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organización

Asociación Kole, Kolektibo Lektibo

convocatoria

Departamento de Arquitectura

Universidad del País Vasco

catedrático

Alberto Ustarroz

profesoresJuanjo ArrizabalagaUla IruretagoienaIbon SalaberriaMario SangalliÍñigo Viar

diseño y maquetaciónMaría Yáñez

Depósito legal: SS-1101-2010ISBN: 978-84-935841-4-6Editorial MillakaImprime: Lankorpe Digital

San Sebastián, Agosto de 2010

Taller de Procesos CreativosPrimera edición. Octubre-Diciembre 2009

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Alberto Sinpatrón (Bilbao). Sinpatron es una firma de moda para hombre y mujer que comenzó su andadura de manera autodidacta hace cinco años con un trabajo que se ha caracterizado por la experimentación en torno a aspectos formales y materiales, y en el que ha preva-lecido lo artesanal a la producción seriada de prendas. Hasta la fecha ha desarrollado su labor presentando dos colecciones cada año en diferentes pasarelas; Pasarela Ego de Cibeles (Madrid), Modorrra ( Bilbao), Iqons (Barce-lona), Pasarela abierta (Murcia), Pasarela South (Cádiz), alzándose con el premio al mejor diseñador en el Festival Internacional de Benicassim (2006) y a la mejor colección masculina en el certamen de Creamoda (Barakaldo, 2007). Entre sus obras más recientes se encuentra la colección singenero ss10 y la exposición colectiva Miedo y Moda, para 90 grados (Donostia).

Alberto Sinpatrón

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El modelaje es una técnica que utilizo para construir. El tejido, que es la materia prima con la que trabajo, lo desplazo al maniquí, y dentro de ese maniquí, estudiando el tejido, qué calidades, cualida-des y características específicas tiene, comienzo a investigar con él. Es como modelar por encima del cuerpo. Así produzco piezas úni-cas, que al no estar patronadas, no hay ningún plano técnico para poder reproducirlo en serie.

Por otro lado, también trabajo partiendo de piezas terminadas, las cuales deconstruyo, quitán-doles las costuras, y así obtengo el patrón inicial. Sería como hacer una maqueta, y a partir de ella, que es algo meramente artístico y estético, pasar a los planos, para poder reproducirlo.

Me lancé en este mundo porque siempre me ha gustado meterme donde no me llaman. Me propusieron participar en la pri-mera pasarela, me gustó, me picó el gusanillo y así he continuado durante estos cinco años.

El hecho de ser autodidacta y no tener ninguna referencia académi-ca anterior, aporta una frescura y una visión diferente de las cosas.

El nombre de Sinpatron viene a ser como una declaración de principios. Como no he estudiado patronaje ni corte y confección, todo lo realizo sobre el maniquí, todo es realizado sin patronaje y todo queda en torno a la figura del cuerpo humano. Intento recu-brir, crear un esqueleto externo, para generar una nueva silueta en torno a lo que es el cuerpo.

Forma de trabajo

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En mi caso tampoco me interesa mucho esa variante, porque siem-pre trabajo con piezas únicas con las que intento reírme un poco de todo lo que es el mercado de la moda actual: grandes produc-ciones que uniformizan a todo el mundo, que hacen que vayamos todos iguales como cromos.

Por eso intento potenciar esa idea del atelier antiguo en el cual la modista estaba más presente y podía ser esa pieza única la que te diferenciase un poco del resto.

Por otro lado, a parte del mode-laje, tengo otra forma de trabajo alternativa y complementaria a ésta, más brutalista. Consiste en coger el tejido directamente sobre una mesa de trabajo, y me-terle la tijera sin pensar. Dejando la mente en blanco y buscando

un volumen, metiéndole pinzas, cortando por lo sano y, una vez cosido, obtengo un producto que suele ser una masa informe, una mezcla de arrugas y de volúmenes. Este tejido manipulado, lo trasla-do al maniquí y sobre él configuro la prenda final.

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Es el caso de esta pieza [1] . Las mangas estaban realizadas con un tejido que planteé directamente sobre la mesa, le realicé todos estos cortes que son pequeñas pinzas, pequeños triángulos, al juntarlos generan todo el volumen que después integré en el maniquí para poder realizar la prenda.

Luego hay que meter las clásicas cosas como el puño, los cierres... Pero en este caso, la manga está generada de esa manera, traba-jando el tejido, trasladándolo al maniquí, y modelando el cuerpo sobre él.

Esta técnica se podría llamar de "prueba y error". Hay veces que generas proyectos que son invia-bles, pero otras veces también te sorprendes con el resultado. Por eso, muchas veces, si partimos de la base académica y cerrada nos estamos limitando mucho.

En moda hay unos cuantos caminos muy marcados de lo que se supone que puedes llevar. El típico este-reotipo de la falda para la mujer

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y el pantalón para el hombre. Estamos tratando de desmontar este cliché.

En cuanto a la construcción, exis-ten también tabúes de lo que se puede y lo que no se puede hacer. La manga es la manga y tiene que tener una estructura, porque si no, en la escuela de corte y con-fección no lo van a dar por válido. Pero realmente se puede hacer.

Tampoco hay que cerrarse siempre al camino marcado. Muchas veces el salir un poco de ese camino sin desviarte del todo para probar las cosas es agradecido, porque ahí sí que te das cuenta de que estás creando algo. De otra

manera tienes unas referencias, tienes muchas cosas en la cabeza y a lo mejor, ese producto que piensas que es tuyo está dema-siado prostituido.

Se trata simplemente de no cor-tarse a la hora de intentar hacer algo. Partir de una línea y hacer un garabato, y ver a qué te suena ese garabato. Coger una tela y arrugarla, y hacer un par de nudos, ver qué has producido ahí, y así comprobar si esa forma te serviría para realizar otra cosa.

A la hora de crear, si quieres hacer una chaqueta y en la cabeza tienes la imagen de una chaqueta, de Zara, de Gucci o de Gaultier,

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esa idea de por sí ya esta pre-concebida, ya tiene cierto grado de prostitución. Dejar la mente en blanco y partir de cero, del tejido, es algo que en mi caso funciona.

No hay que tener miedo a dejarse llevar por lo que son los materia-les, el tacto de las cosas.

Yo también juego mucho con los tejidos. No me limito a que un tejido sea específico para un género. Por ejemplo, he realizado una chaqueta [2] con el forro interior que se utiliza para hacer maletas. Es un forro transpirable, muy ligero, muy liviano, y que fun-ciona de repente para hacer una chaqueta.

Un ejemplo para entender lo que te puede contar el tejido, es un vestido [3 y 4] que hice con un paracaídas de los años 50, que en esa época se hacían de seda. En este caso se parte de algo que es un tejido manufacturado, un para-caídas que calló en mis manos. Te enfrentas a realizar una prenda con algo que ya de por sí tiene un

Todas estas imágenes de la firma son ideas en bruto de lo que yo quie-ro transmitir. Estamos del lado artístico y si se quiere llevar a un lado más comercial habría que rebajar siluetas, formalizarlo un poquito, porque si no son pren-das bastante complejas para llevar.

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handicap, no es un tejido al uso.

Lo que hice fue utilizar todas las correas del paracaídas, las correas donde va sujeto luego el individuo. Todo esto es lo que ha generado luego el corsé, con las ranuras donde van las cuer-das. Las mismas cuerdas las he utilizado para prolongar un poco más la manga y los remates son los remate propios de lo que es la pieza.

Al hacer la falda, de repente me di cuenta de que un paracaídas tiene un canal por donde va la cuerda y si tiras de la cuerda se frunce. Así obtuve una prenda que apa-rentemente es muy elaborada y luego es tan sencillo como un paracaídas fruncido, aunque luego lleva todo un trabajo detrás.

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Otro ejemplo de reutilización de materiales ajenos al mundo de la moda, sería esta otra chaqueta [5], trabajada con lona. Me gusta mucho jugar a quitar los tabúes que hay establecidos. La loneta es un tejido barato, rústico, que se utiliza para hacer pantalones de trabajo, y sin embargo despresti-giado para otros usos más nobles. De repente generas una pieza que cualquier otra persona pensaría en hacerla en seda, pero lo haces en lona, funciona y además le es-tás otorgando un carácter nuevo.

Al final, todo esto es una manera lúdica de quitarle un poco de responsabilidad al mun-do de la moda, un mundo lleno de preten-siones.

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Recuerdo que hace dos años en pasarela eran todo siluetas en triángulo, inversas y salían todas las chicas con unas hombreras increíbles y quise ir más allá para reírme un poco de todo esto. Hace seis años parecía que los 80 era una cosa que nunca tuvo que existir y de repente ahora todos estamos encantados con este estilo. Con algunas prendas he querido reírme de las hombreras y generar una armadura, como si de un segundo esqueleto se tratase. Propuse unas "megahombreras" a modo de accesorio, una pieza ex-terna a lo que es el vestido. El ac-cesorio es una pieza de pasarela y el vestido puede comercializarse. En pasarela siempre le das ese toque para que llame la atención de los fotógrafos y el público.

En ningún momento intento mos-trar lo que se tiene o no se tiene que llevar, lo que está de moda, o lo que deja de estar de moda. Yo soy el primero que dice que todo lo que está de moda es lo primero en pasar de moda.

Todo lo que está de moda es lo primero en pasar de moda.

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Muchas veces es mejor llevar un camino paralelo pero un poco desvinculado, para crear una línea personal. A lo mejor ello dificulta el comienzo del reconocimiento, pero así tienes un público obje-tivo y pequeño al que le gusta lo que haces, y al final, este público es mucho más fiel que si estás jugando a hacer grandes cosas para las grandes masas.

En esta última colección he utili-zado tejidos que no son propios de la moda. Esta prenda [6], por ejemplo, está hecha con la típica manta zamorana, la que se utiliza en la mesa camilla, con flecos y con el braserito por debajo. Son tejidos de los años cuarenta, que tenían una rigidez increíble y que ya de por sí llevaban un trabajo de pasamanería muy elaborada. Además eran redondos, con lo cual si lo cortas a lo largo, al ponerlo en recto tiene una caída especial.

Intento crear siempre algo personal que me defina y ser fiel a eso que se denomina es-tilo.

Partes de algo que no es lo clásico, o que no es la base con la que se supo-ne que tienes que partir, pero el re-sultado final es una prenda.

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En la pieza de la imagen [7] se puede entender lo que es el trabajar a partir de una base que no sea la formal. La camiseta de la imagen está compuesta de los retales que sobraron del resto de las piezas. Hice seis piezas y de repente tenía en el taller unas tiras largas, otras cortas, unos triángulos, y me limité a hacer un puzzle, un patchwork.

Estas otras piezas [8] están he-chas con manteles típicos vascos, confeccionados de hilo de algodón. Parto de algo que tampoco es nada lógico. Se trata de moverte por otras zonas, que se supone que no son las adecuadas de lo que es el mundo de la moda. En vez de ir a la mercería y la tienda de ropa, mis lugares de inspiración son los rastros o incluso las ferreterías, donde encuentro accesorios que trabajados ofrecen un resultado que muchas veces te sorprende.

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[8]

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Dentro de vuestra cabeza podéis extrapolar en cierto modo y pen-sar que podéis trabajar y jugar a hacer lo mismo pero con otros materiales.

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En este caso [9] también jugué con la iconografía vasca, los pañuelos de arrantzale llevados a una blusa. Algo que se supone que tampoco es el fin último del pañuelo. Se trata de plantear un par de dificultades para que el re-sultado final pueda enriquecerse.

Algo recurrente en mi trabajo es que intento quitar esa presencia de modelo a los géneros. Me gusta mucho romper la barrera invisible entre el armario masculino y el armario femenino. Para eso inten-to eliminar siempre la identidad, a través de máscaras y extrapolan-do prendas de un armario al otro. La falda, por ejemplo, no entiende de géneros, es una prenda. Lle-vada a cualquiera de los cuerpos y trabajada sobre ese cuerpo, la falda puede ser tan masculina, como un pantalón puede ser tan femenino en una mujer.

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En este caso [10] lo que intentaba era jugar con el tejido. Un vestido transparente, tecnológico. Tam-bién la tecnología me ofrece un abanico de posibilidades con las que puedo jugar.

En una época en la que los tejidos se han visto enriquecidos con un montón de nuevos materiales: resinas, metales, poliuretanos. Materiales que se utilizan de cara a algo que antes era simplemente algodón, lino, seda.

En esta colección juego mucho, tanto con las mallas como con la imagen y todo lo que rodea al mo-vimiento pandillero, con grandes collares, trabajando con tijeras, soldándolas para generar collares muy "macarras" [11]. Las tijeras abiertas están relacionadas con la mala suerte y trataba de rom-per con esta superstición.

[10] [11]

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Esta prenda [12] tiene un toque de juglar, del Medievo. Está bien tener presente lo que han sido las referencias clásicas para poder extrapolarlas al presente. No tener referencias de hace dos telediarios, porque al final lo que estás haciendo con eso es copiar algo que esta todavía ahí.

En esta colección plasmé un poco las características de la Edad Media, esos trajes abullonados con tejido impermeable. El mate-rial da una prestancia y aunque en foto parece que es un tejido muy noble, en realidad es un plástico. Le estás otorgando un peso y un poder, que algunos tejidos, si no son nobles, no tienen.

El primero que tiene que estar contento con lo que hace es uno mismo. Si haces el trabajo para los demás, mejor montas una charcutería y cortas jamón de York fino, que al final no te da quebraderos de cabeza. Pero si estás haciendo algo que es creativo, te debe gustar a tí. Que cuando lo hagas, cuando lo veas, te sientas satisfecho.

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En esta prenda [13] el cuello está hecho con nudos. Me hubiese gus-tado aprender a hacer punto pero hasta que he aprendido, hacía nudos.

Es una pieza que pesa bastante, pero como pieza también tiene su valía dentro de la pasarela.

La iconografía de las tijeras es-taba muy presente en la colección.

Muchas veces tampoco hay que

estar cerrado al resultado final que buscas, porque yo en mi caso hay veces que igual empiezo algo con la intención de que salga una falda y acabo haciendo un vestido, o quiero hacer una camisa y acabo haciendo un pantalón.

En el momento en el que estás trabajando cuanto menos presen-te tengas cuál quieres que sea el resultado, muchas veces es más agradecido el proceso de trabajo y mucho más entretenido.

[13]

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Escenificación

Parece que en moda sólo puedes presentar las cosas en pasarela o en editoriales. Y de repente te planteas que también puedes hacer un cortometraje, o puedes hacer una presentación urbana a modo de guerrilla como juntar veinte personas vestidos de Sinpatron en la estación de au-tobuses y que la gente se quede alucinando. Hay muchas maneras que son igual de válidas pero que no suelen ser rivales. Además, pasarelas hay muy pocas y dise-ñadores hay muchos, así que no hay sitio para todos. Por eso son necesarios otros ámbitos donde mostrar tu trabajo.

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En la colección Sinfolklore nos valemos de la escenificación para conseguir la imagen que se quiere transmitir y dotarle de cierta presencia. Nos servimos de una especie de telón para hacer una pequeña estampa casi pseudo-navideña pero un poco anárquica, con ese fondo detrás que son símbolos de una religión rarísima que encontramos en el google, o sea que al final tiramos también de las mismas bases.

La gente todo lo disfraza con la idea del concepto y al final se tra-ta de hacer las cosas, preocupán-dote más de hacer que de vender la moto. Es más bonito hacer, es más entretenido, más divertido, y sobre todo más enriquecedor que estar preocupándose en cómo luego venderlo. Es más arriesgado y también muchas veces más es-tresante porque estas desnudán-dote de cara al resto, pero luego es mucho más gratificante.

Sinfolklore

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Esta colección es de hace tres años. Creé un grupo ficticio de música. Hice los estilismos para diferentes escenas, e incluso fotos ficticias del tour como si estuvieran tocando en algún lugar con instrumentos de madera. La actitud de esa imagen que tene-mos de los grupos fast food que fabrican ahora, que de la noche a la mañana generan un personaje que a lo mejor no sabe ni tocar ni cantar. Quise burlarme de todo

esto. No quiero que parezca que estoy por encima de todo, sino que simplemente me apetece tratarlo desde el punto de vista de la iro-nía.

Sintrampanipatrón

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La presentación de la colección Sinatracción se hizo mediante la creación de un cortometraje.

El espacio en si era el parque de atracciones abandonado de Ar-txanda que lleva unos veinte años cerrado. La colección se llamaba sinatracción. Fuimos allí con todos estos personajes ficticios, que yo generé como si fueran personajes que vivían allí en ese mundo ol-vidado, como si hubiesen cerrado

Sinatracción

el parque pero ellos se hubiesen quedado encerrados.

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El desfile de El monstruo sin lago, era otro mundo surrealista que yo había imaginado. Era el típico monstruo de "serie z" que vivía en su lago y que disfrutaba los días pasando entre los tobillos de las nadadoras. Entonces de repente llega la urbanización, le sacan del lago y el pobre se tiene que venir a la ciudad.

Es una manera también de poner-te pequeñas metas, o pequeños cuentos para poder luego tradu-cirlos a ropa. Muchas veces no in-tento seguir un hilo conductor con las prendas. Cuando tengo una co-lección que son treinta piezas, no intento aplicar siempre las mismas doctrinas para las treinta piezas, sino que sea el propio proceso, el que al final otorgue una identidad única a todas esas piezas. Es de-cir, que sea la propia motivación personal en ese momento la que defina el resultado final, y que el compendio, tenga cierta coheren-cia unificante.

El monstruo sin lago

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La obra para pasarela está más cerca de lo artístico que de lo comercial.

En moda hay un trabajo posterior: las editoriales y colaboraciones. La mayoría de estas piezas no están a la venta.

Me sirven o bien para llevar luego a editoriales para fotografiarlas y que salgan en medios o en prensa, o colaboraciones con diferentes artistas, tanto con grupos musi-cales como artistas que quieren hacer una performance. También me sirven, por ejemplo si un clien-te quiere una pieza en concreto, para tener una base sobre la que luego trabajar.

En mi caso muchas veces el "mo-mento pasarela" se limita a lo que es la pasarela, que es la creación de imagen. La mayoría de los diseños queda en pasarela, salvo algunas prendas específicas, que se intercalan para que luego vayan a tienda.

Yo tengo tres líneas: Sinpatron atelier, para pasarela. A nivel de encargos, puede venir gente para algún teatro, alguna ópera, o una cosa muy concreta. Otra línea es Sinpatron series, pequeñas series de prendas un poco complejas y limitadas a 20 piezas, todas nu-meradas, para otorgar ese grado de pieza única. Por último está la línea Sinpa, que es la más econó-mica, de productos más sencillos. Lo de Sinpa también es porque si compráis una de estas prendas tenéis la posibilidad de que alguna

¿Qué pasa con la colección después de la pasarela?

FAQ

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de vez en cuando os salga gratis, hagáis un "sinpa" y tengáis el Sinpatron por la cara.

El desfile es como el final del em-budo de un trabajo que dura seis meses. La moda es de las pocas disciplinas que está ligada a un

calendario. Cada x tiempo tienes que presentar una colección. Este ritmo quema bastante.

Puedes tener colecciones con las que tienes mucha afinidad, y otras colecciones que has tenido que ha-cer porque faltan dos meses para presentarla y llega el invierno y tienes que presentar otra vez. Es algo que yo no entiendo, que una temporada se lleve un color y a la siguiente temporada ya no.

Esta situación es la gran dictadura de la moda y yo por ejemplo no soy partícipe, porque muchas veces lo que consiguen es disfrazar a la gente.

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Yo suelo trabajar con ideas que se pueden deducir pero no dibu-jadas. Muchas veces los figurines los hago porque no me queda más opción. Para presentar a pasarela te piden figurines o piezas ya aca-badas. Entonces ahí si que tienes que hacer el figurín, pero en mi caso por ejemplo, viene posterior a la prenda. Yo hago la prenda, y luego, con esa prenda ya acabada, lo transcribo en un dibujo.

No se trata del figurín entendido como tal, que se traslada a la patronista y esa patronista lo trabaja, lo lleva a un patrón y luego una costurera lo hace. De hecho, la mayoría de las cosas que saco a pasarela las coso yo, no hay terceras personas que intervengan en el proceso.

Siempre hemos concebido la moda como dibujar primero y coser después. En cambio, lo que has contado es casi lo contrario. ¿Sueles traba-jar también con los clásicos figurines?

Todo este trabajo en que co-ses y lo trasladas al maniquí. Cuando quieres hacer una chaqueta, ¿cómo conservas la libertad?

Cuando empiezas una pieza y la-llevas al maniquí, está claro que tienes la intención de hacer una prenda específica, pero no te cie-rras en banda a que de repente te salga otra cosa. La mayoría de las veces que quiero hacer una cha-queta me sale una chaqueta. Pero sí que hay veces que ves que como chaqueta puede que funcione, pero a lo mejor de repente des-cubro posibilidades para que se convierta en una mochila. No hay que cerrarse en banda. Se trata de partir de algo que no sea lo es-tablecido, la manga por un lado, el delantero, el trasero... El patrón viene a ser como los planos que manejáis en arquitectura.

Con los patrones es todavía peor, porque están como en un limbo del mundo de los patrones, la gen-te los coge y los modifica. Estás partiendo de algo que ya existe,

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¿Cómo se llega a una pas-arela?

Hay un mundo paralelo que es el de las tendencias, que buscan un poco lo que se lleva en la calle, pero no se inventan nada. Y por otro lado está la labor comercial. Se intenta generar una necesidad, porque estamos hablando de un mundo que es un negocio.

Yo creo que uno tiene que llevar lo que uno cree que le sienta bien y sobre todo lo que te diferencie. Las "tendencias" uniforman, crean un uniforme para todos, y yo creo que la ropa es una de las expre-

siones artísticas más evidentes que hay. Estás mostrando lo que es tu personalidad, cuál es tu estado de ánimo, cuáles son tus gustos. Es como una pequeña galería de arte andante.

Con esta forma de decirte lo que tienes que llevar, intentan qui-tarte esa libertad de elegir y de ponerte lo que quieras.

tampoco llegas a innovar de un modo muy real. De la otra manera, luego, desmontando la pieza po-drías sacar el patrón. Hay piezas que es imposible desmontarlas, pero sí que algunas piezas hemos conseguido traducirlas a un papel y luego reproducirlas en series pequeñas.

¿De dónde sale "lo que se va a llevar"? Porque parace que sale del aire y todos los expertos saben que va a ser así.

Cuando yo empecé no tenía claro que me quería dedicar ni al mundo de la moda, y aún menos preten-siones de ir a Cibeles.

Hay mucha gente que se mete en el mundo de la moda por cuestio-nes equivocadas. Si vas sin esa pretensión y sobre todo haciendo algo muy personal, una cosa te lleva a la otra.

Yo por ejemplo empecé en Modorra que es una pasarela que se hacía en Bilbao y de ahí presenté en Vi-

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toria, en Artium. Después me fui a la Pasarela Abierta de Murcia. De ahí a la pasarela South de Cádiz. Todo esto presentando dossieres y llamando a las puertas, que unos te cerraban, otros te abrían y otros directamente te llamaban.

También fui a Benicassim, en el FIB, que hacen una pasarela. Esta pasarela fue un pelotazo porque me llevé el premio al mejor diseñador. Y después de eso, me llamaron para Cibeles. Pero yo no iba enfocado a eso.

Yo creo que al final una cosa te va llevando a la otra. Y Cibeles tampoco es el fin último.

En el estado está muy mal plan-teado respecto a cómo se trabaja la moda a nivel europeo.

La moda en España se considera que es algo que se ofrece a la gente cada seis meses. Al dise-ñador no se le ayuda a continuar. Cibeles da cabida a muy pocos. La última vez que estuve éramos algo más de cincuenta diseñadores. De esos cincuenta, dieciséis entran dentro de lo que son los jóvenes diseñadores. El resto son dise-ñadores como Ángel Schlesser, Vittorio y Lucchino... Toda esta gente lleva muchos años haciendo moda y tiene una perpetuidad.

A nivel europeo sí que se trabaja más de cara a apoyar al joven creador. La Fashion Week en Lon-dres, en París o en Berlin, pero aquí, a nivel estatal la verdad es que no hay nada parecido. De hecho, en Cibeles, si eres joven

¿Después de haber desfilado en Cibeles, es más fácil pre-sentar en otras temporadas?

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diseñador sólo puedes desfilar cuatro veces.

Tu idea de la moda parece que consiste no tanto en diri-girla, sino en enseñar lo que puede ser la moda.

Eso es. Para mi, una colección es continuación de lo anterior. No intento hacerlo de una manera rupturista e intentar cerrar las puertas a que lo anterior sea totalmente válido. De hecho, para editoriales me piden prendas de hace tres o cuatro temporadas que para mí también es un pe-queño orgullo porque no las ven que están anquilosadas en un determinado momento. Y además intento ironizar con la forma de trabajar en la pasarela como algo que es cercano al espectáculo, cercano a generar sentimientos, porque si no, es una tienda.

Las diferentes disciplinas artísti-cas están ahí para relacionarse, por eso intento seguir esta va-riante más artística que comercial.

Al final salen colaboraciones a nivel de danza o de performance, cosas que a lo mejor si fuesen cosas más clásicas y más patro-nadas no saldrían. Yo entiendo la pasarela y la moda en general como algo que tiene que despertar un sentimiento. Si te gusta real-mente ver desde ese otro punto de vista artístico, no te vas a limitar a lo que se supone que son los escenarios específicos de lo que es la moda: pasarela y edi-torial. Un cortometraje se puede mover incluso más que presentar en una pasarela.

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Estoy un poco entre las dos aguas, pero me aprovecho del circuito de la moda porque en principio tenía muy claro que era una de las formas de expresión más directas que tenemos.

Por otro lado, el tema de las piezas únicas es por reivindicar un poco la no uniformidad. El hecho de que hasta hace cuarenta años ha-bía modistas y hoy no, cuando la gente buscaba un poco definirse y diferenciarse mediante la ropa.

Parece que más que traba-jar en la moda , trabajas al margen de ella. Quizás es una cuestión más creativa. Son piezas únicas, una pieza única es más una escultura, está mas cercano a la crea-cion o al mundo del arte que al de la moda , donde se trata de crear un patrón que poda-mos repetir y vender cuanto más mejor.

Hoy en día no tenemos esa nece-sidad o esa búsqueda de diferen-ciarnos del resto y entiendo que la pasarela en sí debería darle cabida. Es un trabajo artesanal, se acerca más a una salida para la creatividad que intentar crear una tendencia.

”

kolektibolektibo.blogspot.com

Esta publicación se ha realizado con fines didácticos y sin ánimo de lucro.

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