chaillot), Thierry De Peretti (Richard II au Théâtre de la Ville), Lucie Berelowitsch (Les Placebos de l’Histoire, au Théâtre de l’Est Parisien), Wissam Arbache (Le Château de Cène, au Théâtre du Rond-Point), Frédéric Maragnani (Le Cas Blanche-Neige, au Théâtre de l’Odéon), Laurent Brethome (Les Souffrances de Job au Théâtre de l’Odéon), Séverine Chavrier (Épousailles et représailles au Théâtre des Amandiers), Cédric Orain (avec qui elle crée Striptease au Théâtre de la Bastille, The Scottish Play, en tournée), Christian Benedetti (La Mouette, en tournée), Pauline Bureau (Modèles puis Sirènes en tournée), David Lescot (Le Système de Ponzi, et Nos Occupations, au Théâtre de la Ville), Marc Lainé (The Whispering Hosts à la Maison de la Poésie). Elle fait une lecture musicale d’Histoire d’O avec le chanteur Olivier Marguerit (Maison de la poésie).

Elle tourne au cinéma sous la direction d’Irène Jouannet dans Dormez, je le veux, Eduardo Di Gregorio dans Tangos Volés, Julie Lopez Curval dans Mlle Butterfly, Patrice Leconte dans Trac (dans le cadre de Talents Cannes 2007), Vital Philippot dans Le Secret de l’isoloir, Grégory Magne et Stéphane Viard dans L’Air de rien, Fred Joyeux dans Blanche-Neige est déçue, et Dante Desarthe dans Le Système de Ponzi (pour Arte).

Sur France Culture elle interprète des pièces radiophoniques sous la direction de Myron Meerson, Laurence Courtois, Baptiste Guiton, Juliette Heymann, Cédric Aussir, Jean Matthieu Zahnd.

Pour L’École des loisirs, elle enregistre des livres audio de Colas Gutman. Elle publie aux

Éditions Arléa un premier livre, Les Bijoux de pacotille (2015).


ATELIER - HISTOIRES (EXTRA) ORDINAIRESIl s’agira pour les participants d’écrire et de raconter une courte histoire, intime et personnelle, qui est venue bousculer leur quotidien et qui a bouleversé, à plus ou moins grande échelle, le cours de leur vie.Les samedis 9 nov, 30 nov et 7 déc de 9h30 à 13h30, lundi 6 jan et lundi 2 mars de 19h à 22hOuvert à tous, à partir de 16 ans - Théâtre de la ManufactureTarif pour l’ensemble des séances : Plein 52€ / réduit 40€

RENCONTRE Avec Céline Milliat-Baumgartner et l’équipe des Bijoux de pacotilleJeudi 5 mars à l’issue de la représentationEntrée libre

CABARET, SORTIE DE RÉSIDENCE - MARILYN MONROE, MA GRAND-MÈRE ET MOILe 4 juillet 1962, un mois avant sa mort, Marilyn Monroe a donné une ultime interview pour le magazine Life. Sur l’enregistrement de cet entretien et les photos qui ont été prises ce jour-là, elle a l’air heureuse, épanouie. Une actrice et un pianiste viennent lui rendre hommage. Mais en tentant de donner voix à cette icône de la féminité et du glamour, c’est une femme pleine de doutes et de fragilité qui prend la parole. Prise au piège de ses failles, l’actrice se dévoile. Et elle se met à parler de cette autre femme, née la même année que Marilyn Monroe, sa grand-mère.Mardi 19 mai à 20hThéâtre de la Manufacture, entrée libre (sur réservation)

Carte blanche à Céline Milliat-Baumgartner


9 > 10 MARS GRANDE SALLE

1h15 - dès 14 ans

D’après La vraie vie (Éd. Fayard) d’Alain Badiou

Mise en scène Marie-José Malis Avec Erwan Guignard, Philippe Quy

Zahirul Talukdar, Güven Tugla (distribution en cours) Lumière Louise Brinon

Son Géraldine Dudouet Assistanat à la mise en scène

Pascal Batigne

Production La Commune Centre dramatique national d’Aubervilliers

Spectacle créé le 8 juillet 2016 à La Commune

Spectacle présenté dans le cadre de

La Mousson d’hiver

LA VRAIE VIEALAIN BADIOU / MARIE-JOSÉ MALIS

Durant 3 semaines, au début de l’été 2016, l’idée m’a prise de vouloir initier les jeunes dits de banlieue au théâtre de pensée. J’ai proposé à 12 lascars de travailler avec moi un texte qui allait devenir assez couru, qui ne l’était pas encore car non édité à ce moment : une conférence qu’Alain Badiou avait prononcée chez nous, destinée à la jeunesse. La Vraie Vie. Ils étaient douze, des garçons et deux filles. Agés de 14 à 25 ans. Tous plus banlieusards, drôles, populaires, les uns que les autres. Et je ne sais comment rendre grâce à ces petites affichettes collées dans les rues d’Aubervilliers et dans les lycées alentours qui nous ont fait surgir ces jeunes qui sans lien aucun avec cet art, trouvaient naturel de vouloir passer leurs vacances dans un CDN à faire du théâtre de philo, « un truc de mytho » comme ils le disaient avec une gourmandise terrible. Le matin, nous étudions le texte, c‘est-à-dire que nous le lisions, que je lançais les éclaircies et que j’écoutais la jeunesse déployer son intelligence vive, si peu sûre d’elle et en même temps si profonde car orientée par une seule nécessité : la générosité, la recherche, oui, de la vraie vie, de la vie juste dont on lui annonce pourtant qu’elle n’est nulle part. Le texte apparaissait ainsi fait pour eux: il parlait du nouveau visage de la lutte des classes, de la désorientation propre à une jeunesse contemporaine, dont tout le monde se réclame, que tout le monde courtise, qui n’a plus ni étapes ni rites ni garde-fous, que tout le monde semble libéralement favoriser et que tout le monde redoute et veux châtrer, de la confiscation de la jeunesse des jeunes, de l’argent, du carrefour atroce qu’il y aurait à choisir entre vie intense mais courte en forme de bombe-humaine ou vie longue mais adaptée aux credos et actes les plus mornes, de l’amour comme figure rare de l’époque, de la jeunesse d’avant, et de nouvelles alliances: entre jeunes séparés, entre jeunes et vieux. Puis l’après-midi, nous répétions le texte. C’était simple et ça l’est resté. Mes loustics me démontraient qu’ils comprenaient le texte parce qu’ils me le disaient, à moi, et qu’ils l’illustraient. Nous riions beaucoup. Je hurlais aussi souvent, car il est difficile de faire un théâtre de concepts avec les pieds nickelés. Ou plutôt, non, je le sais : Groucho Marx en est le maître et eux, ces héritiers improbables, furent mes enseignants en burlesque philosophique. Et toujours, je savais que j’étais heureuse : entendre la langue du philosophe dans les bouches enfantines et ganaches de mes jeunes amis, c’était pour moi, la joie, le clin d’œil politique le plus taquin et juste que j’aie entrevu. A la fin, le plateau s’est trouvé jonché d’images et de slogans, telles les icônes vintage d’un culte des personnalités bravachement assumé : Marx (les deux), Badiou, Rimbaud, Pasolini, Mohamed Ali, un certain Président chinois que je n’ose nommer ici par crainte d’être censurée, Platon, Maradona... Et avec ces aides du passé, nous reprenait la nostalgie d’un futur que nous sentions pousser pour nous et approcher vers nous sa fleur odorante. Nous avons appris à aimer ce qui viendra de nous. La jeunesse dansait sa pensée, ses aspirations, ses ampleurs indulgentes et révoltés, avec ce génie si vif des pantomimes et des mots, et moi je servais à les regarder et à les encourager, mes petits jongleurs enfants de Dario Fo; et derrière eux, à la fin, pour leur donner un ciel, j’ai mis une image qui flottait, issue du XVIIIe siècle et de sa Révolution, une image de la Concorde célébrée, pour une cité où la jeunesse serait invitée à aider le monde, car le monde tirerait sa beauté de se vouloir jeune. Et même, car il faisait chaud, nous avons fabriqué des petits éventails


qui aéraient l’esprit et les épidermes de nos jeunes gens laborieux, car penser, ça fait transpirer, et sur ces éventails espiègles, se balançait en effigie la tête très amusée de l’éminent philosophe dit gauchiste. Je crois qu’il est inutile de dire ce que cela a été, ce que tout le monde a célébré dans ce petit spectacle, dans cette accolade entre le vieil homme et les jeunes amis, dans cette très évidente rencontre entre l’intelligence populaire et l’intelligence du livre, et dans cette grande déclaration d’amour au théâtre et à sa fantaisie ; je crois que c’est inutile parce que tout le monde sait que c’est cela la jeunesse : une démonstration de tendresse, de confiance et de haute capacité.

Marie-José Malis

MARIE JOSÉ MALIS - Metteure en scèneMarie-José Malis fonde en 1994 la Compagnie La Llevantina. La question qui travaille continûment ses mises en scène est celle du devenir du théâtre : comment l’expérience théâtrale, ses qualités propres et uniques, ses conditions matérielles, spirituelles, peuvent être maintenues aujourd’hui pour les spectateurs actuels ? Le théâtre comme mise en vie d’intuitions d’une autre manière de vivre, d’un courage neuf.

Le choix des textes va avec cette préoccupation : parmi ses travaux les plus récents on peut citer, Contre la télévision de Pier Paolo Pasolini (2008), Le Prince de Hombourg de Heinrich von Kleist (2009), Le Rapport Langhoff (2013), Hypérion d’après le roman de Friedrich Hölderlin (2014) au Festival d’Avignon, Festival In, salle Benoît XII, La Vraie vie d’après Alain Badiou (juillet 2016), Dom Juan de Molière (novembre 2016). Elle a mis en scène trois pièces de Pirandello, La Volupté de l’Honneur (2016), On ne sait comment (2015), Vêtir ceux qui sont nus (mars 2017). En mars 2017, elle a créé la Pièce d’Actualité n° 8 Institution. Elle dirige La Commune CDN d’Aubervilliers depuis janvier 2014.

LA MOUSSON D’HIVER, RENCONTRES THÉÂTRALES POUR LA JEUNESSE9 > 12 MARS - ABBAYE DES PRÉMONTRÉS, CDN NANCY, GŒTHE-INSTITUTProgramme destiné aux lycéens et étudiants lorrains désireux de se confronter à la découverte des écritures contemporaines du théâtre, la Mousson d’hiver permet à de jeunes passionnés de mettre en voix, en espace et en scène des textes dramaturgiques venus de toute l’Europe et nouvellement traduits en français. Depuis 2004, ce temps fort du calendrier scolaire et universitaire qui bénéficie du savoir-faire de professeurs et de metteurs en scène expérimentés a su s’attirer la fidélité d’un public de tous âges venu partager un enthousiasme contagieux. Toujours engagée sur l’actualité, la Mousson d’hiver s’associera en 2020 à la 16e édition de l’initiative de la région Grand Est “Le mois de l’autre”, en invitant des intervenants à sensibiliser les jeunes à la thématique des fake news à travers la notion de doute et la culture de l’esprit critique.Rencontres à l’issue des représentations


2 > 12 AVRIL

RING est organisé avec le soutien de la DRAC Grand Est, la Ville de Nancy

la Région Grand Est, la Métropole du Grand Nancy, le Conseil départemental de Meurthe-

et-Moselle, Doppelpass (Fonds pour la coopération théâtrale)

En partenariat avec l’Université de Lorraine le Rectorat de l’Académie Nancy-Metz

l’Opéra national de Lorraine, le CCAM- Scène nationale de Vandœuvre-lès-Nancy, L’Autre

Canal, le Saarländisches Staatstheater SciencesPo Nancy, Alliance ARTEM, l’École

Nationale Supérieur d’Art et de Design de Nancy, le TUN

RING #7RENCONTRES INTERNATIONALES

NOUVELLES GÉNÉRATIONS

Pour cette nouvelle édition, RING s’emploie à attiser la curiosité des publics en explorant des formes théâtrales hybrides et innovantes.

Les spectacles mêleront installations-performances et expériences collectives, nouvelle forme de cirque, théâtre-dessin (animé) et vidéo, théâtre immersif et opéra, danse et musique, spectacle de rue déambulatoire participatif, etc. RING poursuit sa réflexion sur l’utilisation du numérique dans le spectacle vivant en compagnie de nombreux artistes.

Artiste invité à la précédente édition de RING avec Worldwidewestern puis associé au CDN depuis septembre 2018 (Robots, CGU), Raphaël Gouisset explore les possibilités et les manières d’intégrer le numérique et particulièrement le web à l’art vivant. Toujours avec une bonne dose d’humour, il créera Je ne suis pas un Astronaute les 2 et 3 avril.

Programme élaboré en étroite collaboration avec l’Opéra national de Lorraine, le Centre Culturel André Malraux, Nancy Jazz Pulsations, L’Autre Canal, Bliiida à Metz, etc.

PROGRAMMATION EN COURS - AVANT-PROGRAMMEJe ne suis pas un astronaute CRÉATION Raphaël Gouisset Cie Les Particules

La bouche pleine de terre Branimir Šcepanovic / Julia Vidit Cie JAVA Vérité

Manipulation Aurore Gruel, Hervé Birolini, Mathieu Chamagne Cie Ormone & Cie Distorsions / Coréalisation CCAM

Diptyque Macbeth d’après William Shakespeare et Qui a peur du loup ? d’après Christophe Pellet / Matthieu Roy Cie du Veilleur

Coréalisation Opéra national de Lorraine

G.O.U.L.E. / Prinzip Gonzo / spectacle participatif et déambulatoire Avec le Saarlandishes Staatstheater Saarbrücken et le soutien du Fonds Doppelpass

Concert avec Nancy Jazz Pulsations

(...) PROGRAMME COMPLET ET BILLETTERIE COURANT JANVIER

RAPHAËL GOUISSET ET MATHIEU ROY SONT ARTISTES ASSOCIÉS POUR LA SAISON 19/20Détail de la Carte Blanche de Raphaël Gouisset page 8Détail de la Carte Blacnhe de Matthieu Roy Page 9


28 > 30 AVR ESPACE CHAUDEAU,

LUDRES On y va en bus !

2h50 - dès 13 ans

Texte Edmond RostandMise en scène Lazare Herson-

MacarelAvec Harrison Arevalo en alternance avec René Turquois, Julien Campani

Philippe Canales en alternance avec Éric Herson-Macarel, Céline

Chéenne Eddie Chignara, Joseph Fourez

Salomé Gasselin en alternance avec Garance Boizot, David Guez

Pierre-Louis Jozan, Morgane Nairaud

Gaëlle VoukissaScénographie Ingrid Pettigrew

Costumes Alice Duchange assistée de Selma Delabrière

Lumière Jérémie Papin assisté de Léa Maris

Musique Salomé Gasselin et Pierre-Louis

JozanMaquillage Pauline Bry

Régie générale Thomas ChrétienCollaboration artistique

Philippe CanalesAssistanat à la mise en scène

Chloé Bonifay

Production Compagnie de la jeunesse aimable Coproduction

Théâtre Anne de Bretagne - Vannes, Théâtre Jean Vilar - Suresnes,

Théâtre de la Coupe d’Or - Rochefort, Théâtre Roger Barat

- Herblay, Théâtre André Malraux - Chevilly-Larue, Les Passerelles

- Pontault-Combault, Théâtre Montansier - Versailles

Avec l’aide à la création de la Région Ile-de-France

Avec la participation du Jeune Théâtre National

Avec le soutien de l’ADAMI

CYRANO EDMOND ROSTAND / LAZARE HERSON-MACAREL

Cyrano est un mousquetaire intrépide, appartenant à la compagnie des Cadets de Gascogne.Il est amoureux de sa cousine Roxane mais n’ose pas se déclarer... Car elle est belle et il est laid, affligé d’un énorme nez. Par amour pour elle, désespéré, il accepte de protéger son rival Christian et va même jusqu’à l’aider à séduire Roxane.Écrite en 1897, Cyrano de Bergerac est la plus célèbre pièce de théâtre d’Edmond Rostand, mais aussi l’une des plus réputées des pièces de théâtre françaises, dont le rôle principal est l’un des rôles les plus intéressants à jouer pour les comédiens.Elle est librement inspirée d’un personnage réel, Hercule Savinien Cyrano de Bergerac (1619-1655).

POURQUOI CYRANO?Parce que donner cette pièce, c’est toujours donner une fête populaire au véritable sens du terme, fête qui rassemble les gens les plus différents pour un festin de mots, d’intelligence, d’énergie vitale, de dépense improductive. Parce que ce texte est une expérience de jubilation pure, tant pour l’acteur que pour le spectateur – et que cette jubilation propre au théâtre est un premier pas vers l’action.

Parce que la figure même de Cyrano nous inspire la liberté, l’insolence, l’insoumission, le désir d’insurrection pour un monde meilleur, le refus des compromissions, des paresses intellectuelles et des résignations – toutes choses dont notre société oublie petit à petit qu’elles sont possibles. Parce que Cyrano est une grande pièce de troupe. Après une liste de quarante-cinq personnages, on peut lire sur la page de garde : « La foule, bourgeois, marquis, mousquetaires, tire-laine, pâtissiers, poètes, cadets, gascons, comédiens, violons, pages, enfants, soldats espagnols, spectateurs, spectatrices, précieuses, comédiennes, bourgeoises, religieuses, etc. » La profusion essentielle de la pièce commence là. Elle dit quelque chose du théâtre que nous voulons faire. C’est une forme de résistance politique que de réunir, quel qu’en soit le prix, dix acteurs au plateau. C’est beaucoup pour le monde d’aujourd’hui, c’est peu pour jouer Cyrano.

Parce que j’ai rencontré Eddie Chignara. C’est un acteur-monde, un ogre de théâtre, un travailleur acharné, un rythmicien génial, doué d’une palette de jeu sans limites connues, doué surtout de cette générosité essentielle qui le fait toujours dépasser l’horizon d’attente des spectateurs. Il est pour moi une incarnation du théâtre populaire, par l’exigence qu’il a envers lui-même, par sa joie communicative, par le caractère héroïque de l’énergie qu’il offre, et surtout par une certaine manière de faire confiance à l’intelligence du spectateur. Je sais Eddie Chignara capable de marquer l’histoire du rôle. Depuis qu’ils l’ont vu jouer Shakespeare, Feydeau, Schwartz ou Sophocle, ses contemporains le savent capable de grandes choses, et attendent avec impatience sa révélation – ce qui est exactement le cas de Cyrano au début de l’acte I... Parce que je crois qu’il est possible de donner de la pièce une lecture politique radicale, profonde, sans concessions. Si Cyrano


n’est qu’un conte pittoresque, folklorique, brillant et national, oublions-le. En revanche, nous pouvons rendre palpables pour le spectateur d’aujourd’hui l’héroïsme de Cyrano et la mélancolie de Rostand – l’héroïsme de Rostand et la mélancolie de Cyrano.

Loin des cours et des salons, loin d’un art immédiatement reconnaissable et tristement satisfaisant, nous pouvons défendre grâce à Cyrano de grandes idées de théâtre : la nécessité de porter un masque pour dire la vérité, le valeur inestimable des mots comme musique et comme offrande, le désir de retrouver le paradis perdu, la vertu de la désobéissance. Je rêve la mise en scène de Cyrano comme l’occasion de rendre Rostand à cet idéalisme essentiel qui dépasse de très loin les satisfactions poétiques, rhétoriques et militaires. Grâce à lui, aujourd’hui, nous pouvons défaire et détruire un malentendu majeur : le théâtre n’est pas un artifice – c’est le dernier refuge de la réalité.

Pas de fioritures, pas d’illustration, pas de couleur locale, pas d’ornementation inutile : la scénographie empruntera surtout à l’univers du théâtre, qui a traversé le temps depuis l’époque du véritable Cyrano : gradins, tréteaux, servante, lustres, rideaux, praticables, découvertes... Liberté de l’anachronisme, de l’onirisme, dans le choix des accessoires et des costumes - la pièce est essentiellement une grande œuvre baroque. C’est forts de l’expérience du Nouveau Théâtre Populaire (et avec une partie de sa troupe) que nous proposons ce spectacle au public le plus large : nous aurons le strict nécessaire pour garantir la clarté de la fable et la liberté des acteurs. Acteurs d’âges et de formations différentes, une véritable troupe qui est au théâtre ce que les cadets de Gascogne sont à l’art militaire - des enthousiastes pleins de courage, capables de faire beaucoup avec peu. Après avoir mis en scène le Falstafe de Novarina, je reste convaincu de sa définition de la représentation au théâtre comme «cathédrale de souffle», comme architecture respiratoire. L’alexandrin de Rostand, vif, imprévisible, décomposé jusqu’au vertige, nous engage à un travail d’une grande rigueur musicale. Les actes I et IV (l’acte du théâtre et celui de la guerre) doivent devenir des polyphonies légères et puissantes, rythmiquement irréprochables, de purs instants de virtuosité.

Mais cette virtuosité ne suffit pas. Nous ne devons jamais nous en contenter. Les morceaux de bravoure dont la pièce est truffée ne sont pas tout, et m’intéressent plutôt moins que les défauts, les faibles, les élans de tous ces personnages. Tant pour jouer Cyrano que les figures qui l’entourent, il faut rester perpétuellement attentif à ce que j’appellerais «l’épaisseur du jeu».

«Je n’aimais qu’un seul homme et je le perds deux fois.» Laisser deviner les êtres vivants, complexes, nuancés, volontaires, qui portent l’alexandrin comme on porte un masque, qui ne font de l’esprit que par pudeur. C’est le seul moyen d’arracher Cyrano à son aspect folklorique, patrimonial, vieillot, et politiquement inoffensif. Ni reconstitution historique, ni transposition formelle, ce spectacle doit être une fête populaire, exigeante, contrastée, lumineuse et grave.

Lazare Herson-Macarel


EDMOND ROSTAND - Poète et auteur dramatique français Ce provençal suit la trajectoire classique des jeunes auteurs. Il écrit une pièce en collaboration, un recueil de poésies (les Musardises, 1890) avant les Romanesques (1894), la Samaritaine (1897) et surtout Cyrano de Bergerac (1897) : drôle, rapide, brillante, cette pièce flamboyante jouée par Coquelin remporte un succès considérable dans une ambiance à la fois romantique et cocardière, entre la défaite de 1870 et l’humiliation de Fachoda. Avec cette comédie en 5 actes et en vers, Rostand fait de l’écrivain libertin du XVIIe siècle un bretteur picaresque. Réécriture de la comédie héroïque de cape et d’épée, de la tragédie en 5 actes, du drame romantique et du mélodrame populaire, ce « bricolage dramaturgique » joue ouvertement du pastiche et du clin d’œil. En 1900, la pièce L’Aiglon met en scène le duc de Reichstadt, joué par Sarah Bernhardt. La dernière grande œuvre dramatique, Chantecler (1910), surprend par ses personnages d’animaux, basse-cour où se laisse voir une image de la société. Cependant, cette pièce connait un échec critique et très vite on ne joue plus ses nouvelles pièces.

Durant le première guerre mondiale, il participe au soutien de guerre, et apporte un soutien aux soldats français. Il meurt le 2 décembre 1918 de la grippe espagnole, qui fait des ravages en Europe.

LAZARE HERSON-MACAREL - Metteur en scèneDirecteur de la compagnie de la jeunesse aimable, il est l’auteur de plusieurs pièces de théâtre dont L’enfant meurtrier (aide à la création du CNT) qu’il met en scène au Théâtre de l’Odéon (Festival Impatience) en 2009 et Le Chat botté et Peau d’Ane qu’il crée en partenariat avec les Instituts Français du Maroc en 2010. Il adapte et met en scène Falstafe de Novarina qu’il crée au Festival d’Avignon en 2014.

En 2009 il co-fonde le Festival du Nouveau Théâtre Populaire (NTP, Fontaine-Guérin, Maine-et-Loire) pour lequel il met en scène Le Misanthrope de Molière (2009), Le Cid de Corneille (2010), Œdipe-Roi de Sophocle (2015) et La Paix d’Aristophane (2016). Il y joue Tchekhov, Brecht, Shakespeare, Hugo, Büchner et Feydeau.

Comme acteur, il se forme à la Classe Libre des Cours Florent sous la direction de Jean-Pierre Garnier et au Conservatoire National Supérieur d’Art dramatique dans la classe de Nada Strancar et joue notamment sous la direction de Léo Cohen-Paperman, Nicolas Liautard, Olivier Py, John Malkovich, Cécile Arthus, Julie Bertin et Jade Herbulot.


4 > 7 MAI GRANDE SALLE 1h - dès 10 ans

Texte Daniel DanisMise en scène et scénographie

Véronique BellegardeAvec Julie Pilod et Julien Masson

Lumière Philippe Sazerat Création sonore et musicale

Philippe ThibaultCréation de la marionnette

Valérie LesortPhotographie Michel Séméniako

Maquillage Isabelle Lemeilleur

Production Le Zéphyr/Véronique Bellegarde, compagnie soutenue

par la Drac Île-de-France - Ministère de la Culture Co-

production Théâtre Le Colombier de Bagnolet, Cie Langaja

Groupement Avec le soutien de la CITF (Commission Internationale du

Théâtre Francophone) du FIJAD - Fonds d’Insertion pour

Jeunes Artistes Dramatiques, DRAC et Région Provence-Alpes-

Côte d’Azur, du Conseil des Arts et Lettres du Québec, de Cap*-La Fabrique (Coopérative Artistique

de Production) Partenaires Les Coups de Théâtre (Festival

international des arts jeune public de Montréal-Québec), La Mousson d’hiver Résidence de création (mai et novembre 2018) au Théâtre Le

Colombier avec le soutien de la DRAC Île-de-France

Spectacle créé au Théâtre Le Colombier de Bagnolet et Festival

international Les Coups de Théâtre de Montréal Daniel Danis est

représenté et publié par L’Arche Éditeur.Cardamone a été publié le 9

novembre 2018

Cardamone est une mineure isolée, issue d’un conflit territorial. Elle dessine et vend ses BD pour survivre. Un jour, elle trouve dans la rue, “une petite sans nom“.

Sur la route de l’exil, elle affronte avec elle, le froid, la glace, l’égarement. Curcuma, un autre jeune marcheur sans terre, drôle et inventif, va la guider. Il lui montre “les pieds-de-vents“, ces rayons de lumière, qui, aidés par le vent, traversent les nuages et descendent jusqu’à l’horizon. Dans une forêt, Cardamone rencontre la Guerre, se bat avec elle et la blesse à l’œil avec son crayon à dessin. La Guerre revient et bombarde. Cardamone, gravement blessée, lutte pour sa survie, tandis que Curcuma meurt. Dans un entre deux mondes, sa grand-mère lui apparait. Elle vient lui parler, lui donner l’envie de vivre...

C’est un conte cruel traversé de poésie, de magie, de drôlerie et de joie de vivre. Une histoire de jeunes en errance, d’amitiés et de résilience. Cardamone recolorie le monde à sa façon et avec la force de son imaginaire tente de réparer son enfance abîmée. Elle traverse un moment sensible de métamorphose où tout parle et où la relation à l’autre est déterminante. La jeune adolescente deviendra une jeune femme. Ce chemin-là, pour Cardamone, se fait en parallèle d’un déplacement d’un pays à l’autre.

NOTES DE DANIEL DANIS « Où cette fiction se déroule-t-elle ? Au Québec, en France, dans les Balkans, ou ailleurs et surtout en-dedans de soi ... Le lieu principal de Cardamone, c’est le dire. » « Le dire-théâtre, s’il se trouve, débute du sol jusqu’à la bouche de ma main mentale, s’inscrit sur un papier de fable jusqu’à la mémoire des comédiens qui, de leurs lèvres laissent s’échapper depuis leur gorge, des nuages d’humidité si denses qu’une telle concentration de vagues successives des éléments dits, fera naître des turbulences violentes jusqu’à une tempête archaïque, invisible pour les uns, ressentie pour les autres. Je n’écris pas, le théâtre de ma langue est un acte humide, j’essaie de bâtir de miniatures océans oubliés, d’y répandre des filets et remonter à la surface des mots grouillants et écaillés avec des corps nourriciers pour peut-être mieux saisir les rages et les au secours d’amour de la communauté des miens terrestres. »

REGARDS SUR L’HISTOIRE ET LES PERSONNAGES La jeune Cardamone chemine entre narration, rêve éveillé et dialogues réels ou imaginaires. Tout se passe pour elle sur le fil délicat du passage de l’enfance à la jeune femme.

CARDAMONEDANIEL DANIS / VÉRONIQUE BELLEGARDE


Un garçon, Curcuma, l’aidera à se connaître et à grandir. Il est multiple et peut se fondre dans les éléments naturels. Il guide sa route. “La Petite sans nom“ est jouée par Cardamone. Elle est comme une prolongation d’elle-même, “l’amie imaginaire“. Elle lui permet de mettre une distance avec un réel impossible à assumer, d’exprimer sa dualité tendre et violente, d’accompagner sa solitude, de devenir grande aussi. “La Petite sans nom“ représente la part d’enfance abîmée dont Cardamone arrivera à se détacher. La relation avec cette “petite“ se déplace et sa représentation scénique se modifie ou disparaît. Elle prend une forme évolutive : une forme en papier, une poupée-marionnette à son image, une présence invisible… “La Petite sans nom“ est un espace transitionnel créatif. Le dessin et le graphisme ont une fonction similaire. Par la puissance de son imaginaire, de son mental, Cardamone trouve la force de survivre et de se relier au monde. Cardamone est un personnage féminin positif, une jeune Mère Courage qui évolue dans un contexte de guerre contemporaine tout en faisant face à sa transformation intime.

LE CONTE ET LE TUMULTE INTÉRIEUR La Petite sans nom, la forêt qui parle, le miroir magique, ont un pouvoir psychanalytique comme dans les contes de fée. La structure narrative de Cardamone en est proche. Cardamone traverse ses peurs, affronte des menaces extérieures, puis elle rencontre de l’aide et finit par se libérer. « Tout conte de fées est un miroir magique qui reflète certains aspects de notre univers intérieur et des démarches qu’exige notre passage de l’immaturité à la maturité. Pour ceux qui se plongent dans ce que le conte de fées a à communiquer, il devient un lac paisible qui semble d’abord refléter notre image ; mais derrière cette image, nous découvrons bientôt le tumulte intérieur de notre esprit, sa profondeur et la manière de nous mettre en paix avec lui et le monde extérieur, ce qui nous récompense de nos efforts.» Bruno Bettelheim, Psychanalyse des contes de fées.

LE LANGAGE SCÉNIQUE : UN ROMAN GRAPHIQUE ET SONORE Cardamone se réapproprie le monde avec des dessins et des couleurs. Elle en témoigne comme sur un carnet de bord graphique. Deux grands rouleaux de papier suspendus sont à la disposition de Cardamone pour colorier, couper, déchirer, froisser, fabriquer des objets. Ils sont un support visuel pour les photos réalistes coloriées avec des techniques de light painting de Michel Séméniako. (Il photographie la nuit avec de longs temps de pause où il “peint“ des éléments avec des torches colorées, sans procédé numérique.) L’univers nocturne de ce conte noir est ré-enchanté sur scène par la peinture à la lumière. La création sonore évoque le paysage mental de Cardamone, son imaginaire et ses sensations. Elle suggère aussi l’indicible, ce qui ne se dit pas avec les mots, l’âme mystérieuse des êtres et de la forêt. “Un arbre à sons“, inventé par le musicien Philippe Thibault, composé de branches, de micros et de capteurs qui conduisent les sons et la musique, croise la route de Cardamone. La musique et les sons composent un vocabulaire dramaturgique qui capte l’attention des jeunes spectateurs tout en leur offrant un espace de réflexion et de rêve. C’est une invitation à ouvrir des mondes, à stimuler leur imaginaire et à construire ainsi leurs propres images “rêviques “ (selon Daniel Danis).


DANIEL DANIS - AuteurDaniel Danis est un dramaturge québécois. Après avoir passé son enfance en Abitibi et son adolescence à Québec, il part pour Haïti en tant que missionnaire laïque. À son retour, il s’intéresse à la danse, puis à l’art dramatique.

Sa première pièce, Celle-là, se voit attribuer en 1993 le Prix de la critique de Montréal, le Prix du Gouverneur général du Canada et, en 1995, le Prix de la meilleure création de langue française du Syndicat Professionnel de la Critique Dramatique et Musicale de Paris. Les textes qu’il écrit par la suite se méritent à leur tour de nombreux prix et Daniel Danis obtient rapidement une reconnaissance internationale. En 1996, il est l’auteur de Le Pont de pierres et la Peau d’images (pièce pour jeune public) qui a obtenu en 2006 le prix de la critique Meilleure découverte (Belgique). Le Langue-à-langue des chiens de roche lui (1997) a valu le prix du Gouverneur général du Canada en 2002. Son texte, e, roman-dit (2005), a été créé par Alain Françon au Théâtre de la Colline en 2005 et a reçu le Grand Prix littéraire dramatique 2006 (France).

Il a remporté pour sa pièce Kiwi (2007), le prix Louise-Lahaye décerné par le Cead, le Centre des auteurs dramatique au Québec. Ses pièces, traduites en anglais, en italien, en allemand, en finlandais, en espagnol, en gallois et en écossais, sont présentées dans plusieurs pays, en Amérique du Nord comme en Europe. Daniel Danis est aujourd’hui l’un des dramaturges québécois les plus joués à l’étranger. Il poursuit sa démarche de création au Saguenay, où il s’est établi.

VÉRONIQUE BELLEGARDE - Metteure en scèneSon parcours artistique est consacré aux écritures contemporaines internationales. Curieuse au-delà des frontières, elle s’intéresse à l’art sous toutes ses formes et participe à de nombreux projets internationaux.

Elle crée sa compagnie le Zéphyr en 2000, en Ile de France. Elle est en résidence pour trois ans à la Ferme du Buisson, Scène nationale de Marne la Vallée, autour des nouvelles écritures dramatiques internationales en croisement avec le nouveau cirque et au Parc de la Villette. Entre 2001 et 2004, elle collabore avec l’AFAA, ex Institut Français, (missions sur l’écriture contemporaine et des mises en scènes en Argentine et en Uruguay). Son spectacle Un animal de dos lenguas, créé à Buenos Aires, puis à Jazz à la Villette /Cité de la Musique en 2008, lui fait rencontrer le jazzman Médéric Collignon avec lequel elle collabore plusieurs années (L’Instrument à pression de David Lescot, Terre Océane de Daniel Danis, présentés au Théâtre de la Ville...). La musique prend alors une place déterminante dans son travail.

Son goût pour les écritures contemporaines s’inscrit dans plusieurs contextes :- Depuis 1995, elle est artiste associée au Festival La Mousson d’été et à La Mousson d’hiver, pour la jeunesse : direction du comité de lecture, nombreuses mises en espace, programmation, distributions... Actuellement aussi en mission sur le développement d’un vaste partenariat européen (Fabulamundi) sur 4 ans, sur l’écriture contemporaine et les


échanges internationaux.En 2006/2007, Le Zéphyr est associé à l’Université Paris X-Nanterre (master de mise en scène) De 2007 à 2013, elle est membre de la commission de l’Aide à la création, Centre national du Théâtre. Fin 2016, elle est nommée Chevalier de l’ordre des Arts et des Lettres par la Ministre de la culture.En 2018, Le Zéphyr intègre Cap*, Coopérative Artistique de Production et fabrique pluridisciplinaire, à Montreuil en Île de France.

Véronique Bellegarde a créé de nombreux spectacles, centrés sur la découverte d’auteurs d’aujourd’hui tout élaborant un langage scénique singulier enrichi d’autres arts ; l’image filmée, la photographie, le dessin, la musique et le nouveau cirque. La Compagnie Le Zéphyr est soutenue par la DRAC-Île de France/Ministère de la Culture


13 > 15 MAIENSEMBLE POIREL 1h20 - dès 14 ans

Texte Philippe ClaudelMise en scène Guy Cassiers

Avec Jérôme KircherDramaturgie Erwin Jans

Son Diederik De CockVidéo Klaas Verpoest

Costumes Tim Van Steenbergen

Production Toneelhuis Coproduction Espaces Malraux -

Chambéry, Espaces Pluriels - Pau, MC93 - Maison de la Culture

de Seine-Saint-Denis, La Rose des Vents - Villeneuve d’Ascq, Le Phénix, scène Nationale de

Valenciennes

LA PETITE FILLE DE MONSIEUR LINHPHILIPPE CLAUDEL / GUY CASSIERS

Monsieur Linh fuit son pays ravagé par la guerre, en quête d’un avenir meilleur pour sa petite fille.

La dévotion sans limite dont il fait preuve envers l’enfant fait de lui la risée de ses compagnons du centre d’asile. Monsieur Linh se sent totalement dépaysé jusqu’au jour où il rencontre monsieur Bark. Monsieur Bark parle surtout de sa femme, récemment décédée.

Monsieur Linh ne le comprend pas, mais il l’écoute avec attention, sa petite-fille assise sur ses genoux. Ils se rencontrent tous les jours dans le parc, sur le même banc. Jusqu’à ce que monsieur Linh et sa petite-fille soient soudain transférés dans une institution fermée, quelque part dans la ville. Comment retrouver son ami ? Au péril de sa propre vie, il fait une tentative d’évasion dont le dénouement sera dramatique. Guy Cassiers met en scène cette histoire touchante d’un homme qui doit fuir son pays avec le peu qui lui reste et vivre avec les souvenirs traumatisants et l’impossibilité de tourner le dos au passé.

«C’est un vieil homme debout à l’arrière d’un bateau. Il serre dans ses bras une valise légère et un nouveau-né, plus léger encore que la valise. Le vieil homme se nomme Monsieur Linh. Il est seul désormais à savoir qu’il s’appelle ainsi.Debout à la poupe du bateau, il voit s’éloigner son pays, celui de ses ancêtres et de ses morts, tandis que dans ses bras l’enfant dort. Le pays s’éloigne, devient infiniment petit et Monsieur Linh le regarde disparaître à l’horizon, pendant des heures, malgré le vent qui souffle et le chahute comme une marionnette.Chaque jour, Monsieur Linh retrouve Monsieur Bark. Lorsque le temps le permet, ils restent dehors, assis sur le banc. Quand il pleut, ils retournent au café et Monsieur Bark commande l’étrange boisson, qu’ils boivent en serrant les tasses entre leurs mains. Désormais, le vieil homme dès qu’il se lève attend ce moment où il ira rejoindre son ami. Il se dit dans sa tête “son ami”, car c’est bien de cela qu’il s’agit. Le gros homme est devenu son ami, même s’il ne parle pas sa langue, même s’il ne la comprend pas, même si le seul mot dont il se sert est “Bonjour”. Ce n’est pas important. »Sans qu’il sache le sens des mots de cet homme qui est à côté de lui depuis quelques minutes, il se rend compte qu’il aime entendre sa voix, la profondeur de cette voix, sa force grave. Peut-être d’ailleurs aime-t-il entendre cette voix parce que précisément il ne peut comprendre les mots qu’elle prononce, et qu’ainsi il est sûr qu’ils ne le blesseront pas, qu’ils ne lui diront pas ce qu’il ne veut pas entendre, qu’ils ne poseront pas de questions douloureuses, qu’ils ne viendront pas dans le passé pour l’exhumer avec violence et le jeter à ses pieds comme une dépouille sanglante».

Philippe Claudel


Nous suivons une personne qui observe son environnement de manière purement sensorielle, mais qui n’y comprend rien : il entend les mots, mais ne les comprend pas, il perçoit l’environnement, mais ne sait pas le «lire», il entend des sons, mais ne sait pas les situer, il sent des odeurs, mais ne peut pas les expliquer. Pour Monsieur Linh, le monde paraît kaléidoscopique.Il voit plusieurs pièces du puzzle, mais ne dispose pas des outils (culturels) pour les assembler en un tout, contrairement au public qui peut percevoir et comprendre toute l’information, mais qui fait face à un personnage principal charmant qui n’en est pas capable : il a beau essayer, Monsieur Linh n’est pas en mesure de saisir le nouveau monde dans lequel il se retrouve soudain, une expérience extrêmement étrange et déstabilisante... Seul Monsieur Bark peut lui offrir du réconfort, même si Linh et Bark ne partagent pas un mot d’une même langue.La petite fille de monsieur Linh peut plutôt se lire comme une hallucination d’une réalité sur laquelle on n’arrive pas à avoir prise. Il s’agit d’une histoire individuelle. Nous sommes tous égarés, nous avons perdu nos repères, non seulement le réfugié qui échoue dans un nouveau monde, mais aussi l’habitant de ce nouveau monde. Nous sommes tous en quête de solutions et ressentons tous un besoin de dialogue. Or celui-ci ne s’établit pas, ou si péniblement.

Guy Cassiers

PHILIPPE CLAUDEL - Auteur et cinéasteNé le 2 février 1962 à Dombasle-sur-Meurthe en France. Diplômé en lettres modernes, l’écrivain se passionne pour la littérature et le cinéma. Il commence sa carrière littéraire dès 1999 avec son premier roman, Meuse l’oubli. Avant de devenir également scénariste et réalisateur de films pour le grand écran, il publie d’autres livres, tels que Quelques-uns des cent regrets (1999), Le Café de l’Excelsior (1999), J’abandonne (2000) récompensé par le prix Roman France Télévision, Barrio Flores (2000) et Le Bruit des trousseaux (2001). S’il connait un certain succès avec ces nombreux ouvrages, il est finalement reconnu par ses pairs du milieu littéraire en 2003 avec Les Âmes grises, qui raconte l’histoire d’un meurtre durant la Première Guerre mondiale.

En 2002, il scénarise sa première production cinématographique, Sur le bout des doigts. Ensuite, il s’attèle à l’adaptation de son roman Les Ames grises qui parait dans les salles en 2005. Alors qu’il se passionne pour ce nouveau milieu, il réalise et écrit le scénario de quatre autres films : Il y a longtemps que je t’aime (2008), qui se voit récompensé du César du meilleur premier film, Tous les soleils (2011), Avant l’hiver (2013) et Une enfance (2015).

Depuis, il est maitre conférence à l’Institut Européen du Cinéma et de l’Audiovisuel à l’université de Lorraine et enseigne également à des enfants handicapés physiques et à des prisonniers. Parallèlement, il poursuit sa carrière de romancier en publiant plusieurs livres : La Petite Fille de Monsieur Linh (2005), Le Rapport de Brodeck (2007), lauréat du prix Goncourt des lycéens, L’Enquête (2010), Parfums (2012), récompensé par le prix Jean-Jacques Rousseau de l’autobiographie, Jean-Bark (2013), Rambétant (2014) et


L’Arbre du pays Toraja (2016), Au tout début (2016), Higher Ground (2016), Inhumaines (2017), Le lieu essentiel, entretiens avec Fabrice Lardreau (2018), L’Archipel du Chien (2018) Compromis (2019).Depuis janvier 2012, Philippe Claudel siège également à l’Académie Goncourt.

GUY CASSIERS - Metteur en scèneGuy Cassiers appartient au cénacle des plus grands créateurs européens de théâtre. Son langage théâtral singulier, qui fait s’unir la technologie visuelle à la passion pour la littérature, est apprécié tant dans son propre pays qu’à l’étranger. Il a reçu le prix Thersites de la critique flamande pour l’ensemble de son œuvre (1997), le Prix pour les arts de la ville d’Amsterdam et le Werkpreis Spielzeiteuropa des Berliner Festspiele pour son cycle sur Proust (2004), le Prix Europe Nouvelles réalités théâtrales (2009) et, de pair avec Ivo Van Hove, un doctorat Honoris Causa pour mérites généraux par l’Université d’Anvers. Au mois de mai 2017, Guy Cassiers a reçu les insignes d’Officier de l’Ordre des Arts et Lettres du ministre français de la Culture.

De 2006 à 2008, Guy Cassiers s’est concentré, dans son Triptiek van de macht (Triptyque du pouvoir) (Mefisto for ever, Wolfskers et Atropa. De wraak van de vrede (Atropa. La vengeance de la paix), sur les relations complexes entre l’art, la politique et le pouvoir. Il a continué sur ce thème dans un nouveau triptyque autour de De man zonder eigenschappen (L’Homme sans qualités), le grand roman de Robert Musil De parallelactie (L’action parallèle, 1e partie, première : juin 2010), Het mystieke huwelijk (Le mariage mystique, 2e partie, première : septembre 2011) et De misdaad (Le crime, 3e partie, première : mai 2012)]. Outre le visuel, la musique joue un rôle toujours plus important dans les spectacles de Cassiers, comme le prouvent sans conteste les deux créations d’opéras qu’il a montées en 2009: House of the Sleeping Beauties (Les belles endormies) (musique Kris Defoort) et Adam in Ballingschap (Adam en exil) (musique Rob Zuidam). Entre-temps, il a mis en scène le cycle complet de L’Anneau du Nibelung de Wagner à Berlin et à Milan (2010-2013).L’intérêt croissant de Guy Cassiers pour l’histoire politique européenne ressort également de projets comme Bloed & rozen. Het lied van Jeanne en Gilles (Sang & roses. Le chant de Jeanne et Gilles – 2011), qui traite du pouvoir et des manipulations de l’Église, et Duister hart (Cœur ténébreux d’après Heart of Darkness de Joseph Conrad – 2011) qui se situe dans le passé colonial. Avec des productions telles que SWCHWRM, Guy Cassiers ose donner une touche plus légère à ses œuvres, que l’on retrouve aussi dans Middenin de nacht (Au beau milieu de la nuit), une production d’ensemble de la Toneelhuis en janvier 2012.

En 2013, Guy Cassiers et Katelijne Damen créent Orlando d’après Virginia Woolf. Le spectacle est sélectionné pour le Nederlands Theaterfestival 2013. Au cours de la saison 2013-2014: Guy Cassiers se tourne vers le grand répertoire du théâtre et met en scène deux productions inspirées de Shakespeare: le spectacle de théâtre musical MCBTH et Hamlet vs Hamlet, sur un texte de Tom Lanoye. Cette dernière production, accueillie avec beaucoup d’enthousiasme par la presse et le public, est sélectionnée pour le Theaterfestival 2014 en Flandre et aux Pays-Bas. En 2014, l’Université d’Anvers a décerné à Guy Cassiers et à Ivo van Hove un doctorat honoris causa pour l’ensemble de leur œuvre. En 2014-2015, Guy Cassiers met en scène avec l’ensemble des acteurs et créateurs de la


Toneelhuis De blinden de Maurice Maeterlinck. À HETPALEIS, il réalise, en partenariat avec l’organisation socio-artistique KunstZ, un spectacle inspiré du livre Het vertrek van de mier de Toon Tellegen. Il clôture la saison avec Passions humaines, un spectacle autour du personnage de Jef Lambeaux, le sculpteur du XIXe siècle, sur un texte d’Erwin Mortier et avec une distribution bilingue, néerlandophone et francophone. Au cours de la saison 2015-2016, il met à nouveau en scène deux pièces qui s’articulent autour du pouvoir et de l’abus de pouvoir : Caligula de Camus et De welwillenden (Les bienveillantes) d’après le roman éponyme de Jonathan Littell. Le projet de plus petite envergure, Le sec et l’humide (2015), initialement engagé en tant que projet de recherche d’après l’essai éponyme de Jonathan Littell autour du même thème que Les Bienveillantes, a évolué en spectacle de théâtre à part entière, effectue une tournée et est à l’affiche du Festival d’Avignon 2017. À Lille, Guy Cassiers met en scène l’opéra Xerse van Francesco Cavalli. Pour la saison 2016-2017, il prépare De moed om te doden (La force de tuer) de l’auteur dramatique suédois Lars Norén. Dans Grensgeval (Borderline) il s’attaque au texte véhément de la lauréate du prix Nobel Elfriede Jelinek. À l’occasion de l’inauguration du festival urbain Op.Recht.Mechelen, des extraits du spectacle Sang & roses (2011) sont présentés sous forme de lecture concertante.Au Japon, il recrée le spectacle de théâtre musical House of the Sleeping beauties, d’après le roman de Kawabata, qu’il a créé en 2009 avec le compositeur Kris Defoort. Cette même saison, il met en scène à l’Opéra Garnier à Paris, Trompe-la-mort, d’après Balzac sur une musique de Luca Francesconi.

Durant la saison, 2017-2018, Cassiers continue à se pencher sur le sort du réfugié qu’il a déjà abordé une première fois dans Borderline. À présent, il met en scène le spectacle l’intimiste La Petite Fille de Monsieur Linh d’après Philippe Claudel. Après une version en néerlandais à l’automne 2017, il crée une version française avec un comédien français au printemps 2018 ; en décembre de cette année suit une version catalane, La Néta del Senyor Linh, avec un comédien hispano-catalan qui interprétera aussi la version espagnole à l’automne 2019. À l’automne 2018, Cassiers reprend le fil du récit familial (entamé avec La Force de tuer) avec sa mise en scène de Vergeef ons (Puissions-nous être pardonnés), un soap sur une famille à la dérive, mais avec un dénouement heureux. « Une fête théâtrale, haute en couleur, brutale et très comique, interprétée par une distribution de rêve. » – Filip Tielens sur Klara, 23 février 2018

Au printemps 2019, Cassiers crée avec Arsenaal/Lazarus Bagaar, d’après Coup de Torchon, un film de Bertrand Tavernier de 1981. À travers cette adaptation, Guy Cassiers poursuit sa quête théâtrale dans les profondeurs les plus sombres de l’âme humaine, une descente qui l’a mené précédemment à des spectacles comme Atropa. La Revanche de la paix, Cœur ténébreux, Musil 3 : Le Crime, MCBTH, Sang et Roses, Le Chant de Gilles et Les Bienveillantes. En ce même printemps 2019, La petite fille de Monsieur Linh est recrée en version anglaise, Monsieur Linh and his Child, dont la première a lieu au Luxembourg.

À l’automne 2019, Guy Cassiers mettra en scène The Indian Queen de Purcell à l’Opéra de Lille. Pour la Toneelhuis, il crééera au printemps 2020 un double programme : Antigone in Molenbeek (avec le Quatuor Danel) et Tiresias (avec l’Antwerp Symphony Orchestra) dans lequel les deux protagonistes remettent en question, chacun à sa manière, les lois de la société patriarcale (occidentale).


LES PRODUCTIONS DE LA MANUFACTURE

EN TOURNÉES

21 RUE DES SOURCES Écrit et mis en scène par Philippe MinyanaNANCY (54) CDN NANCY LORRAINE, LA MANUFACTURE . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . du 2 au 11 oct 2019METZ (57) THÉÂTRE DU SAULCY . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .le 12 oct 2019PARIS (75) THÉÂTRE DU ROND-POINT . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . du 6 nov au 1er déc 2019 (off les lundi)CHÂLONS-EN-CHAMPAGNE (51) LA COMÈTE SCÈNE NATIONALE . . . . . . . . . . . . . les 30 et 31 jan 2020 CAEN (14) CDN DE NORMANDIE . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . les 4,5 et 6 fév 2020LISIEUX (14) THÉÂTRE DE LISIEUX . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .le 7 fév 2020TOULON (83) LE LIBERTÉ SCÈNE NATIONALE . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . du 4 au 6 mars 2020SAINT-QUENTIN (02) THÉÂTRE JEAN VILAR . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . le 2 avr 2020 (2 représentations)

VOYAGE EN ITALIED’après Les Essais et Journal de Voyage de Montaigne, mise en scène Michel DidymAMIENS (80), COMÉDIE DE PICARDIE . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . du 2 au 4 oct 2019NÎMES (30) THÉÂTRE DE NÎMES . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . du 10 au 11 oct 2019PAU (64) THÉÂTRE DE PAU . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .les 15 et 16 oct 2019NICE (06) THÉÂTRE NATIONAL DE NICE . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . du 21 au 23 nov 2019GRENOBLE (38) MC2: . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . du 26 au 28 nov 2019LE HAVRE (76) LE VOLCAN, SCÈNE NATIONALE . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . les 5 et 6 mars 2020FLORANGE (57) LA PASSERELLE . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . le 13 mars 2020LIÈGE (BELGIQUE) THÉÂTRE DE LIÈGE . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . du 18 au 21 mars 2020MARSEILLE (13) LA CRIÉE . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . du 26 au 28 mars 2020OLLIOULES (83) CHÂTEAUVALLON, SCÈNE NATIONALE . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .du 8 au 9 avr 2020TALANT (21) L’ÉCRIN . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .le 5 mai 2020ANNECY (74) BONLIEU SCÈNE NATIONALE . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . les 12 et 13 mai 2020MAUBEUGE (59) LE MANÈGE, SCÈNE NATIONALE . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .(en cours)SARREGUEMINES (57) SCÈNE DE L’HÔTEL DE VILLE . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .(en cours)

LES EAUX ET FORÊTSDe Marguerite Duras, mise en scène Michel DidymCHINE

- Tianjin, Grand Théâtre . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . le 30 juin 2019- Ningbo, Culture Square Grand Théâtre . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . le 3 juil 2019- Nanjing, Poly Grand Théâtre . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . le 6 juil 2019- Wuxi, Grand Théâtre . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . le 8 juil 2019

MALAKOFF (92) THÉÂTRE 71 SCÈNE NATIONALE . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . du 3 au 7 déc 2019AGEN (47) THÉÂTRE DUCOURNEAU . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . le 11 déc 2019

COMPARUTION IMMÉDIATE 2 - JUSTICE : UNE LOTERIE NATIONALE ? CRÉATION

De Dominique Simonnot, mise en scène Michel DidymNANCY (54) CDN NANCY LORRAINE, LA MANUFACTURE . . . . . . . . . . du 17 au 20 déc, 3 et 4 jan 2020 PARIS (75) THÉÂTRE DU ROND-POINT . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .du 8 jan au 2 fév 2020 GRASSE (06) THÉÂTRE DE GRASSE . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . les 4 et 5 fév 2020

SALES GOSSESDe Mihaela Michailov, traduction Alexandra Lazarescou, mise en scène Michel DidymBRÉTIGNY (91) THÉÂTRE DE BRÉTIGNY SCÈNE CONVENTIONNÉE ART & CRÉATION . . . .le 4 fév 2020AUBERVILLIERS (93) LA COMMUNE CENTRE DRAMATIQUE NATIONAL . . . . . . . . . . du 6 au 8 fév 2020

CRÉATION


LES COPRODUCTIONS EN TOURNÉES

VIVRE SA VIE Mise en scène Charles Berling / Production Châteauvallon – scène nationale AVIGNON (84) THÉÂTRE DES HALLES – SCÈNE D’AVIGNON CRÉATION . . . . . du 6 et 7 juin et du 5 au 28 juil 2019OLLIOULES (83) CHÂTEAUVALLON, SCÈNE NATIONALE . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . du 26 au 28 sept 2019 MARSEILLE (13) THÉÂTRE LES BERNARDINES . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . du 1er au 05 oct 2019NANCY (54) CDN NANCY-LORRAINE, LA MANUFACTURE . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . les 14, 15 et 16 nov 2019ANTIBES (06) ANTHÉA ANTIPOLIS THÉÂTRE D’ANTIBES . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . du 20 au 23 nov 2019LYON (69) LES CÉLESTINS, THÉÂTRE DE LYON . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . du 26 nov au 04 déc 2019 www.chateauvallon.com

≈ [PRESQUE ÉGAL À] Mise en scène Laurent Vacher / Production La compagnie du BredinMETZ (57) ESPACE BERNARD-MARIE KOLTÈS . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .les 12, 13, 14 novembre 2019ANNEMASSE (74) CHÂTEAU ROUGE . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . les 26 et 27 novembre 2019AVIGNON OFF (84) . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . juillet 2020 (en cours) www.compagniedbredin.com

BRITANNICUS Mise en scène Jean-Thomas Bouillaguet / Production Compagnie MavraSpectacle en tournée au cours de la saison 2020/2021 – www.compagniemavra.com

LA BOUCHE PLEINE DE TERRE Mise en scène Julia Vidit / Production Java VéritéVITRY-SUR-SEINE (94) STUDIO-THÉÂTRE . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . du 17 au 20 janvier 2020 FORBACH (57) LE CARREAU-SCÈNE NATIONALE DE FORBACH ET DE L’EST MOSELLAN . . . . . . le 13 février 2020 CESSON-SÉVIGNÉ (35) LE PONT DES ARTS . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . les 24, 25 mars 2020NANCY (54) LA MANUFACTURE-CDN NANCY-LORRAINE dans le cadre de RING . . . . . . . . . . . . . .les 6, 7 avril 2020AUXERRE (89) LE THÉÂTRE D’AUXERRE . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . le 16 avril 2020REIMS (51) LA COMÉDIE DE REIMS CDN dans le cadre du Printemps Numérique . . . . . . . . . . . . . . .le 5 juin 2020CHÂLONS-EN-CHAMPAGNE (51) LA COMÈTE-SCÈNE NATIONALE . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . (en cours)www.javaverite.fr

JE NE SUIS PAS UN ASTRONAUTE Mise en scène Raphaël Gouisset / Production Les Particules (Coopérative de spectacles)NANCY (54) CDN NANCY LORRAINE, LA MANUFACTURE . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .les 2, 3 avril 2020 dans le cadre de RING - Tournée en cours d’élaboration – www.lesparticules.org

CRÉATION

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L'ACADÉMIE THÉÂTRALE DU TEMPS LIBRE

HISTOIRES (EXTRA) ORDINAIRES Le point de départ sera pour les participants d’écrire et de raconter une courte histoire, intime et personnelle, venue bousculer leur quotidien, et qui a bouleversé, à plus ou moins grande échelle, le cours de leur vie.Avec Céline Milliat-Baumgartner, comédienne et artiste associée à la Manufacture 19/20Les samedis 9/11, 30/11, 07/12 de 9h30 à 13h30 et les lundis 06/01 et 02/03 de 19h à 22hTarifs : plein 52€ – réduit* 40€Ouvert à tous à partir de 16 ans. Limité à 12 participants.Ouverture des inscriptions en septembre

LE STAGECe silence entre nous du 17 au 21 févAvec Matthieu Roy, metteur en scène et Mihaela Michailov, autricePour public amateur à partir de 16 ans Théâtre de la ManufactureTarif plein 52€ / réduit 40€ Inscription à partir de septembre Effectif limité à 12 participants

LES RÉPÉTITIONS PUBLIQUES• [Presque égal à] de Jonas Hassen Khemiri

mis en scène par Laurent VacherLe jeudi 31 octobre à 19h

• Britannicus de Racine mis en scène par la Cie Mavra

Le jeudi 9 janvier à 19h - Entrée libre sur réservation

LES RENCONTRES AVEC LES ARTISTES• Charles Berling et l’équipe de Vivre sa vie

Jeu 14 nov à l’issue de la représentation

• Tamara Al Saadi et l’équipe de Place Jeu 5 déc à l’issue de la représentation

• Marc Paquien et l’équipe Du Ciel tombaient des animaux Jeu 12 déc à l’issue de la représentation

• Jean-Thomas Bouillaguet et l’équipe de Britannicus Jeu 16 jan à l’issue de la représentation

• Frédéric Sonntag, auteur et metteur en scène de B. Traven Ven 7 fév à 19h (en amont de la représentation)

• Céline Milliat-Baumgartner, autrice des Bijoux de pacotille Jeu 5 mars à l’issue de la représentation

Entrée libre

RENSEIGNEMENTS ET RÉSERVATIONS

03 83 37 42 42e.rossignol@theatre-manufacture.frWWW.theatre-manufacture.frLancement du programme et ouverture des inscriptions en septembre 2019


LES ATELIERSATELIERS DU LUNDI Deux ateliers de pratique théâtrale vous sont proposés, le lundi de 19h à 22h.

1/ SESSION D’AUTOMNE : LA FAMILLE de septembre 2019 à janvier 2020 Avec Nadine Ledru, comédienne Séance d’essai lundi 17 septembre 2019 à 19h Début des cours lundi 1er octobre 2019

2/ SESSION DE PRINTEMPS : LE POUVOIR de février à juin 2020 Avec Émeline Touron, comédienne Séance d’essai lundi 27 janvier à 19h Début des cours lundi 3 février

Tarifs par session : plein 126€/ réduit* 98€ Ouvert à tous à partir de 16 ans Effectif limité à 16 participants

ATELIER DU SAMEDI Soyez critiques ! Prenez un spectacle, décortiquez-le. Choisissez soigneusement vos adjectifs, vos arguments. Faites entrer la pensée, donnez-lui de l’espace, de la place. Accueillez les (dés)accords des autres spectatrices et spectateurs qui, comme vous, ont décidé de se prêter au jeu de l’argumentation. Cela vous paraît périlleux ? Avec un peu de caféine et de bonne ambiance, cela deviendra une vraie partie de plaisir !Autour des spectacles 21 rue des Sources, sam 05/10Place, sam 07/12B.Traven, sam 08/02Un spectacle de RING, avril 2020La petite fille de Monsieur Linh, sam 16/05De 8h30 à 12h30Avec Manuel Piolat-Soleymat, auteur et critique dramatique au journal culturel La TerrasseTarifs : plein 65€ – réduit 50€Ouvert à tous à partir de 18 ans. Limité à 10 participants.Abonnement Critique obligatoire (cf. p.60)Ouverture des inscriptions en septembre


AVEC LES PUBLICSLever de rideau Avec ses visites programmées toute l’année, le Théâtre de la Manufacture n’aura plus aucun secret pour vous !Gratuit – sur demande à partir de 8 personnes

Comme à la maison Vous souhaitez en savoir plus sur les spectacles de la saison mais vous n’avez pas le temps de vous déplacer ? Invitez-nous chez vous ! Gratuit – sur demande à partir de 8 personnes

ENSEIGNANTS DU SECONDAIRE ET DU SUPÉRIEUR, ÉTUDIANTS, ÉDUCATEURS, ANIMATEURS, RESPONSABLES DE GROUPES Nous sommes à votre disposition toute l’année pour imaginer et construire ensemble des parcours de spectateurs en fonction de vos projets : visites, rencontres, présentation de saison, répétitions publiques, ateliers de pratiques, dossiers pédagogiques, apéros avec un artiste... autant de rendez-vous possibles autour des spectacles de la saison.

Vous bénéficiez de tarifs privilégiés et de places réservées !

LES JEUNES SUR LES PLANCHES DU THÉÂTRE DE LA MANUFACTURE Spectacles, lectures, déambulations, stages... les élèves des ateliers et options théâtre partenaires et les étudiants de l’Université de Lorraine, de SciencesPo, campus de Nancy et du Conservatoire régional du Grand Nancy s’emparent du théâtre à l’occasion des temps forts jeunesse : la rentrée des options théâtre en septembre 2019, Le Plateau est à nous ! #4 en janvier 2020 à l’occasion de la Nuit de la lecture et La Mousson d’Hiver en mars 2020.

ÉDUCATION ARTISTIQUE ET CULTURELLE - EAC PROJETS « PASSERELLES » Projets fédérateurs entre le primaire, le secondaire et l’enseignement supérieur. En partenariat avec la DAAC de l’Académie Nancy-Metz et la DRAC Grand Est, des projets interdisciplinaires et inter-établissements sont proposés chaque saison autour des créations et des démarches des artistes associé(e)s.

THEATRE ET LANGUESEn 19/20, nous poursuivons notre engagement auprès du public allophone en proposant à des adultes et des jeunes de compléter leur apprentissage du français grâce à la pratique théâtrale. Le projet « Théâtre et Langues » réunit la compagnie La Mue/tte et l’auteur Benoît Fourchard.

YOUNG RINGDans le cadre du festival RING - éditions 2018 & 2020, des laboratoires composés d’élèves du primaire, secondaire et du supérieur sont accompagnés par la Cie Les Particules : les participants tentent ainsi d’apporter par l’art et le numérique, des éléments de réponses et d’hypothèses aux enjeux des mutations liées aux progrès scientifiques.

PARTENAIRES Cité scolaire Frédéric Chopin de NancyEnsemble Charles de Foucauld de NancyInstitut St Dominique de NancyLycée Majorelle de Toul, Lycée Loritz de NancyLycée Marie Marvingt de TomblaineAlliance Artem, INRIA-LORIA, CNRS-CRPG


TARIFS ET ABONNEMENTS SAISON 2019-2020

1/ Hors abonnement, Abonnés, groupe (plus de 10 personnes), CE (inter C.E.A, Atoll, Cezam, CCAS, SGDL, CAES CNRS, MAIF, Amical du CHU de Nancy, MGEN), + de 65 ans, place adulte supplémentaire à l’abonnement Manufacture. Structures partenaires : CCN – Ballet de Lorraine, CCAM - Scène nationale de Vandœuvre-lès-Nancy, cinéma Caméo à Nancy, NEST Théâtre- CDN de Thionville-Lorraine, Théâtre du Peuple de Bussang, la Méridienne-Théâtre de Lunéville, Trait d’Union à Neufchâteau, Scènes Vosges, Centre Culturel Jean L’Hôte, FRAC Lorraine à Metz, Carte LAC, ACB-Scène nationale de Bar-le-Duc, Festival Passages

2/ -27 ans, Carte Jeunes Nancy Culture, demandeurs d’emploi, bénéficiaires des minima sociaux, intermittents du spectacle

3/ Abonnés, Groupe (Plus de 8 personnes), CE, plus de 65 ans

TARIFS SPÉCIAUX

SPECTACLES

Cyrano À l’Espace Chaudeau

25€ / 19€3 / 9€2

La petite fille de Monsieur Linh À l’Ensemble Poirel

1re cat : 25€ / 19€3 / 12€2

2e cat : 22€ / 17€3 / 9€2

KIT RING3 spectacles RING au choix

(Le choix des spectacles se fait en janvier 2020)

36€ avant le 31 août

42€ ensuite

NANCY JAZZ PULSATIONS de 18€ à 23€ selon le concert

(cf p.52)

Abonnement 3 concerts 45€Places non numérotées

NJP SESSIONS @LA MANUFACTURE

Jeudi 23 janvier Jeudi 19 mars Samedi 4 avril

Jeudi 28 mai Tarifs communiqués ultérieurement

Plein tarif . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 22€ Tarif réduit1 . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 17€Tarif jeune2 . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .9€Professionnels, Compagnies de théâtre . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .9€Carte Jeunes Nancy Culture (au lieu de 9€ sur 1 spectacle de la saison) . . . . . . .7€

Abonnez-vous !Achetez vos places en abonnement tout au long de la saison (dans la limite des places disponibles)

LES AVANTAGES ABONNÉS Réservation prioritaire • Tarifs réduits pour les spectacles du Théâtre ainsi que pour les concerts Nancy Jazz Pulsations à la Manufacture • Avantages tarifaires dans de nombreuses structures culturelles de la Région1.

Abonnement 18 spectaclesPlein tarif 206€ / Avant le 31 août 188€ / Tarif jeune2 108€

Abonnement 5+ (à partir de 5 spectacles)

Plein tarif 15€ la place / Tarif réduit3 13€ la place / Tarif Jeune2 6€ la place Et pour Cyrano et La petite fille de Monsieur Linh 18€ la place

Abonnement 5+ groupeÀ partir de 8 personnes, devenez relais du Théâtre de la Manufacture !Vous aimez aller au théâtre en famille, avec des amis, avec des collègues de travail ? Réunissez 7 personnes et abonnez-vous en groupe (chaque personne pouvant choisir son propre parcours). Regroupez les formulaires, déposez-les à la billetterie.

Abonnement 3 spectacles = 21€scolaires, étudiants, jeunes, demandeurs d’emploi 3 spectacles au choix, 7€ la place.

Abonnements Clé en main = 51€ ou 55€Plusieurs sélections de 3 spectacles

➢Abonnement critique (5 spectacles) Plein tarif 75€ / Tarif réduit2 33€ 21 rue des Sources, Place, B. Traven, 1 spectacle de RING, La petite fille de Monsieur Linh

1

2

3

5

4

Pour les spectacles programmés en octobre et en novembre, vente à l’unité : 1 mois avant la première représentation du spectacle choisi. Pour tous les autres spectacles : à partir du 4 novembre

(2e cat pour M. Linh)


NOS PARTENAIRES SAISON 2019-2020

LE THÉÂTRE DE LA MANUFACTURE REMERCIE POUR LEUR SOUTIENLES PARTENAIRES INSTITUTIONNELS

LES ENTREPRISES PARTENAIRES

LES PARTENAIRES DE L'ÉDUCATION

LES STRUCTURES PARTENAIRES

LES PARTENAIRES EUROPÉENS

Le réseau paneuropéen de théâtres publics !La Convention Théâtrale Européenne (CTE) est un réseau européen de théâtres publics créé en 1988 pour promouvoir les écritures dramatiques contemporaines, soutenir la mobilité des artistes et développer les échanges artistiques, et qui organise des débats et des confrontations à travers et au-delà de l’Europe. La CTE est devenue le plus important réseau paneuropéen de ce genre. Elle représente plus de 40 théâtres dans 25 pays, 8 millions de spectateurs, plus de 11.000 personnes embauchées et déclarées par les théâtres membres, des milliers d’artistes dans plus de 20 pays, et plus de 16.000 représentations et manifestations publiques annuelles. La Manufacture est membre de la CTE depuis octobre 2013. www.etc-cte.org

direction michel didym – - théâtre de la manufacture · de la manufacture de 18h à 23h - 5€...

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