El

Cinquecento Grupo # 1

2012

Alumnos: Eder Romero Tiffany Ayala Nemesis Cruz Sonia Fernández Delmer Erazo

Historia de la arquitectura III

Catedrática: Arq. Alejandra Vaquero

Hora: 3:55 – 5:10 p.m.

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Introducción

El propio nombre de cinquecento alude genéricamente al segundo ciclo del renacimiento en Italia, concretado

precisamente en el siglo XVI.

De esta forma, cuando en la actualidad se habla de cinquccento nos referimos a un periodo de renacimiento plano, de apogeo en las novedades introducidas por el quattrocento, pero que

apenas dura las dos primeras décadas del siglo XVI.

Durante este informe se hablara de forma más detallada sobre las características, obras y representantes que protagonizaron

este periodo.

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Índice

Introducción……………………………………………………………………………………………………….1 Índice………………………………………………………………………………………………………………….2 Renacimiento………………………………………………………………………………………………………3 Cinqucento…………………………………………………………………………………………………………..4 Arquitectura……………………………………………………………………………………………..…………5 Escultura………………………………………………………………………………………………………..……8 Pintura………………………………………………………………………………………………………………..9 El cinquecento en España…………………………………………………………...………………………10 Representantes del cinquecento……………………………………………………………..….12

o Donato d'Angelo Bramante……………………………………………………………12 o Rafael…………………………………………………………………………………………14 o Miguel Ángel Buonarroti………………………………………………………………15

La Piedad…………………………………………………………………………19 El David(1501-1504) ………………………………………………………20 Moisés (Tumba de Julio II) ………………………………………………22 La Sagrada familia……………………………………………………………23 La Bóveda de la capilla Sixtina…………………………………………25

o Andrea Paladio……………………………………………………………………………32 Iglesia de san Jorge el mayor, Venecia………………………………32 Villa Rotonda……………………………………………………………………33

o Leonardo Da Vinci………………………………………………………………………34 Adoración de los Magos …………………………………………………..35 La virgen de las rocas………………………………………………………36 La ultima cena ……………………………………………………………….37 La Gioconda……………………………………………………………………39

Conclusiones……………………………………………………………………………………………………41 Glosario……………………………………………………………………………………………………………42 Bibliografía……………………………………………………………………………………………………43

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El Renacimiento

Es el movimiento cultural que surge en Europa en el siglo XIV donde muestra su interés en la antigüedad grecorromana.1 Nacido en la ciudades del norte (Florencia, Venecia.) desde el siglo XIV extendiéndose desde ahí por todo el resto de Europa. Se centra toda actividad en el hombre como tal teniendo como en si, la libertad de espíritu conduciéndolos a la libertad de pensamiento, el culto a la vida y el amor a la naturaleza. http://www.monografias.com/trabajos/renacim/renacim.shtml http://sapiens.ya.com/auladelengua/renacimiento.htm

El Cinquecento

Es el periodo al cual corresponde al segundo ciclo del renacimiento en Italia. A lo largo del sigo XVI la capital artística de Italia se va a trasladar a Roma, principalmente por la enorme influencia del Papado. Llamado también el Alto Renacimiento Italiano, en este se vera obligado a adecuarse a las normas que el decoro imponga, circunstancia derivada al hecho que las obras serán encargos destinados a la decoración de edificios religiosos. Los pintores tienen el dominio de las técnicas y hacen obras de elevada calidad que reflejan un sentido de belleza y nobleza. Las obras mayores de bellas artes son procedentes del Cinquecento. Unas de las más famosas de la mano del maestro Leonardo da Vinci. El cinquecento tuvo su centro en la Roma de los papas, a diferencia del quattrocento cuyo centro fue la Florencia de los Auditore. El estilo arquitectónico del alto Renacimiento se distingue, a pesar de su diversidad, por el completo dominio de las formas clásicas, la claridad y la mesura del diseño, la solemnidad, el volumen y la riqueza cada vez más evidente de los materiales. El cinquecento es la continuación natural del quattrocento, regido igualmente por los principios clásicos de perfección y belleza.

1 La antigüedad grecorromana tiene dos caras: por una parte, un mundo de dioses y de una humanidad en que, en la eclosión de una vida poderosa y orgánica, todo es heroico y noble, y por otra, un mundo de seres fantásticos de complejos orígenes, a menudo venidos desde muy lejos, y que mezclan cuerpos y naturalezas heterogéneas.

1Bramante, Santa maría de las Gracias (1463-1490, Milán)

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Los artistas más destacados del periodo inicial del Cinquecento italiano fueron Leonardo Da Vinci, Rafael Sanzio y Miguel Ángel. Junto a ellos hay una nómina interminable, tanto en el foco romano (Bramante, Sangallo, Giulio Romano) como en otros focos, de entre los que destaca la escuela veneciana de pintura (Giorgione y Tiziano). http://www.arteespana.com/cinquecentoitaliano.htm http://es.wikipedia.org/wiki/Cinquecento http://www.slideshare.net/marielosliera/cinquecento-alto-renacimiento

Comprende dos fases: comienza con el denominado Alto Renacimiento (últimos años del siglo XV y primeras décadas del siglo XVI), y termina con el denominado Bajo Renacimiento o Manierismo. El Alto Renacimiento: En el Renacimiento italiano se produce la sustitución de Florencia por Roma como centro artístico más prestigioso (es habitual utilizar la expresión renacimiento florentino-romano). En Roma, el ambiciosísimo programa artístico del Vaticano (Basílica de San Pedro, Capilla Sixtina, Estancias de Rafael) atrajo a una constelación de artistas de primer orden: Bramante, Sangallo, los citados Rafael y Miguel Ángel; entre los que se incluyen los que destacarán en el periodo siguiente, considerados manieristas (Giulio Romano, Benvenuto

Cellini, etc.). http://es.wikipedia.org/wiki/Alto_Renacimiento El Manierismo: El manierismo es el nombre que se da al estilo artístico que se inicia en Italia en la tercera década del siglo XVI, y que se intuye en las últimas obras de Miguel Ángel y de Rafael (como en la Piedad Rondanini) El manierismo es subjetivo, inestable. Los artistas se dejan llevar por sus gustos, alejándose de lo verosímil, tendiendo a la irrealidad y a la abstracción. Se prefiere, en escultura sobre todo, la línea o en que las figuras se disponen en sentido helicoidal ascendente. Se cambio por:

2BRAMANTE Santa María de las Gracias (1463-1490, Milán)

4MIGUEL ÁNGEL San Pedro del Vaticano

3MIGUEL ÁNGEL Piedad (1498-1515, Vaticano)

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1. Tensión –Equilibrio 2. Agobio especial-Amplitud 3. Luz contrastada-Homogénea 4. Cromatismo intenso- suave 5. Volumetría-gracilidad 6. Expresividad-idealismo 7. Sorpresa-orden clásico http://www.arteespana.com/manierismo.htm http://www.artecreha.com/¿Qué_es..._/ique-es-el-cinquecento-y-el-manierismo.html

Arquitectura

En el ámbito de la arquitectura se mantiene la influencia clásica en la utilización de los órdenes así como en elementos y técnicas constructivas. Destaca la construcción de nuevos palacios de una mayor de un mayor magnificencia que en el siglo anterior y de

templos que buscan un nuevo planteamiento con la centralización de sus plantas. En este sentido la prolongada obra del vaticano marca un mito en toda la centuria. La plenitud constructiva de este segundo renacimiento se alcanza en la obra de Donatto Bramante y las villas de Andrea paladio. http://www.artecreha.com/¿Qué_es..._/ique-es-el-cinquecento-y-el-

manierismo.html

Características- 1. Equilibrio, austeridad y robustez predominando la arquitectura sobre la ornamentación decorativa 2. Se emplean los volúmenes con un sentido plástico, buscando contrastes y desarrollando la utilización de la luz como un elemento mas. 3. Desarrollo de grandes construcciones y planes arquitectónicos que vuelven la manera romana, la mayoría por encargo. 5. Elegancia 6. Proporción exquisita 7. Centralización de los espacios por medio de la cúpula que es símbolo cósmico y Coronación perfecta del edificio

5BRAMANTE Templete de San Pietro (1502, Monitorio, Roma) DIBUJO

6. MIGUEL ÁNGEL San Pedro del Vaticano CÚPULA

7BRAMANTE Templete de San Pietro (1502, Montorio, Roma) PLANTA

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Escultura

Continúa el sentido clasista del quattrocento equilibrado y armónico y cuya temática conserva la perfecta simbiosis entre motivos sacros y mitología. Se puede hablar de una creciente tendencia a la agitación compositiva a la búsqueda constante del movimiento y a la monumentalidad que encuentra en sus síntesis final en las primeras obras de Miguel Ángel. la escultura cinquecentista buscó la grandiosidad encontró su inspiración en las obras clásicas, cuya contemplación directa por la capitalidad

artística d Roma, ayudó a la configuración dl nuevo estilo. Características

Consolidación de los modelos del siglo X Máximo auge de la escultura Crece el interés por lo monumental Grandes esculturas de bulto

redondo Pierde interés el relieve, la

profundidad estudios de los volúmenes sobre el plano.

La escultura manierista rompe la armonía del periodo anterior

Composiciones abiertas y en movimiento Formas en tensión Esbeltez Refinamiento Elegancia de lineas que se cruzan Usos de ejes helicoidales

http://www.slideshare.net/rosarmer/escultura-del-cinquecento-en-italia

8MIGUEL ÁNGEL Batalla entre lapitas y centauros (1489-92, Casa Buonarroti, Florencia)

9 MIGUEL ÁNGEL Baco (1496-1498, Museo del Barguello, Florencia) DETALLE

10 MIGUEL ÁNGEL David (1501-04,409cm Museo de la Academia, Florencia)

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Pintura

Equilibrada y estática, en una gran partes de Rafael y Leonardo, se encuentra con aportaciones revolucionarias como el sfumatto o la perspectiva aérea Leonardesca, o como el manierismo de Rafael. Características -Dominio de la perspectiva linear y atmosférica -La arquitectura sirve para realzar la monumentalidad de las figuras -Se destaca el tema principal y se eliminan detalles anecdóticos -Composiciones clásicas: piramidales o triangulares -Búsqueda de la belleza eterna o intemporal -Se centran en el hombre, sus reacciones y sentimientos -Usan modelos reales

Temática- Religiosa: nuevos santos nuevas formas Mitológica Historia: conmemoración de batallas Retrato: importancia del paisaje

11 Madonna del Prato (Virgen del prado). Rafael Sanzio. 1505-6.

13 Detalle de la capilla Sixtina, San Pedro del Vaticano. Roma. 1511.

12 La Giocinda,Leonardo Da Vinci, 1503-1506 . Museo de Louvre,Paris, Francia

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El cinquecento en

España

La arquitectura renacentista española se distingue tres grandes periodos: Plateresco Purismo Herreriano Llega España tardíamente debido al arraigo de las formas propias del gótico. Los edificios civiles más representativos son los palacios y los hospitales.

Principales obras

Fachada de la universidad de salamanca Pertenece al periodo plateresco, llamado así porque su decoración recuerda el trabajo de los plateros. Su autor es desconocido, aunque podría deberse a Juan de Álava. Se organiza en pisos y calles. Su decoración hace alusiones a los reyes católicos, Carlos V y a la iglesia. Los relieves crecen en profundidad según se asciende en la fachada.

Fachada de la universidad de la Alcalá de henares Pertenece al periodo purista y su autor es Rodrigo Gil de Hontañon. Tiene tres pisos y en la calle central se concentran los elementos decorativos; en cualquier caso, su aspecto es más sobrio.

14 universidad de salamanca

15 universidad de la Alcalá de henares

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Catedral de granada Pertenece al periodo purista y su autor fue diego de siloé, que se hizo cargo de la obra en 1528. Seria concluida por Alonso cano. Deja los planteamientos góticos e impone la columna clásica. La capilla mayor es circular y su cúpula, cosa extraordinaria en este estilo, no esta en el crucero. La concepción del espacio tiende a la centralización, fundiendo la planta centralizada y la longitudinal.

Palacio de Carlos V, en granada Pertenece al periodo purista y es obra del arquitecto pedro machuca. Se encuentra dentro del recinto de alambre. Su planta es cuadrada y en el centro se abre un patio circular. En el exterior se emplea almohadillado de tradición italiana.

Monasterio de san Lorenzo de El Escorial Pertenece al periodo herreriano. Su planta es un rectángulo que recuerda a la parrilla en la que fue martirizado San Lorenzo. El eje central de la planta lo forman la iglesia y el Patio de los Reyes. En su aspecto exterior es un edificio de gran severidad, en consonancia con la austeridad de san Felipe II. Esta construido con piedra de granito traída de la sierra de Guadarrama.

16 Catedral de granada

17 Palacio de Carlos V, en granada

18 Monasterio de san Lorenzo de El Escorial

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Representantes del

Cinquecento

Donato d'Angelo Bram ante (1444-1514)

Fue un arquitecto italiano, que introdujo el estilo del primer Renacimiento en Milán y el Alto Renacimiento en Roma, donde su obra más famosa fue el planeamiento de la Basílica de San Pedro. Representa la nueva severidad arquitectónica del cinquecento italiano y a pesar de tener una formación cuatrocentista. En Milán desarrolla un interés por la planta central y circular romana. Su arquitectura se basa en el estudio de las ruinas que aparecen en esta época y la aplicación al arte de la construcción. En la ciudad eterna su primera obra es

fruto del encargo de los Reyes Católicos, quiénes para conmemorar la Toma de Granada (1492) deciden levantar una

iglesia en honor a San Pedro. En el lugar en que se cree fue martirizado se construyó en 1502 el Templete de San Pietro in Montorio o tempietto .Este templete fue casi una especie de prueba por parte de Julio II. Está considerado uno de los edificios más armoniosos del Renacimiento. A pesar de su pequeño tamaño, la construcción tiene todas las proporciones rigurosas y la simetría de las estructuras clásicas, rodeado por finas columnas toscanas, con una

cúpula por encima. Bramante planeó un patio con columnas que lo rodease.

20 BRAMANTE Templete de San Pietro (1502, Montorio, Roma)

19 BRAMANTE Templete de San Pietro (1502, Montorio, Roma) PLANTA

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En efecto, el papa Julio contrató a Bramante para la construcción de la obra arquitectónica europea más grande del siglo XVI: la completa reconstrucción de la Basílica de San Pedro. La visión de Bramante para San Pedro, una planta de cruz griega que simbolizaba la sublime perfección para él y su generación (compárese con Santa María della Consolazione, en Todi, influyeron en la obra de Bramante), fue fundamentalmente alterada por la extensión de la nave después de su muerte en 1514. El plan de Bramante preveía cuatro grandes capillas llenando los espacios de las esquinas entre los transeptos de igual tamaño, cada uno de ellos cubierto por una pequeña cúpula rodeando a la gran cúpula sobre el crucero. Así que el plan original de Bramante era más romano-bizantino en sus formas que la basílica que en realidad se construyó. Principales obras arquitectónicas

Santa María presso San Sátiro, Milán, h. 1482–1486 Santa María delle Grazie (claustro y ábside); Milán, 1492–1498 Palacio Caprini (también llamado: 'Casa de Rafael'), Roma, 1501–1502 (no existente) San Pietro in Montorio (también llamado el Tempietto); Roma, 1502 Santa María della Pace (claustro); Roma, 1504 Basílica de San Pedro, Ciudad del Vaticano, Diseño 1503, excavaciones, 1506 Cortile del Belvedere, Ciudad del Vaticano, 1506.

21 BRAMANTE Planta Vaticano (1506)

24 RAMANTE Santa María de las Gracias (1463-1490, Milán)

23 BRAMANTE Nichal del Belvedere 22 BRAMANTE Claustro Santa María Paz (1500, Roma, Italia)

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Rafael

Fue un pintor y arquitecto italiano del Alto Renacimiento. Además de su labor pictórica, que sería admirada e imitada durante siglos, realizó importantes aportes en la arquitectura y, como inspector de antigüedades, se interesó en el estudio y conservación de los vestigios grecorromanos. Tras la muerte de Bramante, en 1514, fue nombrado arquitecto de la basílica de San Pedro. La mayor parte de sus obras arquitectónicas han sido derrumbadas o modificadas después de su muerte y a raíz de la aceptación de los diseños de Miguel Ángel. Rafael diseñó otros edificios, y durante un corto tiempo se le consideró el arquitecto más importante de Roma y el preferido del círculo social del papa. Desde 1514 se hizo cargo de la dirección de la obra Rafael Sanzio, con fray Giovanni Giocondo y Antonio da Sangallo el Joven. Todos ellos cambiaron el plan de

Bramante, optando por diseños que se inspiraban en la tradicional planta basilical de cruz latina con un cuerpo longitudinal de tres naves. Rafael falleció en 1520 pero su obra fue continuada por Antonio de Sangallo.

25 La Galatea, una de sus principales obras mitológicas

26 RAFAEL Planta Vaticano

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M iguel Ángel Buonarroti

Miguel Ángel (1475-1564) fue arquitecto, pintor, escultor y poeta. Nació 6 de marzo de 1475 en el pueblo de Caprese, de esencia florentino mantuvo sus lazos con Florencia su arte y su cultura. La mayor parte de su madurez la pasó en Roma, trabajando en los encargos de los continuados papas. Su deseo fue ser enterrado en Florencia en la iglesia de Santa Crose y así fue después de su fallecimiento. http://www.historiadelartemgm.com.ar/biografiamichelangelobuonarroti.htm Uno de los mayores creadores de toda la historia del arte y, junto con Leonardo da Vinci, la figura más destacada del renacimiento italiano. http://www.epdlp.com/pintor.php?id=182

Triunfó en todas las artes en las que trabajó, caracterizándose por su perfeccionismo.6 La escultura, según había declarado, era su predilecta y la primera a la que se dedicó; a continuación, la pintura, casi como una imposición por parte de Julio II, y que se concretó en una obra excepcional que magnifica la bóveda de la Capilla Sixtina; y ya en sus últimos años, realizó proyectos arquitectónicos. Tras la muerte de Sangallo en 1546, el papa Pablo III encomendó la dirección de las obras a Miguel Ángel Buonarroti, quien retomó la idea de Bramante de planta en cruz griega. El diseño original de Bramante presentaba problemas estructurales que debieron ser corregidos. Bajo la dirección de Miguel Ángel se alzaron los muros del ábside, de una imponente monumentalidad. No obstante, la más importante aportación del gran genio fue la gran cúpula que se encuentra justo sobre el altar mayor y el sitio donde la tradición indica que se localiza la tumba del apóstol San Pedro. Arquitecto -Continúa con el estilo florentino, adaptándolo a las características arquitectónicas del cinquecento. Emplea frontones curvos y ventanas ciegas como elementos arquitectónicos. Se basa en Brunelleschi, al que intenta superar. Entre sus grandes obras arquitectónicas:

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Cúpula de san pedro del vaticano Sacristía nueva Biblioteca laurenziana Cúpula de San Pedro (1558-1561) Miguel Ángel vuelve a proponer el modelo original de bramante con pequeñas modificaciones en cuanto a la utilización de la luz. Su gran aportación es la cúpula a la que modifico suprimiendo el anillo con columnas y dándole un perfil mas elevado, convirtiéndose en el elemento predominante al suprimir las torres.

27 MIGUEL ÁNGEL San Pedro del Vaticano CÚPULA

28 MIGUEL ÁNGEL San Pedro del Vaticano PLANTA (1547)

29 MIGUEL ÁNGEL San Pedro del Vaticano (altura 119 metros)

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Sacristía Nueva (1520-1534) Esta fue para que sirviese de capilla funeraria a distinguidos miembros de familia. Rompe las cadenas de la arquitectura iniciando un nuevo estilo en el empleo de cornisas, basamentos y tabernáculos. Se encuentra acompañada de la alegoría de la noche y el día, una de sus obras mas famosas. Biblioteca laurenziana (1524-1534) Utiliza los métodos clásicos de forma anti clásica. Consta de sala de lectura, vestíbulo el que se modifican las columnas para disimularlas, empleando la escalera central como elemento unificado.

31 San Pedro del Vaticano: Comparación de las plantas de Bramante y Ángel 30 MIGUEL ÁNGEL Biblioteca Laurenciana (diseñada en 1520,

Florencia)

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Escultor Es el prototipo de escultor universal, capaz de expresar en mármol cualquier idea o concepto. Fue discípulo de Bertoldo de Giovanni, que lo había sido de Donatello. Fue un hombre muy culto de espíritu selecto y cultivado. Era de una religiosidad muy arraigada en su interior que le hacia profundizar en su fe. En su obra se mezclan la lirica y la melancolía, pero el rasgo más significativo es la fuerza dramática, el vigor físico y psíquico. El mundo soñado por Miguel Ángel es un mundo de gigantes, de actitudes grandiosas, facciones perfectas y gestos terribles, creando lo que se conocerá como terribilidad. Son sus criaturas gigantescos arquetipos humanos. En los cuerpos la musculatura, cada vez más acusada, revela los largos años dedicados por el artista al estudio de la anatomía y la honda impresión que en él producida por el Laoconte recién descubierta (1506). Los desnudos de Miguel Ángel están dotados de una fuerza en tensión sin igual en la historia de la escultura. Los músculos se acusan bajo la piel y todo el cuerpo rebosa un dinamismo contenido que hace que se revuelva sobre si mismo adoptando posiciones ricas en movimiento. Presentaciones (en línea)http://es.scribd.com/doc. Miguel-Ángel http://www.slideshare.net/Humanistas/la-escultura-del-cinquecento

Obras Los primeros relieves fueron la Virgen de la escalera y La batalla de los centauros, conservados en la Casa Buonarroti de Florencia, en los que ya hay una clara definición de su estilo.

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La Piedad

Encargarte: el cardenal Dionisio Jean Bilhères de Lagraulas. Autor: Miguel Ángel Buonarotti. Cronología: entre 1498 y 1499 Estilo: Renacentista (Quinquecento) Técnica: Esculpido o tallado Dimensiones: 174 por 195 cm Localización: Se encuentra en la Basílica de San Pedro del Vaticano. Tema: grupo escultórico religioso

El tema proviene del gótico final: el cadáver de

Cristo está en brazos de María,

descansa sobre sus rodillas dobladas

transmitiendo una sensación de pesadez, como si

estuviera dormido. La escultura es una

composición piramidal y proporcionada, que

muestra el cuerpo de Jesús muerto, bajado de la

cruz y depositado sobre los numerosos pliegues de las amplias

vestimentas que cubren el regazo de la Virgen. El brazo derecho

de Jesús cae inerte, en contraposición del brazo izquierdo de

María que es libre, lleno de vida y mostrando consternación. El

brazo derecho de la Virgen sostiene el torso de Jesús.

Detalle de la cara y el torso de Jesús. Se nota la mano del brazo

derecho de la Virgen sujetando el torso de su hijo muerto. El

rostro de Jesús, fotografiado de medio perfil, muestra una

expresión plácida, casi descansada. Se interpreta como el hecho

de que Jesús cumplió su mandato en la

tierra y su tranquilidad remplaza todo

signo de padecimiento físicos sufrido en

su pasión.

La cabeza de la Virgen muestra una joven, bella y piadosa, mirando el

cuerpo de su hijo muerto apoyado en los pliegues de sus vestiduras. Su

expresión refleja una pena infinita y una gran ternura. Miguel Ángel

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dio a María una juventud muy extrema comparándola con la de su hijo muerto, pero eso fue

intencional. El Artista quiso representar la espiritualidad de la Virgen como condición

sobrenatural, la cual no tiene edad y solo muestra una

eterna belleza.

Detalle de las facciones de Jesús. Tomada la foto desde una

posición frontal, se confirma su expresión extremamente

apacible, sin ningún síntoma de las torturas a las cuales fue

sometido antes de fallecer. Miguel Ángel creó un Jesús muy

tranquilo, satisfecho de haber cumplido su misión.

http://arte.observatorio.info/2008/03/la-piedad-miguel-angel-buonarroti-1498-1499 Http: //www.fadal.us/!!Vf1/Miguel%20Angel/!!Textos/Piedad/La%20Piedad.htm

El David(1501-1504)

Título: David

Autor: Miguel Ángel Buonarotti.

Cronología: entre 1501 y 1504

Estilo: Renacentista (Quinquecento)

Técnica: Esculpido o tallado en mármol de Carrara

Dimensiones: Se trata de una pieza de 409 cm de altura

Localización: Hoy se conserva en la Gallería dell'Accademia

de Florencia para evitar su deterioro por las inclemencias

del tiempo.

Tema: religioso (Antiguo Testamento)

Miguel Ángel, una vez observado el bloque de mármol,

pidió un tiempo para analizar la posibilidad de aprovecharlo. Como prioridad absoluta, debía elegir el personaje que podía caber en ese mármol mal conformado, y pensó en la posibilidad de representar al bíblico David como un joven atlético y desnudo, en una actitud adecuada para enfrentar su lucha desigual.

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Comenzó a esculpir el mármol con el cincel, con la idea de que su obra debería ser admirada desde todas los lados, o sea desde cualquier punto de observación. Con el máximo

cuidado y mucha pericia, el artista tuvo que sortear todos los inconvenientes del bloque de mármol, tarea muy ardua e difícil de describir. Levantó un cobertizo alrededor del bloque de mármol, para poder trabajar con comodidad a cualquier altura. De a poco se delineó el cuerpo musculoso del David, erguido en una posición adecuada para lograr el equilibrio del peso del mármol en todas las partes de la estatua. Por eso la pierna izquierda se adelanta a la derecha y el brazo izquierdo se eleva, doblando el codo, hasta colocar su mano muy cerca del hombro. El otro brazo, que nace del torso levemente

inclinado a la derecha, cae en forma ligeramente arqueada con su mano tocando la pierna derecha.

Cabe aclarar que la mano izquierda del David (la que está cerca del hombro) aprieta el receptáculo de la honda, que se nota come un bulto en el cual está colocada la piedra a lanzar. La honda tiene dos correas que, apoyadas en el mismo hombro, descienden transversalmente por la espalda de la figura hasta ser tomadas por la mano derecha que toca la pierna. El ataque con una honda consiste en revolear las correas en el aire hasta soltar una de ella para liberar la piedra hacia el punto deseado. Miguel Ángel trabajó hasta 15 horas diarias para dejar su obra prácticamente terminada el día 25 de Enero 1504, con plena satisfacción de los Mercaderes de la Lana, como figura en una minuta redactada por la Cofradía de Comerciantes en esa fecha. Como nota al margen, cabe aclarar que la estatua del David no fue circuncidada, a pesar de que el personaje fuera Judío.

Http://www.fadal.us/!!Vf1/Miguel%20Angel/!!Textos/David/El%20David.htm Presentaciones (en línea)http://es.scribd.com/doc. Miguel-Ángel

33 MIGUEL ÁNGEL David (1501-04,409cm, Museo de la Academia, Florencia) DETALLE

32 MIGUEL ÁNGEL David (1501-04,409cm, Museo de la Academia, Florencia) DETALLE

34 MIGUEL ÁNGEL David (1501-04,409cm, Museo de la Academia, Florencia) DETALLE

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Moisés (Tumba de Julio II)

Título: Moisés

Autor: Miguel Ángel Buonarotti.

Cronología:1513-1516

Estilo: Renacentista (Quinquecento)

Técnica: Esculpido o tallado en mármol de Carrara

Dimensiones: 2,35 ms

Localización: Iglesia de San Pedro In Vincoli

(Roma)

Tema: Religioso-funerario (formaba parte de un

sepulcro inacabado)

Presentaciones (en línea)http://es.scribd.com/doc. Miguel-Ángel

Es una escultura renacentista del siglo XVI, Cinquecento en Italia. Figura central de la tumba del Papa Julio II, en la iglesia deSan Pedro in Víncoli, en Roma. De mármol de Carrara, es una de las obras más conocidas de Miguel Ángel

http://www.europaenfotos.com/italia/photo_ro11_9.html

La obra, el Moisés, es de su segunda etapa. Pertenece al sepulcro del Papa Julio II, su mecenas, que se lo encarga en 1505, aunque el artista no lo termina hasta 1545 , de un modo muy diferente a como lo había proyectado. El proyecto original consistía en una tumba exenta, a cuatro fachadas, con más de cuarenta grandiosas estatuas, que se colocaría

bajo la cúpula de San Pedro del Vaticano.

Este delirante proyecto irá reduciéndose por motivos económicos y familiares (ya muerto el pontífice) hasta que Miguel Ángel lo diseña como un sepulcro adosado. Esculpe los Esclavos, alusivos a las ataduras de la vida humana, y la Victoria, pero no se encuentran en el sepulcro definitivo, emplazado en San Pedro in Víncoli, dónde sólo figuran siete estatuas: Raquel y Lía, que otras apenas desbastadas.

http://selectividad.tv/S_A_1_1_1_S_el_moises_de_miguel_angel.html

35 MIGUEL ÁNGEL Tumba de Julio II en San Pietro in Vincoli

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Pintura

La Sagrada familia

Autor: Miguel Ángel Fecha:1503 h. Museo: Galería de los Uffizi Características:120 (diámetro) Material: Oleo Estilo:Renacimiento Italiano

Miguel Ángel ejecuta La Sagrada Familia, conocida como el Tondo Doni, seguramente con motivo de la boda del rico comerciante florentino, Agnolo Doni y Maddalena Strozzi, celebrada a finales de 1503. Es la única obra pictórica de Miguel Ángel que pertenece con toda seguridad a sus primeros años.

En primer término, destaca el grupo principal que se aísla del resto como si de un bloque de mármol se tratara. La composición se articula en forma de espiral configurando a los personajes un movimiento inquieto y revoltoso, que se ve acentuado por su contraste cromático. La disposición triangular de las figuras denotan la típica forma serpentinata, exaltando aún más el volumen escultórico. Sin lugar a dudas, la formación como escultor de Miguel Ángel determinó, ya en esta temprana

obra, el aspecto de las figuras.

La Virgen, arrodillada, es representada con unas poderosas piernas que recuerdan los mantos y las vestiduras de las Sibilas de la capilla Sixtina. María levantando los brazos se gira hacia la derecha para recoger, o tal vez entregar, al Niño que le ofrece San José, que está detrás de ella. El Niño, que juega con toda naturalidad con los cabellos de su madre, se encuentra en este famoso "equilibrio inestable". San José continúa el movimiento espiral, balanceando el cuerpo hacia la izquierda, en cuclillas, sin apoyarse de manera segura en ninguna parte. Una pierna la tiene abierta para prestar apoyo al Niño y la otra para sostenerse a sí mismo.

36 La Sagrada Familia, Miguel Ángel.

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Este efecto de movimiento, de inestabilidad de grupo que en cualquier momento puede derrumbarse, caracterizará las figuras posteriores del artista, tanto en pintura como en escultura.En un plano medio, hacia la derecha, está el pequeño San Juan Bautista, que envuelto en sus pieles, contempla con admiración el grupo de la Sagrada Familia.

Al fondo de la representación, se divisa un paisaje con montañas rocosas y un río que transcurre con calma. Entre la Sagrada Familia y el paisaje hay cinco hombres completamente desnudos en semicírculo, con gestos alegres, apoyados sobre una pared. Uno de ellos envuelve con sus brazos al que tiene delante, mientras a la derecha otro intenta deshacerse del manto que le cubre.Este friso de desnudos es el rasgo más controvertido de la obra. ¿Qué significa

todos estos jóvenes de belleza clásica tras la Sagrada Familia? La escena ha suscitado varias interpretaciones. Se ha querido ver la imagen del mundo pagano, del que se aleja San Juan, lazo de unión de los dos mundos, para acercarse a la Sagrada Familia, el mundo judeo-cristiano.Otras interpretaciones, en cambio, aluden a la vida en el Paraíso, donde el hombre esta en contacto directo con la Naturaleza y no requiere vestiduras ni cualquier otro elemento superfluo.

No obstante, las figuras desnudas del fondo también puede hacer alusión a los neófitos que esperan para sumergirse en las aguas del río Jordán. Esta última lectura se enfatiza con la presencia de San Juan niño, símbolo del Bautismo.Los vivos colores, como el naranja dorado de las ropas de San José o el rojo claro carmín del vestido de la Virgen, denotan el influjo de Ghirlandaio, el primer maestro de Miguel Ángel.La Sagrada Familia, junto al marco que la

envuelve, diseñado al parecer por el mismo artista, es un óleo sobre tabla de 120 cm de diámetro, hoy conservado en http://www.historiadelarte.us/renacimiento/cinquecento/la-sagrada-familia.html

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La Bóveda de la capilla Sixtina

Capilla Sixtina. Bóveda Autor: Miguel Ángel Fecha: 1509-11 Museo: Capilla Características: Material: Fresco Estilo: Renacimiento Se conoce como la bóveda de la Capilla Sixtina al conjunto de pinturas al fresco realizadas para decorar la bóveda de la Capilla Sixtina, en la Ciudad del Vaticano (Roma). Fue pintada entre 1508 y 1512 por Miguel Ángel y es una de las obras pictóricas más complejas y más bellas de toda la historia del arte, encargada por el papa Julio II para sustituir la pintura que había en aquel momento a base de un fondo azul con estrellas doradas, que había sido realizada por Piero Matteo d'Amelia, según la tradición de los templos paleocristianos. En 1535, el papa Pablo III encargó a Miguel Ángel el más grande fresco jamás pintado (277 M2), para representar el Juicio Universal. El mismo sería ubicado en la pared del altar de la Capilla Sixtina. Toda la composición fue realizada por el artista entre los años 1536 y 1541.

37 La Capilla Sixtina, Miguel Ángel.

38 La Capilla Sixtina, Miguel Ángel. VISTA PARCIAL DESDE

EL ALTAR DE LA CAPILLA

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DESCRIPCIÓN DEL JUICIO UNIVERSAL

Por la grandiosidad de la obra y la cantidad de hechos y personajes incluidos, es prácticamente imposible apreciar a simple vista los innumerables y fantásticos particulares contenidos en ella. Por este motivo se hace necesario dividir toda la pintura en distintas partes:

En el centro están las imágenes de Cristo y de María. El Redentor, en su carácter de Juez, tiene el brazo derecho levantado para impartir la justicia divina; su rostro demuestra, con extrema dureza, la inflexibilidad de su decisión. María, en cambio, parece muy afligida por el trágico momento y prácticamente resignada a las consecuencias del Juicio, tomando una posición recogida bajo el brazo de Jesús.

Alrededor de estas dos figuras centrales, Miguel Ángel pintó varios Santos Mártires de forma tal que, para poder distinguirlos entre la multitud de cuerpos, les agrego detalles inequívocos, como por ejemplo los elementos utilizados para su tortura y muerte u otros objetos característicos, como las llaves del Paraíso (que San Pedro tiene en las manos).

Alrededor del grupo central, que incluye Dios, María y los Santos, Miguel Ángel pintó una gran multitud de cuerpos, representando a toda la gente común. Muchas de éstas figuras reflejan una gran inquietud, dando la impresión de no saber lo que hacer. En el grupo, algunos encuentran a sus familiares y amigos, mostrando felicidad y hasta conmoción. Todos ellos esperan el juicio de Dios que los va a dividir: los condenados caen por la derecha hasta el bajo, mientras los elegidos suben al cielo por la izquierda.

Mas abajo y en el centro del fresco, se encuentra un grupo de ángeles que, de acuerdo al Apocalipsis, tocan las trompetas anunciando el acontecimiento. En el mismo grupo, figuran también dos ángeles que sostienen el Libro de la Vida y de la Muerte, donde están escritos los nombres de los destinados al Paraíso y de los condenados al infierno.

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En la parte inferior del fresco, las multitudes siguen divididos san la forma ya citada: los que están ascendiendo al Cielo están a la izquierda, ayudándose unos a otros en la subida con la colaboración de los ángeles, mientras que los condenados al infierno están a la derecha, donde son arrojados por los ángeles y arrastrados por los demonios al fondo del fresco, hacia el Río Stige, en su paso hacia el dolor eterno.

Las figuras que suben de la tierra para ser juzgados son las que estaban en el momento en que Cristo inicia el juicio. Muchas de estos cuerpos han resucitado (resurrección de la carne) y son representados como cadáveres. Todos deben presentarse adelante de Dios para escuchar su sentencia.

En la Tierra hay demonios escondidos en cuevas. Algunos de ellos intentan evitar que los salvados asciendan al cielo. Abajo y a la derecha del fresco se encuentran, y siguen cayendo, todos los condenados por Dios en el Juicio, arrojados por los ángeles. Allí los esperan los demonios, para cargar sus cuerpos en la barca que va a zarpar por el Río Stige hasta el infierno, manejada por el mítico barquero Caronte, el cual colabora con los demonios golpeando salvajemente a los condenados con su larga vara.

Http: //www.fadal.us/!!Vf1/Miguel%20Angel/!!Textos/Sixtina/Juicio%20final/Juicio%20Universal.htm

Las nueve historias del

Génesis

1 = Dios separa la luz de las tinieblas Desde la Biblia: En el Cuarto Día del Génesis Dios creó las estrellas en el universo, disociando también la Luz de las tinieblas. El significado representa la separación de lo visible (como bueno y transparente) de la oscuridad (como indeseable). Los dos medallones, cada uno al lado de dos desnudos, representan: Abajo: El sacrificio de Abrahán (1) Arriba: Elías asciende al cielo (2)

39 Dios separa la luz de las tinieblas

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2 = Creación del sol y de la luna También en el cuarto día, Dios "creó" ambos cuerpos celestes: el sol para que alumbrara la tierra y la luma para que diera penumbra en la noche. La Génesis afirma que Dios creó también las plantas sobre la tierra.

3 = Dios separa la tierra de las aguas Dios juntó la tierra seca y la separó de las aguas, llamando a estas últimas "Mares". Así lo afirma la Biblia, concluyendo:

Así lo hizo Dios. Los medallones, con los desnudos, representan: Abajo: Muerte de Absalón (3) Arriba: La pintura se destruyó en 1798 por un accidente ocurrido. Una explosión en el Castillo de "Sant'Angelo" hizo caer una pesada piedra en el techo de la Capilla, originando el desprendimiento del

dibujo.

4 = Creación del hombre Dios creó al hombre (Adán) a su imagen y semejanza. Es lo expresado por las escrituras. La creación del hombre incluye su parte material, llamada "polvo", pero también añade lo inmaterial, definido como "el aliento de vida". Esta distinciones separan al "hombre exterior" del "hombre

40 Creación del sol y de la luna

42 = Dios separa la tierra de las aguas

41 Creación del hombre

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espiritual". La interpretación artística de Miguel Ángel es maravillosa: la mano de Dios toca la de Adán en el momento de su creación.

5 = Creación de la mujer La Biblia afirma que en el sexto día de la creación, Dios creó a la mujer como complemento del hombre y, para eso, utilizó parte del hombre para concretar su obra. Por tal motivo algunos interpretaron, desde la antigüedad, que el mismo Dios quiso indicar la superioridad del hombre. Los medallones, con los desnudos, representan: Abajo: David se inclina ante Natán (4) Arriba: Muerte de Urías (5)

6 = El pecado original El pecado original se relaciona a la desobediencia de Adán y Eva, como hombre y mujer, al mandato divino de no comer alimento alguno proveniente del árbol que refleja el bien y el mal, respetando así los conocimientos recibidos y obedeciendo las condiciones impuestas, a pesar de las tentaciones impulsadas por la serpiente. Fueron así los primeros padres y expulsados por Dios del Paraíso que él había creado. El fresco de Miguel Ángel expresa maravillosamente la escena, que termina con el alejamiento de los pecadores.

43 Creación de la mujer

44 El pecado original

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7 = El sacrificio de Noé El sacrificio consiste en ofrecer un cordero a Dios, después del diluvio universal, como reconocimiento y sumisión. Noé levanta el dedo señalando el destino del ofrecimiento. Delante de él está el fogón donde se realizó el sacrificio. Los medallones, con los desnudos, representan: Abajo: Joab mata a Abner (6)

Arriba: Castigo de Heliodoro (7)

8 = El diluvio universalDe acuerdo a la Génesis, Noé construyó un arca en la cual alojó a su familia y también a siete parejas (macho y hembra) de animales limpios y una pareja de animales no limpios de cada especie existente, sabiendo que todos ellos serian los únicos sobrevivientes en el mundo luego del diluvio, cuyo objeto obedece al designio de destruir la maldad del hombre.

9 = La embriaguez de Noé El significado de este fresco consiste en mostrar la maldad del hombre, viendo a Noé borracho luego de trabajar la tierra con una pala. Está desnudo, como también lo están sus tres hijos (Cam, Sem y Jafet) cuando lo encuentran en el suelo. A pesar de ello, Dios elije a Noé y a su familia para que sobrevivan luego del diluvio. Los medallones, con los desnudos, representan: Abajo: Jehu destruye el ídolo de Baal (8) Arriba: Caída de Antioco Epifanes (9)

45 El sacrificio de Noé

47 El diluvio universal

46 La embriaguez de Noé

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REFERENCIAS:

(1) Abraham fue solicitado por Dios para que sacrifique su primer hijo, de nombre Isaac. Según lo narrado por la Biblia, en aquel tiempo el sacrificio de los primogénitos era aceptado por los religiosos de la zona de Canaán, para honrar al Ser Supremo. Sin embargo Dios, a último momento, detuvo el cuchillo con el cual Abraham intentaba consumar ese sacrificio, diciendo que no se siguiera más esa práctica y, en lugar del primogénito, debía utilizarse un cordero.

(2) Resumen bíblico. Al Profeta Elías había llegado la hora de subir al cielo por haber terminado su función terrenal y sería remplazado por el Profeta Eliseo. Ambos caminaron hacia el Río Jordán y lo cruzaron sin mojarse porque Elías abrió las aguas con un golpe de su manto. De pronto apareció un caballo llevando un carro, ambos de fuego, que dividieron los dos Profetas. Un torbellino de fuego se llevó a Elías subiéndolo al carro que lo transportó al cielo.

(3) Absalón fue el tercer hijo del Rey David. Se hizo proclamar Rey en ausencia de su padre, apoyado por mercenarios. Entró en batalla cerca del Río Jordán con la tropa del Rey y fue derrotado. En su veloz huida, su larga cabellera desplegada al viento quedó enredada en los árboles. Sus perseguidores lo alcanzaron y le dieron muerte.

(4) Natán fue el profeta de Jehová cuando David reinaba en Israel. Por intermedio de este profeta, Jehová concedió a David la promesa de un reinado indefinido en el tiempo, siempre que no se apartara de los principios establecidos.

(5) El segundo libro de Samuel cuenta de Urías, soldado muy valiente del Rey David y esposo de Betsabé, mujer de la cual estaba enamorado el mismo David. El Rey mandó entonces Urías a la guerra hasta lograr su muerte en batalla. Con eso, David dejó de cumplir el pacto hecho con Dios por intermedio de Natán.

(6) Joab mató a Abner porque éste había dado muerte a Asael, su hermano, en la batalla de Gabaón causando la ira de David, que tenía gran consideración para Abner. Joab intentó involucrar al Rey David, hasta que éste probó su inocencia.

(7) Seuluco, Rey de Siria, encargó a Heliodoro para que se apodere del tesoro guardado en el Templo de Jerusalén. Dios envió a dos jinetes, a pedido del gran sacerdote Onías, para que lo castigaran. Heliodoro fue golpeado y expulsado del Templo.

(8) Jehu fue el undécimo rey de Israel. Parte de su pueblo comenzaron a adorar a Baal, un Dios de Asia Menor, Caldeo, babilonio, y otros pueblos. Jehu destruyó entonces la figura de ese ídolo.(9) Antioco Epifanes, en el periodo de la dominación griega de Palestina, quiso imponer por la fuerza a los judíos que adoraran a Zeus y a todos los dioses griegos de aquél entonces, como también quiso imponer la cultura griega.

Http://www.fadal.us/!!Vf1/Miguel%20Angel/!!Textos/Sixtina/Boveda/Los%209%20temas%20principanes.htm

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Andrea Palladio

Andrea Palladio, de nombre Andrea di Pietro della Góndola (Padua, 1508 - Vicenza, 1580) fue un importante arquitecto de la República de Venecia. Trabajó fundamentalmente en la ciudad de Venecia y alrededores. Se lo considera un autor del manierismo, sus villas campestres y otras obras han influido de manera importante en la arquitectura del Neoclasicismo.

http://es.wikipedia.org/wiki/Andrea_Palladio

Iglesia de san Jorge el mayor, Venecia

Época: Renacimiento9 Inicio: Año 1550 Fin: Año 1600 Antecedente: Arquitectura manierista

El sitio escogido fue la cima redondeada de una pequeña colina apenas fuera de los muros de Vicenza. En aquella época, la fascinación por los valores arcaicos comenzaba a incitar a muchos nobles pudientes a mezclarse con la alegría de la vida simple.

48 Iglesia de san Jorge el mayor, Venecia

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Villa Rotonda

La construcción, iniciada en 1566, consiste de un edificio cuadrado, completamente simétrico e inscripto en un círculo perfecto. Sin embargo, describir la villa como "Rotonda" (redonda) es técnicamente incorrecto, ya que la planta del edificio no es circular, sino que puede ser definida como la superposición de un cuadrado y una cruz. Cada una de las cuatro fachadas presenta un volumen avanzado con una galería, (loggia) a la que se accede mediante amplias escalinatas

externas.

Cada galería está enfatizada con un frontón decorado con esculturas que representan divinidades griegas clásicas. Cada logia está flanqueada por una ventana simple. Cada uno de los cuatro ingresos principales, luego de atravesar un corto pasillo o corredor, conduce a la sala central, cubierta por una cúpula. Esta habitación de planta circular, es el centro neurálgico de la composición, a la que Palladio imprime fuerza centrífuga y vinculación con el exterior mediante los cuatro pronaos jónicos y las cuatro escalinatas. La villa resulta así en una arquitectura abierta, relacionada con la ciudad y el campo circundante. Fundación Wikimedia, Inc.. Andrea Palladio,

http://es.wikipedia.org/wiki/Andrea_Palladio

49 Planta evidenciando las proporciones geométricas

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Leonardo Da Vinci

Leonardo Di Ser Piero da Vinci hijo natural e ilegitimo de Ser Piero da Vinci (un notario florentino), nació el 15 de abril de 1452

Uno de los exponentes del Renacimiento es Leonardo Da Vinci, pintor, escultor, arquitecto, ingeniero y científico. Fue un personaje que se destacaba por su profunda pasión por el conocimiento y la investigación, claros principios que destacaban su obra. Se constituyó en un claro innovador en el campo de la pintura dando lugar a la evolución del arte italiano durante mas de un siglo después de su muerte. Por otra parte, también se destacó en el campo de la ciencia, sus investigaciones en las áreas de anatomía, óptica e hidráulica, anticiparon muchos avances de la ciencia moderna.

1. Propugnó el empirismo como método científico 2. Describió los principios básicos de la aeronáutica 3. Creó armas de guerra y vehículos mecánicos 4. La Gioconda es el retrato más célebre de la historia 5. Estudió y describió la anatomía humana 6. Fue un gran urbanista e ingeniero hidráulico

http://www.portalplanetasedna.com.ar/leonardo_da_vinci.htm

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Adoración de los Magos 1482 Galería de los Uffizi - Florencia

Con la Adoración de los Magos Leonardo alcanza su madurez y plantea los términos de una renovación radical de los modos representativos.

http://cv.uoc.edu/~04_999_01_u07/percepcions/perc52.html

La Adoración de los Magos (en italiano, Adorazione dei Magi) fue la primera gran obra del pintor renacentista italiano Leonardo da Vinci. Está pintado al óleo sobre tabla que mide 246 cm. de alto y 243 cm. de ancho y data del periodo 1481-1482. Se conserva en la Galería de los Uffizi de Florencia. La Virgen María y el Niño Jesús están representados en primer plano y forman un triángulo o pirámide con los Magos arrodillados en adoración; de esta figura, la Virgen resulta ser el vértice. Detrás de ellos hay un semicírculo de figuras que los acompañan, incluyendo lo que podría ser un autorretrato del joven Leonardo (en el extremo de la derecha, lejos).

Domina un sentido de la circularidad, un vórtice de acción y gestos que giran en torno al grupo de la Virgen con el Hijo, que representa la Epifanía que afecta a todos los asistentes. El hecho de que las piernas de María estén vueltas hacia la izquierda mientras que su cabeza y la de Jesús se giran a la derecha da a la pirámide un sentido de movimiento rotatorio. La cabeza de María es la intersección de las dos diagonales del cuadro, que se puede decir cuadrado visto la leve diferencia entre la altura y la base, de ahí que la cabeza de la Virgen sea el centro de la obra.

En el fondo, dos árboles forman una diagonal. Uno es un laurel, símbolo de triunfo, y el otro una palmera; este segundo árbol puede entenderse como signo de martirio o como alusión a una frase del Cantar de los Cantares: "Eres majestuosa como una palmera", en la que parece prefigurarse María.

Tras esos árboles aparecen dos escenas. A la izquierda, la ruina de un edificio clásico, en el que pueden verse obreros, aparentemente reparándola.

A la derecha hay jinetes desarzonados peleando, sobre caballos enfurecidos, y un esbozo de un paisaje rocoso. El templo en ruinas puede verse como una alusión a la caída del Templo de Jerusalén, con un arco roto en el que crecen pequeños arbustos, lo que ocurre en algunas construcciones antiguas en los que la naturaleza ha empezado a apropiarse. Pero también es posible que las ruinas aludieran a la Basílica de Majencio, pues, según una leyenda medieval, los romanos decían que permanecería en pie hasta que una virgen diera a luz. Se supone que cayó la noche del nacimiento de Cristo (de hecho, ni siquiera estaba construida entonces). Las ruinas dominaban un dibujo preparatorio de Leonardo, que también presentaba a los caballeros peleando, pero quedó relegado al fondo en la pintura final

. http://es.wikipedia.org/wiki/Adoración_de_los_Magos_(Leonardo)

50 Adoración de los Magos, Leonardo Da Vinci, 1482.

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La virgen de las rocas

El 25 de abril de 1483, Leonardo da Vinci recibió el encargo de pintar el panel central de un gran retablo para la iglesia de San Francesco il Grande de Milán. La cofradía franciscana de Milán estipulaba en el contrato que la obra debía estar acabada el 8 de diciembre de ese mismo año. A la entrega del retablo comenzaron los problemas. Se ha especulado mucho sobre cuales fueron las causas del pleito entre Leonardo da Vinci y la Cofradía Franciscana. Algunos sostienen que los clientes quedaron descontentos ya que el maestro toscano no había seguido al pie de la letra las instrucciones para la ejecución del cuadro. Pero parece ser que lo que en realidad sucedió es que Leonardo da Vinci no recibió el pago acordado. Hubo procesos

legales que concluyeron en que el artista debía terminar el trabajo o alguien en su lugar debía hacerlo por él A raíz del litigio se realizó la segunda versión del cuadro, cuya ejecución corrió a cargo de Ambrogio De Predis bajo la supervisión de Leonardo. Esta segunda versión es la que actualmente se expone en la National Gallery de Londres.

La primera versión, que ha ciencia cierta es obra de Leonardo es la que se encuentra en el Museo del Louvre de París.

http://www.elrelojdearena.com/leonardo-da-vinci/la-virgen-de-las-rocas.htm

51 La Virgen de las rocas (1ª versión -

1486) Museo del Louvre, París

52 La Virgen de las rocas (2ª versión -

1486) Natonional Gallery, London.

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La ultima cena

La Última Cena (en italiano: Il cenacolo o L’ultima cena) es una pintura mural original de Leonardo da Vinci ejecutada entre 1495 y 1497,1 2 se encuentra en la pared sobre la que se pintó originariamente, en el refectorio del convento dominico de Santa María delle Grazie en Milán (Italia).3 La pintura fue elaborada, para su patrón, el duque Ludovico Sforza de Milán. No es un fresco tradicional, sino un mural ejecutado al temple y óleo sobre dos capas de preparación de yeso extendidas sobre enlucido. Mide 460 cm. de alto por 880 cm. de ancho. Muchos expertos e historiadores del arte, consideran la Última Cena como una de las mejores obras pictóricas del mundo

53 La Ultima Cena, Leonardo Da Vinci (1495-149)

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Leonardo ha escogido, puede que a sugerencia de los dominicos, el momento quizá más dramático. Representa la escena de la Última Cena de los últimos días de la vida de Jesús de Nazaret según narra la Biblia.

La pintura está basada en Juan 13:21, en la cual Jesús anuncia que uno de sus 12 discípulos le traicionaría. La escena parece estar bañada por la luz de las tres ventanas del fondo, en las que se vislumbra un cielo crepuscular, de igual manera que por la luz que entraría a través de la ventana verdadera del refectorio. Dicha luminosidad, así como el fresco colorido, han quedado resaltados a través de la última restauración. Los 12 Apóstoles están distribuidos en cuatro grupos de 3. Ello sigue un esquema de tríadas platónicas, de acuerdo a la escuela florentina de Ficino y Mirándola. Analizando de izquierda a derecha, en la

segunda tríada se encuentra Judas, cuya traición rompe la tríade, colocándole fuera de ella. La tercera tríada desarrolla la teoría del amor platónico. El amor es el deseo de la belleza, la esencia de Dios es amor y el alma va hacia su amor embriagada de belleza. En la cuarta tríada se observa a Platón, Ficino y quizá el propio Leonardo, trata del diálogo filosófico que lleva a la verdad de Cristo.

En la obra los discípulos y Jesús aparecen sentados y atrás de ellos se puede apreciar un paisaje como si fuera un bosque o incluso como si fuera el paraíso.23 Los apóstoles se agrupan en cuatro grupos de tres, dejando a Cristo relativamente aislado. De izquierda a derecha según las cabezas, son: Bartolomé, Santiago el Menor y Andrés en el primer grupo; en el segundo Judas Iscariote con pelo y barba negra, Simón Pedro y Juan, el único imberbe del grupo; Cristo en el centro; Tomás, Santiago el Mayor y Felipe, también sin barba en el tercer grupo; Mateo, aparentemente sin barba o con barba rala, Judas Tadeo y Simón el Celote en el último. Todas las identificaciones provienen de un manuscrito autógrafo de Leonardo hallado durante el siglo XIX.

http://es.wikipedia.org/wiki/La_Última_Cena_(Leonardo_da_Vinci)

54 La última cena, detalle de la mesa, con ésta y el plato en perspectiva

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La Gioconda

Una peculiaridad de la dama que aparece en el cuadro es que no tiene cejas ni pestañas. Aunque hoy en día nos extrañe, era una costumbre común entre las damas florentinas de la época, depilarse todo el vello de la cara. Es la última gran obra de Leonardo, y de hecho estuvo retocándola hasta sus últimos días, llevándole cuatro años completar el proyecto.

http://www.elrelojdearena.com/leonardo-da-vinci/la-gioconda.htm

El cuadro La Gioconda, también conocido como La Mona Lisa, La Monna Lisa, La Joconde en francés o Madonna Elisa, es una obra pictórica de Leonardo Da Vinci. Desde el siglo XVI es propiedad del Estado Francés, y se exhibe en el Museo del Louvre de París.

En este retrato, la dama está sentada en un sillón, y posa sus brazos en los apoyos del asiento. En sus manos y sus ojos puede verse un hace con la luz y la sombra para dar sensación de volumen. La galería se abre a un paisaje inspirado en las vistas que Leonardo

pudo alcanzar a divisar en los Alpes, cuando hizo su viaje a Milán. El paisaje posee una atmósfera húmeda y acuosa que parece rodear a la modelo. Se ha intentado localizar el aparente recodo del Arno o una porción del Lago de Como, sin haber llegado a conclusiones definitivas. Muchas veces se ha tratado de compaginar uno y otro lado del paisaje tras la modelo, pero la discordancia entre ambos lados no permite que se diseñe un modelo continuado de la imagen.33 Debe tenerse en cuenta que el lado izquierdo parece estar más alto que el derecho, entrando en contraste con la física, puesto que el agua no puede encontrarse estática a desnivel en el terreno. Al respecto, el historiador de arte, E.H. Gombrich, expresa que:

En consecuencia, cuando centramos nuestras miradas sobre el lado izquierdo del cuadro, la mujer parece más alta o más erguida que si tomamos como centro la derecha. Y su rostro,

56 La Gioconda, Leonardo Da Vinci. Museo de Louvre de Paris.

55 La Gioconda, Leonardo Da Vinci. Detalle en lado izquierdo

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asimismo, parece modificarse con este cambio de posición, porque también en este caso las dos partes no se corresponden con exactitud

Por otro lado, en medio del paisaje aparece un puente, elemento de civilización, que podría estar señalando la importancia de la ingeniería y la arquitectura. Sobre la cabeza lleva un velo, signo de castidad y atributo frecuente en los retratos de esposas.

El brazo izquierdo descansa sobre una butaca. La mano derecha se posa encima de este brazo. Esta postura transmite la impresión de serenidad y de que el personaje retratado domina sus sentimientos.

La técnica de Leonardo da Vinci se aprecia con más facilidad gracias a la "inmersión" de la modelo en la atmósfera y el paisaje que la rodean, potenciada además por el avance en la "perspectiva atmosférica" del fondo, que sería logro final del Barroco y en la que los colores tienden al azulado y la transparencia, aumentando la sensación de profundidad.

http://es.wikipedia.org/wiki/La_Gioconda

de los más ilustres protagonistas del Renacimiento Italiano fue, sin lugar a duda,

57 La Gioconda, Leonardo Da Vinci. Detalle en lado derecho

58 Detalle de la Mirada de la Dama.

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Conclusiones

Durante el cinquecento se mantuvieron ciertos aspectos característicos, propios del primer renacimiento, en especial apego a las pautas clásicas.

Florencia conserva todavía su importancia artística, pues se sigue siendo cuna de grandes creadores como Miguel Ángel o Leonardo, y de mecenas como los medicis, si bien pierde en este siglo el protagonismo que había tenido durante el quatrocento.

El modelo antropocéntrico mantiene su preminencia, aunque sus obras, especialmente de arquitectura y de esculta, adquieran mayor monumentalidad.

Características en la arquitectura: o Equilibrio, austeridad y robustez o volúmenes con un sentido plástico o Desarrollo de grandes construcciones y planes arquitectónicos que

vuelven la manera romana Características de pintura:

o Dominio de la perspectiva linear y atmosférica o Se destaca el tema principal y se eliminan detalles anecdóticos o Composiciones clásicas: piramidales o triangulares o Búsqueda de la belleza eterna o intemporal o Se centran en el hombre, sus reacciones y sentimientos o Usan modelos reales

Características de escultura: o Máximo auge de la escultura o Grandes esculturas de bulto redondo o Pierde interés el relieve, la profundidad estudios de los volúmenes

sobre el plano. o Composiciones abiertas y en movimiento o Formas en tensión o Esbeltez o Refinamiento o Elegancia de líneas que se cruzan

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Glosario

1. Eclosión

Aparición o manifestación súbita de un movimiento social, histórico, político, cultural, etc.:

2. Gracilidad

Sutileza, delicadeza, liviandad:

Centuria: f. Periodo de cien años; siglo. En la milicia romana, compañía de cien hombres.

3. Sfum ato

Técnica que consiste en suavizar o difuminar los contornos de las figuras que se pintan mediante sombras y colores.

4. Sacro,cra

Sagrado: música sacra, De la región del cuerpo en que está situado el hueso sacro o relativo a ella

5. Transepto

Nave perpendicular a la principal que, en una iglesia, forma los brazos de una cruz latina.

6. Sacristía

Lugar en las iglesias donde se revisten los sacerdotes y están guardados los objetos necesarios para el culto:

7. Tabernáculo

Sagrario donde se guarda el copón con las hostias consagradas

8. Lírico, ca

Adj. De la lírica o de la poesía propia para el canto en la que predominan los sentimientos y emociones del autor, o relativo a ellas:

9. Sibila

Mujer sabía a quien los antiguos griegos y romanos atribuyeron espíritu profético:

10. Neófito, a

Persona adherida recientemente a una causa o a una colectividad:

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Bibliografía

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