cinéfagos - número 3
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Agosto 2013TRANSCRIPT
Año I No. 3Revista Mensual
Alimentándonos del séptimo arte
además FESTIVAL DE CINEMATOGRAFÍA FENADU 450 CINECONCIERTO ZIGURYHA “METRÓPOLIS” COMENTANDO DE CINETHE PEARKS OF BEING A WALLFLOWER
Durante muchos años tuve la particular duda
de porqué al cine se le llamaba el séptimo
arte, siendo que a diferencia de las demás
bellas artes, la consideraba yo un acto
demasiado comercial, más próximo a lo
circense que a lo artístico.
Fue hasta hace un par de años que
comprendí un poco mejor –a raíz de la
práctica- lo que significa hacer cine,
adentrarse en el mundo de las imágenes en
movimiento; la belleza de la comunión entre
actuación, efectos y música… sin embargo,
comprender la importancia de la
cinematografía no solo reside en conocer las
técnicas de grabación o edición, saber hacer
un buen equipo o hacer buen uso de las
tecnologías. Va más allá.
Para que un filme trascienda al grado de
permanecer en el imaginario colectivo
universal se necesita de una historia y nada
más. No son necesarias las grandes sumas de
dinero para realizar una tremenda post
producción, ni tampoco las actuaciones de
los “consagrados” o taquilleros de
Hollywood… solo se necesita la visión de un
hombre.
Si bien es cierto que una película no es solo
producto del trabajo del director, sino de la
exacta conformación de un equipo de
trabajo, nada sería la industria fílmica sin
aquellos personajes que, totalmente locos,
se atreven a cambiar los rumbos, lo
preestablecido, y aprovechando la materia
fresca y potencial que tienen en sus manos,
realizan algo fantástico.
Quizá un punto negativo del cine –en
comparación de las demás bellas artes- sea
que no cualquiera puede acceder a plasmar
su arte, pues si bien, como ya hemos dicho,
no es necesario el dinero, si ayuda mucho,
sin contar que no depende de una sola
persona y que muchas veces los espacios de
difusión no se hallan abiertos.
Sin embargo el cine es la única de las
expresiones artísticas del hombre que puede
albergar a todas las anteriores, jugar con el
tiempo y el espacio y conjugar tantas
emociones. Lo importante, como con las
demás, es saberla utilizar, y para suerte
nuestra, aún hay muchos “locos” sinceros en
el mundo – a veces demasiado frívolo- del
celuloide.
Editorial
Andrei Maldonado
DIRECTORIO
Director GeneralAndrei Maldonado
Coordinador EditorialEric Eduarte Villa
ColaboradoresDiana ReyesNora V. JiménezArturo Terrones
Colaboradores ExternosRicardo PeredaSac-Nicté Calderón
FotografíaDiana ReyesAndrei MaldonadoEric Eduarte Villa
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/revistacinefagos
@revistacinefago
1
MÁS QUE IMÁGENES EN MOVIMIENTO
Contenido
2
3. THE PERKS OF BEING A WALLFLOWER (o los reallity bites de esta generación)
4. clínica visual con SERGIO GUTIÉRREZ
6. CELULOIDE: la nostalgia del cine
10. ¿qué hace un DIRECTOR DE CINE?
12. el arte del SCOUTING
14. EL CINE SIN MÚSICA SERÍA UN ERROR cineconcierto “metropolis”
3
El cine suele regalarle a los jóvenes películas
que retr atan de manera clara las inquietudes
y los problemas propios de la edad: en los
80s tuvieron The Breakfast Club, mi
generació n tuvo R eality Bites y creo qu e The
Perks o f Being a Wallflow er ser á la película
con la que los futuros adultos descon gelaran
sus nostalgias (aunque curiosam ente la
película esté am bientada en los 90s).
Basada en la novela homó nim a de S tephen
Chbo sky (quien también dirige y hace el
gu ión) la cinta no s cuenta la historia de
Charlie (Logan Lerman) un adolescente que
se enfrenta al m undo preparatoriano con la
pesada carga del suicidio de su mejor am igo
y una enfermedad mental que le causa
alucinaciones. El desadaptado C harlie pron to
es cobijado por Sam (Emma Watson
abando nando la piel de Her mione G ranger) y
por Patr ick (Ezra Miller, el m ismo de W e
need to talk about Kev in robándose cada
escena en la que aparece) los cuales lo
introducen a un grupo de “m isfits” en donde
Sam comienza a sentirse finalm ente
aceptado y en tendido.
La película tiene varios puntos fuertes, co mo
un so undtrack lleno de clásico s como
Asleep, Com e on Eilen y D on´t Dream is over,
la fo rma en la q ue evita que
sus perso najes se vuelvan estereotipos
predecib les, la tremenda química entre su
elenco pero sobr e todo destaca la m anera
efectiva como lid ia con situaciones como el
sentimiento de alienación que en muchas
ocasiones suele inun dar esa edad, la
homo sexualidad d e Patr ick o la presión de
eleg ir un cam ino al futuro. Los roles adultos
complementan bien la h istoria destacándose
la actuació n de Pau l Rudd en el papel del
maestro de Literatura de Charlie.
Al final tenemos un a película que
seguramente se volverá de culto y se sumar á
al clu b de lo s filmes an tes m en cionados y a
que al igual que estas de alguna form a nos
ayuda a r ecord ar aquella época en la qu e
todo era nuevo y m ágico, ese tiempo en el
que la mejor manera de mostr ar el am or era
un cassete m ezclado , en el que los amigos se
vuelven la familia, ese periodo en el que
como Charlie abr íamos los brazo s al futuro
mientras Bowie no s cantaba eso de “We can
be héro es… just for one day”.
(o los reallity bites de esta generación)
texto: Arturo Terrones
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4
CLÍNICA VISUAL con SERGIO GUTIÉRREZ
5Dentro de las actividades del festival
de cinematografía FENADU 450 se llevó a cabo la conferencia “Clínica
visual” impartida por Sergio
Gutiérrez, director de
cinematografía del estado,
productor, fotógrafo y promotor del cine en Durango. La charla
comenzó con el guión, desde el
punto de vista del proceso creativo.
La parte más complicada de la
realización del guión, según Sergio, es llevar a fotografía en movimiento
lo que está en palabras. Si bien es
fácil imaginar el rostro de un actor,
una locación, etc., al momento de
llevarlo a cabo se vuelve más complicado, no solo técnicamente
hablando, si no en cuestiones de
interpretación con el mismo equipo
de trabajo.
Lo importante del proceso creativo
es detallar al momento de
interpretaciones (ya que la
semiótica es demasiado compleja y diversa, menciona), se busca lograr
una comunión con todos los
integrantes de una producción
fílmica. Aterrizar la interpretación a
una imagen que sea entendida por muchos, de aquí surgen las reglas
del cine, que deben conocerse y
respetarse para lograr la mejor
comunicación audiovisual con el
espectador.
Abordó ejemplos de cómo detallar lo
necesario para que el resultado final
sea lo más acercado a lo escrito, es decir, al guión, que para él esa es
una señal de que una película está
bien hecha, sin embargo también
comentó que ninguna película suele
ser exactamente un vivo espejo del
guión.
Con apoyo audiovisual compartió
videos sobre las diversas
aplicaciones de luces y filtros en escena y cómo se transforma
completamente el efecto con un
simple cambio de luz, siempre se
debe buscar lo que se acerque más
a la idea del director. Enfatizó en la búsqueda de la mejor toma, la mejor
luz, la mejor actuación, el mejor
sonido y filmar siempre más
material, pues la edición se vuelve
aún más detallado, entonces el cine se vuelve un arte de detalles.
“Explotar la imagen visual para
poder narrar algo” fue la frase con la que el director pasa al siguiente
tema que es el estilo. Así llega a
nombres de directores conocidos
como Kurosawa, Tarantino, Kubrick,
y nos dice que este “estilo” se va dando en la forma de narrar nuestra
historia, y que es algo innato.
Habló de los movimientos de cámara y reglas de narrativa visual,
cómo combinarlos para lograr lo que
queremos, ya sea comedia,
suspenso, o cualquier género.
Terminó su conferencia haciendo
énfasis en la relación del director de
fotografía con el director de la
película, cómo la importancia del diseño de las secuencias, escenas y
tomas, para que la realización sea
menos costosa, más rápida y
efectiva.
texto y fotografía: Diana Reyes
5
El cine… la palabra que camb io la
forma de ver la vida para m uchos que han ded ic ado su vida a este arte.
Siem pre que es cucham os es a bella
palabra com o cuan do el am or de
nues tra v ida p ronuncia nues tro
nom bre, nos viene a la mente las palom itas, las grandes salas, el
m omento en que se apagan a las
luces y co mienza la ma gia, pero
sob re todo ese sonido repetit ivo c omo
una má quin a funcionando a su perfecc ión , c omo melodía de una
can ción mem orable, cada v ez que lo
esc ucham os entram os en un e stado
de relajación y sa bemos qu e d urante
las dos pró ximas horas irem os tan lejos com o nues tros sueños. Aqu el
son ido que percibiste c uando eras
niño y te enam oraste del sépt imo
arte, está m uriendo, y al parece r nada
podrá hacerse para su inev itable f inal.
La cinta de ce luloide qu e le daba
cue rda a e se proyec tor es ta siendo
des pla zada p or la tec nología digital,
si bien eco nomiza a las c omp añ ías
produ ctoras y s alas cinem atográfic as, aun la calidad del cine analógico
sigue e sta nd o por enc ima de la
industria digita l. Y es ahí donde se
enc uentra la luch a entre los dos
formatos, aunque los discos duros y las mem orias s e es tán qued ando con
el puesto, e l form ato analógico
con serva todas las v entajas de
Dura ción, garantía de se gu ridad y
com o y a lo m encionam os la c alidad en su im agen.
6
La nostalgia de un siglo; aquellos días de palomitas, intermedios y grandes salas
texto: Eric Eduarte Villa
7
La a dve rte ncia d e la tra nsición a l
sistem a digita l ya e staba a nunciada .
Es to ya v enía coc inándose des de
m uchos años atr ás. La fotografía f ija
fue la pr im era en sufrir es tos
cam bios, el ro llo de 36 e xposiciones fue alc anzada por las tarjeta s de 64
G igabytes qu e llegan alm acena r
has ta 10,00 0 fotos . E so ha he cho que
una mala imagen m al retratada p ueda
sac arse una, dos , t res y la cant idad de v eces qu e sea nec esaria pa ra
obtener una buena fotografía. A ntes
con el ro llo, de 10 fotos c apturadas 8
eran buena s; ahora de 40 fotos ma las
sólo hay 2 bu en as, el lu jo de equivoc ación que hace varios años
no podía hac erse, hoy en día y a
parec e algo cot id iano. E l fotógrafo
sab ía que al menos sólo tres veces
podía v olver a foto grafiar la m ism a ima gen c on e l sis tem a an alógic o y
eso lo hacía muy bueno en s u
trabajo. Ac tualm ente se pu eden
guarda r cientos de copias de l m ism o
retrato perdiendo quizá s u v alo r representativo c omo piez a única. El
cine corre rá la m ism a sue rte, s i b ien
sus bóveda s almac enan grandes
tesoros de la c inem atografía, es tas
no volverá n a rec ibir joyas de la industria, todas las películas a part ir
de ahora quedarán resguarda das en
ordena dores sin que s ean un mus eo
de adm iración com o los he lados
cua rtos donde des cansan y esperan lata s y c intas de celuloide.
Es to no sólo ha afectado la calidad de
ver cine y de s u garantía d e con servac ión, sino también a
impo rtantes empresas que durante
m ás de m edio siglo ha n propo rcionado el materia l que ha
hecho magia en una p antalla. Kodak
y Fujif ilm s e h an v is to obligas a ba jar
su produ cción de la c inta de 35mm y
de todo m ate ria l celulósico, a ta l grado que Ko dak se declaro en
banca rrota hace un par de años , y
dif ícilmen te la firm a de la em pres a
norteame ricana fundad a po r G eorge
Ea stm an volverá a s er pa drino de la cinem ato grafía. O tras em presas
com o So ny, P anasonic, entre otras,
com o las indus trias com putac iona les
van ga nando te rreno y serán las
nueva s d ue ñas del cine.
Des pués de v arios año s de dom inio
del c ristal y con la apar ic ión de la
gelatina c omo m ater ia l que reforzab a el m ism o c ristal, llegaba el e lem ento
que el cine y la fotografía adoptaría n
para el res to de s us vidas analó gic as:
El celu lo id e . En 1876 fu e introdu cido
en Eu ropa y parec e que fue un tal Carbu tt e l primero que pensó en
ut ilizarlo en hojas com o superf icie
fo tográf ica. Posteriorm ente e l ac etato
de c elu los a sus titu ir ía al ce luloide,
conf iriendo a la pelíc ula las cualidades que hoy t iene, el ac etato
es un materia l no inf la mable con la
gran v entaja de s u antec esora: la
nitr ocelulosa . C inta altam ente
inf lam able, r azón po r la cual m uchos salas de p royecc ión sufrían incend ios
cuand o el ce luloide predominaba , y
se recu erdan días trá gic os en
m uchos cines de la década de los 30
para atr ás.
35m m: La primera y última cinta
favorita del cin e.
En 1892 fue introdu cido por William
Dickson y Alba Edison qu ienes
usa ron material fotográfico p or
Ea stman Kodak , su nombre se da a que viene de que el negativo está
cortado en tiras de 35 milímetros de
ancho. Y por norma debe tener cuatro
perforac ione s por cada foto grama en
ambos lado s, para que de esa manera la p elícula pueda correr a 24
cua dros por segundo. En el último
siglo se le fue ron haciendo
modificac ione s para coloca r la línea
de sonid o, así como agregán dole una base más segura, formulado para que
pueda capturar el color; ha contenido
una gamma de formatos de pantalla
ancha (W id escreen) e in corporando
info rmació n de sonido digital en ca si todas sus áreas que no tienen
marcos.
16mm : Evolución compacta.
Este formato fue introducido en 1923 por Ea stman Kodak como una
alte rnativa económica al formato de
35mm. Para este formato Kodak
dec idió no fabr icarla co n base de
nitrocelulosa ya que era dema siado inflamable y representaba un riesgo
para sus usuarios, fue e ntonces que
la cinta de 16 milímetros fue la
pionera en usar la base de acetato.
Po co a poco el cine esta ba llegando a las manos de to dos y u tilizado pa ra
proyectos edu cativos. También tiene
el título de haber filmado los
aco ntecim ientos d e la se gunda
guerra mundial, la película de 3 5mm
ya había capturado imágenes bélicas en la revo luc ión mexicana cuando la
“Mutal Film Co rporatio n” hizo un a
película sobre el ge neral Francisco
Villa en pleno movimiento
revo luc ionario.. El formato se disparo a un costo sumame nte barato a
diferencia del 35 mm, que lo lle go
adoptar la te lev is ión y muchos
directores indepe ndien tes. Varias
ser ies de TV fueron realizada s co n 16mm y no hace mucho se filmaron
bajo este forma to las series:
"Hallmark Hall of Fame anthology" y
"The O.C" en Estados Un idos. Y
grac ias a ello muchos importantes documentales pudieron dar a luz, así
como trabajos y filmaciones
exper imentales en univers idades.
8
8mm: El cine se hizo casero.
Tras la llegada del cine sonoro,
Eastman Kodak lanzo e l formato llamado "Ciné Kodak Eight" u "8
Estándar", cuyo tamaño era de 8
milímetros. Fue puesto para su uso
casero, de esta manera el c ine llego a
todas las clases acomodadas de la sociedad, comenzaron los re tratos en
vídeo los paseos familiares, los días
de campo y cualquier otra cosa que
uno quisiera filmar sin tener que
hacer tanto gasto por una cámara.
El 8mm nació a ra íz de la partic ión de
la cinta de 16 mm. La idea e ra
diseñar una cámara que filmara sobre la mitad de la película de 16 mm.
Cuando se acababa de filmar esta
mitad de película, se sacaba el rollo
filmado y se le daba la vuelta para
impresionar la otra mitad .
SUPER-8
Un poco después de 30 años de la
llegada del formato de 8mm, en la década de los 60´s Estman Kodak
presento el formato de SUPER-8. Lo
llamó super debido a las superiores
ventajas que ofrecía la reformu lación
del formato de 8 mm.
Ya sea 8mm o SUPER-8, este fue el
fo rmato con el cual el c ine llego a la
mano de la gran mayoría de la población y se le da el merito de se r
el descubridor de muchos y
reconocidos directores de cine.
70mm: De realismo a la muerte del
celuloide.
Tiempo después llegaría el formato
de 70mm con el cual se extend ieron los límites del fotograma del 35mm,
para obtener una imagen panorámica
y demasiado ancha para mostrar
como diversos expertos afirman: “El tamaño de la visión del o jo humano”.
Este formato requirió fabricar cines y
pantallas que lograran proyecta r las
imágenes filmadas en 70mm, para
ello se crearon las salas IMAX.
Después de ver el cine en
fo togramas, llego el tiempo de dar un
nuevo paso en la tecnología para
hacer y ver películas. La Era digital, el 3D y el 4DX toman el turno. Los
cambios serán drásticos y ya
estamos empezando a
acostumbrarnos a estos movimientos radica les. Algo es seguro: No
dejaremos de ir al cine, s in embargo,
no será lo mismo.
9
10
Dentro de las celebraciones del 450
aniversario de la ciudad y como parte
del festival de cinematografía de la feria
nacional Durango 2013 se llevó a cabo
la conferencia ¿Qué hace un director de
cine? Que estuvo a cargo del gran
escritor y director de cine Alan Coton.
Coton nos cuenta los pasos que ha seguido
para crear sus películas. “Primero me
convierto en guionista y empiezo a escribir la
historia sobre la cual bazar mi película. Y
recordando que en México todo se hace bajo
las necesidades del director, quien puede
cambiar la historia, actuación, música etc.; lo
que no sucede en otros países. Es por eso
que los directores tenemos más
responsabilidad”.
Coton nos dice ‘’estudiar la carrera de cine
me sirvió para comenzar a dirigir más rápido’,
aunque para ser director de cine basta que
ames el cine, ya que lo que hace a un
director de cine es la práctica”.
Alan nos dice que le gusta escribir sus
propios guiones y el tiempo varía desde 1 o 2
años hasta 3 semanas. “Una vez que se
tienen los recursos se hace el casting ‘me
gusta debutar actores’’, nos dice Alan. Después de esto, viene la búsqueda de
locaciones, las pruebas de cámaras, de
vestuario, maquillaje, peinado etc.
“El cine es el arte que tiene mas repercusión,
por eso me gusta cuestionar a la sociedad,
ya que el cine no caduca con el tiempo, la
película pasará de generación en generación,
por eso es importante el mensaje que esta
deja para que la sociedad tome conciencia”.
¿QUE HACEUN DIRECTORDE CINE?
texto: Nora V. Jiménez
12
Muchos jóvenes apasionados por el
séptimo arte asistieron para escuchar
atentamente a Fernando Loza, scauting,
productor y director de cine, quien ingresó de lo más distendido, hablando
en su experiencia con los medios visuales, donde lo esperábamos con
muchas ansias.
Fernando Loza platicó sobre su debut en
el cine, “soy hijo de padres actores, por
lo que siempre estuve involucrado con
este medio, aunque mi sueño en la vida siempre fue ser futbolista, por motivos
personales no pude llevarlo a cabo,
estudio actuación en la ciudad de
México, pero siempre me interesó más la
parte de dirección y producción, empecé como jalacables”.
En 1980 tuvo la oportunidad de entrar a trabajar como productor en la Productora
nacional de televisión y cine
(PRONARTE). ‘’Me encanta el cine
rustico, cuando en 1980 hacías una
película con dos pesos y la vendías en
diez”.
Fernando animó a los jóvenes
apasionados por el cine a seguir sus
sueños y no descansar hasta ser parte
de este medio. ‘’Dense el privilegio de
hacer cine, ya que es algo maravilloso;
incluso las personas que lo hacemos
somos diferentes”.
SU EXPERIENCIA
Más de 80 producciones en su carrera;
destacan largometrajes como “La otra
familia”, “Paradas continuas”, “Al otro
lado”, etc.; al igual que series de televisión como “El pantera”,
“Cloroformo”, “Los héroes del norte”, etc.
el arte del SCOUTINGtexto: Nora V. Jiménez
14
EL C
INE
SIN
MÚ
SIC
ASERÍA UN ERROR
text
o y
fo
tog
rafí
a: A
nd
rei m
ald
on
ado
14
Tomando como base la producción en serie
impulsada por Henry Ford -misma que
revolucionaría los mercados industriales al
desplazar a los trabajadores por máquinas
que producían en serie- unida a la tragedia
laboral de los Mártires de Chicago –donde
murieron cientos de trabajadores en lucha
por sus derechos laborales-, Fritz Lang regaló
al mundo de la cinematografía una de las
más grandes películas del expresionismo
alemán: “Metrópolis”, un film que además
de ser futurista criticaba los inicios de un
sistema económico-social que hoy en día es
toda una realidad.
Si esta cinta muda merece una música a su
altura sin duda alguna la indicada es la que
interpreta el zacatecano Whilhem Cásarez
bajo su proyecto solista Ziguryha, la cual
corresponde a un género que él mismo llama
“música atmosférica experimental”.
Theodor W. Adorno señalaba que “el arte, al
irse transformando, empuja su propio
concepto hacia lugares que antes no tenía” y
eso fue lo que se presenció en el
Cineconcierto, un proyecto jamás antes visto
en Durango, que nos remite a los inicios del
cine cuando se interpretaba la música en
vivo durante la proyección.
Armándose de teclado, piano, sintetizadores,
secuencias y una amplia gama de temas
originales, Whilhem, “el del nombre
alemán”, llevó a los presentes que se dieron
cita al Palacio de los Gurza a un viaje que no
estaba en lo filmado en 1927 ni en las
melodías que llenaban el espacio; se
encontraban, quizá sin darse cuenta,
inmersos en una identidad atemporal que
solo la música puede brindar.
Convirtiendo el museo en un cine, Whilhem,
como lo adelantara atinadamente la
curadora, crítica y realizadora audiovisual
Heidy Cásarez, “hace música para imágenes
silentes”. Tal aseveración cobra realidad
cuando recordamos el aforismo de Friedrich
Nietzsche donde afirma que sin la música la
vida sería un error, y el cine también es una
forma de vida.
Forma de vida que los hermanos Cásarez
conocen bien y saben explotar, porque al
verlos teorizar el mundo del celuloide bajo la
premisa de que la música hace a la imagen y
no la imagen a la música podemos
comprobar que el cine y la música se saben
amalgamar cuando existen talentos capaces
de hacer converger los orígenes del cine con
las nuevas vanguardias.
