guitarristas y bajistas.ar

Editor Responsable

Florencia Pérez del Valle

Director del Suplemento Técnico

maycown reichembach

Publicidad - Sergio resarsergiog2007@hotmail.com

colaboradoresEric Jacobs

Igor Saavedra

Maycown Reichembach

Alejandro Tiscornia

Deninson Fernandes

Juampy Juárez

Silvio Gazquez

Juan Fuentes

04 | Editorial

Año 9º - Nº 47 | Diciembre 2015Soler 4759 4º b (1425) c.A.b.A

E-mail: info@guitarristasar.com

impreso en cogtal - rivadavia 755, c.A.b.A.todos los registros en trámite | iSSN 1850-0986

Distribución en c.A.b.A y gran bs. As.: Vaccaro Sánchez, moreno 794 - c.A.b.Ainterior del país: D.i.S.A., luis Saenz Peña 1836 - c.A.b.A

NOVEDADES - Página 05

OctAViO PrAt bASSES - Página 08

YAmAhA trbX 304 - Página 12

ENtrEViStA A mAriANO SíVOri - Página 14

FAmuSic FESt 2015 - Página 16

m.rEichEmbAch & QuANtum OrchEStrA - Página 18

El AmP QuE cAmbió lA hiStOriA DEl rOck - Página 22

NOtAS cENtrAlES 2015 - Página 26

cliNicA PAul rEED Smith - Página 30

AmPEg POrtAFlEX PF-50t bASS hEAD - Página 32

cAlibrANDO mi guitArrA - Página 34

jimi hENDriX - Página 44

SuPlEmENtO tÉcNicO

Eric jAcObS - Página 35

igOr SAAVEDrA - Página 36

mAYcOwN rEichEmbAch - Página 37

AlEjANDrO tiScOrNiA - Página 38

DENiSON FErNANDES - Página 39

jOSÉ FuENtES - Página 40

juAmPY juÁrEZ - Página 41

SilViO gAZQuEZ - Página 42

& Bajistas.arGuitarristas

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Novedades | 05guitarristas y bajistas.ar

ZABECA DÚO (Tiki CAnTErO/ ErnEsTO snAjEr)

Zabeca dúo, nueva agrupación formada por el percusionista Tiki Cantero y el guitarrista Ernesto Snajer, presenta su primer trabajo discográfico, integrado por músicasque toman la tradición de los ritmos argentinos y latinoamericanos como punto de partida, con composiciones propias y de grandes creadores, entre las que sedestacan “Vidala para el último día” del Chivo Valladares (en un arreglo vocal de Juan Quintero), “Monstruo de barro”, del dúo Orozco-Barrientos y “Al dolor de migente”, de Pedro Aznar. Percusión y guitarra conversan en variaciones de chacarera, zamba y vidala, abordados con la libertad e inspiración que permite la improvisación.Tiki Cantero, además de cantar canciones con textos, utiliza su voz como un instrumento más. Su búsqueda de nuevos sonidos es constante. Un ejemplo de esto esel empleo del “garrahand”, instrumento hecho con una garrafa y que tiene un sonido completamente particular. Ernesto Snajer toca sus habituales sonidos MIDIs, dis-parados desde las bellas guitarras Camarada de Esteban González, en sus dos versiones de 6 y 10 cuerdas.

Actualmente, Tiki Cantero se encuentra trabajandoen diversos proyectos como el “Encuentro de Impro-visación y Composición” en el CCK, La Bomba deTiempo todos los lunes en el Konex, prepara elnuevo disco de Aca Seca y dicta un taller llamado“Ritmática” por todo el país. Ernesto Snajer por sulado, está grabando un disco llamado “De dos argen-tinos” junto a Matías Arriazu; compuso recientementela música del documental “Mujer entera” de Ulisesde la Orden y está a cargo de la dirección general delos proyectos: “Ensambles de Música Popular” y“Jazz en el Salón de Honor”, ambos del CCK. Enconjunto llevan adelante el taller de “Percusión y gui-tarra en la música argentina”, con el que ya han re-corrido gran parte del el país y que proyectan seguirexpandiendo.

Dice Tiki Cantero: “El dúo nace a través de una amis-tad y admiración mutua y simultáneamente la músicase construyó a partir de talleres dedicados a la gui-tarra y percusión en las especies folklóricas argenti-nas que fuimos realizando por todo el país. Nuestro

enfoque tiene un fuerte sustento en la improvisació y además de interpretar obras del propio Snajer, se suman otras de Pedro Aznar, Chivo Valladares, Orozco-Barrientos y Veronica Condomí. Para mí el dúo es la posibilidad de complementar la improvisación con las canciones sin que ninguna prevalezca sobre otra, comouna especie de laboratorio musical sin una estética predeterminada a seguir, donde cada uno vuelca su recorrido y sus vivencias”.

Dice Ernesto Snajer: “Este disco es el resultado del trabajo que venimos haciendo desde hace unos cuatro años. A raíz de que tuve que dirigir un proyecto binacionaljunto a músicos catalanes (Immigrasons), surgió la chance de poder convocarlo a Tiki para tocar juntos. De allí nació una amistad y la idea de hacer conciertos y gra-baciones, que no podíamos concretar antes debido a que los dos estábamos al límite de ocupaciones. Cuando finalmente se dio, empezamos a tocar shows que li-teralmente no habían tenido ensayos. El repertorio se fue armando de esa manera, sobre el escenario, tocando. Combinamos nuestros conciertos con la actividad deltaller “Percusión y Guitarra en la Música Argentina”, habrán sido unos 40 conciertos-cursos. Nuestra manera de ajustar la música era en las pruebas de sonido y enlos descansos de las clases. Así reunimos la lista de temas –con influencias, entre otras, de las músicas de Gismonti, Hugo Fattoruso y el Cuchi Leguizamón- ycuando estuvimos listos, viajamos a El Calafate para grabar en Solo Artis, el estudio de nuestro amigo Coqui Aristizábal. La única chance de grabar para nosotros eraesa, encerrarnos lejos de Buenos Aires, sin interrupciones. Pasaron casi tres años hasta que logramos finalizar el disco y estamos muy felices con el resultado”.

Mariano “Tiki” Cantero: percusionista y cantante, integra Aca Seca trío, grupo que recientemente obtuvo el premio Konex de Platino por ser uno de los referentes dela nueva música argentina. Formó parte de De la guarda y fue miembro durante cinco años del grupo de Liliana Herrero. Actualmente integra La Bomba de Tiempo ydesarrolla una intensa labor docente. En este rubro se destaca su participación como pro-fesor en el “Seminario intensivo de improvisación y composición” junto a Marcelo Mogui-levsky y Ernesto Jodos.

Ernesto Snajer: guitarrista y compositor. Se inició en Semblanza, trío de música argentinacon el que recorrió doce países de Europa. Integró un trío junto a Verónica Condomí y Fa-cundo Guevara y un dúo junto al danés Palle Windfeldt que fue producido por Egberto Gis-monti para Carmo/ECM. Fue parte del quinteto de Lito Vitale durante cinco años, y tocó ygrabó junto a Pedro Aznar, Jaques Morelenbaum, Peteco Carabajal, Julieta Venegas, Ale-jandro Lerner, Litto Nebbia, y Calle 13, entre muchos otros. Produjo para Liliana Herrero losdiscos “Igual a mi corazón” y “Este tiempo”, ambos ganadores del premio Gardel. Desde2013 conduce el programa de TV “Notas de Paso” que se emite por Canal Á. Algunos delos invitados más notables del ciclo fueron Naná Vasconcelos, Ralph Towner, Javier Malo-setti, Raúl Carnota, Ron Carter y Carlos “Negro” Aguirre. Actualmente lidera su trío e integra“De dos argentinos”, junto a Matías Arriazu.

06 | Novedades guitarristas y bajistas.ar

COnCiErTO y mAsTEr ClAss DE iGOr sAAvEDrA En ArGEnTinA

El 7 de Noviembre pasado se realizó en Capital Federal el concierto y Master Class delbajista Chileno Igor Saavedra en el teatro Sergio Souza. Igor Saavedra es un instrumentistade reconocimiento internacional, con una forma única de tocar su instrumento, ha realizandogiras por todo el mundo mostrando todo su bagaje musical y en esta oportunidad compartiósu experiencia con el público local. El Master class se realizó a las 19 horas, Igor contó un

poco de su historiaen el instrumentocon temporáneoque él utiliza, unbajo de ocho cuer-das que lleva sufirma de la marcaPRATT. Luego eje-cutó algunos temasde su disco "Orga-nic Bass 1" paramostrar los ejem-plos prácticos desu técnica, lo quefue una exquisitez

para el público presente. Después de responder con paciencia todas las preguntas de losasistentes realizo un mini concierto con Fernando Dieguez (Ex Luis Salinas) en batería yMaycown Reichembach en Guitarra, mostrando más una vez que la técnica al servicio dela música y la madurez musical pueden llevar al músico a un nivel privilegiado.

Nos contó que próximamente estará de nuevamente en Argentina realizando un gira entrío y no solo en Buenos Aires, sino también en el interior. ¡Esperamos ansiosos por esemomento!

nOvEDADEs GruPO ikOnO

Nuestros amigos de Stadio, están introduciendo al mer-cado una serie de afinadores y metrónomos que nos lossiguientes:

ZAiOn Z-30(Afinador Cromático Clip-On)Con el uso del software Zaion el Z-30 afinará más rápidoy exacto que otros afinadores. Modo de afinación Cro-mático. Rango de afinación: A0 ~ C8. A4=440 HzPrecisión ±1 cent. Consumo: Afinador <12 mA

ZAiOn Z-40(Metrónomo Afinador con generador de tono)Escala de afinación: Cromático, Guitarra, bajo, violín,ukelele. Rango de afinación: A0 (27.50 Hz)-C3. (4186Hz). Modo de afinación: Mic, entrada de Jack. Tiempode respuesta: 20 ms. Precisión: +- 1 cent. Consumo: 3V(2XAAA). Modo de afinación <15 mA. Modo de metró

ZAiOn Z-50(Afinador Cromático)El Z-50 es un afinador cromático con 30 ms de res-puesta y detección de estabilidad. Escala de afinacióncromática. Rango de afinación: A0 (27.5Hz) ~ C8(4186Hz). Calibración: 410- 490Hz (pasos de 1Hz)A4=440Hz. Precisión: ±1 cent. Modo de afinación: Mi-crófono, Clip. Tiempo de respuesta: <20ms. Alimenta-ción: 3V (CR2032 batería de litio). Consumo: Modoafinación <15mA.

ZAiOn Z-70(Afinador clip)El Z-70 es un afinador con clip. El diseño portátil lo hacefácil de llevar. El display puede ser fácilmente rotado endiferentes direcciones y ángulos para ajustarlo a la po-sición que desee. Rango de afinación: A0 (27.5Hz)~C8(4186Hz). Escala de afinación: Cromático, Guitarra,Bajo, Violín, Ukelele. Precisión: ±1 cent. Rango A4:430~450Hz. Método de detección: Clip. Ajuste BEMOL:Modo Display: Color LCD. Método de afinación: Auto-mático. Consumo: 3V (CR2032). Batería: 8 hs. aproxi-madamente.

Más información http://stadio.la/

nOvEDADEs FAmA musiC

Prs s2 seriesConstruídas en la fábrica de Maryland - USA, las guitarras de la Serie S2 de PRS ofrecenel ajuste, el acabado, la sensación, y la atención a los detalles de la artesanía PRS a unprecio sorprendente. La serie comprende una línea de guitarras variadas para todo tipode guitarristas, de gran fiabilidad , listas para sacarlas del estuche y tocar en vivo.

miPA AWArDDesde el año 2000 PRS ha ganado nueve de las quince ediciones del premio más impor-tante de la industria internacional a “Mejor Guitarra Eléctrica del Año”.

08 | Octavio Prat basses guitarristas y bajistas.ar

igor, qué sensaciones te han quedado de tu pasopor la Argentina para brindar tu concierto?El público argentino conforma un país fantástico parahacer música. Mi concierto debió sufrir los rigores deuna enorme marcha convocada por un gran movi-

miento social justo alrededor del teatro en el que toquéy a la misma hora, por lo cual no todas las reservaspudieron manifestarse en asistencia concreta, y aunasí aquella fue una inolvidable tarde para mí. Agra-dezco en especial a mi amigo Maycown Reichembach

por su invaluable apoyo, pronto volveré, no sin antesconseguirme un calendario de marchas jeje.

Qué marca es tu bajo?Óscar Prat es un luthier de Barcelona radicado haceaños en USA, ganador del “Best of NAMM Award

igor Saavedra nos cuenta sobre la construcción junto a Oscar Prat, unluthier oriundo de barcelona, radicado en Nashville en uSA, con quiendiseño su modelo “Octavio”, un asombroso bajo de 8 cuerdas que hoynos dará a conocer en más detalle. Por gyb.aroctavio prat basses

guitarristas y bajistas.ar 10 | Octavio Prat basses

2012”. Junto con construir notables bajos de 4, 5 y 6cuerdas, se ha ganado la reputación de estar constru-yendo los más espectaculares Bajos de Rango Exten-dido en USA. En lo personal fue un privilegio recibir suemail el año 2013 manifestándome su interés en quesea la imagen de su marca en el mundo a cambio de

un Bajo por año, algo que aún es un enorme honor.Óscar está radicado en Nashville, pueden saber másde él en www.pratbasses.com o en facebook.

Quién lo diseñó?El diseño de “Octavio” (nombre genérico de mis Bajos

de 8 cuerdas), ha sido y es predominantemente mío,pero por supuesto Óscar con su enorme experienciay conocimiento aportó también lo suyo, algo que valoroy agradezco mucho.

Qué maderas usan?El diapasón y la tapa del MicRamp son de Ébano. Elcuerpo y neck son de Arce y Nogal extraídos a partirde una pieza de 25 y 50 años de antigüedad respecti-vamente, lo que aporta una enormidad a la calidad delsonido.

Contanos acerca del proceso de fabricaciónSerían infinitas cosas para contar al respecto, así quepara resumir: El desarrollo del diseño tomó 6 mesesy la construcción 6 meses más. Es un Bajo neck-through con las “alas” y el headstock removibles, esen esencia un Headless encubierto.

Es la primera versión del mismo?El 1er Octavio data de 1999 y el 2do del 2006. Los Oc-tavios Prat parten el 2014 con un prototipo depositariode una evolución y aprendizaje personal de 17 añosen la ejecución del Bajo de 8 cuerdas. Son los más ra-dicales, pues como decía son desarmables para sertrasportados sin problemas con uno en cualquier ca-bina de avión pero sin comprometer un ápice su so-nido. En Abril del 2014 recibí ese prototipo y resultóser de tal nivel que meses después grabé con él enAlemania mi álbum Organic Bass 1. El primer Octaviooficial me fue entregado en Julio del 2015.

se viene un modelo nuevo?Mi contrato con Prat Basses es de un Bajo al año, locual nos da la oportunidad de mejorar cada año el ins-trumento, el 3er Octavio Prat me será entregado enJulio del 2016, y así…..

Han pensado en fabricarlo en serie?No exactamente en serie, sin embargo toda la infor-mación computacional archivada en la cortadoras decontrol numérico va quedando disponible y los bajistasde cualquier parte del mundo pueden ordenar el suyo,lo que ya está sucediendo.

La nueva serie de bajos Yamaha TRBX300combina el mejor tono de la caoba con unaversatilidad inédita hasta la fecha. Incorporainnovaciones a nivel de EQ desarrolladas encolaboración con los mejores artistas de lamarca, como el selector “Performance EQ” de5 posiciones. El confort del mástil híbrido de 5piezas y el nuevo cuerpo de diseño estilizadoson características pensadas para satisfacer almúsico de hoy en día, abierto a varios estilosmusicales.

El mástil de los bajos de la serie TRBXde Yamaha presenta un perfil ultra con-fortable, y está realizado con 5 piezas demaple y caoba, que le otorgan robustezy riqueza tonal a la par. El departa-mento de desarrollo YGD ha desarro-llado los micrófonos M3 con piezaspolares de gran tamaño e imanes ce-rámicos para obtener una respuesta

clara y potente, con gran definición y profun-didad. Están libres de ruido e integran un re-posa-pulgares de gran utilidad. Los modelosYamaha TRBX300 incorporan el exclusivo

circuito activo Performance EQ, un selector de5 posiciones pensado para afrontar las curvasde ecualización características de 5 respectivosestilos musicales, al alcance de un clic: Slap,Pick, Flat, Finger y Solo. Además, controles deEQ de 2 bandas te ayudarán a esculpir y definirtu sonido con todos los matices.

El mástil atornillado de la serie TRBX de Ya-maha presenta un ajuste de precisión yproporciona un tono rico y claro, perocon pegada. Centenares de horas de

desarrollo e investigación avalan el di-seño de este nuevo mástil, de unión alcuerpo optimizada, que maximiza latransferencia de la vibración y facilita

el acceso a los trastes más agudos del

diapasón. El puente de aleación die-cast transmitela vibración de las cuerdas de forma eficaz alcuerpo, contribuyendo a la riqueza tonal del instru-mento. A nivel de hardware, es fácil de ajustar y surobustez aguantará los rigores de años de uso. Elespacio entre cuerdas de 19 mm facilita las cosasa los bajistas que gustan del usar técnicas como elSlap y los que tocan con los dedos.

CArACTErisTiCAsEscala 34'' (836.6mm)Cuello Maple and Mahogany 5pcDiapasón Rosewoodradio 10'' (250mm)nut Width 38mmCuerpo Solid MahoganyClavijas Die-castPuente Die-cast 19mmmics MHB3n (Ceramic),MHB3b (Ceramic)Controles Master Volume, Pickup Balancer, Bass,Treble and Performance EQ switch

guitarristas y bajistas.ar 12 | Yamaha trbX 304

la fábrica Yamaha nos presenta en esta oportunidad un excelente bajo de cuatro cuer-das, el modelo trbX304. El cuerpo del mismo ha sido diseñado con caoba de masa op-timizada y perfil 3D, que garantiza el equilibrio perfecto entre tono y confort, con unaperfecta distribución de peso. Por g&b.arYamaha trbX 304

Contanos un poco de tu infancia, dónde naciste?,qué hacías en las vacaciones? A qué jugabas?Nací en la ciudad de La Plata en junio de 1975, unaépoca muy complicada y violenta. Mis viejos vivíanahí porque eran estudiantes universitarios en la carrerade cine. Se graduaron en el 77, creo. Después la ca-rrera se cerró (plena dictadura militar) y de ahí volvi-mos a Buenos Aires. Creo que no éramos una familiatípica de vacacionar, supongo que por una mezcla defalta de recursos y cuelgue. Sí me acuerdo de un parde oportunidades ir a la costa, de donde ¨ligué¨ unapequeña cicatriz que tengo muy cerca del ojo, jugandocon unos arbustos rarísimos (tipo lanzas) y que casimata a mis viejos del susto y un montón de idas a Cos-quín con mi abuela. Por lo general íbamos los dossolos. Siempre pasé tiempo con ella, sobre todo dechico. Nos llevábamos muy bien. De ella me pareceque heredé el gusto por cocinar y hablar de política. Jugaba más o menos a lo mismo que los pibes a esaedad y en esa época: playmobil, soldaditos, pelota,bolitas, etc. También después tuve una consola Atari,pero no le di mucha pelota. A los nueve o diez añosagarraba una raqueta y hacía, durante horas, quetocaba la guitarra o el bajo arriba de los discos deDuran Duran, Soda Stereo o The Cure. Cantabacomo líder o hacia los coros también... En el sectordel placard se suponía que había un montón defans/público. Calculo que esa parte de mi historia, yano es tan “normal”.

Cómo fue tu acercamiento a la música?Creo que siempre me atrajo la música, los discos.Parece que cuando era muy chico, pasaba horascerca del tocadiscos. Y mientras escuchaba, usabaun trompo y unos discos viejos, los hacía girar y meentretenía con eso. O me sentaba al piano (que porlo general estaba insoportablemente desafinado) ycomponía canciones. Al mismo tiempo mi tío, SergioLiszewski, tocaba (y sigue haciéndolo) la guitarraeléctrica, tocaba jazz fusión y esa mano. Yo me lecolgaba dos por tres, cuando no era bebé, obvia-mente. Iba a los ensayos, conciertos, escuchaba Ge-orge Benson u otros violeros, con él, etc. En un puntotoda esa energía, esa forma de vida, es la que tratéde replicar desde muy temprano.

Qué música se escuchaba en tu casa ?En casa se escuchaba Serrat, Joni Mitchell, LouisArmstrong, Beatles, Silvio Rodriguez, Frank Sinatra,Modern Jazz Quartet, Viglietti, Mercedes Sosa, muchamúsica llamada clásica... Así todo medio mezclado, demanera muy ecléctica. Le daban mucha bola a la mú-sica en realidad, ahora que lo pienso. Tango por ejem-plo, no. Salvo Piazzolla y un par de discos de JulioSosa. Mi viejo, también tocaba el piano bastante bien.Era una costumbre que cuando estábamos enfermosmi hermano o yo, con fiebre ponele, él hacia una es-pecie de concierto intimo familiar. Recuerdo que le co-paba tocar Gershwin.

Por qué elegiste el bajo?Me llevaron al concierto que dio Weather Report en elLuna Park. Yo tenía cinco o seis años como mucho. Elvolumen, la música, la euforia de la gente y Jaco abar-cando prácticamente todo fue una síntesis perfecta: Loque deseaba era esa vida, que suponía era la de mi tío(músico joven de jazz, con amigos, novias, etc.), mez-clado con lo que proyectaba Jaco. Síntesis: Tenía quetocar el bajo. Era muy chiquito, pero se me apareciótoda esa película junta, de manera muy nítida.

En dónde y con quiénes estudiaste?Comencé en el Collegium Musicum, un conservatoriopara niños. Y hacíamos flauta, coro, lenguaje musical.Después estudié en el Esnaola, que es una escuelasecundaria a la mañana y a la tarde profesorado demúsica. Ahí tocaba el piano como instrumento principal(no había ni bajo, ni contrabajo). A los 13 me prestaronun bajo y formamos un trío de rock, ahí tocaba OscarGiunta la batería. En esa escuela todos estudiábamosmúsica, así que había mil bandas. Con él armé eseque fue mi primer grupo y juntos también debutamosprofesionalmente, en una banda de fiestas cuando te-níamos 15, su mamá Liliana era la cantante. En terceraño del secundario, empecé a estudiar con Carlos Ma-dariaga, mi primer gran profesor al que le debo mu-chísimo. Luego el Conservatorio, Pastor Mora, miprimer maestro de contrabajo, muchas clases particu-lares, viajé a New York, etc. etc.

A los 5 años lo llevaron a un concierto que dio weather report en el luna Park. con jacoabarcando prácticamente todo. Solo había una cosa en la mente de ese pequeño niño y erael deseo de ser músico. En síntesis mariano Sívori tenía que tocar el bajo. Ante toda esa pe-lícula junta en un escenario, solo tenía un pensamiento en su mente. Por g&b.armariano sívori

guitarristas y bajistas.ar 14 | Entrevista a mariano Sívori

guitarristas y bajistas.ar Entrevista a mariano Sívori | 15

luego llegó el contrabajo, por qué?El contrabajo llegó, por una especie de necesidad. Demi amor por el jazz. De sonar y poder estar verdade-ramente cerca de lo que escuchaba. Después, y afor-tunadamente, me abrí también a otras músicas con elcontrabajo. Pero esa fue mi motivación inicial.

En qué año viajaste a EEuu y en dónde y con quie-nes estudiaste allá?Prácticamente todo el año 1998. Estudié con Patitucci,Joe Fitzerald, Hillard Greene, Lincoln Goines, MikePope, entre otros .Había buenos profesores, tambiénalguno más o menos. De todas formas, estudié unmontón ahí, porque todo el mundo estaba en esa y unpoco es contagioso. Volví con la idea de irme denuevo, pero empecé a tocar cada vez más y una cosallevó a la otra...

me imagino que cuando volviste a Buenos Airesseguiste estudiando, qué cosa y con quiénes?Si seguí estudiando contrabajo en forma particular (ylo sigo haciendo), y también música. Composición yarreglos: Pollo Raffo, Guillermo Klein, Manolo Juárez.Grandísimos músicos, generosos como personas yeducadores.

Cómo llegás a Escalandrum?El grupo venía tocando Latín Jazz, con bajo eléctrico,percusión, otro sonido. En esa época el bajo lo tocabaMatías Méndez, que por supuesto ya se tocaba todoy más también. Cuando Pipi me llamó para hacerleunos reemplazos, pensé que era con el eléctrico, peroél me dijo: Porque no te traés el contra y vemos comosuena? La música comenzó a transformarse. Al pocotiempo grabamos ¨Estados alterados ¨(coincidiendocon la crisis del 2001). El sonido del grupo, fue evolu-cionando claramente con el correr de los años, perola piedra fundamental fue ese disco. Me gusta pensarque además, de el cambio de sonido (piano acústico,contrabajo, más caños), también hubo una madura-ción o una búsqueda más personal, con temas unpoco más desarrollados en la composición (a vecesacertando, a veces no tanto). En el grupo somos muyamigos y unidos. Todos de manera grupal o individualbuscan progresar, proponer y aportar nuevas cosas.En lo personal me siento muy feliz de formar parte. De-finitivamente me ayudó muchísimo como músico,como compositor y por el tiempo, las vivencias y losviajes, también como persona de a pie.

A partir de ahí no parás más, empezaste a tocarmucho, con quiénes?Tuve suerte y toqué con muchos músicos muy buenos.Prácticamente todos colaboraron de una u otra formapara que pueda ser aunque sea un poco mejor. Juan Cruz de Urquiza, Manolo Juárez, Gustavo Ber-galli, Diego Schissi, Lito Epumer, Los grupos de Este-ban Sehikman, Pablo Rodriguez, Ricardo Nolé,Mariano Loiácono, Ernesto Snajer, Carlos Michelini,de Juan Fa Suárez, también (y muchas veces por Es-calandrum) con músicos de afuera: Hermeto Pascual,Paquito de Rivera, Miguel Zenon, y un montón más.

Cómo está conformado tu set?Tengo dos contrabajos. Un checo viejito con fondo

plano, que lo tengo hace mucho y lo quiero un montón.Y un contrabajo Thomas Martin que está buenísimo yes el que uso casi siempre ahora. Para amplificar elcontrabajo uso el típico Gallien Krueger MB150 combo.Utilizo Mics The Realistic David Gage abajo del puentey un DPA (condenser) para monitores, P.A. y muchasveces, para grabar también como complemento de losmicrófonos que estén en el estudio. Tengo un bajoeléctrico Fender Jazz Bass ´78, un par de pedales ynada más. Aunque desde hace ya un tiempo, le vengodando vueltas a la idea de un bajo de 5.

Cuál fue tu primer instrumento?Mi primer instrumento fue un bajo Faim Jazz Bass fre-tless y un contrabajo horrible nacional.

Aparte del bajo y el contrabajo, tocás algo más?Toco un poco el piano y muy mal, la guitarra.

Cómo se llama tu disco solista y cómo y en dóndeconseguiste grabarlo?Se llama “No Dogma” y quiere decir exactamenteeso... no voy a profundizar mucho más. Las veces queintenté explicarlo, me enredé tanto que no pude salir. La idea intenta graficar mi incomodidad, hacia las ba-jadas de línea (en música y demás) que no son per-meables a replanteos, comparaciones, mejoras, etc. Si también te suena a algo no muy favorable a la reli-gión, tampoco está tan lejos... Aunque es mucho máspersonal. En el año 2009 gané un subsidio otorgadopor el Fondo Metropolitano de la Cultura, las Artes ylas Ciencias, y con ese subsidio mas una plata quejunté, grabé el disco en el estudio Sound Rec. Fue la

primera y última vez que me presenté a algo (subsidio,ayuda, apoyo o lo que fuere). A juzgar por el promedio(100% de efectividad) debería hacerlo más seguido.

Estás dando clases? En dónde?Doy clases en la escuela de música popular de Ave-llaneda y en mi casa de manera particular.

Cuáles son los proyectos que tenés?Toco en Fernández 4, el cuarteto de Lucio Balduini, enel Octeto de Sorin, en la Boris Big Band, el EnsambleReal Book Argentino. También (además de Escalan-drum) tengo el grupo en el cuál toco mi música, quees un sexteto con Ramiro Flores, Gustavo Musso,Lucio Balduini, Cirilo Fernández y Pipi Piazzolla. Es lamisma formación que grabó el disco y desde el primerensayo, hasta la última tocada no puedo estar másfeliz de poder contar con ellos.

Qué le dirías a los chicos que recién están empe-zando con la música?En cuanto a estudiar, me parece que cuanto antes lohagas es mucho más fácil. Claro está, que no es ex-cluyente, pero cualquier cosa que aprendas de chicolo incorporás más naturalmente. También me parecepiola y es muy importante no encerrarse solo en prac-ticar tu instrumento. Estudiar música, armonía. Es-cuchar mucho, tal vez tomar algún curso de análisisde música ¨académica¨ te abre la cabeza, conocer,comparar, etc. Creo que poder disfrutar y en el mejorde los casos, poder utilizar alguna herramienta deesa música, después en lo que tocás o escribís, esmuy importante.

La idea de este evento fue reunir a músicos, clientes,proveedores, colegas y amigos del mundo de la mú-sica en un marco distendido, con bandas en vivo, be-bidas y pizza libre, regalos a los primeros en llegar ymuchos sorteos, entre ellos una guitarra eléctrica ori-ginal Jack Daniels. A diferencia de la primera edición,el Famusic Fest tuvo como característica mantener

una temática musical muy coherente de principio afin, con bandas pop-rock & electrorock y un tributo aGustavo Cerati y Soda Stereo hecho por un combi-nado de músicos invitados amigos de Famusic, todosellos integrantes de reconocidas bandas.

Las puertas se abrieron a las 19hs y los primeros eningresar recibieron distintos regalos (gorras; armó-nicas; mouse pad; calcomanías; posters; púas). Alas 19:15 se presentaron Los Condors, una bandaelectrorock de altísimo nivel, con un show com-pacto, buenas canciones y enorme presencia escé-nica. A las 20:15 salieron al escenario los chicos deOcéano Eléctrico, la banda de Diego "Soto" García(ex guitarrista de Los 7 Delfines), fieles al estilo ycontinuando el legado musical y artístico del maestro

Richard Coleman; a las 21:15 se presentaron losProyecto Esencial, siguiendo la línea musical elec-trorock-pop dark, banda integrada por músicos queson parte del staff Famusic. Y finalmente parte de labanda Proyecto Esencial y Famusic (Alejandro, JuanPablo y Fernando Adamo; Juan Manuel Galafassi)armaron un tributo a Cerati y Soda con distintos mú-sicos invitados, todos ellos amigos que la músicanos dio en todos estos años: Emanuel Sáez (BuenosAires Karma); Jorge Ash (Dr. Fender); Federico Co-lella (Vetamadre); Luciano Facio (Massacre); OskoCariola y Leonel Martinez (Doscientos dos); Lucas

Hernández (Cuentos Borgeanos); Marty Tacacho(Los Condors); Diego "Soto" García y Edu (OcéanoEléctrico); Federico Lindstedf (Equipo Exosound);Hernán Tallarico (Familia Tallarico - Adamo); JuliusSolo; Daniel Leonetti (Proyecto Esencial - productor- sesionista); Luz Yalj (Proyecto Esencial). Fuerondistintos combinados de músicos que se formaronpara tocar 10 grandes canciones (Ver Lista deTemas).

Y antes del final se realizó el máximo sorteo de lanoche (la guitarra eléctrica Jack Daniels original) yla ganadora fue Lorena Masulli, una de las primerasen llegar. Todo el evento se destacó por el enormedinamismo, puntualidad y calidad, y todos los asis-tentes se manifestaron felices sin poder creer estarpresenciando un evento gratuito con tanto nivel entodos los detalles, desde los músicos, el lugar (so-nido y luces de primerísimo nivel como el del RoxyLive), el servicio de bebidas y pizzas libre; los re-galos y los sorteos y de toda la gente que participóen el Famusic Fest. Todo esto fue posible graciasal apoyo de distintos proveedores y marcas auspi-ciantes: Breyer Hnos (Ogre y Wambooka); Fender;Casio; Remo; Pearl; Zildjian; Guitarras Gracia;Wenstone; Ernie Ball; Akai; Hammond; Prodipe.

Famusic agradece la participación del público, losmúsicos invitados y las marcas auspiciantes, todosayudaron con su presencia para que el FamusicFest 2015 sea increíble, y deseamos que se puedaseguir llevando a cabo todos los años, para quetodos nuestros amigos puedan tener su espaciopara interactuar, divertirse, conocerse y festejar, unaño más juntos en este hermoso camino...que esla música...

Famusic Fest 2015

guitarristas y bajistas.ar 16 | Famusic Fest 2015

El pasado 10 de Noviembre de 2015 se realizó en the roxy live de Palermo lasegunda edición del Famusic Fest, organizado por la tienda de instrumentos mu-sicales Famusic S.A. con motivo del festejo de su aniversario número 21. Estu-vimos ahí para disfrutar de un momento único. Por gyb.ar

guitarristas y bajistas.ar 18 | Entrevista maycown reichembach & Quantum Orchestra

maYcown reichembach & Quantum orchestra

maycown, contanos acerca del estreno mundial deAwakening the spirit suite y de qué se trata?Awakening The Spirit Suite, aparece en mi vida por lanecesitad de dar un paso más en el arte de la música,había grabado en 2012 Awakening The Spirit editado enUSA en formato cuarteto, y tuvo repercusión en variosmedios, principalmente los especializados. Como megustó mucho los temas decidí orquestarlos, al principiosólo un sueño, debido a que me lleva mucho tiempo es-cribir para tantos instrumentos, todas las secciones decuerdas, metales, maderas, percusión y los instrumentoseléctricos. Y otra de las cosas más difícil para llevar acabo una orquesta es el financiamiento de la misma. En-tonces empecé a buscar las posibilidades hasta que laSecretaria de Cultura de Buenos Aires declaró mi obrade Interés Cultural para la Ciudad De Buenos Aires, esoayudo a que pueda conseguir los fondos necesarios parala realización del estreno mundial de esta Suite. Fue re-alizado en el teatro Shá y el concierto quedó registradoen el DVD Maycown Reichembach & Quantum Orches-tra " Awakening the Spirit Suite" editado el mes pasadopor EPSA MUSIC. Esta obra mezcla el rock, jazz, fusión,funk con la música académica y experimental. Para míla música tiene que transformarse todo el tiempo, esa esla función de un artista de verdad, la revolución. Tambiénes verdad que todos queremos revolucionar pero solounos pocos pueden, pero eso "es mejor intentarlo quemorir sin hacerlo", es mi filosofía de vida. Por suerte larepercusión de este álbum está siendo grandioso.

Quién es el director y por qué lo elegiste?El Director es Lucio Bruno Videla, eximio maestro conuna trayectoria exitosísima en Estados Unidos y Austria,hace algunos años ha vuelto para la Argentina, y por re-comendación he tenido la oportunidad de concretar unaentrevista con él. Como mi obra es mixta, es decir, ins-trumentos acústicos y eléctricos, no hay mucha referen-cia al respecto y los directores muchas veces escapan,por las grandes probabilidades a lo desconocido, porsuerte con el Maestro Videla, fue muy respetuoso con

mi música, y lo ha puesto como "La nueva música Ar-gentina" (sus comentarios se pueden ver en el DVD) loque me deja muy honrado recibir un alago de tan impor-tante profesional del arte.

Quién eligió a los músicos y por qué ellos?Decidimos con el cuerpo directivo de la Quantum Or-chestra hacer una selección lo más justa posible, sin ba-sarnos en contactos o indicaciones, simplemente por elhecho de que el instrumentista se merezca su lugar, me-diante una audición online. Cada instrumentista intere-sado tuvo que bajar las partituras correspondientes,grabar un video y enviarlo a nuestro e-mail, luego juntoal productor general, el maestro Carlos Sarraute y el Di-rector de la Orquesta, elegimos a los mejores intérpretes,

y el resultado fue genial. Hay muchas partes del conciertodonde la parte técnica es muy complicada y músicos deno más de 20 años lo hacen a la perfección. A mi parti-cularmente me llena de orgullo ayudar a los míos y ade-más a quien realmente se merece, porque ser un buenmúsico solo es el 10% de la cuestión.

Cómo está conformada toda la producción?En el cuerpo Directivo está Carlos Sarraute, como Direc-tor General, Lucio Bruno Videla, como Director de la Or-questa, Maycown Reichembach como director artístico,compositor, orquestador y solista, más dos asistentesque rotan dependiendo del concierto. Obviamente los 24músicos que hacen posible que todas mis locuras musi-cales sean expresadas. También no me puedo olvidar alItaú Cultural que a través del Mecenazgo hacen posiblela realización de cada concierto.

Cómo fue el proceso de escribir música sinfónica?Escribir música sinfónica en estos días es todo un reto,por eso podrás notar que hoy en día casi no tenemoscompositores contemporáneos y los que están en su ma-yoría se enfocan en la música contemporánea que esmás efectista. Básicamente nos quedamos con Bach,Beethoven, Mozart, y luego los más contemporáneoscomo Ravel, Debussy y Stravinsky de los cuelas son fa-nático, pero no por eso creo que no se deba escribir másmúsica nueva, siempre habrá algo nuevo para escribirse,por más extraordinaria que sea la obra de estos maes-tros. Por ese motivo mi corazón y mente me pedían agritos una música orquestal con otros estandartes, creoque de a poco voy llegando. Y por suerte tengo a gran-des maestros como Lucio Bruno Videla, para corregirmesi llegara a ser falta.

Cómo se conjuga esto de tener una orquesta coninstrumentos acústicos y además con instrumentoseléctricos?Es otro de los temas que siempre me pregunté. Yo nacíen una generación donde el rock y precisamente la mú-sica popular es el centro de atención, por más que meguste Bach, lo que yo escuchaba siempre fue otro tipode música, por eso para mí fue muy natural, la "mutación"entre lo acústico barroco/clásico con el jazz, funk, rock yel atonalismo/experimental. Mezclar lo acústico con loeléctrico es todo un tema, por los volúmenes... y másaún cuando hay una batería, ya que tiende a descontro-larse todo. Pero con ensayos y un buen director fuimosresolviendo problemas que en un principio nos preocu-paba, además cabe resaltar que el futuro de las orquestaserá así, Ya la Orquesta Metropolitana de Holanda, rea-liza este tipo de música hace ya varios años, si bien esverdad que en América Latina, somos pioneros, quere-mos que pronto sean más orquestas.

Quiénes son los miembros de Quantum Orchestra?Es un gran honor para mí contar con ellos: VIOLINES - Hermes Pedro de la Vega, Laila Prieto y Ma-ximiliano Cornejo.VIOLAS - Diana Unzaga, Pablo Ruben Hermida y PabloTrivella.

20 | Entrevista maycown reichembach & Quantum Orchestra guitarristas y bajistas.ar

CELLO - Jorge Miguel Cerman y Jacqueline Oroc.CONTRABAJO - Emiliano Lorenzo.ARPA - Reynaldo Cabañas.TROMPETA - Sergio Dudik.TROMBON - Nahuel Ybarra.TUBA - Juan Martín Ramírez.FLAUTA - Sol Narváez.OBOE - Edgardo Colombo.CLARINETE - Miguel Barile.FAGOT - Carlos Herrera.BAJO ELÉCTRICO - Alejandro Tiscornia.BATERIA - Mariano Barbuto.PERCUSIÓN - Luciano Slaibe.TECLADOS - Bruno Malinverni.

Contanos un poco acerca de la grabación del DvDen vivo del espectáculo.Realmente llevo mucho trabajo registrar el concierto, prin-cipalmente el audio, la productora contratada en la gra-bación llevo sus técnicos y un gear realmente importante,no tuve la posibilidad de ver el armado, ya que me estabaconcentrando con la orquesta, el resultado fue muybueno, con el audio registrado hicimos la mezcla y mas-terización en REC Estudio-Parque Chas. Usamos 5 cá-maras de cine y el resultado lo pueden ver en el DVD.Según EPSA MUSIC enviaran por lo premios Gardel yLatin Grammy, aunque no esperamos nada, nos vendríamuy bien el reconocimiento de nuestros colegas.

Cómo fue orquestar una obra de Frank Zappa?Frank Zappa para es uno de mis mentores, aprendí mu-chas cosas de él, y lo sigo haciendo con todo el legadoque ha dejado. Fue muy natural la elección del tema aorquestar llamado "Peaches en Regalia" grababa en1969 por "The Mother of Invention". Traté de respetar el99% de los arreglos de Zappa y me jugué a la inventivaen el sentido Orquestal, ya que como fanático de Zappano me gustaría que le cambien nada. Luego vino la partemás difícil, que fue pedirle autorización a Gail Zappa,viúda de Frank, después de varios e-mails me ha permi-tido la ejecución de la obra.

nos podrías contar cuál es el concepto de la sinfonía"los siete elementos"?Las Sinfonías más conocidas se dividen en cuatro partes:Allegro, Andante, Minué/Scherzo y Allegro. Como mi obraes conceptual y representa a los partes chackras quetiene el ser humano y sus elementos: Tierra, agua, fuego,aire, tiempo, espacio y el absoluto. Decidí dividirlo ensiete partes, al comienzo respetando la forma tradicionalde la sinfonía y luego guiándome por la representaciónde cada elemento. El resultado según el Director es deuna sinfonía novedosa y con sonoridad latina y elemen-tos minimalistas. Como fue compuesta basándose enuna orquesta sinfónica pude dar protagonismo a cadainstrumento y llevar melodía y tesitura de cada instru-mento a sus límites. A los instrumentos eléctricos los heintegrado más aún a la orquesta, sin que sobresalierantanto como en "Awakening The Spirit". Toda mi músicatiene una búsqueda espiritual y con "Los Siete Elemen-tos" no es diferente, todo artista tiene que tratar de ge-nerar algún sentimiento con su obra, y creo que con "Lossiete elementos" lo he conseguido.

En el sentido de la composición, cómo es el armado

de una sinfonía y por qué esta tiene siete movimien-tos en vez de los tradicionales cuatro?Como te explique anteriormente traté de salir de lo tradi-cional es búsqueda de lo nuevo pero con respeto a lo yarealizado por los maestros de otras generaciones, la mú-sica académica tiene que dar un paso muy importantepara seguir evolucionando y de cierta forma unificarse ala música popular que está tan avanzada con es el casodel jazz. Mi visión me hace escribir música en esa direc-ción, sin estereotipos, ni prejuicios, simplemente trato desacar todo aquello que suena en mi cabeza y cuando noencuentro una manera de representarlo, invento una. Yalo decía Albert Einstein "es 1% inspiración y 99% detranspiración" más allá de la poético que pueda ser estafrase es una gran verdad que la uso a raja tabla en variosaspectos de mi vida artística.

Cómo se financian los gastos que origina una or-questa de este porte?Es una excelente pregunta, ya que casi siempre pensa-mos que los músicos tocan por amor al arte, y no es así.Para realizar una producción de gran porte como hace-mos con la Quantum Orchestra, tenemos que pensarque hay que pagar a 22 músicos, director de la orquesta,productor general, sonidista, solistas, arreglador, orques-tador, iluminador, stage, catering, fletes, y muchas otrascosas más, sería imposible hacerlo sin el apoyo externoa la orquesta. En mi caso tuve la suerte de tener el apoyodel Mecenazgo, a través de la Secretaria de Cultura deBuenos Aires, la cual ha distinguido mi obra por 2 añosconsecutivos de "interés Cultural para la Ciudad de Bue-nos Aires", además del prestigio de tener una obra contal distinción, la ayuda económica es fundamental paraque podamos hacer realidad toda ésta locura artística.

Cuál es el set que vas utilizar en estas obras?Cambio constantemente, en el concierto de Los 7 Ele-mentos voy a usar una guitarra de 12 cuerdas Ephiphoneque fue customizada por el luthier Christian Umerez, yaque la guitarra era para diestros, en la misma uso un Sey-mour Duncan SA. En guitarras eléctricas una Ibanez SACustom y una Fender Telecaster con DS Pickups queDario Soich me hizo especialmente hace algunos añosatrás. Pedales Fuhrmann y Pigtronix, un delay Boss y unwha wha. En amplificador uso dos DV Mark del cual hacealgunos años trabajo con esta empresa Italiana. Y caja2x12 con parlantes Warehouse.

Cuáles son los proyectos para los próximos años?La Quantum está en una gran etapa tenemos que apro-vechar, seguramente en el primer semestre de 2016 ha-remos otro concierto. Tengo que empezar a componeruna nueva serie de obras que harán referencia a la mú-sica brasileña, que representaran cada estilo, si todo salebien, serán 2 años de estrenos y conciertos no solo enArgentina, estamos contentos. No soy el único loco quese tira de cabeza en esto sino todos los músicos, así quesolamente tengo que agradecer. También junto a IgorSaavedra y Virgil Donati estamos charlando para realizaruna serie de conciertos en trio para mediados de 2016.También tengo una banda de rock que se llama MalopaQuasar, ya grabamos un EP y un Single que hace po-quito salio por el sello Neworld Records para todo elmundo, ahi yo canto y toco la guitarra, es todo más crudoy con mucha actitud, como tiene que ser el rock, me di-

vierto mucho y pronto grabaremos nuestro primer disco.

Qué nos podés decir acerca la necesidad de los mú-sicos, además de dominar su instrumento, tener co-nocimiento de otros?Creo que el músico contemporáneo del 2000 para ade-lante tiene la necesitad de ser un músico más completo,además de dominar su instrumento, conocer de teoría,composición y estar en constante aprendizaje. Podemosver que en youtube.com están llenos de chicos tocandomuy bien todos los instrumentos, muchos con un nivelmuy alto, pero eso no hace que el instrumentista consiganada, por lo menos en el sentido "trabajo musical", noconozco un músico que lo hayan llamado a un laburo porser virtuoso y si por ser un músico completo, es todo untema. Porque nosotros como músicos buscamos perfec-cionarnos todos los días pero muchas veces nos enfo-camos en cosas que no son las correctas. Por ese motivoes muy importante tener un buen profesor, siempre,hasta que tengas un nivel importante como para seguirsolo. Si Hermeto Pascual con sus 90 años se levantatodos los días a las 7 de la mañana para estudiar, porqueno lo podemos hacer nosotros no?.

Estás dando clases de composición y orquestación?Si, el poco tiempo que me sobra entre componer, orques-tar, estudiar y vivir, lo utilizo para enseñar. Doy muchasmenos horas de clases que antes, busco a alumnos quequieran estudiar de verdad, pretendo que el alumno res-pete lo que está aprendiendo y lo ponga en práctica. Mienseñanza no se basa en pasarle al alumno aquello queme ensañaron a mí, sino, que bajo mi visión y punto devista mostrarle al alumno mi experiencia con la música.Que puede ser desde un solo de John Coltrane hasta elpasaje de la Consagración de la Primavera de Stravinsky.La música es universal y hay que estar abierto emocionaly mentalmente para ser capaz de sentirla. Cabe al mú-sico ser artífice de su propia historia y jugarse por ser elmejor artista que él pueda ser.

Sin sus inventos, la estruendosa guitarra de Jimi Hendrixnunca hubiese sonado tan impactante si no hubiese sidopor esa caja negra, rectangular, con un innovador sis-tema de circuitos para los primeros sesenta del siglo pa-sado. Él, sus ayudantes y un ingeniero que contrató,

fabricaron varios modelos desde 1962. El primero, de 45watts, era muy similar al ya existente de la marca esta-dounidense Fender, también creadora de las guitarraseléctricas. Pero la clave la hallaron con el sexto modelo,un amplificador de 100 watts, con controles básicos en

su parte superior, capaz de moldear de forma más po-tente las resonancias eléctricas de los acordes de las gui-tarras. Pete Towshend tenía lo que buscaba para lascanciones de su banda, The Who. También supo tenerde clientes a la generación que saldría de la excelenteescena británica de los sesenta. Eric Clapton, Jimi Hen-drix y Jimmy Page, entre otros, utilizaron estos amplifi-cadores. El rock ya tenía una voz nueva. A mediados dela década del ‘60, estos amplificadores cruzaron elcharco y se convirtieron en una pieza deseada entre losmúsicos estadounidenses. Según contaba el propioMarshall, Roy Orbison fue el primero en hacerle un pe-dido en 1964 aunque, sobre todo a partir de los setenta,fue habitual ver estas famosas cajas negras en concier-tos y estudios de grabación. En una conocida imagen, labanda Kiss posó rodeada de ellos mientras Slash deGuns N’Roses o Kurt Cobain de Nirvana no entendíansu música sin su presencia. Artistas como Angus Young,Joe Perry, Ryan Roxy, Zack Wylde, Graham Coxon,Steph Carpenter, John Norum, Gary Moore, Dave Mu-rray, Adrian Smith, Janick Gers, Dave Navarro, Jeff Beck,Joe Bonamassa, Joe Satriani, Dave Mustaine, Lemmy,Matt Bellamy, Phil Campbell, Randy Rhoads, Richie Kot-zen. Slash, entre muchos otros han elegido Marshall para

guitarristas y bajistas.ar

Este año se cumplen 53 años de la creación de una marca íntimamente ligada al rock, marshall. marshall Amplification fue fundada a principio de la décadade los años 1960 por jim marshall en su negocio de instrumentos de hanwell, londres. Por Sergio resar

marshall, el ampliFicador Que cambió la historia del rock

22 | marshall, el amplificador que cambió la historia del rock

marshall, el amplificador que cambió la historia del rock | 23guitarristas y bajistas.ar

modelar su sonido tan característico. Marshall, graciasal sonido de sus amplificadores, quedó asociada al rocky aquí detallamos sólo algunos de la gran variedad quefabricó Marshall en más de 50 años.

marshall jTm45Después de trabajar en variaciones, decidieron lanzar elsexto prototipo. Jim Marshall recordó en una entrevistaque el primer día que puso el amplificador en su negociorecibió 23 pedidos, aunque en ese tiempo sólo podíanconstruir uno o dos a la semana. Este amplificador even-tualmente fue llamado JTM45: Las iniciales eran por Jim

y su hijo Terry Marshall, y el voltaje del amplificador era45. En ese tiempo, la mayoría de los parlantes no podíansoportar más de 15 watts, así que Marshall crucialmenteseparó el amplificador de los parlantes, colocando de lamarca Celestion en un gabinete cerrado. También usóun tipo de válvula que potenciaba las frecuencias altas.

marshall Bluesbreaker y el marshall stackEl Stack Marshall de amplificadores es una de las carac-terísticas permanentes de los conciertos de rock. Al igualque el amplificador original de Marshall, muchos de losdesarrollos de los productos de la compañía fueron unarespuesta a pedidos de los músicos. Marshall desarrollóel amplificador Bluesbreaker por pedido de Eric Clapton,quien quería un amplificador combo con trémolo que en-

trara en el baúl de su auto. Clapton usó el amplificador,junto con su guitarra Gibson Les Paul, en el álbum"Beano" con John Mayall y los Bluesbreakers. La bandale dio al amplificador su nombre. Otro guitarrista, PeterTownshend, quería más amplificación y Marshall diseñóun amplificador con válvula de 100 watts y duplicó el nú-mero de válvulas para crear el Marshall Super Lead mo-delo 1959, conocido como el Plexi. Townshend le pidió aMarshall que construyera un gabinete para que el Plexidescansara, y el "Marshall Stack" nació.

marshall jCm 800Durante los ‘70s, en respuesta a pedidos de más distor-sión, Marshall introdujo los amplificadores Master Volume(MV). La introducción de un control de volumen dual creóun sonido vanguardista popular con guitarristas comoSlash de Guns N' Roses. Los amplificadores MV luegofueron renombrados como la serie JCM 800.

marshall jCm 900En los ‘90s, Marshall lanzó los JCM 900 que combinabanlas características favoritas para los guitarristas de laserie JCM 800 pero agregó más distorsión para suplir lasnecesidades de una nueva generación de guitarristas.

marshall jvmConstruida por los británicos, el JVM410H 100 watts todovalvular redefine versatilidad gracias a cuatro canales to-nalmente independientes, Clean, Crunch, OD1 y OD2,cada uno con tres modos seleccionables. Cada modoreconfigura la estructura de ganancia de cada canal, loque hace doce modos en total. El panel frontal JVM410Hparece alucinante con sus veintiocho controles y ochointerruptores, sino porque está intuitivamente diseñado,es muy sencillo de utilizar. El JVM410H también cuenta

con cuatro reverbs de calidad de estudio (uno por canal),EQ de canal individual, dos volúmenes Master, y una me-moria que puede recuperar los ajustes de reverberación,loop de efectos y Master.

sErGiO BErDiCHEvskyQué música se escuchaba en tu casa?Tango por supuesto, tengo recuerdos de la músicaque se escuchaba desde fines de los ‘60, principiosde los ‘70, también los clásicos del rock, The Beatles,Creedence Clearwater Revival, Rod Stewart, The Ro-lling Stone, algo de Pink Floyd, Alan Parsons, y otrosde la época, Focus, no sé...

Por qué la guitarra?Me eligió ella, fue algo natural, no elegí, vino a mí!!!!

Con quiénes estudiaste?Primero un primo me pasó los primeros acordes, des-pués Julio Morano de WC, Botafogo Don Vilanovamás adelante, y aprendí mucho viendo y tocando conWalter Giardino también.

Cómo se llamaba tu primera banda? Quiénes laintegraban?Era en la escuela secundaria, con compañeros, elotro violero era Juanchi Baleiron de Los Pericos, éra-mos compañeros en segundo año, debía ser 1978 o1979, se llamaba Hallowen.

Cómo era tu relación con juanchi?Genial, compartíamos la música y la novia jajajaja-jaja!!! Las guitarras no....

llega rata Blanca a tu vida, cómo fue que ingre-saste y en qué año?De la mano de Gustavo Rowek, ya tocábamos juntosmientras el tocaba en V8. Zapábamos con una bandaque se llamaba 220 que tenía después de Hallowen.Cuando V8 se separa, Rowek y yo teníamos pen-sado hacer algo juntos, cuando él conoce a WalterGiardino me lo presenta y ahí cierra la historia.

Qué discos grabaste con rata?Rata Blanca, Magos, Espadas y Rosas, Guerrero delArco Iris, En Vivo en Bs As (en vivo en el TeatroOpera con la Orquesta de Cámara y Solistas Bach),El Libro Oculto, Entre el Cielo y el Infierno, Rata 7,mas algún homenaje a Sumo, un tema y un instru-mental para un disco de violeros, con el Preludio!

Cuando se separa rata Blanca, armaste otrogrupo, cuál era y quiénes te acompañaban?Nativo, con Gustavo Rowek, Carucha Podesta, y Ja-vier Tumini, grabamos cuatro discos muy buenos,“Consumo”, “Futuro”, “Vos Tambien”, “Y Que”.

Cómo es que fueron el grupo invitado de mega-deth en 1998?Sabes que no recuerdo jajajajaj, seguro nos invitaronpor estar entre las posibles bandas a compartir elshow, creo que era la época que el sello Nems, quehabía lanzado el disco "Consumo", nuestro debut.

Pero no fue el único grupo que los invitó a abrirrecitales, nos contás cuáles más y en qué años?Con Nativo, junto a Red Hot Chilli Peppers, Biohaz-zard, Bad Religion, y algún otro que ya no recuerdo.

Cómo está compuesto tu set?

guitarristas y bajistas.ar 26 | Notas centrales 2015

les mostramos un resúmen de las notas centrales que fue-ron publicadas a lo largo de 2015. interesantes anécdotasde Sergio berdichevsky; coqui rodríguez; Daniel castro yVictor bertamoni y Pali Silvera de Estelares. Por g&b.arnotas centrales 2015

guitarristas y bajistas.ar 28 | Notas centrales 2015

Amplificador Laney Iommi, bafle Laney, Cort Z Cus-tom 2, Wah Cry Baby, Rotovibe, Whammy! Dependelo que tenga que tocar tengo equipos y violas dife-rentes de la línea de las marcas que uso, preferen-temente equipos valvulares, aún los combo, VC30de Laney, Cub 12, también valvular de Laney

COQui rODriGuEZPor qué elegiste la guitarra como tu instrumento?Supongo que por una cuestión de familiaridad conel instrumento. De chico ya veía a mi viejo tocando.Estudié un año piano, pero termine pasándome a laguitarra. También tuvo influencia el tipo de relaciónfísica con el instrumento. Me resultaba algo así comoun abrazo a la guitarra.

Con quiénes estudiaste?Primero con mi viejo. Después pasé a tomar mis pri-meras clases formales con Mario Meychtry, en Con-cordia. Ya en Buenos Aires, estudié con AlejandroMoro, Pino Marrone, Marcelo Gurfraind, Martín Porto.

Aprendiste a tocar otro instrumento?Algo de piano, bajo y batería.

Cuándo decidiste venir a Buenos Aires?Cuando termine la secundaria, vine a estudiar Inge-niería. Quería ser ingeniero en sonido. Después de3 años y algo, cambie de rumbo definitivamentehacia la música.

Hace cuánto tiempo estás con Pedro Aznar?Mi primer fue show con Pedro Aznar fue en Julio del2010. Casi 5 años han pasado.

Qué instrumentos tocás en ella?Guitarras (eléctricas, nylon y acero), cuatro venezo-lano y también hago coros.

Te permite meter tus propios arreglos o él ya teda todo armado?

Depende. Las cosas que son arreglos puntuales decada canción se mantienen como tales. Pero haymucho de improvisación, o libre interpretación. Todolo que enaltezca la música, siempre es bienvenido.

Cómo está compuesto tu set?Actualmente estoy usando un Pod HD500X deLine6. No usamos amplificadores ni monitores depiso en el escenario. Se trata de mantener la mayorlimpieza de audio. Además uso una James Tyler Va-riax, en particular una JTV59. Es una guitarra queme permite acceder a distintos tipos de audios (Stra-tocasters, Telecasters, Les Pauls, etc) así como aafinaciones distintas, girando un selector. Me ayudamucho, porque en el show hay muchos cambios, ymuy poco tiempo para pasar de una cosa a otra.

DAniEl CAsTrOPor qué elegiste el bajo como tu instrumento?Desde que recuerdo siempre presté atención al bajoen las canciones, buscando entender los movimientosde sus líneas junto con la voz y la batería. Asumo queya ejercía de bajista antes de tocar el instrumento.

Con quiénes estudiaste?Como bajista soy autodidacta, durante mi adolescen-cia no había profesores de bajo donde vivía, así querecurrí a estudiar guitarra clásica con un señor mayorque me enseño teoría y solfeo. Aprendí a leer músicarápidamente, comencé a comprar métodos de bajo ylos estudiaba solo. Eso, y la data que me pasaban losvioleros con los que tocaba fueron mi primera forma-ción musical. Más adelante tomé clases de piano yarmonía con el maestro Alberto Quercia Lagos.

Qué bajistas te influenciaron?Paul McCartney, John Paul Jones y Machi han sidolos pilares. La lista de súper héroes sigue con TonyLevin, Marcus Miller, Jaco Pastorius y todos los quegrabaron con Steely Dan y Tom Waits.

Cómo surgió la posibilidad de tocar en Friccióncon richard Coleman?Richard me llamó para tocar en dos festivales (sehabían quedado sin bajista) y pegamos demasiadaonda así que me quedé en la banda. Grabamos undisco del que siempre sentiré orgullo “Para Terminar”producido por Gustavo Cerati. La amistad ha perdu-rado y hoy me encuentro compartiendo su etapa so-lista. Llevamos grabados los discos “Siberia CountryClub” e “Incandescente”.

Cómo fue la experiencia con el gran miguel Za-valeta en sueter?Gran cantante y tipo muy divertido. Yo había vistomuchos shows de Sueter con el genial GustavoDonés en el bajo, por momentos no podía creer

Notas centrales 2015 | 29guitarristas y bajistas.ar

estar tocando esas canciones. Fue un cortotiempo presentando “Sueter 5”, hicimos unoscuantos buenos shows.

Antes fue con el gran David lebón?David fue el que me abrió las puertas de las gran-des ligas, yo soñaba con tocar en su banda y unbuen día hubo audiciones para elegir bajista. Apartir de ser elegido asumí un compromiso mayorcon la música. Tocar a lado de músicos del calibrede David, Dani Colombres, Leo Sujatovich, DiegoRapoport, Luis Gurevich, Didi Gutman, Mario Par-misano y muchos otros en escenarios grosos,con técnicos de primera me dio un panorama delo que tenía que superarme para seguir allí.

Cómo está compuesto tu set?Actualmente salgo de gira con un bajo WarwickRobert Trujillo Artist Series de 5 cuerdas y en oca-siones también saco el Warwick Star Bass ProSeries y el Warwick Streamer Stage II del 97’. Enmi casa se queda el Warwick Tumb bass del 94’que es mi bajo favorito pero realmente me partela espalda el peso. Mis amplis son Ashdown, usouna caja directa Radial y varios pedales Aguilar,Tech 21, Xotic, etc.

EsTElArEsCuéntennos como era la infancia de cada unovictor Bertamoni: Mi infancia transcurrió en el ba-rrio Pueblo Nuevo de Junín, dividiendo el tiempoentre la escuela y jugando a la pelota con amigos. Pali silvera: La disfruté muchísimo. Vivía a una cua-dra de una plaza, así que siempre con amigos, ju-gando al fútbol, a la hora de la siesta, visitando casaabandonadas. También recuerdo mis vacaciones enMar del Plata, que es una ciudad que quiero mucho.

Por qué elegiste la guitarra como tu instrumentovíctor y con quién estudiste?

victor Bertamoni: Es un instrumento popular,siempre hay alguna guitarra cerca. En mi casa es-taba la guitarra de mi madre, oyendo las piezas queella tocaba capte la lógica del instrumento. Y luegocompañeros de colegio me enseñaron los primerospasos en canciones. Estudié guitarra con el maes-tro Alberto Moris, en Junín, luego en la Casa delTango de La Plata con Hugo Magnelli. Con QuiqueSinesi en Buenos Aires. Seguí diferentes caminosde aprendizaje según la inquietud que me surgíaen cada etapa.

y vos por qué el bajo Pali?Pali silvera: En realidad después de ver a TheCure en el ’87 en Ferro decidimos con unos amigos

del barrio armar una banda. Con Guillermo Coda,(ex Peligrosos Gorriones, hoy en Juana la Loca),que ya sabía algunos acordes y también con TeteMorgada (ex Venenosos) sabía algunas cosas debatería, así que no tuve mucha opción. Empecé atocar el bajo para poder armar una banda con ellosy enseguida me enamoré del instrumento. Ese fuemi punto de partida.

Cómo se conocieron?victor Bertamoni: Nos formamos en La Plata, ytanto a Manuel como a Pali los había visto tocar consus bandas anteriores. A Manu y a Oscar Torguet(primer baterista de Estelares) los conocía de Junín.Con Manu volvimos a encontrarnos en La Plata enla Facultad de Bellas Artes (él cursaba artes plásti-cas y yo composición musical). Pali silvera: Con Manu nos conocimos compar-tiendo fechas en el ’87, ’88, yo tocando con Bat39 yél con su banda de ese momento. Después él y Víc-tor empezaron a armar otra banda y me vinieron abuscar. Todo esto pasó a principios de los ’90. Des-pués de eso no nos volvimos a separar. A partir deahí estamos juntos con Estelares.

Cómo está compuesto el set de cada uno?victor Bertamoni: Actualmente mi set consta deuna guitarra Fender Telecaster, unos pocos pedales:wah wah, distorsión, delay Boss DD7 y trémolo. Elamplificador que uso frecuentemente es un FenderBlues DeVille y ultimamente agregué un amplificadorLaney Lionheart.Pali silvera: Utilizo varias cosas pero últimamentete diría que estoy usando una caja 8x10” de Laney,junto con un cabezal MarkBass, siempre tengo amano un SansAmp durante los shows para engrosarun poco el sonido y creeme que suma mucho. Enlos últimos meses estoy tocando con un Fender JazzBass American Standard pero también tengo un Mu-sicman y un Gibson Ripper.

El 18 de noviembre de este año, en el auditorio cendas,se llevó a cabo una charla/clínica sobre las famosas gui-tarras Paul reed Smith o más conocidas simplementecomo PrS. Por Sergio resar

La misma estuvo a cargo del International Sales Ma-nager de la marca para Latinoamérica y México, JoséLuis Chaure Bueno. Después de una breve presenta-ción del Gerente de Ventas de Fama Music SA (repre-sentante en el país de PRS Guitars), Gustavo Miri. JoséLuis empezó la disertación tocando un tema de la le-gendaria banda estadounidense, Kansas, con una PRSmodelo P22. Luego, nos habló sobre la historia de PRSGuitars y haciendo una comparación y contándonos lasdiferencias con las otras dos marcas líderes del mer-cado y donde estaban insertadas sus guitarras. Nos re-lató que aún el día de hoy, Paul Reed Smith sigue alfrente de la compañía, aportando ideas y que eso es loque más los diferencia del resto de los fabricantes deguitarras eléctricas. Chaure Bueno, de amplia trayec-toria en el medio (ha trabajado para Taylor y Fender enel pasado), volvió a tocar un tema, en esta oportunidadde Santana, para la delicia del público presente que yahabía colmado la capacidad del Auditorio Cendas.

A continuación nos explicó el por qué de los valores deestas exquisitas guitarras, que están hechas de unasola pieza, tanto cuerpo como mástil, a diferencia desus competidores que la hacen de dos o más piezas.

También nos expresó que maderas se usan y el pro-ceso del secado de las mismas y cuáles son las quetienen más y mejor sonoridad. Tras este relato, hizosubir a uno de los concurrentes a tocar un Blues con élcon otra guitarra PRS. La charla prosiguió contando anécdotas de Paul Reed

Smith y como fue insertándose en este fabuloso mundode las guitarras. También habló de la guitarra que es-taba usando para la demostración, la cual tiene las si-guientes características: la P22 viene de serie con unatapa de Maple, cuerpo de caoba, el mástil es de lamisma madera que el cuerpo, con 22 trastes y diapasónde palisandro. El sistema eléctrico de esta guitarra eslo que distingue a este modelo de otros de la mismamarca. La misma tiene dos salidas independientes

dado que además de sus micrófonos 58/15, cuenta conun micrófono piezoeléctrico en el puente y puede simu-lar de manera muy auténtica a una guitarra acústica.Es decir, una salida puede ir al amplificador y la otra auna caja directa para el sonido acústico. José Luis hizosubir al escenario, al excelente guitarrista Ariel Pozzo(que debe ser una de las personas que más sabe dePRS Guitars en nuestro país) a tocar un tema con él.También, tanto Ariel como José Luis nos presentaronel modelo que se hizo en homenaje a nuestro queridoGustavo Cerati, una Multifoil muy similar a la que usabaeste gran músico y de las cuales sólo han hecho unacantidad limitada.

Para terminar la charla, José Luis se abocó en hablarde los amplificadores PRS, nos presentó dos modelosen esta oportunidad, el PRS Archon Combo y el PRSCustom 50, de los cuales nos referiremos en una pró-xima nota. Para finalizar la velada y como ya nos tienenacostumbrados los integrantes de Fama Music SA, lle-garon los sorteos que fueron doce. El último fue el afor-tunado ganador de una guitarra PRS. Así se fue estafantástica noche de música y aprendizaje sobre una delas mejores marcas que existen en guitarras y bajos.

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clinica paul reed smith

30 | clinica PrS

ampeg portaFleX pF-50t bass head

Ampeg es un fabricante de amplificadores a válvulas legendarios como el míticoSVT y el B15, es sin duda uno de los nombres más famosos en la amplificaciónde bajos. La serie Portaflex de Ampeg combina el estilo vintage del diseño delgabinete icónico de Ampeg con una selección de sonidos poderosos, modernos.Los PF-350, PF-500 y PF-800 son cabezales perfectos para los bajistas queexigen alto rendimiento en un diseño ligero y portátil.

En esta oportunidad hablaremos del asombroso Ampeg Portaflex PF-50TBass Head. Este cabezal amplificador de 50 watts para bajo, pone los sonidosemblemáticos de los amplificadores Ampeg en un tamaño compacto, idealpara ensayo, pequeños conciertos, y grabación. En el interior del Ampeg Por-taflex PF-50T Bass Head hay una serie de válvulas 12AU7 y 6L6 que alimen-tan el amplificador, que evocan el sonido de los viejos Ampeg. Con un pesode menos de nueve kilos, el pequeño tamaño y peso ligero hacen que el trans-portar el Ampeg Portaflex PF-50T Bass Head sea un trabajo muy sencillo.

El Ampeg Portaflex PF-50T Bass Head cuenta con un perfil rediseñado, perocon el mismo formato flip-top. Hay un amplio control de tono, con ecualizador

de 3 bandas, 5 posiciones de medios mediante un interruptor y un conmutadorHi / Lo Ultra. Además de tono legendario que Ampeg proporciona desde siemprey todas las válvulas de alimentación, los cabezales Ampeg de la serie Portaflexproporcionan herramientas útiles como DI, loops FX y grabación silenciosa sinparlantes requeridos.

CArACTErisTiCAs• Potencia de salida RMS: 50 W @ 4 u 8 ohmios• Preamp: Todos los tubos [2] x 12AX7• Amplificador de energía: Todas las válvulas [1] x 12AU7, [2] x 6L6• Entradas: entradas 0dB y -15dB• Controles de tono: graves, medios, agudos• Control de tono medio: de 5 posiciones• EQ adicional: Ultra aumenta Hi / Lo• Control de ganancia de entrada: Sí• Dimensiones: 7.3 "x 13.9" W x 10.4 "D• Peso: 8,8 kg• Línea de preamplificador salida: Equilibrado, c/ Pre / Post EQ y separación de masa• Salida de línea del transformador: Equilibrado, c/ separación de masa

32 | Ampeg Portaflex PF-50t bass head guitarristas y bajistas.ar

34 | calibrando mi guitarra guitarristas y bajistas.ar

De que depende el sonido de una guitarra eléctrica?Muchas veces escuchamos decir que si a una viola barata le pones unos buenosmics vas a tener el mismo sonido que una viola de primera línea. Lamentable-mente esto no es cierto. Nótese que use el término ‘primera línea’ y no ‘primeramarca’. Hago esta aclaración porque lamentablemente las marcas, en su ma-yoría, no son garantía de nada.

Ahora bien volviendo a la pregunta del título ¿De qué depende el sonido de unaguitarra eléctrica?. En primer término la madera es algo determinante. Unabuena madera, bien estacionada, y correctamente cortada, nos dará una carac-terística tonal determinada y balanceada. Los diferentes tipos de madera tienendiferentes sonoridades. Y la combinación (o no) de esto nos dará característicastales como mayor o menor sustain, determinado color en el sonido, mayor o

menor ataque, etc. Más allá de esto, la elección del método de construcción re-saltará tales características. El mástil encolado, por ejemplo, nos brindará mayorcuerpo y sustain sucediendo lo opuesto con un mástil atornillado que si nos pro-porcionará mayor ataque. Un largo de escala más largo nos proporcionará unsonido más nítido que una escala corta. En última instancia el hardware y laelectrónica terminarán de aportar sus características propias. Los puentes deltipo Tune-o-matic con su sistema de anclaje, trasmiten la vibración hacia el co-razón de la madera aprovechando mas sus cualidades tímbricas. Las pastillasde bobina simple aportan mayor nitidez que los de doble bobina (los cuales pro-ducen mayor coloración).

Si tomamos para analizar y comparar dos modelos emblemáticos como ser LesPaul y Stratocaster podemos ver las siguientes características

lEs PAul• Escala Corta• Combina Caoba y Maple en el cuerpo • Mástil de Caoba• Mástil encolado• Puente tune-o-matic• Humbuckers• Pala en ángulo

sTrATOCAsTEr• Escala Larga• Cuerpo de Fresno o Aliso• Mástil de Maple• Mástil atornillado• Puente atornillado• Single coils• Pala Recta

Como vemos Todos los elemetos de una Les Paul apuntan a un sonido conmayor cuerpo y sustain mientras que los de la Stratocaster apuntan a un sonidocon mayor ataque, brillo y nitidez.

Obviamente podríamos hacer un análisis mucho más profundo de esto pero ex-cedería en mucho el espacio de esta columna. Lo que les propongo tengan encuenta estos datos a la hora de elegir un instrumento ya que si lo piensan, elhardware puede cambiarse, la electrónica puede cambiarse, los trastes puedencambiarse, pero lo único que definitivamente no podemos cambiar es el mueble,la madera y este es el verdadero corazón del sonido de nuestro instrumento.Espero que puedan tomar una sabia decisión.

calibrando mi guitarra Abordaremos en esta sección diferen-tes temas sobre luthería, para aprendersobre el cuidado de nuestro instru-mento. Por Facundo lópez burgos

guitarristas y bajistas.ar Suplemento técnico | 35

Eric Jacobs es Ingeniero en Telecomunicaciones de la UNLP con mas de 35 años de experiencia en la industria. Desde 2009 llevaadelante el emprendimiento Jake Amps dedicado exclusivamente a soluciones para el equipamiento musical. Todos los productosson originales y diseños personales. Lleva entre sus mejores logros el ya legendario amplificador de 7W Blues Mojo y actualmente elpremiado amplificador The Riffer, asi como los switchers de pedales Small Foot y Big Foot.

Por Eric jacobs

SEguriDAD ElÉctricADesde que tomé conocimiento de las desgracias que hubo en cuanto a se-guridad eléctrica en los shows, me compenetré tanto como pude para de-terminar técnicamente cuales pudieran ser las causas y cómo prevenirlas.

ampliFicadores

He descubierto que existen causas tanto del lado de las instalaciones como delequipamiento portátil que llevan los músicos, lo que termina produciendo unacombinación letal y responsabilidad compartida.

Existen reglamentaciones que especifican como deben ser las instalaciones y esobligatorio que tengan llave térmica, disyuntor diferencial, tierra de seguridad ycorrecta polaridad en los tomas. Esto rara vez se cumple en la mayoría de los si-tios donde toca el underground. Por el lado del equipamiento existen varias cau-sas que conducen al desastre.Las origina principalmente el hecho de que losamplificadores necesitan tierra para no producir excesivo ruido de “hum” (residuosde los 50 Hz de la red de distribución).

Este es un viejo drama que arranca desde antes que hubiera tomas con tierraen las instalaciones, tanto acá como en USA. Hablamos de antes del los ’80cuando los tomas eran de dos patas no polarizadas, por lo que se podía enchufaren cualquier sentido. Al no haber tierra los fabricantes optaron por conectar elchasis al neutro con un capacitor que hoy día se lo conoce como Death Cap porla cantidad de muertes que causó, ya que el 50% de las veces la conexión que-daba al revés y el chasis quedaba conectado al vivo. Esto ocurría tanto con losamplificadores de guitarra como con los de voces o consolas.

Luego de que se reglamentó las instalaciones con tomas de tres patas donde seagrega un terminal de tierra y se especifica cuál es el vivo y cuál el neutro, sedejó de poner el Death Cap, pero aún hay muchos equipos dando vuelta con esemortal peligro instalado adentro. La normativa desgraciadamente no alcanza paraasegurar el cumplimiento y es frecuente encontrar tomas invertidos y sin tierra.La única tierra válida y que funciona correctamente es una jabalina de cobre de1,5 m y 12 mm de grueso clavada en la tierra instalada por un electricista matri-culado. La tierra no debe unirse al neutro.

La falta de tierra no puede reemplazarse por un cable con una pinza o cocodriloconectada a una cañería (práctica habitual pero peligrosa) ya que es común quelas cañerías tengan tramos plásticos y eso pone en peligro de electrificar las ca-nillas poniendo en riesgo a mayor cantidad de personas. Tampoco a una reja omarco de puerta o ventana, porque la mampostería no es buena tierra y se correel riesgo de electrificar dichas instalaciones. A falta de tierra muchas veces algu-nos técnicos cometen el gravísimo error de conectar la tierra al neutro, lo cual sibien baja el ruido, produce el mismo riesgo que el Death Cap. La muerte del mú-sico de Córdoba este año se produjo por conectar la tierra al neutro en una za-patilla. Eso pudo funcionar bien en un toma, pero bastó conectar esa zapatillaen un toma invertido para poner vivo en el chasis. Para complicar un poco másla situación, los interlocks que se usan para alimentar los equipos a veces vieneninvertidos, lo he verificado personalmente. Otra causa son los transformadoresque se usan para conectar equipos de 110V a la red de 220V. Existe una formade bobinar esos transformadores que ahorra mucho cobre y los hace más bara-tos. Se llaman autotransformadores y tienen el grave problema de poder dejar elchasis a 220V o a 110V dependiendo de la polaridad del toma. Recomiendo ve-rificar los transformadores y reemplazarlos por transformadores reales.

Muchos piensan que el disyuntor diferencial es la solución mágica para todos losproblemas, pero lamentablemente no es cierto. Los disyuntores más sensiblescortan con una fuga a tierra de 25mA, pero 10mA bastan para quedarse pegado.Por otro lado sólo cubren contra fugas a tierra por lo que si la descarga se produceentre vivo y neutro el disyuntor nunca corta.

Si vos tenes en tu mano izquierda el micrófono vocal conectado al neutro y en tumano derecha las cuerdas de la guitarra unidas al vivo y tenés zapatillas aislantes,básicamente quedaste conectado como una lamparita y el disyuntor está dise-ñado para que no corte en esas circunstancias, de lo contrario no habría uso po-sible de la electricidad. Por eso es que insisto tanto en que un tablero portátil condisyuntor para la banda no alcanza.

Otra forma de aislarse es usar inalámbricos, pero aún así no hay garantías. Porejemplo al finalizar el show se abrazan los integrantes de la banda y el primerode la derecha tiene el micrófono vocal en la mano mientras el último de la iz-quierda tiene el instrumento en la mano conectado a su equipo. En este caso eldel medio tenía todo inalámbrico pero sus compañeros de banda lo conectarona la red con su cuerpo y quedaron todos zapateando la chacarera. El mejor mé-todo de prevensión que puede usar cualquiera y es barato, rápido y confiable,es el buscapolo. Para el que quiera profundizar más en el tema les recomiendoacceder al grupo SEGURIDAD ELECTRICA & ROCK en el Facebook.

IGOR SAAVEDRA es un concertista en Bajo eléctrico, considerado por la crítica especializada como pionero del Bajo de 8 cuerdas y au-

téntico embajador de la cultura bajística Latinoamericana. Ha tocado con: Bob Sheppard (Chick Corea), Danny Gottlieb (Pat Metheny),

Damien Schmitt (Jean Luc Ponty), David Garfield (George Benson). Ha dado conciertos en: Bass Player Live (US), London Bass Guitar

Show, Lords of the Low End (US), Bass Day Poland, Bass Day Germany, Detroit Bass Festival. Ha impartido Master Classes en: Berklee

School of Music, NY Bass Collective, Univ. of British Columbia, Uniwerzytet Warminsko-Mazurski (Polonia) - www.igorsaavedra.com

Translation reprinted with permission of BassMusicianMagazine.com

Fotografia: © ECU Fotografía

Por igor Saavedra

guitarristas y bajistas.ar 36 | Suplemento técnico

lOS 10 mANDAmiENtOS Y lOS 7 PEcADOS cAPitAlESDEl bAjiStA PrOFESiONAlEste artículo es muy breve, pero a la vez estimo que es muy sustancioso.Por supuesto no tomen nada de lo que aquí digo como un dogma

bajo

No soy una persona religiosa y estimo que debe haber pocas personas en estemundo a las que les disgusten más los dogmas que a mí, así que sólo tomen esteartículo como “una forma creativa” de entregarles un humilde consejo en relación alos aspectos que considero los más importantes que un bajista debe tener en cuentapara implementar, y por otra parte, aquellos que son los más importantes que en miopinión debe evitar.

lOs 10 mAnDAmiEnTOs1) El Beat es tu Dios.2) La fundamental del acorde es tu Diosa.3) Invierte más en “aprender música” que en adquirir artículos “para hacer música”.4) Nunca toques demás, procura mantenerte cerca del límite mínimo de elementos.5) Mantén SIEMPRE tu Bajo limpio, calibrado y entonado.., y cambia tus cuerdasalrededor de 3 días ANTES de cualquier concierto importante.., nunca el mismo día.6) No olvides afinar tu Bajo y relájate un 100% antes de poner un pie en el escenario.7) Nivela cualitativamente cada eslabón de “La Cadena del Sonido” (amp, cabinet,cables, jacks, pickups, instrumento, cuerdas, técnica, etc.,) Si acaso uno sólo deestos eslabones es más débil, esa será la exacta medida de la calidad de tu sonido.8) Nunca pienses que eres tan bueno como para no tener nada más que aprenderde las experiencias o de las personas.

9) Siempre llega a tiempo para tus reuniones, ensayos y conciertos.10) Sé agradable, responsable, gentil, considerado, empático y solidario con tus co-legas.., pero al mismo tiempo exige estos mismos valores de ellos para contigo.

lOs 7 PECADOs CAPiTAlEs1) Faltar el respeto al Pattern de Bajo al punto de hacerlo inestable e irreconociblea raíz del exceso de variaciones y ornamentos.2) Tocar Slap o Tapping cuando el contexto no lo requiere.3) Tocar más Popping que Thumbing cuando se acompaña con Slap.4) No escuchar lo que los compañeros de banda están tocando.5) Pasar más tiempo tocando desde el 12do espacio hacia arriba que desde el 12doespacio hacia abajo.6) Tocar bajo la influencia del Alcohol, drogas, odio, furia, rabia y/o stress.7) Pensar que tocar un instrumento “que se llama Bajo” es lo mismo que “Tocar Bajo”.

Eso sería todo por esta ocasión amigos míos.., pronto parto a tocar al NAMM2016 en Los Ángeles para luego dedicarme a la grabación de mi segundo álbumsolista “Organic Bass 2”, la vida constantemente nos va ofreciendo la maravillosaoportunidad de aprender…, así que al menos por mi parte… ¡¡Aprendiz de Bajistapor siempre…!!

Maycown Reichembach es guitarrista, compositor, arreglador, Orquestador y pro-

ductor artístico. Guitarrista de la Quantum Orchestra y de Malopa Quasar.

Cualquier consulta pueden escribirme a maycown@gmail.com

guitarristas y bajistas.ar Suplemento técnico | 37

ligADOS EXtrEmOSSiempre me pareció interesante la técnica de ligados por la posibilidad de dinámica que tiene, ya queotras técnicas como el alternate picking o sweep son más difícil de obtener este tipo de efecto y laposibilidad de velocidad sin necesidad de usar la púa cada vez que se ejecute una nota.

guitarraPor maycown reichembach

Los más populares maestros del "Legato" son Allan Holdshorth, Steve Vai, Joe Satriani.Ellos se aventuraron a desarrollar sus propios ligados generando así un estilo muyparticular. En mi caso trate de desarrollar los mios, y estes tres ejemplos que voy ademostrarles ahora reflejan un poco de eso.

El ejercicio n°1 está sobre LA menor eólico, presta atención que no todas las notasson ligadas, en la partitura podrás notar bien cuales son y donde ligar.

El ejercicio n°2 está en quintillos sobre Re Mixolídio con 4 aumentada, modo de lamenor melódica muy utilizado en el jazz y la música moderna.

El ejercicio n°3 es el más dificil de los tres, ya que está en semifusas y es cromático,no hay mucho secreto, solamente tocar con el metrónomo bien lento para que salgantodas las notas claras, luego aumentar la velocidad.

Espero lo disfruten, si quieren el audio de los ejercicios solo escríbanme por mail amaycown@gmail.com

Alejandro Tiscornia es compositor, arreglador, productor, coach y ejecutante de bajo eléctrico.

Actualmente se desempeña como bajista del power-trío Malopa Quasar y de la Quantum Orchestra.

Por cualquier consulta, o para hablar del futuro del bajo, escribile a aleluist@gmail.com.

guitarristas y bajistas.ar 38 | Suplemento técnico

Por Alejandro tiscornia

Un solo necesita, por lo general, más contenido melódico que el que serviría, porejemplo, para acompañar una canción. Pero no por eso el bajo debe dejar decumplir su función principal; entonces, ¿por qué no hacer las dos cosas al mismotiempo?

Una buena forma de poner en práctica esta idea es tomar una canción y ejecutarla melodía vocal intentando, al mismo tiempo, acompañarla. El objetivo es con-densar las ideas ejecutadas por varios músicos en un solo instrumento, siempremanteniendo la melodía en el plano principal. Esto probablemente los lleve a em-

plear técnicas que no usan seguido, y a encontrar nuevas formas de expresarideas. Es un desafío, sí. Pero un desafío divertido, ¡pruébenlo!

A modo de ejemplo, y para que se diviertan un rato, los obsequio con un frag-mento del arreglo de “Stairway to Heaven” que ejecuto en el segmento solista delos shows de mi banda, Malopa Quasar. No es particularmente difícil (el solo deguitarra a dos manos, no incluído aquí, sí que lo es) pero siempre saca una son-risa al público. ¡Espero que les guste!

iDEAS PArA SOlOSEl bajo es un instrumento que acompaña: de ahí la errónea percepción (y los chistes) acerca de lo aburrido de los solosde bajo. Y es cierto: si un segmento solista fuera acompañamiento y nada más los bostezos no se harían esperar. Poreso en éste y próximos números veremos algunas ideas que pueden apliquen a sus solos. hoy: hacer cantar al bajo.

bajo

tAPPiNghola amigos ! esta lección hablaré de una técnica muy interesante, que fue muy utilizada por el granguitarrista Eddie Van halen, se llama ¡tapping! Por Denison Fernandes

guitarristas y bajistas.ar Suplemento técnico | 39

Guitarrista Brasileño, estudió en la Universidad Souza Lima.

Escribió para la revista Guitar Player, además de ser uno de

los referentes en guitarra rock-metal de Brasil.

guitarraPara tener una buena articulación con las notas y un sonido limpio, debemos prestar atención a las cuerdas que no están siendo utilizadas amortiguando y evitandoque suenen junto con el Tapping. En este ejemplo tenemos la escala pentatónica de Mi menor, siendo tocada con un ritmo de semicorchea, Fíjensé que tenemos dosformas de la escala, uno para la mano que ejecuta los Hammer ons y Pull off , y otra forma de la escala en el Tapping. Empiecen tocando lentamente y poco a pocoaumenten la velocidad del metrónomo. Buen estudios para todos!

Utilizando mensajes MIDI podemos controlar los distintos equipos que procesan laseñal del instrumento: preamplificadores, amplificadores y efectos. En todos loscasos se debe consultar en el manual la sección "MIDI implementation chart", quees donde se detalla la implementación MIDI del equipo. Para interconectar dos equi-pos con MIDI en primer lugar debemos conectar con un cable el MIDI OUT o MIDITHRU de un equipo al MIDI IN del otro equipo, en segundo lugar se debe configurarel canal MIDI en el controlador y en el equipo que recibirá los mensajes MIDI. Elcontrolador puede transmitir en uno o varios de los 16 canales MIDI posibles, mien-tras que el receptor puede "escuchar" un canal MIDI en particular o todos los canalesal mismo tiempo (modo omni).

AmPliFiCADOrEs y PrEAmPliFiCADOrEsSi cuentan con entrada MIDI, generalmente permiten guardar la configuración (canalclean/overdrive, estado del loop de efecto, reverb, etc) en presets, estos presets secargan cuando el equipo recibe un program change en el canal MIDI correspon-diente. Los presets se programan de manera sencilla, presionando los botones delequipo. Algunos preamplificadores y amplificadores también guardan en el presetlos valores de parámetros como: ganancia, volumen, EQ, etc. Si no cuentan conentrada MIDI se debe utilizar un amp controller que hará de interface entre el con-trolador MIDI y el amplificador. El amp controller se conecta en la entrada de foots-witch del amplificador. Algunos amplificadores cuentan además con entradas decontrol "external switching" (ejemplo: Mesa Boogie Triple Rectifier) que se puedenusar para conectar el amp controller.

DElAyAlgunos delays cuentan con un botón "tap tempo" que permite ajustar la duracióndel delay cuando lo pisamos marcando el tiempo en negras. Usando MIDI podemoshacer lo mismo desde la pedalera controladora. Para tal fin se debe configurar enla pedalera un botón "instant access", el cual enviará mensajes control change cadavez que se lo presiona. El número de control change debe coincidir con el utilizadoen el delay para el tap tempo.

lOOPErLas funciones como play, record, stop, reverse, undo, redo, se pueden controlarutilizando mensajes control change. En la pedalera controladora podemos configurar

botones instant access con el control change correspondiente a cada una de lasfunciones del looper. Con algunos loopers también se pueden utilizar mensajesMIDI start y MIDI stop.

mODulACiOnEsAl igual que los delays, la velocidad de la modulación se puede ajustar utilizandocontrol change como tap tempo. Se pueden sincronizar varias unidades de modu-lación configurando el primero en la cadena MIDI como master (el que genera laseñal de clock), y las siguientes como slave.

WAHUtilizando MIDI podemos controlar un wah de rack o software. Se conecta un pedalde expresión en la pedalera controladora, se lo calibra, y se le asigna el número decontrol change correspondiente al wah.

DiGiTECH WHAmmyEn forma similar al wah, se configura un pedal de expresión para que al moverlotransmita mensajes control change. El número de control change correspondientea la "posición" del Whammy es el 11. Enviar control change 11 al Whammy equivalea mover el pedal. El Whammy también responde a program change, tiene 2 núme-ros de program change para cada uno de los efectos: uno para el efecto activado,y el otro para el efecto en bypass. Un detalle importante es que el Whammy notiene MIDI OUT ni MIDI THRU, por lo tanto si usamos un conexionado MIDI daisychain solamente podemos usar el Whammy al final de la cadena MIDI.

AuDiO sWiTCHErCada uno de los audio loops del audio switcher se puede controlar mediante controlchange, si el valor del mismo es 127 activa el efecto, si es 0 pone el efecto enbypass.

AmP COnTrOllErSimilar al audio switcher, cada uno de los relays de control del amp controller sepuede controlar mediante control change, si el valor del mismo es 127 activa elefecto, si es 0 pone el efecto en bypass.

miDi PArA guitArriStAS (PArtE ii)hoy en día muchos guitarristas combinan equipamiento muy diverso, desde pedales de efecto vintage y amplificadoresvalvulares hasta efectos programables digitales, sintetizadores y computadoras. Por josé Fuentesmidi

guitarristas y bajistas.ar 40 | Suplemento técnico

Jose Fuentes es diseñador de efectos digitales y equipamiento MIDI. Contacto: www.facebook.com/maxcontrolelectronics

Los arpegios de hoy son semidisminuidos, es decir, una triada disminuida más la séptima menor (T-3m-5°-7m). Como pertenecen al modo Locrio, el 7° modo de unaescala mayor, se les puede agregar la 9m y la 6m como verán en los ejemplos. Estos arpegios son muy interesantes no solo sobre el uso obvio como es sobre acordessemidsminuidos (también llamados menores con quintas bemoles) sino sobre acordes dominantes 7no alterados(con 9M Y 13M) una 3M arriba del acorde o sobreacordes dominantes 7 alterados (con 9#, 9b,5# o 5°) un tono abajo o una 5° arriba del acorde solo para citar algunas posibilidades. El acorde semidism. es la inversióndel acorde-6 con 6ta en el bajo (B -7/5b es igual a D-6/B).

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ArPEgiOS QuiNtAlES: ArPEgiOS SEmiDiSmiNuiDOSlos arpegios quintales, formado por quintas, muy usados en la guitarra moderna de jazz y Fusion, porjoe Diorio, jonathan kreisberg, julian lage, Allan holdsworth o Frank gambale. Por juampy juárezguitarra

“Juampy Juarez es uno de los guitarristas esenciales de la guitarra moderna a nivel mundial” Blog Prepared Guitar.

Ha tocado con Ben Monder, Sid Jacobs, Howard Alden y Pedro Aznar entro otros.

Su ultimo album en trio "Hiperborea" esta a la venta en Itunes, Amazon e Spotify.

www.juampyjuarez.com.ar

guitarristas y bajistas.ar 42 | Suplemento técnico

Usar tapping para tocar arpeggios es una técnica muy usada por varios de los gui-tarristas llamados Shredders de finales de los 80s y también de los 90s, tales comoGreg Howe, Jason Becker y especialmente Michael Romeo, de la banda de metalprogresivo Symphony X. La técnica consiste básicamente de ligados ascendentesy descendentes (hammer on & pull off), tapping y saltos de cuerdas (en inglés StringSkipping). También hay que tener muy en cuenta que la primer nota de cada cuerdano es pulsada con la púa en ningún momento, por lo cual creo que es la parte másdifícil, porque tenemos que golpear la cuerda (de ahí viene el nombre de tap o tapp-ping) con algo de fuerza con nuestro dedo índice para que suene limpio y prolijo. Aesta técnica también le llaman tapping a dos manos o two hands tapping. En miprimer lección para ésta revista, ya vimos los arpegios básicos con tapping. Enton-ces, lo que quiero mostrarles en esta nota, es como podemos darle una vuelta derosca y sacar nuevos e interesantes sonidos, tocando prácticamente lo mismo. Laidea es agregar extensiones en las notas que tocaremos con tapping. Sin entrardemasiado en el campo teórico, digamos que las extensiones en los acordes o ar-pegios, son las notas que se encuentran arriba del intervalo de séptima, como lo

son los intervalos de novena, oncena y trecena. Entonces, veremos como tocarcon una misma técnica y patrón, 3 acordes diferentes, menor 7ma (m7), mayor7ma (maj7) y dominante (7), cada uno con un ejemplo usando extensiones.

Ej4. Ahora, vamos a agregarle 2 extensiones, una 9na (F#) y una 6ta o 13na mayor(C#). De esta forma creamos un Emaj9add6

Ej 5. El siguiente es un acorde de séptima o dominante, la estructura de este arpegioes Tónica, 3ra mayor, 5ta justa y 7ma menor. La tónica es E, entonces las notasserian: E, G#, B y D.

Ej 6. Agregaremos una 9na bemol, osea que ahora tendremos un acorde E7b9, lasnotas serian: E, G#, B, D y F.

Espero que el material y lo puedan incorporar a su propio estilo y cualquier duda oconsulta no duden en enviarme un email. Hasta el próximo número y a practicar.

Silvio Gazquez es un guitarrista y compositor de Lincoln, provincia de Buenos Aires. Desde el año 2008, trabaja en la compañia ameri-

cana Guitarcontrol.com. Ha ganado varios concursos de guitarra en youtube y tambien cabe destacar que fue 2 veces finalista conse-

cutivo del concurso internacional Guitar Idol, participando de la final en Londres, Inglaterra. En Julio del 2015 publicó su primer trabajo

discográfico llamado "Night Sky". El disco contiene estilos variados, predominando el smooth jazz, la fusion y el rock.

Se puede escuchar en su totalidad en ésta dirección: https://silviogazquezproject1.bandcamp.com/album/night-sky

ArPEgiOS cON tAPPiNg: AgrEgANDO EXtENSiONES 2En este número les voy a mostrar una manera sencilla de emplear nuevas sonoridades a una conocidatécnica, como lo es el tapping aplicado a los arpegios. Por Silvio gazquezguitarra

En medio en este escenario, donde la raza humana parecía estar empecinada en suautodestrucción, Lucille Jeter daría a luz al primero de sus cinco hijos en el King CountyHospital de Seattle, estado de Washington, Estados unidos. Un 27 de noviembre de1942 nació Johnny Allen Hendrix, este muchacho vino al mundo no solo con el pandebajo del brazo, también cargaba un gran talento, un código en su mano izquierdaque marcaria el despertar de la conciencia en toda una generación; la contraofensivaante tanta devastación y guerra, un eléctrico mensaje de paz. Hijo de James AllenHendrix su nombre seria cambiado por el de James Marshall Hendrix en memoria delhermano fallecido de su padre León Marshall Hendrix. La incertidumbre golpearía supuerta desde edad temprana, a los nueve años sus padres deciden divorciarse y elpequeño Hendrix quedaría a cargo de la única persona ante los ojos de la ley quepodía criarlo con estabilidad suficiente, su abuela paterna Nora Rose Moore. Jimi em-pezaría a experimentar con la música con un viejo ukelele con una sola cuerda quesu padre había encontrado en un garage.

Fue recién a los 14 años que obtendría su primera guitarra acústica. De formaciónautodidacta aprendería escuchando viejas cintas de B.B. King, Elmore James, ChuckBerry y otros pilares del rock and roll como Muddy Waters. Entrando en la adolescen-cia, Hendrix sufriría por el fallecimiento de su madre el 2 de febrero de 1958, fue entremedio de este duelo que su padre para mitigar un poco el dolor decide regalarle asus 16 años su primer guitarra eléctrica, una flamante Supro Ozark, una guitarra conun formato muy parecido a una Les Paul nacarada. Al principio de la década del ’60,un conflictivo Hendrix, repleto de problemas con la ley, debe optar por un tiempo dereclusión en la prisión estatal o el alistamiento militar. La segunda opción ocurrió en1961 cuando fue enlistado en la 101st Airborne Division y enviado a Fort Campbell,en Kentucky, después de un breve adiestramiento, su pasaje en los rangos militaresduró muy poco; frustrado por la rigidez del ambiente con la intención de dedicarse delleno a la música, Jimi Hendrix decide poner punto final a su periodo bajo las armas,visitando varias veces al psicólogo del ejército declarando ser homosexual.

Una vez obtenida la baja del ejército, fijó su residencia en las cercanías de Clarksville,en Tennessee. Comenzó a mostrarse en público en 1962 con el grupo formado juntoa su amigo Billy Cox, King Casuals. El grupo comenzó a presentarse en locales de lazona hasta que la formación entera decidió trasladarse a Nashville. La actividad delgrupo se desarrollaba esencialmente en locales de la zona de Jefferson Street, tradi-cionalmente considerada el corazón de la comunidad afroamericana de Nashville yconocida por la intensa escena Rhythm and Blues que en aquel periodo se estaba

desarrollando; este ambiente propició e influenció las primeras experiencias de Hendrixen los shows en vivo. Dejándose llevar por el constante en interminable ritmo del Chi-tlin' Circuit (nombre del circuito donde se podían presentar artistas afroamericanos enla época de la segregación), Hendrix daría un sin fin de shows tanto con los King Ca-suals como formando parte de grupos soporte para otros artistas como Sam Cooke,Chuck Jackson, Tommy Tucker entre otros. Estas experiencias proporcionarían a Hen-drix una consistencia en su estilo con las raíces del blues.

Se traslada a Nueva York en el año 1964 y fue reclutado como guitarrista de la bandade los Isley Brothers para una gira a través de todo Estados Unidos, incluidos los lo-cales del Chitlin' Circuit. Fue justamente durante aquel periodo cuando tuvo la ocasiónde tocar en grabaciones de estudio el tema Testify, sencillo que poco después se con-vertiría en un éxito radiofónico. Entre 1964 y 1965 comenzó para Hendrix una inter-

guitarristas y bajistas.ar 44 | jimi hendrix

jimi hendriXEn 1942 el mundo no era un lugar para ir de paseo, la humanidad se convulsionada con la segundaguerra mundial, al desembarco en Normandía le seguirían la batalla de midway en el océano pací-fico mientras Alemania invadía rusia. Y como si todo esto no fuera suficiente, Oppenheimer lanzabael denominado "Proyecto Y" dándole forma a la primer bomba atómica. Por rodrigo Yacciofane

guitarristas y bajistas.ar 46 | jimi hendrix

minable serie de idas y vueltas desde una agrupación a la otra: en Nashville dejó alos Isley Brothers para sumarse como guitarrista al grupo de Gorgeous George Odell;llegado a Atlanta formó parte de los Upsetters, entonces grupo soporte de Little Richarddonde también militaba el célebre baterista Earl Palmer legendario baterista de sesiónque participo en innumerables grabaciones que marcaron la época. Si bien Little Ri-chard era uno de los ídolos de Hendrix por aquel entonces, los chispazos no tardaronen llegar entre ellos ya que Richard miraba con recelo el dominio expresivo escénicoque dominaba Hendrix. Richard buscaba controversias para intentar aplacar a unHendrix encendido y los conflictos por cualquier estupidez entre ambos se incremen-taban cada vez más. Un sofocado Hendrix se tomo un respiro de los Upsetters to-mando el trabajo para acompañar a Ike y Tyna Turner en su gira, pero como quien setropieza dos veces con el mismo obstáculo, las acaloradas actuaciones del guitarristaen el escenario terminarían por opacar al dúo en vivo quien decide devolverlo a labanda de Richard, que aprovechando un descuido, despide a Hendrix de los Upsetterspor perder el micro de la banda con destino a un show en Washington D.C. 1966 esel año de la experiencia luego de pequeños fogonazos dentro de diversos proyectoscomo banda neoyorquina Curtis Knight and the Squires o su paso por Bobby Taylor& the Vancouvers en 1965. Hendrix tendría su primer prototipo de banda para eseaño: "Jimmy James and the Blue Flames" una formación donde rotaban distintos mú-sicos que Hendrix conocía de la tienda Mannys Music en la vieja manzana y de diver-sas experiencias con la marihuana y el LSD. No paso mucho tiempo más para queHendrix y su nuevo grupo llamaran fácilmente la atención de una Nueva York todavíaen el letargo a comparación la revolución cultural y popular que se estaba gestandosobre la costa Oeste. Y en una de sus tantas apariciones en el Cheetah Club ChasChandler quedo vislumbrado con su estilo y sería el encargado de mezclar la pólvorapara darle mecha a una de las municiones pesadas de la libertad artística y la culturapopular de mediados de los sesenta "The Jimi Hendrix Experience".

La formación quedo consagrada por dos ingleses, el primero fue un guitarrista de se-sión Noel Reeding , devenido a bajista por razones más que obvias, y el ecléctico ba-terista Mtch MItchelle. La dupla Reeding-Mitchelle generaban una simbiosis perfectaentre sus cortes y apoyaturas y a las desgarradas melodías de la inconfundible StratoBlanca de Jimi, una conexión totalmente natural que se trasladaría a los escenariospara deleite de todos. Chandler había dado en el clavo. Ya desde su opera Prima "Are You Experience? la Banda se despachaba con un clásico tras de otro y un sonidoque marcaria una tendencia. Temas como " Love or confusion" el inconfundible shufflede " Manic Depression" o la mítica versión de "Hey Joe". Acorde pasaban los showsla consistencia del trío era cada vez más acentuada, encontrarse dentro de un recitalde la Experience era como estar dentro de una caja de pandora, la prueba más feha-ciente de esto es su presentación en el mítico festival de Monterrey Pop donde la afi-ción quedaría patas arribas con la obertura elegida por Hendrix como puntapié inicial,

una versión aplastante del tema de los Troggs "Wild thing" con una de tantas impro-visaciones del trío que al o largo de los shows se convertirían en marca registrada.Para el año 1967 la Experience lanzaría "Axis: Bold as love" donde encontramos aun Hendrix mas emparentado rítmicamente con el funk por un lado y experimentalpor el otro, es un disco donde nos vamos a encontrar con la presencia de diferentespaneos en estéreo de las guitarras, mayor presencia de efectos de retardo, delays enreversa y modulaciones como se puede apreciar en las canciones como Up FromThe Skies. Pero sin dudas de las canciones más representativas del disco podemosconsiderar "Spanish Castle Magic" y las baladas "Little wing" y "Castles Made of Sand".El éxito de la banda era cada vez más grande y los shows aumentan cada vez másasí como también el consumo de sustancias por parte de Hendrix que sería arrestadoen Estocolmo luego de destrozar la habitación de un hotel en una rabieta ocasionadapor el consumo de alcohol y drogas. Ya para el año 1968, la relación entre el ProductorChas Chandler y Jimi Hendrix no era la mejor. Los hábitos adquiridos de la gira, elconsumo en exceso de drogas y alcohol y la actitud errática por momentos de Hendrix,los constantes desencuentros, las interminables zapadas con distintos músicos en elestudio y la falta de un esquema de trabajo que Chandler exigía para realizar las se-siones, derivaron en un quiebre de la relación no solo con Chandler si no con el bajistaNoel Reeding, que desesperado por el ritmo desquiciado de Hendrix decide bajarsedel proyecto poniendo fin a la Experience.

A pesar de todos estos sucesos adversos, el ambiente caótico parece propensopara un disco donde zapadas como "1983... (A Merman I Should Turn To Be)" con-viven con canciones como "Crosstown Traffic" o "Gypsy Eyes". Hay espacio tambiénpara genialidades como "Voodoo Child (Slight Return)" y todo el mundo seria testigode cómo Hendrix convertiría un tema de Bob Dylan en una autentica gema con suversion de "All Along The Watchtower" . Luego de desconar cabezas en el festivalde Woodstock con su fabulosa versión del Himno estadounidense, Hendrix conso-lidaría su última formación con su viejo amigo Billy Cox en el bajo y el gran BuddyMiles en la batería. El disco del proyecto se gestaría con el nombre " Band ofGypsys" en tributo al guitarrista de jazz Django Reinhardt. El disco homónimo viola luz en las bateas en 1970 con material extraído del concierto de Filmore East sedestaca la pieza conocida como " Machine Gun" una performance de 12 minutosque testifican la genialidad y el manejo de climas por parte de Hendrix, también seincluyen canciones de Buddy Miles como Them changes. Con este rejunte de ma-terial Hendrix demostraba que podía trascender su propia historia pero el destinosiempre tiene otros planes. El 18 de septiembre de 1970, en Londres (Inglaterra),a los 27 años, James Marshall Hendrix falleció debido a una mezcla de somníferosy alcohol y más allá de toda conjetura que se pueda sostener sobre su desapariciónfísica, su legado todavía está latente y se enciende con cada persona que elije unaguitarra eléctrica para atravesar el camino del rock and roll.