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ARTE BRASILEÑA CONTEMPORÁNEA

Febrero, 2012Año 2

Edición 4

CUATRO

© © Todas las obras contenidas en la revista son propiedad de sus respectivos artistas y su publicación fue autorizada únicamente para la revista Sabiá. No se permite usar las imágenes para otros fines. Si está interesado, póngase en contacto con el artista.

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Derlon Almeida

Eduardo Taborda

Gabriela Camerotti

Guilherme Marques “Guma”

Leonardo Mathias

Ninhol

Rafael Hoffmann Maurilio

Rogério Miranda

Sandra Javera

Studio Makkink & Bey

Fundador y curador: Jonathas MelloEdición de texto: Luisa FreyProducción y textos: Vitor Vieira de OliveiraIlustración de la portada: Ninhol

Nació y vive en Recife, PE

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DerlonAlmeida En busca de una identidad, Derlon Almeida comenzó a

investigar la xilografía y la street art. Desarrollò trabajos que mezclan esos dos géneros de arte popular, creando un nuevo proyecto de lenguaje contemporáneo. En sus obras, crea una simbiosis integrando elementos del graffiti – que practica desde la adolescencia – y carteles en xilografía, uno de los principales medios de comunicación impresa de la cultura popular.

Nació y vive en Porto Alegre, RS

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Eduardo Taborda dibuja desde la infancia, como una alternativa de entretenimiento por no tener muchos amigos y haber crecido de forma bastante “hermética”.Su trabajo pretende ser un diagnóstico de las distancias, profundidades, ilusiones y de cómo un objeto se debe profundizar hasta transformarse en un símbolo.“El orden simbólico es algo que me atrae, porque creando o utilizando la construcción de simbolismos soy capaz de establecer una zona flexible en el espacio-tiempo de la mirada de un espectador”, dice.

“La atmósfera de la serie de dibujos en las próximas páginas es creada por la materia oscura, que he llamado “Brea” – en analogía con la idea de asfalto o betún fundido, es decir, la pasta negra compuesta de átomos de misterio. No sabemos lo que es. Recuerdo haber oído un monje decir que intentar entender lo que está más allá de la comprensión de nuestros cinco sentidos es como tratar de ir a la luna en una carreta de bueyes. Creo que el arte es eso: sentir a través de un sentido más tenue, comprender de una manera mística.En japonés, la pronunciación de la palabra que se refiere a “brea” es “pitchi”, que también significa paso. En Latin, “breu” significa algo corto, efímero. Brea se refiere a la nueva serie de dibujos que estoy produciendo, los que enfocan el misterio, la llamada materia oscura en el espectro astronómico, los elementos que los cinco sentidos no captan y también la sombra oscura de la ignorancia.”

EduardoTabordawww.flickr.com/lantejoulas

Despliegue/Sube y BajaTinta sobre papel

El lustrabotasTinta sobre papel

Vialacta MucamaTinta sobre papel

Uranium bilboquêTinta sobre papel

Huesos de mielTinta sobre papel

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Nació y vive en São Paulo, SP

GabrielaCamerotti

www.gabrielacamerotti.com

Gabriela Camerotti comenzó a tomar fotografías de amigos con una cámara digital cualquiera – sin pretensiones. Probó la Facultad de Lengua, siempre con la máquina alrededor. Fue entonces que las solicitudes de trabajo comenzaron a aparecer. Y no se han más detenido. Por el contrario, la vida de fotógrafa empezaba, y Gabriela cambió palabras por imágenes.A partir de ahí, el trabajo fue tomando forma, y Gabriela buscó en sus creaciones una nueva perspectiva a la fotografía de moda. “Es una búsqueda de la belleza en todo y todos, siempre retratando el mundo como me gustaría verlo”, dice.Chica de moda, inspirase de forma inconsciente en la mezcla de la locura surrealista de Tim Walker con el humor crudo de Jerry Witterson. La fotógrafa de 22 años le gusta escapar de la realidad, explorar parques y ciudades del campo y extrae su mejor obra de su principal fuente de inspiración: los días de lluvia y la vieja casa de la abuela.Las influencias y las perspectivas de la artista son “bien de la selva”, como la canción Animal, de Mike Snow, que habla del cambio para cada espacio de la vida cotidiana – aunque en el fondo, la forma final sea siempre salvaje. Pero el lado animal de Gabriela es muy suave. A través de sus clicks, ella captura el comienzo de una historia en cada foto y con tal premisa presenta este ensayo exclusivo a la Revista Sabiá.

Modelo: Lillian Barbieri

Nació y vive en São Paulo, SP www.guma.art.br

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Guilherme Marques, conocido como “Guma”, es aficionado a la anatomía humana, especialmente la brasileña y del noroeste del país. Pasaba horas en las inmediaciones de la Iglesia Parroquial de São Paulo – observando, deformando y destruyendo lo común con su bolígrafo Bic. Se convirtió en un asiduo visitante del sitio y transformó esa experiencia urbana en una de sus escuelas, así como el tiempo en que reproducía los riesgos y las ilustraciones de James Jean de la revista Playboy para mejorar sus trazos.A los 12 años, pensó no tener talento para el dibujo, pero nunca dejó de tratar de mejorar. La falta de confianza le hizo un profesional impulsivo.Obsesionado con el diseño, desde aquella edad dedica por lo menos cuatro horas al día para crear. “Hoy en día puedo llegar a dibujar 20 horas al día”, bromea.Guma ha ahorrado más de 20 cuadernos, con un mínimo de 300 hojas cada uno – llenos de dibujos con bolígrafo, “sin trampas, sin ctrl + z”. Sin embargo, no renuncia a la post-producción y edición de imágenes, así como a una gran cantidad de tinta china y acuarelas para completar las ilustraciones.El joven de São Paulo, a la edad de 24 años, toma el estado de ánimo momentáneo como la principal fuente de inspiración y, por producir todos los días, sus obras reflejan lo que está sintiendo constantemente.En 2009, el estado de ánimo ha dado lugar a una publicación – la Junto – con los amigos, algunos de la universidad. El proyecto creativo – hecho por colaboración y esporádico – fue diseñado y se lleva a cabo por el grupo Elefante, que está siempre buscando nuevas plataformas.

Guilherme Marques Guma

Retrato en floresBolígrafo Bic y Photoshop

Mujeres, pescados y plantasBolígrafo sobre papel Canson

El jugadorBolígrafo sobre papel Canson

Pasión allá de la imaginaciónGrafito rojo

CalangoGrafito y Photoshop

Tercera Edad ( Dama Aracy)Bolígrafo y tinta sobre papel

Tercera Edad ( Dama Mirian)Bolígrafo y tinta sobre papel

Stand Up Comedy Photoshop

AstronautaPhotoshop

DNAPhotoshop

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Nació y vive en São Paulo, SP

Leonardo Mathiasflickr.com/photos/leonardomathias

“Mi trabajo celebra la oscilación. Flexiona el nada partiendo de la deconstrucción expuesta. Reinventa sin ninguna pretensión de originalidad. Mi trabajo consiste en el ejercicio de la recombinación de los elementos presentes en el caos. Es el descubrimiento incontinente, la constante transición y el silencio abrumador entre los dientes.”

Esa es sólo una de varias maneras como Leonardo Mathias ve a sí mismo. Desertor del campo de la arquitectura, el artista de 24 años nacido en São Paulo pecibió que el trabajo como diseñador de interiores era insuficiente y buscó otras formas de expresión. Leo se dedica más ampliamente a las artes ilustradas, pero también escribe desde que tenía 17 años y escribía sin grandes pretensiones. La literatura representa el mayor de sus influencias, incluyendo la filosofía de la superposición de máscaras Waly Salomão.Los “combustibles” de Leo, sin embargo, son el dibujo y la ilustración. Fue a través de ellos que se especializó en la realización de sus escritos con imágenes, cuando se dió cuenta de que las palabras no son suficientes. Fue en esa transferencia de los poemas para artes visuales que el diseñador fue descubierto como escritor por la editorial Patuá, que ha publicado su libro De pé.Apasionado por la mezcla de los medios de comunicación y las texturas, el artista combina tela, papel, dibujos a tinta con la transparencia, la acuarela o lo que parecer más interesante.Excéntrico, prefiere la gente vista a partir de la cintura para abajo, en buen estilo Michel Haneke o Muppet Babies. “Es en la cintura, en las piernas y en los pies que los secretos se mantienen.”

Pega!Técnica mixta

Secuencia horizontal de bañoTécnica mixta

Frestas e ocupações #02Técnica mixta

Nació en Olinda, PEVive en Fortaleza, CE

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Hijo de un “hombre de Pernambuco apasionado por el folclore”, Jamerson Lima, conocido como “Ninhol”, tiene un estilo particular. Él usa muchos colores y incluye en sus obras elementos de la cultura y del folclore del nordeste de Brasil.“Yo hablo, pero lo evito siempre que puedo”, bromea acerca de su timidez. La dificultad en el uso de palabras fue lo que lo motivó a usar dibujos para comunicarse. Nacido en la ciudad de Olinda, Pernambuco, hace 36 años, Ninhol ha estado dibujando desde que era niño – inicialmente en las puertas de la casa, en los muebles o en cualquier superficie disponible.Mismo en silencio, el chico ya tenía éxito con sus ilustraciones en el 4 º grado, cuando se convirtió en el ilustrador oficial de su clase. En las clases de Biología, el maestro aprovechó el talento del estudiante y siempre lo pedía que dibujase células en la pizarra para que la clase lo entendese mejor.Su don le llevó a trabajar como diseñador freelance y también a pintar tablas de surf – por lo que ganaba algún dinero. Sin embargo, debido a la necesidad financiera, la cultura brasileña perdió a uno de sus alumnos para la maquinaria del Estado por cerca de dos años, cuando Ninhol trabajó para el IBGE (Instituto Brasileño de Geografía y Estadística). “Pero, obviamente, no podía mantenerme alejado del arte a largo plazo”, suspira con alivio.Dejó caer la estabilidad de ser un empleado del gobierno para volver a su pasión y perfeccionarla, especialmente en relación a la pintura, que realiza con la primacía.Después de un período en la ciudad de Belo Horizonte, Minas Gerais, – cuando él tuvo sus obras expuestas en las librerías locales y también en la “elegante” Libreria Cultura en São Paulo – , ahora Ninhol vive en Fortaleza. Trabaja con pinturas e ilustraciones, utilizando diferentes técnicas y materiales.

www.ninhol.com

Ninhol

Nació y vive en Criciúma, SC

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Rafael Hoffmann Mauriliowww.rahmaprojekt.com

El primer contacto de Rafael Hoffmann Maurilio con el arte fue a través de los cómics cuando era niño. Entre ocho y diez años, garabateó en el papel muchos monstruos y superhéroes. Los primeros trazos no han evolucionado, pero han influenciado sus elecciones futuras.Cuando era adolescente, su escuela ofrecía, además de la escuela secundaria, cursos técnicos, incluyendo lo de Diseño Industrial. “Me gustaba dibujar y el curso incluía el diseño. Entonces una cosa llevó a la otra. “ Llegò a pensar en estudiar Arquitectura, pero elegiò Diseño Gráfico mediante la identificación de una amplia gama de posibilidades.

A pesar de su creatividad, Rafael no ve a si mismo cómo un artista – considerase demasiado técnico, aunque no tenga duda de que el arte y el diseño van de la mano. El intento de explorar una vena poética, de hecho, es relativamente nuevo en su vida.Ejercer su profesión por más de diez años – solamente trabajo técnico y de marketing – estaba se convirtiendo en algo tedioso. En medio de una de “esas” crisis personales, profesionales y existenciales, necesitba encontrar una salida. Hace cerca de seis meses, la encuentrò en la suma de sus dos grandes pasiones: el diseño y la música – más concretamente el rock ‘n’roll – en lo que llama “Rahma Projekt”.Para Rafael, casi todo gira en torno a la música – su “combustible”, no sólo para las ilustraciones, pero para todo. “Tengo que tener música en el coche, en el ordenador, en el iPod, en cualquier lugar”, explica.Es obvia la influencia de la música en su trabajo. A veces, escuchando una canción, Rafael hace el vínculo con alguna imagen antigua, una foto y trata de transmitirla, sea en papel o en el ordenador. Por el contrario, hay ocasiones en que la idea visual es lo primero a surgir y lo que necesita es encontrar una canción que se adapte a ella.

El Rahma Projekt, aquí expuesto en la Revista Sabía nació del deseo y del simple placer de crear. “No hay información, presión, clientes o pretensiones, creo lo que me gusta como me gusta. Sin preocuparme en dar una explicación o sentido”.

Nació y vive en São Paulo, SP

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Rogério Mirandawww.rogeriomiranda.com

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Su lema es el de simplificar. Rogério Miranda dice que su aprendizaje no proviene de los cursos que asistió – y que a menudo lo decepcionaron – pero del trabajo como asistente de fotógrafos, entre ellos Manolo Morán, Klaus Mitteldorf y Eduardo Brandão.Rogério decidió, después de nueve años en calidad de observador y de apoyo, actuar como fotógrafo totalmente dedicado a la obra original. En sus imágenes “camina” entre el comercial y el personal, buscando mantener la simplicidad.En 1994, abrió su propio estudio, donde se lleva a cabo el trabajo de diversos organismos nacionales e internacionales, los que le han valido premios y notoriedad. Recibió el León de Oro en Cannes y tuvo su nombre incluido en todas las ediciones del libro 200 Best Advertising Photographers.Influenciado por todas las formas de arte, aprendió a capturar cualquier manifestación artística desde que tenía ocho años y vio la película La Guerra de los Botones - basada en el libro La Guerre des boutons, escrita en 1913 por el francés Louis Pergaud.Además de la fotografía, trabaja con la ilustración, tratando de tomar lo que tiene de más objetivo para sus ensayos personales. Utiliza bocetos – incluso teniendo en cuenta ser mal con un lápiz en la mano – para visualizar sus ideas antes de empezar a hacer clic. Después de ver el boceto en papel en una especie de “primera prueba”, evalúa si es realmente lo que quiere.Este fue el procedimiento seguido para el trabajo presentado a continuación – Cidade em Movimento – que está todavía en producción.

“Tengo una pequeña idea de lo que quiero, pero, al igual que la ciudad, este trabajo también se mueve. Trato de mostrar el movimiento de materiales sólidos que comienzan a pulsar con el calor, el frío, las luces, los coches que pasan, las personas. También trato de construir una imagen de cambio de algunas zonas de São Paulo, transformadas por el mercado inmobiliario de barrios de viviendas pequeñas a de grandes edificios.”

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“Mi diseño es un conjunto de cosas que un día me tocaran y me encantaran.” Sandra Javera necesita vivir para dibujar. Sus rasgos se formaron durante los estudios en la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la Universidad de São Paulo (USP). La búsqueda de variedad generó una crisis de identidad, una sensación de repetición que hace que la artista cambie la técnica en constante y experimente con diferentes materiales. Recientemente ha empezado a utilizar la fotografía de los objetos y lde os espacios creados por ella como ilustración.El interés de Sandra en el arte se intensificó cuando conoció con los trabajos multidisciplinarios de la italo-brasileña Lina Bo Bardi. Lina fue arquitecta y amplió su creación para el teatro, cine, artes plásticas, la escenografía y el diseño de muebles, además de participar en la curación de numerosas exposiciones.Mientras tanto, Sandra comenzó a seguir el arte de Catalina de Bessel

Nació y vive en São Paulo, SP

www.flickr.com/sandrajavera

Sandra Jávera

(colega de la universidad que tuvo sus obras expuestas en la primera edición de la Revista Sabiá), lo que le permitió vislumbrar la posibilidad de la profesión de ilustradora.Apostó por la escenografía y los cursos de ilustración que ofrece el Instituto Tomie Ohtake para distanciarse un poco de la arquitectura y estar más cerca del diseño, y en esa transición, se acercó de los temas de los niños observados en sus obras.Se considera en una fase ingenua y de maduración. Sólo “busca a tientas” en el arte, sin tratar de establecer una identidad fuerte. El artista trata de hacer que su personalidad inestable sea evidente en sus obras.“Yo soy una persona que le gusta cambiar las metas,” Sandra se define. A los 26 años, la artista cree que jamás conseguirá fijarse a un objetivo, no quiere ser sólo una ilustradora y, tal vez un día, disfrute de su pasión por los niños para convertirse en educadora.

Acuarela y bolígrafo sobre papel

Nueva York Bolígrafo sobre papel

Nueva York 2 Bolígrafo sobre papel

Adición

Composición

Rotterdam, Países Bajos

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No sólo en Brasil florece el arte brasileño. Recientemente, vientos del país tropical soplaron al otro lado del Atlántico y influenciaron los holandeses Rianne Makkink y Jurgen Bey – arquitecta y designer, que en conjunto operan en el estudio Makkink & Bey en Rotterdam.Cuando invitados por la galería belga Pierre Bergé & Associates para reinterpretar cinco piezas vintage, Makking y Bey quisieron enfrentar el concepto de vintage con la realidad contemporánea, dando una nueva dimensión a la madera – combinada con el cuero – y creando un nuevo lenguaje para sus propias piezas, con un toque de humor. El resultado fue una serie de sillas llamadas “Influencia de Brasil se reúne al estilo brasileño”, muestrada por primera vez en 2008.La obra hace referencia a la larga historia del design brasileño, que mezcló influencias europeas e indígenas, evolucionó rápidamente y estableció su identidad propia utilizando materiales abundantes en Brasil – como la madera, la caña y el cuero. La madera del Brasil está hoy protegida por la ley y, por eso, las sillas neerlando-brasileñas fueron producidas con madera nobres como ceniza y nuez.Makkink y Bey abrieron su estudio en 2002. Sus proyectos incluyen el design de productos, proyectos de espacios públicos, arquitectura, design conceptual y artes aplicadas. Aspectos tales como análisis de contenido, la relación entre forma y función de los elementos, design como elemento histórico y la relación entre los espectadores, los diseñadores y los clientes pueden surgir desde el design conceptual y la arquitectura, pero también utilizanse los conceptos de otras disciplinas. Urbanismo, arquitectura y paisajismo están directamente relacionados con el design del producto. “La lámpara ha influido y todavía influencia en la arquitectura, así como construir una casa influencia su interior y un rascacielos podría nunca haber existido sin la invención del ascensor”, dicen los dos artistas.

Studio Makkink & Bey BVwww.studiomakkinkbey.nl

Foto

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